La sexta edición del Saraqusta Film Festival, el Festival Internacional de Zaragoza de Cine de Historia, echa a andar este viernes con el acto de inauguración que se celebrará en la Fundación Ibercaja Patio de la Infanta a las 19 h. La actriz española Kimberley Tell recogerá el premio Saraqusta 2026 por su participación en trabajos cinematográficos de género histórico, entre ellos, la serie emitida en La 1 de TVE ‘Ena’, donde interpreta el papel de la reina Victoria Eugenia.

A lo largo de 8 días, el certamen convertirá a Zaragoza en la capital del cine histórico con la proyección de películas y documentales, mesas redondas y charlas con directores, actores y actrices, en una apuesta por acercar el cine histórico al público.

Este viernes abrirá el acto la proyección del documental ‘Zaragoza, pionera del cine’ (2026), dirigido por Isabel Soria y Vicky Calavia, que rememora los 125 años del rodaje de la primera película conservada en España, ‘Salida de misa de 12 de El Pilar de Zaragoza’ de Eduardo Jimeno. La inauguración contará con la presencia de la consejera de Cultura, Educación y Turismo del Ayuntamiento de Zaragoza, Sara Fernández, y del director del festival, José Ángel Delgado, entre otras autoridades. El actor y dramaturgo Alfonso Desentre será el encargado de conducir el evento.

Una de las novedades de esta edición, según expuso semanas atrás la consejera municipal de Cultura, Sara Fernández, es la celebración de la clausura en el Hotel Palafox, donde han ideado una ceremonia de “formato Globos de Oro” y ha confiado en que funcione “muy bien”. Por su parte, el director del festival, José Ángel Delgado, trasladó su satisfacción por que “la competencia entre festivales de toda España e incluso internacionales es complicada y tener obras de estreno no es fácil”.

Se han presentado unos 500 trabajos de 50 países, entre los que destacan España, Argentina, Italia, Francia y Grecia; además hay un aumento de obras procedentes de Estados Unidos y diversos países de Sudamérica. Los impulsores confían en superar los 5.000 espectadores de la edición anterior.

Proyecciones especiales

La programación de Saraqusta reúne no solo obras a concurso, sino también trabajos que, por su temática, merecen un espacio dentro de la programación. Las tres obras elegidas en esta ocasión representan el espíritu del festival y, en particular, el de esta edición, donde el arte y el patrimonio de Zaragoza cobran especial protagonismo.

Se trata del largometraje documental 'El patio de la Infanta', producido por la Fundación Ibercaja en colaboración con el Grupo Henneo (2025) y dirigido por Luis Galán; y los documentales 'Zaragoza, pionera del cine' (2026), dirigido por Isabel Soria y Vicky Calavia, y 'Mudayán' (2026) de los directores Cristina Gálvez Pérez y Francisco Javier Alvero Cornago. Las proyecciones tendrán lugar el sábado, 25 de abril, en la Fundación Ibercaja Patio de la Infanta, exceptuando “Zaragoza, pionera del cine”, que será en la inauguración.

Premio a Bisset

Este año, el festival homenajeará a la actriz británica Jacqueline Bisset, ganadora de un Globo de Oro y con numerosos reconocimientos en festivales de cine europeos y americanos, quien recogerá el “Dragón de oro” durante la clausura del festival, el 1 de mayo.

Bisset ha trabajado bajo la dirección de directores como François Truffaut, John Huston, George Cukor, Claude Chabrol o Roman Polanski, entre otros. También ha participado en producciones cinematográficas y televisivas de corte histórico como la serie 'Napoleón y Josefina. Una historia de amor' (1987), los telefilmes 'Juana de Arco' (1999); 'Jesús' (1999), o 'America's Prince: The John F. Kennedy Jr. Story' (2003); o la serie 'Dancing on the Edge' (2012), ambientada en el Londres de los años treinta y que le valió el Globo de Oro a la mejor actriz de reparto.

Proyección de 'Braveheart'

Por otro lado, el Ayuntamiento de Zaragoza, tras la experiencia del pasado año con la película 'Gladiator', ofrecerá una proyección al aire libre de 'Braveheart', película dirigida y protagonizada por Mel Gibson en pantalla grande y al aire libre el martes 28 de abril, a las 19.30 horas, en la zona de la sede de la Delegación del Gobierno, en la plaza del Pilar.

Como una iniciativa cultural popular, será gratuita hasta completar el aforo, a través de 600 plazas que deben reservarse en la web del festival 'https://saraqustafilmfestival.com/'.

'Braveheart' narra la historia de William Wallace, un héroe nacional escocés que participó en la primera guerra de Independencia de Escocia. Fue su primera superproducción como director y un éxito de taquilla inmediato gracias a la combinación de romance, intriga, heroísmo y espectacularidad visual de las secuencias de batalla. La película es toda una epopeya en la que las victorias y las renuncias, tanto bélicas como sentimentales, se narran con intensidad y ritmo.

Entradas y bonos

Las entradas para ver las obras a concurso, tanto largometrajes como documentales, se pueden adquirir en la web 'saraqustafilmfestival.com' a un precio de 4,5 euros.

La organización ha puesto también a la venta bonos de 15 euros que permiten entrar a los 10 pases de los audiovisuales a concurso –largometrajes y documentales– y a las galas de inauguración y clausura. Las entradas y bonos se podrán adquirir a partir del 25 de marzo en la web del festival 'https://saraqustafilmfestival.com/'

Las mesas redondas, los documentales aragoneses, los audiovisuales de 'Panorama Saraqusta' y las proyecciones especiales serán de acceso gratuito hasta completar aforo previa reserva online en la web del festival.

El río Gállego acogerá este domingo el tradicional descenso de nabatas, desde Murillo a Santa Eulalia de Gállego, en una fiesta que busca reivindicar “la memoria de un pueblo” y que, en lugar de huella de carbono, lo que deja es “una huella de cultura”.

Así lo ha resumido la concejala del Ayuntamiento de Murillo de Gállego Mónica García, quien ha presentado este miércoles el evento en la Diputación de Zaragoza (DPZ) junto al diputado provincial Alfredo Zaldívar, el representante de la Asociación de Nabateros de la Galliguera, José Antonio Cuchí, y el nabatero Fernando López.

García ha subrayado que los municipios tienen la obligación de prestar los servicios a sus vecinos, pero también “ser transmisores de nuestro patrimonio”, que en este caso gira principalmente en torno al río Gállego, vínculo principal entre estos pueblos.

“Qué más próximo a una Agenda 2030, a algo sostenible, que hacer una recuperación de un ámbito patrimonial inmaterial donde participa la gente, donde el río es el medio, donde no se impacta, donde no se deja una huella de carbono, sino una huella de cultura”, ha añadido.

Ha destacado también que las riberas del curso medio del Gállego están “en un estado de conservación muy bueno”, “mejorable”, pero del que pueden estar “orgullosos”.

Turismo y desarrollo socioeconómico

Además de todo lo relativo a la recuperación de la memoria histórica de la zona, ha mencionado que el descenso de nabatas sirve para promover el turismo y el desarrollo socioeconómico, en unos días en los que estos pueblos tienen “mucha actividad”, con participación de “gente de todas las edades”: “Los críos bajan a la playa de Murillo o a la llegada a Santolaria, a ver cómo salen las nabatas, les dejan subirse, hacer fotos, meter los pies en el río”.

En el recorrido, que ha recomendado seguirlo bien a la salida, en la playa de Murillo, o en la llegada, en Santa Eulalia, ha afirmado que hay un tramo en concreto, el conocido como de 'La Lavadora', que “da bastante respeto”.

“Mientras el río gallego siga fluyendo y corra el agua seguirá fluyendo la memoria histórica y nuestros pueblos seguirán vivos”, ha culminado.

El diputado provincial Alfredo Zaldívar ha resaltado el carácter tradicional de esta fiesta, que fomenta la convivencia en estos municipios, además de la gran cantidad de actividades organizadas en torno al descenso de nabatas.

Las nabatas

El representante de la Asociación de Nabateros de la Galliguera ha comenzado explicando que una nabata “es simplemente un sistema antiguo de transporte de maderos”, hecho con materiales “ecológicos”: troncos y ramas para unirlos. Este procedimiento sirve para bajar maderos de pino o de abeto, mientras que las hayas “funcionan mucho peor”.

Se utilizaba antes de la construcción de carreteras y de ferrocarriles para llevar la madera de los bosques a las principales ciudades. La primera noticia de la existencia de nabatas en Aragón data de la época del rey Alfonso I 'el Batallador', que se cree que reunió a sus huestes en Ayerbe (Huesca) y que bajó por el río Gállego para la conquista de Zaragoza, en el año 1118.

Este método no es exclusivo de Aragón, ni siquiera de España, sino que es una tradición europea, citando las maderas que bajaban de los Alpes italianos hacia Venecia o las alemanas, con el llamado 'pino de Flandes' por el río Rin hasta el Mar del Norte, e incluso las 'jangadas', en Sudamérica. En España, donde el término habitual castellano es el de 'almadía', son especialmente conocidas las del Cinca y el Gállego en Aragón, así como las del Aragón, desde el Valle de Hecho y pasando por Navarra. Estas embarcaciones también han surcado algunos ríos catalanes, el Tajo o el Júcar.

Esto llevó a la declaración de todo este transporte fluvial tradicional como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Unesco en diciembre de 2022. En el caso del Gállego, estrenan también este año la declaración de Actividad de Interés Turístico de Aragón.

En cuanto a la madera transportada por el Gállego, ha indicado que solía ser “más barata” que la del Aragón, ya que se bajaba en unos dos días, frente a la semana de la ruta navarra, y los menores peajes. Esta actividad desaparece en el siglo XIX con la llegada del ferrocarril a Sabiñánigo, que ofrecía un transporte más seguro.

Una recreación “tal y como se hacía”

En relación a la recreación actual, ha recalcado que el descenso de nabatas del Gállego es “auténtico, tal y como se hacía” y que es la única de las representaciones de esta tradición que se hace íntegramente en la provincia de Zaragoza, en un recorrido de aproximadamente 7 kilómetros por un valle “relativamente profundo”.

Entre sus características principales, en comparación con otros descensos como el del río Cinca, es la mayor presencia de grandes piedras, que llaman 'lloronas' cuando están parcialmente sumergidas, que son “muy poco maniobrables” pero que las nabatas deberán intentar evitar para proseguir su viaje.

El nabatero Fernando López ha desgranado las actividades organizadas a lo largo de esta semana, que comenzaron ya el 12 de abril con la escuela de nabateros y de construcción de nabatas, que ha seguido los días 18 y 19, y continuará el 23, 24 y 25 de abril.

Asimismo, este Día de San Jorge habrá hinchables infantiles en la localidad de Erés y, el sábado, Santa Eulalia de Gállego acogerá la Feria 'Los Líquidos', en torno al vino, la miel y el aceite.

El descenso será el domingo, 26 de abril, con salida a las 11.00 horas y llegada prevista a las 13.00 horas a Santa Eulalia de Gállego, donde esperarán los Gaiters y Gaiteras de Tierra Plana. La programación finalizará con la actuación del Dúo REyMI en Biscarrués (Huesca).

Arquitectura, patrimonio y una historia de amor son los tres ingredientes que definen una de las joyas patrimoniales que atesora Fundación Ibercaja, el Palacio de Larrinaga. Poder conocer este espacio único de la capital aragonesa vuelve a ser una realidad con la reapertura este martes del edificio, acompañada de una colección de pintura romántica inglesa que se distribuye a lo largo de las diferentes estancias, bajo el título 'Pintores románticos ingleses en la España del siglo XIX'.

La muestra, que podrá contemplarse a lo largo de los dos próximos años, cuenta con casi 50 obras —óleos y acuarelas—, firmadas por algunos de los pintores ingleses más destacados del siglo XIX como John Phillip, John Bagnold o John Dobbin.

Esta exposición tiene como protagonista a la España de hace dos siglos, a través de la mirada de los artistas británicos, quienes encontraron en nuestro país su inspiración, en la vida cotidiana, mostrando así la fascinación y atracción que sintieron por sus monumentos y ciudades —Patio del Arzobispo, Alcalá de Henares, El Alcázar, Segovia—, escenas populares —Charla en la fuente, Flirteo, De vuelta de la iglesia, Rezando el rosario—, tradiciones —Boda española, Después de la corrida. Plegaria por un herido— y paisajes —Amanece en la Alhambra de Granada—.

Las mujeres andaluzas protagonizan muchas de las obras como 'Aguadora de Sevilla', 'Belleza española. Granada', 'Las cigarreras (Sevilla)', 'La dama del antifaz', 'La pitonisa', 'Vendedora de fruta' o 'Joven con abanico'. Estos retratos también representan a diferentes personajes del ideario español de la época como 'El Curandero', 'Sevilla', 'Los mendigos españoles' o 'Frascuelo descansando'.

Los diferentes lienzos y acuarelas de esta colección particular muestran la esencia del movimiento romántico, que exaltaba el sentimiento frente a la razón neoclásica. De esta forma, los pintores dejaron de supeditar el color al dibujo, y reproducen con más fuerzas los motivos pictóricos.

Un edificio único

El Palacio de Larrinaga, además de ser una joya arquitectónica y uno de los edificios más singulares de Zaragoza —catalogado como Bien del Patrimonio Cultural Aragonés—, fue proyectado entre 1901 y 1918, por encargo del naviero Miguel Larrinaga al arquitecto Félix Navarro, e ideado como una fastuosa residencia privada inspirada en los grandes palacios renacentistas aragoneses.

Originalmente, su nombre fue Villa Asunción, en honor a su mujer, Asunción Clavero, con quien quiso vivir en este Palacio tras volver de Liverpool. Este sueño de habitar Larrinaga nunca fue posible, ya que su mujer falleció en el año 1939. Finalmente, tras la Guerra Civil y haber sido ocupado por los militares, el palacio fue vendido a Giesa que dividió la finca, de casi 11 hectáreas en parcelas para uso industrial y residencial. En 1946, lo compraron los Marianistas acometiendo una serie de reformas para adecuarlo a nuevo uso.

En el Palacio de Larrinaga intervinieron los mejores artistas y artesanos de la época con materiales de primera calidad como la piedra de Quinto de Ebro y Calatorao, acero laminado, ladrillo y cerámica, así como roble para las cubiertas, caoba para la carpintería y madera noble para los suelos de taracea. Cabe destacar igualmente que las diferentes vidrieras que componen el edifcio fueron encargadas a La Veneciana.

El exterior está formado por cuatro torres decoradas con motivos florales que crean una galería con columnas y arcos de medio punto. En la parte superior, puede observarse una alegoría del comercio marítimo y de la industria, proas de barcos o caballitos de mar, así como el lema de la empresa familiar: medallones con tres manos unidas entre sí. En la fachada posterior, en la planta baja, sobresale la rotonda del invernadero de hierro y cristal que comunica con el comedor.

