El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte, ha incorporado a su colección la donación de obras de arte y fondos documentales pertenecientes al reconocido gestor cultural y referente del arte contemporáneo José Guirao Cabrera, que fuera ministro de Cultura con Pedro Sánchez. Esta aportación, que reúne 204 obras de arte y 1.824 piezas documentales, ha sido posible gracias a la mediación de su hermana, Beatriz María Guirao Cabrera, quien “ha cumplido con el deseo expresado por el gestor cultural en vida de que su colección y biblioteca pasaran a formar parte de los fondos del CAAC”.

La colección --cuya donación publica este jueves el Boletín Oficial de la Junta de Andalucía (BOJA)-- reúne obras de diversas tipologías artísticas, con 107 obras gráficas, 35 dibujos, 32 fotografías, 24 pinturas y 6 esculturas. Entre los nombres más destacados figuran Manuel Rivera, Antoni Tàpies, José Guerrero, José Luis Cuevas, Antoni Miralda, Miguel Ángel Campano, Luis Gordillo, Sigfrido Martín Begué, Guillermo Pérez Villalta, Eduardo Arroyo, Antonio Saura, Juan Navarro Baldeweg, José María Sicilia, Daniel Vázquez Díaz, Manuel Ángeles Ortiz, Cristino de Vera, Francisco Peinado, Jacques Lipchitz, Antonio Rodríguez Luna, Txomin Badiola e Ilan Wolff, entre otros.

La consejera de Cultura y Deporte, Patricia del Pozo, ha manifestado la relevancia de este legado, destacando que “es un gesto de generosidad que enriquece el patrimonio cultural público y permitirá a las futuras generaciones disfrutar y aprender de estas obras y fondos documentales”. “Esta colección que ingresa en los fondos del CAAC es un testimonio del compromiso y la pasión de José Guirao Cabrera por la cultura y por Andalucía. Su generosidad abre nuevas vías de investigación y enriquece la oferta cultural”, ha indicado Del Pozo, quien ha resaltado la “calidad humana extraordinaria” de Guirao, con un “gran amor por la cultura y el patrimonio andaluz”.

José Guirao Cabrera (Pulpí, Almería, 1959 - Madrid, 2024) fue una figura clave en el ámbito de la cultura y el arte contemporáneo en España. A lo largo de su trayectoria, desempeñó cargos fundamentales en la gestión cultural, entre ellos la dirección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Mncars) de Madrid, La Casa Encendida y la Fundación Montemadrid, así como su labor como ministro de Cultura y Deporte entre 2018 y 2020.

Fue también patrono de diversas fundaciones culturales (Fundación Federico García Lorca y Fundación Antonio Gala, entre ellas) y profesor invitado en el máster de Gestión Cultural de la Universidad Carlos III de Madrid. Guirao Cabrera mantuvo siempre un estrecho vínculo con la cultura andaluza: fue director general de Bienes Culturales en la Consejería de Cultura y Medio Ambiente en el momento de la creación del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en 1991, institución de la que también formó parte durante años como miembro de su Comisión Técnica. Esta contribución constituye un valioso legado que enriquece el patrimonio cultural de Andalucía y que estará próximamente disponible para consulta y disfrute del público, tanto en los nuevos espacios del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) dedicados a la colección como en formato digital.

Ilya U. Topper (Almería, 1972) nació en el Mediterráneo, ha crecido en él y sigue habitándolo, desde hace algunos años, como corresponsal de la agencia Efe en Estambul. Y desde el Mare nostrum sigue mirando el mundo: su último libro, El sexo según la izquierda (MSur Libros), en el que analiza la deriva del feminismo y el patriarcado, tiene una óptica que no es tanto europea como mediterránea: “Los códigos que determinan el lugar de la mujer en la sociedad y la subordinan al hombre, son los mismos a ambos lados del Mediterráneo”, afirma. “Basta con bucear un poco en nuestro pasado o leer a Lorca para verlo”.

'El sexo según la izquierda' se presenta en estos primeros de mayo. En este nuevo ensayo, el autor de títulos como Dios, marca registrada aborda una serie de asuntos de actualidad –velo islámico, prostitución, vientres de alquiler, pornografía, ley trans, violencia machista– que tienen dos cosas en común: su índole sexual y el hecho de haber sido abordados por los partidos progresistas desde ópticas que, según Topper, han traicionado a menudo los propios principios de la izquierda. Porque el libro nace, afirma el autor, desde una firme convicción izquierdista y feminista: no se trata de arremeter contra estos idearios, sino de defenderlos contra sus enemigos interiores.

“En los últimos años ha habido marchas separadas en el 8 de Marzo, porque lo que unas y otras defienden como feminismo parece ya incompatible”, explica. “Por ejemplo, la postura ante la prostitución: hay un abismo entre quienes creemos que la lucha por la libertad sexual incluye acabar con la fea costumbre de pagar por sexo, y quienes creen que el trabajo sexual es una forma digna de ganarse la vida. Ambos bandos se reclaman de izquierdas y feministas, y no hay término medio: pagar por sexo o está bien, o está mal”.

La deriva 'woke'

Otro asunto abordado por Topper es la moda de pedir espacios seguros para las mujeres, “es decir, espacios segregados en los que no se tengan que mezclar con hombres. Eso ya lo teníamos: es el harén de toda la vida. El feminismo precisamente era salir a conquistar el espacio público, exigiendo respeto en un espacio mixto”. Y tampoco se olvida el velo islamista, de nuevo en el debate público: “Para la derecha es el símbolo del islam, y como su lema es defender la España cristiana, lo rechaza al grito de ‘Moros fuera’. La izquierda también asume que es el símbolo del islam, y por eso lo celebra y lo promociona como ejemplo de una hermosa tolerancia y aceptación de culturas. En realidad, el velo es el símbolo de la ultraderecha islamista, que quiere tapar a ‘sus’ mujeres, porque su pelo es demasiado sexual, dice, e imponerles un fundamentalismo de nuevo cuño para uniformarlas como sección femenina de su ideología fascista. Luchar contra el velo no es luchar contra los musulmanes: es luchar a favor de las musulmanas y contra el fascismo religioso que las oprime. Pero eso, desde la izquierda no lo entienden”.

¿Por qué la izquierda no ha sido consecuente consigo misma? ¿Cuáles ha sido su gran pecado? “El pecado de la izquierda es haberse vendido al mercado”, asevera. “De haber vendido al mercado una serie de cajones de ‘identidad’, entre los que el cliente, es decir el ciudadano o la ciudadana, puede elegir: identidad musulmana, identidad gitana, identidad gay, lesbiana, o hasta identidad mujer... Asignando a todos un perfil, un comportamiento y hasta unos supuestos derechos diferenciados. Y lo peor es que todos esos perfiles se construyen desde la identidad de ser ‘víctima’ de algo”.

Ahí Topper entra a valorar la tan cacareada cultura woke, vocablo que, recuerda, “significa despierto, lo que quiso decir en su origen: alerta, atento a la discriminación de los demás. Pero desde la necesidad de ser consciente de que hay discriminación racista, machista y xenófoba, se ha construido una serie de colectivos de víctimas de esas discriminaciones, que ahora compiten por la atención pública y también por el dinero público”. En este sentido, la formación más próxima a lo woke en España, Podemos, “ha hecho mucho daño, sí: para presentarse como la voz de los oprimidos ha alentado la creación de estos colectivos de oprimidos que en lugar de luchar contra esa opresión la capitalizan en el mercado”.

