El día en que a Mariana Pineda le arrebataron la vida por garrote vil cuando apenas tenía 26 años, no solo estaban cercenando una vida, sino mandando un mensaje de disciplinamiento. La granadina, que fue asesinada durante el reinado absolutista de Fernando VII por haber sido presuntamente hallada bordando una bandera en favor de la libertad, continuó siendo víctima de su propia valentía incluso después de su muerte. Ahora, casi dos siglos después, su figura no solo va recuperando su relevancia, sino que parte de su legado renace con la puesta a la venta por parte de unos propietarios privados de documentos que formaron parte de su archivo.

La librería Astarloa, ubicada en Bilbao, vende por 40.000 euros parte del archivo que Mariana Pineda pudo recopilar en vida. Un archivo que tiene un valor mucho más elevado que el monetario porque entre las piezas se encuentra una carta: el único manuscrito completo que se conserva de la propia Mariana. Pero más allá de ello, lo que dice también esta herencia física es que todo cuanto se trató de borrar de la joven granadina, asesinada el 26 de mayo de 1831, nunca fue suficiente para acabar con el rastro de una mujer tan importante y pionera. Una feminista cuando el feminismo ni siquiera se contemplaba como palabra.

Según explican fuentes de la negociación, la Junta de Andalucía es la administración pública que está negociando la compra de un legado que lleva más de dos años en venta y cuya recuperación permitiría al público y a la cultura general tener en su poder los retazos que construyen el recuerdo de una Mariana Pineda cercenada en su vida, pero también en su propia biografía. De ella sabe como pocas personas Antonina Rodrigo, la escritora granadina que ha dedicado más de 25 años en estudiar quién fue y qué no supimos suficiente sobre Mariana.

Hablamos con ella para valorar la importancia del legado y para partir de un supuesto desconocido: se trató de borrarla tanto tanto, que incluso se le hurtó el “de” que anticipaba su apellido Pineda y que denota que no procedía de un estrato social bajo, lo que eleva la importancia de su figura y de su propia reivindicación política.

Rodrigo, que siente un agradecimiento vital a Mariana por haber abierto camino para muchas mujeres como ella, llegó a adquirir en su momento la llave de la celda en la que Pineda pasó sus últimas horas de vida. “Esa llave es simbólica no solo por la puerta que cerraba, sino porque esa puerta fue a la que Mariana miraba y a través de la que escuchaba su sueño de volver a ver a sus hijos”. Porque parte del borrado histórico de la granadina pasa porque no todo el mundo sabe que tuvo descendientes y que, seguramente hoy, siga teniendo familia incluso en Granada capital.

Un archivo que sobrevivió al intento de borrar a Mariana

La propia Antonina Rodrigo reconoce que cuando conoció la existencia del archivo sintió una mezcla de sorpresa y alivio. “Estuve casi 25 años investigando y no encontré nunca una carta o un documento personal de Mariana”, explica la escritora a elDiario.es Andalucía. Por eso considera que el fondo que ahora se encuentra a la venta tiene un valor que trasciende cualquier cifra económica. “Eso es un tesoro para nosotros”, explica.

La importancia del legado no reside únicamente en la carta manuscrita de Mariana, sino en el conjunto documental que la acompaña. Según explica Iker, propietario de la librería Astarloa, el archivo está compuesto en gran medida por documentación relativa a los hijos de la granadina, un aspecto sobre el que apenas han sobrevivido testimonios documentales. “Es un archivo del entorno familiar de Mariana Pineda; sobre todo está compuesto por bastante documentación relativa a su hijo”, señala.

Entre todas las piezas destaca precisamente esa carta escrita y firmada por la propia Mariana, que, tras el estudio realizado por los especialistas de la librería, constituye “el documento manuscrito suyo más extenso que se conserva en la actualidad”. Hasta ahora, explica el librero, únicamente se conocían algunas firmas en documentos oficiales y una carta incompleta conservada en Granada.

La aparición de este fondo ayuda también a comprender hasta qué punto la memoria material de Mariana Pineda fue deliberadamente desmantelada tras su ejecución. Rodrigo recuerda que, una vez condenada a muerte, las autoridades irrumpieron en su vivienda y se llevaron prácticamente todas sus pertenencias. “Entraron en su casa y lo arramblaron con todo”, explica. Aquel saqueo, unido al paso del tiempo, convirtió en excepcional cualquier documento original relacionado con la joven liberal.

Quizá por eso la historiadora insiste en que el archivo no puede acabar nuevamente oculto en una colección privada. “La Junta de Andalucía está casi obligada”, afirma. No habla únicamente de una compra patrimonial, sino de una responsabilidad con la memoria colectiva. “Que todo eso esté a disposición de los historiadores y del mundo entero”, reclama. Incluso reconoce que, si hubiera podido permitírselo, ella misma habría adquirido el fondo. “Si yo tuviera 40.000 euros lo compraba”, asegura entre risas.

Paradójicamente, el archivo no acaba de aparecer. Lleva más de dos años buscando comprador sin éxito. Según explica Iker, durante ese tiempo fue ofrecido a distintas administraciones públicas, aunque ninguna mostró interés por adquirirlo. La situación cambió hace apenas unas semanas, cuando el Archivo Histórico Provincial de Granada, dependiente de la Junta de Andalucía, contactó con la librería para solicitar toda la documentación técnica sobre el legado. Desde entonces, la venta permanece paralizada mientras la Administración estudia la operación.

“La pieza está reservada”, explica el librero. El procedimiento, añade, será largo. Primero deberá completarse la valoración técnica del fondo, posteriormente determinar su interés patrimonial, encontrar la correspondiente partida presupuestaria y, finalmente, negociar la adquisición. “Como toda relación con la administración, los procesos son bastante lentos. Llevará meses seguramente”, resume. Astarloa está acostumbrada a este tipo de operaciones. Entre sus principales clientes figuran el Ministerio de Cultura y distintas bibliotecas y archivos públicos autonómicos y provinciales, por lo que el proceso, aunque lento, entra dentro de la normalidad en el mercado del patrimonio documental.

Una oportunidad para reparar parte de la historia

La posible adquisición del archivo llega en un momento en el que la figura de Mariana Pineda ha recuperado parte del reconocimiento institucional y ciudadano que le fue negado durante décadas. Durante el franquismo su nombre desapareció de colegios, homenajes y espacios públicos por representar precisamente aquello que el régimen combatía: la defensa de las libertades y los ideales constitucionales.

Para Rodrigo, sin embargo, todavía queda mucho por recuperar. “Mariana es una figura extraordinaria, no solamente para España, sino para el mundo”, sostiene. La escritora la define como “una de las primeras feministas”, una mujer que defendió la libertad en una época en la que ni siquiera existía un movimiento organizado que reclamara la igualdad entre hombres y mujeres. “Es una persona de estos días nuestros”, resume.

Esa es precisamente la trascendencia del archivo. No solo permitiría conservar el manuscrito más importante que se conoce de Mariana Pineda, sino reconstruir parte de una biografía que durante casi dos siglos permaneció incompleta por la desaparición de buena parte de sus documentos personales. Un legado que sobrevivió a registros, saqueos, al olvido y al paso del tiempo, y cuya incorporación al patrimonio público supondría recuperar una parte de la historia de Andalucía que estuvo a punto de desaparecer para siempre.

Pese a la insistencia de elDiario.es Andalucía por conocer el estado de las negociaciones, la Consejería de Cultura ha preferido no realizar declaraciones sobre la operación, aunque fuentes oficiales sí confirman que se ha preguntado por el lote que está en venta. En todo caso, el desenlace de las negociaciones determinará si uno de los hallazgos documentales más relevantes en torno a Mariana Pineda pasa a formar parte del patrimonio público o continúa en manos privadas.

