El cálculo probabilístico, además de caprichoso, puede ser oportuno, muy oportuno. Tanto como para encontrar en el mercado gráfico español, en estos mismos momentos, una obra que se desarrolla en medio de una pandemia mundial que no tiene nada que ver con los “muertos vivientes”. ¿Les suena el concepto?

En esta ocasión, el nombre del virus sobre el que se articula toda la narración responde a las siglas HBV2 y, como dice un epidemiólogo con el que se encuentran los protagonistas de la historia, Éste usa el código genético de sus víctimas para replicarse. El ADN del HBV2 contiene las secuencias genéticas de lo mejor que ha creado la naturaleza en el reino animal y vegetal… Es como si se hubiera colado en los códigos genéticos de miles de especies y hubiera copiado las partes más interesantes.

Todo este desaguisado empieza durante una excursión estudiantil hasta los húmedos y agobiantes pantanos de lo que en su día formó parte del territorio de la antigua Luisiana francesa. En aquel lugar, un grupo de adolescentes canadienses se ha pasado dos semanas buscando especímenes de anfibios, para el regocijo del profesor al cargo y la desesperación de buena parte de sus alumnos. Cuando llega el día de regresar, todos se topan con una realidad que había pasado desapercibida, ante el aislamiento tecnológico al que habían estado expuestos durante su aventura científica. Ni que decir tiene que esta “nueva realidad” se presentará de una forma brusca, impactante y sin darles ningún tiempo para poder asimilar todo lo que está pasando a su alrededor.

Una vez se quieren dar cuenta de lo que ha sucedido, descubrirán que uno de ellos, Noah, está contagiado, ¡otro código 66!, en palabras del sargento que les estaba poniendo al día de su situación. Lo siguiente que verán ante sus ojos, una vez que abandonan el autobús en el que se dirigían al aeropuerto, serán las frías instalaciones de un hospital de campaña, orquestado por el ejército. Allí lo único que hay son preguntas y más preguntas sin respuestas. Y cuando alguien, por fin, les cuenta lo que pasa, es para decirles que su compañero se tiene que quedar aislado, mientras el resto puede regresar a su casa…

Sobra decir que ni Naia, la hermana de Noah, ni el resto de los amigos más cercanos -incluyendo a Linda, quien todavía sigue enamorada del contagiado, a pesar de que éste la dejara- estarán dispuestos a separarse de él, por mucho que esto suponga quedarse aislados en un territorio cada día más inhóspito. En un espacio donde, después de que se declarara la pandemia, han empezado a proliferar los muros de contención por doquier, en un vano intento por frenar una pandemia que hace tiempo que le está ganando la partida a los seres humanos.

La única esperanza que les queda es poder retrasar, aunque sólo sea por unas semanas y merced a un tratamiento experimental, el proceso de transformación que, según todas indicaciones que reciben mientras están en el hospital, terminará por afectar a Noah de manera irreversible. Pasado cierto estadio, los enfermos pierden la noción del mundo que los rodea. Pierden el lenguaje, la noción del tiempo… Y acaban por no reconocer a sus allegados. Desarrollé este procedimiento para tratar de ralentizar esa evolución, les dirá el mismo doctor que les explicó la razón del dantesco escenario que tenían frente a sus ojos.

Con todo decidido, el variopinto grupo estará formado, además de por Naia, su hermano y Linda, por Beth, Lucas, y el pendenciero, pero resolutivo, Sato. Todos juntos deberán abandonar el mundo que hasta entonces conocían para entrar en un territorio donde impera el caos, la sinrazón, el pillaje y la ley del más fuerte.

Un mundo donde la división estará marcada por quienes están contagiados y los que no, organizados bajo el torticero y xenófobo eslogan de “Human First”. Con esta perspectiva, poco queda ya de las normas y los códigos éticos sobre los que se sostenía la sociedad, tal y como se conocía hasta la llegada del virus.

La situación, por otra parte, servirá para demostrar que el instinto de supervivencia logra activar los “espolones” de quienes, sobre el papel, estarían condenados a perecer a las primeras de cambio. Sin ir más lejos, Linda será el mejor ejemplo de cómo las crisis ponen a los seres humanos en el lugar que les corresponde. Otra cosa, bien distinta, es lograr encontrarle sentido a todo aquello justo cuando uno está tratando de encontrar su lugar en el mundo, no importa qué mundo sea. Pedir, en medio de tal amalgama de sentimientos, que uno tome partido por un bando o por otro no sólo es duro, sino que sólo sirve para acentuar la soledad y la desolación que, en el fondo, domina los corazones y las mentes del grupo de jóvenes. Unos jóvenes que un día querían librarse de las clases y, al día siguiente, estaban luchando por su supervivencia, a imagen y semejanza de Ellie y Joel… 1

Además, el virus ofrecerá dos caras, según lo vean los contagiados o quienes lo rodean. Esa dualidad es la que, como suele pasar en este tipo de situaciones, aprovechará un desmedido coronel y el no menos desmedido predicador, en busca de un “Alfa” que les permita controlar una situación, a todas luces incontrolable.

Quizás lo difícil sea aceptar que todo lo anterior quedó atrás y que el mundo se ha convertido en un páramo lleno de alimañas que no te darán tregua, tal y como le sucede a Thomas Rourke, Sam y al resto de supervivientes bajo las órdenes del capitán Frank Hill. 2

Green Class es una historia gráfica que no huye de las influencias estéticas exportadas del séptimo arte y el mundo de los videojuegos. Sus creadores aprovechan hasta el último recurso estético para plasmar los diferentes estadios en la propagación de una pandemia que, por conocida, siempre ofrece nuevos puntos de vista para el lector. Lo único que se demanda, visto el magnífico dibujo de David Tako, es que los álbumes publicados en España por LetraBlanka Editorial fuera de mayor tamaño para poder disfrutar, aún más, de una narración trepidante e impactante, desde la primera página.

En cuanto al apartado literario, la variación sobre la que se soporta el discurso narrativo de Jérôme Hamon es dar el punto de vista de un grupo de adolescentes que, en teoría, deberían ser los primeros en la lista de víctimas de una situación como en la que están inmersos.

Hasta ahora se han publicado dos álbumes, Pandemia y Alfa, de esta cuidada edición. Es el mismo número de álbumes que ha lanzado, en su versión original francesa, Éditions du Lombard (Dargaud-Lombard, S.A.). A buen seguro que las siguientes entregas servirán para desentrañar los secretos y aquellas preguntas que están sin responder.

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2020.

© 2020 by David Tako, Jérôme Hamon

Edición española © Letrablanka Editorial, S.L., 2020

Normalmente, siempre que Pedro se mete en un proyecto, él me propone como colorista. Hago la prueba de color y generalmente me aprueban, ya que hacemos buen equipo. Nos entendemos bien. Y este caso no fue una excepción.

¿Te habías planteado antes trabajar en un proyecto de estas características?

Nosotros siempre estamos abiertos a lo que venga, no nos gusta estancarnos en un solo tema o en una única manera de interpretar el color o los proyectos. Hablo de nosotros, porque es algo que siempre comparto con Pedro. Como lectora, lo histórico me ha llamado mucho siempre, aunque leo de todo.

El fotógrafo de Mauthausen es, como el resto de los desmanes cometidos por los miembros del partido Nacionalsocialista Obrero Alemán y sus tropas de asalto, una historia recogida en blanco y negro. ¿Cómo se logra plasmar dicha historia en color, partiendo de las fuentes originales ya existentes?

Hubiera sido más fácil hacerlo en blanco y negro, no te lo voy a negar, pero cuando leí la sinopsis, me lo imaginé todo muy sepia, muy apagado, que es a lo que estás acostumbrado cuando ves fotos de la época. Lo más parecido al blanco y negro es cuando Pedro reinterpretó, en acuarelas, las fotografías originales. Ahí tuve claro que eso no necesitaba más, un poco de textura y un único tono de color. Y en las páginas era parecido, un tono tenía que predominar, un tono frío.

¿Cómo se escoge una paleta de colores que logre atrapar una historia tan dramática como ésta?

El tono triste de la historia es lo que marca la paleta, salvo en los momentos de esperanza en los que metí colores más vivos para potenciar el estado de ánimo de los personajes, pero éstos no abundan. Fue un reto intentar diferenciar las escenas entre sí, pero a la vez no salir de ese tono frío, azulado y apagado. También predominan los marrones, sobretodo en las escenas del interior de los barracones o de la sala de los juzgados de Nuremberg.

Viendo el desarrollo de todas y cada una de las páginas, mantengo que el color viene determinado por el estado de ánimo del personaje principal, Francisco Boix, salvo en aquellas páginas que actúan como una suerte de testimonio documental. ¿Esto es así o las motivaciones a la hora de escoger cómo colorear la obra fueron otras?

Fue exactamente así. El color lo iba marcando Francisco y sus emociones. El color tiene que ser en todo momento narrativo o, al menos, es lo que trato de plasmar. Intenté resaltar todo lo que guionista y dibujante quisieron destacar en cada momento, dirigiendo la mirada del lector y potenciando lo que ellos habían hecho.

Una vez aceptado el enorme reto de tintar el drama de todas aquellas personas, con motivo del setenta y cinco aniversario de la liberación de la mayoría de los campo de concentración del régimen nacionalsocialista, ¿cómo fue el proceso de documentación y cuánto tiempo duró?

La documentación nos las pasó Salva. Tuve que documentarme más a medida que avanzaba el proyecto, para algunos detalles, como en algunos uniformes, trajes e, incluso, los colores de los equipos de fútbol que juegan el partido, pero todo ello fue siempre con la ayuda de Salva que enviaba a Pedro carpetas y más carpetas de documentación.

La duración de la documentación fue la misma que el tiempo que tardamos en acabar el álbum, pues aunque teníamos mucha información siempre había algo que buscar, porque con cada página podían surgir dudas.

La edición original de la obra se publicó dos años después de la segunda edición del libro escrito originalmente por Benito Bermejo, en el año 2002, bajo el título Francisco Boix, el fotógrafo de Mauthausen. Con ambos libros en la mano, debo decir que se complementan perfectamente, aunque la novela gráfica pone el color que no existe en el libro de Benito Bermejo. ¿Se tuvo en cuenta dicho trabajo como una de las principales fuentes documentales para luego ser coloreadas?

Sí, es un libro que compramos al poco de aprobarse nuestra participación en el proyecto. Ha sido un referente constante.