El interior del edificio está articulado en torno a un patio central, donde parte una espectacular escalera para subir a la segunda planta; todo ello rodeado por columnas de inspiración clásica, con capiteles de estilo dórico y corintio.

Fundación Ibercaja se hizo cargo del edificio en el año 1993 para llevar a cabo su mejora integral y devolverle todo el esplendor ornamental que actualmente conserva y que ya puede ser contemplado por todos los aragoneses y visitantes.

Visitas organizadas

La propuesta cultural que ofrece a partir de esta reapertura el Palacio de Larrinaga consta de un programa de visitas guiadas para adultos de forma individual, grupos y asociaciones. Se trata de una oportunidad para seguir descubriendo este espacio patrimonial de Fundación Ibercaja a través de un recorrido por su historia, su arquitectura y las vivencias que guardan sus estancias.

La forma de acceder a estas visitas, con fechas ya definidas para los próximos tres meses, será a través de la reserva de una plaza en la página web de Fundación Ibercaja. Estas visitas durarán un total de 45 minutos y se realizarán para grupos de 15 a 25 personas, en horario de mañanas y de tardes.

De forma complementaria a las visitas, Fundación Ibercaja también ha organizado diferentes actividades dirigidas a escolares de Infantil y Primaria y alumnado de Secundaria y Bachillerato. Los estudiantes podrán descubrir el Palacio y realizar un taller creativo para poner el broche final a la experiencia. De igual forma, para gestionar esta propuesta, se deberá realizar una reserva previa a través de la página web de Fundación Ibercaja.

El Tribunal Superior de Justicia de Aragón (TSJA) ha dado un duro varapalo a los cinco exconselleres de Cultura catalanes que presentaron una querella contra la jueza de Sijena, el Gobierno de Aragón y el Ayuntamiento donde se ubica el Monasterio. No solo inadmite su demanda ante la “absoluta falta de fundamento sobre la posible existencia de los delitos que se imputan a los querellados”, sino que abre a los exresponsables políticos una pieza por posible “abuso de derecho o mala fe procesal”.

Así lo ha determinado el TSJA en un acuerdo de la Sala de lo Civil y Penal suscrito el pasado viernes pero hecho público este martes. Laura Borras Castañer, Lluis Puig Gordi, Joan Manuel Tresserras Gaju, Angeles Ponsa Roca y Ferran Mascarell Canalda presentaron el pasado 24 de marzo una querella por un presunto delito de prevaricación contra la magistrada, Rocío Vargas, y contra representantes –que los demandantes no concretaron– del Gobierno de Aragón y del Ayuntamiento de Villanueva de Sijena.

Los cinco representantes políticos consideraban que los demandados eran también sujetos activos del delito, como inductores, por solicitar ejecución forzosa de la sentencia, dictada por el Juzgado de Primera Instancia e Instrucción número 2 de Huesca, de 4 de julio de 2016, que condenó al Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) a la restitución de las pinturas a la Sala Capitular del Monasterio de Villanueva de Sijena. Dicha sentencia fue ratificada en mayo de 2025 por la Sala Primera del Tribunal Supremo, que respaldó la devolución de las pinturas murales.

Los exconselleres argumentaban que, al instar a ejecutar la sentencia, los demandados ponían “en peligro de ser destruidos bienes especialmente protegidos e integrantes del Patrimonio Histórico Artístico Mundial”. Ello pese a que, como recuerda el TSJA en el escrito, el fallo concluyó que “el traslado de las pinturas y su integración en la Sala Capitular” era “posible siempre que se adopten las medidas y precauciones necesarias”. Y a que, en su recurso de casación ante el Supremo, la parte recurrente –las instituciones catalanas– “no formuló motivo alguno referido” al hecho de que sí era posible el mencionado traslado.

Según los exconselleres, “la ejecución forzosa pretendida y ejecutada por el dictado de los autos referidos conlleva la consumación del delito” contra el patrimonio, relatan los cinco jueces del TSJA, bajo la presidencia de Juan José Carbonero. Pero valoran a continuación: “En contra de lo que exponen los querellantes, no cabe observar, ni en los hechos que narran, ni de oficio, la existencia de indicio alguno de delito. Por el contrario, lo que queda evidenciado es el recto cumplimiento por parte de la Magistrada querellada de las obligaciones propias de su función jurisdiccional”.

Por todo ello, la Sala de lo Civil y Penal del Tribunal Superior de Aragón inadmite la querella de los ex altos cargos de la Generalitat. Pero no se queda ahí. Los cinco jueces consideran que “puede existir un abuso o mala fe procesal en el empleo del instrumento procedimental de la querella” debido a “absoluta falta de fundamento sobre la posible existencia” de delitos, por lo que acuerdan abrir una pieza separada para analizar “si ha existido abuso de derecho o mala fe procesal”, lo que supondría una sanción para los cinco exconselleres.

Tras la presentación de la querella, el Gobierno de Aragón tachó la iniciativa como un intento “de carácter político e intimidatorio” que busca frenar la ejecución de la sentencia del Tribunal Supremo. El director general de Cultura, Pedro Olloqui, vinculó la demanda con una “nueva ofensiva del independentismo catalán”.

La segunda edición de Divino Festt ofrecerá un proyecto cultural con una propuesta que vuelve a situar a Cariñena (Zaragoza) como escenario de una experiencia que conecta música contemporánea, territorio y tradición. La programación vuelve a estructurarse en torno al ciclo de la vid, convirtiendo cada cita en una etapa de un mismo relato. Así, el festival plantea un recorrido cultural que enlaza creación contemporánea, paisaje, comunidad y celebración, reforzando su vínculo con el territorio desde una mirada actual.

La cita principal de Divino Festt será los días 26 y 27 de junio en el Santuario Virgen de Lagunas en Cariñena. Durante dos jornadas completas, el festival reunirá a 18 artistas de la escena musical contemporánea, distribuidos en tres escenarios con programación desde las 19:00 hasta las 06:00.

A ello se sumará una propuesta diurna el 27 de junio en el Quiosco de la Música en Cariñena, con un vermut musical que extenderá el ambiente del festival al casco urbano y reforzará su conexión con la vida local.

El cartel de esta segunda edición reúne nombres nacionales e internacionales de la nueva escena contemporánea, con una clara apuesta por la diversidad sonora, la vanguardia y el talento emergente.

Forman parte del cartel Hinds, Xavibo, Depresión Sonora, Sónica, Toldos Verdes, Big DDY, Donna, Juicy BAE, Enry K, Ultralágrima, Mercromina Club, Nico, La Carrera, Ivanin y Ksas, Fer AG, Seven Days, Capros y DJ Carlos Pérez. Un conjunto de artistas que dibuja una programación plural y ambiciosa, con la voluntad de consolidar a Divino Festt como un nuevo punto de referencia dentro del circuito musical nacional.

Envero

Aunque antes de esta fecha, la primera cita de esta edición será La Divina Comedia, el próximo 21 de junio, una propuesta escénica que trasladará el universo del festival al Teatro Olimpia de Cariñena.

En esta ocasión, el humorista Miguel Miguel protagonizará un espectáculo que combinará humor, narrativa y cultura contemporánea, ampliando el lenguaje del festival hacia otros formatos y experiencias.

La tercera gran pata del proyecto será Envero, la propuesta más participativa del festival y una plataforma orientada al impulso de artistas emergentes. En este caso, los participantes compartirán sus propuestas a través de TikTok y los seis más votados pasarán a semifinales.

La semifinal se celebrará el viernes 17 de julio en el Escenario Fundación Caja Rural Alfamén y la final tendrá lugar el sábado 18 de julio en el escenario con el mismo nombre en Longares. El artista ganador, elegido por el público, obtendrá un puesto en el cartel oficial de Divino Festt 2027 y un caché de 1.000 euros.

Con todo ello, Divino Festt se reafirma como una experiencia cultural integral que combina música contemporánea, territorio, tradición, participación ciudadana y descubrimiento de nuevos talentos.

Un proyecto que sigue creciendo con la ambición de convertirse en una referencia dentro del circuito nacional, generando una propuesta con identidad propia, arraigada en el territorio y abierta a nuevas formas de encuentro entre cultura y comunidad.

Un proyecto que nace con la ambición de posicionarse como una referencia dentro del circuito nacional, conectando cultura, comunidad y nuevas narrativas.

Las entrada es una botella

El festival cuenta con un innovador modelo de acceso que rompe con el formato tradicional de entradas. En esta nueva edición, apuestan por una experiencia coherente con su identidad: para la organización, no existen las entradas convencionales, sino el vino y la ginebra como eje central del evento.

De este modo, tanto los abonos como las entradas individuales se materializan en botellas. Los asistentes no deberán acudir con la botella el día del evento, ya que, tras la compra, recibirán un código QR que les permitirá acceder al recinto. Posteriormente, podrán canjear dicho código en el punto de recogida habilitado para obtener su botella.

El sistema se estructura en diferentes modalidades de acceso. Por un lado, el abono general Early Bird, limitado a las primeras 100 unidades, incluye una botella de ginebra Vínica --una ginebra artesanal única destilada en una histórica destilería con más de 70 años de tradición que utiliza alcohol de vino de Garnacha-- por un precio de 36 euros.

La entrada al camping, con acceso durante dos días, también se asocia a una botella de vino tinto por 19 euros. Las entradas de día, tanto para viernes como para sábado, mantienen el mismo formato: una botella de vino tinto por 19,5 euro. Con esta propuesta, Divino Festt busca ofrecer una experiencia diferencial, donde el acceso al festival forma parte del propio concepto del evento, reforzando su carácter único y su conexión con el público.

La venta de entradas se puede realizar a través de su web.

La obra 'San Antonio Abad camino al cielo', atribuida al pintor aragonés Martín Bernat (activo entre 1480 y 1495), se exhibe desde el pasado 8 de abril en el Museo del Louvre de París, uno de los centros museísticos más importantes del mundo. El público podrá ver la obra en la capital francesa hasta el próximo 20 de julio de 2026, dentro de la exposición 'Martin Schongauer (Colmar, circa 1445 – Breisach, 1491), The Beautiful Immortal'.

Realizada en óleo sobre tabla, la pintura constituye un destacado ejemplo de la escuela gótica aragonesa. La obra se conserva habitualmente en el Museo Alma Mater y procede de la parroquia de San Miguel Arcángel de Alfajarín (Zaragoza), lo que refuerza su valor patrimonial y su vinculación con el territorio.

La inclusión de esta pieza en una muestra internacional de referencia supone un reconocimiento a la calidad artística del patrimonio aragonés y a la relevancia de sus creadores en el contexto europeo del siglo XV.

Desde las instituciones responsables se ha valorado muy positivamente la presencia de esta obra en el Louvre, subrayando la oportunidad que supone para dar a conocer, ante un público internacional, la riqueza del arte sacro aragonés.

La jueza del Juzgado de Primera Instancia e Instrucción nº 2 de Huesca ha fijado en 56 semanas —algo más de un año— el plazo máximo para que el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) devuelva las pinturas murales de Sijena a la Sala Capitular del Monasterio de Villanueva de Sijena, reduciendo en parte el cronograma que el propio museo había propuesto y rechazando que la alegada fragilidad de las obras justifique demorar la ejecución de una sentencia firme del Tribunal Supremo. Todos los costes del desmontaje y traslado correrán a cargo del MNAC.

En una providencia fechada el 10 de abril, la magistrada recorta tres de las cuatro fases del cronograma presentado por el museo: da por materialmente concluida la primera —estudios previos y diagnóstico— y reduce la segunda y la tercera, de evaluación de riesgos y metodológica respectivamente, al entender que buena parte de sus actuaciones ya estaban integradas en fases anteriores o correspondían a la parte ejecutante. El resultado: el plazo inicial de 64 semanas queda en 56.

Sobre el argumento técnico que el MNAC y la Generalitat han sostenido ante los tribunales y el Parlament, la jueza es taxativa: “Ningún perito ha afirmado la imposibilidad de trasladar las pinturas a la Sala Capitular”, recuerda, y cita la sentencia de 2016, que ya estableció que el traslado “es posible siempre que se adopten las medidas y precauciones necesarias”. A ello suma el informe de Arantxa Ferrer Rueda, jefa del Servicio de Conservación y Restauración del Patrimonio Cultural del Gobierno de Aragón, que concluye que la Sala Capitular “reúne todos los requisitos para que, a día de hoy y a todos los efectos, pueda considerarse como un espacio expositivo”.

La providencia establece además un mecanismo de control: el MNAC deberá acreditar documentalmente el cumplimiento de cada fase del cronograma a medida que se ejecute. Cualquier incumplimiento parcial, incluso referido a una sola fase, habilitará a la comunidad autónoma de Aragón para ejecutar el traslado de forma subsidiaria, pero a costa del Museo.

La resolución llega en un momento de tensión institucional en torno al caso. A finales de marzo, cinco exconsellers de Cultura de la Generalitat —Lluís Puig, Joan Manuel Tresserras, Ferran Mascarell, Laura Borràs y Àngels Ponsa— presentaron una querella ante el Tribunal Superior de Justicia de Aragón contra la propia magistrada, acusándola de prevaricación con el objetivo declarado de paralizar cautelarmente el proceso. El TSJA ha trasladado la denuncia a la Fiscalía para que informe sobre su admisión. El Ayuntamiento de Villanueva de Sijena la calificó de “temeridad supina”. En paralelo, el MNAC sí ha licitado ya el traslado de las denominadas pinturas profanas —las piezas de la sala 17 que no sufrieron el incendio de 1936—, cuya devolución está prevista antes de que acabe el año.

“Satisfacción” del Gobierno de Aragón

Mientras, el director general de Cultura del Gobierno de Aragón, Pedro Olloqui, ha expresado la “gran satisfacción y alegría” del conjunto de los aragoneses por la decisión de la juez, que establece un plazo de 56 semanas porque “es el mayor marco temporal posible para facilitar, sin discrepancias y de forma inmediata, el inicio de los trabajos y la vuelta a Aragón de las pinturas murales”.

El director ha subrayado que los trabajos técnicos previos realizados por el equipo aragonés han permitido dar respuesta a cuestiones “de forma totalmente solvente” y ha incidido en que la providencia de la juez “es una excelente noticia para todos los aragoneses”. “Hay una voluntad de evitar el filibusterismo procesal, la juez deja claro que no es momento de más enredos, sino del cumplimiento de la sentencia” y advierte de que en caso de incumplimiento por parte del MNAC, “se facultará al Gobierno de Aragón para la ejecución, todo ello a costa del MNAC, que no podrá eludir su responsabilidad”.

