A Lola Pons (Barcelona, 1976) le vino la idea de escribir un libro sobre el silencio mientras visitaba, hace tres años, la cueva de Ardales, en Málaga. Venía de comisariar el Año Nebrija y el cuerpo le pedía una pausa. “El silencio me encontró y yo lo encontré en ese ámbito subterráneo”, recuerda. “Y a partir de ahí, sin ninguna obligación, quise probar si tenía muñeca como para sostener un tono narrativo similar al que uso en los medios, pero que superara las 820 palabras. Y salió, claro”.

El resultado es El dedo en los labios (Taurus), un amenísimo ensayo sobre el silencio en la historia de la lengua cuya salida a la luz coincide con la publicación de otros libros en torno a este fenómeno, como El libro blanco de Vicente Luis Mora, Nuestros silencios de Laurence Joseph o ¡Silencio!, de Pedro Bravo. “Silencio es lo que no tenemos, y, paradójicamente, no paramos de hablar de por qué debemos tenerlo. En la lengua se ha trabajado mucho el silencio, desde el punto de vista del español o de las lenguas actuales, desde un punto de vista sincrónico, para estudiar el silencio como estrategia conversacional, como análisis del discurso, en las locuciones políticas, y también libros ponderativos, elogios al silencio... Pero desde un punto de vista de la lingüística histórica, no había ninguna fuente material para estudiarlo”.

Así, la catedrática de la Universidad Hispalense se dispuso a acometer “una investigación previa, propia, muy original, en la que cada palabra me iba contando un poco, me las iba encontrando un poco por el camino, y eso me ha permitido trabajar con una mente muy abierta sobre refranes, toponimias y también sobre palabras del léxico común”, para descubrir que el silencio, “igual que los gestos, el marcar la ceja o la mirada, es un elemento lingüístico, es parte de nuestra lengua. Por eso, la lengua no ha dejado nunca de crear palabras para nombrar los silencios”.

Del teatro al deporte de masas

Por ello, en la primera parte del libro, titulada Pido silencio, Pons comienza indagando en los distintos significados del silencio según las lenguas y sus contextos. “Un caso muy claro es cómo reaccionamos ante una petición de matrimonio, donde el silencio es un no o un sí, según la cultura en la que uno se encuentra. Ese es el marco del libro para decir que físicamente la ausencia de palabras es un fenómeno universal, nos callamos de la misma manera, pero, ¿qué valor le damos a eso? Tiene una lectura histórica cambiante, por eso era interesante mirar hacia atrás en nuestra propia lengua y observar el silencio como una ventana a nuestra propia historia. Es un libro de lengua, porque yo soy filóloga, pero sin yo quererlo se terminaba convirtiendo en una especie de historia cultural de quienes hemos sido como sociedad”.

La segunda parte, Me callo, describe el viaje de la palabra silencio, desde el entorno religioso hasta que sale de él e ingresa socialmente. “Hay cosas que nosotros damos por hechas y que no lo son. Por ejemplo, que al llegar a un aula un profesor diga ‘silencio’ y lo pida así, de manera exhortativa, con ese sustantivo, eso como acto de habla, que es como se llamaría técnicamente, se hace así desde el siglo XVI; antes no se hacía. ¿Cómo se haría? Pues se haría llevándose el dedo a los labios o diciendo ‘shhhhh’”.

“En esa petición de silencio explora, a partir de la palabra silencio, otros fenómenos como, por ejemplo, los silencios situacionales”, prosigue Pons. “Nosotros hoy asociamos el teatro, por ejemplo, al silencio del público. Antes no ocurría así. Y eso no solo lo sabemos por las descripciones que hay en las propias obras de teatro, el comportamiento del auditorio, sino porque la combinación ‘silencio-teatral’ se documenta en los textos tardíamente. Una vez que el auditorio se queda callado y el teatro empieza a ser un espectáculo donde solo hablan los que están a un lado, los que están subidos en el escenario, parece que surgen, como especie de fenómeno de vasos comunicantes, otros fenómenos de espectáculos de masa donde sí, como espectador, puedes gritar, puedes hacer sonido. Me refiero, por ejemplo, a los deportes de masa, que por definición no son silenciosos, salvo el tenis y pocos más”.

Sin huella en los mapas

El siguiente apartado, Se callan, parte del capítulo del Vizcaíno en El Quijote. “Muestro cómo nos comportamos ante el silencio de los lugares. Por ejemplo, el silencio de la noche. El silencio que nosotros advertimos en espacios abiertos, cuando vamos al campo. El silencio de la ciudad y el ruido de la ciudad. Hay hechos interesantes como que, por ejemplo, el silencio se suele acompañar de adjetivos positivos de manera casi exclusiva hasta el siglo XVII. A partir de esa fecha se incrementan las combinaciones de silencio con adjetivos negativos. Se nota a partir del XIX, con la revolución industrial, donde ya se observa que hay un silencio ominoso. Un silencio que puede venir de la explotación, de la alienación de las personas”.

También se ocupa Pons de la ausencia del silencio en los mapas. “La toponimia codifica muchos elementos sensoriales, pero no codifica el silencio. De hecho, la que hay es absolutamente sospechosa. Si te encuentras una urbanización que se llame Silencio Dorado o Costa Silencio, ese topónimo tiene seguramente tres días y lo ha creado alguien en una oficina de venta de pisos. El silencio no deja ninguna huella en los mapas frente a otros elementos de nuestra naturaleza”.

“Es también en ese capítulo donde se observa cómo a veces la lengua, como hablantes, tendemos a ser obsesivos”, agrega Pons. “El mismo animal, el grillo, que utilizamos desde la ficción de Pinocho para hablar de Pepito Grillo, tu voz de la conciencia que no se calla, se utiliza hoy en redes sociales para decir que me han hecho ‘cri-cri’, lo que los ingleses llaman cricketing, si no me contestan a un mensaje de petición de algo. Le dije a lo que viniera y ‘cri-cri’, me dejó escuchando los grillos.

Silencio imposible

Y están, cómo no, los grandes silencios de la literatura, el más famoso de los cuales es “de cuyo nombre no quiero acordarme”, pero hay muchos más. “Veamos cómo en la literatura se ha utilizado, como forma de reflejar una especie de silencio evocador, los puntos suspensivos. Son muy modernistas, incluso han llegado hasta la parodia. Se parodiaba el punto suspensivo como propio de una lírica demasiado desmayada”.

Cuando se le pregunta por el silencio imposible de las redes, del scroll infinito, Pons subraya que “el silencio se ha ido estrechando tanto que en este momento es un lujo. De hecho, muchas personas lo compran como experiencia en forma de retiro de silencio. Y se juega mucho con el silencio, de forma que el lujo es elegir cuándo se quiere hablar. El verdaderamente famoso, el verdaderamente adinerado es el que puede permitirse el silencio en redes o no tenerlas, por ejemplo. Se ha vuelto un lujo porque la introspección cada vez nos da más miedo”.

El verbo 'silenciar'

Y la IA, ¿qué tiene que decir del silencio? “Me provoca mucha hilaridad porque veo que la pobre no sabe estarse callada”, asegura Pons antes de comentar el capítulo siguiente, Me callan, que “trata del silenciamiento a cualquier colectivo, el silenciamiento a las mujeres, el silenciamiento en la dictadura... Es interesantísima la modernidad del verbo silenciar, que es un verbo que tiene apenas un siglo en nuestra historia léxica. Eso es muy poco tiempo para la historia de una lengua, pero está profundamente arraigado. Está muy bien modelado metodológicamente. Y me demoro en la fuerte asociación que hay en España del ‘no te signifiques’ y el franquismo. Es muy llamativo, porque literalmente lo que te está diciendo es ‘no seas una palabra’. Las palabras son los elementos que, por definición, se dedican a eso, a aportar significado. Todo ese refinamiento manipulador que ha venido del lenguaje político ha retorcido qué significa el silencio”.

“También es interesante ver cómo desde el léxico de la religión de la Edad Media hasta el siglo XX hemos crecido exponencialmente en toda la terminología sociológica del silencio”, apunta. “Eso tiene que ver con que nos hemos convertido en una sociedad democrática donde la toma de palabras y, por tanto, el diálogo que establece esta con el silencio propio y ajeno es importante”.

Por último, Lola Pons espera que el fruto de su trabajo “no caiga en silencio. Creo que, igual que se puede describir una historia del mundo hispánico a través de cómo comemos, porque no comemos ahora igual que hace cinco siglos, o cómo vestimos, también se puede definir una historia de la cultura hispánica a través de cómo nos hemos comportado léxicamente con el silencio. Este es un libro exigente. Un libro para lectores. Un libro que exige silencio e introspección”.

Cuando estaba en la cima de su carrera, Mira Sorvino desapareció del mapa. Había ganado un Oscar y un Globo de Oro por una interpretación deslumbrante en Poderosa Afrodita (Woody Allen, 1995), y luego había saltado a la comedia más o menos gamberra (Romy y Michelle, 1997) y el cine de acción más comercial (Mimic -1997- y Asesinos de reemplazo -1998-), algo más o menos lógico para una estrella al cine de acción. Era una estrella que se codeaba con la farándula de la mano de parejas icónicas como Quentin Tarantino o Olivier Martínez. Hasta que se esfumó.

O la esfumaron. Años después, Mira Sorvino (Nueva York, 1967) contó que su nombre fue vetado de grandes producciones por Harvey Weinstein, entonces considerado un rey Midas de Hollywood, en realidad un abusador de mujeres que atormentó a decenas de actrices. Peter Jackson confirmó que Miramax (la productora de Weinstein) le pidió no contar con Sorvino para El Señor de los Anillos.

