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La Mercè más descentralizada

Cartel de Miguel Gallardo

"La reiteración es el principal eje de la fiesta, que también tiene novedades”, apuntaba hace unos días Xavier Cordomí, director artístico de los actos tradicionales de La Mercè. Y es que La Mercè sigue hermanando con una ciudad invitada, el BAM continúa apostando por la emergencia y consolidación musical, las asociaciones sacan pecho, la cultura popular late y las artes salen a la calle. Los ejes programáticos son prácticamente los mismos; el formato, diferente. Los cambios vienen acompañados del discurso del Ayuntamiento, que destaca que La Mercè es una fiesta para todos los barceloneses y barcelonesas y que debe ser más descentralizada, participativa y atrevida.

Gesto con París

París, desgraciadamente, ha sido noticia en los últimos meses y no precisamente por su grandeza. Barcelona quiere tener "un gesto con la ciudad hermana que ha sido víctima de la intolerancia y la violencia", explicó Jaume Collboni, concejal de cultura. Así, el Parc de la Ciutadella acogerá Nuage, una nube artificial suspendido en el aire sobre el que se mueven unos acróbatas, y también verá cómo crecen en su interior las construcciones participativas de cartón del artista Olivier Grossetête; los franceses también tendrán un lugar destacado en el Barcelona Acció Musical (BAM), en el Festival Pirotécnico Internacional y al espacio de creación La Caldera Les Corts, que mostrará el documental La Opéra de París.

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Horacio Seguí: memoria fotográfica de la música de los 60

Joan Manel Serrat

Horacio Seguí, a través del objetivo de su cámara fotográfica, ha testimoniado medio siglo de vida deportiva en nuestro país. Pocos conocen pero que antes de su intensa y prolífica etapa de fotógrafo futbolístico, Seguí retrató los músicos y cantantes más destacados de los años sesenta. Tanto los de la Nova Cançó, que se asomaban en nuestra casa con ansias de libertad, como los artistas internacionales que hacían escala en la gris España para promocionar sus discos. Viajó también por los festivales más importantes del momento -San Remo, Benidorm, Eurovisión y Viña del Mar- y publicaba sus fotos en revistas como Mosaico musical, Lecturas, Ondas, Discóbolo y Correo de la Radio.

La exposición La música de los 60 dentro y fuera de los escenarios que se podrá visitar hasta el 5 de noviembre en la Casa Golferichs, Gran Via de les Corts Catalanes, 491 de Barcelona, se presenta como una retrospectiva musical, reflejando el gran trabajo dentro de este ámbito que realizó Horacio Seguí y que no es tan conocido por el gran público. Sus retratos descubren los artistas más destacados de toda una época: desde estrellas como Joan Manel Serrat, Núria Feliu o Peret, pasando por Julio Iglesias, Tom Jones, Paul Anka, Rocío Jurado o Massiel, sin olvidar los retratos de grupos como los Sírex o los Mustang, entre muchos otros.

Las fotografías de Horacio Seguí esconden una historia. Paseó Tom Jones con su moto. Los 5 Latinos comieron pan con tomate en su casa. Llevó Charles Aznavour a ver la Sagrada Familia. Fotografió el concierto de los Beatles. La amistad trabada a lo largo de los años entre fotógrafo y artistas ha hecho que algunos participaran en la inauguración de la exposición de este jueves, como Agustín de Los Diablos y Santi de los Mustang -cantando en directo- o Los hermanos Calatrava y Núria Feliu. La muestra, organizada por el Espacio de fotografía Francesc Català-Roca, cuenta con la colaboración del Arxiu Nacional de Catalunya.

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Jordi Duran; "La interculturalidad sirve para preguntarnos qué somos hoy en día"

Jordi Duran, director artístico de FiraTàrrega

Emprendemos el viaje que supone ir a Tàrrega con la ilusión de cada año. No nos referimos al trayecto que separa Barcelona de la capital de las artes escénicas de calle. Nos referimos al viaje cultural y emocional que proporciona FiraTàrrega cuando ocupa el espacio público y lo llena de arte y de creación. "¿Cómo trabajamos la interculturalidad desde casa? ¿Estamos preparadas las instituciones o los equipamientos públicos actuales para dirigirnos al ciudadano contemporáneo? ¿Dónde y cómo tiene cabida la diferencia?". Son algunas de las preguntas que se hace Jordi Duran, director artístico de FiraTàrrega, que este año centrará esta edición en la interculturalidad. Del 8 al 11 de septiembre podremos asistir a 60 espectáculos de 57 compañías (30 de catalanas, 11 españolas y 16 internacionales), de los cuales 15 han sido coproducidos por FiraTàrrega (es decir, un 25%). En este contexto prometedor volvemos a FiraTàrrega para conversar con su director y continuar disfrutando de buenos espectáculos.