La Batalla de Teruel estuvo marcada por el frío extremo, la nieve y el desgaste de dos ejércitos ya debilitados. Ese escenario es el que reconstruye la novela gráfica 'Teruel. La lucha helada' una obra que aborda uno de los episodios clave del conflicto con un lenguaje cercano y, en ocasiones, crudo. Su autor, Eneko Tabernilla, construye el relato desde la perspectiva del ejército republicano y en primera persona, con una narración que avanza casi jornada a jornada. El cómic recorre así el desarrollo de la batalla desde la llegada de las tropas para tomar la ciudad hasta el fin de la batalla el 22 de febrero de 1938 con el asalto final a la ciudad por parte del bando sublevado.

“El 23 de febrero de 1938 se dio por terminada la batalla con la ciudad cambiando de manos por tercera vez en menos de tres meses. Setenta y un días de combate que dejaron casi al 70% de sus edificios reducidos a escombros”, relata Tabernilla en las páginas finales de la novela.

“El objetivo era hacer una crónica de la batalla que no fuera superficial”, explica. En esa reconstrucción, además de los combates, cobra importancia el contexto en el que se desarrollaron: una ciudad que había permanecido en manos sublevadas durante toda la guerra y en la que parte de la población no abandonó sus casas pese al avance del frente. La obra se detiene también en ese ambiente y en las condiciones extremas en las que vivieron quienes permanecieron allí.

El interés de Tabernilla por este episodio viene de lejos. “La Guerra Civil siempre me ha interesado”, señala. A su juicio, la batalla de Teruel ha quedado relegada en el imaginario colectivo pese a su importancia estratégica: “Fue una batalla de desgaste que acabó debilitando al ejército republicano y ayuda a entender lo que vino después”.

El origen del proyecto fue, sin embargo, casual. Surgió como un trabajo académico durante sus estudios de ilustración digital, cuando tuvo que realizar seis páginas de cómic. Sus profesores le animaron a continuar y comenzó a mover la idea entre editoriales, aunque sin un guion definido. “No sabía muy bien qué iba a contar en la siguiente página”, reconoce.

El proyecto dio un giro cuando una editorial Cascaborra, especializada en cómic bélico e histórico, decidió apostar por él. “Presenté doce páginas y me pidieron un guion. Ahí fue cuando empezó a tomar forma de verdad”, explica. En ese proceso, y ante la necesidad de dotar de rigor histórico al relato, contactó con el historiador Blas Vicente, que ha trabajado como asesor.

“Cada vez que me documentaba veía errores que había cometido”, admite. La colaboración con Vicente permitió corregir imprecisiones y profundizar en los detalles, tanto narrativos como visuales. La obra presta especial atención a elementos como uniformes, armamento o aviación, con referencias ajustadas a la realidad de la época. “Son detalles que quizá no se ven a primera vista, pero aportan profundidad”, apunta.

"Nadie pensó nunca que una ciudad tan pequeña pudiera exigir un sacrificio tan grande, pero aquella batalla se convertiría en mera estadística comparada con las que vendrían después"

Teruel. La lucha helada

Tras más de tres años de trabajo, el autor reconoce que ha tenido que dejar parte del material fuera. “Hay cosas que se han quedado en el tintero, pero cumple la función que quería”, afirma. El resultado, añade, es el cómic que le habría gustado leer sobre la guerra civil.

Más allá del rigor, Tabernilla subraya la voluntad de mostrar el sufrimiento compartido en ambos bandos. “He intentado ser justo con todo el mundo. Lo pasaron muy mal todos”, señala.

La novela gráfica se presentará el próximo 18 de abril en Teruel con una ruta por distintos enclaves históricos de la ciudad, guiada por el autor y por Blas Vicente, abierta al público.

Paco Paricio tiene muy claro que un títere no es solo un muñeco. El títere es un objeto de juego intergeneracional, que “coge vida al moverlo” y que, en ocasiones, se convierte en “objeto mediador, mejor que la palabra”. Es la máscara al actor. Un ser inanimado, a priori, pero que se convierte en todo un medio de comunicación. El títere es también protagonista en Abizanda. 

En este pequeño pueblo oscense de menos de 200 habitantes se alzó hace ya dos décadas La Casa de los Títeres, un refugio para la cultura en plena comarca del Sobrarbe, en el Pirineo aragonés. La Casa de los Títeres es, en realidad, la unión de tres casas de pueblo: casa Simona, casa Lecina y casa Maza. Rescatadas de la ruina, se han restaurado transformándose en un teatro, un museo y una residencia de artistas. “Nos parecía en principio una utopía, pero teníamos mucha ilusión. Hemos viajado por todo el mundo y siempre decíamos que nos gustaría tener un teatro donde poder hacer nuestras funciones, que viniera el público a vernos. Luego, acoger todo el material que tenemos precisamente de los viajes, los títeres y los grabados, y poderlo mostrar”, relata Pilar Amorós.

Amorós y Paricio son los creadores de este hogar teatral pirenaico así como los fundadores, directores y miembros de Los Titiriteros de Binéfar. Una compañía que lleva en activo desde hace 50 años y que, por ende, no requiere de mucha presentación. Aunque por entonces ser titiritero estaba visto “como un trauma para nuestros padres”, como explica Paricio, ellos han sido los compañeros de viaje de miles de infancias en el mundo. En la actualidad, son 12 los integrantes de la agrupación, a los que se suman entre seis y siete colaboradores. 

Decenas de países visitados con sus espectáculos, libros —como su último ejemplar 'Juegos y recursos del titiritero'—, discos con más de 170 canciones versionadas (algunas son propias) y, por supuesto, más de 50 obras de teatro, destinadas a un público familiar que no infantil. “Ver reír a padres, abuelos y niños es fantástico. Intentamos que los espectáculos siempre sean para todos los públicos y que no se queden solo en el teatro; sino que, al salir, les quede un poso con el que luego hablar”, detalla Amorós. Por todo ello, no es de extrañar que en el año 2009 fueran galardonados con el Premio Nacional de Teatro para la infancia y la juventud gracias a 'El hombre cigüeña'.

Más allá del teatro

En el interior de casa Simona se encuentra el teatro de este 'hogar titiritero'. Esta sala tiene un aforo de 100 personas y cuenta con gallinero —que no el de aves—, sino ese “conjunto de localidades en la parte más alta”, que define la RAE. Siendo los meses de julio y agosto los más intensos, el escenario acoge actuaciones en festivos y puentes como San Jorge, Todos los Santos o estos días de Semana Santa.

Cabe destacar que no solo actúan los veteranos titiriteros, sino que otros grupos teatrales internacionales se hacen eco entre sus bambalinas, y no solo en este género: “No somos muy fanáticos de que la programación tenga que ser de títeres. Siempre nos gusta que haya de todo, que sea multidisciplinar en todos los sentidos”, indica Amorós.

A casa Simona se suma su museo de títeres, grabados y pinturas teatrales de casa Lecina. Un museo manipulativo con piezas traídas de Francia, Inglaterra, India, China, Vietnam, Brasil, Ucrania… que muchas han sido obtenidas de mercadillos o rastros. De hecho, en sus espectáculos también utilizan este tipo de material, aunque en su mayoría los fabrican y diseñan ellos. Madera, cartón y tela; esas son sus materias primas, pero como advierte Paricio: “Para nosotros es importante los títeres, pero todavía es más importante la historia que vamos a contar y por qué la vamos a contar”.

La tercera es casa Maza, el alojamiento artístico. Además de brindar techo a los artistas que trabajan en La Casa de los Títeres, es refugio de residencias artísticas. Es decir, elencos que huyen del mundanal ruido, buscando un lugar de trabajo inspirativo: “Es un espacio para la creación estupendo: tiene el teatro, una sala de ensayo, alojamiento y, sobre todo, la tranquilidad, el relax… Ese binomio de naturaleza y teatro es muy importante, muy interesante y muy agradable”, declara Amorós. 

Abizanda y los títeres

“Desde siempre, todos los vecinos nos han acogido muy bien. Ellos sienten que es una casa más, un espacio más del pueblo”, analiza Amorós. Así, cada puente de Todos los Santos, la falsa de casa Maza es el escenario de una actividad muy especial. Es el final de una actuación, que culmina con música, vino, dulces preparados por las mujeres abizandinas y memoria. “El año pasado fue muy emocionante porque trajeron fotos de sus padres, de sus abuelos, de cuando se casaron…”.

Y es que la música siempre está presente en los shows de Los Titiriteros de Binéfar. Es una de sus señas de identidad, que ha ido cambiando durante estas décadas: “Hemos evolucionado. Estábamos en el folclore puro y duro, con gaitas y dulzainas, y ahora vamos poniendo algo de electrónica”, agrega Paricio.

Pero si hay algo que es inherente a ellos, como se señalaba al inicio de este texto, es el títere. El títere que ya es emblema de este pueblo de Sobrarbe. Ese objeto para jugar y mediar, pero que también parece cobrar vida propia: “Cuando el títere, no voy a decir protagonista, es personaje de la historia; es lo que yo llamaría teatro de títeres”, sentencia Paricio.

Próximas actuaciones

Con un precio de 10 euros por entrada, La Casa de los Títeres ha acogido estos días varias actuaciones: ‘Niña Jaguar’ de la compañía brasileña Mosaico Cultural, un espectáculo de clown titulado 'A comer…!' de Cía Patri Coronas y Monopájaroverde Circus Company, así como 'El jardín de la alegría' de los propios Titiriteros de Binéfar. Esta última obra protagonizada por la propia Amorós y acompañada por el músico Quiri Aquilué, está inspirada en la cultura tradicional, pero con un aire renovado: “Lo que monto es un jardín con recuerdos, con objetos, con canciones, con mi memoria. La comparto con todos y con el músico que me ayuda efectivamente a ponerla en valor”, aclara la titiritera.

La Fundación CAI acoge en Zaragoza la exposición itinerante 'En vuestra piel', una muestra fotográfica que visibiliza el trabajo de la ONG Dermalawi en Malawi, uno de los países más empobrecidos del mundo, donde el acceso a la salud sigue siendo un desafío para gran parte de la población.

La exposición puede visitarse en el Centro Joaquín Roncal hasta el 25 de abril, con entrada libre y en horario de lunes a sábado. La inauguración tuvo lugar el pasado 25 de marzo, dentro de un recorrido nacional que ya ha pasado por ciudades como Palencia, Ferrol, Salamanca, Barcelona, Madrid y Burgos.

'En vuestra piel' acerca al visitante a la realidad sanitaria de Malawi a través de las imágenes de la fotógrafa Marta González de la Peña Royo, quien acompañó a la ONG en una de sus campañas en 2025. Sus retratos muestran no solo el trabajo médico sobre el terreno, sino también las historias personales, la dignidad y la esperanza de quienes viven allí.

Malawi enfrenta importantes carencias sanitarias: enfermedades prevenibles o tratables en otros contextos pueden convertirse en una condena silenciosa. En respuesta a esta situación nació Dermalawi, una organización formada por profesionales sanitarios españoles y malauíes que, desde 2015, trabaja en zonas rurales con el objetivo de ofrecer atención dermatológica accesible, sostenible y digna, además de formar al personal local para garantizar la continuidad del proyecto.

A lo largo de sus 19 campañas clínico-quirúrgicas, la ONG ha atendido a más de 75.000 pacientes, logrando reducir enfermedades infecciosas como la sarna y la lepra, y mejorando la calidad de vida de personas con albinismo mediante la prevención de tumores cutáneos precoces.

La muestra también tiene un componente solidario: durante algunos días se organiza un mercadillo con productos elaborados con telas tradicionales de Malawi. Esta iniciativa ha permitido recaudar más de 9.000 euros en las distintas ciudades por las que ha pasado la exposición, fondos destinados a apoyar los proyectos de la ONG.

La exposición cuenta con la colaboración de Fundación CantabriaLabs y se presenta como una oportunidad para conocer de cerca una realidad sanitaria global y contribuir a mejorar la vida de miles de personas.

Hay edificios que cuentan una historia incluso cuando ya casi no pueden sostenerse en pie. En Ejea de los Caballeros, la Casa Pujol es uno de ellos. Su reciente entrada en la Lista Roja del Patrimonio de Hispania Nostra, a instancias de la Asociación para la Defensa del Patrimonio Aragonés, ha vuelto a poner el foco sobre un inmueble que, más allá de la denuncia de su deterioro “avanzado y con riego de ruina”, encierra una parte esencial de la memoria urbana, económica y social de la localidad.

Ideada y levantada entre 1900 y 1913 en un enclave estratégico —la confluencia del paseo del Muro con las calles Concordia y Joaquín Costa—, esta casa no es un edificio cualquiera. Su silueta, marcada por un torreón central y un lucernario, responde a un modelo de arquitectura burguesa de principios del siglo XX, con rasgos eclécticos y, aunque tímida, también influencia modernista. Durante décadas, fue un referente visual para quienes llegaban o vivían en la localidad, por su ubicación en uno de los puntos más reconocibles del casco urbano, frente a la iglesia de San Salvador. 

Pero su valor va más allá de lo estético. La casa está íntimamente ligada al proceso de modernización de Ejea de los Caballeros. La residencia Pujol fue promovida por la familia Villacampa, importantes ganaderos y productores vinculados a la economía local, y simboliza el surgimiento de una incipiente burguesía industrial en el municipio. Sin embargo, el inmueble cambió obligatoriamente su nombre cuando su heredera, Pepita Villacampa, contrajo matrimonio con José Pujol, hijo de Rosendo Pujol, quien impulsó a comienzos del siglo XX la Electroharinera 'La Primitiva', y responsable del primer suministro eléctrico del municipio y del alumbrado público en 1902. 

Abandono avanzado y riesgo de ruina

Aquel pasado industrial y urbano del inmueble contrasta con el papel que desempeña en el presente. Hoy, la Casa Pujol es un edificio abandonado, afectado por un “importante” deterioro progresivo fruto de décadas deshabitada y “sin recibir el mantenimiento adecuado”, según APUDEPA. A pesar de estar catalogada desde el año 2000 en el Plan General de Ordenación Urbana (PGOU) como edificio de interés ambiental —con obligación de conservar su volumen y fachada—, la realidad es que su estado actual evidencia una falta de intervención efectiva. 

Esta situación ha motivado su entrada en la Lista Roja del Patrimonio, a propuesta de APUDEPA. Esta lista, impulsada por Hispania Nostra, recoge bienes culturales en riesgo de desaparición o alteración grave de sus valores, con el objetivo de visibilizar su situación y fomentar su protección. 