Casi tres décadas después de aquello, está de paso por España para la segunda edición de la San Diego Comic Con Málaga. Consciente de su papel de abanderada del movimiento MeToo, no rehúye su pasado ni tiene problema en explicarlo: “Durante veinte años estuve vetada en la industria. Entre 1998 y 2018 prácticamente no participé en grandes producciones de estudio. La influencia de Harvey Weinstein fue enorme y devastadora”, cuenta a elDiario.es.

Una escena “terapéutica”

Sorvino, que fue acosada por Weinstein antes de que este la metiera en una lista negra, lo pasó mal, pero subraya que nunca sabes por qué derroteros te va a llevar la vida: aquel paréntesis forzoso le sirvió para volcarse con una familia a la que adora. “Tengo cuatro hijos extraordinarios y probablemente no habría sido la madre que soy si hubiera mantenido ese éxito profesional”, explica: “Así que la vida es extraña: sí, me enfada profundamente que alguien me arrebatara algo que merecía, pero también siento gratitud porque la vida me dio otras cosas hermosas”.

Años después, la serie Hollywood (Ryan Murphy, 2020) le pondría ante una escena catártica, en la que interpreta a una actriz de los años 40 atrapada en una relación desigual con un productor, de la que solo sale gracias a la empatía de la mujer de este. “Fue una escena preciosa y bastante triste”, rememora la actriz, que lloró realmente en el rodaje: “Era muy consciente de que estaba inspirada en mi propia historia, pero también tenía un punto terapéutico: me permitió enfrentarme a ese dolor y liberarme un poco de él”.

Después de una década, ¿cree que Hollywood ha cambiado? “Sí, sin duda. ¿Siguen existiendo depredadores que creen que nunca serán descubiertos? Claro, porque es la naturaleza humana. Siempre ha habido depredadores y ladrones y asesinos. No podemos erradicar el crimen, pero sí podemos dejar claro que un plató, una sala de casting o cualquier lugar de trabajo no son espacios para eso”, advierte: “Ya no se salen con la suya. Durante décadas, ese comportamiento estuvo muy integrado en la industria de Hollywood desde su comienzo. Y creo que el movimiento ha tenido un impacto real. Hoy las mujeres están más protegidas. Los hombres también. Y los niños que trabajan en producciones audiovisuales están más seguros que antes. ¿Es perfecto? No. Pero sí creo que es mejor de lo que era”.

Recuerdos de Marbella

Sorvino rodó una de sus primeras películas en España (Barcelona, 1994) y otra, más desconocida, en la Semana Santa de Sevilla, donde pasó una larga temporada. No eran sus primeras veces en España. Tendría unos cuatro años cuando su padre, Paul Sorvino, rodó una película en la Costa del Sol junto a George Segal y Glenda Jackson. “Algunos de mis primeros recuerdos visuales son de Marbella”.

La actriz acaba de rodar con Lisa Kudrow la secuela de Romy y Michele (1997), una comedia que exploraba en tono ligero el camino del empoderamiento femenino y la sororidad. Treinta años después, la perspectiva de una nueva boda de una amiga vuelve a situarlas en un punto similar: “¿Nos hemos olvidado de casarnos? ¿Nos hemos olvidado de encontrar el amor?”. La respuesta es que han hecho con su vida lo que han querido.

Justo antes de rodar Romy y Michele 2 terminó That’s amore, un musical con John Travolta en la que tuvo que cantar O sole mío en napolitano. Una canción eterna que, cuenta, está inspirada en la hermana de su abuelo. “Al menos, según cuenta mi familia. Mi padre lo confirmó con la familia del autor de la letra. ¡Podría ser un mito, ¡pero quizá sea verdad!”, exclama.

Alta, imponente y con una vistosa cruz que le cuelga del cuello y acredita sus convicciones cristianas, la actriz creció en el seno de una familia de raíces italianas muy tradicional en la que su padre la trabaja como “el hijo que nunca tuvo”: “Compartía conmigo sus referentes: Muhammad Ali, Martin Luther King, Desmond Tutu… Veíamos juntos combates de boxeo, partidos de tenis de Björn Borg y, sobre todo, Star Trek. Yo estaba fascinada con el capitán Kirk. Puede que tuviera un pequeño enamoramiento infantil, pero también quería ser como él: valiente, decidido, aventurero”.

Este fin de semana, Sorvino se ha dado un baño de masas que, además, ha acompañado de un premio honorífico del Festival de Cine de Málaga. “Cuando hablas cara a cara con una persona y te cuenta lo que una película o una serie representó para ella, sientes que tu trabajo ha tenido un impacto real”, agradece la actriz: “En el cine normalmente no tienes ese contacto directo. No es como actuar en teatro, donde escuchas las risas, los aplausos o saludas a la gente a la salida. Aquí las películas se estrenan y luego quedan ahí, mientras tú te quedas bastante alejada del público. Por eso estos eventos son tan especiales”. Mira Sorvino está de vuelta y agradecida a la vida, a pesar de que una vez la tiraran de la cima.

Tres películas, casi 3.000 millones de dólares de recaudación acumulada (diez veces lo que costaron) y 17 Oscar (once de ellos a la tercera parte de la trilogía). El estreno ahora hace 25 años de La Comunidad del Anillo, a la que seguirían Las Dos Torres (2002) y El retorno del Rey (2003) pegó un tremendo revolcón al panorama cinematográfico solo a la altura del estatus de las novelas de culto de J.R.R. Tolkien.

Un cuarto de siglo después, Frodo y Sam, Elijah Wood y Sean Austin, los inseparables (pero separados) amigos del fabuloso viaje de La Comarca a Mordor, y vuelta, para destruir el Anillo se reencontraron en Málaga; entre ellos, pero también con un público devoto: 3.000 personas que llenaron el Hall M, el espacio habilitado por la San Diego Comic Con Málaga para los grandes eventos.

El fenómeno de El Señor de los Anillos, la gran saga dirigida por Peter Jackson en la era pre-Marvel, impactó de lleno en un público que hoy mayoritariamente pasa la cuarentena, y que acudió a la llamada de la comunidad este domingo en Málaga. “25 años después, viendo lo que está pasando en el mundo, es necesario acercar las ideas de bien y mal y de compañerismo”, comentó Austin.

“Hay una parte maravillosa de participar en la vida de la gente. Hay personas a quienes estas películas le hacen sentir bien y nos cuentan historias increíbles. Tienen un impacto inmenso, lo recibimos y eso es un intercambio maravilloso”, celebró Sean Austin: “Es muy bonito que estas películas den un refugio a la gente que está sufriendo, y que les ayude a procesar sus emociones”.

“En el día a día no soy consciente de la relevancia que tuvo el Señor de los Anillos. Pero el hecho de ser parte de la cultura popular, generar este entusiasmo, conectar con la gente, es increíble”, explicó luego Wood. Ambos llevan una decena larga de convenciones y conferencias para celebrar la efeméride y sienten con pena de que este viaje también está llegando a su fin.

16 meses de rodaje

Uno de los objetivos declarados de la convención es acercar a las estrellas al fan que siente obras como El Señor de los Anillos como parte esencial de su identidad. Dejar caer la pantalla que las separa del espectador para mostrarlos cercanos, dicharacheros, divertidos, falibles, mortales.

A eso, Sean Austin ganó a Elijah Wood por goleada. Austin ganó peso en la charla igual que Sam, un personaje supuestamente secundario, acaba por tener un papel decisivo en la historia de la Tierra Media. Incluso animó al público, en español, a tomar la palabra. “No tiene (sic) miedo. Lord of the Rings”. A Austin le declaró su amor una fan preguntona que lo calificó de “achuchable”.

El hombre explicó que en las entrevistas previas al rodaje tenía dudas de que el público fuese a conocer realmente a su personaje. Los productores le escogieron porque percibieron que podía transmitir lealtad y bondad. “Es que es cierto que eres un buen ser humano, y eso lo transmites porque no se puede separar”, le elogió Wood, que recordó que Austin ha sido elegido presidente del Sindicato de Actores precisamente por esas cualidades.

Ambos recordaron un rodaje que se prolongó durante 16 meses en los bosques de Nueva Zelanda. Tiempo más que suficiente para generar unos vínculos duraderos. “Pasábamos todo el día juntos, seis días a la semana, sabíamos cómo sonábamos, nos conocíamos muy bien. Eso crea una intimidad muy especial”, admitió Austin.

Wood apenas tenía 18 años, pero se manejaba con suavidad, ligereza y aplomo. Austin estaba más nervioso, le imponía aquel set de rodaje impresionante, Ian McKellen, Peter Jackson. Incluso les enseñó esgrima Bob Anderson, que había trabajado con Errol Flynn e interpretado a Darth Vader en los duelos con el sable de luz.

Cuando regresaron a su país eran otros. “Estábamos tan lejos de nuestra realidad, de nuestra familia... Fue raro volver a reintegrarnos en nuestras vidas, porque nuestra realidad había quedado marcada por estas películas y por el rodaje. No era sencillo contar nuestra experiencia”, ha recordado Wood. “¡Como los astronautas!”, según Austin: “Volvíamos y luego podías darte cuenta de lo que era realmente importante para ti, a qué querías dedicar tu tiempo”.

Sin colas excesivas en esta edición

El reencuentro de Sam y Frodo era el plato fuerte cinematográfico de esta edición de la San Diego Comic Con Málaga, la segunda de las tres que al menos habrá. Una edición que no ha contado con una gran superestrella como Arnold Schwarzenegger, pero sí con muchas estrellas del cine (Christopher Lambert, Josh Brolin, Mira Sorvino, Denise Richards, Kevin Smith), la televisión (Richard Dean Anderson —MacGyver—, Paul Bettany), el cómic (John Romita Jr. —Spiderman—), el anime (Sinchiro Watanabe —Space Bebop—, Yoichi Takahashi —Campeones—) o el videojuego (Dave Jones —Lemmings y GTA—, John Romero —Doom—).

