Paco Paricio tiene muy claro que un títere no es solo un muñeco. El títere es un objeto de juego intergeneracional, que “coge vida al moverlo” y que, en ocasiones, se convierte en “objeto mediador, mejor que la palabra”. Es la máscara al actor. Un ser inanimado, a priori, pero que se convierte en todo un medio de comunicación. El títere es también protagonista en Abizanda. 

En este pequeño pueblo oscense de menos de 200 habitantes se alzó hace ya dos décadas La Casa de los Títeres, un refugio para la cultura en plena comarca del Sobrarbe, en el Pirineo aragonés. La Casa de los Títeres es, en realidad, la unión de tres casas de pueblo: casa Simona, casa Lecina y casa Maza. Rescatadas de la ruina, se han restaurado transformándose en un teatro, un museo y una residencia de artistas. “Nos parecía en principio una utopía, pero teníamos mucha ilusión. Hemos viajado por todo el mundo y siempre decíamos que nos gustaría tener un teatro donde poder hacer nuestras funciones, que viniera el público a vernos. Luego, acoger todo el material que tenemos precisamente de los viajes, los títeres y los grabados, y poderlo mostrar”, relata Pilar Amorós.

Amorós y Paricio son los creadores de este hogar teatral pirenaico así como los fundadores, directores y miembros de Los Titiriteros de Binéfar. Una compañía que lleva en activo desde hace 50 años y que, por ende, no requiere de mucha presentación. Aunque por entonces ser titiritero estaba visto “como un trauma para nuestros padres”, como explica Paricio, ellos han sido los compañeros de viaje de miles de infancias en el mundo. En la actualidad, son 12 los integrantes de la agrupación, a los que se suman entre seis y siete colaboradores. 

Decenas de países visitados con sus espectáculos, libros —como su último ejemplar 'Juegos y recursos del titiritero'—, discos con más de 170 canciones versionadas (algunas son propias) y, por supuesto, más de 50 obras de teatro, destinadas a un público familiar que no infantil. “Ver reír a padres, abuelos y niños es fantástico. Intentamos que los espectáculos siempre sean para todos los públicos y que no se queden solo en el teatro; sino que, al salir, les quede un poso con el que luego hablar”, detalla Amorós. Por todo ello, no es de extrañar que en el año 2009 fueran galardonados con el Premio Nacional de Teatro para la infancia y la juventud gracias a 'El hombre cigüeña'.

Más allá del teatro

En el interior de casa Simona se encuentra el teatro de este 'hogar titiritero'. Esta sala tiene un aforo de 100 personas y cuenta con gallinero —que no el de aves—, sino ese “conjunto de localidades en la parte más alta”, que define la RAE. Siendo los meses de julio y agosto los más intensos, el escenario acoge actuaciones en festivos y puentes como San Jorge, Todos los Santos o estos días de Semana Santa.

Cabe destacar que no solo actúan los veteranos titiriteros, sino que otros grupos teatrales internacionales se hacen eco entre sus bambalinas, y no solo en este género: “No somos muy fanáticos de que la programación tenga que ser de títeres. Siempre nos gusta que haya de todo, que sea multidisciplinar en todos los sentidos”, indica Amorós.

A casa Simona se suma su museo de títeres, grabados y pinturas teatrales de casa Lecina. Un museo manipulativo con piezas traídas de Francia, Inglaterra, India, China, Vietnam, Brasil, Ucrania… que muchas han sido obtenidas de mercadillos o rastros. De hecho, en sus espectáculos también utilizan este tipo de material, aunque en su mayoría los fabrican y diseñan ellos. Madera, cartón y tela; esas son sus materias primas, pero como advierte Paricio: “Para nosotros es importante los títeres, pero todavía es más importante la historia que vamos a contar y por qué la vamos a contar”.

La tercera es casa Maza, el alojamiento artístico. Además de brindar techo a los artistas que trabajan en La Casa de los Títeres, es refugio de residencias artísticas. Es decir, elencos que huyen del mundanal ruido, buscando un lugar de trabajo inspirativo: “Es un espacio para la creación estupendo: tiene el teatro, una sala de ensayo, alojamiento y, sobre todo, la tranquilidad, el relax… Ese binomio de naturaleza y teatro es muy importante, muy interesante y muy agradable”, declara Amorós. 

Abizanda y los títeres

“Desde siempre, todos los vecinos nos han acogido muy bien. Ellos sienten que es una casa más, un espacio más del pueblo”, analiza Amorós. Así, cada puente de Todos los Santos, la falsa de casa Maza es el escenario de una actividad muy especial. Es el final de una actuación, que culmina con música, vino, dulces preparados por las mujeres abizandinas y memoria. “El año pasado fue muy emocionante porque trajeron fotos de sus padres, de sus abuelos, de cuando se casaron…”.

Y es que la música siempre está presente en los shows de Los Titiriteros de Binéfar. Es una de sus señas de identidad, que ha ido cambiando durante estas décadas: “Hemos evolucionado. Estábamos en el folclore puro y duro, con gaitas y dulzainas, y ahora vamos poniendo algo de electrónica”, agrega Paricio.

Pero si hay algo que es inherente a ellos, como se señalaba al inicio de este texto, es el títere. El títere que ya es emblema de este pueblo de Sobrarbe. Ese objeto para jugar y mediar, pero que también parece cobrar vida propia: “Cuando el títere, no voy a decir protagonista, es personaje de la historia; es lo que yo llamaría teatro de títeres”, sentencia Paricio.

Próximas actuaciones

Con un precio de 10 euros por entrada, La Casa de los Títeres ha acogido estos días varias actuaciones: ‘Niña Jaguar’ de la compañía brasileña Mosaico Cultural, un espectáculo de clown titulado 'A comer…!' de Cía Patri Coronas y Monopájaroverde Circus Company, así como 'El jardín de la alegría' de los propios Titiriteros de Binéfar. Esta última obra protagonizada por la propia Amorós y acompañada por el músico Quiri Aquilué, está inspirada en la cultura tradicional, pero con un aire renovado: “Lo que monto es un jardín con recuerdos, con objetos, con canciones, con mi memoria. La comparto con todos y con el músico que me ayuda efectivamente a ponerla en valor”, aclara la titiritera.

La Fundación CAI acoge en Zaragoza la exposición itinerante 'En vuestra piel', una muestra fotográfica que visibiliza el trabajo de la ONG Dermalawi en Malawi, uno de los países más empobrecidos del mundo, donde el acceso a la salud sigue siendo un desafío para gran parte de la población.

La exposición puede visitarse en el Centro Joaquín Roncal hasta el 25 de abril, con entrada libre y en horario de lunes a sábado. La inauguración tuvo lugar el pasado 25 de marzo, dentro de un recorrido nacional que ya ha pasado por ciudades como Palencia, Ferrol, Salamanca, Barcelona, Madrid y Burgos.

'En vuestra piel' acerca al visitante a la realidad sanitaria de Malawi a través de las imágenes de la fotógrafa Marta González de la Peña Royo, quien acompañó a la ONG en una de sus campañas en 2025. Sus retratos muestran no solo el trabajo médico sobre el terreno, sino también las historias personales, la dignidad y la esperanza de quienes viven allí.

Malawi enfrenta importantes carencias sanitarias: enfermedades prevenibles o tratables en otros contextos pueden convertirse en una condena silenciosa. En respuesta a esta situación nació Dermalawi, una organización formada por profesionales sanitarios españoles y malauíes que, desde 2015, trabaja en zonas rurales con el objetivo de ofrecer atención dermatológica accesible, sostenible y digna, además de formar al personal local para garantizar la continuidad del proyecto.

A lo largo de sus 19 campañas clínico-quirúrgicas, la ONG ha atendido a más de 75.000 pacientes, logrando reducir enfermedades infecciosas como la sarna y la lepra, y mejorando la calidad de vida de personas con albinismo mediante la prevención de tumores cutáneos precoces.

La muestra también tiene un componente solidario: durante algunos días se organiza un mercadillo con productos elaborados con telas tradicionales de Malawi. Esta iniciativa ha permitido recaudar más de 9.000 euros en las distintas ciudades por las que ha pasado la exposición, fondos destinados a apoyar los proyectos de la ONG.

La exposición cuenta con la colaboración de Fundación CantabriaLabs y se presenta como una oportunidad para conocer de cerca una realidad sanitaria global y contribuir a mejorar la vida de miles de personas.

Hay edificios que cuentan una historia incluso cuando ya casi no pueden sostenerse en pie. En Ejea de los Caballeros, la Casa Pujol es uno de ellos. Su reciente entrada en la Lista Roja del Patrimonio de Hispania Nostra, a instancias de la Asociación para la Defensa del Patrimonio Aragonés, ha vuelto a poner el foco sobre un inmueble que, más allá de la denuncia de su deterioro “avanzado y con riego de ruina”, encierra una parte esencial de la memoria urbana, económica y social de la localidad.

Ideada y levantada entre 1900 y 1913 en un enclave estratégico —la confluencia del paseo del Muro con las calles Concordia y Joaquín Costa—, esta casa no es un edificio cualquiera. Su silueta, marcada por un torreón central y un lucernario, responde a un modelo de arquitectura burguesa de principios del siglo XX, con rasgos eclécticos y, aunque tímida, también influencia modernista. Durante décadas, fue un referente visual para quienes llegaban o vivían en la localidad, por su ubicación en uno de los puntos más reconocibles del casco urbano, frente a la iglesia de San Salvador. 

Pero su valor va más allá de lo estético. La casa está íntimamente ligada al proceso de modernización de Ejea de los Caballeros. La residencia Pujol fue promovida por la familia Villacampa, importantes ganaderos y productores vinculados a la economía local, y simboliza el surgimiento de una incipiente burguesía industrial en el municipio. Sin embargo, el inmueble cambió obligatoriamente su nombre cuando su heredera, Pepita Villacampa, contrajo matrimonio con José Pujol, hijo de Rosendo Pujol, quien impulsó a comienzos del siglo XX la Electroharinera 'La Primitiva', y responsable del primer suministro eléctrico del municipio y del alumbrado público en 1902. 

Abandono avanzado y riesgo de ruina

Aquel pasado industrial y urbano del inmueble contrasta con el papel que desempeña en el presente. Hoy, la Casa Pujol es un edificio abandonado, afectado por un “importante” deterioro progresivo fruto de décadas deshabitada y “sin recibir el mantenimiento adecuado”, según APUDEPA. A pesar de estar catalogada desde el año 2000 en el Plan General de Ordenación Urbana (PGOU) como edificio de interés ambiental —con obligación de conservar su volumen y fachada—, la realidad es que su estado actual evidencia una falta de intervención efectiva. 

Esta situación ha motivado su entrada en la Lista Roja del Patrimonio, a propuesta de APUDEPA. Esta lista, impulsada por Hispania Nostra, recoge bienes culturales en riesgo de desaparición o alteración grave de sus valores, con el objetivo de visibilizar su situación y fomentar su protección. 

Desde APUDEPA advierten que existe “un riesgo real de pérdida patrimonial si no se actúa con rapidez”. La asociación denuncia que el estado de la cubierta es “lamentable” y que “anticipa posibles colapsos estructurales”. Lo mismo en el exterior, donde el deterioro es visible con “revocos desprendidos, grietas, suciedad acumulada y cableado desfigurando la fachada”, apuntan en el informe publicado en la Lista Roja. 

Desde la Asociación piden que se tenga en cuenta el alcance y singularidad de la Casa Pujol no solo por su arquitectura —una de las pocas construcciones con torreón de este tipo en la localidad—, sino también por su valor urbano, al articular visualmente uno de los accesos principales al casco histórico. Y que se ponga en valor por su dimensión simbólica como testimonio de una etapa menos visible y conocida de la historia de Ejea: la de su temprana industrialización. 

El debate se reabre veinte años después

Entre 2005 y 2007 hubo un intento de declarar su ruina y proceder a su demolición. Una intervención que fue frenada por informes desfavorables de la Comisión Provincial de Patrimonio. Desde entonces, la casa ha permanecido en una especie de limbo: protegida sobre el papel, pero sin un proyecto claro de rehabilitación. 

Ante la pregunta ¿Qué puede ocurrir ahora? La respuesta es que la inclusión en la Lista Roja no implica protección legal directa, pero sí presión social e institucional que en muchos casos ha servido como punto de inflexión para activar procesos de restauración. El futuro de la Casa Pujol depende, en gran medida, de la capacidad de las administraciones —y especialmente del Ayuntamiento de Ejea de los Caballeros— para impulsar soluciones.

El margen de actuación existe, aunque no es sencillo. El inmueble es de propiedad privada, lo que limita la intervención directa municipal. Sin embargo, el consistorio puede ejercer varias vías: desde exigir el cumplimiento del deber de conservación a los propietarios, hasta promover acuerdos, incentivos o incluso fórmulas de adquisición o expropiación en caso de incumplimiento grave. También puede optar por integrar el edificio en estrategias más amplias de rehabilitación urbana o patrimonial.

En paralelo, la clave estará en encontrar un uso que garantice su viabilidad. La experiencia demuestra que la conservación del patrimonio no pasa solo por restaurar, sino por reintegrar los edificios en la vida cotidiana: como equipamientos culturales, espacios sociales o iniciativas vinculadas al turismo.

Mientras tanto, la Casa Pujol sigue dando la bienvenida al pueblo frente a la Iglesia de San Salvador, visible, reconocible, pero cada vez más frágil. Como tantas otras piezas del patrimonio aragonés que se encuentran en riesgo, el futuro de esta casa se juega en un equilibrio delicado entre la memoria, el abandono y la pregunta de si la sociedad que la heredó está dispuesta a seguir conservándola.

La directora del Museo Goya, May Forcén, ha avanzado que el Museo Goya de Fundación Ibercaja afronta la fase “casi final” de su reforma y reabrirá en otoño, tras casi dos años de cierre, con “alguna incorporación sorpresa en sus salas que puede ser muy importante para la lectura general” del espacio expositivo.

“Estamos muy contentos porque va todo sobre calendario, las obras empezaron bien y en esta fase media, casi final, están evolucionando estupendamente. No ha habido ningún retraso ni en la parte de arquitectura ni de contenido”, ha indicado May Forcén.

En el espacio que ocupará el reformado Museo Goya, cuyo acceso principal se traslada hasta la calle Santiago, junto a la plaza del Pilar –anteriormente se hacía por la calle Espoz y Mina–, ya puede verse la fachada, obra del estudio zaragozano Sebastián Arquitectos. Destaca los bloques de piedra de hasta tres metros de altura con fragmentos de grabados de algunas de las series del artista de Fuendetodos, realizados mediante la digitalización de las planchas de cobre originales. En el lateral y verticalmente se dispondrá una gran pantalla que proyectará contenidos e imágenes dinámicas.