¿Cómo se manifiesta la interculturalidad en las artes escénicas de calle?

En FiraTàrrega hablamos de interculturalidad, participación y espacio público. Hasta el 2018 dedicaremos la feria a cada uno de estos grandes activos que contribuyen a diferenciar las artes de calle de las artes de sala. Son creaciones pensadas para todo tipo de público. Hablamos de una disciplina muy atractiva para los programadores y capaz de aterrizar en mercados muy diferentes. La interculturalidad sirve para preguntarnos qué somos hoy en día. No sólo nos dirigimos a público que puede pagar una entrada de teatro, nuestra intención es conectar con todos. En FiraTàrrega escuchamos y servimos, somos un servicio público, no sólo una plataforma para compañías, sino también un espacio de exhibición donde todo el mundo tenga acceso. Las artes de calle son por definición interculturales.

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Cuando los muros hablaban

"Amnsitía"

Entre 1974 y 1977, el colectivo de fotoperiodistas Foto FAD trabajó en el registro del grafiti de calle en Barcelona, recopilando una serie de más de 6.000 imágenes procedentes de baños públicos y reivindicaciones políticas. Felix Camprubí, Lluís Crusellas, Joan Fontcuberta, Eusebio González, Siso Mitjanas, Josep Moliner, Miquel Moix, Lluís Muñoz, Salvador Obiols, Ramon Pi, Enric de Santos, Manel Úbeda, Raül Vendrell y Crisitina Zelich son los 14 fotógrafos que retrataron las consignas políticas, la represión y los anhelos democráticos de la ciudadanía a través de los grafitis. Hicieron 1.620 fotografías en Barcelona y en diferentes poblaciones del Vallès Occidental y el Baix Llobregat.

Una vez muerto Franco, siguieron con la tarea hasta la época de la Transición. En 1977 la editorial La Gaya Ciencia publicó su trabajo con el título Pintadas. Barcelona: De Puig Antich al Referéndum. Aunque originalmente el proyecto pretendía tener más complejidad y envergadura temática, en Pintadas se publican pintadas políticas realizadas entre la ejecución de Salvador Puig Antich (marzo de 1974) y el referéndum (diciembre de 1976). De este proyecto-libro, la selección de imágenes del que estuvo determinada por "la urgencia política que, por ahora, domina la atención cívica" y de otros fondos relevantes del Arxiu Fotogràfic parte la exposición para genera unos relatos que son más actuales que nunca.

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"Menos Rey más cultura"

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Enric Palau; "No construimos el cartel del Sónar en base a los grandes nombres, lo hacemos más sobre una personalidad de contenidos”

Enric Palau, codirector del Sónar

Gente, gente y más gente que se acumula, ya desde primeras horas del jueves, para probar "la experiencia Sónar": colas, pulseras, césped artificial, conciertos e interludios musicales vividos como conciertos, bebidas y acciones diversas patrocinadas... la capacidad de atracción del Sónar no pierde comba y hace que muchos hayan aparcado trabajos y exámenes para vivir intensamente el festival. En este contexto, cabe preguntarnos no sólo sobre la capacidad innovadora de un festival que vive de su asentamiento y su popularidad en términos "históricos", sino también sobre los planteamientos de futuro para mantener los puentes entre la parte estrictamente musical y las propuestas de carácter artístico que generen este espacio intersticial tan necesario.

El cartel de este año lo forman artistas desconocidos. ¿El público desea y necesita propuestas nuevas para huir de la homogenización?   

Nos gusta apostar por gente que no conocemos todavía, que comienzan su camino y al que el festival incorpora para hacerlo visible a la gente, y que ese público tenga la sensación de haber descubierto a un tipo del que no sabía nada. No construimos el cartel del Sónar en base a los grandes nombres, lo hacemos más sobre una personalidad de contenidos, que hace que el público confíe en nosotros, que venga a descubrir.

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El discurso social se apodera del Sónar

La música no deja de ser el reflejo de las inquietudes sociales, sentado en un patio de butacas o bailando hasta la madrugada. Con esta idea, el Sónar se renueva año tras año, e intenta tomar el pulso musical sin perder el compromiso social. "Un contenido social cada vez más presente en los discursos de los artistas", dice convencido, Enric Palau, uno de los tres codirectores del festival. Así, del 16 al 18 de junio, la diversidad estética, cultural y geográfica y el discurso social estará presente en muchas de las propuestas.