Marca de orgullo

Por otra parte, en el libro de Topper el movimiento queer aparece como caballo de Troya en el seno del feminismo. “El movimiento queer es una evolución de lo que fue en su día la lucha por los derechos de gays y lesbianas. Pero de pedir igualdad de derechos para todos, follen con quien follen, se pasó a reivindicar el ‘ser diferente’ como una marca de orgullo, una forma de ser antisistema -sin serlo, viendo las marcas que patrocinan la anual marcha del Orgullo-, y finalmente a crear un colectivo LGTBI+ como algo tan distinto del resto de la humanidad que ni siquiera encaja en la biología: como si fuera un tercer sexo”.

“Desde ahí”, prosigue el autor, se ha pasado a la idea de ‘cambio de sexo’, como si ser hombre o mujer fuese una cuestión no de anatomía sino de actitudes sociales. Si es de actitudes sociales, hay que tener claro qué actitudes son propias de un hombre y cuáles son propias de una mujer. Eso ya lo teníamos, y se llama patriarcado. Bueno, es una vuelta de tuerca más, porque si ves que Irene Montero les regala a sus hijas un libro que como ejemplo de diversidad incluye a adolescentes con cicatriz de mastectomía, te preguntas muy en serio cómo de patriarcal tiene que ser una sociedad para que la vía preferente de una chica para ser libre pasa por cortarse las tetas“.

Un debate, concluye Topper, viciado sin remedio... O no tanto. “Sin remedio, nunca: he escrito este libro porque creo que se le puede poner remedio”, subraya. “Pero es verdad que desde los colectivos constituidos en víctimas, con monopolio de explotación mercantil de esta condición, se intenta bloquear el debate. Y lo peor es que esos colectivos se perciben y autoperciben como izquierda, por lo que es la derecha la que se ha apropiado del discurso de igualdad y universalidad de derechos, que antes fue de la izquierda. Un filón electoral para ella. El debate está muy viciado, sí”.

Debate y griterío

Periodista de larga trayectoria, fundador de la revista digital MSur, Topper lleva 30 años escribiendo sobre feminismo, aunque todavía hay quien le niega el pan y la sal en este campo por su condición de hombre. “En redes sociales, el primer argumento para acallar a alguien es: ‘Está hablando un hombre, qué asco, fuera de aquí’. En la vida real no es así. Quien lee, aprecia el argumento, no el sexo del autor. Sin embargo, ese discurso de redes sociales ha empañado bastante la imagen del feminismo entre las generaciones jóvenes que conocen el término solo por la caricatura que predomina en redes sociales”.

Un factor que puede haber influido en el hecho de que el debate que pretendía abrir el libro aún no se haya producido del todo, aunque según Topper no es el único. “El mercado de libros hoy es de venta mínima. Para alcanzar una repercusión hace falta una enorme inversión en publicidad. O hay que tocar alguna fibra sensible, ya sea que te amenacen con quemar la librería o que te capitalice algún sector con muchas ganas de hacer ruido político. Que es lo que ha pasado con el libro de Juan Soto Ivars sobre las denuncias falsas, un tema que yo también toco en mi libro, pero no de una manera tan capitalizable por parte de quienes quieren negar la violencia machista. Pero ¿ha abierto debate el libro de Soto Ivars? No. Ha llevado a un cierre de filas en ambos bandos. Hay más griterío que debate”.

Por último, el autor se refiere a la refundación de la izquierda española ante la nueva ola ultra en estos términos: “Como votante, veo necesario que haya una opción de izquierda fuerte, unida, para alcanzar un peso en el Congreso, u ojalá en el Gobierno, en lugar de dispersarse en diecisiete siglas regionales. Pero esa izquierda fuerte es imposible de construir si no se aclaran las bases ideológicas sobre las que debe asentarse. Y desde el nacimiento de Podemos hay en la izquierda un rechazo a debatir ideologías: se teme perder a facciones o votantes en desacuerdo y se aboga por incluir al máximo de opiniones divergentes. Pero hay cosas imposibles de consensuar. Un debate sobre la pena de muerte no se resuelve cortándole al reo solo media cabeza. Hay que tener unos ideales claros, y defenderlos, y la izquierda hoy huye de los ideales”.

A veces, el miedo se apodera de nosotros, causando un bloqueo físico y mental tan grande que las palabras se traban en nuestra garganta. Nanen García-Contreras, la autora de este libro, responde con firmeza al miedo: “Sapo de ti, me voy. Me voy y no cuervo”. De esta manera, se apropia del tartamudeo y juega con las palabras creando una fauna esperanzadora. La protagonista se vuelve “loba” en vez de “bola”; su sentimiento de culpa se vuelve “pulga”; y poco a poco, paso a paso, todo se va volviendo más jilguero, más ligero. Muchas personas sufren abusos a los que no saben o pueden responder. No me tigres presenta una llamada a la libertad. Porque todos queremos ser “liebres”.

La ilustradora granadina nos cuenta que este libro, editado por A Buen Paso, surgió a raíz de una faringitis por la que estuvo de baja casi un mes. “El otorrino me prohibió hablar y aproveché para crear. Hacía tiempo un compañero me había contado un chiste sobre una persona que cambia las sílabas al hablar y que acababa con la frase ”¡A mí no me tigres!“, y empecé a darle vueltas a la idea de jugar con las palabras. Había estado en uno de los Laboratorios de creación de Alicia Bululú y trabajamos con la métrica y la rima, así que decidí atreverme con la poesía”.

“Pretendo que se diviertan con las palabras mientras juegan a adivinar la original, que disfruten las imágenes y colores acompañando a la protagonista en su proceso de aprender a poner límites y hacerse valer”, asegura Nanen García-Contreras, granadina residente en Sevilla. 

Herramienta para trabajar en el aula y fuera de ella

En el proceso de este proyecto Nanen se marcó un reto, confiesa que le funciona bien este método para activar la creatividad. Ese reto era, además de buscar la rima, centrarse en juegos de palabras con animales. “Fue un proceso muy divertido, y también algo obsesivo, buscando nombres de animales para reordenar sílabas y crear nuevos significados, componiendo las estrofas, cuidando la métrica… Quería darle un tono a lo Gloria Fuertes, salvando las distancias, ¡claro!, pero es una autora que leía desde muy pequeña y fuente de inspiración. He aprendido que este proceso de cambiar de posición sílabas en una palabra se llama metátesis, muy frecuente cuando estamos aprendiendo a hablar. De hecho, me preocupó que pudiese confundir a los pequeños lectores, pero investigando sobre el tema, encontré que los juegos con el lenguaje, pueden ser muy estimulantes para la conciencia fonológica. Como en otros libros texto e imagen nacen casi a la vez para narrar con ambos”.

No me tigres es un libro que habla del miedo, de la culpa,… “Creo que el álbum infantil debe priorizar el placer literario y estético. Me ilusiona pensar que los lectores disfrutarán con el ritmo, el juego sonoro, que desarrollarán la creatividad a través de la conciencia fonológica y de las imágenes… Pero también es verdad, que ya sólo el título, contiene toda una declaración de intenciones”, afirma Nanen García-Contreras. “Como en álbumes anteriores, este también me ha servido un poco de catarsis. He sido educada en la sumisión, me ha costado poner límites y hacerme valer; por eso, en este trabajo he volcado parte de esas experiencias, he alzado la voz junto a la protagonista, para decir: ‘¡No me tigres!’ Y con ella, me he sentido ”jilguera“. Si sirve para reflexionar sobre ello y como herramienta para trabajar en el aula y fuera de ella, me sentiré también muy satisfecha”.

Si hablamos de las ilustraciones, están realizadas con lápiz de color digital, imágenes más realistas que otros trabajos de Nanen, que combinan la línea y la mancha. “En las primeras ilustraciones, el magenta chillón representa eso, lo estridente, el grito, ocupando gran parte del fondo, pero conforme la niña va poniendo límites, ese fondo pierde intensidad, pierde protagonismo hasta convertirse en las últimas ilustraciones en agua que fluye. Las imágenes se van tornando más ligeras, más libres, como la protagonista”, confiesa Nanen.