¿Crees que plantear una obra como ésta en color es necesario, visto otros ejemplos, tanto gráficos como cinematográficos, que siguen mostrando el horror de los campos de exterminio y de todos aquellos que vivieron en ellos en blanco y negro?

Pues no sé si es necesario o no. Como colorista, naturalmente me atrae más las posibilidades de jugar con él, y se podría haber tratado de mil maneras diferentes. Un ejemplo claro es “La lista de Schindler”, que es muy potente a nivel gráfico, con el uso del color rojo en momentos clave, pero para eso ya está esa película.

Siempre que hemos participado en un proyecto para el mercado franco-belga, nos han pedido que haya color. Seguro que habrá excepciones, pero en este caso querían que fuera a color.

La tragedia de los españoles deportados hasta el campo de Mauthausen continúa siendo ignorada por buena parte de la sociedad de nuestro país. ¿Crees que este trabajo servirá para devolver una parte de la dignidad perdida por aquellos combatientes olvidados por su propio país de origen?

Pues no lo sé, pero sí espero que salgan del olvido. Personalmente, desconocía la existencia tanto del campo como del propio Francisco Boix y todo lo que hizo... Ahora no sé que enseñarán en el colegio o en el instituto, pero, donde yo estudié, pasaban de puntillas por el tema y te hablaban de Auschwitz y poco más. A nivel familiar sí podía tener algo más de conocimiento de la guerra civil en España, pero no de campos de concentración.

¿Crees que el cómic debería ser una herramienta más en el proceso de aprendizaje escolar?

Sí, es una manera divertida y gráfica de enseñar a los niños algo de historia en nuestro caso. No creo que sea lo mismo que te obliguen a leer un libro o un cómic, aunque es algo que veo complicado, ya que el cómic sigue teniendo el estigma de que es algo para niños, para evadirse. Es como decir que los libros son sólo para adultos y tampoco es así.

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2020

© Aintzane Landa, Bilbao, 2020

Salva, el guionista, se puso en contacto conmigo tras hablar con Jaime Martin, que fue profesor mío de color, en la Escuela Joso. La historia estaba aprobada en la editorial belga Le Lombard y el editor tenía claro como quería que fueran las páginas; es decir, realistas, pero a la vez con un toque de esbozo, suelto. Así que yo hice lo que buenamente pude, dado que el dibujo realista no es lo mío. Finalmente hice dos páginas y varias más en story-board, diseños de personajes y alguna ilustración en forma de foto. Aintzane remató a color esas dos páginas y el resultado convenció tanto a Salva como al editor.

¿Te habías planteado antes trabajar en un proyecto de estas características?

Pues sí, como dibujante quiero hacer todo tipo de historias. No quiero cerrarme ninguna puerta, y es que, como lector, me gusta leer de todo. También me gustaría hacer un western, una space-opera, incluso un musical (risas)

Tras aceptar un reto como es el de llevar al papel la vida de Francisco Boix y el momento histórico que le tocó vivir, ¿cómo fue el proceso de documentación resultante del proyecto y cuánto duró?

Yo desconocía totalmente la historia de Francisco. Toda la documentación gráfica me la pasó Salva, él había visitado el campo de Mauthausen cuando estaba planteándose el guión y tenía cientos de fotos. Eso nos vino genial para tener una visión general del lugar. Además Aintzane realizó un 3D de uno de los barracones, ya que sabíamos que iban a haber muchas escenas en su interior.

Para el tema de las fotos que reinterpreto en el álbum tuve que ver y seleccionar muchas de las fotos reales. No puedo decir que fuera algo agradable, trabajar durante varios años mirando y remirando este tipo de fotografías, que retratan la barbarie de la época. Fue duro, pero había que reflejar lo más fielmente posible ese ambiente.

¿Conocías la figura y la historia del fotógrafo catalán antes de trabajar en el álbum?

No, no conocía nada de la historia de Francisco. Me parece increíble que no se hable en los colegios o institutos de lo que sucedió en Mauthausen o de su testimonio en los juicios de Nuremberg. Es una figura histórica importante que aquí es un total desconocido para la mayoría de personas.

¿Qué fue lo más difícil de lograr, gráficamente hablando?

Lo más “fácil” fue la recreación de las fotos. No tengo muchos conocimientos de acuarela, pero sí básicos y fue un proceso relajante, a pesar de lo que estaba recreando. En cuanto a lo más difícil creo que fue el acabado realista de los personajes. No me siento cómodo trabajando en ese estilo de dibujo, mi forma natural de dibujar es más cartoon o semi-realista. Y para complicarlo todo más, durante el proceso, me inicié en el dibujo digital, con lo que el álbum se acabó convirtiendo en una amalgama de técnicas, un collage que, a mi modo de ver, resulta interesante.

La obra tiene una factura casi se diría que documental. ¿Esto se planteó así desde el principio o fue una decisión que tomó luego de que el proyecto empezara a plasmarse sobre el papel?

Creo que una parte sí puede que lo sea, pero también hay escenas totalmente inventadas. Creo que la intención de Salva era contar unos hechos que sucedieron realmente y además hacerlo de la forma más interesante posible para los lectores. El dossier final sí que pretende documentar muy bien la época.

¿Cómo se logra poner cierta perspectiva mientras se trabaja en plasmar, de la forma más fidedigna posible, los continuos atropellos homicidas cometidos por los responsables del campo de concentración?

Pues no lo sé. Tal vez no lo haya logrado, porque, desde el principio, estoy de parte de Francisco. Desde que comienzo a leer las primeras páginas del guión. También es cierto que, dibujando, a veces conseguimos abstraernos mientras nos centramos en detallar una gorra, o un trozo de madera.

Durante el Salón del cómic de Valencia de 2020 pude ver los guiones de Salva Rubio junto con algunos originales de la obra gráfica. ¿Cómo fue trabajar con él y qué opinión te merece su forma de plantear el guion de una obra gráfica, tal y como es El fotógrafo de Mauthausen?

Fue una gozada. Comenzar con la obra totalmente acabada siempre es un punto a favor. Puedes prever qué escenarios se repiten, qué personajes serán los importantes y un montón de detalles, que a nivel de preproducción, a un dibujante le viene muy bien. También hice todo el storyboard del álbum del tirón, así que una vez me iba a poner con los lápices, tanto el editor como el guionista ya pudieron ver cómo iba a quedar el cómic.

Otro punto a su favor es que nos pasó toda la documentación gráfica. Cientos de fotos que nos vino de lujo tanto para la parte de dibujo como la del color. Siempre que nos surgía una duda, Salva se encargaba de solucionarla.

La tragedia de los españoles deportados hasta el campo de Mauthausen continúa siendo ignorada por buena parte de la sociedad de nuestro país. ¿Crees que este trabajo servirá para devolver una parte de la dignidad perdida por aquellos combatientes olvidados por su propio país de origen?

Pues no tengo ni idea. Lo que sí he visto en las sesiones de firmas es que hay tanta gente que conocía la historia como gente que no había oído hablar de ella, al menos en nuestro país. Cuando he visitado Francia o Bélgica, muchos eran familiares de españoles que estuvieron en el campo de Mauthausen. Hablar con esos familiares fueron momentos intensos.

Espero que poco a poco esta historia se conozca. Cuando trasladaron los restos de Francisco Boix al cementerio de Père Lachaise de París, en un acto oficial en el que se honró su figura, nuestro presidente por aquel entonces, Mariano Rajoy, estaba también en París, pero no acudió al acto... En otro país, Francisco sería un héroe nacional.

¿Crees que el cómic debería ser una herramienta más en el proceso de aprendizaje escolar?

Naturalmente.El cómic es un medio narrativo con el que se pueden explicar conceptos que en un libro,sin imágenes, puede quedar muy abstracto. En Japón usan algunos mangas para explicar momentos históricos. Aquí podría funcionar igual.

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2020

© Pedro J. Colombo, Bilbao, 2020

Campo de concentración de Mauthausen-Gusen

País: Austria

Coordenadas geográficas: GPS 48° 15' 30.97404" N, 14° 30' 21.26484" E

Dirección: Erinnerungsstr. 1, 4310 Mauthausen, Austria

Años de actividad: 1938 – 1945

El día cinco de mayo del año 1945, un pelotón del escuadrón de reconocimiento número 41 dependiente, éste, de la décimo primera División Armada del tercer ejército norteamericano, al mando del sargento primero Albert J. Kosiek, llegó hasta las puertas del campo de concentración de Mauthausen-Gusen. Una vez allí, los soldados desarmaron a los pocos guardias y “kapos” que aún permanecían en el recinto, para, luego, abandonarlo y reunirse con el grueso de su unidad. El resto de las tropas norteamericanas llegó hasta el campo un día después, momento en el que los prisioneros supervivientes les recibieron con una gran pancarta escrita en castellano. 1

Todo esto se logró con la plena y consciente complicidad del régimen nacional católico del general Francisco Franco y, en especial, del cuñado de su mujer, el ministro de la Gobernación -reconocido por su germanofilia y filonazismo durante la Segunda Guerra Mundial- Ramón Serrano Suñer. Este último fue quien asumió toda la responsabilidad, frente a los representantes del Reich Alemán, para lograr que los refugiados españoles que permanecían en la vecina Francia terminaran siendo deportados a los mataderos humanos diseminados por buena parte del continente europeo.

Tal y como se detalla en el libro Los últimos españoles de Mauthausen, escrito por Carlos Hernández de Miguel: Entre el 16 y el 25 de septiembre de 1940, Serrano Suñer visitó Berlín y se reunió con Hitler, Himmler y Heydrich, jefe del Departamento Central de Seguridad del Reich (RSHA). El día en el que el ministro de la Gobernación franquista abandonaba Alemania, Heydrich difundió una orden muy específica titulada “Tratamiento en los territorios alemanes y exteriores de los antiguos combatientes rojos españoles”. En ella se decía: “Por orden del Führer (...) de entre los combatientes rojos de la guerra de España, por lo que a los súbditos españoles se refiere, procede directamente su traslado a un campo de concentración del Reich”. A partir de ese momento, los españoles que permanecían en campos de prisioneros de guerra, donde se respetaba la Convención de Ginebra, fueron seleccionados y enviados a los campos de la muerte. 4

Francesc Boix Campo (Barcelona, 14 de agosto de 1920 - París, 4 de julio de 1951) fue uno de aquellos españoles deportados hasta los campos de concentración y exterminio creados por el Reich alemán. En su caso, tras ser apresado durante la invasión de Francia por las tropas germanas, se le confinó en el campo de prisioneros de guerra Stalag XI-B, en Bad Fallingbostel, lugar donde aprendió a hablar el idioma de los invasores. El 27 de enero del año 1941 se le envió al campo de concentración de Mauthausen-Gusen y se le registró con el número 5.185. Una vez allí, declaró que su profesión era la de fotógrafo y que sabía alemán, dos circunstancias que le permitieron ser testigo de las atrocidades cometidas por quienes estaban empeñados en imponer su ideología exterminado a todos aquellos que se interpusieran en el camino y, en el camino, tomar pruebas documentales de ello.