El Festival de Huelva de Cine Iberoamericano y la Autoridad Portuaria de Huelva han renovado un año más su acuerdo de colaboración, consolidando una alianza estratégica que refuerza la vinculación entre el principal acontecimiento cultural de la ciudad y uno de sus espacios más emblemáticos y representativos: el Paseo de la Ría. Gracias a este acuerdo, ambas instituciones continúan trabajando de manera conjunta para proyectar la imagen de Huelva como punto de encuentro entre la cultura, el cine y el mar, fortaleciendo además la presencia del entorno portuario en algunas de las acciones más destacadas del certamen. 

La renovación de esta colaboración permitirá que el Paseo de la Ría cobre aún más protagonismo en la 52 edición del Festival de Huelva, que tendrá lugar del 13 al 21 de noviembre. Tradicionalmente, este enclave privilegiado junto al Muelle del Tinto ha servido como escenario para las fotografías oficiales de los grandes homenajeados del certamen, entre ellos los galardonados con el Premio Ciudad de Huelva y los Premios Luz. En esta próxima edición, el espacio ampliará su presencia en la narrativa visual del festival al convertirse también en el escenario elegido para las fotografías oficiales de los equipos artísticos y técnicos de los largometrajes que participen en las secciones competitivas. 

De este modo, una de las imágenes más reconocibles de la ciudad y de su transformación urbana se integrará aún más en la identidad visual del certamen, proyectándose a través de las producciones iberoamericanas que cada año sitúan a Huelva en el mapa cinematográfico internacional. El Paseo de la Ría, símbolo de la apertura de la ciudad hacia su frente marítimo y lugar de encuentro para miles de onubenses y visitantes, se consolida así como un espacio de referencia para el Festival, un escenario donde confluyen la cultura, la creación y el paisaje. 

La alcaldesa de Huelva y presidenta de la Fundación Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, Pilar Miranda, ha destacado que “la renovación de este acuerdo vuelve a poner de manifiesto la estrecha colaboración existente entre instituciones comprometidas con el desarrollo cultural y social de nuestra ciudad. El Paseo de la Ría se ha convertido en uno de los grandes símbolos de la nueva Huelva y queremos que esa imagen siga viajando de la mano del Festival a través de los profesionales y las películas que nos visitan cada año. La implicación de la Autoridad Portuaria es fundamental para seguir creciendo y para continuar fortaleciendo la conexión entre el Festival y la ciudad”.

Por su parte, el presidente de la Autoridad Portuaria de Huelva, Alberto Santana, ha señalado que “desde el Puerto de Huelva, en nuestra apuesta por acercar la ría a la ciudad, agradecemos al Festival de Huelva de Cine Iberoamericano su iniciativa de promover el Paseo de la Ría, como un espacio más del certamen, además de convertirlo en cine de verano y así contribuir a su dinamización como espacio abierto al ocio, la cultura y el deporte para el disfrute de la ciudad”.

Cine Club Edición Verano

La colaboración entre ambas entidades se materializa también este verano con una nueva edición del Cine Club Edición Verano, patrocinada por la Autoridad Portuaria de Huelva y organizada por el Festival de Huelva. El ciclo volverá a convertir el Paseo de la Ría en un espacio de encuentro para el cine y la ciudadanía, ofreciendo dos sesiones dirigidas al público familiar.

La programación arrancará el próximo 14 de julio con la proyección del cortometraje ‘La primavera siempre vuelve’, de Alicia Núñez Puerto, y del largometraje de animación ‘Robotia’, dirigido por Diego Cagide y Diego Lucero. 

Una semana después, el 21 de julio, será el turno del cortometraje ‘Estela’, de Manuel Sicilia, y de la película de animación ‘Hanna y los monstruos’, dirigida por Lorena Ares. Ambas sesiones comenzarán a las 21.00 horas en el Paseo de la Ría.

Con esta programación estival y con el refuerzo de la presencia del entorno portuario en la próxima edición del certamen, el Festival de Huelva y la Autoridad Portuaria continúan afianzando una colaboración que trasciende el patrocinio para convertirse en una apuesta compartida por la cultura, la proyección exterior de la ciudad y la puesta en valor de uno de los espacios más singulares de Huelva, convertido ya en un icono inseparable de la imagen del Festival de Cine Iberoamericano.

La presidenta del Congreso de los Diputados, Francina Armengol, ha inaugurado este miércoles el acto de conmemoración del Día Internacional del Orgullo LGTBI, que ha contado con un coloquio y la proyección del documental Un hombre libre, dirigido por la cineasta Laura Hojman, columnista en elDiario.es Andalucía, sobre la figura de Agustín Gómez Arcos. En el evento ha estado presente la ministra de Igualdad, Ana Redondo.

El acto se ha celebrado en la Sala Constitucional con un discurso de la presidenta de la Cámara Baja, Francina Armengol, y un coloquio posterior entre Hojman, la escritora Alana S. Portero y el periodista David Martos. A su término, se ha proyectado el documental sobre Agustín Gómez Arcos, escritor exiliado en Francia durante el franquismo y cuyas obras abordaron cuestiones como la memoria democrática y la identidad de género.

Aquel fue un viaje hacia su libertad creativa y personal. El escritor, nacido en un pueblo de Almería, vivía en represión junto a la comunidad homosexual de Madrid, pero se fue a París. Allí escribió, en francés, algunas de las mejores novelas de la literatura española del último siglo como El cordero carnívoro o María República. Sin embargo, su nombre sigue siendo un desconocido para la gran mayoría de españoles, mientras que en Francia es una institución, sus libros se estudian en los colegios y hasta se han adaptado en óperas.

Según ya informó este periódico, para la cineasta siempre estuvo la idea de conseguir, a través de Gómez Arcos, hablar de “la memoria de nuestro país”. Por eso es importante que la obra del escritor “naciera del dolor, de la rabia y de la necesidad de dar un relato a todas aquellas historias que el franquismo pretende aniquilar, no solo expulsándolas físicamente de nuestro país, sino poniéndoles encima una losa de silencio”. 

La directora de Un hombre libre ha reconocido que hay preguntas que solo podría contestar el protagonista del documental, pero se aventuró a compartir su propia hipótesis: “Supongo que no volvió por ese dolor tan profundo que le dejó la infancia en la posguerra, el señalamiento de su familia republicana... hay heridas a las que es muy difícil volver, lo hacía con sus libros, pero físicamente es otra cosa”.

Desde la salida a la luz de su debut como novelista, el superventas Intemperie, a Jesús Carrasco le cayó la etiqueta de escritor serio, amigo de los argumentos más o menos dramáticos. Lo confirmó en sus obras posteriores, La tierra que pisamos, Llévame a casa y Elogio de las manos, con la que conquistó el premio Biblioteca Breve. Sin embargo, en su último lanzamiento, El detalle (Seix Barral), Carrasco da un giro inesperado y se atreve a introducir un nuevo elemento en su narrativa: el humor.

“No es que quisiera desmarcarme de lo que he hecho antes, pero sí tenía ganas de practicar el humor porque, como saben quienes me conocen, para es algo fundamental, y en la distancia corta lo practico bastante”, explica el escritor. “Nunca lo había llevado al terreno de la narrativa y me pareció que ya era hora, porque me apetecía mucho y también era un reto literario: escribir sobre un tema que me interesa, con peso, pero hacerlo desde una perspectiva desenfadada. No fue tanto por sacudirme una imagen de seriedad o solemnidad, sino por apetencia”.

