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‘Del revés (Inside Out)’, de Pixar: viaje al centro del universo emocional

Las emociones protagonistas de 'Del revés' / Foto: Pixar

Pese a que el cine de animación forma parte fundamental de la memoria cinematográfica de quienes hacemos este blog, siempre hemos reconocido el brevísimo espacio que le hemos dedicado aquí. Entendemos que no somos expertos en el tema y que no podemos valorar los complejos mecanismos que hacen posible un género tan complicado como fascinante. Pixar ha hecho que todo eso se olvide. Lo consiguió casi desde el principio pero mas aún cuando asistimos fanáticos a las maravillosas tres entregas de ' Toy Story' y la inolvidable ' Up', y comenzamos a darnos cuenta de que estos magos subsidiarios de Disney hacían un cine mucho más humano y universal que aquellos que llevan años izando la bandera de tales propósitos. Y lo han vuelto a lograr. ' Del revés (Inside Out)' es un derroche absoluto de imaginación, un alucinante viaje por las emociones de una niña a punto de entrar en la pubertad y que ve cómo su vida perfecta y feliz se transforma cuando cambia de residencia junto a sus padres.

Riley es la protagonista humana de la película, pero es solo la parte externa de una infraestructura mental comandada  por sus verdaderos protagonistas: Alegría, Tristeza, Asco, Ira y Miedo son las emociones que viven dentro de ella. Alegría fue la primera que tomó los mandos y la que dirige los sentimientos de la niña convirtiendo su microuniverso emocional en miles de recuerdos felices. Cuando llega el punto de inflexión para Riley, la cohibida, torpe y acomplejada Tristeza comienza a cobrar protagonismo. Un desafortunado accidente por el manejo de los llamados “recuerdos esenciales” hará que ambas emociones sean expulsadas de la central de mando. Deberán entonces emprender el camino de regreso.

Con la aventura de Alegría y Tristeza descubrimos así que ' Del revés' es la historia de un microuniverso emocional. Un planeta conformado por las Islas de la Personalidad, el Tren del Pensamiento, el Laberinto de Recuerdos, Imaginalandia, la Cueva del Subconsciente o el temible Vertedero. Es un apabullante derroche de imaginación que parece no tener límites. A las dos emociones principales se unen otros personajes que transitan por los mundos mentales de Riley, y que se reservan algunas de las escenas más conmovedoras de la historia de Pixar, si tal listón era posible de superar.

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Recordando a Omar Sharif: disección de 'Lawrence de Arabia'

Omar Sharif en 'Lawrence de Arabia' / Foto: Imdb

EL MEOLLO: El oficial británico Thomas Edward Lawrence (Peter O´Toole) es conocido entre sus compañeros y superiores por su excentricidad, insubordinación y rarezas. Desde su destino en el destacamento inglés en El Cairo (Egipto) durante la Primera Guerra Mundial, es enviado a Arabia para contactar con las tropas aliadas del príncipe árabe Faysal (Alec Guiness), que combaten contra los turcos. Su fuerte personalidad, su fuerza de voluntad, sus ansias de rebeldía y su entrada en contacto con el desierto y los beduinos, despertarán en el joven Lawrence el sueño de unir todas las tribus árabes en contra de los propios intereses británicos y franceses. Convertido en líder de una revolución imposible, buscando la grandeza ancestral del pueblo árabe, y acompañado por la fuerte lealtad (ganada e pulso) del líder harish Sherif Alí (Omar Sharif) y las ansias  tribales del jefe del todopoderoso clan howeitat Auda abu Tayi (Anthony Quinn), un héroe, un profeta, un hombre fuera de lo corriente se enfrentará a un destino no escrito entre las inclementes tierras del Nefud y el Sinaí, acosado por la muerte, convencido de que “un hombre puede ser todo lo que quiera” y luchando contra su rendición y su propia tierra. Lawrence de Arabia, probablemente uno de los mejores personajes adaptados de toda la historia del cine, liderará entre dos tierras su propia guerra contra sí mismo, entre la locura y la razón, la barbarie, la enajenación y la pérdida. Este año cumple medio siglo reinando en el desierto la historia de este grandioso hombre, atrapado para siempre entre las dunas, de regreso a su expiación y buscando la parte de humanidad que nunca le fue dada. En estos 50 años, nadie ha conseguido superar la obra magna de David Lean, coronada con siete Premios Oscar, con la misma espectacularidad que lo hizo el genio británico, manteniendo su corona dorada de las áridas tierras de la antigua Arabia.