Desde APUDEPA advierten que existe “un riesgo real de pérdida patrimonial si no se actúa con rapidez”. La asociación denuncia que el estado de la cubierta es “lamentable” y que “anticipa posibles colapsos estructurales”. Lo mismo en el exterior, donde el deterioro es visible con “revocos desprendidos, grietas, suciedad acumulada y cableado desfigurando la fachada”, apuntan en el informe publicado en la Lista Roja. 

Desde la Asociación piden que se tenga en cuenta el alcance y singularidad de la Casa Pujol no solo por su arquitectura —una de las pocas construcciones con torreón de este tipo en la localidad—, sino también por su valor urbano, al articular visualmente uno de los accesos principales al casco histórico. Y que se ponga en valor por su dimensión simbólica como testimonio de una etapa menos visible y conocida de la historia de Ejea: la de su temprana industrialización. 

El debate se reabre veinte años después

Entre 2005 y 2007 hubo un intento de declarar su ruina y proceder a su demolición. Una intervención que fue frenada por informes desfavorables de la Comisión Provincial de Patrimonio. Desde entonces, la casa ha permanecido en una especie de limbo: protegida sobre el papel, pero sin un proyecto claro de rehabilitación. 

Ante la pregunta ¿Qué puede ocurrir ahora? La respuesta es que la inclusión en la Lista Roja no implica protección legal directa, pero sí presión social e institucional que en muchos casos ha servido como punto de inflexión para activar procesos de restauración. El futuro de la Casa Pujol depende, en gran medida, de la capacidad de las administraciones —y especialmente del Ayuntamiento de Ejea de los Caballeros— para impulsar soluciones.

El margen de actuación existe, aunque no es sencillo. El inmueble es de propiedad privada, lo que limita la intervención directa municipal. Sin embargo, el consistorio puede ejercer varias vías: desde exigir el cumplimiento del deber de conservación a los propietarios, hasta promover acuerdos, incentivos o incluso fórmulas de adquisición o expropiación en caso de incumplimiento grave. También puede optar por integrar el edificio en estrategias más amplias de rehabilitación urbana o patrimonial.

En paralelo, la clave estará en encontrar un uso que garantice su viabilidad. La experiencia demuestra que la conservación del patrimonio no pasa solo por restaurar, sino por reintegrar los edificios en la vida cotidiana: como equipamientos culturales, espacios sociales o iniciativas vinculadas al turismo.

Mientras tanto, la Casa Pujol sigue dando la bienvenida al pueblo frente a la Iglesia de San Salvador, visible, reconocible, pero cada vez más frágil. Como tantas otras piezas del patrimonio aragonés que se encuentran en riesgo, el futuro de esta casa se juega en un equilibrio delicado entre la memoria, el abandono y la pregunta de si la sociedad que la heredó está dispuesta a seguir conservándola.

La directora del Museo Goya, May Forcén, ha avanzado que el Museo Goya de Fundación Ibercaja afronta la fase “casi final” de su reforma y reabrirá en otoño, tras casi dos años de cierre, con “alguna incorporación sorpresa en sus salas que puede ser muy importante para la lectura general” del espacio expositivo.

“Estamos muy contentos porque va todo sobre calendario, las obras empezaron bien y en esta fase media, casi final, están evolucionando estupendamente. No ha habido ningún retraso ni en la parte de arquitectura ni de contenido”, ha indicado May Forcén.

En el espacio que ocupará el reformado Museo Goya, cuyo acceso principal se traslada hasta la calle Santiago, junto a la plaza del Pilar –anteriormente se hacía por la calle Espoz y Mina–, ya puede verse la fachada, obra del estudio zaragozano Sebastián Arquitectos. Destaca los bloques de piedra de hasta tres metros de altura con fragmentos de grabados de algunas de las series del artista de Fuendetodos, realizados mediante la digitalización de las planchas de cobre originales. En el lateral y verticalmente se dispondrá una gran pantalla que proyectará contenidos e imágenes dinámicas.

“La fachada siempre ha sido algo que ha llamado mucho la atención, que ha gustado, que se ha visto como algo que hacía referencia al alma del Museo”, ha comentado Forcén, quien ha hecho referencia a la “expectativa” generada durante el proceso.

En una ocasión, ha manifestado, escuchó “a un visitante que estaba sacando una fotografía de esta fachada y dijo algo así como que esta fachada construye ciudad”. Forcén ha añadido que “es casi un símbolo, una arquitectura, una parte más artística dentro de todo lo que es la reforma del Museo”.

Espacio interior

Además del visible cambio exterior del Museo Goya, debido a la “reforma estructural” que se lleva a cabo, su interior se verá “ampliado, reformulado y con gran protagonismo de la tecnología”. En total, serán 4.661 metros cuadrados –frente a los 3.700 previos– en los que se reorganizarán las colecciones y, en concreto, “hemos querido dar una vuelta” a la permanente.

“Hemos aprovechado para restaurar, limpiar y buscar en almacenes para recuperar alguna obra que nos parecía también interesante que formase parte de la colección”, ha contado la directora del Museo Goya, adelantando que el visitante “volverá a encontrar la obra de Goya y el resto de la colección desde un punto de vista diferente” al cronológico anterior.

Uno de los principales atractivos en el ya antiguo Museo Goya era en la sala dedicada a los grabados. En este caso, “el equipo de Fundación Ibercaja llegamos a la conclusión de que era una de las salas que más gustaba, una de las más queridas y en las que la gente pasaba más tiempo, por lo tanto, cuando algo funciona y gusta somos partidarios de que tampoco hay que cambiarlo”, ha expresado.

No obstante, sí que se renovarán las vitrinas que contienen la obra gráfica del artista de Fuendetodos y se modificará la disposición de alguna de las series, pero “respetaremos esa intimidad, esa sensación de oscuridad que gustaba y queremos mantener”.

En cuanto a esa implementación de la tecnología, ha explicado May Forcén, “nos gusta pero es verdad que no queríamos que eclipsase lo más importante, que es la obra de arte y la colección, pero nos está viniendo muy bien para trabajar un acompañamiento y un contexto. Son propuestas tecnológicas que enriquecen la visita de cualquier persona que se acerque al Museo”.

El camino tecnológico se recorre de la mano de Empty, una empresa de museografía de Madrid que ha trabajado en la Galería de las Colecciones Reales o el Arqueológico Nacional.

“Sorpresa” en la reapertura

Aunque la colección permanente no presentará “cambios drásticos”, May Forcén sí que ha confirmado que “habrá alguna incorporación sorpresa que puede ser muy importante para la lectura general” del espacio expositivo.

En cuanto a la muestra temporal inaugural, 'Solo Goya. El arte de ver', se conoce que estará comisariada por Estrella de Diego y Luis Fernández-Galiano, pero no han trascendido más detalles sobre el contenido.

Articular esta exposición “es un gran reto y una gran alegría”, ha apuntado May Forcén, y “lo que queremos es 'solo Goya' –como señala el título– para lo que vendrán obras muy potentes del artista aragonés de todas las partes del mundo, como Estados Unidos y diferentes puntos de Europa, así como de las mejores instituciones españolas, tanto privadas como públicas”. Entre ellas, ya están confirmadas el Museo del Prado, la Hispanic Society o la National Gallery de Londres.

“Estamos convencidos de que esta reforma no es solo arquitectónica, ni de contenidos ni de colecciones, sino que es estructural, por lo que pretendemos que si –el Museo Goya– ya era un centro de referencia en el conocimiento de la figura de Goya, todavía lo va a ser más”, ha comentado Forcén.

En este sentido, ha argumentado que el nuevo espacio museístico incluirá un centro de estudios, nuevos espacios para actividades educativas y culturales, además de que se establecerán alianzas con diferentes instituciones y universidades, tanto nacionales como internacionales.

'Interludio'

'Goya. Interludio' es el título de la exposición que desde el 27 de enero de 2025 se puede visitar en el Patio de la Infanta de Ibercaja con motivo de las obras de ampliación de “su casa”, el Museo Goya, que incluye las 32 obras del pintor aragonés.

El público “ha respondido muy bien”, sobre todo los grupos de visitantes franceses e italianos que buscaban visitar el Museo Goya y a los que se ha remitido durante este tiempo al Patio de la Infanta. “Ha sido estupendo”, ha apostillado Forcén.

En 'Interludio', el visitante recorre diferentes momentos artísticos de la vida del pintor, como su etapa en Zaragoza, cuando pintó el boceto para la decoración al fresco de la bóveda del Coreto de la Virgen, en la basílica del Pilar de Zaragoza, o su posterior etapa en Madrid, con grandes retratos como el realizado a Félix de Azara o la Reina María Luisa de Parma.

También hay un espacio dedicado a la pintura religiosa y a obras más críticas con la sociedad y política de la época, como en Baile de máscaras y el boceto de 'El dos de mayo de 1808', también conocido como 'La carga de los mamelucos'.

Sumado a los diferentes cuadros, se exponen también las tres maquetas realizadas por Bayeu para las cúpulas de la Basílica del Pilar. Este viaje a través de más de 30 obras de Goya finaliza con una de las últimas incorporaciones que llevó a cabo el museo: la única serie completa y conservada de escenas de 'Juegos de niños'.

Hay historias que comienzan con una fotografía. No una imagen cualquiera, sino una de esas que permanecen durante décadas en una casa familiar sin que nadie sepa muy bien quién es la persona que aparece en ella. Así arranca, en cierto modo, el viaje que ha llevado a la periodista Esther P. Nogarol a reconstruir la vida de un artista casi borrado de la memoria colectiva: Agustín Alamán. “Había una foto en casa con una persona a la que no conocíamos y que nos causaba curiosidad a mis hermanos y a mí”, recuerda. “Mi madre sabía algo, pero no podía darnos muchos datos”. El hallazgo casual de su nombre en internet en 2018 fue el hilo del que tirar.

Ese impulso acabó convirtiéndose en una investigación de largo recorrido y, finalmente, en el libro 'El artista de los tres exilios', editado por el Instituto de Estudios Altoaragoneses y prologado por Alberto Sabio. “Han sido siete años y la verdad es que es un camino increíble que me ha cambiado la vida”, explica la autora, máster en Historia Contemporánea. “He dado vueltas por España y por Francia buscando en los archivos, he aprendido muchísimas cosas que no sabía”. El resultado es un relato que no solo recupera la figura de Alamán, sino que plantea una pregunta incómoda: cuántos nombres como el suyo siguen todavía en la sombra.

La vida de Agustín Alamán (Tabernas de Isuela (Huesca), 1921-Madrid, 1996) atraviesa el siglo XX marcada por el desarraigo. Hijo y nieto de herreros, su relación con la materia fue temprana. “Antes de dibujar, él ya veía cómo se forjaba un material para crear un volumen”, explica la autora. Esa relación casi física con los materiales, sumada a su oficio de albañil, marcaría toda su obra. La Guerra Civil lo empujó al primero de sus exilios. En 1938 cruzó a Francia, donde conocería los campos de concentración y de trabajo. Tras la liberación, inició una trayectoria artística que lo llevaría a participar en 1947 en la exposición colectiva 'Arte español en el exilio', junto a figuras como Pablo Picasso o Juan Gris.

A partir de ahí, Alamán evolucionó hacia la abstracción, pero su obra desbordó cualquier etiqueta. Pintura, escultura, joyería, cerámica, tapices, collage o diseño: “Era un artista total”, resume. Él mismo se definía como autodidacta, aunque esa etiqueta escondía una enorme capacidad técnica. “Sabía muchísimo más de materiales que muchos de sus compañeros”, señala. “De hecho, eran ellos quienes le preguntaban cómo manejar determinadas técnicas”. En un momento en el que el arte exploraba nuevas cargas matéricas, él dominaba procesos que a otros se les resistían. “A los demás se les caía la materia del lienzo y a él no”, apunta. “Eso dice mucho de su concepción como artista”.

Reconocido en Uruguay

En 1955 emprendió su segundo exilio y se trasladó a Uruguay con su familia. Allí encontró un ecosistema artístico en ebullición y logró el reconocimiento que nunca tuvo en España. “En Uruguay sí que se le conoce”, subraya Esther P. Nogarol. “Ha habido exposiciones en las que ha estado presente y estudios en los que yo me he basado”. En Montevideo se integró en los círculos de vanguardia de los años sesenta y expuso en espacios clave como la Librería Alfa, impulsada por el editor Benito Milla, una figura esencial en su trayectoria. “Sin Benito Milla probablemente no hubiera llegado a nada allí”, afirma la autora. Alamán obtuvo premios importantes, como el del Salón Arcobaleno de Punta del Este en 1961, y desarrolló una obra marcada por el informalismo y el uso de materiales cotidianos. Mientras tanto, en España, su nombre se desvanecía.

El regreso a Madrid en 1970 supuso lo que la autora denomina su tercer exilio. “Es una España todavía franquista”, recuerda. “Yo creo que hay un punto de miedo”. Aunque Alamán no había tenido un papel político activo, su entorno familiar estaba vinculado al anarquismo. “Quizá quiso mantener un perfil bajo”. A ese factor se sumó otro: el contexto de la Transición. “Es como si cada sector tuviera a su exiliado”, reflexiona. Figuras como Dolores Ibárruri, la Pasionaria, o Rafael Alberti concentraron la atención, mientras otros nombres quedaban fuera. Pero también pesó su propia forma de entender el arte. “Tuvo problemas con una galería en Francia y decidió que no iba a tener nunca más marchante”, explica. “Y eso, a la larga, le perjudicó”. En Madrid se centró en la escultura y en trabajos artesanales, y murió en 1996 prácticamente en el anonimato, hasta el punto de que incluso la fecha de su fallecimiento ha circulado incorrectamente durante años.

El libro no solo reconstruye esa trayectoria, sino que la inscribe en un contexto más amplio. “Cuando lees la historia no es solo la de este señor, sino la de un montón de gente increíble que hemos perdido”, afirma. La autora insiste en la idea de la pérdida cultural derivada del exilio. “No es solo que ellos se fueran, es que nosotros los perdimos”. En ese sentido, menciona figuras como el propio Benito Milla, “uno de los grandes editores del boom latinoamericano”, prácticamente desconocido en España. “Editó a Benedetti, a Onetti, tenía a Camus o a Octavio Paz en sus revistas, y nadie le conoce”, lamenta.

Esa reflexión se amplía en una crítica más profunda sobre los vacíos de la memoria histórica en España. “Es un acervo cultural que hemos perdido y pensamos que, como ha pasado el tiempo y se han hecho cosas de memoria, ya está hecho, y falta muchísimo”, advierte. En su opinión, parte de ese vacío tiene que ver con el escaso peso que han tenido determinadas tradiciones políticas en la reconstrucción del relato colectivo. “En parte es por el anarquismo, porque la CNT apenas ha tenido fuerza para dar a conocer a toda esta gente”, señala. Y añade: “Somos ahora los historiadores los que estamos sacando estas historias, que no estaban, y te encuentras con trayectorias increíbles de anarquistas y cenetistas que tuvieron que huir y que tenían un talento enorme, y los perdimos”.