El argumento de 'El detalle' se resume en un matrimonio en crisis y en la loca idea de un viaje sorpresa al lugar donde se conocieron –Liubliana– muchos años atrás. “La novela comienza como una peripecia aeroportuaria y, poco a poco, los personajes van ganando peso y la crisis de la pareja se hace con la novela, que para mí es lo más interesante”, apunta Carrasco. “Trabajando en este texto, me he dado cuenta de que cualquier asunto puede tratarse desde la comedia si hay tiempo y distancia. En este caso, la distancia la tomo yo como autor, y el personaje la toma porque cuenta los acontecimientos una vez han pasado. Mira hacia atrás, con cierta perspectiva, y eso le permite hacer una interpretación del dolor que a veces resulta divertida e irónica, incluso en una situación dramática como una crisis de pareja”.

La idealización del amor

“Cualquiera que haya vivido en pareja”, prosigue el autor, “sobre todo durante mucho tiempo, reconoce manías, roces y pequeñas fricciones que, vistas con distancia, pueden resultar ridículas o incluso bienintencionadas pero torpes. En esa intimidad es donde nos retratamos y nos desnudamos, y también donde aparecen nuestras fragilidades. Eso es lo que le pasa al personaje y como yo quería retratarlo: lo vemos en la intimidad de su relación, completamente expuesto”.

¿Es la novela, en cierto sentido, un alegato contra la concepción romántica del amor? “El romanticismo no engaña”, subraya Carrasco. “Ya hay una idealización en el propio término y en su concepción. En la novela aparece esa idea cuando el personaje intenta trasladar a la vida real modelos propios del cine romántico. Intenta aplicar soluciones que funcionarían en una película, pero que en la vida real no funcionan. Y en esa torpeza está parte de la comedia”.

“En el cine romántico no aparecen muchas de las condiciones reales: nadie hace la cama, nadie se ocupa de la comida, de los niños o de las preocupaciones cotidianas. En la vida real, en cambio, todo eso está presente, junto con el paso del tiempo, el tedio o la rutina. Pretender aplicar ese modelo idealizado a la realidad es imposible, y ahí nace buena parte del conflicto”, añade.

Interés por el estilo

No obstante, el escritor asegura que “no pretendo dar lecciones a nadie. Es más bien un retrato con una mirada humorística de algo que sucede y que cualquiera puede reconocer. Cada lector decidirá si lo que cuento le resulta útil, si lo toma como aviso o simplemente se reconoce y sonríe. Yo mismo me veo en muchas de las torpezas del personaje, y eso forma parte de la gracia”.

Con 54 años, natural de Olivenza (Badajoz) y afincado en Sevilla, donde ambienta en parte su ficción, Carrasco es consciente de que en España pesa cierto prejuicio sobre el humor en la literatura, lo cual no le ha desalentado lo más mínimo. “También había prejuicios con tratar temas del medio rural, pero nunca lo vi como un límite. Siempre me he sentido un poco fuera de eso. No he pensado en si me iba a beneficiar o perjudicar: he hecho lo que me pedía el cuerpo, lo que tenía que hacer. Y estoy contento con esa decisión”, agrega.

Tampoco ha condicionado el humor su estilo, siempre cuidado. “Es curioso, porque asociamos el humor a la ligereza en todos los planos, no solo en el tono, sino también en el lenguaje. Parece que esa ligereza se traslada a la estructura del texto, pero yo no he renunciado a nada de eso. No he renunciado a la precisión, ni al intento de construir frases cuidadas, ni al trabajo con el lenguaje”, asevera. “Sigo siendo exigente conmigo mismo, pero doy al personaje y a la historia un enfoque diferente, más irónico o humorístico. El trabajo con el lenguaje ha sido el mismo. Nunca voy a renunciar a eso; si lo hiciera, dejaría de escribir novela, porque es la parte fundamental para mí. Es algo que recorre todos mis libros: el interés por el estilo. Hay historias y enfoques diversos, pero siempre hay una atención especial a la lengua y a la palabra”.

A la hora de decantarse por el humor, Carrasco comenta que acudieron a su mente más referencias cinematográficas que literarias. Hay novelas que me han hecho reír mucho y siguen haciéndolo, como Sin noticias de Gurb. También me hace reír mucho Pedro Mairal, no solo por La uruguaya, sino por la mirada cómica y afilada que tiene en general. Pero me han influido más Billy Wilder, Azcona, Berlanga, todo el cine cómico que he visto a lo largo de mi vida“.

Situaciones kafkianas

Paralelamente a todo ello, la novela posee una dimensión social, con una reflexión implícita sobre las condiciones de vida actuales, especialmente aspectos como los viajes low cost o el consumo. “Esa lectura es inevitable. En ese plano me he limitado a retratar lo que sucede. Las relaciones —amorosas, laborales o de cualquier tipo— están atravesadas por las condiciones sociales: la prisa, la precariedad, el coste de la vida. Todo eso influye”, dice. “Si quería hablar de la pareja contemporánea, tenía que hablar también de las condiciones en las que existe: una vida marcada por la tecnología, la urgencia y la inestabilidad. Todo eso aparece en la novela, a veces desde un enfoque cómico, pero con una mirada crítica. Muchas de las situaciones que vivimos a diario tienen algo casi kafkiano”.

“Me he reído bastante escribiendo esta novela”, concluye Carrasco, “y también releyéndola, cosa que no me había pasado antes. Normalmente acabo saturado tras muchas revisiones técnicas, pero en este caso el texto seguía teniendo frescura y en algunos momentos me seguía haciendo gracia”

¿Volverá sobre este registro? “Creo que sí. Es un tono en el que me siento cómodo. Tengo cierta inclinación a ver la comedia en lo cotidiano y me ha gustado mucho escribir estos personajes, especialmente el narrador, con esa mirada tan particular. Además, me he dado cuenta de que el tono humorístico no está reñido con la profundidad. Se pueden tratar temas serios desde una perspectiva irónica. La ligereza en el tono no implica ligereza en el contenido”.

La bailaora granadina Patricia Guerrero y el violagambista sevillano Fahmi Alqhai han trabajado juntos en numerosos proyectos, a veces en escenarios insólitos. Sin embargo, este lunes tienen una cita muy especial en la National Gallery de Londres, donde actuarán ante los cuadros de una gran exposición que el museo dedica a Zurbarán. Paraíso perdido es el título del espectáculo que brindarán en el marco del 21º  Festival Flamenco de la capital británica, un viaje sonoro y plástico inspirado en el Barroco a través de la Sevilla del siglo XVII.

“Hace unos años estuve en el British Museum. Ahora podremos decir que en Londres hemos ido a las joyas de la corona”, comenta el músico con buen humor, al tiempo que explica que esta vez fue el propio festival, junto con el Instituto Cervantes, quien los reclamó. Por su parte, Guerrero señala que “he estado con Fahmi en sitios muy particulares, como en el Museo del Prado, donde actuamos en la Sala de las Musas. Pero este proyecto en concreto encaja muy bien con los espacios museísticos”.

La granadina, actual directora del Ballet Flamenco de Andalucía, asegura que “bailarle a una obra de arte provoca una conexión inexplicable. En mi caso, la pintura es algo que me llena de inspiración, como la literatura, que me provee de recursos, de colores, vestuarios, movimientos... Además, sientes que todas las horas que el artista pasó delante del lienzo en cuestión están ahí”.

Un dúo singular    

Un ejercicio, el de bailarle a los cuadros, que en los últimos años va camino de convertirse en moda, habida cuenta de los numerosos creadores que lo practican. “Si está bien hecho, si hay un buen concepto detrás y los elementos son óptimos, me parece una idea interesante siempre”, dice Alqhai. “La música y la pintura son artes que suman, no se estorban entre ellas”.

Cabe recordar que Paraíso perdido se estrenó en la pasada Bienal de Flamenco de Sevilla y ha hecho un notable recorrido, aunque el violagambista asegura que “ha ido cambiando un poco con el tiempo. Aquí traemos otro formato, adaptado al espacio y las circunstancias”, explica. “Paraíso perdido habla de la tradición de la danza barroca española que afectó a toda Europa, se convirtió casi en un idioma común para ir poco a poco estilizándose. Nosotros queremos plasmar su origen y su evolución, y retomar el camino”.