El festival arrancará con la OBC y el estreno nacional de Become Ocean del compositor estadounidense John Luther Adams. Nacido en 1953 en Mississipi y residente en Alaska desde 1978, Adams es uno de los más prestigiosos compositores americanos de los últimos tiempos. Su trayectoria está estrechamente vinculada a los movimientos ecologistas, y sus obras más importantes, a las que a menudo introduce elementos electrónicos, pretenden alertar sobre los peligros de la destrucción de los espacios naturales por parte del hombre.

Become Ocean ha sido galardonada con el Grammy (2015) y el Pulitzer (2014) a la mejor obra contemporánea, Alex Ross, de The New Yorker, la ha descrito como "el apocalipsis más precioso de la historia de la música". El Auditori vivirá jueves una experiencia inmersiva de 42 minutos de música a medio camino entre la sinfonía y el ambiente contemporáneo. John Luther Adams alerta del deshielo progresivo del Ártico con una recreación musical a partir de tres grupos orquestales que fluctúan como si fueran tres olas oceánicas, evolucionan de manera independiente, y se reencuentran para formar una ola imponente en tres momentos de la obra.

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Rosa Ribas; "La gente asustada por la crisis termina abrazando ideas ultraconservadoras"

Rosa Ribas acaba de publicar 'Si no, lo matamos'

Las novelas de Rosa Rbas (El Prat de Llobregat, 1963 ) sorprenden por su calidad. Muy bien narradas, entretenidas y ágiles. La autora aborda grandes temas y lo hace de un modo lleno de matices: los contrastes culturales, la xenofobia, la homofobia... Nada es blanco o negro, ni los alemanes, ni los inmigrantes con sus propios prejuicios. Su protagonista, Cornelia Weber-Tejedor, es de carne y hueso y sus libros están poblados de magníficos personajes secundarios como el cura ateo, los trabajadores de la agencia de publicidad, los compañeros policías, el forense, la secretaria de su jefe o su propia familia. Frankfurt, con su río, sus casas de entramado, sus monstruos de hormigón y sus rascacielos constituye un gran escenario. Ha vuelto la comiasaria germano-española para poner a prueba tanto su mente como su integridad física. Rosa Ribas ya nos regaló tres estupendas historias hace años. En esta cuarta entrega, Si no, lo matamos (Grijalbo), tendrá que enfrentarse a la resolución de un enrevesado misterio que pondrá a prueba sus capacidades profesionales, sus relaciones personales y de pareja, y la arrastrarán a momentos bastante amargos. Aprovechamos una de las visitas de la autora en Barcelona para hablar de esta historia criminal apasionante que saca a la luz el tema de los secuestros.   

¿Este es el caso más complejo que debe resolver Cornelia?

Siempre había trabajado en casos de asesinato. Esta vez la investigación gira en torno a una víctima. Es un caso que plantea muchos dilemas y pide con urgencia una resolución. Se trata de un secuestro express y la víctima se encuentra en peligro de muerte. Trabaja con mucha más presión, cada minuto que pasa es importante. Además, se añade una experiencia traumàtca de la adolescencia.  

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Recordar quiénes han sido para no olvidar quiénes son

André y Dorine de Kulunka Teatro

La compañía Kulunka Teatro se creó en 2010, en Euskadi, por Garbiñe Insausti y José Dault, jóvenes pero experimentados artistas de extensa trayectoria teatral. La inquietud de sus integrantes es experimentar con diferentes lenguajes escénicos. Todo ello, sin olvidar la idea de hacer un teatro accesible para el público. Un teatro vital, actual, comprometido y conectado con la realidad.

Crean espectáculos sin fronteras, con la voluntad de descubrir un lenguaje que trascendiera más allá de la palabra. Un lenguaje capaz de emocionar y divertir. Para ello, se apoyan  fundamentalmente en un teatro de gesto, en el que la máscara actúa como puente hacia una poética visual. Ellos abren las puertas del imaginario hacia un mundo en el que todo es posible.

Por ejemplo, un pequeño salón, de cuyas paredes cuelga el pasado, y suenan las teclas de una máquina de escribir y las notas de un violoncello. Los protgonistas son André y Dorine: una singular pareja de ancianos que, como tantas otras, ha caído en la desidia provocada por la rutina. Desde el humor veremos como lo que antaño despertaba la pasión del uno por el otro, hoy en día se ha convertido en indiferencia o incluso motivo de discusión.

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La Caldera vuelve a hervir danza

La Caldera impulsa la danza en el distrito de Les Corts

La Caldera se fundó en 1995 por un grupo de artistas en la Vila de Gràcia. Este proyecto fue durante 20 años un centro de creación pionero tanto en Cataluña como en España. Hace casi tres años se tuvo que trasladar de Gràcia a Les Corts, en el antiguo edificio de los cines Renoir. El Ayuntamiento tenía la titularidad del edificio y lo cedió a la entidad, uno de los espacios de creación escénica con más trayectoria en la ciudad. Pero el cambio iba más allá del traslado físico, porque La Caldera se convertía en proyecto público y pasaba a integrarse en la red de fábricas de creación municipales. La entidad comparte oficinas con la Asociación de Profesionales de la Danza de Cataluña para crear sinergias dentro del sector.