La organización de este año, prácticamente impecable, contrasta con el desastre de masificación y colas de la primera edición, en la que muchos asistentes guardaron horas de cola para irse de vacío. La ampliación de los espacios, con una segunda gran carpa de stands en el exterior, y un cuidado circuito de flujos que ha evitado cuellos de botella han obrado el milagro. Responsables de la organización cuentan que, este año sí, se ha puesto al visitante en el centro. Eso explica que se haya evitado llenarlo todo, a diferencia del año pasado, donde el antiguo CEO llegó a asegurar en prensa que se habían vendido 120.000 entradas, más que el aforo permitido.

Este año el aforo era de 15.000 asistentes por jornada. A las entradas, que han subido a 85 euros, se suma el patrocinio de la Junta de Andalucía (3,35 millones por la edición de este año) y del Ayuntamiento (casi un millón), a quienes Dentsu, que tiene la licencia para explotar la marca en Europa, fue a buscar hace ahora dos años.

También se ha notado el potente músculo desplegado, con alrededor de 3.000 personas al servicio de que todo saliera bien. Tantas, que hasta cuadriplicaban posiciones y a veces algunas parecían ociosas. Ni siquiera el tremendo chaparrón caído en los minutos previos a la charla de los hobbits ha empañado el éxito. Este año no habrá la avalancha de quejas que hubo el año pasado. Con 15.000 asistentes por jornada, el evento encara ya la tercera de las ediciones garantizadas por contrato, antes de decidir si continuará en 2028 y más allá.

Hubo un tiempo, era en los 80, en que las películas y series populares eran artefactos de diversión pura. En esas series, los guionistas jugaban duro con la suspensión de la incredulidad que debe operar en la cabeza del espectador para que la cosa funcione. Así se explica cómo los protagonistas sobrevivían a un puñado de tiroteos en cada episodio o cómo eran capaces de desactivar una bomba con un clip y un chicle: era todo por la diversión.

MacGyver representa el modelo: un héroe de acción sin traumas, dobleces ni pasado, capaz de distinguir sin problema el bien del mal y con una característica que lo distinguía de todos los demás: su rechazo radical al uso de armas de fuego, que suplía con un profundo conocimiento científico y el ingenio para aplicarlo a las situaciones más dramáticas.

Hoy, Richard Dean Anderson, MacGyver, es un señor de 76 años de verbo pausado, que achina los ojos y aleja y acerca el teléfono para leer el mensaje de su hija, y al que le dan sofocos de los calores que pasa en Málaga, donde está pasando unos días como special guest de la segunda edición de la San Diego Comic Con Málaga. Así que, cuando ve que con el abanico no se apaña, alguien del público le ofrece un aparato portátil que el presentador no es capaz de poner en marcha. MacGyver se ofrece gentil: “Te lo puedo macgyvear”. Público rendido.

El peligro de imitar a MacGyver

Si en inglés existe el verbo to macgyver es porque el personaje trascendió en la cultura popular hasta el punto de que el diccionario Oxford tuvo que recogerlo. Si el canon lo marcan Los Simpson, ahí está Anderson, sujeto de deseo de las hermanas Bouvier. Si lo es el lenguaje coloquial, todo el mundo conoce a alguien que se cree MacGyver.

Más tarde, en una charla con elDiario.es, Anderson explica que nunca hubiera imaginado que aquel papel que consiguió le seguiría proporcionando tanto cariño tantos años después. “Lo considero un enorme cumplido”, admite: “No soy una persona que se sienta especialmente cómoda con los elogios. Fue mi hija quien hace unos años me habló de la idea de 'legado'. Nunca había pensado en esos términos”. Él era solo un trabajador, sin éxito ni muchas expectativas hasta que dio con MacGyver: “Fui consciente de lo especial que era el personaje y de la singularidad de la serie, especialmente por el hecho de que no utilizaba armas. Y lo aproveché desde el principio”.

Aquellas bacanales de tiros las suplía MacGyver con soluciones basadas en la Física y Química aplicadas, Electrónica y Mecánica. “Teníamos asesores de escuelas técnicas de la zona de Los Ángeles. Les preguntábamos: ”Si MacGyver estuviera en tal situación, ¿cómo lo resolvería con estas cosas en la habitación?“. Y entre productores, guionistas, y directores, yo a veces decía algo, lo adaptábamos y salía la forma de hacer posible lo imposible”. El criterio no era el rigor científico, sino que fuera “creíble”. “¿Hubo alguna vez una escena en la que pensara: 'Esto es demasiado, nadie va a creerlo'?”. “¡Constantemente!”, ríe.

Eso sí, siempre obviaban un elemento para que la idea fuera imposible de replicar en casa. “Hubo un chico alemán que se quemó los dedos asegurando que había aprendido el procedimiento viendo MacGyver. Los abogados investigaron el caso y finalmente se determinó que no era responsabilidad nuestra porque nunca explicábamos exactamente cómo hacerlo”, recuerda.

“Vergüenza” de Trump y su gobierno

El Equipo A o MacGyver no tenían pretensiones de trascendencia ni se prestaban a lecturas políticas. Qué se diría hoy de una cuadrilla de renegados del ejército de Estados Unidos, o del agente de una oscura agencia de espionaje que se adentra en bosques de los Pirineos para rescatar a una geóloga de un grupo de “montañeros vascos” que descienden las rocas haciendo rappel y lanzando un irrintzi.

Hoy se da la paradoja de que MacGyver trabajaría para el Gobierno de Estados Unidos. En su encuentro con el público, Anderson ha pedido “disculpas por el comportamiento de nuestro Gobierno” y ha arremetido contra Donald Trump, a quien ha definido como “pedazo de mierda”.

Más tarde, en la conversación con este periódico, explica que siente “vergüenza” de lo que “Donald Trump, su Administración y esta época de caos político están haciendo al mundo”. “Vengo a un país extranjero al que quiero y admiro, para celebrar algo con la gente, y mientras tanto tenemos aranceles, sanciones y este tipo de políticas. Para mí es vergonzoso. Soy estadounidense, pero me niego a permitir que él me represente de ninguna manera mientras esté en el cargo. Me parece horrible lo que hace”.

“Creo que hoy MacGyver pediría a Google que le echara una mano”

MacGyver tuvo siete temporadas con 139 capítulos. “No me enfadé cuando se tomó la decisión de terminar”, dice Anderson, que ya estaba cansado de combatir delincuentes. También machacado: tuvo incontables lesiones en los rodajes.

Años después, y durante diez temporadas, rodó otra serie de relativo éxito, Stargate SG-1, hasta que puso fin a su carrera para ver crecer a su hija. “No tenía tiempo para pasarlo con ella, con un ser que yo había ayudado a crear. Y nada merece tanto la pena como para perderte eso”, cuenta, mientras se emociona. “Esto es así. Hay un vínculo y una relación por la que merece la pena sacrificarse o dejar una serie de televisión que tiene éxito”. “Ahora ella dirige, escribe y produce películas. Y ese es mi propósito en la vida, ayudarla”, cuenta luego.

Retirado de la vida pública en una casa de California, Anderson se ha volcado en los últimos años en causas benéficas, principalmente en defensa de los animales: “Tengo tanto amor por los animales que no puedo ni matar arañas, aunque no me gusten mucho; el animal más minúsculo tiene algo para mí: sienten. Dolor físico o algo más espiritual. Sé que suena un poco raro. Pero tengo esa compasión”.

Ya nunca estará para carreras y persecuciones, tampoco para frenar fugas de ácido con chocolate o para improvisar un cañón de patatas convirtiendo el ácido del limón con esquirlas de metal en un propulsor más potente que la pólvora. “Siempre he pensado que sería interesante hacer una nueva versión con un MacGyver más mayor. Ya no tan ágil ni tan rápido, pero con más experiencia”.

Hoy, seguramente MacGyver llevaría un móvil en el bolsillo. “Creo que estaría fascinado por las nuevas posibilidades tecnológicas y probablemente acabaría diciendo: 'Bueno, qué demonios, voy a llamar al señor Google para que me eche una mano'. Pero la esencia seguiría siendo la misma: buscar soluciones prácticas, observar tu entorno y utilizar lo que tienes a mano”.

Dolores Jiménez fue una mujer libre y rebelde que tuvo que esconder sus libertades cuando las troncharon de un cuajo. Republicana a pesar del franquismo, empresaria a pesar del machismo, libre a pesar de la dictadura y su propia ceguera, para la mayoría Dolores es “sólo” la Niña de la Puebla, la cantante de flamenco y copla detrás de la versión más popular de 'Los Campanilleros', una de las canciones más arraigadas en la cultura popular andaluza. Durante siglos fue cantada para el Rosario de la Aurora, y luego adoptada como villancico flamenco navideño por el propio padre de la Niña de la Puebla.

Hace ahora un par de años, la actriz malagueña Adelfa Calvo decidió rescatar la historia de su abuela Dolores, viva en las conversaciones registradas en decenas de casetes que ella misma había grabado, y aquel viaje al de Calvo a la vida de su abuela fue documentado por Remedios Malvárez (Pico Reja, Fandango) en Acuérdate de mí, una película documental estrenada en el pasado Festival de Málaga.

Un momento central de esa película es la versión descarnada, profunda, convulsa, que María Peláe (Málaga, 1990) y Alba Reig han hecho de la canción que un día la Niña de la Puebla hizo suya. Una versión particularísima, que recoge los versos libertarios y dolientes escritos en su día por la propia Dolores, escondidos luego durante décadas: “Toas las flores del campo andaluz/regadas con sangre de los campesinos/que perdieron su vida luchando/pidiendo justicia por esos caminos/Y al amanecer toas las madres/lloran a sus hijos/y se vuelven locas sin poderlos ver”. “Libertad, sublime palabra, la idea más hermosa de la humanidad”.