Alba Blanco (La Línea de la Concepción, Cádiz, 1995) estaba empezado a dar forma a su proyecto musical, todavía sin nombre, cuando recibió un sms de una amiga en el que la llamaba sarcásticamente “La Perra Blanco”. El nombre le sonó tan bien, que lo adoptó como remoquete artístico y con él lleva ya varios años paseándose por toda Europa y firmando discos notables. En el último de ellos, Lovers and fears, se atreve a cantar por primera vez en español.

Hija de un miembro del grupo Los Destrozamitos, creadores del llamado Sonido Lineápolis, y de una profesora de piano, empezó a cantar y tocar la guitarra con 12 o 13 años, de forma autodidacta. Formó parte de un par de bandas locales, pero muy pronto se dio cuenta de que el rock no era el ámbito más hospitalario para una chica. “Aunque no creo que sea mala gente, sufrí un trato bastante horrible, se notaba la misoginia en el aire”, recuerda. “No contaban conmigo para ninguna decisión, y cuando había alguna reunión importante, me decían que me saliera fuera del local a fumarme un cigarrito”.

“No me gusta generalizar al hablar de los hombres, pero la Historia se ha escrito así”, puntualiza. “Al final, me echaron de dos bandas, una por discutir con el cantante, y la otra porque el guitarrista me dijo que haría mejor dejando el instrumento. Yo tengo mi carácter y me dije que, a partir de ese momento, no iba a estar bajo las órdenes de nadie, y menos de un hombre”.

Cambio de idioma

En ese proceso de emancipación fue providencial para Alba la cercanía con Gibraltar, adonde solía acudir para hacer jam sessions en locales como el Tunnel o el Lord Nelson. “Estuve dos años yendo todos los jueves y domingos, y cogí muchas tablas”, evoca. Así fue creciendo La Perra Blanco, y poco a poco fueron apareciendo discos que eran objeto de una espléndida acogida: La Perra Blanco, Won’t you come on, Pop & Shake, Get it out… Y finalmente Lovers and fears, producido y grabado entre Valencia, donde actualmente reside la cantante, y Chicago. “Tuve la oportunidad de viajar allí, pero preferí no hacerlo. Suponía dejar a mis músicos y grabar con gente de allí, además con jet lag y encerrada en el estudio, sin poder hacer turismo ni nada. Para eso, pensé, me quedo en casa”. 

El cambio de idioma, asegura, es algo que “se venía planteando desde hacía tiempo. Le tenía miedo porque no escucho bandas que canten en español, ni siquiera latinas. Pero mi manager, el productor y muchos colegas me insistían, ‘¡dale una oportunidad!’. Y yo pensé, ‘Bueno, si todo el mundo me lo dice…’ Pero no creas que ha sido fácil desterrar los prejuicios, he tenido que trabajar para eliminarlos. Ahora me arrepiento de no haberlo hecho antes, porque es muy chulo ver a toda la gente coreando conmigo las canciones, flipo con ese momentazo”.

“Aunque tengo un buen nivel de inglés, por mucho que quiera una, no es mi lengua nativa. Pero me había acostumbrado a escribir canciones en esa lengua, y creo que todavía tengo que aprender a hacerlo en castellano. Me gusta la literatura, la poesía, y eso me ayuda a continuar”. Sobre las lecturas, reconoce que sus preferencias en narrativa son “más bien oscuras: mi autor preferido es Dostoievski”, mientras que en poesía es devota de los hermanos Machado, “sobre todo de Manuel”, puntualiza.

Lejos de casa

Con todo, el lenguaje que La Perra Blanco domina mejor es sin duda el del escenario. Sus conciertos son un derroche de energía que se contagia al público, mientras que los discos parecen excusas para propiciar precisamente esos encuentros con los fans. “El estudio no me gusta, todo lo contrario, me agota, me aburre”, dice. “Lo que disfruto es la comunicación con la gente, que se ría, que baile, que me permita trazar ese puente comunicativo con ella y generar empatía. No hay nada comparable a eso”.

Es algo que saben bien en muchos rincones de España y el extranjero donde La Perra Blanco ya ha dejado su huella. Sin embargo, tiene la espinita de no ser muy requerida en su tierra, La Línea de la Concepción, y en la provincia de Cádiz en general. “A pesar de haber subido un escalón en los últimos tiempos, este año no tenemos ni un bolo en la zona”, lamenta. “Sé que no es culpa de la gente, porque continuamente me escriben preguntando cuándo volvemos, y no sé ni qué decirles. Hemos tenido a 1.100 personas en Madrid, a 800 en Barcelona, números muy buenos para un grupo como el nuestro. Ignoro si es cosa de las administraciones, pero lo seguro es que no nos quieren allí”.

“En español hay un refrán que dice que nadie es profeta en su tierra, y por algo será”, agrega. “No pasa nada, seguiremos en lo nuestro, pero no deja de darme pena que mi familia tenga que conducir dos horas hasta Sevilla para verme, y no puedan hacerlo en nuestra ciudad. Cuando vengan a buscarme, lo digo siempre, tal vez sea demasiado tarde”.

Esperando el cambio

De momento, La Perra Blanco es una artista que cuelga el cartel de ‘No hay billetes’ en casi todos sus conciertos, y cuando no tiene conciertos trata de relajarse y ejercitarse canalizando su desbordante energía sobre el saco de boxeo. “No soy una persona violenta, solo me sienta bien descargar así”, sonríe.

En cuanto al machismo del medio, “sigo todavía sufriendo el mansplanning, esos hombres que me explican cosas sobre micrófonos como si yo no llevara diez años como profesional de esto. Por suerte, cada vez vienen más niñas a mis conciertos, les regalo púas y me cuentan que ellas también cantan y tocan… En 20 o 30 años, si el mundo no ha reventado antes, se notará el cambio”.      

La organización de la San Diego Comic-Con Málaga, la franquicia de la popular feria de cultura popular con origen en San Diego, han anunciado este viernes que las entradas a la venta para la edición de este año se pondrán a la venta este jueves 23 de abril a las 10:00, y estarán reservadas a los asistentes en 2025. La Comic-Con Málaga 2026 se celebrará del 1 al 4 de octubre. Aún no se ha desvelado ningún detalle de su programación, que el año pasado contó con Arnold Schwarzenegger como estrella indiscutible.

Cada persona podrá comprar dos entradas: una para sí mismo/a y otra para un acompañante. Las entradas estarán disponibles por jornada (jueves 1 de octubre, viernes 2 octubre, sábado 3 de octubre o domingo 4 de octubre) y también estará disponible un pack de cuatro días.

El precio de la entrada general por día para los mayores de 13 años será de 84,80 euros (gastos de gestión de 4,80€ incluidos), mientras que la entrada para niños y niñas que no hayan cumplido doce años a la fecha del evento tendrá un precio de 37,10 euros (gastos de gestión de 4,80€ incluidos). Tal y como anunció el año pasado, la organización ha subido el precio un 60%: la entrada general ha pasado de 50 a 80 euros.

Para poder adquirir entradas en esta primera ventana de compra anticipada será imprescindible el Registration ID de 2025 y una cuenta de Ticketmaster. Quienes no recuerden su Registration ID o deseen modificar su email asociado a su ID podrán hacerlo. Toda la información para ello estará disponible a partir del lunes. Mientras tanto, SDCC Málaga ha publicado una Guía de compra de entradas que recopila información útil. 

Éxito de público y críticas por la masificación en 2025

La edición europea oficial de la popular convención internacional de cultura pop regresa este año a Málaga después de la primera edición, que se saldó con un notable éxito de público, pero también con críticas y denuncias por la masificación por parte de muchos asistentes, organizaciones de consumidores e incluso de responsables políticos, que animaron a los organizadores a plantear una ampliación del recinto o un mejor uso de los espacios del Palacio de Congresos de Málaga para que el evento ganara accesibilidad.