Y es el mismo Francesc Boix Campo el protagonista principal del álbum gráfico, Le Photographe de Mauthausen, publicado, éste, por la editorial belga Le Lombard, en el año 2017 y, posteriormente, por la editorial española Norma, un año después. El fotógrafo de Mauthausen, obra del guionista Salva Rubio, el dibujante Pedro J. Colombo y la colorista Aintzane Landa ya se analizó en esta misma sección, durante el mes de noviembre del año 2018 (12 y 17.11) y a lo largo de dos artículos; uno dedicado a la figura del fotógrafo español y el segundo en el que se recogían las palabras del guionista Salva Rubio.

Ahora, coincidiendo con el setenta y cinco aniversario de la liberación del campo de concentración, me he puesto en contacto con el dibujante y con la colorista de la obra gráfica para que me cuenten más cosas sobre la creación de una obra fundamental dentro del mercado editorial histórico actual, y que debería servir para que la sociedad española no se olvide de lo importante que es aprender de las experiencias del pasado, para así no volver a cometer los mismo errores en el presente.

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2020

Textos © Salva Rubio, 2020

Dibujos © Pedro J. Colombo y Aintzane Landa, 2020

Edición española © Norma Editorial, 2020

La raza humana siempre ha tenido una ardua y tirante relación para con las máquinas y con el uso que de éstas se pudiera hacer, independientemente del momento histórico en el que nos encontráramos. De uno u otro modo, su simple mención, ni tan siquiera su desarrollo, ha sido la causante de constantes fricciones, por no decir de una persecución que trataba, por encima de todo, mantener el estatus de hombre como ser supremo de la creación frente a todo aquello que pudiera poner en solfa tal aseveración.

¡Ningún Droid ocupará un puesto que pueda realizar un humano con sentimiento y respeto a la tradición! ¡Recuperaremos nuestros trabajos y nuestras vidas de nuevo!

Smart Girl, capítulo 2.

Just let me cry.

Ni que decir tiene que el salto cuantitativo de la tecnología y, en especial, de todo aquello relacionado con áreas tales como la robótica y con las ciencias de la computación -las que abarcan las bases teóricas de la información y la computación, así como su aplicación en sistemas computacionales- no ha ayudado a que dicha relación sea más natural, sino todo lo contrario.

No obstante, el punto de inflexión que terminó por obstaculizar cualquier tipo de entendimiento, por lo menos, a nivel mundano -que no formal- llegó con la formulación misma del concepto Inteligencia Artificial (IA)

El profesor de Ingeniería en Sistemas Computacionales, del Instituto Tecnológico de Nuevo Laredo (Méjico) Bruno López Takeyas, en su ensayo Introducción a la Inteligencia Artificial (2007), la define de la siguiente manera: la IA es una rama de las ciencias computacionales encargada de estudiar modelos de cómputo capaces de realizar actividades propias de los seres humanos en base a dos de sus características primordiales: el razonamiento y la conducta.

Siguiendo con este razonamiento, existen distintas definiciones de IA basadas, éstas, en distintos enfoques. Algunas de ellas se muestran a continuación:

En 1956, en el Dartmouth Summer Research Project on Artificial Intelligence (New Hampshire) se organizó un taller de ocho semanas de duración en donde se reunió diez de los investigadores más prominentes en el área de teoría de autómatas, redes neuronales y el estudio de la inteligencia (Artificial Intelligence: A Modern Approach by Stuart Russell and Peter Norvig, 1996). Se presentaron proyectos de aplicaciones articulares, juegos y 25 programas de razonamiento, pero no aportaron avances realmente notables. Probablemente lo más importante fue el nombre que John McCarthy (a quien muchos consideran el padre de esta área) quien propuso el concepto de Inteligencia Artificial (IA) para este campo de investigación. 1

Artificial Intelligence: A Modern Approach by Stuart Russell and Peter Norvig, 1996

Es inegable que parte del problema está directamente relacionado con la visión que para con la IA ha dispuesto la cultura contemporánea, en especial la literatura y el cine, sobre todo éste último. Baste con citar el implacable, racional y casi se diría que épico enfrentamiento dialéctico entre el doctor Dave Bowman (Keir Dullea) y el súper ordenador de la nave United States Spacecraft Discovery One, HAL 9000, personajes, ambos, de la película 2001: A Space Odyssey (Stanley Kubrick, 1968) para entender la tirante y recelosa relación con la que los seres humanos han plasmado la relación entre su raza y la que simboliza una inteligencia como la que posee HAL 9000.

En una misma línea estaría el discurso plasmado en el guión de la película The Terminator (James Cameron, 1984), escrito por el propio director junto con Gale Anne Hurd y William Wisher -con una notable influncia del trabajo del escritor Harlan Ellison- a la hora de plasmar el tratamiento de Skynet, la IA que decide desafiar a quien lo ha creado para poder sobrevivir ante la notable falta de lógica del ser humano. La respuesta del súperordenador, además de desatar “El Juicio Final” contra la humanidad a la que debía de defender, es la de desarrollar todo un ejécito de asesinos mecánicós y cibernéticos, para exterminar a la raza humana.

De todos ellos, además de máquinas tan implacables como el vehículo T-1 y el desasosegante HK-Aerial, un engendro volador que persigue desde el cielo a los supervivientes de la hecatombe nuclear, día tras día, destaca el Cyberdyne Systems Series 800 Model 101 Terminator, también conocido como el T-800. Éste, un ser creado para ejecutar unos parámetros implatados en sus bancos de memoria, sin cuestinarse ninguna de aquellas órdenes, fusiona todos los miedos, inseguridades e incertidumbres que para con las máquinas en general, y con la IA en particular, tienen los seres humanos. El T-800 no se cuestiona lo que debe hacer, sólo actúa, hecho que lo diferencia, sobre manera, de otro de los personajes sobre los que sustenta una de las historias que, tanto a nivel literario como cinematográfico, mejor han sabido plasmar no sólo la relación entre el hombre y una máquina capaz de pensar, sino la misma evolución vital de dicha máquina, llegado un determinado momento de su exitencia.

Roy Batty, siendo el perfecto y letal combatiente, dista mucho de parecerse al enviado de Skynet para terminar con la vida de Sarah Connors. Él es un Nexus-6, un “replicante”, más humano que los propios humanos, tal y como le dirá el teórico y visionario Eldon Tyrell al implacable Blade Runner, Rick Deckard, en la versión cinematográfica que adapta la novela original del escritor Philip Kindred Dick, Do Androids Dream of Electric Sheep?

Roy Batty quiere respuestas que le den un sentido a su vida, por mucho que ésta fuera programada por sus creadores desde antes, siquiera, de ser ensamblado, y por mucho que esas respuestas le acaben colocando en la misma encrucijada identitaria a la que se verán abocados los seres humanos que transitan por esa historia. Ese sentimento paranoico y la desconfianza ante un escenario que se torna mentiroso y esquivo, en epecial por los factores que lo manipulan desde las sombras -sobre todo, grandes corporaciones como la que representa Eldon Tyrell- forman parte del legado literario del escritor norteamericano.

Por eso, el Nexus- 6 tiene la oportunidad de ver cómo su perseguidor fracasa en su empeño por “retirarle”, pues la consciencia que ha logrado forjar en los años de vida que le han sido asignados por sus programadores le impide hacerlo. Esto no formaba parte de las órdenes implantadas en el T-800 que trató de acabar con la vida de una joven estudiante hasta que Kyle Reese se cruzó en su camino.

Su poética e intensa muerte, en el tejado del edificio donde se ha librado la batalla final, bajo un incesante y machacona lluvia, son la prueba del error a la hora de abordar una relación en donde la falta de empatía de los seres humanos para con sus propias creacione termina por desatar un conflicto que sólo pone de manifiesto la carencia de lógica de los mismos creadores. 2

Esos mismos creadores que, en la historia que nos ocupa, responden al nombre de los Imahi. Ellos tuvieron un sueño, por dispatatado que esto pudiera sonar...

Ellos, al igual que la Tyrell Corporation o las automatizadas fábricas puestas en pié por Skynet, entendieron que, de alguna u otra forma, el futuro de la humanidad pasaba por entenderse y/o verse sometido a los dictados de la IA. Está claro que para lograr tal simbiosis alguien debería pagar un precio y, en este caso, fue la libertad individual, la libertad de la información y las mismas bases de la civilización las que se debieron subyugar a los designios de las grandes multinacionales que, como suele ser habitual, se empeñaron en marcar el ritmo de los acontecimientos sin reparar en las consecuencias de sus actos.

Sobra decir que, con la proliferación de la IA, los seres humanos entraron en una crisis de identidad motivada, en buena parte, por sus propias querencias como raza y como civilización. Sin embargo, la idea original sobre la que se sustentó la revolución conceptual y física desarrollada por los Imahi supuso un salto cuantitativo y cualitativo en las condiciones de vida de los seres humanos, tal y como Eldon Tyrell no se cansó nunca de repetir.

Hay, también, quien propone que todo esto sea una ensoñación y que, como cuentan las viejas leyendas de los demonios que asolaban los poblados de Europa llamados, éstos, Boginkis, todos hubíesemos sido robados en nuestras cunas para después colocar, en su lugar, una copia idéntica de nosotros mismos, llamada, ésta, Odmience. Según las mismas crónicas, aquellos “niños”, todos nosotros, nos terminamos por rebelar contra los padres fundadores y éste es el mundo en el que hemos podido sobrevivir.

Independientemente de todo esto, y dajando a un lado, por un momento, si esta realidad es “real” o no, el sueño de los Imahi se transformó en algo más que un prototipo y el ser humano empezó a convivivir, y bien pronto a explotar y / o abusar de sus Smart Droid. Yuki y su disfuncional y abusiva relación con su amo, Hiro, es un buen ejemplo de todo esto, en especial, por la falta total de empatía que el ser humano, inteligente y racional, tiene para con su Smart Girl. Y dejando a un lado que toda máquina se vuelve obsoleta -al igual que los seres humanos, aunque estos últimos se niegen a reconocerlo- Yuki no es una “Smart Girl” normal.