La propia investigación es un ejemplo de ese proceso. “Esto empezó casi por casualidad”, recuerda Esther P. Nogarol. “Y al final se ha convertido en algo que me ha cambiado la vida”. El trabajo de fin de máster que defendió en 2023 fue el punto de partida de un libro que ha querido hacer accesible. “Era un material académico, pero se veía que podía trasladarse a otro lenguaje más ameno”, explica. El proceso de escritura, sin embargo, ha sido más lento de lo que hubiera deseado. “Si pudiera dedicarme solo a la literatura, en dos o tres meses estaría hecho, pero una trabaja, tiene hijos, vida social…”, comenta.

La publicación del libro tiene también una dimensión simbólica. La autora ha querido que sea el territorio de origen de Alamán quien lo dé a conocer. “Me parecía importante que fuera su provincia quien lo presentara al mundo”, afirma sobre la edición del Instituto de Estudios Altoaragoneses. “No voy a obtener beneficios económicos, pero me encanta haberlo hecho así”. La primera presentación será en Huesca el viernes 10 de abril, seguida de Zaragoza, con la intención de llevar después el libro a Madrid, Barcelona, Toulouse y también a Uruguay, donde el artista sí dejó huella.

El proyecto no termina con la publicación. Esther P. Nogarol trabaja ya en la posibilidad de realizar un documental y mantiene abierta la idea de organizar exposiciones que permitan reunir su obra, hoy dispersa entre Europa y América. Mientras tanto, el libro cumple una función esencial: devolver a Alamán al lugar del que nunca debió salir. “Cuando terminas de conocer la historia te preguntas cómo es posible que haya estado olvidado”, dice la autora. La pregunta, en realidad, va más allá de un solo nombre. “¿Cuánta gente puede haber como él?”, plantea. Su libro no ofrece una respuesta cerrada, pero sí abre una vía: la de seguir investigando, recuperando y contando.

Hay caminos que nunca desaparecen del todo. Solo esperan a ser transitados de nuevo. A veces se encuentran cubiertos por la maleza, otras olvidados en la memoria de los pueblos, pero siempre latentes. En el noroeste de Aragón, uno de esos caminos —un ramal secundario del Camino de Santiago— empieza ahora a recuperar el pulso gracias al empeño de quienes se resisten a dejar caer su historia en el olvido.

La Asociación colaborativa Amigos del Camino de Santiago Hoya de Huesca Noroeste-Altas Cinco Villas constituida de manera oficial en 2025, está trabajando en la recuperación de este recorrido del camino jacobeo. El germen del proyecto viene de tiempo atrás, ya que desde 2023 se han venido manteniendo reuniones discretas, conversaciones entre ayuntamientos y colectivos locales, que han evidenciado lo que era una intuición compartida y constatada desde Patrimonio del Gobierno de Aragón: que este territorio todavía tiene mucho que contar. 

La iniciativa promovida desde esta asociación aragonesa busca no solo rescatar un itinerario histórico, sino también dinamizar el territorio frente al reto que supone la despoblación para las zonas por las que trascurre. El proyecto conecta los municipios de Murillo de Gállego, Agüero, Fuencalderas, Biel, Luesia, Uncastillo y Sos del Rey Católico, enlazando finalmente con el Camino Francés desde Sangüesa, la ruta jacobea más transitada. Se trata de un trazado con base histórica, vinculado a antiguos caminos de peregrinación y vías de comunicación tradicionales que habían caído en desuso con el paso del tiempo.

Según explica el presidente de la asociación, Antonio Torrea, el objetivo es triple: “Recuperar, defender y promocionar este ramal del Camino de Santiago”. Para ello, se ha trabajado en colaboración con ayuntamientos, entidades culturales y colectivos locales, logrando el reconocimiento institucional y el respaldo de diversas administraciones. En la actualidad, el proyecto ha sido reconocido por Patrimonio y cuenta con la aprobación de los ayuntamientos a los que afecta. Además, forma parte del Plan director de Caminos Identitarios por Aragón de la administración pública. 

Del papel a la realidad

Existen evidencias suficientes, apoyadas por Patrimonio del Gobierno de Aragón, que demuestran que este ramal “no es una invención contemporánea”, sino que estamos frente a la recuperación de una ruta con base histórica, un camino que durante siglos sirvió de paso a peregrinos, comerciantes y vecinos.

El proyecto no se ha quedado en el papel, porque uno de los pilares del mismo es la puesta en valor del recorrido mediante actividades concretas. Entre ellas, destacan la organización de etapas senderistas abiertas al público —como las que unen Agüero con Biel o Biel con Luesia y Uncastillo—, recorridos compartidos que son también una forma de redescubrir el paisaje y reforzar vínculos.

Por otra parte, se está llevando a cabo una importante labor de difusión en los propios municipios por los que pasa el ramal “para que se impliquen en la iniciativa”. A esto se suman charlas divulgativas impartidas por expertos donde la historia del Camino se entrelaza con la vida cotidiana. El escritor Luis Barreiro Bordonaba, es una de las voces que acompaña este proyecto ya que, su trabajo sobre los caminos peregrinos en la comarca, ha servido de inspiración para la puesta en marcha de la Asociación que ha hecho posible la recuperación de esta parte olvidada del Camino de Santiago a su paso por Aragón.

Una iniciativa intermunicipal: “El camino es de todos”

El proyecto tiene una dimensión social relevante. Desde la asociación recuerdan que se trata de una iniciativa intermunicipal que requiere implicación ciudadana. La asociación lo tiene claro: sin la implicación de los vecinos, nada de esto tendría sentido. La participación de los habitantes de los municipios cercanos al ramal, así como voluntarios y asociaciones, ha sido fundamental para poder dar los primeros pasos hacia la recuperación de este camino que, al fin y al cabo, “no pertenece a nadie y es de todos”. 

El reto está en el mantenimiento del trazado y la acogida de futuros peregrinos. Por eso la asociación hace un llamamiento a participar, a implicarse y a formar parte de algo que va más allá de una ruta señalizada. Caminar de Agüero a Biel, o de Biel a Luesia y Uncastillo, no es solo hacer kilómetros. Es reconstruir una geografía emocional, volver a mirar el territorio con otros ojos.

Y es que, además del componente cultural, el impacto económico es uno de los aspectos clave de esta iniciativa. La recuperación del camino se plantea como una oportunidad para atraer turismo sostenible, generar actividad en el medio rural, además de reforzar la identidad territorial. “Supone recuperar un legado histórico y añadir valor al patrimonio natural y cultural de las comarcas por las que pasa”, subrayando el potencial del Camino de Santiago como motor de desarrollo.

El Patrimonio: Un balón de oxígeno para la supervivencia de zonas rurales

En un contexto en el que muchas zonas rurales buscan fórmulas para reinventarse, la recuperación de este ramal jacobeo se presenta como un ejemplo de cómo el patrimonio histórico puede convertirse en una herramienta de futuro. “Recuperar este legado es también una forma de desarrollo”. 

En la comarca de Cinco Villas, por ejemplo, hablar de patrimonio es también hablar de futuro. En las localidades situadas en la zona más alta de la comarca, sentenciadas por la despoblación, iniciativas como esta abren una puerta —quizá pequeña, pero firme— a nuevas oportunidades. El Camino de Santiago no es solo espiritual o cultural; es también una red que genera actividad, movimiento y, en muchos casos, arraigo.

Y en esa idea late una realidad que conocen bien en el medio rural: que cada proyecto suma, que cada visitante cuenta, que cada paso puede ayudar a sostener lo que permanece. Las Cinco Villas, con su riqueza paisajística y cultural, tiene un nuevo as que le permite volver a la partida situándose en el mapa de los caminos que conducen a Santiago. Porque quizá se trata de eso, de volver a abrir caminos. Y de recordar que, incluso en los territorios más silenciosos y silenciados, siempre hay historias esperando a ser recorridas.

Evidencias verosímiles del ramal como ruta oficiosa en la época

En el caso del ramal secundario que ha sido recuperado, no existe una prueba documental clara y directa como la del Camino Francés, pero sí un conjunto de indicios históricos, geográficos y patrimoniales que permiten plantearlo como ruta secundaria o complementaria. Los historiadores coinciden en que existían múltiples caminos alternativos o locales, no siempre documentados con precisión. Esto abre la puerta a la existencia de ramales secundarios al camino. 

Agüero, Biel, Luesia o Uncastillo fueron núcleos relevantes entre los siglos XI y XIII, justo cuando se consolida el Camino. No eran aldeas aisladas, sino parte de una red que podía sostener tránsito de viajeros. Se trata de un itinerario que aparece citado desde la Edad Media hasta el siglo XIX, y que ha sido repetidamente documentado en distintas épocas. A lo largo de este trazado está constatada la existencia de numerosos hospitales de peregrinos (aunque algunos ya desaparecidos), monasterios que acogían caminantes, restos funerarios y muestras de señales referidas a los peregrinos como tumbas, veneras, testamentos, además de numerosos símbolos jacobeos.

En la localidad de Agüero, al inicio del itinerario, se encuentra la ermita dedicada a Santiago, del siglo XII, con iconografía jacobea. A esto se suma la abundancia de patrimonio religioso en Uncastillo, indicativo de que había una importante actividad económica y social por el paso de viajeros. Y, finalmente, la posición estratégica de Sos del Rey Católico como puerta de acceso a Navarra por su cercanía con Sangüesa. Todos estos factores hacen posible, según los expertos, como Luis Barreiro Bordonaba, la existencia en la zona del ramal secundario ahora recuperado, de una ruta “históricamente verosímil, documentada y coherente”, que pudo ser utilizada por peregrinos durante siglos.

La Montonera es una pequeña librería especializada, en el barrio de San Pablo, donde se cuida la parte comercial, pero también las actividades de diversos tipos en torno al mundo del libro. Su dueño es Raúl Royo, quien la inauguró poco después de la pandemia; y con el apoyo y colaboración de diversos profesionales además de dos presentaciones a la semana, alberga cuatro tipos diferentes de clubs de lectura, tres talleres de escritura y otras actividades. Es un establecimiento muy pequeño y llama la atención al programar tantas actividades literarias.

Desde principios de 2026, Royo está comercializando y organizando presentaciones de autoras jóvenes de fanzines. Primero fue el nuevo libro de la autora de fanzines Andrea Galaxina, presentado en febrero, editado por la editorial independiente sevillana Barret. Y desde hace semanas, 'Un lugar', autoeditado y que no entra en la idea común preconcebida de un fanzine realizado a base de collages y fotocopias, sino que se trata de un formato más artístico, cuidado y pensado, realizado por dos autoras y una ilustradora, que se presentará el lunes 30 de marzo. Las autoras y el librero explican el cariño por el papel y la situación actual de las librerías especializadas y la escritura novel.

Un lugar 

'Un lugar' es una pequeña recopilación de cuentos que gira en torno a una población imaginaria, pero que puede ser reconocible e incluso universal. Están escritos por Marina Arrabal y Clara del Rey, y acompañados de las ilustraciones de Mila Vicente Sáez. Se trata de una pequeña publicación muy artística, desplegable, con tapas de azul ultramar de un papel más pesado y papel reciclado e ilustraciones muy cuidadas. Marina Arrabal explica como fue el origen: “Clara y yo nos conocimos en un taller de escritura online, y después comparando un carnet de biblioteca de 1994 en mi perfil de Instagram, ella tenía uno igual. Resulta que habíamos sido niñas en el mismo pueblo y lo habíamos abandonado para ir a estudiar la misma carrera en la misma universidad, aunque en años distintos. Desde que dejamos de vivir allí ninguna lo reconocemos como nuestro lugar”. Desde esta perspectiva surgió este fanzine: “Dos niñas que viven en un pueblo, lo recorren, juegan, se apoderan de él. Escribimos desde el recuerdo, pero también intentando que ese lugar fuera universal, podría haber pasado en cualquier pueblo. Al acabar los textos, buscamos a una artista local para que se encargase de la parte plástica. Nos pareció que Mila tenía la sensibilidad perfecta, conectó enseguida con el proyecto y pronto empezamos a darle forma”.

Clara del Rey trabaja como correctora de textos y explica las dificultades que ha tenido para mantener la motivación a la hora de escribir estos relatos. “Empecé con este proyecto sin mucha fe en que saliera adelante. Tenía implantada muy hondo esa falsa creencia de que hay escritores de verdad y escritores amateur; los primeros tienen talento, capital cultural, disciplina, hábito de planificación y capacidad de sentarse jornadas larguísimas a escribir su proyecto. Luego, estamos las otras, que escribimos un poco cuando podemos y dejamos todo a medias.” Afortunadamente su compañera le animó: “Marina daba por hecho que el proyecto saldría, yo decidí engancharme al carro porque no tenía nada que perder. Si acaso, cualquier cosa que consiguiéramos serían ganancias: escribir más, pasar el rato, fabricar algo chulo. Cuando se unió Mila con las ilustraciones me di cuenta de que realmente íbamos a hacer un objeto, y ya adoptamos la ética del DIY o Hazlo tú mismo, y también la del DIWO (Do it with others), quizás sola no puedas, pero con amigas sí.” 

Deslocalizar la población para escribir los cuentos 

Clara del Rey afirma que mira su fanzide “desde una óptica deleuziana según la cual hay procesos de territorialización tanto en el marco de los cuentos y collages como entre nosotras”: “El territorio de 'Un lugar' es algo más que la suma de sus elementos, son las posibles interacciones que se dan entre ellos. En nuestro caso, es un territorio de clima continental, sin etapas dulces, y por lo tanto hostil. Ese eje determina la obra y la organiza en dos, no por azar, sino porque los comportamientos de los niños, de los animales, de los hitos geográficos o narrativos —la casa abandonada, el río seco, la bruja, la santurrona, el cerro— varían con la alteración de la temperatura”. Las tres crecieron en el mismo pueblo de La Mancha: “Mila y Marina nacieron allí y aún tienen contacto con el municipio, yo viví allí de los 6 a los 18 y luego no volví más hasta el verano de 2025, cuando nos juntamos para hacer esto. Más que el municipio, para mí es importante el territorio que se fue dibujando entre nosotras mientras desarrollamos la obra: un territorio de tres elementos que de seguro no habrían creado así en solitario; 'Un Lugar' es un fanzine colectivo total, veo las voces muy armonizadas, estamos haciendo lo mismo, eso me gusta mucho”.