“La fachada siempre ha sido algo que ha llamado mucho la atención, que ha gustado, que se ha visto como algo que hacía referencia al alma del Museo”, ha comentado Forcén, quien ha hecho referencia a la “expectativa” generada durante el proceso.

En una ocasión, ha manifestado, escuchó “a un visitante que estaba sacando una fotografía de esta fachada y dijo algo así como que esta fachada construye ciudad”. Forcén ha añadido que “es casi un símbolo, una arquitectura, una parte más artística dentro de todo lo que es la reforma del Museo”.

Espacio interior

Además del visible cambio exterior del Museo Goya, debido a la “reforma estructural” que se lleva a cabo, su interior se verá “ampliado, reformulado y con gran protagonismo de la tecnología”. En total, serán 4.661 metros cuadrados –frente a los 3.700 previos– en los que se reorganizarán las colecciones y, en concreto, “hemos querido dar una vuelta” a la permanente.

“Hemos aprovechado para restaurar, limpiar y buscar en almacenes para recuperar alguna obra que nos parecía también interesante que formase parte de la colección”, ha contado la directora del Museo Goya, adelantando que el visitante “volverá a encontrar la obra de Goya y el resto de la colección desde un punto de vista diferente” al cronológico anterior.

Uno de los principales atractivos en el ya antiguo Museo Goya era en la sala dedicada a los grabados. En este caso, “el equipo de Fundación Ibercaja llegamos a la conclusión de que era una de las salas que más gustaba, una de las más queridas y en las que la gente pasaba más tiempo, por lo tanto, cuando algo funciona y gusta somos partidarios de que tampoco hay que cambiarlo”, ha expresado.

No obstante, sí que se renovarán las vitrinas que contienen la obra gráfica del artista de Fuendetodos y se modificará la disposición de alguna de las series, pero “respetaremos esa intimidad, esa sensación de oscuridad que gustaba y queremos mantener”.

En cuanto a esa implementación de la tecnología, ha explicado May Forcén, “nos gusta pero es verdad que no queríamos que eclipsase lo más importante, que es la obra de arte y la colección, pero nos está viniendo muy bien para trabajar un acompañamiento y un contexto. Son propuestas tecnológicas que enriquecen la visita de cualquier persona que se acerque al Museo”.

El camino tecnológico se recorre de la mano de Empty, una empresa de museografía de Madrid que ha trabajado en la Galería de las Colecciones Reales o el Arqueológico Nacional.

“Sorpresa” en la reapertura

Aunque la colección permanente no presentará “cambios drásticos”, May Forcén sí que ha confirmado que “habrá alguna incorporación sorpresa que puede ser muy importante para la lectura general” del espacio expositivo.

En cuanto a la muestra temporal inaugural, 'Solo Goya. El arte de ver', se conoce que estará comisariada por Estrella de Diego y Luis Fernández-Galiano, pero no han trascendido más detalles sobre el contenido.

Articular esta exposición “es un gran reto y una gran alegría”, ha apuntado May Forcén, y “lo que queremos es 'solo Goya' –como señala el título– para lo que vendrán obras muy potentes del artista aragonés de todas las partes del mundo, como Estados Unidos y diferentes puntos de Europa, así como de las mejores instituciones españolas, tanto privadas como públicas”. Entre ellas, ya están confirmadas el Museo del Prado, la Hispanic Society o la National Gallery de Londres.

“Estamos convencidos de que esta reforma no es solo arquitectónica, ni de contenidos ni de colecciones, sino que es estructural, por lo que pretendemos que si –el Museo Goya– ya era un centro de referencia en el conocimiento de la figura de Goya, todavía lo va a ser más”, ha comentado Forcén.

En este sentido, ha argumentado que el nuevo espacio museístico incluirá un centro de estudios, nuevos espacios para actividades educativas y culturales, además de que se establecerán alianzas con diferentes instituciones y universidades, tanto nacionales como internacionales.

'Interludio'

'Goya. Interludio' es el título de la exposición que desde el 27 de enero de 2025 se puede visitar en el Patio de la Infanta de Ibercaja con motivo de las obras de ampliación de “su casa”, el Museo Goya, que incluye las 32 obras del pintor aragonés.

El público “ha respondido muy bien”, sobre todo los grupos de visitantes franceses e italianos que buscaban visitar el Museo Goya y a los que se ha remitido durante este tiempo al Patio de la Infanta. “Ha sido estupendo”, ha apostillado Forcén.

En 'Interludio', el visitante recorre diferentes momentos artísticos de la vida del pintor, como su etapa en Zaragoza, cuando pintó el boceto para la decoración al fresco de la bóveda del Coreto de la Virgen, en la basílica del Pilar de Zaragoza, o su posterior etapa en Madrid, con grandes retratos como el realizado a Félix de Azara o la Reina María Luisa de Parma.

También hay un espacio dedicado a la pintura religiosa y a obras más críticas con la sociedad y política de la época, como en Baile de máscaras y el boceto de 'El dos de mayo de 1808', también conocido como 'La carga de los mamelucos'.

Sumado a los diferentes cuadros, se exponen también las tres maquetas realizadas por Bayeu para las cúpulas de la Basílica del Pilar. Este viaje a través de más de 30 obras de Goya finaliza con una de las últimas incorporaciones que llevó a cabo el museo: la única serie completa y conservada de escenas de 'Juegos de niños'.

Hay historias que comienzan con una fotografía. No una imagen cualquiera, sino una de esas que permanecen durante décadas en una casa familiar sin que nadie sepa muy bien quién es la persona que aparece en ella. Así arranca, en cierto modo, el viaje que ha llevado a la periodista Esther P. Nogarol a reconstruir la vida de un artista casi borrado de la memoria colectiva: Agustín Alamán. “Había una foto en casa con una persona a la que no conocíamos y que nos causaba curiosidad a mis hermanos y a mí”, recuerda. “Mi madre sabía algo, pero no podía darnos muchos datos”. El hallazgo casual de su nombre en internet en 2018 fue el hilo del que tirar.

Ese impulso acabó convirtiéndose en una investigación de largo recorrido y, finalmente, en el libro 'El artista de los tres exilios', editado por el Instituto de Estudios Altoaragoneses y prologado por Alberto Sabio. “Han sido siete años y la verdad es que es un camino increíble que me ha cambiado la vida”, explica la autora, máster en Historia Contemporánea. “He dado vueltas por España y por Francia buscando en los archivos, he aprendido muchísimas cosas que no sabía”. El resultado es un relato que no solo recupera la figura de Alamán, sino que plantea una pregunta incómoda: cuántos nombres como el suyo siguen todavía en la sombra.

La vida de Agustín Alamán (Tabernas de Isuela (Huesca), 1921-Madrid, 1996) atraviesa el siglo XX marcada por el desarraigo. Hijo y nieto de herreros, su relación con la materia fue temprana. “Antes de dibujar, él ya veía cómo se forjaba un material para crear un volumen”, explica la autora. Esa relación casi física con los materiales, sumada a su oficio de albañil, marcaría toda su obra. La Guerra Civil lo empujó al primero de sus exilios. En 1938 cruzó a Francia, donde conocería los campos de concentración y de trabajo. Tras la liberación, inició una trayectoria artística que lo llevaría a participar en 1947 en la exposición colectiva 'Arte español en el exilio', junto a figuras como Pablo Picasso o Juan Gris.

A partir de ahí, Alamán evolucionó hacia la abstracción, pero su obra desbordó cualquier etiqueta. Pintura, escultura, joyería, cerámica, tapices, collage o diseño: “Era un artista total”, resume. Él mismo se definía como autodidacta, aunque esa etiqueta escondía una enorme capacidad técnica. “Sabía muchísimo más de materiales que muchos de sus compañeros”, señala. “De hecho, eran ellos quienes le preguntaban cómo manejar determinadas técnicas”. En un momento en el que el arte exploraba nuevas cargas matéricas, él dominaba procesos que a otros se les resistían. “A los demás se les caía la materia del lienzo y a él no”, apunta. “Eso dice mucho de su concepción como artista”.

Reconocido en Uruguay

En 1955 emprendió su segundo exilio y se trasladó a Uruguay con su familia. Allí encontró un ecosistema artístico en ebullición y logró el reconocimiento que nunca tuvo en España. “En Uruguay sí que se le conoce”, subraya Esther P. Nogarol. “Ha habido exposiciones en las que ha estado presente y estudios en los que yo me he basado”. En Montevideo se integró en los círculos de vanguardia de los años sesenta y expuso en espacios clave como la Librería Alfa, impulsada por el editor Benito Milla, una figura esencial en su trayectoria. “Sin Benito Milla probablemente no hubiera llegado a nada allí”, afirma la autora. Alamán obtuvo premios importantes, como el del Salón Arcobaleno de Punta del Este en 1961, y desarrolló una obra marcada por el informalismo y el uso de materiales cotidianos. Mientras tanto, en España, su nombre se desvanecía.

El regreso a Madrid en 1970 supuso lo que la autora denomina su tercer exilio. “Es una España todavía franquista”, recuerda. “Yo creo que hay un punto de miedo”. Aunque Alamán no había tenido un papel político activo, su entorno familiar estaba vinculado al anarquismo. “Quizá quiso mantener un perfil bajo”. A ese factor se sumó otro: el contexto de la Transición. “Es como si cada sector tuviera a su exiliado”, reflexiona. Figuras como Dolores Ibárruri, la Pasionaria, o Rafael Alberti concentraron la atención, mientras otros nombres quedaban fuera. Pero también pesó su propia forma de entender el arte. “Tuvo problemas con una galería en Francia y decidió que no iba a tener nunca más marchante”, explica. “Y eso, a la larga, le perjudicó”. En Madrid se centró en la escultura y en trabajos artesanales, y murió en 1996 prácticamente en el anonimato, hasta el punto de que incluso la fecha de su fallecimiento ha circulado incorrectamente durante años.

El libro no solo reconstruye esa trayectoria, sino que la inscribe en un contexto más amplio. “Cuando lees la historia no es solo la de este señor, sino la de un montón de gente increíble que hemos perdido”, afirma. La autora insiste en la idea de la pérdida cultural derivada del exilio. “No es solo que ellos se fueran, es que nosotros los perdimos”. En ese sentido, menciona figuras como el propio Benito Milla, “uno de los grandes editores del boom latinoamericano”, prácticamente desconocido en España. “Editó a Benedetti, a Onetti, tenía a Camus o a Octavio Paz en sus revistas, y nadie le conoce”, lamenta.

Esa reflexión se amplía en una crítica más profunda sobre los vacíos de la memoria histórica en España. “Es un acervo cultural que hemos perdido y pensamos que, como ha pasado el tiempo y se han hecho cosas de memoria, ya está hecho, y falta muchísimo”, advierte. En su opinión, parte de ese vacío tiene que ver con el escaso peso que han tenido determinadas tradiciones políticas en la reconstrucción del relato colectivo. “En parte es por el anarquismo, porque la CNT apenas ha tenido fuerza para dar a conocer a toda esta gente”, señala. Y añade: “Somos ahora los historiadores los que estamos sacando estas historias, que no estaban, y te encuentras con trayectorias increíbles de anarquistas y cenetistas que tuvieron que huir y que tenían un talento enorme, y los perdimos”.

La propia investigación es un ejemplo de ese proceso. “Esto empezó casi por casualidad”, recuerda Esther P. Nogarol. “Y al final se ha convertido en algo que me ha cambiado la vida”. El trabajo de fin de máster que defendió en 2023 fue el punto de partida de un libro que ha querido hacer accesible. “Era un material académico, pero se veía que podía trasladarse a otro lenguaje más ameno”, explica. El proceso de escritura, sin embargo, ha sido más lento de lo que hubiera deseado. “Si pudiera dedicarme solo a la literatura, en dos o tres meses estaría hecho, pero una trabaja, tiene hijos, vida social…”, comenta.

La publicación del libro tiene también una dimensión simbólica. La autora ha querido que sea el territorio de origen de Alamán quien lo dé a conocer. “Me parecía importante que fuera su provincia quien lo presentara al mundo”, afirma sobre la edición del Instituto de Estudios Altoaragoneses. “No voy a obtener beneficios económicos, pero me encanta haberlo hecho así”. La primera presentación será en Huesca el viernes 10 de abril, seguida de Zaragoza, con la intención de llevar después el libro a Madrid, Barcelona, Toulouse y también a Uruguay, donde el artista sí dejó huella.

El proyecto no termina con la publicación. Esther P. Nogarol trabaja ya en la posibilidad de realizar un documental y mantiene abierta la idea de organizar exposiciones que permitan reunir su obra, hoy dispersa entre Europa y América. Mientras tanto, el libro cumple una función esencial: devolver a Alamán al lugar del que nunca debió salir. “Cuando terminas de conocer la historia te preguntas cómo es posible que haya estado olvidado”, dice la autora. La pregunta, en realidad, va más allá de un solo nombre. “¿Cuánta gente puede haber como él?”, plantea. Su libro no ofrece una respuesta cerrada, pero sí abre una vía: la de seguir investigando, recuperando y contando.

Hay caminos que nunca desaparecen del todo. Solo esperan a ser transitados de nuevo. A veces se encuentran cubiertos por la maleza, otras olvidados en la memoria de los pueblos, pero siempre latentes. En el noroeste de Aragón, uno de esos caminos —un ramal secundario del Camino de Santiago— empieza ahora a recuperar el pulso gracias al empeño de quienes se resisten a dejar caer su historia en el olvido.

La Asociación colaborativa Amigos del Camino de Santiago Hoya de Huesca Noroeste-Altas Cinco Villas constituida de manera oficial en 2025, está trabajando en la recuperación de este recorrido del camino jacobeo. El germen del proyecto viene de tiempo atrás, ya que desde 2023 se han venido manteniendo reuniones discretas, conversaciones entre ayuntamientos y colectivos locales, que han evidenciado lo que era una intuición compartida y constatada desde Patrimonio del Gobierno de Aragón: que este territorio todavía tiene mucho que contar. 

La iniciativa promovida desde esta asociación aragonesa busca no solo rescatar un itinerario histórico, sino también dinamizar el territorio frente al reto que supone la despoblación para las zonas por las que trascurre. El proyecto conecta los municipios de Murillo de Gállego, Agüero, Fuencalderas, Biel, Luesia, Uncastillo y Sos del Rey Católico, enlazando finalmente con el Camino Francés desde Sangüesa, la ruta jacobea más transitada. Se trata de un trazado con base histórica, vinculado a antiguos caminos de peregrinación y vías de comunicación tradicionales que habían caído en desuso con el paso del tiempo.