Por eso, cuando se lo propusieron Peláe no dudó: “Pelos de punta, p’alante y contad conmigo”.

Su familia es aficionada al flamenco. ¿Conocía ya la figura de la Niña de la Puebla?

Conocía, sobre todo, la parte artística. De la parte personal, no tenía mucha idea y esperé a la grabación del documental para hacerle preguntas a su propia nieta y que me contara algunas curiosidades. Precisamente por eso también es necesario que haya documentales como este, que a figuras tan importantes las veamos más claro y podamos hacer la radiografía de un país a través de una artista como ella.

De su faceta artística, hay un rasgo muy singular que suele destacarse: la voz de Niña de la Puebla apenas cambió en toda su vida. La tesitura en las primeras grabaciones registradas, en los años 30, es similar a la que tuvo en sus últimas apariciones, ya casi en el año 2000.

Tenía un carácter especial a la hora de cantar. Ella no empezó cantando flamenco y tenía una formación muy buena en cuanto a canto. Precisamente, saber colocar bien la voz y ser estudiosa y aficionada del flamenco, viniendo de otras músicas, es lo que le hizo mantener esa manera de cantar. Yo misma me escucho hace seis años y digo: “María, eres otra”. Da igual el tiempo que pase, [ella mantenía] sensibilidad y saber. Y yo creo que eso lo da también lo estudiosa de los palos que era.

Háblenos de 'Los Campanilleros'. Es una canción que populariza Niña de la Puebla, pero está clavada en la tradición oral desde hace siglos. ¿Qué dice hoy 'Los Campanilleros' a los andaluces y andaluzas?

Si en una canción mezclas palabras como 'Andalucía' y 'libertad', y, en este caso, se añade la letra concreta que hace la Niña de la Puebla, donde se recoge parte del sufrimiento femenino en plena guerra… Manuel Torres fue el primero que la aflamencó, pero después cada uno hizo sus propias versiones y ella tuvo a bien, en plena Guerra Civil, llevar ese dolor desde el punto de vista de las mujeres que estaban sosteniendo a una familia, que estaban esperando a sus hijos a que volvieran, o no, de la guerra... Se me ponen los pelos de punta. Es una parte de la historia que también tiene que ser contada. Es muy bonito que haya sido cantada y que hayan contado conmigo para eso.

Remedios Málvarez dice que es una versión de 'Los Campanilleros' que estuvo “exiliada”. Quizá en esa misma situación hay otras muchas historias, canciones y voces registradas que se han permanecido ocultas muchos años y que quizás siguen ahí, a la espera de que alguien, algún día, las rescate.

Totalmente. Por eso yo creo que en el documental sean esos cassettes, y que su propia nieta le da al play, es muy gráfico. Me hubiera encantado tener cassettes con mi abuela contándome su historia.

¿Cómo se enfrenta a algo que ya está tan identificado con un artista a la que respeta y admira?

El respeto estaba desde el momento en el que me mandaron ya la letra y me dijeron: “Haz esto, pero sé completamente libre”. Para no pasarnos de modernas ni de antiguas, hemos intentado que tenga una progresión cinematográfica. Sientes cómo la ansiedad comienza desde un punto y acaba en otro completamente diferente. De hecho, comienza con el ritmo normal de 'Los Campanilleros' y termina por bulería, porque así lo sentíamos, o así al menos lo sentía yo, que iba a poder relajarme más cantándola. Y creo que siendo fiel a cómo yo la sentiría más, iba a ser más fiel todavía a lo que creo que ella quería decir con esa letra.

¿Cuál es la historia de esa versión?

En la versión que se hizo conocida la letra era de su padre, que era un gran revolucionario. Esa letra fue la que se quedó grabada. Pero después, ya en la guerra y posguerra, no se sabe exactamente bien la fecha, ella escribió estos versos, que no sé si llegó a cantarlos en directo, y que gracias a su familia han llegado a nosotras. Aun siendo versión, es muy inédita porque tiene partes de los versos escritos por ella y que no se han podido escuchar.

La película reivindica también un legado personal de Niña de la Puebla como referente feminista y republicana. ¿Qué papel cree que tendría la Niña de La Puebla hoy?

Creo que como persona tan culta que era, estaría muy puesta en todo lo que está ocurriendo y sería muy consciente de las clases sociales. Por lo que me han podido contar y por lo que hizo, me la quiero imaginar revolucionaria. Es una mujer que criada en plena República, a la que justo después le pilló la guerra y encima una mujer ciega en aquel entonces que se salva casi de chiripa. Es una historia compleja: tiene una educación en plena libertad y luego tiene que exiliarse en sí misma, porque no pudo cantar algunas cosas, aunque me han comentado que si las seguía cantando la letra que le daba la gana. Pero claro, la historia es la que es y España se quedó como se quedó. Creo que a ella precisamente no se le iba a olvidar la Historia, como creo que está pasando ahora, que parece que se nos olvida.

¿Cree que en algún momento podríamos tener que guardarnos las libertades para cantar, hacer cine, hacer teatro o, simplemente, para expresar ideas?

Estoy en un momento de reflexión, porque yo intento de verdad llevar la libertad en mis canciones, decir lo que creo coherente, pero el hecho de decirlo últimamente y tener un poco de miedo a las reprimendas, hacía mucho que no me pasaba. Creo que se está apoderando de la sociedad la agresividad, el insulto fácil. Se está apoderando partes que ya no son muy humanas. Lo siguiente es el odio. Lo que más miedo me da el que la gente deje de ser gente, que dejen de ser personas. Muchas veces miramos atrás y decimos: “Pero por Dios, ¿cómo pudieron hacer esto? ¿Cómo pudo hacer lo que hizo y seguirle tanta gente? ¿Cómo puede estar pegando una paliza a esta persona? ¿O cómo puede estar diciendo esto y después dormir tan tranquila o tan tranquilo? Creo que ese deshumanizarnos viene de cosas pequeñitas. Últimamente, cuando comparto determinadas cosas o las digo, con todo el respeto del mundo –porque intento estar lo más formada posible, informarme y si cometo algún error, [admitir que] tendría que haberme informado más sobre esto–, pero desde un diálogo y un amor recíproco, estoy viendo exceso de odio y eso es lo que me da miedo.

Usted ya ha sufrido un episodio de escarnio por expresarse libremente. ¿Ha tenido la tentación de apartarse de ese debate o de amoldar su discurso?

Te cuidas muy mucho de cómo decir las cosas. Pero como todo está tan en ebullición, está el agua y el caldero tan caliente, que da igual lo que digas. Es como el chiste: “Buenos días”. “¡Buenos días tú!”. Es la sensación constante que eso está pasando en la calle, porque después en el Congreso de Diputados vemos cómo se faltan al respeto. Luego la gente sale a la calle con sus problemas reales y terminan insultándose porque es que lo ven, se ha normalizado. Ese punto es el que yo no me voy a callar, porque si no volvemos a donde veníamos. Es lo que decía mi abuela: “no te enfades, Mariquilla, no, no digas esto…” Yo lo he vivido siendo pequeña. No me quiero imaginar si llega una Niña de la Puebla a ver muchas cosas de las que están pasando ahora. No me voy a callar, evidentemente, pero algunas cosas se hacen con miedo, porque después [llega] la reprimenda. Tú enciendes el móvil y yo no quiero decir la de mensajes que tengo restringidos. Eso es una barbaridad y quiero pensar que mucha de esa gente después se levanta y hace puchero con su madre tan tranquilo y va incluso a misa y todo está genial.

Muchos de quienes le insultan en redes no serían capaces de decirselo cara a cara.

Si esa red estuviera ligada a un DNI, no pasaría tanto esto y volveríamos todo a ser un poco más humanos, creo.

¿Le preocupa que le encajen en un determinado sitio?

Si es que da igual. La perspectiva de cada uno en su cabeza es algo incontrolable para una. A veces saco canciones que no son flamencas y me siguen poniendo en flamenco. Entonces me digo que un día voy a sacar algo de Michael Jackson, y me van a poner flamenco. Venga andaluza, flamenca, flamenco. Pues esto igual.

Mientras hablamos, en la Plaza de la Constitución, a unos cientos de metros, hay mucha gente acampada pidiendo que algo cambie para poder tener casa. Usted es de una generación que se ha comido toda esta crisis de la vivienda.

A mí me da por pensar en todos los caseros que he tenido. Desde la primera casa, en la que solo cabía mi cama de 90, una ventana que daba a otra ventana que era el poyete de otra persona que olía horrible, y que pagaba 500 euros. Hasta el bajo en el que caía el agua cada vez que llovía. Son cosas que tenían que pasar. Lo que no sé, evidentemente, es cómo no se ha podido hacer antes, pero las movilizaciones y los cambios tienen que venir del pueblo y la ley tiene que adaptarse al pueblo. Yo sigo viviendo de alquiler. He tenido opción de invertir en Málaga, y me he negado a hacerlo porque me sentiría fatal conmigo misma. De hecho, la última bresca en internet que me ha caído fue por compartirlo. ¿Y por qué no piensas en los okupas? ¿Para hablar de A, tengo que hablar de también de la B hasta la Z? Estamos hablando de A. Pero la gente está tan en ese caldo de ebullición que da igual lo que digas.

Los andaluces Amalia Fernández, en la modalidad de Creación, y Marco Flores, en la de Interpretación, han obtenido este miércoles los Premios Nacionales de Danza correspondientes a 2026. Estos galardones, que concede anualmente el Ministerio de Cultura, están dotados con 30.000 euros cada uno.