El evento reúne a fans, creadores, estudios, editoriales y empresas del sector del entretenimiento en torno al cine, las series, el cómic, los videojuegos, la animación y otras industrias creativas. Arnold Schwarzenegger, Aaron Paul (Breraking Bad), Taz Skylar (One Piece), Norman Reedus y Melissa McBride (The Walking Dead), y las estrellas del cómic Jeph Loeb, Peach Momoko y Jim Lee pasaron por Málaga, donde además se estrenaron Tron: Ares y Predator Badlands. La presencia de estas estrellas y de un evento ya muy consolidado en la cultura pop, con una sólida base fan, disparó el interés.

Acudieron alrededor de 100.000 personas, según la organización, que fue sacando a la venta nuevas remesas de entradas a la vista de que se agotaban con rapidez. Cuando terminó el evento dudó de las cifras finales. Su principal responsable entonces, Javier Barbera, llegó a decir que habían sido 120.000 asistentes, lo que, de ser cierto, habría implicado que se superó el aforo, con implicaciones para la seguridad. Finalmente, esa cifra se rebajó a 96.000. En todo caso, muchas más de las 60.000 inicialmente previstas. Todo ello provocó que las colas fueran interminables y que muchos asistentes se quejaran de no haber podido acceder a eventos por los que se habían interesado.

El evento está financiado con dinero público: más de 4,5 millones de euros invirtieron para la pasada edición entre la Junta de Andalucía (3.025.000 Turismo Andaluz y 484.000 la Agencia Digital Andaluza) y el Ayuntamiento de Málaga (986.000). Sobre el papel, bajo la fórmula de promocionar las marcas respectivas, aunque en realidad el evento fue “adquirido” (y así lo admitían los responsables) por Andalucía y la ciudad de Málaga porque encaja como un guante en su estrategia de promoción cultural y turística. El patrocinio se abona a Dentsu Spain, S.L., la empresa que tiene la exclusiva para la explotación en España de la licencia de la Comic-Con.

Hace pocas semanas se presentó la nueva edición en Matadero Madrid, pero poco se desveló allí. La organización señala que se mantendrá el aforo de 90.000 asistentes -22.500 por jornada-, mientras ampliará de forma significativa sus espacios y contenidos con, entre otros, la incorporación de un pabellón adicional de más de 9.000m2 en su Exhibitor Hall, un Artists’ Alley más amplio y un nuevo auditorio.

También ha habido un cambio de responsables. Fernando Piquer ha sustituido a Javier Barbera como director general de San Diego Comic-Con Málaga. Piquer, con experiencia en Movistar, en la animación, los videojuegos y los esports, aseguró en marzo que la pretende “elevar la experiencia del fan”, “cuidar mejor los detalles y a hacer que cada nueva edición sea todavía más memorable que la anterior”. El objetivo “no es meter más gente”, ha dicho en una entrevista con Sur, asumiendo las limitaciones de crecimiento. “Esto es, y seguirá siendo, un evento para fans”. 

El próximo 30 de mayo, si no media un milagro, La Tertulia de Granada cerrará sus puertas después de 46 años de vida. Hasta entonces, este legendario local por el que han pasado notabilísimos poetas, actores, artistas plásticos y músicos celebrará cada día una despedida diferente hasta entonar el adiós definitivo. Una triste noticia para la cultura de la capital nazarí, pero también un síntoma de que este tipo de espacios, que han actuado como indiscutibles dinamizadores culturales durante décadas, no tienen fácil su supervivencia en los tiempos que corren.

La cabeza visible de La Tertulia, Tato Rébora, explica que el recinto “ha sido un espejo de la vida cultural de Granada con todas sus épocas. La primera, que fue una época dorada, era aquella en la que nos visitaron desde Rafael Alberti o Mario Benedetti a toda la Generación del 50, y de Paco Ibáñez a Joaquín Sabina, sin olvidar a gente como Enrique Morente o Luis García Montero que nos visitaban a diario”.

Rébora recuerda también que más adelante los distintos gremios fueron haciendo suyo el local: un tiempo era especialmente frecuentado por actores, otro por periodistas… “Las artes se fueron fragmentando y teniendo sus propios espacios, lo que supuso un relativo declive para nosotros”, recuerda. Fue entonces cuando se impuso la necesidad de programar actividades: “Donde antes las cosas ocurrían espontáneamente, y bastaba con que yo pidiera silencio para que todos oyéramos a Benedetti recitando poemas, ahora había que elaborar un programa con eventos concretos”.

La soledad y los móviles

Eso marcó una segunda etapa en La Tertulia, en el que el local “llegó a ser el filtro por el que pasaba todo, era un influencer de la ciudad. Había artistas que venían a comentar allí lo que estaban haciendo en ese momento, antes de lanzarlo a la ciudad en su conjunto”. Pero fue entonces cuando Rébora, junto a los dos socios que sostienen la empresa, empezaron a observar tendencias preocupantes en el sector.

“La Tertulia, como tantos otros lugares, había sido un lugar de encuentro, y la vida cultural su complemento”, evoca. “Pero el encuentro fue declinando, nos dimos cuenta de que terminaba el acto cultural programado y la gente no se quedaba como antaño, se iba. Además, durante el acto se consumía cada vez menos: ahora se pedía una cerveza en el tiempo en que antes se tomaban tres cubatas. El principio de salud empezó a primar sobre el sentido del placer, el público se cuidaba mucho más”.

Pero donde más se notó fue en la atmósfera de la clientela. “Antes, a las dos de la mañana podría aparecer un cliente que nos decía: ‘Estaba solo en mi casa y quería hablar con alguien’. Ahora, esa persona se queda en su casa mirando el móvil, chateando. El pub como lugar de encuentro ha muerto. Ahora prima el bar de tapas, que es tal vez poco atractivo como espacio, pero que la gente prefiere. Y en la noche hay cada vez menos gente que supere los 40 años”.

La puntilla de la pandemia

En los últimos tiempos, son muchos los locales como La Tertulia que han echado el cierre en Andalucía y el resto del país, aunque los motivos son múltiples: desde la jubilación de los propietarios y la falta de emprendedores que quieran tomar el testigo a la subida vertiginosa de los precios de alquiler, sin olvidar los problemas de insonorización en el caso de espacios para la música en directo, lo cierto es que aquel boom de locales donde disfrutar de recitales poéticos, conciertos de cantautores o de jazz, espectáculos de narración oral o café teatro va camino de apagarse irremediablemente.

La puntilla, según este veterano hostelero, “fue la pandemia. Eso ha cambiado la noche del mundo. Las masas la han cambiado por las mañanas. Si vas por Granada, todos los lugares de desayuno están llenos. Hemos pasado de tener los bares nocturnos llenos a no encontrar un sitio donde sentarte a tomarte un café a las diez de la mañana, porque está todo ocupado”.

En muchos lugares de España, el turismo ha llegado al auxilio de espacios como este que iban desfalleciendo, aunque el precio a pagar en cuanto a pérdida de naturalidad y autenticidad es evidente. “A La Tertulia viene un turismo español que nos visita como si leyesen un cómic, o como si fuese un museo. Los cuadros de nuestras paredes cuentan la historia del local y se emocionan. Solo los martes, que programamos tango, comprobamos que vienen muchos extranjeros. Pero eso no mitiga las dificultades: de seis horas que estamos abiertos, solo hay ingresos realmente durante dos horas, y como te digo con poco consumo. Antes me costaba cerrar La Tertulia, casi había que echar a la gente. Ahora a las dos y media no hay nadie”.