Según explica el presidente de la asociación, Antonio Torrea, el objetivo es triple: “Recuperar, defender y promocionar este ramal del Camino de Santiago”. Para ello, se ha trabajado en colaboración con ayuntamientos, entidades culturales y colectivos locales, logrando el reconocimiento institucional y el respaldo de diversas administraciones. En la actualidad, el proyecto ha sido reconocido por Patrimonio y cuenta con la aprobación de los ayuntamientos a los que afecta. Además, forma parte del Plan director de Caminos Identitarios por Aragón de la administración pública. 

Del papel a la realidad

Existen evidencias suficientes, apoyadas por Patrimonio del Gobierno de Aragón, que demuestran que este ramal “no es una invención contemporánea”, sino que estamos frente a la recuperación de una ruta con base histórica, un camino que durante siglos sirvió de paso a peregrinos, comerciantes y vecinos.

El proyecto no se ha quedado en el papel, porque uno de los pilares del mismo es la puesta en valor del recorrido mediante actividades concretas. Entre ellas, destacan la organización de etapas senderistas abiertas al público —como las que unen Agüero con Biel o Biel con Luesia y Uncastillo—, recorridos compartidos que son también una forma de redescubrir el paisaje y reforzar vínculos.

Por otra parte, se está llevando a cabo una importante labor de difusión en los propios municipios por los que pasa el ramal “para que se impliquen en la iniciativa”. A esto se suman charlas divulgativas impartidas por expertos donde la historia del Camino se entrelaza con la vida cotidiana. El escritor Luis Barreiro Bordonaba, es una de las voces que acompaña este proyecto ya que, su trabajo sobre los caminos peregrinos en la comarca, ha servido de inspiración para la puesta en marcha de la Asociación que ha hecho posible la recuperación de esta parte olvidada del Camino de Santiago a su paso por Aragón.

Una iniciativa intermunicipal: “El camino es de todos”

El proyecto tiene una dimensión social relevante. Desde la asociación recuerdan que se trata de una iniciativa intermunicipal que requiere implicación ciudadana. La asociación lo tiene claro: sin la implicación de los vecinos, nada de esto tendría sentido. La participación de los habitantes de los municipios cercanos al ramal, así como voluntarios y asociaciones, ha sido fundamental para poder dar los primeros pasos hacia la recuperación de este camino que, al fin y al cabo, “no pertenece a nadie y es de todos”. 

El reto está en el mantenimiento del trazado y la acogida de futuros peregrinos. Por eso la asociación hace un llamamiento a participar, a implicarse y a formar parte de algo que va más allá de una ruta señalizada. Caminar de Agüero a Biel, o de Biel a Luesia y Uncastillo, no es solo hacer kilómetros. Es reconstruir una geografía emocional, volver a mirar el territorio con otros ojos.

Y es que, además del componente cultural, el impacto económico es uno de los aspectos clave de esta iniciativa. La recuperación del camino se plantea como una oportunidad para atraer turismo sostenible, generar actividad en el medio rural, además de reforzar la identidad territorial. “Supone recuperar un legado histórico y añadir valor al patrimonio natural y cultural de las comarcas por las que pasa”, subrayando el potencial del Camino de Santiago como motor de desarrollo.

El Patrimonio: Un balón de oxígeno para la supervivencia de zonas rurales

En un contexto en el que muchas zonas rurales buscan fórmulas para reinventarse, la recuperación de este ramal jacobeo se presenta como un ejemplo de cómo el patrimonio histórico puede convertirse en una herramienta de futuro. “Recuperar este legado es también una forma de desarrollo”. 

En la comarca de Cinco Villas, por ejemplo, hablar de patrimonio es también hablar de futuro. En las localidades situadas en la zona más alta de la comarca, sentenciadas por la despoblación, iniciativas como esta abren una puerta —quizá pequeña, pero firme— a nuevas oportunidades. El Camino de Santiago no es solo espiritual o cultural; es también una red que genera actividad, movimiento y, en muchos casos, arraigo.

Y en esa idea late una realidad que conocen bien en el medio rural: que cada proyecto suma, que cada visitante cuenta, que cada paso puede ayudar a sostener lo que permanece. Las Cinco Villas, con su riqueza paisajística y cultural, tiene un nuevo as que le permite volver a la partida situándose en el mapa de los caminos que conducen a Santiago. Porque quizá se trata de eso, de volver a abrir caminos. Y de recordar que, incluso en los territorios más silenciosos y silenciados, siempre hay historias esperando a ser recorridas.

Evidencias verosímiles del ramal como ruta oficiosa en la época

En el caso del ramal secundario que ha sido recuperado, no existe una prueba documental clara y directa como la del Camino Francés, pero sí un conjunto de indicios históricos, geográficos y patrimoniales que permiten plantearlo como ruta secundaria o complementaria. Los historiadores coinciden en que existían múltiples caminos alternativos o locales, no siempre documentados con precisión. Esto abre la puerta a la existencia de ramales secundarios al camino. 

Agüero, Biel, Luesia o Uncastillo fueron núcleos relevantes entre los siglos XI y XIII, justo cuando se consolida el Camino. No eran aldeas aisladas, sino parte de una red que podía sostener tránsito de viajeros. Se trata de un itinerario que aparece citado desde la Edad Media hasta el siglo XIX, y que ha sido repetidamente documentado en distintas épocas. A lo largo de este trazado está constatada la existencia de numerosos hospitales de peregrinos (aunque algunos ya desaparecidos), monasterios que acogían caminantes, restos funerarios y muestras de señales referidas a los peregrinos como tumbas, veneras, testamentos, además de numerosos símbolos jacobeos.

En la localidad de Agüero, al inicio del itinerario, se encuentra la ermita dedicada a Santiago, del siglo XII, con iconografía jacobea. A esto se suma la abundancia de patrimonio religioso en Uncastillo, indicativo de que había una importante actividad económica y social por el paso de viajeros. Y, finalmente, la posición estratégica de Sos del Rey Católico como puerta de acceso a Navarra por su cercanía con Sangüesa. Todos estos factores hacen posible, según los expertos, como Luis Barreiro Bordonaba, la existencia en la zona del ramal secundario ahora recuperado, de una ruta “históricamente verosímil, documentada y coherente”, que pudo ser utilizada por peregrinos durante siglos.

La Montonera es una pequeña librería especializada, en el barrio de San Pablo, donde se cuida la parte comercial, pero también las actividades de diversos tipos en torno al mundo del libro. Su dueño es Raúl Royo, quien la inauguró poco después de la pandemia; y con el apoyo y colaboración de diversos profesionales además de dos presentaciones a la semana, alberga cuatro tipos diferentes de clubs de lectura, tres talleres de escritura y otras actividades. Es un establecimiento muy pequeño y llama la atención al programar tantas actividades literarias.

Desde principios de 2026, Royo está comercializando y organizando presentaciones de autoras jóvenes de fanzines. Primero fue el nuevo libro de la autora de fanzines Andrea Galaxina, presentado en febrero, editado por la editorial independiente sevillana Barret. Y desde hace semanas, 'Un lugar', autoeditado y que no entra en la idea común preconcebida de un fanzine realizado a base de collages y fotocopias, sino que se trata de un formato más artístico, cuidado y pensado, realizado por dos autoras y una ilustradora, que se presentará el lunes 30 de marzo. Las autoras y el librero explican el cariño por el papel y la situación actual de las librerías especializadas y la escritura novel.

Un lugar 

'Un lugar' es una pequeña recopilación de cuentos que gira en torno a una población imaginaria, pero que puede ser reconocible e incluso universal. Están escritos por Marina Arrabal y Clara del Rey, y acompañados de las ilustraciones de Mila Vicente Sáez. Se trata de una pequeña publicación muy artística, desplegable, con tapas de azul ultramar de un papel más pesado y papel reciclado e ilustraciones muy cuidadas. Marina Arrabal explica como fue el origen: “Clara y yo nos conocimos en un taller de escritura online, y después comparando un carnet de biblioteca de 1994 en mi perfil de Instagram, ella tenía uno igual. Resulta que habíamos sido niñas en el mismo pueblo y lo habíamos abandonado para ir a estudiar la misma carrera en la misma universidad, aunque en años distintos. Desde que dejamos de vivir allí ninguna lo reconocemos como nuestro lugar”. Desde esta perspectiva surgió este fanzine: “Dos niñas que viven en un pueblo, lo recorren, juegan, se apoderan de él. Escribimos desde el recuerdo, pero también intentando que ese lugar fuera universal, podría haber pasado en cualquier pueblo. Al acabar los textos, buscamos a una artista local para que se encargase de la parte plástica. Nos pareció que Mila tenía la sensibilidad perfecta, conectó enseguida con el proyecto y pronto empezamos a darle forma”.

Clara del Rey trabaja como correctora de textos y explica las dificultades que ha tenido para mantener la motivación a la hora de escribir estos relatos. “Empecé con este proyecto sin mucha fe en que saliera adelante. Tenía implantada muy hondo esa falsa creencia de que hay escritores de verdad y escritores amateur; los primeros tienen talento, capital cultural, disciplina, hábito de planificación y capacidad de sentarse jornadas larguísimas a escribir su proyecto. Luego, estamos las otras, que escribimos un poco cuando podemos y dejamos todo a medias.” Afortunadamente su compañera le animó: “Marina daba por hecho que el proyecto saldría, yo decidí engancharme al carro porque no tenía nada que perder. Si acaso, cualquier cosa que consiguiéramos serían ganancias: escribir más, pasar el rato, fabricar algo chulo. Cuando se unió Mila con las ilustraciones me di cuenta de que realmente íbamos a hacer un objeto, y ya adoptamos la ética del DIY o Hazlo tú mismo, y también la del DIWO (Do it with others), quizás sola no puedas, pero con amigas sí.” 

Deslocalizar la población para escribir los cuentos 

Clara del Rey afirma que mira su fanzide “desde una óptica deleuziana según la cual hay procesos de territorialización tanto en el marco de los cuentos y collages como entre nosotras”: “El territorio de 'Un lugar' es algo más que la suma de sus elementos, son las posibles interacciones que se dan entre ellos. En nuestro caso, es un territorio de clima continental, sin etapas dulces, y por lo tanto hostil. Ese eje determina la obra y la organiza en dos, no por azar, sino porque los comportamientos de los niños, de los animales, de los hitos geográficos o narrativos —la casa abandonada, el río seco, la bruja, la santurrona, el cerro— varían con la alteración de la temperatura”. Las tres crecieron en el mismo pueblo de La Mancha: “Mila y Marina nacieron allí y aún tienen contacto con el municipio, yo viví allí de los 6 a los 18 y luego no volví más hasta el verano de 2025, cuando nos juntamos para hacer esto. Más que el municipio, para mí es importante el territorio que se fue dibujando entre nosotras mientras desarrollamos la obra: un territorio de tres elementos que de seguro no habrían creado así en solitario; 'Un Lugar' es un fanzine colectivo total, veo las voces muy armonizadas, estamos haciendo lo mismo, eso me gusta mucho”.

Autoedición, elección del formato y fabricación 

“Clara y yo conectamos enseguida a nivel creativo, compartimos muchas referencias. Nos apetecía hacer algo juntas. Las coincidencias en nuestros pasados eran tan grandes que no pudimos evitar fijarnos en ellas para iniciar un proyecto, así que no tardamos mucho en empezar a escribir”, explica Marina Arrabal. El proyecto surgió “de manera orgánica” a lo largo de un año en el que intercambiaron textos e ideas, hasta un día en el que le dieron forma: “Durante los meses siguientes, Mila creó los collages y construimos la maqueta. Después empezamos a trabajar con la imprenta, haciendo pruebas y seleccionando materiales. Hicimos fotografías y creamos todo el márketing alrededor. Tardamos más de un año y medio en tener la publicación en la mano.”

Las tres tenían claro que tenían tener el control de todas las fases del proyecto, lo que implica la autoedición. “No queríamos forzar la extensión ni sacrificar el formato de la maqueta. Hemos elegido todo: desde las tipografías de letras a los papeles utilizados, pasando por cada detalle de estilo y de edición en los textos. Publicar con una editorial clásica puede tener grandes ventajas y resultar menos trabajoso, pero hay que hacer cesiones para adaptarse a la línea editorial. Estamos seguras de que si hubiéramos hecho un libro con una editorial el formato habría sido diferente y no habríamos aprendido tanto”, explica Arrabal. La elección de los papeles o el trabajo con el color es parte fundamental de la obra, algo que, según explica Mila Vicente Sáez, ha sido posible al hacerlo de forma independiente: “No sé si se podría hacer con una editorial pequeña, de este modo hemos sido bastante libres”.  

Clara del Rey considera que “este es un objeto delicado y laborioso. Interior y cubierta están impresos en materiales de composición y gramaje distinto” La cubierta, más rígida, tiene cuatro pliegues. A su vez, cada una de las siete hojas del interior presenta tres pliegues que deben hacerse a mano por su orientación: “Con eso se consigue un efecto mapa muy chulo, pero que encarece bastante la unidad. No sabría decir cuál sería el coste total del proyecto si incluímos los viajes que hemos hecho para reunirnos, las horas de trabajo, las horas de reuniones… pero sobrepasa de largo los supuestos ”beneficios“. Si el objetivo de hacer un fanzine es el lucro, no renta, sale a pérdidas. Por suerte, para nosotras no lo era, además afortunadamente agotamos la primera tirada de 120 ejemplares dándolo a conocer en redes sociales y por el boca oreja”.  

Una librería no es solo un expendedor de libros 

“El fanzine es en muchas ocasiones un ámbito de experimentación muy creativo, en sus formas de narrar, editar, y a la hora de construir el objeto. Los coleccionaba ya de antes, y me parecía que tenía sentido tener un pequeño espacio en la librería para las autoras y autores de fanzines, donde además de comercializarlos puedan tener un punto de encuentro y referencia”, explica Raúl Royo. En su caso, “desde el principio al idear el proyecto, y fijándome en otras librerías que admiraba, entendí que las librerías pequeñas no son un mero expendedor de libros, sino un espacio cultural en torno al mundo editorial. Lo que procuro es, junto a las colaboradoras de los clubs de lectura y el resto de actividades, ser un punto de encuentro para lectores o amantes de la literatura creando una comunidad. Me parece que esta parte presencial donde puedes acudir, con todo el respeto por las redes sociales, cuya carga de trabajo encima asumo individualmente, es mucho más interesante y con más contrapartidas y beneficios, que los lectores nunca van a encontrar en una cadena, franquicia o gran superficie”. La Montonera por un lado realiza las presentaciones de libros, casi siempre junto a los autores, y luego los clubs de lectura y talleres de escritura: “También programamos actividades de otro tipo si alguien necesita el espacio para recitales de poesía, o incluso música en directo acompañando. Ahora tenemos dos clubs de lectura de narrativa, otro de ciencia ficción, y uno de lecturas de filosofía. Acabamos de empezar otro grupo de lecturas de ensayo, hay un taller de narrativa joven, otro taller de escritura de poesía y también un taller de escritura entre mujeres. De manera online colaboramos con un club de literatura argentina”. 