Los Premios Nacionales de Danza se conceden como recompensa y reconocimiento a la labor de personas o entidades de este ámbito cultural, puesta de manifiesto a través de una obra o actuación hecha pública o representada durante el 2025, aunque también pueden otorgarse como reconocimiento a una trayectoria profesional.

El jurado ha otorgado el galardón a Amalia Fernández por la “singularidad” de Familia, una pieza que demuestra una mirada “personal como creadora, definida por una capacidad única para innovar en la composición coreográfica y para explorar nuevos lenguajes escénicos, que se reflejan en creaciones con una enorme delicadeza expresiva y un profundo conocimiento de la relación entre el cuerpo, el espacio y la musicalidad”. Asimismo, ha destacado que en su amplia carrera, además, han sido siempre esenciales su apoyo y su colaboración a nuevos artistas de la escena contemporánea, así como una destacada trayectoria como docente.

“Adelantado a su tiempo”

Por su parte, de Marco Flores el jurado ha subrayado la “fascinante” interpretación en sus creaciones Tierra virgen (2025) y la gira de Rayuela, en las que ha demostrado una “técnica excepcional, con un dominio del compás y un virtuosismo que transforman el flamenco desde la elegancia y la versatilidad escénica”.

“Bailaor en un momento de enorme madurez profesional e incuestionable trayectoria, ha demostrado siempre estar adelantado a su tiempo, creando desde un discurso propio y sin dejar de indagar, convirtiéndose en un referente y un ejemplo de generosidad en el apoyo a generaciones de creadores y creadoras más jóvenes, y abordando temas complejos y socialmente comprometidos”, concluye el jurado.

Amalia Fernández, de lo convencional a lo expositivo

Amalia Fernández (Granada, 1970) es bailarina y coreógrafa. Estudió Danza Clásica y Contemporánea en el Real Conservatorio de Sevilla y en la Escuela de Teatro de la Danza de Madrid. Completó su formación con coreógrafos como Francesc Bravo, Debra Greenfield, Carl Paris, Ana Buitrago, Elena Córdoba, María Ribot y Mónica Valenciano, con quien trabajó desde 1994 hasta 2005 en la compañía El Bailadero-Mónica Valenciano.

Sus producciones de los últimos años van desde la pieza escénica convencional hasta el formato expositivo. Como artista independiente ha estrenado los espectáculos Matrioshka (2005), Maya (2006), Shichimi Togarashi (2007), Las Perras (2008), Kratimosha (2009), Souvenir (2010) y En Construcción versión 1 (2010) y En Construcción versión 2 (2013), Perrita China (2014) y Expografía (2017).

Asimismo, ha participado en proyectos de otros artistas como Gary Stevens, Odd Enginears, Karin Elmore, Cuqui Jerez o Sonia Gómez, como interprete, coach, coreógrafa, y colaboradora puntual. Como docente, colabora en el Máster de Práctica Escénicas y Cultura Visual de la UCM y también ha participado como artista-docente de profesores de primaria en el marco del proyecto LOVA (La Ópera, un Vehículo de Aprendizaje). En la actualidad está desarrollando la segunda fase del proyecto Ser o no ser un cuerpo con la colaboración de Santiago Alba Rico, un proyecto de investigación artística y corporal nacido en 2014.

Marco Flores, del flamenco a la creación coreográfica

Por su parte, Marco Flores (Arcos de la Frontera, Cádiz, 1981) es bailaor y coreógrafo. Tras unos años de aprendizaje autodidactas, se formó con maestros como Antonio Canales y Javier Latorre. Posteriormente entró a formar parte de compañías como la de Sara Baras o Rafaela Carrasco.

Desde el año 2004 trabaja como codirector y coproductor de sus propios espectáculos como Dos en Compañía junto a Manuel Liñán; En sus 13 y En clave junto a Manuel y Orlga Pericet; y Chanta la mui, Complot y Recital junto a Olga y Daniel Doña.

En 2010, formó su propia compañía, Cia Marco Flores, con la que estrenó su primer espectáculo DeFlamencas, Premio de la Crítica Especializada del Festival de Jerez de 2012. Otras producciones de la compañía son Tránsito (2012), Laberínticas (2014), Paso a Dos (2015), Entrar al Juego (2016) y Fase Alterna (2016). En 2018, la compañía estrenó su primera pieza para espacios no convencionales, Extracto Abierto. Además, recientemente estrenó su primer solo, Extrema.

A lo largo de su carrera ha recibido varios premios como El Ojo Crítico de Danza de Radio Nacional de España (2019), y los Premios Carmen Amaya, Antonio Gades, Mario Maya y el Premio Especial del Baile en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba en el año 2007, entre otros.

Cuenta Eduardo Jordá (Palma de Mallorca, 1956) que en una conversación con Leonard Cohen, Bob Dylan admitió que su colega canadiense era el número uno, no sin puntualizar que él era “el número cero”. La anécdota sirve en bandeja a Jordá el título de su nuevo libro, Número cero, publicado por Libros del Asteroide, y también la manera de acercarse al universo del músico estadounidense y premio Nobel de Literatura, uno de los seres más enigmáticos de la creación artística contemporánea.

“Todo ser humano es un misterio irresoluble, pero en el caso de Dylan el misterio es mucho mayor porque siempre ha querido ocultarse detrás de toda clase de máscaras y alias y seudónimos e identidades falsas”, explica el autor, que presenta el libro este martes en Sevilla. “Dylan es como Odiseo, el hombre de las múltiples tretas y de las múltiples caras que al final es Nadie. Pero ese Nadie ha sabido construir una obra artística incomparable. Y sí, lo mantengo: Dylan es un misterio irresoluble: ese Nadie que ha sabido ser todos nosotros”.

En las páginas de Número cero se entiende que quizá ese haya sido uno de los grandes éxitos de Dylan: haber logrado desconcertar a todo el mundo, incluso a sus más atentos estudiosos. “Sí, Dylan ha desconcertado a todo el mundo, no sólo a sus biógrafos: uno de ellos, Robert Shelton, casi se volvió loco intentando descifrar su vida. Pero lo cierto es que Dylan empezó muy joven a ocultarse de todos los que lo conocían. Por ejemplo, su madre oyó un día que había un chico cantando en Minneapolis que se llamaba Bob Dylan, y al cabo de un tiempo descubrió que ese Dylan del que nunca había oído hablar era su propio hijo, Bobby Zimmerman”.

Invisible y omnipresente

Una experiencia similar tuvo su novia, Suze Rotolo, cuando “descubrió que aquel chico que tocaba la guitarra y vivía con ella en Nueva York y decía llamarse Bob Dylan y afirmaba no tener familia, en realidad se llamaba Robert Allen Zimmerman y había nacido en Minnesota y venía de una familia normal de clase media. Y todo porque un día llegó a su apartamento una cartilla militar a nombre de Robert Allen Zimmerman. Y es que engañar y ocultarse ha sido un propósito deliberado de Dylan desde que era muy joven. ¿Por qué? Por ese propósito de vivir sin que nadie pudiera meter las narices en su vida; es decir, de vivir como si fuera invisible. No sé si esto se debe a que Dylan se asusta de sí mismo o si es que teme que los demás descubran que detrás de Dylan no hay nada más que una máscara vacía. Pero el resultado es ese”.

Por otro lado, hay una contradicción evidente entre ese deseo de diluir su identidad, desaparecer, escurrirse, y la necesidad compulsiva del músico de mantener el contacto con el público. “Dylan sólo sabe vivir a través de la música”, asevera Jordá. “Su relación con los demás sólo es posible a través de las canciones, y por eso mismo necesita saber que su música llega al público y tiene una incidencia clara en la vida de los demás. Esa es la tensión permanente que impulsa su vida y su obra: querer ser invisible, pero al mismo tiempo necesitar la atención incesante del público que le permite expresarse como músico. Como músico y como creador, Dylan quiere ser omnipresente. Como persona, invisible. Y de ahí la tensión insoluble que anima su obra”.

La obra de Eduardo Jordá desgrana curiosidades biográficas, indaga en algunas de las personas que compartieron momentos de su vida con el astro, especula sobre ciertos comportamientos. Y cómo no, bucea en los significados de sus letras, que se antojan al mismo tiempo un modo de conocerlo y de arriesgarse a perderse aún más en su poliédrica figura. “Las letras de Dylan suelen ser muy complejas porque siempre procura eludir la confesión directa”, explica el autor. “En sus canciones no se sabe nunca muy bien quién habla ni quién cuenta la historia ni quién la protagoniza. En las letras, Dylan se diluye en varios personajes distintos y en varios puntos de vista contradictorios que destruyen el sentido de lo que se cuenta -en una canción, Dylan puede ser un predicador y un jinete y una tumba y una mujer que llora y otra mujer que va a matar a ese predicador y que quizá es la misma mujer o quizá no, y Dylan también puede ser la balada que un día contará esa historia, todo a la vez-, y si hay un yo al principio de la canción luego aparece un él y luego un ella y luego otra ella y después un nuevo personaje -o varios más- que van alterando por completo el sentido de lo que se cuenta”.

Un Nobel merecido

“Sus poemas -o las letras de sus canciones, si las llamamos así- funcionan como rompecabezas que intentamos completar pero que al final nunca nos permiten captar la figura central que los habita”, añade el escritor. “Una huella va borrando la anterior hasta que al final no sabemos de qué está hablando, aunque sí podemos sentir lo que había inspirado la canción (el dolor, la soledad, la amargura, la rabia, el desprecio, lo que sea). Es cierto que en su última época -a partir del siglo XXI- ha escrito letras más ‘transparentes’ y más fáciles de entender, pero la voluntad de ocultarse sigue estando ahí”.