David Lean / Foto: biografiasyvidas.com

David Lean / Foto: biografiasyvidas.com

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Atado en corto: ‘Next Floor’, la decadencia es un banquete

Cortometraje 'Next Floor', de Denis Villeneuve / Foto: Sensacine

¿A qué nos desafía esa mirada chulesca y penetrante con la que se inicia uno de los mejores cortometrajes de este siglo? Si sabemos sostenerla durante el suficiente tiempo, podremos comprobar una vez más el talento creciente y asombroso del cineasta canadiense Denis Villeneuve, a la hora de meternos en una historia de una patada en el trasero. ' Next Floor', rodado en 2008, cuenta en la actualidad con más de 60 premios tras pasar por unos 200 festivales, y narra la opulenta cena de once comensales que tendrán que enfrentarse con un astuto enemigo: la ley de la gravedad.

De carácter expresionista, personajes grotescos y con una dirección de fotografía, obra del maestro Nicolas Bolduc, perturbadora en sus tintes gastronómicos, sus pocos más de cinco minutos navegan entre esa crítica a los excesos aparentes de la burguesía que ya inmortalizara Luis Buñuel, y un extraño componente de tensión y repugnancia. El banquete se perpetúa piso tras piso, bajo los escombros y el polvo, de manera histérica y casi cómica,  símbolo de una decadencia que arrastra consigo cuanto se encuentra.

El cineasta, autor de los magníficos largometrajes 'Polytechnique', ' Incendies' y ' Prisioneros' es uno de los grandes talentos cinematográficos de las dos últimas décadas. Por aquí  seguiremos sin perderle de vista, derrumbe tras derrumbe:

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Las 20 mejores películas de terror de la historia del cine

'The Ring (La Señal)' / Foto: Imdb

El terror, el miedo. Tan innato al hombre como su existencia. No hemos podido resistirnos a hacer un repaso por nuestro particular catálogo de películas de terror. Una lista casi interminable de muertos vivientes, espíritus, fantasmas, seres de otro mundo, posesiones, fenómenos paranormales para dar y tomar, de donde hemos seleccionado las 20 cintas de este género que más nos han marcado, tanto por su magnífica contribución al séptimo arte como por conseguir sembrar de miedo, dudas y algún que otro escalofrío las noches más solitarias y oscuras. El ranking, de menor a mayor y siempre sujeto a la subjetividad y a la opinión, lo hemos elaborado en función del número de horas sin dormir que cada una nos ha producido:

Nº 20.  'Los pájaros', de Alfred Hitchcock (1963). El maestro del suspense dejó a todo el mundo pasmado con una bandada de cuervos y gaviotas asesinas que machacaron hasta el trauma a la actriz Tippi Hedren y ensalzaron a un siempre incólume y salvavidas Rod Taylor. Ya metido en una década difícil para el género, el cineasta británico realizó una de las películas más singulares de su carrera, con efectos especiales y de producción que hicieron del rodaje toda una locura, como marca de la casa del señor Hitchcock.

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Disección: ‘Centauros del desierto’, de John Ford. 'Los que buscan sin descanso’

Cartel de 'Centauros del desierto' / Foto: cinetario.es

EL MEOLLO: Es 1868 y en pleno desierto de Texas una mujer se asoma al umbral de una puerta. La vemos desde detrás, recortada en una sombra, en uno de los planos cinematográficos más simbólicos del cine. Ella y los miembros de su familia reciben a Ethan (John Wayne), que regresa de la guerra. Un hombre frío, rudo y acostumbrado a la barbarie, con enormes y casi justificados prejuicios raciales, pero que tendrá que enfrentarse a algo peor: en una emboscada y mientras él se encuentra de expedición, los comanches asesinan a toda la familia menos a su sobrina Debbie (Natalie Wood), a la que se llevan secuestrada. Emprenderá así una búsqueda sin descanso, primero acompañado de los mandos civiles del condado, y después en solitario junto a su sobrino mestizo Marty (Jeffrey Hunter), con el que mantiene una despótica relación debido a su sangre cherokee. Basada en la novela original de Alan Le May ' The Searchers' (también el título original de la película), ' Centauros del desierto' es probablemente el mejor western de la historia del cine. Asombrosa de principio a fin, constituye un auténtico manual para revolucionarios en el que John Ford vertió toda su legendaria maestría, explotó y renovó las técnicas de realización en exteriores, e influyó en décadas posteriores y en todo tipo de géneros. Estos míticos centauros nos llevan a una búsqueda infinita, a un descubrimiento terrible pero sospechado, a una oportunidad para ser libres, y a un aprendizaje para aquel que no comprende “que se pueda perseguir algo sin descanso”.