Los problemas a los que se enfrenta un autor o autora novel para conseguir que se le publique “son similares, tenga la edad que tenga”, explica el librero: “Además de escribir bien, uno de los obstáculos es acceder a los circuitos editoriales con sus reglas, ubicaciones y privilegios geográficos, que pueden limitar la mirada de los editores. Hay vías más proletarias que tienen que ver con presentarse a diferentes concursos y esperar que eso sirva… O ya pasar a autopublicarse. Lo cierto es que en el mundo de la autopublicación hay prácticas virtuosas pero desgraciadamente también predatorias. Además, hoy en día es muy fácil que a un influencer, por cualquier razón, se le proponga hacer un libro. O si ya eres considerado escritor, y también tienes otra vida y te dedicas un poco a la promoción personal y las redes sociales, la realidad es que tienes acceso a un tipo de editoriales más grandes.”

La Montonera es un proyecto unipersonal: “Es una carga que asumo solo, un poco como hombre-orquesta, pues también hago el diseño de la cartelería, o el mantenimiento del local, que me ocupa bastante tiempo”. Le gustaría mejorar la gestión de redes, pero “prefiero cuidar la parte presencial y social, para mí insisto en que la parte principal es la offline, cuando la gente acude, y las redes solo sirven para atraer un poco al público o informarles, porque el cuidado y la atención es lo que nos diferencia a las librerías pequeñas frente a los grandes establecimientos capitalistas”.

El éxito del true crime no deja de crecer. Podcast, documentales y series basadas en crímenes reales copan las plataformas y arrastran a millones de espectadores. En particular, a espectadoras: alrededor del 70% u 80% del público de este género son mujeres. Una de ellas era Berta Comas, periodista zaragozana reconvertida en docente, que ha escrito un ensayo en el que analiza el éxito de este fenómeno: 'True crime. Una mirada hacia el dolor de las demás'.

Casas reflexiona y argumenta durante 140 páginas sobre lo que el true crime hace sentir a quienes lo consumen y cómo aumenta la sensación de un riesgo a sufrir un acto violento “cuando vivimos en un país con un bajo índice de criminalidad, no es una realidad ese peligro” pero, aún así, un día se descubrió a sí misma “pensando que foto elegiría mi familia para un cartel de desaparecida”. Con esta idea comienza el ensayo, que va recorriendo las diferentes aristas de este tema con fuentes documentales y referencias bibliográficas.

Uno de los ejes centrales del ensayo es la falta de enfoque de género en estos relatos. Esta cuestión aparece en numerosas ocasiones en el libro y también se abordó en la presentación en Zaragoza, que tuvo lugar en la librería La Montonera. La autora, acompañada de sus compañeras —y amigas— del podcast 'Sororitrap' Berta Jiménez y Rocío Durán, reflexionó sobre la falta de referencias a estos crímenes —la mayoría asesinatos de mujeres cometidos por hombres— como feminicidios. Es decir, no se aborda el tema desde el prisma de la violencia machista, por lo que se desliga de uno de los grandes problemas de nuestra sociedad.

Entre el miedo y la identificación

Durante la presentación del libro en Zaragoza, Comas profundizó en esa relación contradictoria que el público —especialmente femenino— establece con este tipo de contenidos. “Si puede ser cualquiera, puedo ser yo. Pero a la vez piensas que a ti no te pasaría”, resumió. Esa dicotomía atraviesa todo el género. Por un lado, las espectadoras se identifican con las víctimas —mujeres, en su mayoría—. Por otro, la propia narrativa introduce una distancia que permite pensar que ese desenlace podría haberse evitado.

Durante el coloquio, las tres periodistas reflexionaron sobre el aprendizaje implícito que puede generar consumir este tipo de contenido. Berta Jiménez lo explicó así: “Te sientes identificada, pero a la vez la espectacularización te saca de ahí, individualiza todo y genera una distancia muy cruel”. Esa tensión, añadió, se traduce en una comparación constante entre lo que le ocurrió a la víctima y lo que una misma habría hecho. Muchas consumidoras de true crime buscan en estos relatos patrones, errores o señales que les permitan anticiparse al peligro. “Si aprendo de esto, a mí no me va a pasar”, es la lógica que subyace, aunque, como señaló Comas, ese razonamiento “es muy perverso”.

“Al final lo que se está diciendo es eso, de no puedes ir por la calle sola de noche porque te puede pasar, entonces te quedas en casa. No hagas auto-stop porque te puede pasar, por lo tanto no te mueves”, explicó. “Entonces como que se va coartando un poco las salidas de las mujeres y se acaba en una domesticación”. En esa misma línea, Rocío Durán apuntó a cómo estos mensajes se trasladan a la vida cotidiana: “Veces y veces que me han repetido la cosa esta de no vuelvas de noche o no cruces parques”. “Entiendo que con el tema del true crime todavía es como insensibilizarte a la vez, como reforzar ese tipo de comportamiento”, añadió.

La autora también apunta a otra clave del éxito del género: la capacidad de generar una identificación múltiple. “El true crime nos hace sentirnos en la piel de víctima y asesino a la vez”.

Punitivismo y normalización de la criminalidad

El ensayo también cuestiona el enfoque habitual del género, centrado en el crimen, la investigación y la resolución judicial. “Todo acaba con la puerta de la cárcel cerrándose”, explica Comas. La autora considera que este esquema narrativo deja fuera buena parte de la historia. “Luego no hay un más allá”, señaló, en referencia a la falta de relatos sobre lo que ocurre después con las familias o los entornos de las víctimas.

Durante el coloquio, Rocío Durán planteó esa misma idea al preguntarse por el peso del castigo en estos relatos: “Es posible un true crime antipunitivista, o sea, es posible imaginar un documental en el que no acabe persiguiendo al asesino a través de los juzgados”. En esa línea, Comas insistió en la necesidad de ampliar el foco: “Sería más interesante qué pasa después con las que nos quedamos, con los entornos que se quedan en relación a eso, qué consecuencias les quedan”.

Otro de los ejes del ensayo es cómo el true crime convierte en cotidiano lo que en realidad es excepcional. España, recuerda Comas, tiene una de las tasas de criminalidad más bajas de su entorno, pero la repetición constante de estos relatos genera una sensación de amenaza permanente. El libro recoge además referencias internacionales, como el impacto de los asesinatos de Ted Bundy en universidades estadounidenses. Tras esos crímenes, se registró un descenso en las matriculaciones de mujeres. “Si le ha pasado a otras, le puede pasar a mí”, resumió Comas. “Sabemos que ocurren cosas horribles en el mundo… pero tampoco hace nada en tu vida contra eso”, añadió la autora, en relación con la idea de que la información no siempre se traduce en control, sino en una mayor sensación de inseguridad.

Quién cuenta las historias

El libro también pone el foco en quién construye estos relatos. Aunque cada vez hay más mujeres en formatos como el pódcast, la producción audiovisual sigue estando mayoritariamente en manos de hombres. “Depende desde qué perspectiva lo hagas… cambia mucho”, explicó Comas durante la presentación. “Nada va a ser objetivo”.

Durante el coloquio, Berta Jiménez también apuntó a cómo se construyen los perfiles de las víctimas: “Las protas son chicas blancas de clase media, clase alta”. Un patrón que deja fuera otros casos con menor visibilidad mediática.

En paralelo, la figura del agresor también se presenta como una excepción. “Si pensamos siempre que son psicópatas… eso también hace que no podamos pensar que lo que están haciendo es totalmente estructural”, señaló Comas.

En el pequeño municipio turolense de Libros, donde apenas residen un centenar de habitantes, la llegada de 152 escolares de los colegios de Las Viñas, La Salle y Las Anejas ha convertido por un día la lectura en una experiencia compartida, viva y cercana. La segunda edición de 'Libros que cuentan', impulsada por el área infantil y juvenil de la editorial Planeta, ha reunido a cinco autores de referencia de la literatura infantil con niños que no solo leen sus historias, sino que ahora pueden conocer a quienes las crean. Entre talleres, firmas y encuentros, la iniciativa demuestra que acercar los libros al medio rural no solo fomenta la lectura, sino que transforma la manera en que los jóvenes se relacionan con ella, despertando curiosidad, emoción y nuevas formas de entender la cultura. La iniciativa ha sido el preámbulo de la celebración del Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil el próximo 2 de abril.

“Hemos ido a Libros a leer libros”, resumirá Héctor en su redacción escolar la jornada vivida en este pueblo con nombre tan metafórico. Integrado en la comarca de la Comunidad de Teruel, este municipio llegó a tener una población de 2.500 habitantes pero ahora cuenta con un centenar entre los que se incluyen cuatro niños que van al colegio a la capital provincial. Se ha hecho merecedor de este encuentro tras colaborar con el programa 'Mi pueblo lee', que “nos proporciona los autores del grupo Planeta y que lleva cinco años en marcha”, explica el alcalde, Raúl Arana, una trayectoria que, según apunta, ha sido clave para que la editorial se fijara en Libros como sede de esta iniciativa. Este municipio se ha convertido en símbolo de dinamización cultural tras reunir más de 60.000 libros donados desde toda España y proyectar una biblioteca-hotel inspirada en la Biblioteca Pública de Nueva York.

El encuentro entre escolares y sus autores preferidos llenó este miércoles la Plaza Mayor, que también lleva el nombre del escritor turolense Javier Sierra, con talleres, firmas y encuentros literarios. A la cita han acudido autores de las series más destacadas: Pedro Mañas y David Sierra Listón, creadores de la colección Anna Kadabra, fenómeno editorial con más de dos millones de lectores; Susanna Isern, autora de la exitosa colección 'Magic Animals'; Isabel Álvarez, autora de Clara Nox, una nueva narrativa infantil middle grade (un espacio narrativo que actúa de puente entre la inocencia de la infancia y la complejidad de la adolescencia) para fans de Amanda Black, y Raquel Díaz Reguera, escritora e ilustradora de referencia en literatura infantil, acaba de presentar 'El caos de Beca', una colección inspirada en los cambios que vive un preadolescente antes de pasar al instituto. Además, como autor invitado para la ocasión también ha participado el mítico Gerónimo Stilton.

Los autores

La creadora de Clara Nox, Isabel Álvarez, tiene claro que cuando un niño cierra un libro “ya no es el mismo niño”.  Satisfecha con la experiencia y analizando el éxito de sus libros, relata que los niños le han dado “mucha información y muy interesante”. Los chicos le han contado que cuando leían un episodio tenían ganas de seguir, porque en el cole las profesoras mantenían el misterio hasta el día siguiente al acabar cada capítulo. Además, conectan con la protagonista porque es una chica a la que han alejado de lo que ella conoce –su madre está enferma y a miles de kilómetros–, por lo que no encaja en su nuevo ambiente. “Clara tiene mucha personalidad y aunque siente la presión por encajar, ella sigue manteniendo su personalidad”, desgrana su autora. A su juicio, “los niños, cuando leen fantasía, aprenden a volar en un simulador sin riesgo de estrellarse. Y aprenden mucho de habilidades, sobre todo cuando no encajan, pero intentan seguir adelante. Utilizando un término de psicología, el espacio transicional es la intersección entre el mundo interior del niño y su realidad exterior. A veces el mundo es difícil para un niño, hecho por adultos, con reglas que no han decidido”, explica. La colección de Clara Nox acaba de publicar el segundo libro en febrero y el tercero sale en julio.

La escritora e ilustradora Raquel Díaz Reguera ha dado un giro en su trayectoria con su nueva colección al reconocer que la editora le hizo salir de su “zona de confort” y dar “un paso adelante”. Su proceso creativo ha sido exigente: “He intentado ponerme verdaderamente en los ojos de una niña de 12 años y ha sido el libro al que más tiempo le he dedicado”. Defiende una literatura que no juzgue al lector joven al explicar que en su libro “la que habla es Beca y trato de no ningunear para nada lo que ella siente”. La autora también reflexiona sobre el contexto actual de los niños y adolescentes al señalar que “nos preocupa mucho que se entreguen a las pantallas, pero a lo mejor es que hemos perdido mucho tiempo sin iniciarlos en otras experiencias culturales”. A Raquel Díaz le ha sorprendido especialmente la aceptación del libro entre los niños. “Les gusta mucho y me hace mucha ilusión porque antes solo era lectura de niñas” y reconoce que “la respuesta está siendo brutal”. En su proceso creativo ha contado con una ayuda muy cercana, ya que “mi hija ha sido como un experimento social. Ella es la que me lee y me dice, mamá, esto no se dice así”.

Los creadores de la colección Anna Kadabra, David Sierra Listón y Pedro Mañas, admiten que el éxito de la saga sigue siendo difícil de explicar porque “ojalá lo supiéramos para repetirla, no sabemos qué ingredientes hemos mezclado”. Aun así, identifican algunos factores clave como un texto que conecta con los niños también a través de las ilustraciones “que les flipan”, dando lugar a un trabajo conjunto entre escritor e ilustrador que ha permitido “un producto muy auténtico en el que todo el mundo está muy implicado”.

Destacan además un logro fundamental en la iniciación lectora de los escolares, ya que “mucha gente nos dice que Anna Kadabra es el primer libro que sus hijos leen solos”. Su conexión con el público infantil tiene que ver con su propia actitud porque “nunca hemos dejado de ser niños” y tienen claro que “los niños detectan a la legua cuando un mayor se está haciendo pasar por un niño”. También defienden abordar temas complejos dentro de la literatura infantil al afirmar que “la magia es solamente una excusa para hablar de muchas otras cosas”, incluyendo cuestiones como “política y la especulación inmobiliaria” que trataron en uno de sus libros. Durante el encuentro se han mostrado sorprendidos por el nivel de los jóvenes lectores porque “conocen todos los libros e incluso recuerdan detalles que nosotros mismos hemos olvidado”.

La autora Susanna Isern reivindica el valor de la literatura infantil al reconocer que “ha estado bastante denostada”, aunque que cada vez tiene más presencia. Subraya su importancia en la formación personal al afirmar que “estamos creando a las personas que van a ser futuros lectores”.

Explica el principal reto de su trabajo porque “lo más complicado es dar con esa tecla que hace que un niño empiece a leer un libro y no lo abandone”. Para lograrlo apuesta por “historias frescas, personajes originales, por una chispa que haga que los niños se emocionen”. También destaca la influencia directa de los lectores en su proceso creativo, ya que a veces le dicen: “¿y por qué no creas un personaje o por qué no sale este otro?. Y esas peticiones las trasladamos muchas veces a los nuevos libros”, admite. Aunque Isern es consciente de la dificultad de vivir del oficio cree que eventos como este “ayudan y mucho a dar proyección”.