Autoedición, elección del formato y fabricación 

“Clara y yo conectamos enseguida a nivel creativo, compartimos muchas referencias. Nos apetecía hacer algo juntas. Las coincidencias en nuestros pasados eran tan grandes que no pudimos evitar fijarnos en ellas para iniciar un proyecto, así que no tardamos mucho en empezar a escribir”, explica Marina Arrabal. El proyecto surgió “de manera orgánica” a lo largo de un año en el que intercambiaron textos e ideas, hasta un día en el que le dieron forma: “Durante los meses siguientes, Mila creó los collages y construimos la maqueta. Después empezamos a trabajar con la imprenta, haciendo pruebas y seleccionando materiales. Hicimos fotografías y creamos todo el márketing alrededor. Tardamos más de un año y medio en tener la publicación en la mano.”

Las tres tenían claro que tenían tener el control de todas las fases del proyecto, lo que implica la autoedición. “No queríamos forzar la extensión ni sacrificar el formato de la maqueta. Hemos elegido todo: desde las tipografías de letras a los papeles utilizados, pasando por cada detalle de estilo y de edición en los textos. Publicar con una editorial clásica puede tener grandes ventajas y resultar menos trabajoso, pero hay que hacer cesiones para adaptarse a la línea editorial. Estamos seguras de que si hubiéramos hecho un libro con una editorial el formato habría sido diferente y no habríamos aprendido tanto”, explica Arrabal. La elección de los papeles o el trabajo con el color es parte fundamental de la obra, algo que, según explica Mila Vicente Sáez, ha sido posible al hacerlo de forma independiente: “No sé si se podría hacer con una editorial pequeña, de este modo hemos sido bastante libres”.  

Clara del Rey considera que “este es un objeto delicado y laborioso. Interior y cubierta están impresos en materiales de composición y gramaje distinto” La cubierta, más rígida, tiene cuatro pliegues. A su vez, cada una de las siete hojas del interior presenta tres pliegues que deben hacerse a mano por su orientación: “Con eso se consigue un efecto mapa muy chulo, pero que encarece bastante la unidad. No sabría decir cuál sería el coste total del proyecto si incluímos los viajes que hemos hecho para reunirnos, las horas de trabajo, las horas de reuniones… pero sobrepasa de largo los supuestos ”beneficios“. Si el objetivo de hacer un fanzine es el lucro, no renta, sale a pérdidas. Por suerte, para nosotras no lo era, además afortunadamente agotamos la primera tirada de 120 ejemplares dándolo a conocer en redes sociales y por el boca oreja”.  

Una librería no es solo un expendedor de libros 

“El fanzine es en muchas ocasiones un ámbito de experimentación muy creativo, en sus formas de narrar, editar, y a la hora de construir el objeto. Los coleccionaba ya de antes, y me parecía que tenía sentido tener un pequeño espacio en la librería para las autoras y autores de fanzines, donde además de comercializarlos puedan tener un punto de encuentro y referencia”, explica Raúl Royo. En su caso, “desde el principio al idear el proyecto, y fijándome en otras librerías que admiraba, entendí que las librerías pequeñas no son un mero expendedor de libros, sino un espacio cultural en torno al mundo editorial. Lo que procuro es, junto a las colaboradoras de los clubs de lectura y el resto de actividades, ser un punto de encuentro para lectores o amantes de la literatura creando una comunidad. Me parece que esta parte presencial donde puedes acudir, con todo el respeto por las redes sociales, cuya carga de trabajo encima asumo individualmente, es mucho más interesante y con más contrapartidas y beneficios, que los lectores nunca van a encontrar en una cadena, franquicia o gran superficie”. La Montonera por un lado realiza las presentaciones de libros, casi siempre junto a los autores, y luego los clubs de lectura y talleres de escritura: “También programamos actividades de otro tipo si alguien necesita el espacio para recitales de poesía, o incluso música en directo acompañando. Ahora tenemos dos clubs de lectura de narrativa, otro de ciencia ficción, y uno de lecturas de filosofía. Acabamos de empezar otro grupo de lecturas de ensayo, hay un taller de narrativa joven, otro taller de escritura de poesía y también un taller de escritura entre mujeres. De manera online colaboramos con un club de literatura argentina”. 

Los problemas a los que se enfrenta un autor o autora novel para conseguir que se le publique “son similares, tenga la edad que tenga”, explica el librero: “Además de escribir bien, uno de los obstáculos es acceder a los circuitos editoriales con sus reglas, ubicaciones y privilegios geográficos, que pueden limitar la mirada de los editores. Hay vías más proletarias que tienen que ver con presentarse a diferentes concursos y esperar que eso sirva… O ya pasar a autopublicarse. Lo cierto es que en el mundo de la autopublicación hay prácticas virtuosas pero desgraciadamente también predatorias. Además, hoy en día es muy fácil que a un influencer, por cualquier razón, se le proponga hacer un libro. O si ya eres considerado escritor, y también tienes otra vida y te dedicas un poco a la promoción personal y las redes sociales, la realidad es que tienes acceso a un tipo de editoriales más grandes.”

La Montonera es un proyecto unipersonal: “Es una carga que asumo solo, un poco como hombre-orquesta, pues también hago el diseño de la cartelería, o el mantenimiento del local, que me ocupa bastante tiempo”. Le gustaría mejorar la gestión de redes, pero “prefiero cuidar la parte presencial y social, para mí insisto en que la parte principal es la offline, cuando la gente acude, y las redes solo sirven para atraer un poco al público o informarles, porque el cuidado y la atención es lo que nos diferencia a las librerías pequeñas frente a los grandes establecimientos capitalistas”.

El éxito del true crime no deja de crecer. Podcast, documentales y series basadas en crímenes reales copan las plataformas y arrastran a millones de espectadores. En particular, a espectadoras: alrededor del 70% u 80% del público de este género son mujeres. Una de ellas era Berta Comas, periodista zaragozana reconvertida en docente, que ha escrito un ensayo en el que analiza el éxito de este fenómeno: 'True crime. Una mirada hacia el dolor de las demás'.

Casas reflexiona y argumenta durante 140 páginas sobre lo que el true crime hace sentir a quienes lo consumen y cómo aumenta la sensación de un riesgo a sufrir un acto violento “cuando vivimos en un país con un bajo índice de criminalidad, no es una realidad ese peligro” pero, aún así, un día se descubrió a sí misma “pensando que foto elegiría mi familia para un cartel de desaparecida”. Con esta idea comienza el ensayo, que va recorriendo las diferentes aristas de este tema con fuentes documentales y referencias bibliográficas.

Uno de los ejes centrales del ensayo es la falta de enfoque de género en estos relatos. Esta cuestión aparece en numerosas ocasiones en el libro y también se abordó en la presentación en Zaragoza, que tuvo lugar en la librería La Montonera. La autora, acompañada de sus compañeras —y amigas— del podcast 'Sororitrap' Berta Jiménez y Rocío Durán, reflexionó sobre la falta de referencias a estos crímenes —la mayoría asesinatos de mujeres cometidos por hombres— como feminicidios. Es decir, no se aborda el tema desde el prisma de la violencia machista, por lo que se desliga de uno de los grandes problemas de nuestra sociedad.

Entre el miedo y la identificación

Durante la presentación del libro en Zaragoza, Comas profundizó en esa relación contradictoria que el público —especialmente femenino— establece con este tipo de contenidos. “Si puede ser cualquiera, puedo ser yo. Pero a la vez piensas que a ti no te pasaría”, resumió. Esa dicotomía atraviesa todo el género. Por un lado, las espectadoras se identifican con las víctimas —mujeres, en su mayoría—. Por otro, la propia narrativa introduce una distancia que permite pensar que ese desenlace podría haberse evitado.

Durante el coloquio, las tres periodistas reflexionaron sobre el aprendizaje implícito que puede generar consumir este tipo de contenido. Berta Jiménez lo explicó así: “Te sientes identificada, pero a la vez la espectacularización te saca de ahí, individualiza todo y genera una distancia muy cruel”. Esa tensión, añadió, se traduce en una comparación constante entre lo que le ocurrió a la víctima y lo que una misma habría hecho. Muchas consumidoras de true crime buscan en estos relatos patrones, errores o señales que les permitan anticiparse al peligro. “Si aprendo de esto, a mí no me va a pasar”, es la lógica que subyace, aunque, como señaló Comas, ese razonamiento “es muy perverso”.

“Al final lo que se está diciendo es eso, de no puedes ir por la calle sola de noche porque te puede pasar, entonces te quedas en casa. No hagas auto-stop porque te puede pasar, por lo tanto no te mueves”, explicó. “Entonces como que se va coartando un poco las salidas de las mujeres y se acaba en una domesticación”. En esa misma línea, Rocío Durán apuntó a cómo estos mensajes se trasladan a la vida cotidiana: “Veces y veces que me han repetido la cosa esta de no vuelvas de noche o no cruces parques”. “Entiendo que con el tema del true crime todavía es como insensibilizarte a la vez, como reforzar ese tipo de comportamiento”, añadió.

La autora también apunta a otra clave del éxito del género: la capacidad de generar una identificación múltiple. “El true crime nos hace sentirnos en la piel de víctima y asesino a la vez”.

Punitivismo y normalización de la criminalidad

El ensayo también cuestiona el enfoque habitual del género, centrado en el crimen, la investigación y la resolución judicial. “Todo acaba con la puerta de la cárcel cerrándose”, explica Comas. La autora considera que este esquema narrativo deja fuera buena parte de la historia. “Luego no hay un más allá”, señaló, en referencia a la falta de relatos sobre lo que ocurre después con las familias o los entornos de las víctimas.

Durante el coloquio, Rocío Durán planteó esa misma idea al preguntarse por el peso del castigo en estos relatos: “Es posible un true crime antipunitivista, o sea, es posible imaginar un documental en el que no acabe persiguiendo al asesino a través de los juzgados”. En esa línea, Comas insistió en la necesidad de ampliar el foco: “Sería más interesante qué pasa después con las que nos quedamos, con los entornos que se quedan en relación a eso, qué consecuencias les quedan”.

Otro de los ejes del ensayo es cómo el true crime convierte en cotidiano lo que en realidad es excepcional. España, recuerda Comas, tiene una de las tasas de criminalidad más bajas de su entorno, pero la repetición constante de estos relatos genera una sensación de amenaza permanente. El libro recoge además referencias internacionales, como el impacto de los asesinatos de Ted Bundy en universidades estadounidenses. Tras esos crímenes, se registró un descenso en las matriculaciones de mujeres. “Si le ha pasado a otras, le puede pasar a mí”, resumió Comas. “Sabemos que ocurren cosas horribles en el mundo… pero tampoco hace nada en tu vida contra eso”, añadió la autora, en relación con la idea de que la información no siempre se traduce en control, sino en una mayor sensación de inseguridad.

Quién cuenta las historias

El libro también pone el foco en quién construye estos relatos. Aunque cada vez hay más mujeres en formatos como el pódcast, la producción audiovisual sigue estando mayoritariamente en manos de hombres. “Depende desde qué perspectiva lo hagas… cambia mucho”, explicó Comas durante la presentación. “Nada va a ser objetivo”.

Durante el coloquio, Berta Jiménez también apuntó a cómo se construyen los perfiles de las víctimas: “Las protas son chicas blancas de clase media, clase alta”. Un patrón que deja fuera otros casos con menor visibilidad mediática.

En paralelo, la figura del agresor también se presenta como una excepción. “Si pensamos siempre que son psicópatas… eso también hace que no podamos pensar que lo que están haciendo es totalmente estructural”, señaló Comas.

En el pequeño municipio turolense de Libros, donde apenas residen un centenar de habitantes, la llegada de 152 escolares de los colegios de Las Viñas, La Salle y Las Anejas ha convertido por un día la lectura en una experiencia compartida, viva y cercana. La segunda edición de 'Libros que cuentan', impulsada por el área infantil y juvenil de la editorial Planeta, ha reunido a cinco autores de referencia de la literatura infantil con niños que no solo leen sus historias, sino que ahora pueden conocer a quienes las crean. Entre talleres, firmas y encuentros, la iniciativa demuestra que acercar los libros al medio rural no solo fomenta la lectura, sino que transforma la manera en que los jóvenes se relacionan con ella, despertando curiosidad, emoción y nuevas formas de entender la cultura. La iniciativa ha sido el preámbulo de la celebración del Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil el próximo 2 de abril.

“Hemos ido a Libros a leer libros”, resumirá Héctor en su redacción escolar la jornada vivida en este pueblo con nombre tan metafórico. Integrado en la comarca de la Comunidad de Teruel, este municipio llegó a tener una población de 2.500 habitantes pero ahora cuenta con un centenar entre los que se incluyen cuatro niños que van al colegio a la capital provincial. Se ha hecho merecedor de este encuentro tras colaborar con el programa 'Mi pueblo lee', que “nos proporciona los autores del grupo Planeta y que lleva cinco años en marcha”, explica el alcalde, Raúl Arana, una trayectoria que, según apunta, ha sido clave para que la editorial se fijara en Libros como sede de esta iniciativa. Este municipio se ha convertido en símbolo de dinamización cultural tras reunir más de 60.000 libros donados desde toda España y proyectar una biblioteca-hotel inspirada en la Biblioteca Pública de Nueva York.

El encuentro entre escolares y sus autores preferidos llenó este miércoles la Plaza Mayor, que también lleva el nombre del escritor turolense Javier Sierra, con talleres, firmas y encuentros literarios. A la cita han acudido autores de las series más destacadas: Pedro Mañas y David Sierra Listón, creadores de la colección Anna Kadabra, fenómeno editorial con más de dos millones de lectores; Susanna Isern, autora de la exitosa colección 'Magic Animals'; Isabel Álvarez, autora de Clara Nox, una nueva narrativa infantil middle grade (un espacio narrativo que actúa de puente entre la inocencia de la infancia y la complejidad de la adolescencia) para fans de Amanda Black, y Raquel Díaz Reguera, escritora e ilustradora de referencia en literatura infantil, acaba de presentar 'El caos de Beca', una colección inspirada en los cambios que vive un preadolescente antes de pasar al instituto. Además, como autor invitado para la ocasión también ha participado el mítico Gerónimo Stilton.