Para Guerrero, se trata de un montaje “diferente desde su origen, empezando porque se trata de un dúo de viola de gamba y baile flamenco. Pero llevamos tantos años haciendo cosas juntos, que ya había un lenguaje común creado. A esto va a sumarse ahora Zurbarán, que tiene esa profundidad y esa verdad que conecta con el barroco y con el flamenco”.

De corazón a corazón

Una pieza que viaja a la Sevilla del siglo XVII, las fiestas populares y los bailes —especialmente los de las comunidades negras en barrios como San Bartolomé— fascinaban y escandalizaban a las clases altas. “Danzas como las folías, los canarios, las chaconas y la zarabanda llegaron desde América y se pusieron de moda entre la élite”, informa el programa. “Sus ritmos de doce tiempos, que hoy pueden escucharse en las alegrías y las soleares, fueron refinados para adaptarse a los ambientes cortesanos. Estos bailes abrieron caminos paralelos entre la luz y la oscuridad, la inocencia y el vicio, conectando las culturas de opresores y oprimidos”.

La velada de la National Gallery comenzará con una conferencia de Alicia Navarro, que explorará cómo las danzas transatlánticas cautivaron y, al mismo tiempo, inquietaron a las élites de la época. A continuación, tendrá lugar el espectáculo propiamente dicho, que bebe directamente de estos contrastes barrocos mediante figuras como “las orgullosas marizápalos, las lujuriosas marionas, la envidiosa pasacalle y el iracundo fandango, que van apareciendo a lo largo del recorrido. Todo culmina en una codiciosa chacona, donde el flamenco se estiliza y Bach adquiere un carácter exuberante”.

La conexión entre ambos artistas es total. Para Alqhai, el encuentro con Guerrero “fue un flechazo desde que la conocí, de esos en los que alguien se cruza contigo y te cambia el camino. Es muy fácil y muy enriquecedor trabajar con ella, porque es una gran artista, y lo digo más allá de la danza y más allá del flamenco. Después de todos estos años, la siento como parte de mi familia, de mi carrera, y siempre que puedo vuelvo con ella, más en estos programas tan íntimos, tan de corazón a corazón”.

Salir y entrar del código

En similares términos se expresa la bailaora, quien sonríe al afirmar que “Fahmi ya es más flamenco que barroco, pero yo también me he vuelto un poco barroca a su lado, porque cuando investigas nuevos mundos, nuevos lenguajes, algo queda en ti. La música clásica me ha fascinado desde pequeña, hay piezas como las que traemos que tienen la sonoridad de un quejío, que conecta muy bien con lo jondo. Por otro lado, desprenderte de la pesada estructura del flamenco es muy liberador, mantienes la profundidad pero ahora es mucho más ligera. Ahora soy capaz de entrar y salir rápidamente de uno u otro código”.  

“El flamenco siempre ha sido parte de mi repertorio, desde que la vocación de la música se convirtió en una parte fundamental de mi vida”, afirma el músico, conocido por su trabajo en la formación Accademia del Piacere. “Aunque yo vengo del heavy metal, recuerdo cómo, sin llegar nunca a ser un gran estudioso, me encantaban los casetes de Camarón y Paco de Lucía, o los discos de grupos afines como Triana o Alameda. Vivir en Sevilla y no ser ajeno al flamenco es algo muy natural. Es por eso que he podido integrarlo a mi discurso, sin ponerme ninguna etiqueta, y apoyándome siempre en gente como Dani de Morón, Agustín Diassera, Rocío Márquez o la propia Patricia Guerrero, que me ponen las cosas mucho más fáciles”.

En cuanto a la recepción del público londinense, Guerrero destaca que “el director del Flamenco Festival, Miguel Marín, ha creado una afición que ya espera su cita con el flamenco todos los años, y se nota. El año pasado vine con el Ballet Flamenco de Andalucía con Pineda, y es emocionante ver un teatro con la calidad de un Sadler’s Wells lleno de gente que ha aprendido a decir ‘olé’”.

Verano de 2020, en una rotonda fronteriza de Hendaya. El protagonista de Última escala, la nueva novela de Santi Fernández Patón, ve cómo su pareja, Miriam, desaparece tras subir a un autobús. Es el punto de partida de una historia que va a profundizar en la crisis personal de este personaje para acabar adquiriendo un alcance universal. “Lo que vertebra todas mis novelas es cómo lo personal se implica en lo social y, en esta novela en concreto, quizá es más evidente”, asevera el autor, “en el sentido de que el telón de fondo de esta ruptura y la reconstrucción del personaje tiene lugar al mismo tiempo que una sociedad se tenía que reinventar después de una pandemia que trastocó un montón de pilares”.

El autor, columnista en elDiario.es Andalucía, presenta el libro este martes en Sevilla a las 20:00, con Isaac Rosa, en Librería La Fuga, y el miércoles en Málaga con Guillermo Busutil en la librería Suburbia, a las 19:00. Ante la casualidad de que también novelas recientes como Feliz final del propio Isaac Rosa o El detalle de Jesús Carrasco hablen de rupturas sentimentales, Fernández Patón cree que “estamos viviendo en un mundo acelerado, en un mundo que se empieza a descomponer en muchos aspectos, y enfrentarse a una ruptura personal como es un desamor me servía para catalizar todo ese viaje, tanto personal como social, hacia la construcción de una nueva subjetividad, que es, al fin y al cabo, de lo que trata la novela”.

Por otro lado, el hecho de que la separación se produzca en un punto fronterizo como Hendaya no es, en palabras del autor, nada casual. “Desde el primer párrafo el protagonista lo reconoce. Hendaya tiene una particularidad, para quien no haya estado allí en la que tú entras por el lado del País Vasco español y, cuando llegas al otro lado, estás en el País Vasco francés. Entonces él dice algo así como que entramos en la rotonda por el lado de la pareja y salimos de ella por el de la ruptura”.

Marcados profundamente

“Todo surge de una anécdota personal”, prosigue. “Mi pareja hace la vendimia en Francia en muchas ocasiones, igual que la pareja del protagonista, y yo la acompañaba hasta esa rotonda. Allí se subía a un autobús y yo me quedaba unos días más solo. Empecé a pensar qué habría ocurrido si, al subir a ese autobús, mi pareja me hubiera dicho: ‘En realidad me subo a este autobús y no vuelvo. Quería haberte dejado, pero como estábamos en confinamiento no pude’. Empecé a tirar de ese hilo y de ahí fue surgiendo la historia. A partir de ahí empecé a desarrollar la historia del protagonista, al mismo tiempo que recuperaba fragmentos escritos de obras que habían fracasado, y en los que quería hablar de otros asuntos. No sabía cómo engarzar todo eso hasta que descubrí que precisamente todo lo que habíamos vivido con el Covid podía servir. Porque esa es otra cuestión: creo que hubo muchas novelas e historias increíblemente oportunistas sobre el Covid y se hizo literatura muy mala, una literatura que todavía no tenía una mirada reposada ni una perspectiva suficiente”.

Para Fernández Patón, “este es el momento de empezar a analizar cómo nos afectó aquello. Ahora, con más calma, y cuando los lectores pueden estar más receptivos y entender que ya no se trata de oportunismo literario, sino de algo realmente necesario: ver qué supuso la pandemia”. Por otro lado, está convencido de que “me perjudicó escribir una novela con ese telón de fondo, porque algunas editoriales importantes se negaron directamente a leerla. Entendían que era un tema feo, del que no se quería hablar, o que podía tener una mirada oportunista. Ahora me está pasando lo contrario. Los primeros comentarios que estoy recibiendo son muy positivos”.