Con esa lírica cantada, Bob Dylan conquistó en 2007 el premio Nobel de Literatura, un reconocimiento muy cuestionado en determinados círculos, pero indiscutible para Jordá. “Para mí merecía el Premio Nobel de Literatura, claro que sí. Dylan es un gran letrista, aunque sus canciones son muy complejas y siempre se alimentan de la tradición inacabable del Gran Cancionero Americano, desde las canciones de cowboys a los blues de los tugurios o las baladas que cuentan la historia de un asesino o de un juez borracho: de ahí extrae siempre su inspiración”.

Una última cuestión: ¿Habría surgido alguien como Dylan en el mundo actual, con la industria como está y con los canales de difusión y promoción que conocemos? ¿O es un hijo genuino del siglo XX? Jordá no duda en responder: “No, en el mundo actual es imposible que pudiera surgir un Dylan. Rosalía, por ejemplo, se pliega a todas las triquiñuelas de la mercadotecnia actual -bailes, vídeos, coreografías, outfits-, aunque es tan inteligente que finge muy bien que las está destruyendo. Pero un tipo como Dylan, que empezó cantando canciones muy largas sin más acompañamiento que una guitarra y una armónica, hoy en día sería imposible. Ahora no habría un productor como John Hammond que lo apoyara sin reservas ni unos estudios de grabación que arriesgaran 500 dólares en su primer disco. Hoy le preguntarían cuántos seguidores tiene en TikTok y cuántas camisetas vende en sus conciertos, y claro, el resultado sería: ‘No nos interesas, muchachito. Vuelve cuando tengas 100.000 likes’”.

El Festival de Huelva de Cine Iberoamericano y la Academia de Cine de Andalucía afianzan su relación mediante la renovación de su acuerdo anual de actividades conjuntas. Como preámbulo a la programación principal, la colaboración arrancará el 5 de octubre a las 19:00 horas en el Gran Teatro de Huelva con un pase especial del cortometraje ‘Iván & Hadoum’, dirigido por Ian de la Rosa, para conmemorar el Día del Cine Español. La proyección de esta obra, galardonada en festivales de la talla de Berlín y Málaga, incluirá una presentación y un coloquio posterior a cargo de su director.

Durante la semana oficial del certamen, que se desarrollará entre el 13 y el 21 de noviembre, destaca la exposición fotográfica ‘Cinco años de la Academia de Cine de Andalucía’. Esta muestra ofrecerá un repaso visual a las galas, profesionales premiados, homenajeadas e hitos de los Premios Carmen, recordando muy especialmente la edición de 2024 en Huelva, que coincidió con el año de celebración del 50.º aniversario del certamen. La inauguración tendrá lugar la mañana del viernes 13 de noviembre en el Espacio Santa Fe, donde permanecerá abierta al público durante todo el festival.

Asimismo, por segundo año consecutivo, se impulsará una iniciativa formativa en centros docentes de Huelva dentro de la sección Cine y Valores. A lo largo de la semana de celebración, se ofrecerá la proyección de los cortometrajes 'Inquilinos', de Adrián Ordóñez, y ‘Tiempo prestado’, de Paco Ortiz, participando posteriormente en encuentros y debates con los cineastas andaluces.

Eduardo Rodríguez Rodway vivió lo suficiente para saber que Triana, el grupo sevillano que formó con el cantante Jesús de la Rosa y Juan José Palacios ‘Tele’ a mediados de los años 70, se convertía en algo más que un clásico de la música o en el buque insignia del llamado rock andaluz: en una verdadera leyenda, un legado inmarchitable que todavía hoy sigue inspirando a músicos de todo género y condición.

La luz del guitarrista, el último superviviente de aquel trío, se apagaba esta madrugada en el hospital de Puerto Real (Cádiz), a la edad de 81 años, dejando un precioso legado de canciones memorables.

Como afirmó el director Gonzalo García-Pelayo, quien dedicó a este grupo un filme documental, “Triana fueron nuestros Beatles”. El soplo de modernidad y atrevimiento que necesitaba aquella Andalucía que se disponía a inaugurar una nueva era coincidiendo con los últimos estertores del dictador. Y una modernidad que bebía de la música de raíz, que bebía nítidamente del flamenco sin ser flamenca, conectando con una memoria humillada que ahora, por la magia de la fusión y los nuevos sonidos progresivos, se volvía fresca y hasta bailable.

En el cielo de Sevilla

Procedente de los grupos Flexor’s y Los Payos, Eduardo Rodríguez Rodway integra otro proyecto, Tabaca, del que desertarían otros miembros y al que se incorporarían en seguida De la Rosa y Tele para conformar Triana junto aquellos Manuel Molina y Dolores Montoya que muy pronto se desgajarían para hacer su propio dúo, no menos mítico. “Triana reivindicó el rock andaluz fuera de los tópicos, inventó una música con luz propia”, afirmaba Rodríguez Rodway, afincado durante décadas en la localidad gaditana de Caños de Meca. “Después de 40 años, esa música sigue sonando en el cielo de Sevilla”.

Así ocurriría con discos como El Patio (1975), Hijos del Agobio (1977), Sombra y luz (1979) y sobre todo Un encuentro (1980), Un mal sueño (1981) o Llegó el día (1983), describiendo una carrera única en menos de una década. Ya con Triana disuelta, publicó dos discos en solitario, Velo de amor (1986) y Noche y día (1987), que pasaron prácticamente desapercibidos.

En esos mismos años 80, Tele recuperó el nombre del grupo para volver a escena con artistas jóvenes como Pepe Bao, Raúl Fernández o Andrés Herrera El Pájaro, entre otros, con los que grabó dos discos más. Tras el fallecimiento del batería en 2002, Juan Reina quiso mantener en activa la banda y llegó a grabar sendos álbumes con material nuevo, lo que encontró la oposición frontal de Eduardo Rodríguez Rodway. El Tribunal Supremo acabaría fallando este año a favor de los demandados, subrayando que el guitarrista no era propietario ni de las canciones ni de la denominación de la banda.

Colores frente a la grisura

Poco después del fallecimiento de otro tótem de la música sevillana de la época, Antonio Smash, y de aquel rey Midas de la producción discográfica que fue Ricardo Pachón, se apaga la última estrella de aquel rock andaluz, las seis cuerdas que mejor pusieron colores psicodélicos a la grisura del franquismo tardío y la inminente transición a la democracia. Y un ser humano afable y cercano, que amaba reír y compartir con sus amigos, y que entregó su vida a la música.     

Las historias de verano tienen a veces estos desenlaces: tres amigas se conocen en un pueblo de playa, el tiempo pasa y los cariños se consolidan, hasta que un buen día deciden embarcarse juntas en una aventura. Por ejemplo, la creación de un festival de cine. Esa sería, de forma muy resumida, la peripecia fundacional del Festival Internacional de Cortometrajes Conil de Cine, una cita que lleva ya dos ediciones en continuo crecimiento, y que celebrará la tercera del 24 al 27 de septiembre.

La actriz Raquel Guerrero, natural de Carabanchel, se alió así con las conileñas Isabel Sánchez y Noelia Muñoz para dar forma a lo que empezó siendo una ocurrencia más o menos extravagante, y que ha acabado convirtiéndose en una realidad. “Queríamos hacer algo juntas, y en concreto aquí. Conil es un municipio muy centrado en el turismo, y pensamos que podía posicionarse de otra manera, a través de la cultura”, explica Guerrero, en un espléndido momento de su carrera tras protagonizar la serie Machos alfa. “En el fondo, es una forma de cariño hacia un sitio que adoramos, aportar algo a un sitio que nos ha visto crecer”.

Eso aunque, como comenta la propia actriz, “es un jaleo, ya que ahora mismo estoy rodando en Tenerife, mis compañeras tienen también sus obligaciones... Pero nos organizamos entre las tres”. Algo que queda patente viendo la programación de este año, que reunirá este año a un buen número de profesionales y caras conocidas del séptimo arte y de la televisión como Ingrid García-Jonsson, Ana Wagener, Ruth Gabriel, Raúl Tejón, Emilio Buale, Antonio Pagudo, Norma Ruiz, Nacho Fresneda y Raquel Guerrero, entre otros.

Cine quinqui

Asimismo, la programación profesional contará con figuras como el director Joaquín Mazón, que impartirá la clase magistral El arte de dirigir comedias, y con profesionales de referencia de la industria como Rosa Estévez, Alejandro Gil (Lane Casting), Marichu Sanz, Isa Sánchez, Néstor López, Merche Herranz (La Zona) o Aitor Arenas Suso. “Una de las secciones a las que más cariño les tengo y que queremos mantener es la que dedicamos al cine quinqui, con referentes como Deprisa, deprisa o Los golfos”, añade Guerrero.

Toda la programación, sección oficial, horarios, actividades profesionales y proyecciones pueden consultarse en la web oficial de la cita, www.conildecine.com, donde el público puede reservar plaza para las masterclasses y encuentros y adquirir directamente sus entradas. Entre los títulos que se proyectarán en versión oficial, destacan títulos como No estás loca, de María Bestar; Ser un hombre, de Lucas Parra; María Rita, de Juan Barbazán; I walked through the Wall, de Pablo Larcuen; Pichu es así, de Carmen Córdoba; El ressó de la mirada y Loquita por ti, de Greta Díaz; Pobre Marciano, de Alex Rey; Cara de cona, de Guillermo de Oliveira; Polígono X, de Néstor López; Mi juego, de David Navarro; o La conversación que nunca tuvimos, de Cristina Urgel, entre otros.

Por su parte, la Sección Oficial internacional reunirá cintas como The first patrol, de Vojtech Jonecny (República Checa); Nun, de Ekaterina Kuznetsova (República Checa); Khazan (Treasure) de Basir Ahmed (Pakistán); o Dans l’isoloir (Inside the Booth), de Baptiste Martin-Bonnaire (Francia).