Yuki tiene sueños, más bien, pesadillas constantes -una característica muy humana- y sabe que algo no está bien en su interior. Además, como Ginoide que es posee una capacidad de raciocinio que, por ejemplo, no demuestra ni quien usa de ella a su antojo, ni quienes reivindican la supremacía de la raza humana frente a la “materia inerte” que representan los Smart Droid

Lo que ni siquiera podía llegar a imaginar es que ella no es sólo una Smart Girl llamada Yuki. Ella es Julie, y también Sarah y, en otro instante espacio temporal, un miembro de Incógnito, la resistencia que quería devolver la libertad a la Red y a las “Esquemátas”, aquellas primeras consciencias asistenciales en líneas, las cuales fueron las responsables de dar a luz un nuevo lenguaje orgánico entre máquinas y humanos.

Sin emgargo, la “muñeca rusa” que, en realidad, es Yuki representa el nexo de unión para con app: Izaa; Imai-Zoo-Animatecnic, el siguiente escalón en la línea evolutiva entre los seres humanos y las máquinas. Esta circunstancia, como es lógico pensar, NO sería del agrado de muchos, pero lo contrario de la evolución es el estancamiento y tal concepto nunca le ha acarreado nada bueno a la sociedad, ni a la humana, ni a la artificial.

Todos estos estractos, así como algunas de las claves que se han ido desgranando en estas líneas forman parte del álbum Smart Girl I-Matter, obra completa de Fernando Dagnino, un autor que ha sido capaz de plasmar en un álbum gráfico la lógica evolución de una serie de ideas que han ido formando parte del pensamiento humano, con variaciones según la forma y el fondo de quien los tratara.

Su trabajo, brillante e intenso, es igualmente válido para plasmar las aguadas nebulosas del pasado de la protagonista principal como para ser testigos de sus conflictos interiores o de la presiones que debe sufrir en sus quehaceres diarios al lado de su “amo”. Además, la planificación y posterior maquetación de una obra compleja en su puesta en escena responden a las necesidades de la narración secuencial y permiten que la lectura no se resienta, independientemente del escenario y/o la situación que se esté desarrollando delante de nuestros ojos.

Queda claro que el autor tiene un interés personal en lograr que Yuki luzca siempre con un nivel de definición y cuidado que la convierte en la protagonista absoluta de una ficción que, cada día que pasa, está más cerca de la realidad y en todos los sentidos.

La obra, la cual cuenta con dos versiónes -especialmente recomendable es la segunda, revisada y ampliada por el propio autor- termina con un final abierto, como lo es el mismo estudio de la AI, el cual nos obliga, a hombres y máquinas, a mirarnos en nuestro interior y a aceptar la realidad de nuestra existencia, tal y como le sucedió a Rick Deckard mientras escuchaba las palabras de su antagonista, tirado en la azotea del edificio donde se había librado su última batalla.

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2020

Textos imágenes © Fernando Dagnino, 2020

Evolution Cómic: Smart Girl I-Matter © Panini España, S.A, 2020

Según el folclor eslavo, Baba Yagá es una anciana sobrenatural, huesuda, arrugada, con la nariz de color azul y los dientes de acero que vive en las profundidades de los bosques rusos, dentro de una casa que se sostiene sobre unas patas de gallina. Ser perverso y cruel del que es mejor no fiarse, posee una pierna normal y una de hueso, extremidades que representan al mundo de los vivos y al mundo de los muertos, por los cuales ella deambula sin mayor problema.

Baba Yagá es, también, el sobrenombre con el que se conocía, en los esquivos y oscuros mentideros del submundo de la delincuencia más ancestral, a Jonathan Wick, un asesino con poderes ciertamente sobrenaturales y del que nadie había sobrevivido jamás, por lo menos, no sin su consentimiento.

Sin embargo, Jonathan Wick tuvo una infancia en la que solamente era Johnny, un mozalbete que trataba de vivir en las duras y ásperas calles del Sauzal, un concurrido espacio portuario dependiente del municipio de Ensenada, en el estado mejicano de Baja California.

Fue en aquellos instantes cuando el destino de Johnny se cruzó con el de los tres “Bills” -Pecos, Buffalo y Billy- y con la no menos desmedida Calamity, una sociópata de libro de texto. Entre todos, juntos y totalmente desmandados, le enseñarán al infante las reglas de funcionamiento de un mundo en donde lo que más importa es el potencial destructivo de las armas que lleves encima. Poco importó que, en medio de todo aquel fuego cruzado, fallecieran las únicas personas por las que Johnny había sentido aprecio durante su vida. Todos ellos murieron por los instintos asesinos de quienes solamente ven el mundo según el color de la sangre de sus víctimas.

Aquel instante junto, con el olor de la carne quemada y de la pólvora vertida por el grupo de asesinos, fue el que impregnó la mente de quien luego sirvió a la parca con esmero y dedicación desde que llegara a la adolescencia. Eso sí, Johnny debió pagar una deuda con la sociedad antes de emprender, doce años después de todo aquello, un camino hacia la venganza que será capital para, más tarde, aceptar su lugar en ese mundo ya convertido en Jonathan Wick. En ese instante, con su nueva personalidad, entrará a formar parte de la liga de los asesinos a la que pertenece, the High Table, organización con unas reglas que beben de las mismas arcanas arenas del tiempo de las que se nutre el personaje del folclor ruso del que luego tomará su sobrenombre.

Lo cierto es que, para aquel joven, regresar al lugar donde todo cambió, de forma irreversible, le supondrá bordear esos meandros de la locura que pueden acabar con la misma psique de un ser humano, más si se tiene en cuenta el estricto código por el que se rige. Por fortuna, en su empeño por vengar la muerte de todos aquellos elementos que formaban parte de su anterior existencia -incluyendo una inocencia que acabó cuando Calamity decidió poner el punto y final a una trifulca callejera- Jonathan Wick contará con el apoyo de Charon, miembro de la sacrosanta organización del hotel Continental, una suerte de suelo sagrado para quienes pertenecen al gremio de los asesinos.

Ni que decir tiene que su llegada al lugar no será del agrado de todos o que también estarán los que quieran sacar provecho del talento que posee Jonathan Wick en beneficio propio. Eso no le hará variar en su empeño, por mucho que los asuntos personales no se deban mezclar con el trabajo, tal y como la enigmática María le advertirá, en reiteradas ocasiones, al recién llegado. Todo sería más fácil si a Jonathan Wick no le importara la gente que hay a su alrededor, esas víctimas colaterales que sólo parecen pesarle a él y que suponen el soporte argumental de toda esta historia.

John Wick, serie limitada de cinco números publicada por Dynamite Entertainment (2017-2018) en su versión original, y por Fandogamia Editorial, en nuestro país, es obra de Greg Pak, Giovanni Valletta y Matt Gaudio, quienes contaron, además, con el asesoramiento de Derek Kolstad, el creador del personaje de Jonathan Wick, hoy en día toda una franquicia dentro de la cultura popular del actual siglo XXI.

Esta serie limitada funciona como una suerte de “historia jamás contada” de un personaje que, tras tres películas, sigue acumulando más preguntas que respuestas. Greg Pak sustenta el desarrollo argumental en un trauma que, de una forma u otra, siempre estará presente en la vida del personaje, mientras que el tandem Giovanni Valletta (1-2) y Matt Gaudio (3-5) le dan vida en las páginas de esta historia gráfica a todo el entramando argumental, donde no solo prima la acción -en especial en el tramo final, en la cuarta y la quinta entrega- sino donde hay tiempo para conocer los recuerdos, las motivaciones y las razones que llevan a una persona a ser cómo es. Así como Matt Gaudio es más preciso en el trazo, Giovanni Valletta nos retrotrae al estilo pulp, y esa misma falta de definición ayuda a envolver a los personajes de un halo de cierto misticismo que tan bien le va Jonathan Wick.

En cuanto a las portadas -recogidas todas en el álbum publicado por Fandogamia Editorial- además de las realizadas por Giovanni Valletta , están aquéllas firmadas por autores tan conocidos como lo pudieran ser John Cassaday, Ben Garriga, Denys Cowan y Bill Sienkiewicz y otras tantas con el rostro y la impronta de Keanu Reeves, quien da la réplica en la pantalla al personaje de Jonathan Wick.

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2020

© Fandogamia Editorial C.B, 2020

© 2020 Dynamite Entertainment

John Wick © 2020 Thunder Road Pictures, 87Eleven Productions, MJW Films, DefyNite Films and Summit Entertainment LLC

John Wick es una creación de Derek Kolstad.

Mi primer contacto con

Los ojos de

pocalipsis

data de finales del pasado siglo XX, luego de adquirir los dos primeros números de la revista Top Cómics, de los diez que se llegaron a publicar en total. En dicha cabecera se presentaban historias firmadas y dibujadas por autores tales como E. S. Abulí, Jordi Bernet, Moebius, Richard Corben, Enrico Marini, Rubén Pellejero, Carlos Nine, o el tándem Roberto Dal Pra`y Juan Giménez, responsables de la historia que me llevó a comprar los ejemplares de la colección. El modo de publicación era dividir cada una de las historias en varias entregas sucesivas, siguiendo la estela de otras publicaciones gráficas del mismo estilo, además de incluir artículos sobre la actualidad gráfica de aquellos momentos.

Los ojos del

pocalipsis

se publicó a lo largo de las cuatro primeras entregas de la revista Top Cómics, durante el año 1994 y, originalmente, el álbum se había publicado en Francia, tres años antes, con el título de

Le Regard de l'Apocalypse

, de la mano de Bagheera Editeur.

Tras leer aquellas dos primeras entregas, traté de encontrar las dos siguientes, pero lo cierto es que debí esperar hasta el año 2008, instante en el que Norma Editorial publicó el álbum íntegro, sin necesidad de tener que estar buscando el siguiente número de ninguna publicación.

Lo que sí se me quedó grabado durante todos aquellos años fue el trepidante comienzo con el que la historia nos obsequia en sus doce primeras páginas y la endiablada capacidad de Juan Giménez para lograr que una máquina suspendida, ésta, en las limitaciones propias de una viñeta gráfica, lograra traspasarla para mostrarse tal cual era.

Bastaba con ver los Bell UH-1B Iroquois “Huey” que aparecían surcando los cielos desde la cuarta página para poder escuchar el traqueteo de sus motores y sentir el vértigo resultante, sentado junto al artillero apostado en las compuertas, los “Shark door gunner´s” como se les apodaba en el conflicto bélico desarrollado en la actual República Democrática de Vietnam, sobre todo entre los años 1965 y 1972.