“Creo que cosas que estamos viviendo hoy —la presencia de las fake news, la polarización, la apelación a la libertad entendida como individualismo salvaje— tienen su germen en muchos episodios ocurridos durante esos meses de confinamiento y los posteriores. Fue un episodio que marcó profundamente a esta sociedad y que parece que queremos rehuir. Mi mirada, o eso he intentado, resulta atractiva porque está hablando de otras cosas que nos atañen universalmente: el desamor, las recomposiciones familiares, las recomposiciones laborales”.

Humor en la tragedia

El escritor señala asimismo que la novela “tiene también partes de humor, porque hubo humor en medio de la tragedia. Tiene muchos elementos que hacen que la pandemia sea simplemente ese telón de fondo que nos ayuda a comprender los elementos individuales del narrador. No hay una presencia invasora o totalizadora de la pandemia que pudiera echar para atrás al lector”.

En cuanto al modo en que esta nueva obra dialoga con novelas anteriores, como Grietas o Todo queda en casa, comenta que “creo que hay algunos temas que se vienen repitiendo en mis novelas de una u otra manera, más enmascarados o de forma más evidente. Uno de ellos son las segundas oportunidades, los errores y la indagación personal. Son novelas muy introspectivas en las que me enfrento siempre a un reto como narrador, pero también como lector. Quiero novelas dinámicas, novelas que atrapen, y quiero que la indagación no se confunda con el solipsismo. Que la historia esté presente y le sirva al lector para entrar de una manera y salir de otra, sin tener la sensación de haberse metido en marismas demasiado solipsistas. Creo que eso es lo que mejor las define y está presente en todas ellas: recomponerse al mismo tiempo que el contexto social está muy presente. Y cuando digo social no me refiero exclusivamente al contexto político, sino también al económico”.

A este respecto, apunta que “en mis novelas está siempre muy presente el dinero: en qué trabajan los personajes, cómo se ganan la vida y cómo eso define su manera de ver el mundo, de amar, de relacionarse con los otros y de enfrentarse al día a día. Me parece algo fundamental. Y en esta novela, en concreto, lo hago también desde el humor. No quiero desvelar demasiado, pero tiene mucho humor. Creo que esa es otra constante en mis novelas, igual que otra lo son las familias que sufren pérdidas traumáticas. Eso también viene de mi propia biografía. Mi madre murió a los 39 años; yo tenía 11. Es un hecho que me ha marcado y que siempre, de alguna manera, está presente en mis novelas. Hay una pérdida traumática que acaba definiendo también la subjetividad y la personalidad de cada personaje. Y te adelanto algo más: en la próxima novela en la que estoy trabajando quizá haya incluso algún cameo de algún personaje de esta”.

El centro del mundo

Para terminar, Fernández Patón cree que pertenecer a la clase media literaria –“e incluso a la clase baja”, matiza con humor– es un hándicap que se suma al hecho de ser andaluz viviendo en el norte de España, es decir, un periférico. “Yo me crie en Madrid, aunque mi familia no es madrileña y no tengo familia allí. Llevo en Andalucía más tiempo que en cualquier otra parte del mundo, y ahora con este interludio en Gijón, al que me fui hace años por cuestiones laborales y familiares. Y añado que clase baja, al menos en lo que se refiere a ventas. Además, me reivindico como escritor de provincias”.

“Mis novelas suelen transcurrir en Málaga; casi todas lo han hecho”, subraya por último. “Hay episodios breves en Madrid y, en la actualidad, en Gijón, pero yo hablo de Málaga como hablan los escritores de Madrid: mencionan barrios, calles y bares sin dar explicaciones, como si todos tuviéramos que conocerlos por el simple hecho de ser Madrid. Pues yo hago lo mismo. Hablo de Málaga como si fuera el centro del mundo”.

Erige Sehiri (Lyon, 1982) parece ser una persona de sonrisa fácil, pero estos días en la costa gaditana lo hace con motivos fundados. Además de presentar en el Festival de Cien Africano de Tarifa su último filme, Promis le Ciel, ha recibido el premio AML-FCAT a la Mejor película, el premio TV5 Monde del Público y el premio a Mejor actriz para Deborah Christelle Lobe Naney, así como el premio Miradas Africanas del certamen al conjunto de su trayectoria y a su compromiso social, así como su valor en el acercamiento entre dos orillas, África y Europa. “Nuestras identidades son múltiples, podemos ser varias cosas a la vez, y entre esas cosas también hay África”, dice la creadora francotunecina. “Estoy muy orgullosa de este filme y de este premio, sobre todo en estos tiempos, con lo que pasa hoy en Túnez respecto a la cuestión de la migración. Como en el filme, cuando hay algo ridículo en hablar de ‘los africanos’, es como un recuerdo de otro tiempo”.

En Promis le Ciel, Marie, una pastora de Costa de Marfil y antigua periodista que lleva diez años viviendo en Túnez, convierte su hogar en un refugio para Naney, una joven madre que busca un futuro mejor, y para Jolie, una estudiante de carácter firme que lleva consigo las esperanzas de su familia. La llegada de una niña huérfana pone a prueba su sentido de la solidaridad en un clima social tenso, revelando tanto su fragilidad como su fortaleza.

A pesar de haber cosechado un éxito notable con su producción anterior, en especial con ese retrato intimista del Túnez rural titulado Entre las higueras (2022), Sehiri asegura que sacar adelante Promis le Ciel no solo no ha sido más sencillo, sino que le ha costado “mucho más. Ha sido más difícil porque es un universo que conozco menos que el anterior filme, que era el pueblo de mi padre y de mi abuelo, algo muy personal. También me costó sentirme legítima para hablar de esta historia. No soy una mujer negra, pero soy una mujer africana. Y en tercer lugar, quería evitar representar a mujeres negras en un filme únicamente en el papel de inmigrantes, como si, cuando éramos árabes o negras, necesitáramos que los filmes contaran solo nuestra identidad. No podemos simplemente existir fuera de ella, y eso me molesta. Así que me tomó tiempo aceptar que esta era la historia que yo quería contar”.

Dónde la periferia

Además, añade la cineasta, “hubo dificultades políticas para poder grabar este filme, cuando hubo arrestos de la comunidad negra en Túnez. Pero quise ir muy rápido porque quería hacer una fotografía del momento, así que grabé este filme muy deprisa. Eso me puso en dificultades personalmente, como directora y como cineasta, en la forma de presentar la historia que quería contar. Así que sí, desde mi punto de vista, fue todo mucho más difícil”.

Si hacer cine en África es hacer cine desde la periferia, ¿hacerlo en África y siendo mujer es una doble periferia? “Eso muy interesante, pero ¿desde qué punto de vista situamos la periferia?”, sonríe. “Pensemos, por ejemplo, que la crisis migratoria es primero un problema africano, porque el 80% de la migración africana ocurre dentro de África, a causa de conflictos políticos, guerras, etc. Por eso digo que también depende de las perspectivas de cada uno, depende desde dónde nos miramos. Cuando nos miramos desde Europa, nos sentimos como si fuéramos invadidos. Pero cuando nos miramos desde África, eso no representa tanto: solo representa el 20% de la gente que va a Europa”.

“Lo mismo sucede con el cine, es una cuestión de perspectiva”, prosigue Sehiri. “Podría haber hecho un cine donde se mirara a los tunecinos frente a la población migrante. Yo elegí, al menos, mostrar el punto de vista de las mujeres sobre un país que no es acogedor para ellas y que casi no las ve, porque en el cine casi no se ve a Túnez. Para mí, siempre se trata de reivindicar la propia mirada, desde dónde observamos, y a veces invertir las cosas. Y en este cine todo está invertido. El migrante no es el tunecino que va a emigrar, es el tunecino que debe acoger, aunque no tenga la costumbre de ser quien acoge”.