Las épocas mandan

En cuanto al respaldo oficial, La Tertulia ha recibido numerosos premios, tanto del Ayuntamiento como de la Junta de Andalucía. La Feria del Libro de la ciudad le hizo también honores, e incluso en la ciudad de Buenos Aires hay una placa reconociendo esta labor de años. Sin embargo, ninguna institución ha facilitado su subsistencia, a pesar de haber desarrollado una labor por las artes y las letras imposible de evaluar económicamente.

Lo que sí les ha llegado es el calor de los parroquianos, que en los últimos días están llenando La Tertulia, ayudando a reducir las deudas y, de paso, animando a sus responsables a mantener la llama viva. “Hemos tenido varias iniciativas, incluso se ha hablado de plantear crear una asociación cultural para evitar el final. No me niego a nada, pero lo que no querría es no cerrar el 30 de mayo para tener que cerrar seis meses después”, explica Rébora sin muchas esperanzas. “Hace mucho que aprendí que las épocas mandan sobre las voluntades individuales. Las tendencias tienen una potencia que no es posible revertir”.

Rébora no puede evitar la melancolía al comentar que “es duro cerrar, porque es mi vida. Yo siento que no llego a Granada hasta que no llego a La Tertulia. ¿Cómo voy a hacer ahora? Temo quedándome dando vueltas sin saber adónde llegar”.

Resulta paradójico que, mientras que el mundo del cómic celebra una nueva Edad de Oro en la que se publica más que nunca y los festivales dedicados al género proliferan por doquier, la precaria situación de los creadores sea un secreto a voces. Son muy pocos quienes pueden permitirse vivir con cierta holgura gracias a sus lápices, mientras que la inmensa mayoría se afana en abrirse un hueco en el mercado esperando un milagro –casi siempre en forma de editor extranjero– que rara vez llega.

Incluso todo un premio Nacional de Cómic como Candela Sierra (Ronda, 1990) reconoce que “es un medio muy complicado, muy poquita gente vive de cómic en nuestro país. Yo ahora estoy viviendo un momento muy bueno con el premio, pero lo normal es que mucha gente lo combine con otros trabajos. Por ejemplo, yo doy clases y hago ilustración también”.

Una combinación que, por natural que suene, a la autora de la aclamada Lo sabes aunque no te lo he dicho le sigue sonando rara, “porque cuando haces un libro de cómic y te das a conocer, empiezan a pedirte ilustraciones, pero en realidad son dos lenguajes distintos. Por un primer libro que te ha podido llevar un año de trabajo, si tienes suerte, te pagan unos mil euros, mientras que por ilustrar en una revista o hacer una portada te pagan 300, 400, 500… Y lo haces en una semana como mucho”.

Magros anticipos

Para los artistas de cómic, algunos de los cuales pasaron recientemente por Sevilla en el Festival Hispacómic, los ingresos principales proceden de los anticipos que cobran por las obras publicadas, que suelen ser de un 50% de su porcentaje sobre la tirada. Pero es difícil que estas tiradas sean muy copiosas, de modo que deben confiarse al incierto goteo de los royalties que se van liquidando anualmente.

Para un compañero y paisano de Candela Sierra como José Pablo García, dibujante de larga trayectoria con títulos como Las aventuras de Joselito, La muerte de Guernica, Franco o Soldados de Salamina, “es muy complicado para un autor, tirando solo de los anticipos —incluso si son de obras por encargo—, que le salgan las cuentas para poder vivir, comer y todo eso. Yo por suerte tengo un par de libros míos que se han vendido muy bien y eso me permite que me salgan las cuentas cada año con los royalties que voy recibiendo”.

“El cómic de la Guerra Civil española y el de La muerte de Guernica, son los que mejor me han funcionado y siguen aportándome derechos de autor desde que se publicaron. El resto no se han vendido todo lo bien que yo hubiera querido. Y sobre todo las obras más personales, que encima son con las que has cobrado menos anticipo, son las más complicadas en ese sentido”.

Encargos y proyectos propios

Esto plantea otro dilema en los profesionales del dibujo: ¿Se debe aceptar encargos, aunque no resulten muy interesantes, o apostar por proyectos personales? “Lo más sensato es compaginar ambas cosas”, dice García. “Si tiras solo de proyectos propios, tienes que contar con que cada obra que publiques se vaya a vender muy bien. ”Yo, cuando acabe lo próximo que estoy preparando, ya veré. Igual me planteo hacer una oposición o algo y publicar un libro cada cinco o seis años. Creo que siempre voy a seguir haciendo cómic, pero quizá a otro ritmo y no dentro de un mecanismo industrial, porque tampoco me interesa. Algunos proyectos sí me llenan, pero la mayoría no me aportan demasiado. Y para eso prefiero buscar otro trabajo“.

En esta decisión pesa también la situación fiscal de estos trabajadores, con una alta discontinuidad de ingresos. “Cuando estoy preparando un libro me doy de baja de autónomo, porque hasta que no lo termino no cobro el resto del anticipo. Cobras una parte al principio y otra al final, y entre medias, a no ser que tengas muchos trabajos seguidos, no tiene mucho sentido estar pagando más de 300 euros al mes de autónomo. Otro empeño que tenemos muchos es publicar en revistas como El Jueves, una publicación periódica que te garantice un mínimo”.

Las editoriales no son ajenas a estas circunstancias. Daniel Díez, responsable de Cartem Cómics, con sede en Salamanca, comentaba tras una mesa redonda sobre propiedad intelectual que “la conclusión a la que llegamos es que el eslabón más débil de la cadena, en cualquier sistema —japonés, americano o europeo—, es el autor. A nivel de protección de derechos, pero también a nivel económico y patrimonial”.

La salida exterior

“Pero claro”, agrega, “al final no deja de ser una industria, y como todas tiene que ser rentable. En España lo habitual es pagar un adelanto de royalties entre el 8 y el 10 %. En casos excepcionales a lo mejor se puede negociar algo más. Pero es raro pagar por producciones como se paga en Estados Unidos. La diferencia es que allí es work for hire, es decir, obra por encargo: te pago y en general no reclamas nada más, aunque luego haya excepciones. Aquí, en cambio, la gente sigue ganando derechos de autor”.

En el caso concreto de Cartem Cómics, “nosotros siempre hemos tenido claro, desde que empezamos, que primero hay que vender esos derechos fuera”, asevera el editor. “En algunos casos, cuando firmamos el contrato, el adelanto no solo incluye la parte española, sino también lo que podamos vender en otros países. Pero para eso el autor tiene que ser exportable y tener mercado fuera. No es fácil, porque se produce mucho. Al final de lo que se trata es de tener paciencia, de empezar a publicar y de compaginar varios proyectos con cobros de royalties de obras anteriores que vayan arrastrando y complementen de alguna manera lo que estás haciendo ahora con lo que hiciste en el pasado, y que eso no pare”.

“La otra alternativa, que no es la más agradable, es buscar trabajo fuera”, prosigue Díez. “Pero nadie quiere eso; lo que queremos es fomentar una industria local. De hecho, los franceses pagan buenos adelantos porque en esos adelantos incluyen lo que van a vender en otros países. Pero ellos son capaces de vender a 20 o 30 países. Yo he visto obras de Glénat o de Dargaud que las han vendido a más de veinte países. Nosotros no somos capaces de vender a tantos. La línea de trabajo en la que creo que hay que avanzar es que los editores españoles seamos cada vez más vendedores de derechos y generemos nuevos recursos. Y no hablo solo de derechos literarios —es decir, de traducciones a otras editoriales extranjeras—, sino también de lo transmedia”.

El futuro, concluye Díez, también está ahí: “ser capaces de tener una interlocución fluida, como intentamos hacer nosotros, con sectores como los videojuegos, las series o las películas. También con juegos de rol o juegos de mesa, para que todo eso vaya generando ingresos que permitan a los autores puedan vivir lo más dignamente posible”.