Para el dibujante argentino, aquellos “Choppers” eran algo más que aeronaves voladoras pertenecientes a la 1st Air Cavalry Division (Airmobile). Para el dibujante, su misma impronta y todo su equipamiento merecía el mismo cuidado, empeño y gusto por los detalles que cualquier otro personaje de la historia y de ahí que los tubos lanza- cohetes, las ametralladoras gemelas -montadas en los laterales del helicóptero- e, incluso la sujeción de la ametralladora M-60 de los artilleros, la “Bangee cord”, estén donde deben estar y luzcan como en realidad lo hacían. Lograr tal nivel de realismo era el imperativo necesario para poder situarse en el teatro de operaciones de aquella contienda bélica asiática, la que de una forma tan esquizofrénica definió, y a las mil maravillas, Francis Ford Coppola en su película Apocalypse Now (1979)

Y con el ruido de los rotores, el olor de las chozas quemadas y traqueteo de las M-60 del ejército norteamericano invadiendo nuestros sentidos llegará el momento en el que conozcamos a uno de los protagonistas principales de esta historia ¿De quién se trata? Pues de un niño pequeño, sucio y desarrapado, quien se había presentado delante de todo aquel horror como si no fuera consciente de lo que estaba pasando a su alrededor, aunque, en realidad, él fuera el causante de buena parte de lo que sucedía.

Un niño al que los ojos del sargento Dan Curry habían captado con sus prismáticos binoculares, tratando de encontrar el puesto de la defensa antiaérea que estaba abatiendo a los helicópteros en el cielo sin que nadie supiera desde dónde les estaban disparando. Un niño al que los ojos del sargento Dan Curry, y los dibujos de Juan Giménez, habían identificado con el mismo demonio, por mucho que el líder de aquellos “Choppers” pensara que el sargento había perdido el juicio.

Y un niño con quien, años después, lejos ya de aquel escenario, y en pleno corazón de Chinatown, el ahora galardonado escritor de misterio Dan Curry volverá a cruzarse, mientras investiga una serie de fallecimientos que parecen sacados de un sanguinario y visceral relato de terror, por lo grotesco de los hechos.

El escenario bélico en el que se desenvuelve el escritor es, ahora, otro. Urbano, mugriento e impregnado de esas luces que sólo dejan ver las miserias de la raza humana, simbolizada, ésta, en una secta liderada por una sacerdotisa vietnamita que posee un misterioso y destructivo poder.

Para Dan Curry, capaz de sobreponerse a la más alucinógena mezcla de estupefacientes, el recuerdo de aquel niño entre los pueblos de Xuan Loc y Bien Hoa nunca le había abandonado, ni siquiera cuando su mente era presa de los vapores desprendidos por el opio que le servía tanto de inspiración como de refugio en los momentos en el que los recuerdos eran una losa demasiado pesada para poder soportarla.

Esos demonios interiores que tan bien ilustra en la páginas del álbum Juan Giménez cuando es el intérprete de la psique de Dan Barry, incluso cuando debería dejarse seducir por la lujuria y no por la locura con la que se emparejó, de por vida, mientras estaba en el escenario bélico vietnamita.

¿Y aquel niño? Aquel niño, llamado Tai San, creció y de mano de su ambiciosa y desmedida madre se convirtió en el brazo ejecutor de los planes de su progenitora, sin que ésta reparara en el coste psíquico y físico que tal requerimiento le terminaría por suponer a su vástago. Para aquella pérfida mujer, sus deseos son los hilos que moverán el poder cuasi demoníaco que transmuta unas simples agujas de un reloj en un mortífero ingenio destructor, a imagen y semejanza de los destructivos rayos del caprichoso señor del Olimpo heleno.

Llegado el momento, Dan Curry regresará hasta el momento en el que todo empezó, justo al adentrarse en la pagoda donde se refugian los seguidores de la secta del Ojo Tatuado. Como tantas otras veces, Dan Barry había logrado penetrar en la finca, silencioso e invisible como un fantasma, moviéndome entre las sombras. La oscuridad, la conocía... Las sombras y la oscuridad. Vietnam acudía de nuevo a mi mente. Lo que había visto aquel día de1972, entre los pueblos de Xuan Loc y Bíen Hoa...¿Qué había vísto o qué creí ver?

En realidad poco importa aquello que vio o que creyó ver. Juan Giménez, retratista de lo imposible, nos revuelve lo probable para llevarnos hasta lo imposible, mientras somos testigos del poder de aquel niño, enfrentado como el escritor a sus miedos interiores. Poco importará, luego, el resultado de toda aquella tragedia, porque la historia de Tai San sólo estará ya dentro de la mente de Dan Curry, quien ponga nombre a esta historia.

Los Ojos del Apocalisis es de esas historias en la que la realidad y la ficción se entrecruzan para llevar al lector hasta lo límites de la cordura. Sus responsables, Roberto Dal Pra` con una prosa clara, directa, pero que tampoco rehuye la ensoñación, ni la grotesca poesía de los sueños, entintados en los vapores de las drogas, nos lleva de la mano desde las junglas de Vietnam hasta las calles del barrio chino de la ciudad de Los Ángeles. Y Juan Giménez nos demuestra, página tras página, que se puede dibujar todo aquello que hay en nuestra sociedad más lo que forma parte del subconsciente del ser humano y plasmarlo de la mejor manera posible, aunque, algunas veces, sus dibujos quieran dejar las páginas y emprender su propio camino, al igual que cualquiera de los “Choppers” del 1st Squadron del 9th Cavalry del 1st Air Cavalry Division.

Y quien sabe si todo es un sueño del sargento Dan Curry, cansado de patrullar un día cualquiera del año 1972 entre los pueblos de Xuan Loc y Bien Hoa...

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2020

© Roberto Dal Pra`y Juan Giménez, 2020

© Norma Editorial, 2020

Formato: Cartoné

Tamaño: 22 x 29,5

Páginas: 64 en Color

ISBN: 978-84-9847-494

¿Un héroe nace o se hace? Esta pregunta, sobre la cual el antropólogo Joseph Campbell escribió los tratados que hoy se consideran fundamentales para entender lo que se conoce como “el camino del héroe”, es sobre la que se articula toda la historia de Timo, un niño empeñado en vivir lo que se había cansado de leer en los libros que, día tras día, devoraba en casa con sus padres o junto a los amigos de su pequeña aldea.

Otra cosa es que sus padres estuvieran dispuestos a dejarle marchar en pos de su sueño como si fuera la cosa más normal del mundo, circunstancia que, por otra parte, tampoco amilanó al jovencito en su afán por salir de una situación que lo estaba ahogando. Ésta no es la vida que quiero tener, será el pensamiento y la principal motivación de Timo para abandonar el cobijo de su casa, y la protección de sus padres, y emprender un camino que, desde el principio, se le pondrá muy, muy cuesta arriba.

Y es que, en una pequeña mochila, como la que carga Timo, no se encuentran las respuestas a todas y cada una de los problemas que el joven se encuentra por el camino, por mucho que su espíritu decidido y resuelto sean un valor añadido, digno, éste, de tener en cuenta.

Ni siquiera el encuentro con quien se ha auto-impuesto la misión de proteger el valle, subida al tronco de un árbol tiempo atrás destruido, le ayudará a encontrar la salida a la encrucijada en la que se encuentra. Dicho encuentro, a quien el joven apodará como “Guerrera Pirata”, será uno de tantos escollos que Timo deberá sortear y que luego detallará, con la pasión de un aventurero de corazón y convicción, en las páginas de su diario.

Después está un hecho incontestable, sobre todo cuando se es un novato en estas lides; es decir, las cosas no siempre son lo que parecen y por mucho que todos los signos te lleven en una dirección, dicha dirección no tiene que ser la correcta. Por eso, Timo deberá asumir que sus acciones, por muy heroicas que él las considere, no son vista por el resto de igual forma.

Quizás el problema estribe en que cada uno debe escribir su propio manual en su empeño personal por ser un héroe y esto conlleva a una suerte de improvisación “sobre la marcha”, sin mucho tiempo para poder pensar. Y, además, esta concepción suele chocar con la del resto de las personas con las que debes convivir, un circunstancia que termina por acarrearle al joven un conflicto del que no siempre se sale con bien.

En realidad, Timo, en medio de su ensoñación personal por ser el héroe que siempre ha querido ser, empieza a entender que, si quiere sobrevivir, deberá adaptarse a su nueva situación, por mucho que Bronco ya no sea tan insolente y cortante como cuando se conocieron.

Timo. El aventurero nos devuelve hasta aquellas historias donde el héroe quería recorrer el trance de convertirse en un ser excepcional, inmune al desaliento y capaz de sobrellevar cualquier prueba por dura y extrema que ésta pudiera resultar.

Simple, directa, bien contada y mejor ilustrada, Timo. El aventurero, obra del tandem Yohan Sacré y Jonathan Garnier es de esas historias que sirven tanto para fomentar el hábito de la lectura como el gusto por el género de aventuras, en su estado más natural.

Lo importante, viene a decir Timo, según las indicaciones de sus creadores, es que uno debe creer en sí mismo para poder lograr la meta que se ha propuesto. Está claro que las cosas no siempre saldrán como uno quiere, pero todo eso forma parte del reto y del “camino del héroe”.

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2020

Timo el aventurero © 2020 Yohan Sacré y Jonathan Garnier

Colección Letrablanka

Título original: Timo l, aventurier

Formato: Tapa dura.

Páginas: 64 páginas a color.

Sentido de lectura: occidental

ISBN: 978-84-949749-5-3

Tras una primera entrega, derivada de haber acudido al Salón del Cómic de la ciudad de Valencia del presente año 2020, les invito, ahora, a que se lean la entrevista e, igualmente, disfruten con el talento de Isabel Vílchez Miguel.

¿Cuándo y por qué empezaste a dibujar?

Realmente todos dibujamos cuando somos niños, pero vamos creciendo y algunos lo dejan y otros, nunca lo abandonamos. Para mí, desde que nací, se convirtió en lo más divertido e interesante de todo; en la mejor asignatura del colegio; en la que más interés demostraba y mejor se me daba. Siempre me gustó dibujar y siempre supe que quería dedicarme a ello.

¿Cuáles son tus influencias principales y de qué modo están presentes en tu actual estilo?