ADN cristiano, ADN musulmán

La directora incide asimismo en otro asunto delicado, la cuestión de la religión. “Durante mucho tiempo, en Francia, y aún hoy, hablamos del gran reemplazo del ADN cristiano que va a ser reemplazado por el ADN musulmán. Aquí, en Túnez, hablamos del ADN cristiano: los evangélicos quieren venir a Túnez para cambiar el ADN musulmán. Entonces, al mismo tiempo, hay mucha absurdidad, y también he querido jugar con esa ironía”.

Cuando se le pregunta si la ultraderecha xenófoba europea cambiaría algunas de sus ideas si fuera más al cine, se encoge de hombros. “No, no lo pienso. Creo que van a sentir que están siendo invadidos por el cine africano, cuando en realidad, en términos porcentuales, todavía hay muy poca representación del cine africano en los festivales europeos. Ellos tendrán la impresión de ser invadidos, mientras que las estadísticas mostrarán que no es así. Así que no creo que el cine vaya a cambiar las cosas. Lo que sí puede hacer es mostrar esas realidades que a veces se tergiversan en los medios. Si no, no podríamos seguir haciendo cine”.

Espacio de resistencia

“Últimamente, concluye, ”con todo lo que pasa en Palestina, con lo que pasa en el mundo en general, pero también en Libia y otros lugares, me he preguntado sobre el poder del cine. ¿Tenemos realmente un poder? Porque hay muchas cosas sobre las que no tenemos ningún poder. Pero, en verdad, en Túnez, cuando el filme salió, mucha gente lo vio y se preguntó sobre sus propios prejuicios respecto a las comunidades negras en Túnez. Creo que hay una toma de conciencia“.

Para Sehiri, “el cine tiene una cierta capacidad de conciencia. Abre debates, discusiones, etc. Y, en realidad, aporta complejidad a las historias de cada uno cuando son simplificadas por los medios o por los discursos políticos. Entonces, el cine es una forma de resistencia fundamental, pero no es activismo en ese sentido. Aunque sí es una herramienta que otros activistas pueden usar, si quieren”.

La Academia del Audio ha anunciado, en su primera reunión presencial celebrada este jueves en el contexto de Prosodia, la próxima convocatoria de la primera edición de sus premios. La recepción de candidaturas se abrirá antes de que finalice el año, probablemente en octubre, con la intención de celebrar la entrega de estos galardones en marzo del próximo año. La entidad que reúne a los profesionales del audio en español reconocerá el talento, la creatividad y el impacto de podcasts y audiolibros en distintas categorías, aún por definir, entre las que se encontrarán mejores producciones de narrativa de ficción, narrativa de no ficción, conversacional o audiolibro, por ejemplo.

Prosodia, el encuentro del podcast en español, ha reunido en su cuarta edición a más de un centenar de profesionales del audio que asistieron este 28 de mayo a un acto inaugural en el que participaron Silvia Pozo, delegada de la Consejería de Salud y Consumo de la Junta de Andalucía en Sevilla; Carmen Rodríguez Quirós, directora gerente de Inpro, de la Diputación de Sevilla; y Fernando Mañes, director del Área de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla.

Exilio español a Chile

Entre los distintos momentos destacados del evento figuran la intervención de Juanlu Sánchez, subdirector de eldiario.es y director de Un tema al día, sobre la convivencia del podcast diario informativo con la radio convencional; la presentación del Informe sobre el podcast conversacional en España, en el que la profesora Emma Camarero y la productora Ángela Ruiz analizan el formato de más éxito en el sector; o la grabación en directo de la presentación del nuevo capítulo de Hechos Reales, en colaboración con Las Raras, sobre el patrocinio de Pablo Neruda del buque Winnipeg en el que miles de republicanos españoles salieron en 1939 camino del exilio en Chile.

En la tarde del jueves, las responsables de comunicación del Hospital Reina Sofía de Córdoba y el Hospital Clínic de Barcelona, Gema Timón y Laia Sánchez, relataron de forma detallada el formato testimonial del podcast Lo grabé en silencio, en el que mujeres supervivientes de cáncer de mama cuentan su experiencia, incluso lo que nunca se atrevieron a compartir con familia y amigos. Los profesionales de la comunicación, la salud mental, la investigación biomédica y la oncología que gestionaron la iniciativa han detallado sus beneficios para la salud de las pacientes y han anunciado que ya trabajan para convertirla en un ensayo clínico durante 2027 que, si concluye con éxito, convertirá la grabación testimonial en una herramienta terapéutica más con la que podrán contar los oncólogos en el tratamiento de sus pacientes.

En otros momentos de Prosodia, el centenar de profesionales de la creación, producción y difusión que se ha reunido estos dos días en Sevilla ha compartido sus últimos proyectos y ha debatido sobre temas tan diversos como el necesario rigor en el diseño, grabación y publicación; la búsqueda de la belleza y la poesía en el audio; el éxito de productos infantiles y juveniles, o los de formación; y la potencialidad del podcast para transformarse en otros formatos audiovisuales.

Prosodia se ha celebrado gracias al respaldo de Fundación Cajasol, que ha acogido el encuentro en sus instalaciones de la Plaza de San Francisco. Además, con el apoyo de la Junta de Andalucía, la Diputación de Sevilla, el Ayuntamiento de Sevilla, la Universidad Internacional de Andalucía y la compañía biofarmacéutica Sobi; y la colaboración de la Asociación de la Prensa de Sevilla (APS) y la Asociación para el Progreso de la Comunicación (APC).

Después de presentar con éxito en Cannes y Sevilla su último filme, La vie après Siham, el cineasta Namir Abdel Messeeh, de 52 años, recala en el Festival de Cine Africano de Tarifa, donde se siente como en casa desde el primer minuto. “La luz es maravillosa, la gente es agradable, el festival es muy cálido, así que todo va bien”, celebra.

Su filme, un nuevo ejercicio de autoficción tras títulos como Toi, Waguih o La Vierge, les Coptes et moi, es una historia llena de ternura y desenfado que aborda el duelo tras la muerte de una madre, retratando las complejas dinámicas de la familia egipcia.

En La vie après Siham vuelve a poner la mirada sobre su familia, desde una óptica novedosa. ¿Es un tema inagotable?

He trabajado durante años sobre esa cuestión. Durante 20 años, casi todos mis filmes y cortometrajes han tenido como personajes principales miembros de mi familia: mi padre, mi madre, mis vecinos, mi familia en Egipto... Son mis personajes, los que grabé durante años. Es algo muy cercano, me gusta mucho porque los conozco muy bien y eso me lleva a querer grabarlos. Es un trabajo que conozco y que requiere una gimnasia un poco particular, porque no se trata simplemente de grabar a tu familia, sino también de contar una historia, de cómo transformar a quienes grabamos en personajes. La particularidad de este filme, que hizo el trabajo muy complicado y difícil, es que el personaje que quería grabar ya no estaba ahí, porque el filme comenzó después de la muerte de mi madre. Ahí se planteaba otro asunto complicado: cómo grabar a alguien que ya no está.

Esa idea, ¿estaba desde el principio?

Sí, el filme surgió como una especie de reacción a la muerte de mi madre, o de lucha, en realidad, contra la idea de la desaparición. Y así, con mis herramientas de cine, tenía el deseo de tratar de guardar a mi madre conmigo, de guardarla viva en un primer momento. Creo que eso fue el motor de este proyecto: una especie de reacción a la muerte y a la desaparición. Me di cuenta de que ella no estaba ahí, no podía grabarla. Así que, en un primer momento, intenté plasmarla a través de los testimonios de mi padre, de mi familia y de mis archivos. Poco a poco el filme se transformó y se dirigió más hacia cómo contar mi procedimiento; es decir, cómo contar el procedimiento de un hijo que intenta atravesar esta prueba que es la pérdida de una madre. Así que el tema evolucionó un poco. Quería grabar a Siham y después, en realidad, no quería grabar a Siham: quería grabar a Namir, quería grabar a Waguih, mi padre, quería grabar a mis hijos y a toda una familia que vive y sigue viviendo después de la pérdida y la desaparición de uno de los miembros de esta familia, uno tan importante como una madre.