Patrimonio y tecnología

No obstante, la gran novedad de este año será la incorporación de un templo del siglo XVI como espacio de proyección del festival. La histórica iglesia de Santa Catalina se convertirá en un atractivo añadido para los asistentes a Conil de Cine, que vivirán una experiencia inmersiva. Según adelanta la organización, las películas se proyectarán sobre una gran pantalla instalada en el espacio, mientras que cada espectador dispondrá de auriculares individuales para escuchar directamente el sonido de la película. “Una forma de exhibición que busca modificar la relación habitual entre el público y la pantalla: escuchar cada diálogo con nitidez, percibir cada silencio y sumergirse en el universo sonoro de cada película mientras se comparte, al mismo tiempo, la emoción de una experiencia colectiva”, comentan.

Según las impulsoras del festival, los apoyos han ido sumándose año tras año: “El Ayuntamiento se implicó desde el primer momento, luego pudimos contar con la ayuda de la Diputación de Cádiz, y este año, además de Fundación La Caixa, hemos recibido también la ayuda de la Fundación Cajasol como patrocinador. Pero sobre todo se ha volcado el pueblo, que ha venido respaldando con su presencia el festival y nos proporciona muchos apoyos locales. En buena medida, porque los cines Moreno, que eran los últimos que quedaban en Conil, ya no existen, pero los espectadores siguen queriendo vivir la experiencia del cine en pantalla grande”.

Para Raquel Guerrero, Conil de Cine es el modo de conectar su profesión con este rincón de la costa gaditana, conocido por la industria conservera y el ocio estival, pero también de arraigarse ella misma, un poco más, al espacio en el que ha sido feliz desde muy niña. “Conocí el pueblo cuando estaba apenas arrancando, ¡no había ni bares! Todo ha cambiado mucho, pero sigue siendo mi segunda casa. Siempre lo digo: si me pierdo, buscadme en Conil”.

No es tiempo para la equidistancia. Lo dice la directora de GENERAMMA, Cristina Consuegra, que estrena “con ilusión y responsabilidad” su puesto al frente de este festival dedicado exclusivamente al cine realizado por mujeres. No es tiempo para la equidistancia. Con el machismo. Con la violencia de género. Con la violación de los derechos. Con la violación de los derechos de las mujeres. Y el cine puede y debe contarlo. Así lo creen en GENERAMMA, que con cinco ediciones a sus espaldas, grita a los cuatro vientos que, contra la dignidad de las personas (en general) y contra la dignidad de la mujer (en particular) no caben medias tintas.

Lo hace con el compromiso de sus socias, de sus fieles espectadoras (y espectadores) y, por supuesto, con una programación que viene hablando por sí sola, no solo dando un lugar de honor a las cineastas que ya recorrieron un importante camino profesional –como es el caso de Ángeles González-Sinde, que clausura el festival con Después de Kim– o que comienzan el suyo –como es el caso de Marta Matute y su ópera prima, Yo no moriré de amor–.

Ambas películas dan el tono de una programación que, a lo largo de cinco días, está reafirmando la memoria histórica de Andalucía, homenajea a algunas de sus grandes cineastas y profesionales –como la compositora Isabel Royán, la directora Josefina Molina o la fallecida cineasta Concha Barquero– o que, a través de sus películas, mira cara a cara los grandes retos de la sociedad actual, entre ellos todas las violencias que se siguen ejerciendo de manera sistemática, y en todo los ámbitos y rincones del planeta, sobre las mujeres.

El compromiso de GENERAMMA no es papel mojado. Al fin y al cabo, ostenta la singularidad de ser el único festival organizado por una asociación feminista de cineastas –AAMMA–, para la que la lucha contra el acoso y las violencias sexuales en el sector se traduce en numerosas medidas: un manual de prevención (¡Corten!, un completo manual coordinado por Blanca Rey), la creación de espacios seguros para las víctimas, la generación de protocolos y una investigación que arrojó un dato alarmante: el 80% de las profesionales participantes había presenciado o experimentado situaciones de acoso o violencia sexual.

Es así como la asociación ha establecido mecanismos para luchar contra dichas agresiones en el sector, sin importar que el agresor se siente en el despacho de dirección de un festival, dirija películas o sea el director general de una productora. La red de AAMMA trabaja, día a día, para proteger a las profesionales que han sido víctimas de estas agresiones.

En ese contexto, cobra todo el sentido del mundo que el equipo de GENERAMMA haya programado para este viernes una de las películas más significativas de los últimos años: el documental Silenced. La película australiana, dirigida por Selina Miles, se pregunta qué ocurrió tras el #MeToo y cómo las víctimas (mujeres, recordemos) se tuvieron que enfrentar a nuevas –y sutiles– formas de silenciamiento, como las leyes de difamación. El mensaje del establishment machista era demoledor: si denuncias, te perseguiremos, intimidaremos y arruinaremos tu vida.

Los casos de Amber Heard, Brittany Higgins o Catalina Ruiz-Navarro sirven así de hilo conductor para denunciar las consecuencias personales y profesionales que supone denunciar que un ‘compañero’ del sector te ha violado, agredido o cometido algún otro tipo de abuso contra ti.

GENERAMMA se ha posicionado así como un espacio de encuentro, diálogo y denuncia, que queda maravillosamente representado a través del cartel de este año: una ilustración de la artista Ana Jarén, que en su detallista estilo, nos muestra a cuatro mujeres de diferentes edades y procedencias desayunando y charlando animadamente en la inconfundible Plaza Mayor de Chiclana.

Un tiempo de diálogo y compromiso. Sin equidistancias.

La localidad gaditana de Chiclana de la Frontera vuelve a convertirse esta semana en punto de encuentro para el cine realizado por mujeres con la celebración de la sexta edición de Generamma, el Festival de Cine Realizado por Mujeres organizado por la Asociación Andaluza de Mujeres de los Medios Audiovisuales (AAMMA). Del 15 al 19 de septiembre, el festival propone cinco jornadas de cine, reflexión y encuentro que amplían la mirada sobre las creadoras y sobre las historias que ocupan hoy el audiovisual.

La programación de Generamma 2026 se articula en torno a tres grandes ejes —cuerpo, territorio y futuro— que atraviesan tanto la selección cinematográfica como las actividades paralelas. Los cuidados, la memoria, la identidad, la sostenibilidad, la violencia de género, la diversidad y las condiciones de creación de las mujeres en la industria audiovisual aparecen así como temas que dialogan entre sí a lo largo de toda la programación.

La nueva edición abre el martes 15 de septiembre en el Teatro Moderno de Chiclana, con una gala conducida por la ilustradora y comunicadora andaluza Pedrita Parker, acompañada musicalmente por la artista Julia Martín. A continuacióna se proyectará Yo no moriré de amor, ópera prima de Marta Matute, una película protagonizada por Claudia, una joven de 18 años que debe enfrentarse a la enfermedad de su madre y a las responsabilidades de los cuidados mientras intenta preservar su propia juventud. La película, estrenada en 2026, llega a Generamma después de haber obtenido la Biznaga de Oro a la mejor película española en el Festival de Málaga, además del premio a mejor actriz para Júlia Mascort y el de mejor actor de reparto para Tomás del Estal.

Reunión de festivales

El miércoles 16 la programación pone el foco especialmente en la creación de nuevas audiencias y en el presente y futuro de la industria. La jornada comenzará con Pioneras. Solo querían jugar, de Marta Díaz de Lope Díaz, una película basada en la historia real de un grupo de jóvenes que, en la España de los años setenta, desafió los límites impuestos a las mujeres en el deporte. La sesión contará con la presencia de la primera portera de la selección española, Carmen Arce ‘Kubalita’, y forma parte de una iniciativa desarrollada junto al Observatorio de Igualdad de RTVE para acercar referentes femeninos al público joven.

Ese mismo día, el Centro de Interpretación del Vino y la Sal acogerá un encuentro con responsables de algunos de los principales festivales españoles, con la participación de Juan Antonio Vigar, director del Festival de Málaga; Manuel Cristóbal, director del Festival de Cine Europeo de Sevilla; Cristina Gómez, presidenta de la Federación Pantalla y directora de producción de Atlántida Mallorca Film Fest, y Margaret von Schiller, programadora con una amplia experiencia internacional. A continuación tendrá lugar el foro El futuro del audiovisual andaluz: Mujeres liderando la industria, que reunirá a representantes de AAMMA, Andalucía Film Commission, la Academia de Cine de Andalucía y ANCINE.

La dimensión profesional se completa con una nueva iniciativa de mentorías individuales, desarrollada junto a Andalucía Film Commission. Seis creadoras andaluzas recibirán asesoramiento personalizado de Cristina Gómez y Margaret von Schiller sobre proyectos que se encuentran en distintas fases, desde el desarrollo hasta la postproducción.

Homenaje a Concha Barquero

La competición de cortometrajes constituye otro de los grandes pilares del festival. Generamma ha seleccionado 19 trabajos para sus secciones oficiales estatal e internacional, además de una pieza fuera de competición y cinco trabajos incluidos en AAMMA Proyecta, la muestra dedicada a creadoras y productoras socias de la asociación. Más de 400 trabajos fueron recibidos durante el proceso de selección. Los cortometrajes competirán por los premios a Mejor Cortometraje Estatal de Ficción, Mejor Cortometraje Estatal de No Ficción, Mejor Cortometraje Internacional de Ficción y Mejor Cortometraje Internacional de No Ficción.

El jurado estará integrado por la periodista y activista mexicana Lydia Cacho, la directora de producción y ganadora de un Premio Goya Manuela Ocón y la periodista y productora audiovisual Inés Romero. La selección aborda cuestiones como la violencia ginecológica, las relaciones entre madres e hijas, los cambios tecnológicos, las crisis vitales o la ruptura de estereotipos vinculados a actividades tradicionalmente masculinizadas.