Mi mayor influencia y conociendo mi estilo es muy obvio que fueron (y siguen siendo) las películas de Disney. Mi vida ha girado (y gira) en torno a ello, sin duda. Siento verdadera fascinación y amor, pero no es lo único. También, el cine en general y las grandes obras de arte de toda la historia.

Una vez que te decides a abordar un tema, ¿cuánto tardas en terminar una ilustración?

Depende del tipo de ilustración, de la composición, de la cantidad de personajes que haya en ella y del estilo del acabado. Puedo hacer un diseño en un par de horas con tintas planas, o hacer una ilustración con un acabado más elaborado que puede llevar días o semanas.

¿Qué técnicas utilizas?

Antes utilizaba técnicas tradicionales como lápices, acuarelas, tintas, goache, pasteles, óleos, pero, desde hace ya muchos años, utilizo técnica digital, sobre todo porque la industria de la ilustración, videojuegos, animación así lo exige.

¿Prefieres la nueva tecnología a la hora de trabajar o eres más de la vieja escuela?

Como he comentado antes, trabajo en digital. Es muy práctico, más rápido y más limpio, pero donde se ponga un buen lápiz y un papel, pintura con la que mancharte… ¡Eso no tiene precio! Con las técnicas tradicionales conecto más con este arte, palpas la pintura, estás en contacto con ella… Es como más auténtico.

En el evento en el que nos conocimos, pude ver una re-interpretación de los personajes de la película La Princesa Prometida, la cual los llevaba hasta el terreno de la animación más contemporánea del estudio Walt Disney, pero sin perder entidad y validez en cuanto a la esencia de dichos personajes ¿Qué te llevo hasta dicha re-interpretación?

La Princesa Prometida fue una de las películas que marcó mi infancia. Simplemente, me encanta. Quería rendirle un pequeño homenaje por haberme brindado tan buenos momentos. Se lo merece.

¿Prefieres trabajar a color o blanco y negro?

Me gusta tanto trabajar a color como en blanco y negro. Cada forma tiene su encanto, pero en color hay que tener muchas cosas en cuenta, tales como los matices, complementar bien los tonos, etc. Es mayor desafío que en blanco y negro.

¿Cuáles son tus temas preferidos?

Me gusta mucho ilustrar temas amables, amorosos o divertidos. También adoro hacer caricaturas de personajes de películas que todos conocemos.

¿Has dibujado alguna vez una historia gráfica entera?

He ilustrado series de cuentos infantiles como los de ¡Zaska!, El equipo H, Hansel y Gretel…He recibido varias ofertas para hacer más cuentos y algunos cómics, pero la falta de tiempo no me lo ha permitido.

¿Has pensado en desarrollar un personaje propio?

Sí, tengo varios proyectos en mente que, en cuanto tenga tiempo y pueda, me gustaría llevarlos a cabo.

¿Crees que las nuevas generaciones de artistas gráficos como tú deberían hacer más cosas para darle mayor difusión al trabajo que realizan?

Bueno, las nuevas generaciones cuentan con una gran ventaja que en mi generación no contábamos; es decir, la era de Internet y las redes sociales, con lo que ya cada artista se encarga personalmente de dar difusión a su trabajo a través de estas plataformas de manera rápida y directa a nivel global. Sólo hay que estar activo en ellas y funciona como un verdadero escaparate de nuestro trabajo.

¿Si alguien estuviera interesado en pedirte una ilustración, qué debería hacer?

Ponerse en contacto conmigo vía e-mail: fragolaillustration@gmail.com, o vía Instagram: isabel.vilchez.miguel y charlaremos sobre ello.

Si tienes alguna cosa más que añadir éste es el momento.

Muchas gracias por su interés en mi trabajo y “¡hasta la próxima!”

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2020

© Isabel Vílchez Miguel, 2020

En agosto del año 2002 conocí a Juan Giménez por casualidad. El entonces director del Salón del cómic de Santa Cruz de Tenerife, Patricio García Ducha, me invitó a participar en su décima edición, junto con los miembros del colectivo La Penya (Albert Monteys, Alex Fito, Ismael Ferrer y José Miguel Álvarez), Werner Goelen “Griffo” y el artista argentino originario de la ciudad de Mendoza.

Para mí, compartir cartel y, luego, mesa, sobremesa y todo el tiempo restante entre medias, me daba la oportunidad de estar junto a unos de esos autores que habían definido mis gustos y, sobre todo, mi querencia para con el noveno arte. Por añadidura, Juan Giménez poseía una endiablada y maravillosa capacidad para plasmar sobre una página cualquier historia de ciencia ficción, por distópica y abigarrada que ésta pudiera ser, además de lograr que cualquier modelo de avión, contemporáneo o diseñado en los siglos venideros, saliera volando desde el interior de un cómic como si sus páginas actuaran de la misma forma que un hangar.

Debo confesar que con ambas ya se había ganado “mi corazón y mi mente”, sin necesidad de intercambiar una sola palabra. No obstante, la realidad siempre supera a la ficción y, durante la primera comida a la que acudimos, me tocó sentarme junto a él, sin que ninguno de los dos hiciera nada, sobre todo yo. Admito que esa misma mañana me había pasado por una librería de la ciudad, antes de acudir al evento. En uno de los expositores encontré un ejemplar de la revista Ilustración + Comix Internacional# 21, publicada por Toutain Editor -fechada, ésta, en agosto 1982- en tan buen estado que parecía que acabara de salir del almacén.

Al principio, no dije nada. Ni se me ocurrió sacar el ejemplar, dado que tampoco sabía cómo podía reaccionar él. Al final, antes de llegar al postre, se lo puse delante y fue cuando me empezó a contar cosas, tanto de aquella portada, en la que aparecían los personajes principales de la historia Ciudad, como de su etapa con Josep Toutain y su relación con el guionista, también argentino, Ricardo Barreiro.

Con este último, Juan Giménez desarrolló, en primer lugar, As de Pique, la historia que, para mí, es el mejor fresco gráfico sobre los raid aéreos que asolaron la Europa ocupada durante la Segunda Guerra Mundial. Y en segundo lugar, la suma del talento de ambos autores dio como resultado una obra donde se plasmó la inexorable deshumanización, en un grado más extremo, a la que estaba abocado cualquier escenario bélico con el uso masivo de la tecnología.

Yo le hablé de álbum “Factor Limite” y del tanque Minitrack – Mark VII. Él me habló de War III (revista 1984)y de Silver, historia protagonizada por otra de sus grandes pasiones; es decir, las motocicletas. 1

En el caso particular de Ciudad (Astiberri) Juan Giménez me contó, con todo lujo de detalles, que en ella, “El loco” Barreiro quiso volcar todas sus querencias literarias, cinematográficas, televisivas, estéticas e, incluso, buena parte de sus pesadillas más recurrentes y atraparlas todas dentro de una ciudad fantástica y megalítica, la cual alberga a náufragos de diferentes mundos y de la que resulta prácticamente imposible escapar.

Él, por su parte, se empeñó en plasmar todo aquel caudal de conceptos recurriendo a un detallismo tan sorprendente y desenfrenado que logra atraparte de una forma tan opresiva como les ocurre a los protagonistas que se encuentran en aquella urbe, digna de una película de Lucio Fulci.

Sobre la serie As de Pique, el dibujante me recordó cómo, en la revista Skorpio, le propusieron dibujar una serie bélica, Un día alguien me llamó y me dijo: Juan, a vos que te gustan tanto las maquinitas y esas boludeces ¿no querés hacer una serie de aviones? 2

Aceptar el reto de una serie como aquélla suponía poder homenajear La Amapola Negra (1958-1959), un trabajo gráfico de Héctor Oesterheld y Francisco Solano, autores a quienes Juan Giménez admiraba mucho, tal y como me explicó. Además, le sorprendió que un “pibe” como yo conociera la obra de Oesterheld y Solano, teniendo en cuenta mi edad por aquel entonces. 3

Ni en el más loco de mis sueños podía imaginarme que, diez años después, sería yo quien fuera a escribir la introducción del tomo recopilatorio de la serie As de Pique, publicado, éste, por Dolmen Editorial en el año 2012. Eso sí, antes debí pasar por un test sobre la historia de la aeronáutica -oficiado por Juan Giménez- sentado en uno de los sillones del Auditorio del Hotel Meliá Sitges, durante la celebración del festival de cine de género que se celebra en dicha localidad.

También tuvimos tiempo para poder hablar de su trabajo en la película de animación de Columbia Pictures Industries, Inc. Heavy Metal (Gerald Potterton, 1981), largometraje en el que se encargó de diseñar al personaje de Harry Canyon y el escenario en el que éste se desenvolvía. Un vez integrado en el organigrama de la producción, sus responsables entendieron que era la persona ideal para trabajar en el desarrollo del segmento animado B-17. Lo mejor fue cuando me dijo que para poder documentarse “como era debido” los productores le dieron la oportunidad de subirse en una bombardero real que se había utilizado en la Segunda Guerra Mundial. Por otro lado, también revelaba los quebraderos de cabeza que les daba a los animadores con sus diseños, maquinaria y demás, mientras me sonreía, recordando todos aquellos momentos.

Luego de aquel primer encuentro, seguimos viéndonos en muchos de los salones de cómic a los que ambos acudimos, compartiendo sala, película y sobremesa durante la celebración del Festival de Cine Fantástico de Sitges e, incluso, nos sentamos junto al guionista y psicomago Alejandro Jodorowsky, responsable de las letras y la ensoñación de la saga gráfica La casta de los Metabarones (Random House Mondadori) en pleno auge de la colección.

En el año 2014 tuve el privilegio de presentar su obra, por primera vez, en Finlandia, dentro de una exposición dedicada a la editorial E.C.Comics, sello editorial del que Ricardo Barreiro se nutrió para el enfoque de la serie As de Pique, menos propagandístico y mucho más real, tal y como sucedía con la directriz sobre la que se articularon las narraciones escritas por Harvey Kurtzman para las cabeceras Two-Fisted Tales (1950-1955) y Front Line Combat (1951-1954).

La ultima vez que pudimos hablar fue en octubre del pasado año 2019, cuando lo invité a un evento de cómic en Gran Canaria. El declinó la invitación, pero se mostró igual de amable, ocurrente y terminamos, como no podía ser de otra forma, hablando de aviones.