El sentido del humor parece muy importante en el filme, ¿qué papel quería asignarle?

En realidad, no pienso en el humor. Cada uno tiene su forma de ser y su manera de relacionarse. Para mí, el humor es parte de mi manera de cambiar la realidad, de tomar distancia. Es también una manera de protegerme de momentos difíciles y todo eso. Y en el filme también fue así. Cuando hablo de crear personajes, el humor fue un medio para permitir al espectador entrar en una historia que no es suya, y que puede ser difícil. Tener ese alivio a través del humor permite encontrar una puerta para que el espectador pueda entrar en la historia. En el filme, mi padre dice algo que me gusta mucho. Cuenta que mi madre, al principio, tenía que casarse con otro hombre, pero a la hora de la verdad el compromiso fue anulado. De modo que mi padre le pidió matrimonio, y se casaron de un día para otro, con sacerdote y todo... Mi padre me cuenta esta historia y yo le digo: “Vaya, eso sería un buen tema de comedia”. Y mi padre me responde: “No, no es un tema de comedia, es un tema de tragedia”. Eso muestra realmente cómo hay una realidad y solo nuestra manera de verla hace que, para algunos, tenga un aspecto cómico y, para otros, un aspecto dramático. Y sin embargo, es la misma realidad.

Su madre le preguntaba cuándo iba a hacer “un verdadero filme”. ¿Qué era eso para ella?

“Un verdadero filme” significa, para mucha gente, una ficción. Es decir, un filme con actores. Cuando la gente pregunta qué hago como trabajo y digo que hago filmes, me preguntan: “¿Y qué es eso?”. Y si digo documental, responden: “Ah, sí, eso no son filmes, son documentales”. Entonces existe realmente esta idea de que un documental no es un filme y que un verdadero filme es un filme con actores. Y es divertido usar la palabra “verdadero” para definir algo que es falso, porque las ficciones y las novelas son ficción. Pero, en cualquier caso, para ellos eso es lo que da legitimidad, lo que hace que sea reconocido.

¿Qué momento vive el cine egipcio, y el africano en general? ¿Vive la industria un auge?

Hay más filmes que antes, creo, porque los medios de producción y fabricación se han simplificado. Hoy podemos hacer filmes con un teléfono móvil. Entonces hay realmente una facilidad para hacer filmes. Pero hacer filmes es una cosa y difundirlos en salas de cine y lograr que el público vaya a verlos es otra. Y eso es una paradoja bastante compleja: cuanto más oferta hay, y más posibilidades existen de ver filmes, menos espacio parece haber para ver ciertos filmes. Tengo la impresión de que hoy hay más producciones que antes, pero al mismo tiempo son a menudo los mismos filmes. Hay algo que hace más difícil que existan películas un poco diferentes.

¿Siente que el suyo sea un cine africano, mediterráneo...? ¿A qué geografía pertenece su trabajo?

Es un cine que puede ser las dos cosas. Y este filme en particular me hizo muy feliz porque es mi primera obra estrenada en salas en Egipto. Me alegró mucho que el público, tanto en Francia como en Egipto, pudiera reconocerse en él. No es un filme colonial, no es un filme con una mirada francesa sobre el mundo árabe ni una mirada árabe sobre Francia. Creo que es un filme que intenta contar una historia humana integrando una doble cultura y una doble identidad. Es un largometraje que habla árabe y francés, que cuenta una trayectoria entre ambos mundos. Creo que mi lugar está en ese espacio entre los dos, un espacio que crea un puente entre el mundo árabe y Europa.

Una curiosidad: su padre, comunista encarcelado, fue liberado en 1964 y ese mismo año un escritor egipcio llamado Waguih Ghali publicó un libro llamado Cerveza en el club de snooker, que habla también de comunistas egipcios. ¿Tienen algo que ver?

Sí, conozco Cerveza en el club de snooker. Lo leí hace poco gracias al nombre del escritor. Es increíble: tiene el mismo nombre que mi padre, pero no somos familia. Él venía de un medio urbano, muy rico y muy burgués, mientras que mi padre venía de un medio muy modesto, del campo egipcio.

El comunismo, tal y como parece en su película, era una ideología muy fuerte en Egipto en los años 50, 60 y 70. ¿Los Hermanos Musulmanes llegaron después, o coexistían?

No, era la misma época. Mi padre, cuando estaba en prisión, compartía cárcel con los Hermanos Musulmanes. La prisión estaba dividida en dos: los comunistas de un lado y los Hermanos Musulmanes del otro. Todos los opositores a Nasser estaban encarcelados en los años 50. Los dos movimientos existían al mismo tiempo.

Ustedes son coptos. ¿Cómo era ser comunista y ateo en Egipto?

Creo que uno de los principales obstáculos para el comunismo en Egipto era precisamente el ateísmo. Egipto es un país culturalmente muy religioso. Sean cristianos o musulmanes, las personas tienen una gran relación con la tradición religiosa. Los comunistas no creían en Dios y eso creaba problemas. Cuando mi padre estaba en prisión, los Hermanos Musulmanes eran mejor tratados que los comunistas. Incluso siendo extremistas, para la policía y los militares seguían creyendo en Dios, mientras que los comunistas no. En Egipto hay que entender que la religión está escrita en el documento de identidad. Incluso hoy no existe realmente la categoría “ateo”. Eso era algo muy difícilmente compatible con la cultura egipcia. Necesitamos una religión registrada oficialmente.

Eurovisión, Cannes, las olas de calor… las señales de que el verano está a la vuelta de la esquina se multiplican. En el sur, sin duda, una de las más significativas para los amantes del cine es la celebración del Festival de Cine Africano (FCAT), que se celebra a caballo entre Tarifa y Tánger. Desde hace casi un cuarto de siglo el festival liderado hasta el año pasado por la brillante Mane Cisneros ha tendido puentes entre las dos orillas del Estrecho de Gibraltar, para satisfacer nuestros deseos cinematográficos más exigentes.

El FCAT ha arrancado este fin de semana apostando por esa vanguardia cinematográfica africana, que no se deja encorsetar por los géneros: la joya Memoria de la princesa Mumbi, un falso documental de ciencia ficción dirigido por el keniano Damian Hauser. A lo largo de una semana, más de medio centenar de películas de una veintena de países africanos conformarán una programación exquisitamente curada, en la que el 40% de las obras seleccionadas están dirigidas por mujeres.

Quien no solo quiera disfrutar del cine en pantalla grande, sino también aprender más sobre este arte centenario, tendrá la oportunidad de hacerlo con expertos en cine africano de la talla de Javier H. Estrada –codirector de la Seminci–, o de antirracismo audiovisual como Beatriz Mbula.

De Cádiz a Huelva, pasando por Granada y haciendo un alto en un pueblito de Jaén, en Sorihuela del Guadalimar, donde la emprendedora actriz Amada Santos y su socio Sitoh Ortega han sacado adelante un familiar festival de cine, que ha conseguido, por derecho propio, formar parte del circuito de festivales de cortometrajes adscritos a los Premios Fugaz. Este año van, entre el 8 y el 13 de junio a por la cuarta edición. A finales de julio celebraremos que Granada recupera un clasicazo: Cines del Sur, dirigido por el mítico productor andaluz José Sánchez Montes, que vuelve a abrirle una ventana europea al mejor cine de Asia, África y Latinoamérica.