Carpanta como espejo

Según estas fuentes, los anticipos que se manejan en el cómic español oscilan entre los 2.000 y 3.000 euros, una cantidad escasa para los meses de trabajo que suele suponer cualquier proyecto. Entre los nombres consagrados se pueden llegar a alcanzar los 10.000, pero solo cuando hay altas expectativas de ventas y una clara opción de llegar a mercados foráneos. Pero incluso en Francia, considerada La Meca de los dibujantes europeos, hay muchos que se aprietan el cinturón: según François Poudevigne, programador del BD Colomiers –el tercer festival de Francia tras Angoulema y Saint-Malo– ofreció datos asombrosos: en el país vecino, el 40 por ciento de los autores vive en riesgo de pobreza, y en el caso de las mujeres la cifra se eleva al 65 por cierto.

Ante este panorama Hispacómic 2026 acogió también la entrega del primer premio Carpanta como homenaje al popular personaje de Escobar, “icónica figura de la resistencia y la supervivencia ante la precariedad, valores que también pretende destacar este premio”, según explica su promotor, el diseñador, editor y agitador cultural Rafael Iglesias.

La primera edición de este galardón ha recaído sobre el veterano dibujante gaditano Ricardo Olivera, Fritz, para quien “la percepción de los lectores acerca de este mundo de la viñeta es muy distinta de la que vivimos los creadores”, explica. “Creo que una de las claves es que las tiradas son muy cortas, de manera que los porcentajes que nos llegan de estas son muy escasos”.

Pico y pala

“Publicar no es difícil, difícil es que te compense mínimamente”, comenta el autor de títulos como Las criaturas de la tierra incierta o El caballero del Santo Sepulcro. Hay quien piensa que en España no hay editores, sino publicadores, que te adelantan el 50 por ciento de la tirada… Y a menudo esta ni siquiera llega a venderse. Apenas promocionan lo que ellos mismos publican, y cuando tu libro deja de ser novedad se desinteresan y se vuelcan en los que sí lo son. Yo he llegado a plantearme la autoedición, porque al final quien mueve mis libros acabo siendo yo, yendo de festival en festival“.

Junto a estrellas como Kim, Keko o Miguelanxo Prado, por los espacios de Hispacómic se dejaban ver muchos jóvenes que aspiran a darse a conocer, pero para los cuales el futuro es incierto. “El mensaje para los artistas nuevos, los que aspiran a entrar en el mercado, sería paciencia y… pico y pala”, asevera el editor Daniel Díez. “Al principio hay que hacerse un nombre, hay que ir publicando poco a poco, sacar cosas y que la gente te conozca. Hay autores que quieren llegar y besar el santo, y sin haber publicado aquí publicar directamente en Francia. Los hay, pero es muy difícil. O en Estados Unidos, donde es verdad que se gana más, pero también es muy complicado entrar y a lo mejor pueden pasar años hasta conseguirlo”.

Una mujer bereber o amazigh en mitad de un paisaje norteafricano con tintes alucinados y planetarios presta la imagen a la 23 edición del Festival de Cine Africano de Tarifa Tánger (FCAT). Ella mira al espectador desde un cartel presentado este lunes en Sevilla, que quiere tender un puente geográfico con las islas africanas, el tema central hacia el que mirará en esta edición el festival, tanto en su retrospectiva como en sus diálogos y reflexiones. La cita ‘estrecheña’ se celebrará entre el 22 y el 30 de mayo de 2026, con actividades en las orillas de ambos continentes. En Tánger el FCAT se celebra del 22 al 24 de mayo. 

Esta será la primera edición del FCAT sin Mane Cisneros al frente. La fundadora y directora del festival durante 22 ediciones dijo adiós el pasado otoño a la primera línea de gestión del festival. El testigo ha pasado a un grupo de cinco profesionales de su equipo con larga experiencia en el FCAT, quienes se han puesto al frente de la gestión de esta cita con los cines de África como comité de dirección del festival. 

Durante el acto de presentación de esta edición y su cartel en el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla (CICUS), Ángel Justo, director del Secretariado de Cultura de la Universidad de Sevilla, dio la bienvenida y la palabra a Federico Olivieri, portavoz del comité de dirección, quien abrió este nuevo ciclo del proyecto junto al resto del equipo. Lo hizo ante una destacada representación de instituciones culturales e internacionales, como la Cónsul General de Portugal en Sevilla, la directora Fundación Tres Culturas, además de representantes del Consejo Audiovisual de Andalucía, el Instituto Francés o la Andalucía Film Comission. 

El FCAT 2026 vuelve a unir un año más a Europa y África a través de la cultura, además de tejer lazos concretos con nuestros vecinos marroquíes. Entre las novedades de esta edición está la recuperación de la Cinematheque de Tánger (Cinema Rif) como sala del festival en su orilla africana, así como el aumento de la apuesta formativa del FCAT con la incorporación de la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, ECAM, como colaboradora de los talleres y cursos del festival.  

“Desde sus inicios, el FCAT no sólo busca ser escaparate de las cinematografías africanas en nuestro país”, ha explicado Federico Olivieri, “sino también un espacio de conocimiento y formación sobre los aspectos que definen los cines del continente vecino”. El portavoz del comité de dirección ha querido también recordar unas palabras de 2009 del reconocido cineasta mauritano Aberrahmane Sissako, quien a su paso por el festival decía que el FCAT “funge de escuela para conocer África desde la mirada de sus realizadores, lo que nos motiva a seguir apostando por la formación como oportunidad de sinergias entre profesionales de ambos lados del Estrecho.” 

Las islas africanas 

Olivieri y la programadora Marion Berger, también miembro del comité de dirección, anunciaron que la 23ª edición del Festival de Cine Africano de Tarifa y Tánger propondrá un viaje por el meta-archipiélago africano, analizando cómo el cine construye las narrativas de sus estados soberanos y sus diásporas caribeñas. Bajo el título ‘Orillas Compartidas: las imágenes de las Islas Africanas’, el festival pondrá en diálogo las miradas externas continentales con las voces internas isleñas del continente. Un equilibrio entre la fragilidad y el potencial estratégico.  

La temática central de esta edición abordará la realidad de naciones como Cabo Verde, Madagascar, Las Comoras, Guinea Ecuatorial, Mauricio, República Dominicana, Haíti y Cuba, entre muchas otras islas, cuyas cinematografías reflejan identidades híbridas forjadas entre el aislamiento geográfico y la resistencia cultural de unos territorios que funcionan como puentes estratégicos entre los océanos Índico y Atlántico. 

El objetivo será descolonizar la mirada sobre estas geografías, explorando la producción y la creación de comunidad en entornos marcados por la insularidad y el fenómeno de los archipiélagos humanos. 

Para la programadora del FCAT, Marion Berger, “La retrospectiva contará con unas 15 sesiones de películas procedentes las Islas Africanas y afro-caribeñas y propone una reflexión sobre la particularidad de la insularidad en términos de identidad, de historia y de creatividad, poniendo en evidencia la herencia cultural común entre estos archipiélagos”. 

Mehdi Sefrioui  

El autor del cartel de esta edición, Mehdi Sefrioiui, es un fotógrafo y artista visual tangerino cuya obra ha evolucionado de la moda parisina a una profunda investigación sobre la memoria y la resistencia en el Magreb. Su práctica artística se centra en deconstruir la mirada colonial y rescatar historias silenciadas mediante el uso de archivos, textiles y testimonios orales. 