DETRÁS DE LAS CÁMARAS: El western se llamó así por una simple localización geográfica. Si no, hubiera llevado el nombre de John Ford . Muchas más cosas tendrían que haberse bautizado así, en realidad. Medio siglo dedicó este grande entre los grandes a explorar todas las facetas del séptimo arte, a innovar, a bucear en la historia de su país. Un patriota crítico y rotundo , que llegó a ser contraalmirante de la Armada norteamericana, pero que aprovechó su prolífica carrera cinematográfica para dejar señalada con su pipa una butaca entre los reyes absolutos del celuloide . A la fabricación de su profesionalidad contribuyó la escuela del cine mudo , desde sus inicios con Universal y de la mano de su hermano Francis, hasta su contrato con la Fox, que le permitió en los años 20 comenzar a desplegar su talento en todo tipo de géneros, aunque fue con la superproducción 'El caballo de hierro'  (1924) cuando comenzó a dejarse mimar por una industria que comenzaba a apostar fuerte por las batallas entre indios y vaqueros . Varios ensayos de películas en los que mezclaba comedia, drama y acción como 'Tres hombres malos' y 'Cuatro hijos' , hicieron que Ford cabalgara siempre con relativa comodidad entre géneros y que se anticipara al cine crepuscular , centrado en el sacrificio y la muerte, que se violentaría con los años.

Foto: cineclasico.com

Foto: cineclasico.com

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‘Calvary’, de John Michael McDonagh: ‘Un dios que no comprende todo’

Cartel de 'Calvary' / Foto: Imdb

La película abre con el plano fijo de un confesionario. En penumbra, para que los pecados puedan salir con discreción. En la imagen sólo vemos a un sacerdote. Al otro lado, fuera de plano, se escucha una voz que puede ser de cualquiera, aunque el cura sabe que tiene un nombre. “Probé semen, por primera vez, a los siete años de edad”, se oye. En seguida, el ‘pecador’ confiesa haber sido violado de manera sistemática por otro sacerdote. El dolor que asoma por el rostro del padre James Lavelle (inmenso Brenda Gleeson) es amargo. La tragedia le suena demasiado. Pero el hombre sigue con su relato y acaba despidiéndose dejando un desafío en el aire: “Le mataré porque es usted inocente”. Y le da una fecha, lo hará el próximo domingo.

El arranque de Calvary es demoledor. Impactante, pero también temerario, nos dice mucho del espectáculo ante el que estamos a punto de rendirnos sin condiciones. Porque Calvary es una película ante la que es muy difícil pasar de largo. Resulta desoladora sin dejar de mostrar un gusto peligroso por el humor negro y sórdido. Y es una rareza dentro de la cartelera, entre otras razones, porque cuenta con algunos de los diálogos más brillantes que se han dejado escuchar en los últimos tiempos.

El sacerdote tiene siete días para dejar las cosas en orden, cerrar una conversación con su hija, que siempre parece quedar pendiente, e intentar ayudar a algunos de los habitantes de la aldea irlandesa donde está su parroquia. El espectador, además, tiene dos horas para descubrir quién está detrás de la amenaza. Un interrogante que pronto queda en un segundo plano ante el patético espectáculo que comienza a desarrollarse. Y es que el calvario del sacerdote no anda muy lejos, porque supone recorrer los infiernos que encierran las almas de los habitantes del pueblo. Feligreses que nunca tiraron de Fe, precisamente, para ‘tomarle las medidas’ a su dolor, como diría John Lennon.

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‘El tercer hombre’, de Carol Reed: ‘La muerte es solo un contratiempo’ vs ‘El mal enterrado ciudadano Lime’

Foto: 400films.com

Ella avanza con la mirada en el suelo y el paso decidido. A su alrededor, las hojas de los árboles caen con indiferencia. Aunque protagoniza la escena, la contemplamos lejana; más cerca de nosotros, Holly Martins, apoyado en un viejo carromato, la observa; de vez en cuando, desvía la cabeza. La cámara está fija y la alameda es larga. En concreto, mide casi dos minutos y medio de metraje. Pero la bella y distante Anna Schmidt sigue su camino manteniendo su rostro hierático. Pasa de largo, un último gesto de crueldad inevitable, sin prestar la más mínima atención a su enamorado, quien no espera gran cosa de su insistencia, pues es un romántico insufrible que permanece allí. Por si acaso, nuestra protagonista se pierde en un primer plano y Martins, sin moverse de su sitio, enciende un cigarrillo. El humo del pitillo nos ofrece el fundido a negro.