Los autores

La creadora de Clara Nox, Isabel Álvarez, tiene claro que cuando un niño cierra un libro “ya no es el mismo niño”.  Satisfecha con la experiencia y analizando el éxito de sus libros, relata que los niños le han dado “mucha información y muy interesante”. Los chicos le han contado que cuando leían un episodio tenían ganas de seguir, porque en el cole las profesoras mantenían el misterio hasta el día siguiente al acabar cada capítulo. Además, conectan con la protagonista porque es una chica a la que han alejado de lo que ella conoce –su madre está enferma y a miles de kilómetros–, por lo que no encaja en su nuevo ambiente. “Clara tiene mucha personalidad y aunque siente la presión por encajar, ella sigue manteniendo su personalidad”, desgrana su autora. A su juicio, “los niños, cuando leen fantasía, aprenden a volar en un simulador sin riesgo de estrellarse. Y aprenden mucho de habilidades, sobre todo cuando no encajan, pero intentan seguir adelante. Utilizando un término de psicología, el espacio transicional es la intersección entre el mundo interior del niño y su realidad exterior. A veces el mundo es difícil para un niño, hecho por adultos, con reglas que no han decidido”, explica. La colección de Clara Nox acaba de publicar el segundo libro en febrero y el tercero sale en julio.

La escritora e ilustradora Raquel Díaz Reguera ha dado un giro en su trayectoria con su nueva colección al reconocer que la editora le hizo salir de su “zona de confort” y dar “un paso adelante”. Su proceso creativo ha sido exigente: “He intentado ponerme verdaderamente en los ojos de una niña de 12 años y ha sido el libro al que más tiempo le he dedicado”. Defiende una literatura que no juzgue al lector joven al explicar que en su libro “la que habla es Beca y trato de no ningunear para nada lo que ella siente”. La autora también reflexiona sobre el contexto actual de los niños y adolescentes al señalar que “nos preocupa mucho que se entreguen a las pantallas, pero a lo mejor es que hemos perdido mucho tiempo sin iniciarlos en otras experiencias culturales”. A Raquel Díaz le ha sorprendido especialmente la aceptación del libro entre los niños. “Les gusta mucho y me hace mucha ilusión porque antes solo era lectura de niñas” y reconoce que “la respuesta está siendo brutal”. En su proceso creativo ha contado con una ayuda muy cercana, ya que “mi hija ha sido como un experimento social. Ella es la que me lee y me dice, mamá, esto no se dice así”.

Los creadores de la colección Anna Kadabra, David Sierra Listón y Pedro Mañas, admiten que el éxito de la saga sigue siendo difícil de explicar porque “ojalá lo supiéramos para repetirla, no sabemos qué ingredientes hemos mezclado”. Aun así, identifican algunos factores clave como un texto que conecta con los niños también a través de las ilustraciones “que les flipan”, dando lugar a un trabajo conjunto entre escritor e ilustrador que ha permitido “un producto muy auténtico en el que todo el mundo está muy implicado”.

Destacan además un logro fundamental en la iniciación lectora de los escolares, ya que “mucha gente nos dice que Anna Kadabra es el primer libro que sus hijos leen solos”. Su conexión con el público infantil tiene que ver con su propia actitud porque “nunca hemos dejado de ser niños” y tienen claro que “los niños detectan a la legua cuando un mayor se está haciendo pasar por un niño”. También defienden abordar temas complejos dentro de la literatura infantil al afirmar que “la magia es solamente una excusa para hablar de muchas otras cosas”, incluyendo cuestiones como “política y la especulación inmobiliaria” que trataron en uno de sus libros. Durante el encuentro se han mostrado sorprendidos por el nivel de los jóvenes lectores porque “conocen todos los libros e incluso recuerdan detalles que nosotros mismos hemos olvidado”.

La autora Susanna Isern reivindica el valor de la literatura infantil al reconocer que “ha estado bastante denostada”, aunque que cada vez tiene más presencia. Subraya su importancia en la formación personal al afirmar que “estamos creando a las personas que van a ser futuros lectores”.

Explica el principal reto de su trabajo porque “lo más complicado es dar con esa tecla que hace que un niño empiece a leer un libro y no lo abandone”. Para lograrlo apuesta por “historias frescas, personajes originales, por una chispa que haga que los niños se emocionen”. También destaca la influencia directa de los lectores en su proceso creativo, ya que a veces le dicen: “¿y por qué no creas un personaje o por qué no sale este otro?. Y esas peticiones las trasladamos muchas veces a los nuevos libros”, admite. Aunque Isern es consciente de la dificultad de vivir del oficio cree que eventos como este “ayudan y mucho a dar proyección”.

Los lectores

Los escolares han sido los verdaderos protagonistas de la jornada. Noemí, Sofía y Elia son fans de `Clara Nox´ “por sus aventuras, los vigilantes, los monstruos y porque hay muchos poderes”. Confiesan que la descubrieran en el colegio y ahora dan su voto de confianza al cole a la hora de elegir sus lecturas, aunque proponen a sus docentes leer también al veterano Gerónimo Stilton. “Antes, el colegio era aburrido cuando no leíamos en clase pero ahora ya nos compramos nuestros propios libros”, comentan orgullosas.

Luca, sin embargo, es fan de `Magic Animals´ “porque es de aventuras y me divierte mucho y me gusta la trama y los personajes”. Sin embargo, la jornada en Libros le ha servido para descubrir también a Anna Kadabra. A Luca le gusta escribir y adelanta que en su redacción de clase escribirá lo bien que se lo ha pasado y que le hayan firmado los autores porque “hemos visto que los autores existen de verdad”, añadía.

Héctor, alumno de Las Viñas, cuenta que un día llegó su profesora planteando leer unos libros para hacer luego una actividad en Libros. Todo empezó con 1, 2 y 3 de ´Magic Animals´ y es la colección que le gusta “por mucho” respecto a otras. Le encantan los animales, como Eric, el oso. Y aunque reconoce que no le gusta mucho leer, estos libros le facilitan seguir la historia “porque no son tan espesos, cuenta con ilustraciones y letras más grandes”. De la experiencia, Héctor resume que “hemos hecho una excursión muy chula. Hemos ido a Libros a leer libros”, y también les ha servido para descubrir el pueblo, a pesar de su cercanía a la capital.

Los cómplices: la editorial, el ayuntamiento y el colegio

La segunda edición de 'Libros que cuentan' ha transformado el pequeño municipio turolense de Libros en un punto de encuentro entre autores y jóvenes lectores con un objetivo claro, acercar la literatura infantil al medio rural porque, como subraya la editora de Planeta, Anna Casals, “estamos convencidos de que los libros para los niños son importantísimos”, y apuesta por llevar este tipo de iniciativas al medio rural, donde no suele haber tantas herramientas y oportunidades como en las ciudades. De hecho, dos de las autoras, Isabel y Silvia, pasaron la infancia y parte de la adolescencia, en un pueblo de Asturias una, y en un pequeño municipio catalán, otra, lo que a Isabel le sirvió para hacer realidad sus ansias de descubrir y a Silvia, para inspirarse en la naturaleza siempre presente en sus obras.

El alcalde de Libros, Raúl Arana, resalta la emoción de este día porque “es una alegría tener 150 niños cuando de normal viven 50 personas de manera continua en el pueblo, 4 de ellos, niños” y añade que “cuando nos lo propusieron, ni nos lo pensamos”. Arana destaca que este tipo de actividades forman parte de una estrategia más amplia de dinamización cultural que se desarrolla en el municipio. Durante el verano el pueblo multiplica su población y se organiza una semana cultural además de un festival literario que se celebra el 5 de junio, al que han acudido autores famosos y se presenta como una oportunidad para conseguir contactos.

Desde el ámbito educativo, destacan que la experiencia ha tenido un impacto directo en los hábitos lectores. Magdalena Amat, profesora de 4º de primaria del colegio La Salle, explica que, al conocer la idea, les facilitaron una colección para que los niños pudieran concocerla y ella, junto con otra tutora, Elena Soriano, decidieron hacer lecturas por las mañanas y dejaban a los alumnos en suspense hasta el día siguiente, “lo que provocó que se engancharan rápido”. El resultado ha sido evidente porque “les ha gustado mucho la historia y les hace ver la literatura de otra manera”. También destaca que a muchos de sus alumnos les cuesta bastante coger un libro pero esta experiencia les ha metido más en la historia. Por ello defiende que “es una iniciativa muy buena porque el libro requiere más tiempo que la inmediatez a la que estamos sometidos, pero podemos optar por más cosas”.

Hay historias que no se entierran bajo la tierra, sino dentro de cajas. Cajas selladas con prisa, trasladadas a toda velocidad entre fronteras, cargadas en camiones que huían del avance de la guerra, olvidadas después durante décadas en depósitos silenciosos. Cajas que contienen imágenes, pero también decisiones, trayectorias y una forma de mirar el mundo. Cajas que, cuando se abren, no solo devuelven fotografías, sino también vidas interrumpidas. De ese viaje improbable y de lo que quedó dentro nace ‘Las Cajas de Ámsterdam. Margaret Michaelis y Kati Horna en la Guerra Civil’, el libro de la historiadora Almudena Rubio que reconstruye tanto el itinerario de un archivo como el de dos mujeres que hicieron de la cámara una forma de compromiso.

Rubio no se limita a ordenar imágenes: trata de restituir un sentido. Lo deja claro cuando explica que en el caso de estas dos fotógrafas “vida y obra en los dos casos es algo inseparable, van de la mano y además en los dos casos muy marcado por ese compromiso político con los anarquistas”. Esa afirmación atraviesa el libro, presentado la semana pasada en la Diputación Provincial de Huesca, como una columna vertebral, porque la autora no solo quiere mostrar lo que fotografiaron, sino desde dónde lo hicieron. Y ese punto de partida se remonta a una Europa que ya se estaba resquebrajando antes de la guerra española.

Margaret Michaelis (1902-1985) y Kati Horna (1912-2000) nacieron en familias judías de clase media en el corazón de Centroeuropa, en Austria y Hungría respectivamente, y crecieron en un contexto donde la modernidad artística convivía con la radicalización política. Sus trayectorias, como subraya Rubio, tienen sorprendentes paralelismos: “Son dos fotógrafas de raíz centroeuropea, van a tener unas trayectorias similares”. Ambas se formaron en fotografía, ambas pasaron por Berlín a comienzos de los años treinta, ambas se vincularon de una u otra forma a círculos anarquistas y ambas acabaron en España durante la Guerra Civil trabajando para las oficinas de propaganda de la CNT. Sin embargo, sus caminos no son idénticos, y es precisamente en sus matices donde el libro encuentra una de sus mayores riquezas.

Michaelis se formó en Viena durante años, en un aprendizaje prolongado que se tradujo en una sólida base técnica y en una sensibilidad marcada por la vanguardia. Después se trasladó a Berlín, donde abrió su propio estudio, y más tarde hizo lo mismo en Barcelona y en Australia, ya en el exilio. Hay en su biografía una capacidad constante de recomenzar que Rubio destaca con admiración: es “capaz de sobreponerse y empezar de nuevo” en contextos completamente distintos, cambiando de idioma, de entorno y de clientela sin abandonar nunca la fotografía. Esa experiencia vital se percibe en sus imágenes, en sus encuadres arriesgados, en la búsqueda de ángulos poco convencionales, en esa inquietud que la lleva a situarse a distintas alturas para captar la escena.

Horna, por su parte, se formó en Budapest en contacto con círculos obreros donde la fotografía se concibe como herramienta crítica. Rubio recuerda que desde muy joven frecuentaba ambientes donde la imagen se entiende como denuncia social, y que esa influencia sería decisiva: “Entendía la fotografía como una herramienta de crítica social y eso va a influenciar ya en ese momento a Kati Horna”. Más tarde, su paso por Berlín intensificó su politización, y en París entró en contacto con las corrientes surrealistas, aunque más adelante se distanció de ellas. Su lenguaje visual, como apunta Rubio, será más complejo, más cargado de capas simbólicas, menos directo que el de Michaelis, pero no por ello menos comprometido.

No son observadoras neutrales

Ambas confluyeron en España en momentos distintos, pero bajo un mismo horizonte. Michaelis llegó a Barcelona en 1933, huyendo del nazismo, y cuando estalló la guerra ya estaba instalada, conocía la ciudad y había tejido una red de contactos en los ambientes anarquistas. Horna, en cambio, aterrizó en enero de 1937, en plena contienda, sin conocer el idioma ni el entorno. Esa diferencia marca también sus experiencias, pero no altera el fondo: ninguna de las dos es una observadora neutral. Rubio lo subraya con contundencia: “No son fotógrafas que llegan allí y van a tomar fotografías sin posicionarse, se posicionan”. La cámara, en sus manos, es una herramienta política.

Esa mirada se desplegó en el frente de Aragón y en la retaguardia oscense, en lugares como Albalate de Cinca, Banastás, Vicién, Igriés o Grañén. Pero lo que muestran sus imágenes no es solo la guerra en su dimensión más evidente, sino también sus márgenes: la vida cotidiana alterada, los espacios transformados, los cuerpos que resisten lejos del frente. En ese sentido, el archivo que Rubio estudia aporta una perspectiva distinta a la que ha dominado el imaginario visual de la Guerra Civil, más centrado en la épica del combate. Aquí hay menos heroísmo y más humanidad, menos gesto grandilocuente y más detalle.

Esa diferencia no es menor. La autora insiste en que este conjunto de imágenes “completa y enriquece ese legado fotográfico de la guerra conocido hasta ahora”, precisamente porque introduce una mirada que había quedado dispersa. Frente a los nombres ya canonizados como Robert Capa, Gerda Taro o David Seymour, las fotografías de Michaelis y Horna habían permanecido fragmentadas en distintos archivos, sin una lectura conjunta que las situara en su contexto político y geográfico. El hallazgo de las llamadas “Cajas de Ámsterdam” permite, por primera vez, reconstruir ese relato.

Pero el libro no se limita a analizar las imágenes: también sigue el rastro físico de esas cajas. Y ahí es donde la investigación adquiere un tono casi narrativo, porque el archivo tiene su propia historia, tan accidentada como la de las personas que lo produjeron. Rubio recuerda que al comenzar su trabajo todo eran preguntas: “Fue una sorpresa tras otra… ¿por qué está este archivo aquí?”. La respuesta implica atravesar Europa.

En enero de 1939, ante la inminente derrota republicana, el archivo de las oficinas de propaganda de la CNT-FAI fue empaquetado y evacuado de Barcelona. Las cajas viajaron hasta la frontera francesa en un camión conducido por el anarquista Simón Radowitzky, acompañado de mujeres y niños refugiados. Desde allí pasaron a París, luego a Inglaterra para evitar su caída en manos nazis y finalmente a Ámsterdam, al Instituto Internacional de Historia Social. El recorrido es tan incierto como decisivo, porque en cada etapa el archivo pudo perderse. Rubio lo resume como “un viaje y un problema tras otro que se va resolviendo”, una cadena de contingencias que, sin embargo, termina preservando el material.