La imagen de esta edición del festival, que forma parte de su proyecto The future that was, es una alucinación reparadora que encarna esta búsqueda de futuros alternativos mediante el uso de la Inteligencia Artificial y sus “alucinaciones” creativas. A través de su técnica de “reparación especulativa”, Sefrioui reimagina una identidad local donde los saberes ancestrales y la tecnología convergen para reconquistar los imaginarios y futuros arrebatados por la historia. Una propuesta de modernidad arraigada en el territorio. 

Extensión en Sevilla y jurado andaluz 

La presencia del FCAT no suele limitarse a Tarifa y Tánger, sino que posee satélites más cerca y más lejos de su territorio. La Fundación Tres Culturas, con sede en Sevilla, volverá a acercar a la capital andaluza durante la semana del festival tres proyecciones, los días 25, 26 y 27 de mayo a las 20:30h. Se tratará de una selección de películas de la sección competitiva del FCAT 2026 y contarán con la presencia de uno de los directores. 

El CICUS también vuelve a sumarse a la extensión sevillana con proyecciones de mañana los días 12, 19 y 26 de mayo. Una selección de las películas de la programación del FCAT pensada especialmente para el interés de alumnos y alumnas a partir de 13-14 años, que se enmarca dentro del Espacio Escuela del festival. 

Por su parte, la sección a concurso, En Breve, que premia el Mejor Cortometraje africano, tendrá a un jurado andaluz encargado de seleccionar este galardón. En esta edición formarán parte de este jurado la coordinadora de MAFF|Festival de Málaga Cristina Consuegra, la sonidista tarifeña Diana Sagrista y la directora, arquitecta y paisajista sevillana Reyes Gallegos. 

El Festival de Cine Africano se ha consolidado en casi un cuarto de siglo como un escaparate y marco de encuentro para las producciones cinematográficas africanas y de sus diásporas en España, Europa y América Latina. Al mismo tiempo, atento a la evolución de las audiencias de habla hispana, en las últimas ediciones el FCAT ha ampliado el espectro de su propuesta, priorizando la difusión del cine andaluz, español y europeo sobre África o rodado en África, las coproducciones europeo-africanas y las coproducciones Sur-Sur entre Iberoamérica y África, entendiendo el cine como herramienta de conocimiento, desarrollo y diplomacia cultural.

Javier Ruibal no tiene manías ni supersticiones, pero cada noche, justo antes de salir al escenario, acostumbra a contar hacia atrás desde 20, muy despacio: veinte, diecinueve, dieciocho, diecisiete… Un rito que volverá a repetir este viernes en el Teatro de las Cortes de San Fernando (Cádiz), con motivo de una ocasión muy especial: la grabación de un nuevo disco en directo, el quinto de su carrera tras Pensión Triana, Lo que me dice tu boca, Sueño y 35 aniversario.

Un reto “tan excitante como comprometido”, según este cantautor portuense de 70 años, ya que la experiencia acumulada no es ninguna garantía ante el vértigo del directo. “A mí me gusta mucho hacer directos, creo que es la verdad de la música, ¿no? Es más excitante que una grabación de estudio. La grabación del concierto ya se oirá después, pero la presencia del público es fundamental”.

En la receta de Ruibal, lo primero que hay que tener es “motivación y ganas y también un repertorio que permita la sorpresa”, comenta. “En este caso es todo inédito, a diferencia de los anteriores. En Lo que me dice tu boca había algunas canciones conocidas y muchas otras que no, en Sueño eran mis canciones acompañadas por la Orquesta de Córdoba… Aquí es todo nuevo, con arreglos nuevos de Javier López de Guereña y una banda preciosa”.

Compañerismos y complicidad

Ese factor, la banda, es otro de los ingredientes fundamentales en la cocina de su disco. En esta ocasión, Ruibal se rodea de un verdadero grupo de solistas, con Alberto Bocanegra al piano y teclados; Diego Villegas en los vientos; José Recacha en guitarras y bajos; y Joaquín Calderón, que aportará instrumentos de cuerda y violín, sin olvidar a su hijo, Javi Ruibal, a la batería, percusiones y producción.

“Javi, aparte de que tiene mucho criterio, me conoce lo suficiente y tiene la posibilidad de decirme: aquí creo que te estás pasando, o aquí te estás quedando corto. Y eso es estupendo”, comenta el artista. “Claro, él se ha criado escuchando mi música y me ha visto componerla incluso, entonces a él no le puedo yo engañar, es el único al que no puedo engañar de entre todo el planeta [risas]. Él sabe cuáles son mis cadencias y en todo caso, si las hay, mis virtudes”.

“Siempre he estado con músicos que tienen su propia expresividad y su trayectoria y sus propias carreras”, prosigue Ruibal. “Gente que también se la juega personalmente, fuera de mis grabaciones y de mis conciertos. Y eso a mí me provoca una idea de compañerismo muy interesante, porque nadie es más que nadie. Eso sí, cada uno toca y lo que se dedica a hacer, lo hace con la mayor excelencia posible. También me gustan los músicos que me dan la impresión de que, como solistas, son mejores que yo. Por eso es muy interesante la idea de no competencia en el escenario, pero sí hacer una puesta en común en la que todo el mundo pueda expresarse y estar a favor de obra”.

Por otra parte, el gaditano subraya que la preparación de un disco como este “exige más ensayos y más precisión que un disco convencional. El repertorio lo trabajo en solitario, indudablemente, dándole muchas vueltas a las cuestiones de melodía y de armonía y muchas más vueltas a la palabra y al verso, que para mí es tan importante como lo musical”.

De los arreglos a los ensayos

“Entonces, una vez que yo ya me he partido el coco y he llegado al convencimiento de que no doy más, entonces interviene la labor del arreglista”, agrega. Con Javier López de Guereña, con el que Ruibal ya ha trabajado en otras ocasiones, “hablo en unos términos que son muy curiosos porque de pronto, para referirme a qué arreglo veo yo para tal canción, por ejemplo, digo, aquí épico, aquí sensual, aquí jocoso. Ese tipo de expresiones que no tienen nada que ver con la idea que la flauta vaya en tal o cual tonalidad, o haciendo tal cosa. Es más bien una cuestión de sensaciones, algo que atañe a ciertas sutilezas que van más relacionadas con la emoción que yo quiero que conserve la canción arreglada, que ya estaba en la canción desnuda. Para que no se pierda eso que yo he sentido cuando lo he compuesto”.

Las nuevas tecnologías acuden aquí en auxilio de compositor y arreglista, pues hay emuladores muy aceptables que permiten hacerse una idea de cómo puede quedar el resultado final. “Yo no leo música más que lo imprescindible”, admire Ruibal, “a mí ya me puedes dar un kilo de papeles que me quedó indiferente. Pero si me das la sonoridad y el resultado, pues eso me anima mucho”.

Luego viene la labor de organizar todo ese material, repartir el trabajo entre los músicos y, naturalmente, hacerlo sonar. En este caso, Ruibal distingue entre ensayos “musicales” y “técnicos”, estos últimos en el propio teatro. Los ensayos domésticos, en cambio, se han repartido entre la casa de José Recacha, en Coria del Río, en los Tempo Estudio, en Sevilla, en Mairena. “Luego vamos al teatro y tendremos dos días para poder ensayar ya in situ. Al ser la grabación en directo, hay que ir ya al escenario con el máximo de trabajo técnico hecho, solventando los posibles problemas de amplificación que pueda estropear el sonido, y que en un estudio no existen”.

Un teatro con historia

La elección del Teatro de las Cortes viene de un ofrecimiento expreso de la alcaldesa de San Fernando, Patricia Cavada, y de la delegada de Cultura, Pepa Pacheco. “Me dijeron que les hacía una ilusión tremenda que eso se hiciera allí, y a nosotros nos gustaba el teatro por su sonoridad. Es un teatro entero de madera, lo cual quita un montón de asperezas a la hora de sonar y de grabar. Y luego es un teatro lleno de historia, un sitio donde se ha proclamado la primera constitución progresista de la historia europea, la de 1812. Una constitución tan bien hecha que fue odiada inmediatamente por los poderes absolutos y se la cargaron. Mira si estaría bien hecha, fue un peligro a la sostenibilidad del absolutismo. Cantar allí me parece un privilegio”.