Cuentan que Carol Reed, director británico de 'El tercer hombre' , y Graham Greene, guionista del filme y grande de la literatura universal, mantuvieron encendidas disputas porque no se ponían de acuerdo con el final de la película. En la novela previa que Greene siempre se veía obligado a escribir antes de abordar un guión cinematográfico, la muchacha coge del brazo a Martins mientras desaparecen de la vista del narrador. Una concesión a la esperanza, un desenlace ambiguo, demasiado cínico, que no casaba con la visión de un cineasta empeñado en no dar tregua a una historia de amor que nunca existió o que, sencillamente, fue de otro. Sin embargo, y a pesar de contener el desenlace más perfecto jamás contado, Greene tenía razón, su historia era tan cínica como la Europa que sobrevivía al impacto de la Segunda Guerra Mundial, el escenario de esta película.

Dejarse llevar por esta película, la más grande del cine británico, es sumergirse en una historia brillante, ágil, llena de personajes desencantados que frecuentan una Viena amenazadora donde siempre hay alguien observando de manera inquietante detrás de una ventana, o acechando mientras se fuma un cigarrillo a la vuelta de la esquina, o escudriñando una escena mientras se deja una conversación en el aire. La atmósfera lograda es única, con calles frecuentadas por potentes claroscuros y atrapadas en encuadres al bies (herencia del expresionismo alemán), que pierden el equilibrio cada vez que se avecina un momento de tensión emocional o de suspense policiaco.

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‘Citizenfour’, de Laura Poitras: ‘La mayor arma de opresión’

Cartel oficial del documental 'Citizenfour'

Un simple bono de metro puede destripar nuestra intimidad. Puede ser la puerta abierta para conectar con registros bancarios personales, con la huella digital que dejamos, o con las llamadas de teléfono y los mensajes que lanzamos. Mientras, creemos estar a salvo. Amos y señores de nuestra vida personal. El mundo parece estar conectado de manera inquietantey en esta red en la que nos vemos atrapados, sin venir a cuento, tenemos espectadores.

El ojo que todo lo ve o el Gran Hermano de Orwell parecen convivir en Citizenfour, pero sin ser una creencia, un inquietante personaje virtual o una criatura alumbrada por la ciencia ficción. Según el documental de Laura Poitras están aquí y ahora, entre nosotros, espiándonos y tienen un único nombre. Se llama NSA. Se trata de la agencia de inteligencia de EEUU que se encarga de todo lo relacionado con la seguridad en materia de información. Y de hecho, es la protagonista del mayor escándalo destapado en los últimos tiempos por un héroe cuestionado, otro gran enigma: Edward Snowden.

Este antiguo trabajador de la NSA desveló que la agencia intercepta continuamente las comunicaciones de ciudadanos de todo el mundo a través de correos, de búsquedas de Google, de registros bancarios, de manifestaciones ingenuas a través de las redes sociales. Es así, al parecer, desde el 11-S, cuando se instauró un control férreo de la información en aras de la seguridad nacional y ante posibles amenazas terroristas. Y este hombre, traidor para el Gobierno de su país, decidió denunciar esta violación de los derechos civiles filtrando a la prensa todo lo que sabía.

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'Mommy', de Xavier Dolan: 'Cine desnudo y de ventanas abiertas'

'Mommy', de Xavier Dolan

– ¿Tú y yo nos queremos aún?

– Es lo que mejor hacemos.

Si el cine sigue siendo el cine es porque permite hacernos creer que el mundo deshumanizado e individualista en el que vivimos de vez en cuando deja que tres piezas aparentemente sueltas y perdidas se encuentren y encajen en el algún rincón del puzzle. Puedes decidir no creértelo, instalarte en el escepticismo y llevar el descreimiento por bandera hasta la muerte. O puedes disfrutarlo, como ficción o como la historia que una vez, en algún sitio, pudo ser verdad. El joven cineasta canadiense Xavier Dolan ha asimilado como irrenunciable esa capacidad para hacer confluir disfuncionalidades y extrañezas en el centro de su universo, un universo mágico, tramposo y musical. Tan extravagante como exquisito. Y tan personalista que resulta simpático y acogedor por la sinceridad desprendida de sus historias.

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