Pero antes, el día 4 de julio viajamos hasta otro enclave privilegiado del litoral andaluz como Islantilla, la bella mancomunidad onubense mecida por las brisas del océano Atlántico. En manos del prolijo Esteban Magaz, un cinéfilo capaz de conformar una extraordinaria programación con un centenar de cortometrajes y una decena de documentales, tras visionar más de 1.000 obras procedentes de medio centenar de países.

El festival más largo del mundo

Superada la mayoría de edad (el festival, no Esteban…), el director del festival –y también de cine– ha logrado que Islantilla se convierta en un punto cinematográfico imprescindible de la temporada estival. A las agradables temperaturas de la costa onubense se suman la alta calidad de las obras seleccionadas, la acogedora familia que Magaz ha ido conformando a lo largo de estos años y una corte de grandes cineastas homenajeados como Antonia San Juan, Alberto Rodríguez o Roberto Álamo, Terele Pávez, Ana Torrent, Verónica Forqué o Chico Ibáñez Serrador, entre otros.

Y como anécdota: es, posiblemente, uno de los festivales más largos del mundo… ya que dura desde comienzos de julio hasta finales de agosto. Dos meses.

El relevo a Islantilla nos llega desde Cádiz. En concreto, desde Chiclana, donde se celebra Generamma, uno de los festivales más singulares de nuestro país, ya que es el único organizado exclusivamente por una asociación feminista: la Asociación Andaluza de Mujeres de los Medios Audiovisuales (Aamma), presidida por la productora Pilar Crespo.

Especializado en cine dirigido por mujeres (un valor inapelable del cine español que ha marcado algunos de los mayores éxitos de nuestra cinematografía a nivel internacional), Generamma atrae un ambiente alegre, festivo y relajado propiciado por sus propias socias y un equipo entregado y encantador.

De Chiclana a Conil

Entre el 15 y el 19 de septiembre de este año, el festival llega a su sexta edición estrenando nueva dirección: la de Cristina Consuegra, una experimentada periodista, comunicadora, programadora y gestora de eventos cinematográficos, que coordina la programación extendida del Festival de Málaga (MaF) y Forbes la eligió en 2023 una de las profesionales más creativas del mundo empresarial.

Sin salir del litoral gaditano, el colofón a este verano de cine lo pone Conil, que, con su tercera edición a finales de septiembre, se consolida como una de las citas estivales imprescindibles para los cinéfilos de nuestro país.

Al frente de Conil de Cine se encuentra un artístico triunvirato formado por la actriz Raquel Guerrero (hilarante en su papel de la exitosa serie Machos alfa), la también actriz y productora Noelia Muñoz y la gestora cultural Isabel Sánchez.

Conil ofrece así un fin de semana de cine a orillas del litoral gaditano, con una mezcla explosiva de cortometrajes internacionales, encuentros profesionales y amor por una de las joyas de la historia de la cinematografía española: el cine quinqui.

“Que nadie olvide a José Martín Recuerda” es el lema con que el sello Ediciones El Bufón, con sede en Morón de la Frontera (Sevilla), se ha adelantado para conmemorar el vigésimo aniversario de la muerte del dramaturgo granadino, uno de los grandes nombres del teatro andaluz y español del siglo XX. Con motivo de esta efeméride, han publicado una antología que, bajo el título Trilogía de los asedios, recupera tres de sus títulos más sobresalientes.

“En la dramaturgia de Martín Recuerda, el protagonismo lo ocupan, en la mayoría de los casos, mujeres”, comenta Mercedes Martínez, responsable de la edición. “Se trata de mujeres de una rebeldía feroz, capaces de oponerse al poder establecido y de denunciar la hipócrita moral imperante. Estos dos elementos coercitivos, el poder político-social y la moral, confluyen en la represión sexual, frente a la que se levantan sus personajes femeninos”.

Así, Las arrecogías del beaterio de Santa María Egipciaca (1970), Las salvajes en puente San Gil (1961) y La llanura (1947) exhiben el talento más significativo del teatro de Martín Recuerda: la capacidad de construir personajes femeninos capaces de rivalizar con las heroínas clásicas. “Estas mujeres están decididas a amar por encima de lo que dictan las convenciones y la ley, y defienden su libertad sexual como expresión de fuerza”, apunta Martínez. “Mariana Pineda, por ejemplo, confiesa con orgullo en Las arrecogías: ‘¡A cambio de mi cuerpo salvé a muchos hombres!’. La Hija de La llanura, por su parte, se echa a las calles a buscar el afecto que ya no encuentra en casa. Y las vedetes que protagonizan Las salvajes se revuelven con furia contra la falsa moral y, sin miedo, alzan la voz contra quienes las juzgan”.

Un teatro violento

Nacido en Granada en 1922 y fallecido en 2007 en Salobreña, donde hoy se ubica la sede de la Fundación Martín Recuerda, el autor recibió a lo largo de su vida numerosos galardones, como el premio Lope de Vega, y llegó a estrenar en los principales teatros españoles. Su apasionada y obsesiva dedicación dramatúrgica abarcó más de seis décadas, y encandiló a las principales figuras de nuestro teatro: Adolfo Marsillach, Enrique Morente, Concha Velasco, Pilar Bardem, Carmen Linares o Mario Maya, entre otras estrellas de nuestra escena, protagonizaron sus obras.

Martín Recuerda fue un creador tan singular y genuino que alumbró su propia concepción estética y existencial bajo lo que se catalogó como teatro iberista o iberismo. Según Mercedes Martínez, “a la generación de Martín Recuerda, a la que pertenecían, entre otros, Lauro Olmo o Carlos Muñiz, se la denominó realista; sin embargo, al autor granadino le parecía un calificativo pobre e inexacto. Por ello, defendió el uso del término ‘iberismo’ para denominar el núcleo temático de su dramaturgia. Con este concepto hacía mención a la búsqueda de la identidad nacional, de la idiosincrasia española, lejos de cualquier tópico. Su mirada descarnada y crítica de la realidad desembocó en un teatro violento, a la vez que satírico. Ese posicionamiento ético-crítico se concretó en la creación de unos personajes marginados, ahogados en la amargura, sometidos a una opresión y una crueldad colectivas que los impele a actuar y a expresarse con brutalidad”.

Libertad y verdad

Según su editora, el granadino fue implacable con la hipocresía y la mediocridad espiritual de la sociedad de su tiempo, y denunció sin ambages la falta de libertad y la mezquindad que atenazaban a la España de la época, lo que le valió la censura y el hostigamiento del franquismo, al que resistió y plantó cara tanto desde los escenarios como en su vida cotidiana. Un mensaje plenamente vigente, en palabras de Martínez: “Toda la dramaturgia de MR se fundamenta en la búsqueda apasionada de la libertad y de la verdad. Estos dos principios rigieron la vida y la actividad teatral del autor granadino, y sobre ellos levantó su obra. Hoy en día la violencia colectiva se viste de otra forma, y no siempre, pero la opresión es incluso mayor. Hay algo catártico y contagioso en la lucha de esos personajes que se rebelan contra el bárbaro atavismo de una sociedad que parece la nuestra de ahora. Por ello, en este siglo XXI en el que la libertad está tan manoseada y depauperada, y la verdad, prácticamente negada, el teatro de Martín Recuerda se nos vuelve necesario”. 

Todo ello hace de esta 'Trilogía de los asedios' un “dique de contención contra el olvido, la necesaria y justa reivindicación de un creador que, veinte años después de morir, sigue interpelando a nuestra sociedad y poniendo luz en los abismos de nuestro tiempo”, añade la editora. Sobre la posibilidad de dar continuidad al rescate de este autor, actualmente casi desaparecido de nuestros escenarios, se antoja una tarea necesaria. “La Fundación Martín Recuerda hace una labor imprescindible desde Salobreña”, concluye Martínez, “pero es preciso seguir publicándolo, la mayoría de sus obras son inencontrables e incluso las hay inéditas. Y, por supuesto, llevarlo a escena”.