Los lectores

Los escolares han sido los verdaderos protagonistas de la jornada. Noemí, Sofía y Elia son fans de `Clara Nox´ “por sus aventuras, los vigilantes, los monstruos y porque hay muchos poderes”. Confiesan que la descubrieran en el colegio y ahora dan su voto de confianza al cole a la hora de elegir sus lecturas, aunque proponen a sus docentes leer también al veterano Gerónimo Stilton. “Antes, el colegio era aburrido cuando no leíamos en clase pero ahora ya nos compramos nuestros propios libros”, comentan orgullosas.

Luca, sin embargo, es fan de `Magic Animals´ “porque es de aventuras y me divierte mucho y me gusta la trama y los personajes”. Sin embargo, la jornada en Libros le ha servido para descubrir también a Anna Kadabra. A Luca le gusta escribir y adelanta que en su redacción de clase escribirá lo bien que se lo ha pasado y que le hayan firmado los autores porque “hemos visto que los autores existen de verdad”, añadía.

Héctor, alumno de Las Viñas, cuenta que un día llegó su profesora planteando leer unos libros para hacer luego una actividad en Libros. Todo empezó con 1, 2 y 3 de ´Magic Animals´ y es la colección que le gusta “por mucho” respecto a otras. Le encantan los animales, como Eric, el oso. Y aunque reconoce que no le gusta mucho leer, estos libros le facilitan seguir la historia “porque no son tan espesos, cuenta con ilustraciones y letras más grandes”. De la experiencia, Héctor resume que “hemos hecho una excursión muy chula. Hemos ido a Libros a leer libros”, y también les ha servido para descubrir el pueblo, a pesar de su cercanía a la capital.

Los cómplices: la editorial, el ayuntamiento y el colegio

La segunda edición de 'Libros que cuentan' ha transformado el pequeño municipio turolense de Libros en un punto de encuentro entre autores y jóvenes lectores con un objetivo claro, acercar la literatura infantil al medio rural porque, como subraya la editora de Planeta, Anna Casals, “estamos convencidos de que los libros para los niños son importantísimos”, y apuesta por llevar este tipo de iniciativas al medio rural, donde no suele haber tantas herramientas y oportunidades como en las ciudades. De hecho, dos de las autoras, Isabel y Silvia, pasaron la infancia y parte de la adolescencia, en un pueblo de Asturias una, y en un pequeño municipio catalán, otra, lo que a Isabel le sirvió para hacer realidad sus ansias de descubrir y a Silvia, para inspirarse en la naturaleza siempre presente en sus obras.

El alcalde de Libros, Raúl Arana, resalta la emoción de este día porque “es una alegría tener 150 niños cuando de normal viven 50 personas de manera continua en el pueblo, 4 de ellos, niños” y añade que “cuando nos lo propusieron, ni nos lo pensamos”. Arana destaca que este tipo de actividades forman parte de una estrategia más amplia de dinamización cultural que se desarrolla en el municipio. Durante el verano el pueblo multiplica su población y se organiza una semana cultural además de un festival literario que se celebra el 5 de junio, al que han acudido autores famosos y se presenta como una oportunidad para conseguir contactos.

Desde el ámbito educativo, destacan que la experiencia ha tenido un impacto directo en los hábitos lectores. Magdalena Amat, profesora de 4º de primaria del colegio La Salle, explica que, al conocer la idea, les facilitaron una colección para que los niños pudieran concocerla y ella, junto con otra tutora, Elena Soriano, decidieron hacer lecturas por las mañanas y dejaban a los alumnos en suspense hasta el día siguiente, “lo que provocó que se engancharan rápido”. El resultado ha sido evidente porque “les ha gustado mucho la historia y les hace ver la literatura de otra manera”. También destaca que a muchos de sus alumnos les cuesta bastante coger un libro pero esta experiencia les ha metido más en la historia. Por ello defiende que “es una iniciativa muy buena porque el libro requiere más tiempo que la inmediatez a la que estamos sometidos, pero podemos optar por más cosas”.

Hay historias que no se entierran bajo la tierra, sino dentro de cajas. Cajas selladas con prisa, trasladadas a toda velocidad entre fronteras, cargadas en camiones que huían del avance de la guerra, olvidadas después durante décadas en depósitos silenciosos. Cajas que contienen imágenes, pero también decisiones, trayectorias y una forma de mirar el mundo. Cajas que, cuando se abren, no solo devuelven fotografías, sino también vidas interrumpidas. De ese viaje improbable y de lo que quedó dentro nace ‘Las Cajas de Ámsterdam. Margaret Michaelis y Kati Horna en la Guerra Civil’, el libro de la historiadora Almudena Rubio que reconstruye tanto el itinerario de un archivo como el de dos mujeres que hicieron de la cámara una forma de compromiso.

Rubio no se limita a ordenar imágenes: trata de restituir un sentido. Lo deja claro cuando explica que en el caso de estas dos fotógrafas “vida y obra en los dos casos es algo inseparable, van de la mano y además en los dos casos muy marcado por ese compromiso político con los anarquistas”. Esa afirmación atraviesa el libro, presentado la semana pasada en la Diputación Provincial de Huesca, como una columna vertebral, porque la autora no solo quiere mostrar lo que fotografiaron, sino desde dónde lo hicieron. Y ese punto de partida se remonta a una Europa que ya se estaba resquebrajando antes de la guerra española.

Margaret Michaelis (1902-1985) y Kati Horna (1912-2000) nacieron en familias judías de clase media en el corazón de Centroeuropa, en Austria y Hungría respectivamente, y crecieron en un contexto donde la modernidad artística convivía con la radicalización política. Sus trayectorias, como subraya Rubio, tienen sorprendentes paralelismos: “Son dos fotógrafas de raíz centroeuropea, van a tener unas trayectorias similares”. Ambas se formaron en fotografía, ambas pasaron por Berlín a comienzos de los años treinta, ambas se vincularon de una u otra forma a círculos anarquistas y ambas acabaron en España durante la Guerra Civil trabajando para las oficinas de propaganda de la CNT. Sin embargo, sus caminos no son idénticos, y es precisamente en sus matices donde el libro encuentra una de sus mayores riquezas.

Michaelis se formó en Viena durante años, en un aprendizaje prolongado que se tradujo en una sólida base técnica y en una sensibilidad marcada por la vanguardia. Después se trasladó a Berlín, donde abrió su propio estudio, y más tarde hizo lo mismo en Barcelona y en Australia, ya en el exilio. Hay en su biografía una capacidad constante de recomenzar que Rubio destaca con admiración: es “capaz de sobreponerse y empezar de nuevo” en contextos completamente distintos, cambiando de idioma, de entorno y de clientela sin abandonar nunca la fotografía. Esa experiencia vital se percibe en sus imágenes, en sus encuadres arriesgados, en la búsqueda de ángulos poco convencionales, en esa inquietud que la lleva a situarse a distintas alturas para captar la escena.

Horna, por su parte, se formó en Budapest en contacto con círculos obreros donde la fotografía se concibe como herramienta crítica. Rubio recuerda que desde muy joven frecuentaba ambientes donde la imagen se entiende como denuncia social, y que esa influencia sería decisiva: “Entendía la fotografía como una herramienta de crítica social y eso va a influenciar ya en ese momento a Kati Horna”. Más tarde, su paso por Berlín intensificó su politización, y en París entró en contacto con las corrientes surrealistas, aunque más adelante se distanció de ellas. Su lenguaje visual, como apunta Rubio, será más complejo, más cargado de capas simbólicas, menos directo que el de Michaelis, pero no por ello menos comprometido.

No son observadoras neutrales

Ambas confluyeron en España en momentos distintos, pero bajo un mismo horizonte. Michaelis llegó a Barcelona en 1933, huyendo del nazismo, y cuando estalló la guerra ya estaba instalada, conocía la ciudad y había tejido una red de contactos en los ambientes anarquistas. Horna, en cambio, aterrizó en enero de 1937, en plena contienda, sin conocer el idioma ni el entorno. Esa diferencia marca también sus experiencias, pero no altera el fondo: ninguna de las dos es una observadora neutral. Rubio lo subraya con contundencia: “No son fotógrafas que llegan allí y van a tomar fotografías sin posicionarse, se posicionan”. La cámara, en sus manos, es una herramienta política.

Esa mirada se desplegó en el frente de Aragón y en la retaguardia oscense, en lugares como Albalate de Cinca, Banastás, Vicién, Igriés o Grañén. Pero lo que muestran sus imágenes no es solo la guerra en su dimensión más evidente, sino también sus márgenes: la vida cotidiana alterada, los espacios transformados, los cuerpos que resisten lejos del frente. En ese sentido, el archivo que Rubio estudia aporta una perspectiva distinta a la que ha dominado el imaginario visual de la Guerra Civil, más centrado en la épica del combate. Aquí hay menos heroísmo y más humanidad, menos gesto grandilocuente y más detalle.

Esa diferencia no es menor. La autora insiste en que este conjunto de imágenes “completa y enriquece ese legado fotográfico de la guerra conocido hasta ahora”, precisamente porque introduce una mirada que había quedado dispersa. Frente a los nombres ya canonizados como Robert Capa, Gerda Taro o David Seymour, las fotografías de Michaelis y Horna habían permanecido fragmentadas en distintos archivos, sin una lectura conjunta que las situara en su contexto político y geográfico. El hallazgo de las llamadas “Cajas de Ámsterdam” permite, por primera vez, reconstruir ese relato.

Pero el libro no se limita a analizar las imágenes: también sigue el rastro físico de esas cajas. Y ahí es donde la investigación adquiere un tono casi narrativo, porque el archivo tiene su propia historia, tan accidentada como la de las personas que lo produjeron. Rubio recuerda que al comenzar su trabajo todo eran preguntas: “Fue una sorpresa tras otra… ¿por qué está este archivo aquí?”. La respuesta implica atravesar Europa.

En enero de 1939, ante la inminente derrota republicana, el archivo de las oficinas de propaganda de la CNT-FAI fue empaquetado y evacuado de Barcelona. Las cajas viajaron hasta la frontera francesa en un camión conducido por el anarquista Simón Radowitzky, acompañado de mujeres y niños refugiados. Desde allí pasaron a París, luego a Inglaterra para evitar su caída en manos nazis y finalmente a Ámsterdam, al Instituto Internacional de Historia Social. El recorrido es tan incierto como decisivo, porque en cada etapa el archivo pudo perderse. Rubio lo resume como “un viaje y un problema tras otro que se va resolviendo”, una cadena de contingencias que, sin embargo, termina preservando el material.

Durante décadas esas cajas permanecieron cerradas. Un acuerdo impedía abrirlas hasta que la situación en España cambiara, lo que retrasó su estudio hasta después de la muerte de Franco. Cuando finalmente se organizaron en los años ochenta, el archivo reveló miles de negativos, placas de vidrio y fotografías. Sin embargo, la tarea de identificarlos, contextualizarlos y atribuirlos quedó pendiente. Es ahí donde entra el trabajo paciente de Rubio, que durante más de diez años ha ido reconstruyendo piezas dispersas.

Ese proceso no ha sido lineal. La autora reconoce que no siempre ha podido identificar cada imagen, pero aun así ha logrado trazar recorridos, establecer conexiones, devolver autorías. “He intentado ir registrando por donde han estado”, explica, consciente de que ese mapa, aunque incompleto, es esencial para entender la dimensión de su trabajo. Porque no se trata solo de saber qué fotografiaron, sino de seguir sus pasos en medio de la guerra.

Al hacerlo, el libro también recupera la dimensión personal de estas dos mujeres. Rubio insiste en que fueron “mujeres con una clara voluntad de independencia, de autonomía”, algo que en el contexto de los años treinta no era habitual. Eligieron una profesión, sostuvieron económicamente sus vidas, se desplazaron por Europa y tomaron decisiones personales que desafiaban las normas sociales. Michaelis abrió estudios en tres países distintos; Horna sobrevivió en París gracias a sus reportajes. Ambas rompieron relaciones, iniciaron otras, vivieron sin ajustarse a los modelos tradicionales.

“Vivieron sus vidas con pasión y valentía”

Ese componente biográfico no es accesorio, sino central. Forma parte de la misma lógica que une vida y obra. Rubio lo sintetiza al afirmar que “vivieron sus vidas con pasión y con valentía”, una valentía que se manifiesta tanto en sus decisiones personales como en su trabajo en contextos de riesgo. Horna llega a Barcelona con poco más de veinte años para fotografiar una guerra; Michaelis documenta el conflicto desde una posición comprometida. Ninguna de las dos se limita a observar.

Esa implicación es, precisamente, uno de los puntos que el libro reivindica frente a lecturas exclusivamente estéticas. Rubio advierte que reducir estas imágenes a su valor formal implica despojarlas de su sentido histórico: “Ahogar esta lectura más histórica, más política de sus obras bajo la estética de sus fotografías es no ser justa con ellas”. No se trata de negar su calidad artística, sino de integrarla en una comprensión más amplia. Como ocurre con figuras como Capa, entender su obra implica conocer su posicionamiento.

En ese cruce entre estética y política, el archivo de Ámsterdam adquiere un valor singular. No es solo un conjunto de imágenes, sino un testimonio colectivo en el que conviven distintos fotógrafos y distintas miradas. Junto a Michaelis y Horna aparecen nombres como Antoni Campañà, Badosa o Agustí Centelles, configurando un mosaico que amplía el relato visual de la guerra. Pero incluso en esa diversidad, el libro mantiene el foco en sus dos protagonistas, devolviéndoles una centralidad que había quedado diluida.

Quizá por eso el texto tiene también algo de relato de búsqueda. El primer capítulo, escrito en primera persona, narra el propio proceso de investigación, con sus dudas y hallazgos. Esa elección no es casual: introduce al lector en el descubrimiento progresivo del archivo, en la sensación de estar abriendo cajas que llevan demasiado tiempo cerradas. Y en ese gesto hay algo más que un trabajo académico: hay una voluntad de rescate.

La IV Campaña Arqueológica de recuperación y puesta en valor del castillo d'Os Muros de Ayerbe ha arrancado esta semana consolidándose como un proyecto singular en Aragón, tanto por sus avances científicos como por su carácter participativo. Impulsada por la asociación local ZIDMA (Zentro de la Imagen Digital y la Memoria de Ayerbe) y dirigida por el arqueólogo Antonio Alagón Castán, la intervención se desarrolla entre el 21 y el 29 de marzo con un modelo basado en la implicación vecinal y la divulgación.