Durante décadas esas cajas permanecieron cerradas. Un acuerdo impedía abrirlas hasta que la situación en España cambiara, lo que retrasó su estudio hasta después de la muerte de Franco. Cuando finalmente se organizaron en los años ochenta, el archivo reveló miles de negativos, placas de vidrio y fotografías. Sin embargo, la tarea de identificarlos, contextualizarlos y atribuirlos quedó pendiente. Es ahí donde entra el trabajo paciente de Rubio, que durante más de diez años ha ido reconstruyendo piezas dispersas.

Ese proceso no ha sido lineal. La autora reconoce que no siempre ha podido identificar cada imagen, pero aun así ha logrado trazar recorridos, establecer conexiones, devolver autorías. “He intentado ir registrando por donde han estado”, explica, consciente de que ese mapa, aunque incompleto, es esencial para entender la dimensión de su trabajo. Porque no se trata solo de saber qué fotografiaron, sino de seguir sus pasos en medio de la guerra.

Al hacerlo, el libro también recupera la dimensión personal de estas dos mujeres. Rubio insiste en que fueron “mujeres con una clara voluntad de independencia, de autonomía”, algo que en el contexto de los años treinta no era habitual. Eligieron una profesión, sostuvieron económicamente sus vidas, se desplazaron por Europa y tomaron decisiones personales que desafiaban las normas sociales. Michaelis abrió estudios en tres países distintos; Horna sobrevivió en París gracias a sus reportajes. Ambas rompieron relaciones, iniciaron otras, vivieron sin ajustarse a los modelos tradicionales.

“Vivieron sus vidas con pasión y valentía”

Ese componente biográfico no es accesorio, sino central. Forma parte de la misma lógica que une vida y obra. Rubio lo sintetiza al afirmar que “vivieron sus vidas con pasión y con valentía”, una valentía que se manifiesta tanto en sus decisiones personales como en su trabajo en contextos de riesgo. Horna llega a Barcelona con poco más de veinte años para fotografiar una guerra; Michaelis documenta el conflicto desde una posición comprometida. Ninguna de las dos se limita a observar.

Esa implicación es, precisamente, uno de los puntos que el libro reivindica frente a lecturas exclusivamente estéticas. Rubio advierte que reducir estas imágenes a su valor formal implica despojarlas de su sentido histórico: “Ahogar esta lectura más histórica, más política de sus obras bajo la estética de sus fotografías es no ser justa con ellas”. No se trata de negar su calidad artística, sino de integrarla en una comprensión más amplia. Como ocurre con figuras como Capa, entender su obra implica conocer su posicionamiento.

En ese cruce entre estética y política, el archivo de Ámsterdam adquiere un valor singular. No es solo un conjunto de imágenes, sino un testimonio colectivo en el que conviven distintos fotógrafos y distintas miradas. Junto a Michaelis y Horna aparecen nombres como Antoni Campañà, Badosa o Agustí Centelles, configurando un mosaico que amplía el relato visual de la guerra. Pero incluso en esa diversidad, el libro mantiene el foco en sus dos protagonistas, devolviéndoles una centralidad que había quedado diluida.

Quizá por eso el texto tiene también algo de relato de búsqueda. El primer capítulo, escrito en primera persona, narra el propio proceso de investigación, con sus dudas y hallazgos. Esa elección no es casual: introduce al lector en el descubrimiento progresivo del archivo, en la sensación de estar abriendo cajas que llevan demasiado tiempo cerradas. Y en ese gesto hay algo más que un trabajo académico: hay una voluntad de rescate.

La IV Campaña Arqueológica de recuperación y puesta en valor del castillo d'Os Muros de Ayerbe ha arrancado esta semana consolidándose como un proyecto singular en Aragón, tanto por sus avances científicos como por su carácter participativo. Impulsada por la asociación local ZIDMA (Zentro de la Imagen Digital y la Memoria de Ayerbe) y dirigida por el arqueólogo Antonio Alagón Castán, la intervención se desarrolla entre el 21 y el 29 de marzo con un modelo basado en la implicación vecinal y la divulgación.

Lejos de los proyectos académicos tradicionales, esta iniciativa nace del propio municipio. En declaraciones a Europa Press, Antonio Alagón ha explicado que “este es un proyecto que ha surgido de la energía popular, de la gente del pueblo”, quien ha subrayado que fueron los vecinos quienes decidieron actuar ante el deterioro progresivo del enclave. “Veían cómo su castillo cada vez estaba más maltrecho, más deteriorado, y decidieron ponerle freno”, ha añadido.

Ese deterioro tiene raíces profundas. Durante décadas, e incluso siglos, el recinto fue objeto de expolio sistemático. “Aquí era casi un deporte nacional subir a buscar piedras para construir en el pueblo”, ha relatado el arqueólogo. A ello se sumó la persistente leyenda del 'Toro de Oro', un supuesto tesoro oculto que llevó a generaciones de vecinos a excavar sin control. “Esto parecía un conejar, lleno de agujeros por todos lados, con gente buscando ese tesoro”, ha resaltado.

Frente a ese pasado, la campaña actual plantea un cambio de paradigma: de la extracción al conocimiento. “Ahora la gente sube a informarse, a ver qué pasa aquí, a entender que estos muros forman parte de su historia”, ha destacado Alagón.

Excavaciones en la zona norte y nuevos descubrimientos

Los trabajos se centran, un año más, en la zona norte del castillo, considerada la más estratégica del conjunto. Desde este punto se domina visualmente todo el frente de la sierra, en una ubicación clave durante la Edad Media como frontera entre el mundo andalusí y los reinos cristianos.

“Estamos en un territorio de frontera, donde durante décadas se estuvieron vigilando ambos lados, con castillos que se veían entre sí”, ha explicado Alagón, en referencia a enclaves como Loarre o Marcuello. En este contexto, el castillo de Ayerbe adquiere un valor histórico destacado, especialmente en su fase islámica, menos conocida que la cristiana.

Las excavaciones han permitido avanzar en la identificación de estructuras defensivas clave. “Estamos encontrando varias líneas de defensa y, sobre todo, la zona de acceso al castillo”, ha confirmado el director. La localización de una interrupción en la muralla y de elementos arquitectónicos en derrumbe ha permitido confirmar la ubicación de la antigua puerta de entrada, uno de los principales objetivos de la campaña.

Pero uno de los hallazgos más relevantes de este año se ha producido en un promontorio situado frente a esa entrada, que durante años se consideró natural. “Hemos hecho un sondeo y ya hemos identificado al menos tres niveles de construcción”, ha incidido Alagón. Entre ellos, se han detectado estructuras que podrían ir desde intervenciones contemporáneas —posiblemente de la Guerra Civil— hasta niveles más antiguos con sillares de gran tamaño.

“Esto nos confirma que ahí hay algo importante, incluso podría haber una estructura previa al castillo islámico”, ha apuntado. El hallazgo abre nuevas líneas de investigación y refuerza el potencial arqueológico del yacimiento de cara a futuras campañas.

Un laboratorio abierto y formación para voluntarios

La campaña no se limita al trabajo de campo. Este año, como novedad, se habilitará un espacio en Ayerbe para realizar labores de laboratorio, como limpieza, clasificación y estudio de materiales. “La excavación no es solo lo que se ve aquí; hay meses de trabajo posterior analizando piezas, documentación o cartografía”, ha declarado Alagón.

Este espacio también tendrá un carácter formativo. “Queremos que la gente participe, que aprenda cómo se trabaja en laboratorio, que entienda todo el proceso”, ha dicho. En este sentido, el proyecto actúa como una escuela abierta de arqueología, accesible tanto a aficionados como a personas con formación especializada.

El equipo está compuesto sobre todo por voluntarios de Ayerbe y la comarca, aunque también participan perfiles técnicos. “Aquí hay de todo: desde gente del pueblo hasta arqueólogos o restauradores. El mundo rural ha cambiado mucho y hay mucho conocimiento”, ha recordado.

Acercar la arqueología a la ciudadanía

Uno de los pilares del proyecto es su vocación divulgativa. A diferencia de otras excavaciones, el yacimiento está abierto al público durante los trabajos. “Aquí la gente entra, pregunta, se acerca, no hay cintas que lo impidan. Les explicamos todo”, ha afirmado Alagón.

Esta cercanía se refuerza con actividades como la jornada de puertas abiertas prevista para el 28 de marzo o las visitas escolares del CPI Ramón y Cajal. “Los niños suben todos los años y es un recuerdo que les marca. Llegan a casa entusiasmados”, ha añadido.

Además, la campaña incluye iniciativas paralelas como exposiciones, excursiones o encuentros con la comunidad. “Es devolver a la gente lo que es suyo, porque este patrimonio es de todos”, ha apostillado el arqueólogo.

El impacto social es ya visible. “Cada vez tenemos más voluntarios, más gente interesada, incluso turistas que vienen expresamente a ver el yacimiento”, ha apuntado. Un cambio de mentalidad que, según Alagón, es uno de los mayores logros del proyecto: “Hemos pasado de buscar tesoros a valorar una simple cerámica del siglo XII por lo que significa”.

Más allá de la excavación, el proyecto mira ya hacia la conservación del conjunto. “No solo se trata de excavar, sino de consolidar lo que queda”, ha explicado Alagón. En este sentido, se están estudiando futuras intervenciones para estabilizar estructuras en riesgo, como el ábside de la antigua iglesia de San Juan.

Estas actuaciones requerirán nuevas autorizaciones, ya que el enclave cuenta con la declaración de Bien de Interés Cultural (BIC), lo que obliga a extremar las precauciones. “Tenemos que dejar el lugar mejor de lo que lo encontramos, no podemos permitirnos degradarlo”, ha insistido.

Con esta cuarta campaña, el castillo d'Os Muros sigue recuperando su historia y su lugar en la memoria colectiva de Ayerbe. Un proceso que combina investigación, participación ciudadana y puesta en valor del patrimonio, y que, como ha resumido Antonio Alagón, “demuestra que la arqueología también puede ser una herramienta para unir a un pueblo en torno a su historia”.

Por primera vez, la provincia de Zaragoza se presenta en la capital con una marca común, 'El latido de la tradición', para difundir el alma de sus Semanas Santas. La iniciativa, impulsada por la Diputación de Zaragoza, busca potenciar estos trece municipios como un destino turístico y cultural de primer orden, basado en la autenticidad y el compromiso de sus vecinos.

La campaña se vertebra sobre el concepto del “latido”, una metáfora que une el estruendo de los tambores con el pulso vital de unos pueblos que cuidan su legado con orgullo. Desde el drama barroco hasta el silencio más sobrecogedor, estas localidades ofrecen un mapa de sensaciones único en Aragón.

Un patrimonio humano y artístico

La cifra es contundente: más de 12.340 cofrades repartidos en unas 60 cofradías mantienen vivos ritos que, en algunos casos, se remontan al siglo XIII. A la lista de municipios se ha sumado recientemente Épila, cuyo reconocimiento como Fiesta de Interés Turístico fue publicado en el BOA el mismo día de la presentación de esta propuesta.

Cristina Palacín, diputada delegada de Turismo, destaca que el objetivo es mostrar una provincia diversa con un patrimonio tangible e intangible excepcional. “Queremos que el visitante descubra no solo los pasos y procesiones, sino también nuestra gastronomía, nuestros paisajes y un modo de viajar más pausado y auténtico”, subraya.

Palacín ha explicado que “la Semana Santa es una de las expresiones culturales más auténticas de la provincia. Cada localidad tiene su forma de vivirla, pero todas comparten una misma esencia: la implicación de sus vecinos y el orgullo por mantener vivas sus tradiciones”.

Ha destacado que el objetivo es “mostrar que la provincia de Zaragoza ofrece una Semana Santa diversa con un patrimonio artístico tangible e intangible, con estilos, sonidos y emociones muy distintos, pero con un hilo común que une a todos nuestros municipios”. Además, ha subrayado el potencial turístico de estas celebraciones donde “cada año miles de personas se acercan a nuestros pueblos para vivir la Semana Santa y nuestro objetivo es que descubran también los recursos patrimoniales, paisajísticos, así como la gastronomía y un modo de viajar y vivir más pausado y auténtico”.

El trabajo y compromiso de las cofradías, las asociaciones y los vecinos que, generación tras generación, han mantenido viva esta tradición, convierten a estas celebraciones en una seña de identidad de la provincia.

Cada una de las semanas santas ofrece singularidades que puede atraer a visitantes que busquen experiencias diferentes.

Trece latidos, trece experiencias únicas

Cada municipio aporta una singularidad que lo hace irrepetible, configurando una oferta de experiencias que difícilmente se encuentra en otros lugares:

Alagón, con más de siete siglos de historia, destaca por la espectacularidad de sus pasos portados a hombros por más de 1.500 cofrades y por su gastronomía propia (sopada y cañas de azúcar).

El Domingo de Resurrección de Ariza sobrecoge con la “Bajada del Ángel”, un rito de teatro litúrgico medieval donde un niño desciende mediante poleas para anunciar la noticia ante la Virgen.

En Ateca se desarrolla un auténtico drama barroco donde desfila “La Muerte” (un esqueleto real de mujer) y se monta “El Monumento”, una asombrosa tramoya teatral del siglo XVIII.

Calatayud, la “Jerusalén Bilbilitana” transforma sus calles en un escenario bíblico con personajes del Antiguo y Nuevo Testamento y presume del Vía Crucis más antiguo de España.

En Caspe, la ciudad del Compromiso, el fervor se concentra en la custodia del Lignum Crucis, uno de los fragmentos de la verdadera cruz de Cristo más grandes del mundo, donado en el siglo XIV.

La seña de identidad de Ejea de los Caballeros es la música, con un Concierto de Jotas de Pasión y la particularidad de procesionar su Santo Entierro bajo palio.

Épila mantiene rituales de gran valor antropológico como el “Encierro del Alcalde” y el “Abajamiento”, un descendimiento realizado con una imagen articulada de 1631.

En Fuentes de Ebro la emoción estalla en la Rompida de la Hora a medianoche del Jueves Santo, bajo la icónica torre mudéjar de la iglesia de San Miguel.

Pinseque destaca por la marcialidad de sus Alabarderos, soldados romanos que realizan guardias de honor al Cristo Yacente con relevos cada media hora.

Tarazona, la ciudad del Moncayo ofrece una atmósfera sonora arcaica gracias a sus carracas y matracas de madera, además de la singular procesión de “los Ensacados”.

Tauste es fiel a su raíz franciscana, conserva la Procesión del Pregón (siglo XVI), un rito donde se anuncia solemnemente la crucifixión por las plazas de la villa.

En Torrijo de la Cañada el realismo llega a su cénit con un Cristo articulado del siglo XV; durante el Descendimiento, la imagen simula verter sangre tras el lanzazo de Longinos.

Used es una “catequesis viviente” donde casi la mitad del pueblo se viste de personaje bíblico con trajes confeccionados artesanalmente por las mujeres de la localidad.