Por la parte de sonorización y grabación, Ruibal cuenta con otro viejo cómplice como Javier Rondán, su técnico de sonido desde hace años. Entre unos y otros, reconoce el cantante, no tiene más remedio que rejuvenecer, “porque ellos están en esa cosa tan galana que tiene la primera madurez, mientras que yo ya estoy en la tercera. De alguna manera, yo me nutro de esa energía, pero ellos también me dan latiguito para que espabile. ¿Me explico? Quieren que tú estés lo más relajado posible, pero que también des lo mejor, y que si en alguna parte el fraseo que hace la voz puedes arriesgarte más, te lo dicen. Es muy bonito y es muy generoso por su parte, porque podrían limitarse a tocar tan bien como tocan y punto, y en cambio se involucran a fondo en el proyecto”.

Finalmente, tan importante resulta conocer los pasos de la receta como eludir los errores que eventualmente se hayan podido cometer en grabaciones anteriores. ¿Cuáles serían estos escollos a evitar, en el caso de Ruibal? “En Pensión Triana, por ejemplo, había un pulso muy fuerte, porque era un repertorio de mucha euforia. Es un disco muy optimista y muy eufórico y todos los músicos tocaron con una fuerza que luego, a la hora de mezclar, me las vi y me las deseé, porque de las dos tomas que se habían hecho, de los dos conciertos que hicimos, no sabía uno con cuál quedarse. Y no es como ahora que tú puedes tomar una parte de una y juntarla a otra toma anterior, como cortar y pegar, aunque para mí la gracia está en la naturalidad”.

Un viaje sonoro

“En Lo que me dice tu boca todo es mucho más relajado, y ahí sí tomé cartas en el asunto y pensé que, en lugar de estar todo el tiempo tocando con todos, iba a hacer una canción con Andreas Prittwitz, otra con Víctor Merlo… Traté de que eso fuera un poquito menos impetuoso que en la experiencia anterior. Luego Sueño era con la Orquesta de Córdoba, con lo cual yo ahí era quien menos mandaba. Me limité a cantar lo más bonito que pude. Y luego el 35 aniversario lo planteamos como una fiesta de duetos. Cantar con Martirio, con Miguel Ríos, con Drexler, con Pasión Vega, incluso con cada uno de los músicos que había tocado conmigo a lo largo de los años, dándole su sitio a cada uno”.

De contenido del álbum, Ruibal solo puede adelantar que “todo gira alrededor de un mismo asunto, es un objeto y un viaje, un largo viaje que ocurre durante un largo tiempo: una historia contada en doce capítulos, en doce canciones, donde hay guiños musicales a una serie de lugares diferentes y de épocas diferentes. Y luego el lenguaje es, en cierta medida, clásico, un lenguaje de época. Bueno, no voy a decir de Siglo de Oro, pero casi, casi. Con ese tipo de expresividad que hubo en la época en la que transcurre la historia”.

La cabeza del portuense ya está en el próximo viernes, y casi se ve entre las bambalinas del teatro de las Cortes. “Yo he sido siempre muy salvaje, salgo al escenario sin calentar la voz ni nada, ¿no? No me pongo a canturrear en el camerino ni nada de eso. Es una cosa un poco bruta por mi parte, pero como me ha ido muy bien, no quiero romper esa costumbre”, asegura. “Sigo saliendo con la misma chispa, y los mismos nervios, aunque ya un poco más controlados. Cuando solamente está la luz de escena esperándome, me doy el gusto de estar veinte segundos larguísimos ahí: veinte, diecinueve, dieciocho, diecisiete…”.

Christine Ruiz-Picasso falleció este pasado lunes, 6 de abril, a las 18.00 horas a los 97 años, en su casa de Provenza, en Francia. Nacida en Francia en 1928, y vinculada al mundo del arte desde joven, era viuda de Paul Ruiz-Picasso, hijo de Pablo Picasso y de Olga Khokhlova, y fue la principal impulsora y artífice del Museo Picasso Málaga (MPM), junto con su hijo Bernard.

El Museo Picasso es el más visitado de Andalucía, con 800.000 visitantes al año. Abrió en octubre de 2003, fruto del empeño personal de Christine, presidenta de Honor junto con quien ostenta la Presidencia de la Junta de Andalucía, y fue punta de lanza en la transformación cultural de Málaga, que hoy cuenta con espacios de referencia como el Pompidou o el Museo Carmen Thyssen.

La idea inicial nació en 1953 de los contactos entre el propio Pablo Picasso y Juan Temboury Álvarez, académico, investigador del arte y por entonces delegado provincial de Bellas Artes de Málaga. El pintor malagueño quería que su obra estuviera presente en su ciudad natal, pero este proyecto quedó frustrado poco después. El contexto político no era el más favorable. 

Cuatro décadas después, Christine Ruiz-Picasso, viuda de Paul Ruiz-Picasso, hijo mayor del artista, acudió a Málaga con motivo de las exposiciones Picasso clásico y Picasso, primera mirada en el Palacio Episcopal de Málaga. Y salió tan satisfecha al contemplar el entusiasmo entre la ciudadanía malagueña por contemplar por vez primera en Andalucía el trabajo de Picasso, que en 1996 reiniciuó el proyecto de su suegro. 

En 1997 la Junta de Andalucía adquirió el Palacio de Buenavista, un palacete del siglo XVI, y poco después, Christine y Bernard Ruiz-Picasso, nuera y nieto del artista, donaron 233 obras a la Fundación Museo Picasso Málaga Legado Paul, Christine y Bernard Ruiz-Picasso, fundada ex profeso para la génesis del proyecto y que es la que actualmente rige el museo. Sigue constituyendo el grueso de la colección del museo. Cincuenta años de que el artista malagueño concibiera la idea, el Museo Picasso Málaga se hizo finalmente realidad: fue inaugurado el 27 de octubre de 2003.

Reconocimientos

Christine recibió en 2003 la Gran Cruz de Alfonso X El Sabio y ese mismo año fue distinguida como Hija Predilecta de Andalucía en 2003, en reconocimiento a su labor cultural y su contribución al patrimonio artístico de la región. Veinte años después, el Auditorio del museo fue rebautizado como Auditorio Christine Ruiz-Picasso para perpetuar su estrecho vínculo con el recinto. Ella no pudo asistir por motivos de salud.

El Museo Picasso Málaga y la Junta de Andalucía han lamentado la pérdida de una mujer “que dedicó su vida a preservar y difundir el legado de Pablo Picasso, uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

“Su legado como mecenas, promotora cultural y defensora del patrimonio picassiano ha contribuido significativamente a la vida cultural de Málaga, de España y al conocimiento del arte moderno”, han señalado desde el MPM.

El alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, ha trasladado el pésame de Málaga a la familia, recordando en un mensaje en X que Christine Ruiz-Picasso “fue artífice del impulso cultural de la ciudad”. “Su generosidad, junto a su hijo Bernard, permitió la creación del Museo Picasso Málaga, uno de los hitos de la Málaga cultural, en 2003”. El regidor que ha recordado que Christine “donó el grueso de la colección permanente del museo, contribuyendo a que seamos un referente internacional, acercando la obra de Picasso a las generaciones presentes y a las futuras”. “Transmito con este mensaje el pésame de Málaga a su familia y la gratitud, enorme gratitud, de la ciudad. Descanse en paz”, ha concluido el hilo de mensajes De la Torre.