Lejos de los proyectos académicos tradicionales, esta iniciativa nace del propio municipio. En declaraciones a Europa Press, Antonio Alagón ha explicado que “este es un proyecto que ha surgido de la energía popular, de la gente del pueblo”, quien ha subrayado que fueron los vecinos quienes decidieron actuar ante el deterioro progresivo del enclave. “Veían cómo su castillo cada vez estaba más maltrecho, más deteriorado, y decidieron ponerle freno”, ha añadido.

Ese deterioro tiene raíces profundas. Durante décadas, e incluso siglos, el recinto fue objeto de expolio sistemático. “Aquí era casi un deporte nacional subir a buscar piedras para construir en el pueblo”, ha relatado el arqueólogo. A ello se sumó la persistente leyenda del 'Toro de Oro', un supuesto tesoro oculto que llevó a generaciones de vecinos a excavar sin control. “Esto parecía un conejar, lleno de agujeros por todos lados, con gente buscando ese tesoro”, ha resaltado.

Frente a ese pasado, la campaña actual plantea un cambio de paradigma: de la extracción al conocimiento. “Ahora la gente sube a informarse, a ver qué pasa aquí, a entender que estos muros forman parte de su historia”, ha destacado Alagón.

Excavaciones en la zona norte y nuevos descubrimientos

Los trabajos se centran, un año más, en la zona norte del castillo, considerada la más estratégica del conjunto. Desde este punto se domina visualmente todo el frente de la sierra, en una ubicación clave durante la Edad Media como frontera entre el mundo andalusí y los reinos cristianos.

“Estamos en un territorio de frontera, donde durante décadas se estuvieron vigilando ambos lados, con castillos que se veían entre sí”, ha explicado Alagón, en referencia a enclaves como Loarre o Marcuello. En este contexto, el castillo de Ayerbe adquiere un valor histórico destacado, especialmente en su fase islámica, menos conocida que la cristiana.

Las excavaciones han permitido avanzar en la identificación de estructuras defensivas clave. “Estamos encontrando varias líneas de defensa y, sobre todo, la zona de acceso al castillo”, ha confirmado el director. La localización de una interrupción en la muralla y de elementos arquitectónicos en derrumbe ha permitido confirmar la ubicación de la antigua puerta de entrada, uno de los principales objetivos de la campaña.

Pero uno de los hallazgos más relevantes de este año se ha producido en un promontorio situado frente a esa entrada, que durante años se consideró natural. “Hemos hecho un sondeo y ya hemos identificado al menos tres niveles de construcción”, ha incidido Alagón. Entre ellos, se han detectado estructuras que podrían ir desde intervenciones contemporáneas —posiblemente de la Guerra Civil— hasta niveles más antiguos con sillares de gran tamaño.

“Esto nos confirma que ahí hay algo importante, incluso podría haber una estructura previa al castillo islámico”, ha apuntado. El hallazgo abre nuevas líneas de investigación y refuerza el potencial arqueológico del yacimiento de cara a futuras campañas.

Un laboratorio abierto y formación para voluntarios

La campaña no se limita al trabajo de campo. Este año, como novedad, se habilitará un espacio en Ayerbe para realizar labores de laboratorio, como limpieza, clasificación y estudio de materiales. “La excavación no es solo lo que se ve aquí; hay meses de trabajo posterior analizando piezas, documentación o cartografía”, ha declarado Alagón.

Este espacio también tendrá un carácter formativo. “Queremos que la gente participe, que aprenda cómo se trabaja en laboratorio, que entienda todo el proceso”, ha dicho. En este sentido, el proyecto actúa como una escuela abierta de arqueología, accesible tanto a aficionados como a personas con formación especializada.

El equipo está compuesto sobre todo por voluntarios de Ayerbe y la comarca, aunque también participan perfiles técnicos. “Aquí hay de todo: desde gente del pueblo hasta arqueólogos o restauradores. El mundo rural ha cambiado mucho y hay mucho conocimiento”, ha recordado.

Acercar la arqueología a la ciudadanía

Uno de los pilares del proyecto es su vocación divulgativa. A diferencia de otras excavaciones, el yacimiento está abierto al público durante los trabajos. “Aquí la gente entra, pregunta, se acerca, no hay cintas que lo impidan. Les explicamos todo”, ha afirmado Alagón.

Esta cercanía se refuerza con actividades como la jornada de puertas abiertas prevista para el 28 de marzo o las visitas escolares del CPI Ramón y Cajal. “Los niños suben todos los años y es un recuerdo que les marca. Llegan a casa entusiasmados”, ha añadido.

Además, la campaña incluye iniciativas paralelas como exposiciones, excursiones o encuentros con la comunidad. “Es devolver a la gente lo que es suyo, porque este patrimonio es de todos”, ha apostillado el arqueólogo.

El impacto social es ya visible. “Cada vez tenemos más voluntarios, más gente interesada, incluso turistas que vienen expresamente a ver el yacimiento”, ha apuntado. Un cambio de mentalidad que, según Alagón, es uno de los mayores logros del proyecto: “Hemos pasado de buscar tesoros a valorar una simple cerámica del siglo XII por lo que significa”.

Más allá de la excavación, el proyecto mira ya hacia la conservación del conjunto. “No solo se trata de excavar, sino de consolidar lo que queda”, ha explicado Alagón. En este sentido, se están estudiando futuras intervenciones para estabilizar estructuras en riesgo, como el ábside de la antigua iglesia de San Juan.

Estas actuaciones requerirán nuevas autorizaciones, ya que el enclave cuenta con la declaración de Bien de Interés Cultural (BIC), lo que obliga a extremar las precauciones. “Tenemos que dejar el lugar mejor de lo que lo encontramos, no podemos permitirnos degradarlo”, ha insistido.

Con esta cuarta campaña, el castillo d'Os Muros sigue recuperando su historia y su lugar en la memoria colectiva de Ayerbe. Un proceso que combina investigación, participación ciudadana y puesta en valor del patrimonio, y que, como ha resumido Antonio Alagón, “demuestra que la arqueología también puede ser una herramienta para unir a un pueblo en torno a su historia”.

Por primera vez, la provincia de Zaragoza se presenta en la capital con una marca común, 'El latido de la tradición', para difundir el alma de sus Semanas Santas. La iniciativa, impulsada por la Diputación de Zaragoza, busca potenciar estos trece municipios como un destino turístico y cultural de primer orden, basado en la autenticidad y el compromiso de sus vecinos.

La campaña se vertebra sobre el concepto del “latido”, una metáfora que une el estruendo de los tambores con el pulso vital de unos pueblos que cuidan su legado con orgullo. Desde el drama barroco hasta el silencio más sobrecogedor, estas localidades ofrecen un mapa de sensaciones único en Aragón.

Un patrimonio humano y artístico

La cifra es contundente: más de 12.340 cofrades repartidos en unas 60 cofradías mantienen vivos ritos que, en algunos casos, se remontan al siglo XIII. A la lista de municipios se ha sumado recientemente Épila, cuyo reconocimiento como Fiesta de Interés Turístico fue publicado en el BOA el mismo día de la presentación de esta propuesta.

Cristina Palacín, diputada delegada de Turismo, destaca que el objetivo es mostrar una provincia diversa con un patrimonio tangible e intangible excepcional. “Queremos que el visitante descubra no solo los pasos y procesiones, sino también nuestra gastronomía, nuestros paisajes y un modo de viajar más pausado y auténtico”, subraya.

Palacín ha explicado que “la Semana Santa es una de las expresiones culturales más auténticas de la provincia. Cada localidad tiene su forma de vivirla, pero todas comparten una misma esencia: la implicación de sus vecinos y el orgullo por mantener vivas sus tradiciones”.

Ha destacado que el objetivo es “mostrar que la provincia de Zaragoza ofrece una Semana Santa diversa con un patrimonio artístico tangible e intangible, con estilos, sonidos y emociones muy distintos, pero con un hilo común que une a todos nuestros municipios”. Además, ha subrayado el potencial turístico de estas celebraciones donde “cada año miles de personas se acercan a nuestros pueblos para vivir la Semana Santa y nuestro objetivo es que descubran también los recursos patrimoniales, paisajísticos, así como la gastronomía y un modo de viajar y vivir más pausado y auténtico”.

El trabajo y compromiso de las cofradías, las asociaciones y los vecinos que, generación tras generación, han mantenido viva esta tradición, convierten a estas celebraciones en una seña de identidad de la provincia.

Cada una de las semanas santas ofrece singularidades que puede atraer a visitantes que busquen experiencias diferentes.

Trece latidos, trece experiencias únicas

Cada municipio aporta una singularidad que lo hace irrepetible, configurando una oferta de experiencias que difícilmente se encuentra en otros lugares:

Alagón, con más de siete siglos de historia, destaca por la espectacularidad de sus pasos portados a hombros por más de 1.500 cofrades y por su gastronomía propia (sopada y cañas de azúcar).

El Domingo de Resurrección de Ariza sobrecoge con la “Bajada del Ángel”, un rito de teatro litúrgico medieval donde un niño desciende mediante poleas para anunciar la noticia ante la Virgen.

En Ateca se desarrolla un auténtico drama barroco donde desfila “La Muerte” (un esqueleto real de mujer) y se monta “El Monumento”, una asombrosa tramoya teatral del siglo XVIII.

Calatayud, la “Jerusalén Bilbilitana” transforma sus calles en un escenario bíblico con personajes del Antiguo y Nuevo Testamento y presume del Vía Crucis más antiguo de España.

En Caspe, la ciudad del Compromiso, el fervor se concentra en la custodia del Lignum Crucis, uno de los fragmentos de la verdadera cruz de Cristo más grandes del mundo, donado en el siglo XIV.

La seña de identidad de Ejea de los Caballeros es la música, con un Concierto de Jotas de Pasión y la particularidad de procesionar su Santo Entierro bajo palio.

Épila mantiene rituales de gran valor antropológico como el “Encierro del Alcalde” y el “Abajamiento”, un descendimiento realizado con una imagen articulada de 1631.

En Fuentes de Ebro la emoción estalla en la Rompida de la Hora a medianoche del Jueves Santo, bajo la icónica torre mudéjar de la iglesia de San Miguel.

Pinseque destaca por la marcialidad de sus Alabarderos, soldados romanos que realizan guardias de honor al Cristo Yacente con relevos cada media hora.

Tarazona, la ciudad del Moncayo ofrece una atmósfera sonora arcaica gracias a sus carracas y matracas de madera, además de la singular procesión de “los Ensacados”.

Tauste es fiel a su raíz franciscana, conserva la Procesión del Pregón (siglo XVI), un rito donde se anuncia solemnemente la crucifixión por las plazas de la villa.

En Torrijo de la Cañada el realismo llega a su cénit con un Cristo articulado del siglo XV; durante el Descendimiento, la imagen simula verter sangre tras el lanzazo de Longinos.

Used es una “catequesis viviente” donde casi la mitad del pueblo se viste de personaje bíblico con trajes confeccionados artesanalmente por las mujeres de la localidad.

Rap, psicología e intervención social, son los tres pilares de Rap Terapéutico, proyecto del zaragozano Rubén Lapesa, de 29 años. “Lo que pretende Rap Terapéutico es poder conectar con esos chicos que no son capaces de admitir que tienen que ir a terapia”, explica Lapesa, integrador social y psicólogo, que comenzó este proyecto hace menos de un año, con el que conjuga sus dos pasiones: rap y salud mental.

En redes sociales ha creado una pequeña comunidad y en sus vídeos, que acumulan miles de visualizaciones, analiza desde un punto de vista psicológico las letras de canciones de rap: “Ayuda a entender que el rap no es sólo una música agresiva o dramática, hay mucho trasfondo y quería darle visibilidad a esos artistas, que tienen mucho detrás”, dice el psicólogo. Sin embargo, más allá de las redes, con las que intenta llegar a más público, la base del proyecto gira en torno a los talleres de rap terapéutico que dirige, en los que se llevan a cabo distintas dinámicas de presentación, improvisación, análisis de canciones o escritura, generando un lugar en el que los participantes puedan expresarse con total libertad.

Como rapero, Lapesa empezó a escribir hace ya 10 años en las calles de Zaragoza bajo el nombre artístico de Big Propa. Como psicólogo, ahora se encuentra en Valencia terminando el máster general sanitario para poder ejercer la profesión y acaba de empezar en la ONG Psicólogas sin Fronteras, interviniendo en un barrio afectado por la DANA, haciendo terapia con población migrante y vulnerable. Admite que está siendo una experiencia de gran aprendizaje: “Es cierto que hay personas que les cuesta conectar con según qué dinámicas, pero todas terminan con la sensación de que el espacio ha sido agradable, han podido expresarse y liberar algo de su emocionalidad, que han podido rapear”. 

Entre medias, 10 años de música, estudios y una pequeña crisis existencial. Desde sus inicios en el mundo del rap estuvo en contacto con distintos profesionales como Francesc Tamarite conocido —como Fran Fuethefirst—, rapero, actor y psicólogo. Conforme avanzaba en su formación y trayectoria académica, Fuethefirst fue contando con él para participar en diversos trabajos con menores en riesgo de exclusión social o grupos de diversidad funcional, a través de talleres de rap y ritmo. También en diversos talleres en institutos de Zaragoza. Después se fue a Valencia a estudiar, rechazando su lado artístico, su identidad como rapero y creador, frustrado por no haber llegado a nada con la música. Paradójicamente, allí volvió a reconectar con la música y con el freestyle, aceptando que era una parte de su vida que podía integrar en su carrera profesional, la psicología. Y así nació su proyecto: Rap Terapéutico.

Juventud, salud mental y género 

Depresión, ansiedad y trastornos del comportamiento son algunas de las principales causas de enfermedad en la adolescencia. En todo el mundo, uno de cada siete jóvenes de entre 10 y 19 años padece un trastorno mental y el suicidio es la tercera causa de defunción en las personas de entre 15 y 29 años, según datos de la Organización Mundial de la Salud. “Hay un gran problema en la salud mental infanto-juvenil, está habiendo datos muy altos de suicidios e intentos de suicidios, pensamientos muy complejos y mucho malestar psíquico en edades muy tempranas”, explica Lapesa, y señala la necesidad de implementar intervenciones preventivas y terapéuticas dirigidas específicamente a esta población. 

Sin embargo, y aunque cada vez menos, al igual que durante muchos años el rap estuvo estigmatizado y relegado, también lo ha estado la importancia de la salud mental y el hecho de ir a terapia, especialmente en la población masculina. “Para entender el proyecto, el tema del género es importante. Creo que, así como las mujeres por la construcción de género y social sí que encuentran muchos espacios donde poder expresarse emocionalmente y están más dispuestas a ir más a terapia, los hombres no”, reflexiona el psicólogo. “Es uno de los problemas del patriarcado: la realidad emocional de los hombres tiene que esconderse y si se expresa que sea a través de la violencia, pero llorando no, mostrándote vulnerable no porque entonces te pisan”.