El jueves 17 llegará uno de los momentos de especial carga memorial del festival con el homenaje a la documentalista Concha Barquero, recientemente fallecida. El acto incluirá la proyección de Caja de resistencia, realizada junto a Alejandro Alvarado, y un coloquio en el que participarán el propio Alvarado y el director del Festival de Documentales Alcances, Javier Miranda. La jornada continuará con la competición estatal de cortometrajes de no ficción y con una nueva mirada a la historia del cine español a través de Pioneras, sección que este año rinde homenaje a Josefina Molina con la proyección de Función de noche, protagonizada por Lola Herrera y Daniel Dicenta. La jornada concluirá con Acuérdate de mí, de Remedios Malvárez, documental dedicado a la figura de la artista flamenca La Niña de La Puebla.

Ficción climática

El viernes 18 introduce de manera explícita el eje del territorio y el futuro. El taller Imaginar Chiclana, impartido por Mariola Olcina e Isidro Jiménez Gómez, propone utilizar la anticipación creativa y la ficción climática para imaginar escenarios futuros vinculados a los desafíos ambientales del municipio. Para los públicos jóvenes se proyectará Olivia y el terremoto invisible, de Irene Iborra Rizo, una película de animación que aborda el desahucio, la precariedad y la capacidad de la imaginación para transformar la realidad.

La jornada continuará con la sección internacional de cortometrajes y, en el Teatro Moderno, con el estreno en España de Silenced, documental de la australiana Selina Miles que analiza cómo las demandas por difamación pueden convertirse en una herramienta de silenciamiento contra mujeres que denuncian violencia sexual y abusos. La película incorpora los testimonios de mujeres y periodistas implicadas en algunos de los casos más relevantes de la era posterior al #MeToo. La noche se completará con la proyección de Llueve sobre Babel, de Gala del Sol, producción de Colombia, Estados Unidos y España.

El sábado 19 será la jornada de cierre, pero también una oportunidad para poner el foco en el futuro profesional del cortometraje andaluz. El programa incluye la charla Mujeres que cuentan en corto, a cargo de Ceres Machado; el taller Cómo desarrollar y presentar un proyecto de cortometraje, impartido por Delia Márquez, y una mesa redonda sobre El cortometraje andaluz y sus retos en el ecosistema audiovisual español, con Mónica Gallego, Olga Navalón, Bea Hohenleiter y Rocío Rodríguez, moderada por Rocío Sepúlveda.

La tarde estará dedicada a AAMMA Proyecta, que reunirá cinco trabajos de creadoras andaluzas: Centrífuga, de Elena De Aras, en estreno absoluto; La cuidadora, de Lucía Muñoz; Ghosting y otros fantasmas, de Élise Tandé; Press Banca, de Ceres Machado, y Que me alimente, de Olga Navalón y Bea Hohenleiter.

Gala de clausura

La sexta edición de Generamma concluirá en el Teatro Moderno con una gala presentada por las actrices Montse Torrent y Andrea Ganfornina. Durante el acto se entregarán los premios de la competición oficial, el Premio del Público Diputación de Cádiz al Mejor Cortometraje Feminista y otros reconocimientos, entre ellos el Premio AAMMA a la Trayectoria, el Premio Valores de la Academia de Cine de Andalucía, el Premio RTVA Cineasta Andaluza 2026 y el Premio Más Chiclana.

Como cierre cinematográfico, Ángeles González-Sinde presentará Después de Kim, adaptación de su propia novela y protagonizada por Adriana Ozores y Darío Grandinetti. La película cuenta el reencuentro de una pareja divorciada que regresa a España tras la muerte de su hija y decide permanecer allí para encontrar a un nieto desaparecido. Su elección como clausura establece, además, un diálogo con Yo no moriré de amor: dos cineastas de generaciones diferentes que abordan desde perspectivas distintas una misma cuestión de fondo, los cuidados y el lugar que ocupan en nuestras vidas.

Para la directora de Generamma 2026, Cristina Consuegra, este año “las vibraciones y las expectativas están muy entrelazadas. Las expectativas que tenemos en torno a la que yo creo que es la programación con mayor músculo de la historia de Generamma nos lleva a un lugar de crecimiento lento, y el adjetivo es muy importante. Creemos que el crecimiento debe ser desde la raíz, pausado, consolidando el trabajo. Que cada edición eche raiz en el municipio y en la región. Queremos que se disfrute muchísimo, que la gente salga de las proyecciones con una mirada transformadora, pensando que existen otros mundos posibles que podemos habitar. Es el principal campo de batalla que nos hemos propuesto en esta edición”.

“Por último”, concluye Consuegra, “esperamos que Generamma se vea en Chiclana como el espacio del cine, ese espacio de convivencia y de encuentro a través del lenguaje cinematográfico. Eso nos lleva de manera irremediable a que ese estado de ánimo colectivo esté muy vinculado a la alegría y la ilusión en momentos muy difíciles para ambas emociones. Esto nos concede un impulso especial. Y queremos que esa ilusión se traslade al patio de butacas”.

Cuando Susana Ginesta, líder de las Cadiwoman, anunció este miércoles en redes que esta chirigota femenina acompañaría a Shakira en sus próximos conciertos en Madrid, mucha gente pensó que estaba de guasa. A decir verdad, el modo en que lo hizo, con un rótulo superpuesto sobre la imagen de la estrella colombiana con la leyenda “Shaki, ve abriendo la cama nido, que las Cadiwoman van pa llá. No nos lo creemos todavía”, inducía cuando menos a la sospecha. Tampoco el texto de su comentario: “Actuaremos en su pedazo de evento. No puedo dejar de pensar en cuplés nuevos y en un baile de barriga apropiado”. Pero era verdad.

Será el 26 y el 27 de este mes de septiembre cuando las Cadiwoman, una formación carnavalesca de marcado acento feminista –Ginesta es experta en políticas de igualdad–, se integren en el Macondo Park, la ciudad de fantasía que el equipo de Shakira ha concebido para sus doce conciertos anunciados entre el 18 de septiembre y el 11 de octubre, con los que espera congregar, y deslumbrar, a más de 50.000 espectadores. 

“Al principio nosotras también creíamos que era cachondeo”, explica Susana Ginesta, “cuando recibimos la llamada de una chica que forma parte de la organización del evento, que se confesó fan del carnaval y que había pensado que podíamos encajar. Hasta que poco a poco nos lo fuimos creyendo, y lo hicimos definitivamente cuando apareció el cartel y, en medio de ese mogollón de artistas vimos en una parte chiquitita el nombre de Cadiwoman. Solo ahí dijimos: va a ser verdad que vamos a actuar en este festival tan gordo”.

Su hermana, Marta Ginesta, explica divertida el desconcierto que ha cundido en Cádiz desde que se hizo pública la noticia. “Mucha gente cree que es mentira, otra que ha sido Shakira quien nos ha llamado en persona desde un fijo y que va a entrar en la chirigota... Solo podemos asegurar que vamos a formar parte de su espectáculo, pero vamos, no creo que vayamos a tomar café con ella”.

'Artivismo' a la gaditana

Según Susana, “al parecer alrededor de los conciertos, Shakira ha creado un concepto en el que se van a dar cita muchas disciplinas: arte callejero, música, exposiciones, gastronomía... Ahí mucha gente va a pasar las horas previas al concierto, y el lugar se va a llenar de actividades. Una de ellas va a ser la de Cadiwoman”. El tipo –vestuario para la ocasión– que llevarán a su cita en Madrid será el mismo con el que han salido en el carnaval de Cádiz de este año, el de Las Queen, una desenfadada réplica femenina de las bandas latinas de barrio.

Con casi dos décadas de andadura en el Carnaval, estas desvergonzadas –en el mejor sentido de la palabra– chirigoteras presumen de tener “el poder de mimetizarse cada año en un personaje intentando exprimirle todo el jugo posible para que sea divertido y punzante. El nombre puede recordarnos a una superheroína, y es que para sobrevivir en Cádiz (y prácticamente en todo el mundo) casi que hay que serlo”, afirman.

“Cantamos las cosas que nos pasan, y lo que vemos a nuestro alrededor, escenificando el costumbrismo desde lo absurdo intentando ser la criptonita de lo sistemático”, agregan. “Cadiwoman para nosotras no sólo es una chirigota, es una manera de hacer activismo feminista desde el humor, es hacer artivismo. También es una catarsis personal que nos permite exorcizar demonios, creando un espacio de creación y pensamiento desde la risa, que es lo más serio que existe en el mundo”.

Crítica social

Esa filosofía las ha llevado a actuar en centros penitenciarios, programas formativos de empoderamiento, jornadas y congresos feministas o en salas de música, y les ha valido numerosos reconocimientos. Incluso llevaron con éxito hasta Uruguay un proyecto intercultural con la Intendencia de Montevideo, donde se realizaron además del espectáculo, conferencias y talleres a cargo de las especialistas en políticas de igualdad de este grupo.

No obstante, la experiencia en el Macondo Park de Shakira será a buen seguro muy diferente. “Creo que lo vamos a pasar estupendamente, lo vamos a dar todo, este viernes sin ir más lejos hemos quedado para ensayar y vamos a ver qué cantamos”, comenta Marta.

“Por lo que nos han explicado, los organizadores querían unir y fusionar la cultura de Colombia, del carnaval de Barranquilla con el de Cádiz y las cosas que hacemos por aquí. Haremos una hora de show e intentaremos recrear el carnaval callejero por las calles de Macondo. Hay gente que se cree que vamos a estar al lado de Shakira haciendo el Waka-waka, pero no”, rie Susana. “Estamos nerviosas, contentas, ilusionadas. Iremos a hacer lo que sabemos hacer: arte, carnaval, música y por qué no, un poco de crítica social”.