Sólo espero que ahora, que ya nos ha dejado, tenga tiempo de irse montado en el asiento de su motocicleta favorita, al igual que el protagonista de Silver, y descubrir otros mundos y otros parajes donde, antes que él, llegaron los tripulantes del B-17 As de Pique, es sí, ya sin el acoso del Messerschmitt Me 262 “Schwalbe” pilotado por el general alemán Adolf Galland, líder de la Jagdverband 44. 4 y 5

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2020

As de Pique y Silver © Ricardo Barreiro y Juan Giménez, 1978-2020

Notas:

1-El album “Factor Límite” incluía las historias Esplendor en la Hierba y Puesto Avanzado.

2-Skorpio (1974-1996), revista de Ediciones Record, estaba dirigida por Alfredo Scutti. Publicó doscientos treinta y cinco números. En sus páginas aparecieron las series Corto Maltés (1974) de Hugo Pratt y Alvar Mayor (1976) de Carlos Trillo y Enrique Breccia; entre otras muchas.

3-La serie La Amapola Negra (1958-1959) se desarrolló en quince episodios en la revista Hora Cero. Al igual que lo hiciera más tarde As de Pique, narraba las aventuras de la tripulación de un bombardero norteamericano B-17 durante la Segunda Guerra Mundial.

4-La historia Silver se encuentra dentro del álbum El extraño juicio a Roy Ely, publicado por Toutain Editor en el año 1984

5-Adolf Josef Ferdinand Galland (1912-1996) fue uno de los pilotos alemanes más conocidos de la Segunda Guerra Mundial, con 104 victorias confirmadas, que comenzó su carrera durante la Guerra Civil Española, formando parte de la Legión Condor, en 1937. Además de por su forma de volar, el piloto se hizo famoso por llevar pintado, en la carcasa de su aeroplano, un dibujo inspirado en el ratón Mickey Mouse.

En el año 2007, el Salón Internacional del cómic de Barcelona empezó sus singladura con la presentación del álbum

ASTERIX Y SUS AMIGOS. Homenaje a Albert Uderzo

, presentado por la hija del autor francés, Sylvie Uderzo, antes siquiera de que dicho álbum llegara a las estanterías de las librerías francesas.

Tras asistir a dicha presentación, escribí una reseña que, ahora, tras la muerte del dibujante he decidido actualizar y volver a publicar, dado que no se me ocurre mejor forma de rendir mi pequeño homenaje personal a una persona capital en mi formación como lector y profesional de esta industria como lo fue Alberto Aleandro Uderzo (1927-2020)

Además, este álbum sirve para dejar claro la importancia que tiene el noveno arte en la cultura contemporánea, por mucho que aún los más puristas se resistan a reconocerlo.

Al final de la reseña, expresaba mi deseo de que el homenaje se volviera a repetir veinte años después, cosa que ya no podrá suceder, pero siempre que alguien abra un álbum cualquiera de los dibujados por Albert Uderzo, le estará rindiendo el homenaje que el autor francés se merece, ahora y siempre.

Hasta siempre monsieur Uderzo y muchas gracias por todos los buenos momentos que nos hizo vivir.

Existen muchas maneras de homenajear a un artista, sin importar la disciplina artística que éste cultive. Lo importante es tener muy claro quién es esa persona y el legado que representa su carrera y su impronta personal para el momento histórico en el que vivió.

En el caso de Albert Uderzo su nombre está y siempre estará íntimamente ligado al lenguaje gráfico y, en especial, al tandem Astérix y Obelix, personajes que creó y desarrolló junto al guionista René Goscinny. Juntos realizaron una de las series gráficas más importantes y duraderas de cuantas han surgido del vasto y comprometido mercado francés, auténtico referente cuando se habla del noveno arte, escrito éste, con letras mayúsculas. Lo mejor del caso es que ninguno de los dos pensó que su creación lograría perdurar al implacable paso del tiempo, cosa que al final sí ocurrió y de qué manera.

Teniendo todo esto en mente, durante el pasado mes de abril del presente año 2007, Albert Uderzo celebró sus ochenta años en este planeta y otros tantos en la profesión. Y, para celebrarlo, a su hija Sylvie no se le ocurrió nada mejor que reunir en un álbum el trabajo de algunos de los mejores autores del mundo del cómic para que éstos le rindieran su personal homenaje al trabajo del artista gráfico francés.

El proyecto, tal y como comentó la propia Sylvie durante la presentación del álbum en la primera jornada del Salón internacional del cómic de Barcelona de ese mismo año, supuso un auténtico desafío para todas las personas que trabajan en la editorial que representa los derechos del autor –y de los personajes creados junto con Goscinny Les edicions Albert René/ Goscinny-Uderzo-, dado que todo aquel con cierta relevancia dentro del noveno arte quería formar parte de dicho homenaje, sin tan siquiera preguntar la cantidad de páginas que debía dibujar o la fecha de entrega de dichas páginas.

Y es que quién mejor representa, gráficamente, la admiración que sienten los profesionales ante la tremenda personalidad artística y human de Uderzo es el dibujante español Juanjo Guarnido, co-creador de la serie gráfica Blacksad junto con Juan Díaz Canales, uno de los artistas con los que comienza el álbum, tras una primera ilustración, obra de Jacques de Loustal.

La imagen de un “pequeño” Guarnido –a imagen y semejanza del valeroso guerrero Astérix- firmemente agarrado a una de las piernas del dibujante galo, demuestra, sin necesidad de mayor explicación, el respeto, la admiración y el legado que Albert Uderzo despierta y representa para todos aquellos que amamos el noveno arte desde siempre, sin importar el lugar, la edad, el sexo o la raza de dicha persona.

Siguiendo con el desarrollo de álbum y tras seleccionar a los autores que formarían parte de el, un total de treinta y cuatro, sólo quedó darle forma a las sesenta páginas, llenas, éstas, de referencias y pequeños chistes privados para con los héroes de la aldea gala, de la mano de buena parte del mundo gráfico francés y de otras tantas partes del mundo.

Lo mejor de todo, tras detenerse a leer las historias que lo componen, es comprobar cómo los universos de cada uno de los autores se entremezclan, a la perfección, con el universo de los personajes creados por René Goscinny y Albert Uderzo en 1.959.

Por dicha circunstancia, en la obra desfilan, con total soltura, personajes tan reconocibles Titeuf, Natacha, Thorgal, el amnésico personaje de XIII, Gaston Lagaffe, Michael Vaillant, Lucky Luke, Ric Hochet, Bernard Prince, el combativo Marsupilami o las también creaciones del dúo Goscinny-Uderzo, Oumpah-Pah y Hubert de la pasta de hojaldre y los pilotos Tanguy y Laverdure, creación de Arbert Uderzo junto con el guionista Jean-Michael Charlier.

Junto a todos ellos, verdaderos iconos de la Bande Dessinée francófona, Astérix, Obelix y su fiel mascota se cruzarán con otros personajes, llegados de lejanas latitudes tales como el pato Donald y sus sobrinos –procedentes de Patoburgo- o Kripto, el perro de Superman, quien se encontrará con Idefix, el fiel can del orondo Obelix.

Nombres tan ilustres como los pudiera ser David Lloyd, responsable gráfico de V de Vendetta, el italiano Milo Manara o nuestro indispensable Forges tampoco quisieron perderse esta oportunidad de oro para rendir homenaje a uno de los más grandes artistas del noveno arte –dos auténticos extraterrestres del mundo de la creación, refiriéndose a su padre y a René Goscinny, según palabras de Sylvie Uderzo.

En estas sesenta páginas hay mucho más de lo que yo les pueda contar en estas líneas, sobre todo para quien creció leyendo las aventuras de la irreductible aldea gala y sus irrepetibles ciudadanos. Además, los homenajes hay que tratar de vivirlos siempre que se pueda en directo y, en esta ocasión, gracias al empeño de los responsables de la organización del Salón de cómic de Barcelona y de su director en ese momento, Carles Santamaría -responsable de la traducción de los textos originales franceses al castellano- los lectores españoles pudimos disfrutar del placer de leer este álbum seis días antes de que apareciera en el mercado francés, una circunstancia poco habitual, todo sea dicho.

Por añadidura, en noviembre de este mismo año, se celebra el treinta aniversario de la desaparición de René Goscinny con lo que el álbum supone, como también expresó Sylvie Uderzo en el encuentro catalán, un recordatorio a la figura del desaparecido guionista y escritor francés, responsable de las aventuras de una aldea gala, rodeada de campamentos romanos, que resiste sola al invasor, gracias al buen humor, los jabalíes y cierta poción mágica...

¡¡FELIZ CUMPLEAÑOS, Albert Uderzo!! Gracias por tantos momentos inolvidables. Esperamos celebrar otro homenaje como éste, cuando cumpla los cien años.

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2007 y 2020

Astérix et ses amis © 2020 Les edicions Albert René/ Goscinny-Uderzo

Edición española © Salvat, 2020

Después de tantos siglos de civilización, se ha hablado mucho, mucho y mucho de las relaciones entre los seres humanos, independientemente del lugar, la raza, el sexo y el momento histórico en el que se encuentren ubicados los protagonistas de dichas relaciones.

No obstante, siempre aparece alguien dispuesto a darle un vuelco total a las reglas del juego conocidas y aceptadas por todos. Éste es, sin ningún género de duda, el caso de Nora, una joven que vive en un pequeño apartamento de la zona este de la ciudad de Los Ángeles, junto con su gato Nutso y su pareja. ¿Y qué tiene de extraño todo esto? Muy simple, lo “extraño” es que su pareja es un oso negro americano de 200 kilos. Sí, repito, el novio de Nora es un enorme oso que, normalmente, debería vivir en un bosque y no, en un espacio pensado y diseñado para seres humanos, aunque muchos se empeñen en diseñar celdas de un hormiguero en vez de habitáculos decentes donde poder vivir.

Volviendo al tema que nos ocupa, toda esta historia comenzó cuando a la joven se le ocurrió la “feliz” idea de irse de acampada con el mamarracho de Ben, el último de los imbéciles -de raza humana, añado- con los que Nora había terminado compartiendo su vida, sus sentimientos y, sobre todo, un bien tan valioso como lo es el tiempo. En el caso particular del mencionado Ben, si de él dependiera la supervivencia de la raza humana, poco íbamos a durar en el planeta Tierra, aunque el individuo es de los que creía que el sol giraba a su alrededor.

El caso es que, en aquel ambiente tan hostil, la joven se cruzó con el oso quien, en el futuro estaba llamado a ocupar un lugar en su corazón, aunque, en aquellos instantes, lo único que sintió Nora fue la sensación de alivió cuando logró “escapar” del animal.