Teniendo esto en cuenta, Rap Terapéutico busca acercarse a esos jóvenes y conectar con ellos a través del rap, crear un espacio en el que jugar y divertirse, donde se sientan cómodos y puedan mostrarse vulnerables. “En esos momentos es cuando surge la expresión emocional espontánea y es ahí cuando se valida, se da lugar al penar y a poder decir: ‘oye esto que has comentado no ha debido ser fácil, si necesitas hablar de ello puedes contar conmigo’”, comenta Lapesa. 

Club de PsicoRappers

El proyecto busca desarrollar una metodología con base en la experiencia práctica y la investigación y el estudio, para llegar a más jóvenes y todo tipo de personas que puedan beneficiarse de estos talleres e intervenciones, generando una comunidad internacional. Lapesa admite que se trata de un plan un poco ambicioso: “La idea es unificar a muchos profesionales del sector, unificar una idea de intervención lo más adecuada posible para cada sector de la población y poder formar a profesionales de todo el mundo para que en su ciudad o en su pueblo hagan rap terapéutico”. Que la intervención se realice en la calle y no se quede solo en el despacho del psicólogo. 

“Estoy creando un club de PsicoRappers”, expone el psicólogo, que busca con ese objetivo en mente integrar a distintos profesionales de la salud mental, educación, campo de lo social, intervención de calle, baile, rap…; y reunirlos en sesiones quincenales en las que pensar el rap desde una mirada clínica y cultural.

Recientemente, Lapesa ha comenzado una colaboración en redes junto al Festival Rocanrola, el mayor festival de rap en español, y reflexiona sobre la necesidad de encontrar espacios saludables y terapéuticos en la vida y su día a día, más allá de la terapia: “Para mí Rocanrola puede ser uno de esos espacios, donde puedes conectar con iguales que también disfrutan tu pasión”.

Cinco exconsellers de Cultura de la Generalitat —Lluís Puig, Joan Manuel Tresserras, Ferran Mascarell, Laura Borràs y Àngels Ponsa— han presentado este martes una querella contra el traslado de las pinturas murales del Monasterio de Santa María de Sijena (Huesca), actualmente ubicadas en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), una iniciativa que el Gobierno de Aragón ya ha rechazado al considerarla un intento de obstaculizar el cumplimiento de las resoluciones judiciales firmes que ordenan su restitución.

Según ha informado el abogado y exdiputado de Junts Jaume Alonso Cuevillas en un mensaje en X, los exresponsables de Cultura formalizan esta acción legal en un contexto de creciente tensión institucional en torno a unas piezas cuyo litigio se prolonga desde hace años: “Los consellers que hoy presentamos esta demanda, lo hacemos al amparo de la legislación española y de la del Parlament de Catalunya, sobre todo, que nos obligaba cuando éramos consellers y ahora nos sentimos obligados como ciudadanos que debemos ejercer nuestras responsabilidades a preservar el patrimonio”, ha señalado Lluís Puig en una entrevista en TV3.

Desde el Gobierno de Aragón, sin embargo, se interpreta esta querella como un nuevo episodio de confrontación política. El director general de Cultura, Pedro Olloqui, ha calificado la iniciativa como un intento “de carácter político e intimidatorio” que busca frenar la ejecución de la sentencia del Tribunal Supremo que avala el retorno de los bienes a Aragón.

Puig, por su parte, ha cargado contra el proceso judicial que ha derivado en la orden de traslado, al que ha definido como un “desbarajuste judicial” fruto de “presiones políticas que considera desmedidas y desenfrenadas”. También ha acusado al ministro de Cultura, Ernest Urtasun, de no atender a informes internacionales contrarios al movimiento de las obras ni de solicitar un nuevo dictamen al Instituto del Patrimonio Nacional.

Frente a estas afirmaciones, el Ejecutivo aragonés insiste en que la cuestión está resuelta judicialmente y que no cabe reabrir el debate. Olloqui ha subrayado que la viabilidad del traslado “es cosa juzgada” y ha asegurado que está respaldada por criterios técnicos, incluidos los del propio MNAC, “pese a que una y otra vez lo quieran ignorar desde las instituciones catalanas y los sectores independentistas”.

En la misma línea, el director general ha criticado las recientes declaraciones del ministro de Cultura, al considerar que “ha tomado partido” por “intereses electorales” y por su “debilidad interna en el Gobierno”, en lugar de situarse “del lado del Estado de Derecho”.

El Gobierno aragonés también ha vinculado la querella a lo que considera una “nueva ofensiva del independentismo catalán”. En este contexto, Olloqui ha denunciado un “recrudecimiento del conflicto y la negación del Estado de Derecho” y ha advertido de que Aragón no permitirá que se “socaven” ni la unidad institucional ni su posición en la defensa del patrimonio.

Además, ha enmarcado esta escalada en otros episodios recientes, como la negativa del Museo de Lérida a prestar varias tablas procedentes de Sijena para una exposición temporal solicitada por Aragón, una decisión que ha calificado de “muy desagradable” y en la que aprecia “un antiaragonesismo claro”.

Pese a la controversia, el Ejecutivo autonómico reitera su intención de continuar con el proceso de restitución “sin interferencias políticas ni nuevos intentos de dilación”. “El fallo es claro. Las pinturas murales deben regresar a Sijena”, ha insistido Olloqui.

El Museo de la Historia de las Carreteras celebra su 20 aniversario inaugurando la actualización del espacio expositivo y la incorporación de novedades diseñadas para mejorar la experiencia del visitante. Un centro único y pionero en toda España, que repasa siglos de historia de las infraestructuras viarias y rinde homenaje a los trabajadores que han construido y mantenido los caminos de la provincia. 

Ubicado en el Centro de Conservación de Carreteras en Teruel, y dependiente del Ministerio de Transportes y Movilidad Sostenible, este centro interpretativo que se abrió al público en 2006, ofrece un recorrido didáctico desde las antiguas sendas hasta las modernas autovías, con maquetas, maquinaria histórica y documentos técnicos. “Es importante que los ciudadanos comprendan cómo se han desarrollado nuestras carreteras y la labor de quienes las hicieron posibles”, explica Carlos Casas, ingeniero de caminos y coordinador de la exposición. 

“La modernización del museo nos permite acercar a todos la historia de nuestras carreteras. Los viajes antes estaban llenos de peligros y dificultades, y los peones camineros eran los verdaderos guardianes de los caminos”, apunta el Ingeniero. A las nuevas secciones dedicadas a firmes, puertos de montaña y vialidad invernal, y túneles, se suma otra renovación, la de la imagen institucional del Museo, así como la mejora de la señalización con el fin de facilitar el acceso de los visitantes a este espacio.

Viajar al pasado gracias a la innovación tecnológica

Entre las principales mejoras que se han llevado a cabo en el espacio museístico destacan nuevas pantallas táctiles interactivas que explican de manera didáctica la construcción de carreteras, un recorrido virtual por antiguos caminos y calzadas, y la digitalización de documentos históricos que antes solo podían consultarse en archivos. “Queremos que los visitantes no solo vean historia, sino que la vivan. Las herramientas interactivas permiten experimentar con la señalización, el asfaltado y el mantenimiento de las vías”, asegura Marta Ríos, responsable de educación del museo.

El Museo de Carreteras permite conocer la evolución de esta infraestructura desde las primeras sendas hasta las autovías, incluyendo, entre otras, secciones dedicadas al trazado de las carreteras, a las calzadas romanas, a los peligros del camino, a los puentes y a la ingeniería. Las obras han permitido ampliar la sección de control de calidad de las obras y el aula didáctica, que permite conocer todo el ciclo de vida de las carreteras, desde su planteamiento hasta su construcción y mantenimiento.

Entre los múltiples atractivos con los que cuenta el museo destaca la zona exterior, donde se exhiben máquinas utilizadas en la conservación de carreteras durante las décadas de 1960 y 1970, así como un aula didáctica interactiva que permite experimentar con aspectos como la señalización o el asfaltado porque el objetivo, como explican desde el centro, es que “los visitantes no solo vean historia, sino que la comprendan de forma práctica”.

El museo también dedica un espacio especial a los peones camineros, cuya labor fue esencial para garantizar la seguridad de viajeros y mercancías a lo largo de los siglos. “Cada piedra y cada kilómetro de carretera tiene detrás el esfuerzo silencioso de estas personas”, apunta la responsable de educación del museo. “Es claramente un ejemplo de la divulgación de nuestra profesión a la sociedad en su conjunto.

“El objetivo era reorganizar espacios y completar el museo con secciones temáticas, que el público lo reconozca y apostar por que la gente venga a conocer lo importantes que son las infraestructuras en nuestro día a día”, explica José Miguel Galve, delegado de la provincia de Teruel de la demarcación de Aragón del Colegio de Ingenieros de Caminos, Canales y Puertos, entidad implicada en este museo por su vinculación profesional y que, además, ha organizado visitas de familias para que los niños conozcan de manera didáctica y divertida la profesión que desempeñan sus familiares y la importancia que esta tiene para la sociedad.  

Parte del Patrimonio visitable de la provincia

Con esta reapertura, el museo se consolida como un recurso educativo y turístico en Teruel, ofreciendo a los vecinos y visitantes la oportunidad de recorrer la historia de la provincia a través de sus caminos. El Museo de Carreteras de Teruel es una parte fundamental del catálogo patrimonial que ofrece la Dirección General de Carreteras en la provincia turolense. Una oferta que se completa con la rehabilitación de la casilla de camineros de Luco de Jiloca, las visitas a los viaductos de Teruel, y la exposición itinerante del propio museo.

Las visitas a este nuevo espacio seguirán siendo gratuitas y mantienen su horario de fin de semana, principalmente serán los sábados por la mañana de 10:30 a 13:30. El museo, que ya recibe alrededor de 500 visitas de escolares al año, espera seguir afianzando su presencia y con estas novedades y la ampliación de secciones temáticas que hacen referencia a elementos reconocibles como el túnel de Somport, llegar a convertirse en un referente para quienes quieran conocer la evolución de las infraestructuras viarias en España.

El próximo sábado, 21 de marzo, a las 11:00, se inaugurarán dos nuevas salas en el Museo de la Orden de San Juan de Jerusalén y la Encomienda de Castiliscar, una de la organizaciones religiosas y militar más importantes del mundo. Fundada en Jerusalén en el siglo XII, desde finales del XII y hasta el XIX, Castiliscar (Zaragoza) perteneció a la misma. Las dos salas a las que se hacían referencia anteriormente son la llamada Sala Sacra y otra que recibirá el nombre de Jesús Bueno Arrese, en homenaje a una persona vinculada con el municipio que fomentó su dinamismo cultural.

En ambos espacios se pueden ver algunos de los tesoros religiosos más representativos del municipio, como algunas tablas pictóricas, obra de Pedro Sarasa (1512-1544), un artista de Sangüesa muy conocido en el entorno por la calidad de sus obras, caracterizadas por su carácter lineal y su colorido. Entre ellas, el museo castilicense acoge ejemplos como la Tabla del Calvario, Santa Lucía, Santo Domingo de Guzmán, entre otras piezas, como esculturas y objetos litúrgicos.

El impulso de esta sala sacra permitirá “completar el museo que tenemos en el municipio”, comenta su alcaldesa, Mercedes Villacampa. Un espacio que cuenta con la colaboración del consistorio, Obispado de Jaca y Fundación Ibercaja. Además, se ha contado con el trabajo de la restauradora Miriam Pellicer y del galerista Ricardo Ostalé, quien ha llevado a cabo el montaje de la sala.

La recepción de autoridades será a las 11:00 en el propio museo, situado en la calle Rosario, número 7 del municipio, de la mano de alcaldesa del municipio, Mercedes Villacampa. Entre ellas, estarán presentes el obispo de Jaca, Pedro Aguado, el presidente de la Fundación Ibercaja, Amado Franco y el consejero delegado de Ibercaja Banco, Víctor Iglesias, el presidente de la Comarca de Cinco Villas, Santos Navarro, y familiares de Jesús Bueno Arrese, entre otros.

Tesoros locales

Las dos nuevas salas que se inaugurará este próximo sábado se suman a las que ya posee el centro de interpretación de la Orden de Caballeros de San Juan de Jesusalén, que fue inaugurado en el año 2016. Para quien quiera verlas, ese mismo día, de 18:00 a 20:00, habrá una jornada de puertas abiertas. Posteriormente, para visitar el museo habrá que recurrir el método habitual del mismo, del que se encarga la Asociación de Voluntarios del Museo de Castiliscar, que también han sido una piedra fundamental en su impulso y en la creación de las dos salas que se inaugurarán próximamente.

Para conocerlo, se llama a un teléfono que aparece en el propio museo para que el voluntario que están más cerca acuda a abrirlo y hacer la correspondiente visita guiada. La visita también se puede concertar previamente enviando un correo electrónico al siguiente email: museocastiliscar@gmail.com.

El Museo de la Orden de San Juan de Castiliscar se ubica en un edificio que históricamente perteneció a la citada orden, que se rehabilitó para este nuevo uso. Dentro del mismo se permite conocer, a través de sus tres plantas y de paneles explicativos, la historia del municipio y las diferentes relaciones con los pueblos cercanos donde la orden poseía bienes y derechos.

Pero, además de su historia, este centro expositivo recoge la historia de Castiliscar, como municipio fronterizo que posee un rico patrimonio cultural y natural, así como tradiciones y elementos artísticos ricamente conservados, como su sarcófago paleocristiano, hoy altar en su iglesia parroquial, pero también presente en este museo con una recreación.

El carismático Enrique Villareal, El Drogas, encabeza el cartel del XXXVI Festival Internacional Castillo de Aínsa, cuyos avances se han anunciado tras meses de intenso trabajo. La música folk y de raíz serán igualmente ingredientes esenciales de este certamen anual que llenará de conciertos, teatro, ferias gastronómicas y charlas la agenda cultural de Aínsa del 20 de junio al 12 de julio.

El concierto de El Drogas, uno de los eventos que más público espera concentrar, se celebrará en el foso del Castillo el 4 de julio, mostrando en escena la prolífica trayectoria de un músico intergeneracional que sigue siendo referente irrenunciable del rock en nuestro país. Su presencia en Aínsa animará el comienzo de la temporada estival, junto a los ritmos folklóricos latinoamericanos de Marta Gómez y el espíritu étnico de El Naán, que se darán de la mano en el foso el viernes 3 de julio, así como la particular interpretación de la música tradicional de El Nido, ejemplos todos ellos del empeño por poner en el centro la música folk y de raíz.