Fueron necesarios ocho meses de obras, las butacas del antiguo cine Renoir desaparecieron y las salas se transformaron en tres amplios espacios de ensayo de 300, 200 y 125 metros cuadrados, un almacén y una sala polivalente y para reuniones. Nacía un espacio nuevo con un nuevo espíritu destinado al apoyo a la creación escénica, con residencias de artistas y formación continuada dirigida a los profesionales. Más adelante, cuando el presupuesto lo permitiera, también se haría una programación regular de espectáculos de todo formato y abiertos a los diferentes tipos de públicos. Después de un año como centro de creación artística ha llegado este momento y acaba de abrir una nueva sala de exhibición de espectáculos tanto de danza como de otras artes escénicas. Un espacio totalmente polivalente con capacidad para 100 personas que ha inaugurado el ciclo Cosmovisions, que tiene como objetivo mostrar al público montajes muy variados con las artes escénicas como protagonistas. Esta primera programación se alargará hasta finales de junio.

Cosmovisions ha inaugurado con One-hit wonders, donde la coreógrafa Sol Picó hace un repaso de su trayectoria; Continuó el pasado fin de semana con Juan Luis Matilla presentando Boh!, una reflexión sobre el cinismo y el poder, desde el Renacimiento italiano hasta Silvio Berlusconi, con una banda sonora de música italiana; María Campos llevará el 26 y 27 de mayo Tarannà, que plantea la idea de la transformación a través del objeto, el espacio y el cuerpo; Lucy live,de Diana Gadish, el 28 de mayo, cuestiona las convenciones del cabaret y el café-teatro con danza, teatro y clown; el coreógrafo Guillermo Weickert y el pianista Alejandro Rojas-Marcos presentan con IUSISUSU? el 10 y 11 de junio, un espectáculo basado en la improvisación y el diálogo de sus disciplinas y para cerrar el ciclo, el 17 y 18 de junio, Jordi Cortés recupera Fuck-in-progress, que aborda la sexualidad de personas con diversidad funcional.

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El punk (no) ha muerto

Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo

Creativos, alocados y muy agresivos, como forma de demostrar su rechazo frontal a la sociedad. Pero también muy inocentes, no tenían ni idea de nada y querían descubrirlo todo solos y aceleradamente. Los primeros 80 eran poco más de 50 punks en todo el Área Metropolitana. A partir del 84 comenzó a subir la cifra y en abril del 86, el momento álgido, más de mil. También fueron la primera generación de jóvenes que salió a la calle sin el dictador y la primera en darse cuenta de que la transición hacia una democracia real y popular era mentira. Vivían en la dictadura de los partidos, como dice Pau Riba, o la del dinero, simplemente. Así eran los punks en Barcelona. El nuevo director del MACBA, Ferran Barenblit, hace unos meses, aseguraba que el museo debía impregnarse del espíritu punk de la ciudad. "Barcelona era canalla y deseo que lo sea. En buena parte la definición de Barcelona como modelo de éxito viene de esta actitud y de ámbitos muy underground. Sin olvidar que somos un museo, tenemos que ser un poco canalla".

El contagio no se ha hecho esperar y el MACBA respira punk por todos los lados gracias a PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo, una exposición que reúne más de un centenar de obras de artistas nacionales y extranjeros comisariados por David G. Torres. La muestra revela los principales elementos que definen el punk mediante los rastros que ha dejado en la producción artística contemporánea. "¿Se ha sentido nunca estafados?", es la pregunta que lanzó al aire Johnny Rotten 1978 el último concierto en San Francisco de la banda icono del punk, los Sex Pistols. Y la respuesta, ante la crisis social y política de los años setenta, está llena de rabia, inconformismo, negación, provocación... El punk es una actitud que eclosiona entre 1976 y 1978 en Londres y Nueva York como expresión de rechazo total al sistema. Recoge el lema "No future" de movimientos anteriores como el situacionismo y el dadaísmo pero, a diferencia de éstos, emerge en medio de la cultura de masas, lo que provoca que trascienda más allá de los setenta, del contexto anglosajón y de la escena musical. Punk se convierte en un adjetivo que califica una manera de entender el mundo y de enfrentarse al contexto sociopolítico y los convencionalismos, como lo hace una buena parte del arte contemporáneo con un fuerte espíritu crítico y cuestionador.

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Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo Miquel Coll

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