El director del Festival Castillo de Aínsa, Dani Escolano, ha destacado estos géneros como parte de la identidad cultural del territorio: “También continuamos apostando por una programación diversa, pensada para públicos con distintas sensibilidades, pero siempre con un punto en común que es la calidad artística de cada propuesta”. En el amplio abanico de posibilidades se escucharán las voces de las gallegas Caamaño & Ameixeiras aderezadas por los sonidos del acordeón cromático y el violín. Ellas actuarán el 11 de julio en el Patio del Museo precediendo a El Nido. “Además, conoceremos las incipientes experiencias de la joven banda Sheckband, un trío familiar de Ucrania que fusiona el jazz contemporáneo con los matices del folk de su país. Vienen para compartir, además de su talento, su historia de vida, en un contexto lleno de dificultades para aprender y evolucionar como músicos”, añade Escolano.

En la programación no faltará la presencia de grupos locales como Leo Susana, afincado en Fiscal, y The Bad Fathers, cuyos miembros se reparten por Sobrarbe, así como la música popular y tradicional de los navarros Puro Relajo, que en sus trece años de trayectoria han ofrecido más de 1.000 conciertos por todo el país. Ellos amenizarán una de las dos ferias gastronómicas que este año se darán cita en la Plaza Mayor de Aínsa.

“Estamos muy orgullosos de volver a presentar una nueva edición del Festival Internacional Castillo de Aínsa, un certamen con 36 años de historia que da empleo a profesionales de la zona, que ayuda a ocupar establecimientos al inicio del verano, y que atrae a públicos de distintas procedencias”, asegura el alcalde Enrique Pueyo. “Este festival cuenta con un presupuesto de alrededor de 145.000 euros. Acogemos, en muchos casos, a artistas emergentes y a otros ya consolidados, como es el caso de El Drogas, pero siempre adaptándonos a nuestras posibilidades con el claro objetivo de acercar la cultura al mundo rural, algo que sería imposible sin el apoyo de instituciones como la DPH”.

El diputado delegado de cultura, Carlos Sampériz, ha puesto de relieve precisamente la importancia de la cultura para fortalecer el medio rural. “La cultura no es un complemento, sino una parte esencial de su identidad y su futuro. Quien se acerca al Festival Castillo de Aínsa no solo asiste a un concierto o a un espectáculo, sino que entra en contacto con una manera de entender el territorio con un casco histórico extraordinario y con una comarca llena de patrimonio y paisajes increíbles”.

Citas arraigadas a la historia de Sobrarbe

Haciendo un guiño especial al público infantil y familiar, pero también local, la programación teatral recae nuevamente en los Titiriteros de Binéfar, que además de seleccionar a compañías reconocidas como La Raspa Artes Escénicas o Ros Beret, volverán a profundizar en la historia de los pueblos y de las gentes del Sobrarbe con los actos Más Sabe el Diablo y Mujeres que Cuentan.

En el primero, el invitado será Paco Parra, presidente de Turismo Verde de Huesca, fotógrafo, aprendiz incansable y gran conocedor de las vicisitudes del medio rural. En el segundo, las mujeres y sus historias de vida acapararán toda la atención para, posteriormente, ceder el testigo al grupo Entreveradas, de Zaragoza, con quienes Paco Paricio compondrá un tema homenaje para las contadoras que este año se presten a formar parte del evento.

Artecor Monegros, otra de las colaboraciones que se inició en 2025, ha estado presente en Huesca para arropar a la dirección en el inicio de la campaña promocional. En 2026 quieren traer al municipio una muestra del arte africano.

“El Festival Castillo de Aínsa es mucho más que una programación de conciertos. Junto a la parte cultural es muy importante la parte social del festival y su vínculo con el territorio y su gente. Por eso, son muchas las actividades paralelas que completan el cartel de 2026”, concluye el director del certamen. Y aunque muchas de esas actividades serán gratuitas, ya se pueden comprar las entradas para los eventos que sí serán de pago, con precios entre los 20 y los 25 euros en internet, alcanzándose los 30 en taquilla en el caso de 'El Drogas'. La organización irá desvelando el resto de las iniciativas en las que actualmente se está trabajando, junto con entidades y empresas públicas y privadas que hacen posible su puesta en marcha edición tras edición.

Más información y venta de entradas en festivalcastillodeainsa.com. 

Los trabajos de la reforma integral de la plaza de San Miguel y el Coso continúan aportando datos relevantes para conocer el pasado histórico de la ciudad de Zaragoza. En este caso, las tareas arqueológicas, que se ejecutan en coordinación con las obras de infraestructuras, han localizado los restos de una arcada que llegan, al menos, a cuatro metros de profundidad y “que puede identificarse con lo que fuera en su día un puente, posiblemente también con funciones de acueducto para llevar el agua desde el cauce del río Huerva al interior de la ciudad”, ha explicado el jefe del Servicio Municipal de Arqueología, José Juan Domingo.

“Los restos aparecidos tienen una gran importancia en el aspecto de registro histórico y documental porque se trata de la primera estructura de este tipo encontrada en Zaragoza. Gracias a la coordinación constante entre las obras de reforma y los trabajos de arqueología, se ha logrado una colaboración que asegura que el patrimonio histórico de la ciudad quede estudiado y protegido, mientras las obras continúan su curso con total normalidad y sin retrasos”, ha apuntado Domingo. Este nuevo hallazgo se ha localizado en las zanjas abiertas ya a la altura del Coso, en su esquina con la calle Espartero.

“Se trata de una estructura fabricada en opus caementicium, el hormigón romano, construida en las primeras décadas de vida de Caesar Augusta y que puede identificarse con lo que habría sido en su origen un puente, posiblemente también con funciones de acueducto. Parece que esta estructura salvaba una vaguada que ocupaba el trazado del Coso en época romana y que a partir de la reforma de la muralla en el siglo III es ocupada por el foso de la misma”, ha especificado Domingo.

Este tipo de hallazgos siempre supone “una noticia positiva para la historia de la ciudad, ya que cada fragmento, por pequeño que sea, aporta datos valiosos que nos ayudan a encajar las piezas y dibujar con mayor precisión cómo fue el pasado de Zaragoza”, ha explicado el jefe del Servicio Municipal de Arqueología.

Tras el hallazgo, los servicios municipales trasladaron la información a la Dirección General de Patrimonio Cultural del Gobierno de Aragón, que ha realizado un seguimiento de los trabajos de excavación, documentación, y protección de estos vestigios.

Una vez documentada mediante dibujo arqueológico, fotografía y escaneado 3D, el resto de esta estructura se ha protegido y se conservará bajo el pavimento de la calle, tal y como se viene haciendo con los elementos arqueológicos aparecidos en estas obras de renovación urbana. Un procedimiento de protección y cubrimiento in situ que permite que, una vez perfectamente documentados, estos vestigios queden salvaguardados bajo tierra.

No obstante, dada la importancia documental de este hallazgo, se ha optado por hacer otra nueva cata arqueológica para comprobar si la estructura continúa y se puede obtener más información.

Las tareas se harán de forma coordinada con el trabajo en las conexiones de las tuberías subterráneas entre la plaza y el Coso, para que las obras no se ven afectadas.

“Los restos aparecidos hasta el momento en estas obras de reforma permiten confirmar que la antigua colonia romana se extendía, ya desde sus inicios, hasta el cauce del Huerva, y que la zona entre el Coso y este río no era un barrio o vicus, sino que formaba parte de la ciudad consolidada desde un principio”, explica José Juan Domingo.

Estos hallazgos permiten avanzar también en el conocimiento “de la primitiva muralla de opus caementicium, de la que se desconoce su trazado entre el Coso y la calle Asalto, pero su importancia radica sobre todo en la información que puede aportar sobre el sistema de abastecimiento y distribución de agua a la ciudad, sobre el que en las últimas décadas se han venido planteando varias hipótesis”, ha remarcado el jefe del Servicio de Arqueología del Ayuntamiento de Zaragoza.

Junto a los restos de la estructura se han documentado diversos niveles arqueológicos que han proporcionado una gran cantidad de material mueble de diversas épocas, que se ha trasladado a dependencias municipales para su limpieza y catalogación. En este conjunto se incluyen algunas piezas destacadas por su calidad artística o su estado de conservación.

Sin embargo, “como suele ser habitual en el subsuelo zaragozano, los restos encontrados aparecen fragmentados y muchas veces en un estado de conservación delicado. Hay que tener en cuenta que, hasta la década de los años 80 del siglo pasado, no existía un control patrimonial sobre las construcciones de la ciudad, ni se realizaba el estricto seguimiento arqueológico con el que contamos en la actualidad. Las intervenciones urbanísticas de siglos y décadas anteriores alteraron significativamente el terreno, afectando a lo que yacía bajo él”, ha contextualizado Domingo.

La emoción contenida tras más de hora y media de concierto con Morrissey en el Auditorio de Zaragoza desembocó en dos fans subidos al escenario y tratando de llegar hasta el cantante. Solo una joven lo consiguió y se fundió en un abrazo con el artista británico poco antes de que este abandonara el estrado.

Sucedió justo antes de que se cerrara el telón de un concierto muy esperado, más tras la espantada de Valencia, que reunió en la capital aragonesa a 1.500 asistentes ávidos de reencontrarse con el ex-The Smiths, que regresaba a España once años después.

En los instantes previos a que se encendieran las luces, con Morrissey entonando el final de 'There is a light that never goes out', primero fue ella quien se zafó de la valla antiavalanchas colocada al frente por la organización y llegó hasta el cantante antes de que el equipo de seguridad lo pudiera impedir. El artista británico le correspondió con un abrazo y unas palabras ininteligibles al oído antes de que ella misma regresara a su sitio; eso sí, con un preciado botín: la camiseta del cantante, que pegó a su cara debido a la emoción.

Para entonces, otro joven espectador trató de seguir sus pasos, pero fue el balde ya que consiguió ser retenido por los guardaespaldas. En ese momento, Morrissey comenzó a caminar con tranquilidad hacia el 'backstage', no sin antes agitar los brazos como símbolo del buen concierto recién dado.

Once años, dos frustrantes cancelaciones, un reguero interminable de polémicas en el camino y la sensación de que el ocaso se hacía inevitable. Pero definitivamente mereció la pena: Morrisey está de vuelta en España. Y cómo, en qué estado. En su primera visita a Zaragoza, ante 1.500 fans que habían consumido en pocos minutos la taquilla, uno de los mayores mitos del pop del último medio siglo confirmó que el gran bocazas ('bigmouth') ha regresado para golpear fuerte. Con una voz en plena forma, las dosis de histrionismo que siempre le acompañan y superada ya su reciente catatonia, el exlíder de The Smiths presentó en el Auditorio de la capital aragonesa su nuevo disco, 'Make-up is a lie', y llevó en volandas a los asistentes con algunos de sus grandes clásicos: 'Everyday Is Like Sunday', 'Suedehead', 'First of the Gang to Die' o, por supuesto y antes de apagar al salir, 'There Is a Light That Never Goes Out'.

La expectación fue máxima hasta el último suspiro: hasta que Steven Patrick Morrissey subió al escenario para disipar las dudas sobre su presencia, tras la espantada 48 horas atrás en Valencia. En ese momento todos olvidaron sus coqueteos con la extrema derecha, su nacionalismo en ocasiones rancio o la impresión de que los mejores años quedaron atrás, de que un autobús de dos pisos se lo había llevado por delante. Y más en un escenario como el Auditorio de Zaragoza, preparado para los trazos más sinfónicos y donde los cinco instrumentistas –dos guitarras, bajo, batería y teclado– desplegó un sonido apabullante, en especial la electricidad en la guitarra de la italiana Carmen Vandenberg.

De rosa descamisado, con pantalón abolsado y mocasines, el artista británico abrió el concierto con el acelerado homenaje a Melville llamado 'Billy Bud' y mantuvo el tono rockero con 'I Just Want to See the Boy Happy'. Y entonces llegó el primer himno, un tema con casi 40 años de vida –se dice pronto–: 'Suedehead'. Y la cerilla prendió.

A continuación, los dos primeros temas de su nuevo disco, 'Notre-Dame', del que mejor pasar por alto las conspiranoicas ideas de su letra, y Make-Up Is a Lie, con su triple sentido y su grandilocuencia de vieja escuela. Para compensar dos canciones –especialmente la primera– que no lograron conectar con la misma intensidad con su audiencia, dos clásicazos de tono muy distinto: del cabaretero 'A Rush and a Push and the Land Is Ours' a la enérgica y reivindicativa 'Irish Blood, English Heart'; del “creo que estoy enamorado” a “escupir sobre el nombre de Oliver Cromwell”.

Pañuelo en mano para secarse el sudor llegaron 'Now My Heart Is Full' y –segunda llamada a The Smiths– 'How Soon Is Now?', ese himno tembloroso y eterno. Tras la poética 'I'm Throwing My Arms Around Paris', Morrissey volvió a activar su modo reivindicativo con una canción de obvio simbolismo en España: 'The Bullfighter Dies', con sus referencias a Madrid, Barcelona y Sevilla, bajo imágenes de sangrientas corridas de toros, contrapunto a la bandera española de la batería.

Uno de los temas más intensos y destacados de 'Make-up is a lie', 'The Monsters of Pig Alley', precedió a una huida sucinta de Morrissey del escenario poco antes de cumplirse la hora de concierto. ¿Volvería? Lo hizo: tenía que responder al teléfono, se dirigió al público: una llamada de la “prensa local” que le calificaba de “¡bastardo, bastardo, bastardo!”.

Dos himnos generacionales, 'Half a Person' y 'First of the Gang to Die', sirvieron para recuperar con plenitud la conexión con el público, entregado a un Morrissey pletórico y melodramático a partes iguales. Y otro clásico, este con tintes de angustia vital: 'Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me' con sus silencios densos: “Sin esperanza, sin dolor; solo otra falsa alarma”. A continuación, 'Jack the Ripper' envuelta en humo londinense, con su dosis justa de teatralidad gótica y sumar dramatismo a la noche.

'Everyday Is Like Sunday' hizo del Auditorio de Zaragoza un eco unánime puesto en pie: no, no todos los días son “silenciosos y grises”; definitivamente, este no lo fue. 'World Peace Is None of Your Business' rebajó el tono y anticipó un breve descanso: su regreso, enfundado en ahora en una camiseta blanca, trajo uno de los clásicos que nunca van a envejecer, 'There Is a Light That Never Goes Out', la canción que ha acompañado a una generación entera, arrollada por ese camión de diez toneladas llamado 'The Smiths' y con Morrissey como capitán. Nunca es una buena noche para morir; pero, si tiene que ser, que sea a tu lado. Lo canta el gran bocazas.