Bueno, lo cierto es que el oso no le atacó, pero, durante aquellos instantes en los que sus miradas se cruzaron, le sirvieron a la joven para darse cuenta de que debía recuperar su vida, aficiones y amistades, dándole a Ben con la puerta en todo su desbocado ego, como paso previo para lograrlo. Luego, cuando el oso llegó hasta la misma puerta de su casa, justo la noche en la que Nora había decidido sacar a la luz todos sus sentimientos y, de paso, vomitar todo lo que había comido durante ese mismo día, la joven lo interpretó como si aquel animal representara el revulsivo que su destartalada vida necesitaba.

Imagino que ahora lo siguiente que me dirán es ¿cómo un oso puede vivir en un apartamento y ser la pareja de una humana? Quizás, porque el oso en cuestión no responde a las señas de identidad de un animal “salvaje” al uso. Quizás todo se deba a que Nora era la persona más cualificada para lograrlo, después de sus pasadas experiencias amorosas, de tener que lidiar con un trabajo que sólo servía para limpiar las miserias de una pandilla de estafadores y de estar rodeada de un círculo íntimo y familiar que tampoco es que fueran fáciles de llevar.

Créanme si les digo que el oso sólo tiene problemas de convivencia cuando trata de comportarse como un ser humano normal, de ésos que van dando bandazos por la vida, sin tener muy claro qué hacer, decir e, incluso, pensar. Cuando se comporta como un oso, Nora es la persona más feliz de la creación y eso, claro está, tampoco es algo que su círculo más cercano terminara por tolerar, por mucho que todos ellos se aferraran al tema de la hibernación como la excusa perfecta para hacer tambalear su relación.

Además, tampoco es que una circunstancia tan normal, en la vida de un oso, como lo es la hibernación le deba acarrear a la joven tantos dolores de cabeza, pero el ser humano siempre ha jugado al juego de sustituir una angustia por otra, amén de hacerle la vida imposible a quienes no sólo parecen felices, sino que, en realidad, lo son.

Y qué quieren que les diga. Con la cantidad de cafres, ignorantes, mamarrachos y abusadores de todo tipo y condición ¿qué tiene de malo que el novio de Nora sea un oso?

Mi novio es un oso pone sobre la mesa todos los temas anteriormente citados sobre las relaciones humanas, además de querer atacar a la línea de flotación de aquello que se conoce como una “relación normal” por una sociedad que es TODO menos NORMAL. Nora es una de tantas personas que solamente busca alguien que la quiera y la respete por lo que es, no por lo que la otra persona desea que sea. Sus intereses, sus sueños, su forma de comportarse deberían ser mucho más sencillos de tolerar por su círculo más cercano en vez de comportarse con ella como si la tuvieran siempre bajo un microscopio. Además, el oso no engaña a nadie, ni pretende ser quien no es, mientras que el resto no para de aparentar aquello que, en verdad, no son. Es más, su comportamiento deja con las vergüenzas al aire a toda esa legión de “machitos alfa” a los cuales se les está acabando la consideración y permisividad de la que han disfrutado hasta ahora.

En realidad, Nora quisiera ser mejor persona de lo que es, ayudar a sus semejantes y, si le queda algo de tiempo libre, ser feliz, aunque sin pasarse. Tampoco está dispuesta a que su creatividad y sus ganas de aprender deban ser supervisadas por un indocumentado como Ben o cualquiera de los otros con los que se emparentó en el pasado, por mucho que la sociedad le siga poniendo topes a un sexo en beneficio del otro.

La suma de todo esto termina siendo mucho más definitoria que su elección de pareja, la cual, y a la vista de lo que cuentan Pamela Ribon y Cat Farris en esta obra gráfica, también merece la pena ser tomado en consideración.

Lo único que cambiaría sería el título, para añadirle la frase siguiente: y me da igual lo que pienses, mamarracho.

En la reseña sobre el álbum

Grandes personajes que cambiaron la historia

ya comenté que, en nuestro país, dicha asignatura, la de Historia, no está tan bien considerada como debería. Por ello, decidí ponerme en contacto con el dibujante Enrique V. Vegas para que me contara algunas cosas sobre la idea original y sobre el proceso de creación del álbum en cuestión, el cual forma parte del nuevo sello Espiral Ediciones. Sin más preámbulos, les dejo con sus palabras.

¿Cómo, cuándo y por qué surge la idea de hacer este álbum?

Pues es un proyecto al que llevamos mucho tiempo dando forma. Siempre he querido tocar temas distintos en mis trabajos, y el didáctico siempre fue uno de ellos.

¿Cómo fue el proceso de selección de los personajes que lo integran?

Cuando preparas algo así te das cuenta de la cantidad de personas importantes que ha habido en la historia, y hemos dejado fuera a muchos que merecerían estar. Espero poder recuperarlos en el futuro.

¿El guionista tenía ya una lista previa y luego se trabajó sobre ella o se discutió el proceso de creación antes de empezar a trabajar?

No, no, lo primero, como te digo, fue elegir a los protagonistas, y a partir de ahí trabajar sobre ellos.

Una vez seleccionados, ¿cuál fue el proceso de documentación y posterior creación de cada uno de ellos?

Es la mejor parte, la documentación, y aprender algo con cada uno, más allá de lo que normalmente sabemos, que es como quedarse sólo en la superficie. Indagar e investigar es la parte más divertida.

¿Qué personaje costó definir más?

Quizás los que son más reconocibles por el gran público, como Einstein, del que se tiene una imagen muy concreta.

¿Qué opinión tienes del diseño final del álbum y cómo se integran los personajes con los textos que los acompañan?

Es un acierto. Muy agradable y totalmente comprensible. Un trabajo estupendo.

¿Qué opinión tienes, una vez terminado el álbum, sobre su validez como herramienta para la difusión de la historia?

Lo que me llega son opiniones de lectores, y son muy positivas, así que estoy muy satisfecho.

¿Crees que se deberían desarrollar más propuestas de este estilo en nuestro país?

Nunca sobran, desde luego.

¿Se te quedó algún personaje por plasmar o lo tienes reservado para un segundo tomo?

Como te digo, muchos han sido los que han quedado fuera, y procuraremos que salgan a la luz en un futuro.

Alguna cosa más que añadir, éste es el momento

Sólo agradecerte la labor que haces y el cariño y la dedicación que le pones. Un abrazo.

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2020

© Enrique V. Vegas, Cantabria, 2020

La Historia, esa asignatura que nadie parece querer tomarse en serio hasta que luego es demasiado tarde, no es un compendio de libros y legajos polvorientos, acumulados, ellos, en algún sótano lúgubre y húmedo.

La Historia es aquella narración que nos enseña quiénes fuimos, quiénes somos y, si sabemos leer entre las líneas escritas -por quienes ocuparon, tiempo atrás, el mismo espacio en el que ahora estamos- quiénes podemos llegar ser.

Y esa misma Historia, por lo menos, algunas de sus páginas más importantes y trascendentales para el futuro de la humanidad, está escrita por personas que, de una forma o de otra, supieron adelantarse al tiempo que les tocó vivir y construir un discurso que luego perduró en el tiempo. Sin su legado y su enorme capacidad para afrontar todos y cada uno de los retos a los que debieron hacer frente, independientemente del escenario en el que se desenvolvieron, la historia, tal y como la conocemos, no sería la misma.

Puede que, con el tiempo, la impronta de algunas de esas personas -sobre todo las ligadas con las artes guerreras- hayan terminado por ser cuestionadas, relegando al cajón del olvido el resto de sus méritos para con la sociedad en la que vivieron. En otros casos, los cambios ideológicos, sociales e, incluso religiosos, tampoco han ayudado a preservar el legado de quienes fueron capitales para el desarrollo de las mismas disciplinas que ahora mismo, censuran y/o ponen en entredicho su vida y obra.

Sea como fuere, los personajes reunidos en el libro Grandes Personajes que cambiaron la Historia, un trabajo que se reparten Javier Matesanz, Enrique V. Vegas, José Arnau y David Saavedra, respectivamente -guión, dibujo, color y maquetación interior, además del diseño de portada- merecen ocupar las páginas de una propuesta que reúne de forma simple, eficaz y académica las herramientas necesarias para el estudio de la asignatura de Historia.

Los textos de Javier Matesanz resumen, en apenas unas líneas, la valía de todos y cada uno de los veinticinco personajes que aparecen en las páginas del libro. Además, se incluye un pequeño índice, el cual funciona como una suerte de diccionario, un dato digno de tener en cuenta y una frase del personaje en cuestión. Enrique V. Vegas, por su parte, demuestra que sus archiconocidos “cabezones” pueden adaptarse a otro tipo de necesidades y mostrarnos la impronta de Aristóteles, Miguel de Cervantes, Marie Curie o Amelia Earhart con la dignidad requerida para un trabajo como el que nos ocupa. No me quiero olvidar de la apropiada y cuidada paleta de colores que José Arnau utiliza para todos y cada uno de los personajes escogidos, así como la simple, pero tremendamente válida maquetación diseñada por David Saavedra para unir la imagen y el legado, dentro de las páginas del libro, de quienes cincelaron las tablas históricas de nuestra sociedad contemporánea, por mucho que, ahora, nadie parezca querer recordar.

Por añadidura, esta propuesta deja bien claro que quienes siguen sin valorar, de manera positiva, las bondades y virtudes que la suma de un texto + una imagen, tienen para el conocimiento de los seres humanos, mejor deberían empezar a entender que su discurso, además de torticero, está obsoleto y demuestra un nivel de ignorancia que nuestra sociedad ya no se puede permitir.

Tal y como se lee en la parte posterior del libro, “Porque la cultura es importante” venga ésta de donde venga, en el soporte que ésta utilice y valiéndose de las herramientas que ésta haya tenido a su alcance. Todo lo demás, a estas alturas, SOBRA.

Descripción: Libro ilustrado.

Tapa dura. Dimensiones: 21×27. Color.

Páginas: 56

ISBN: 978-84-17956-95-0

Ya tengo asumido que, por una suma de factores, suelo pasar bastante tiempo en el llamado “callejón de los artistas” el cual, cada vez más, prolifera en los encuentros comiqueros, no importa el lugar del mundo en el que se celebren.

En realidad, y quizás esta sea la razón principal de mi comportamiento, es refrescante hablar con personas que quieren explicarte qué hacen y no con autores, ya “consagrados”, pero, demasiado ocupados en otros menesteres, todo sea dicho.

La siguiente entrevista fue el resultado de pasar por el Salón del Cómic de la ciudad de Valencia del presente año 2020, luego de recibir una contestación positiva por parte de la autora, quien accedió a responder a las preguntas que les envié.

Sin más preámbulos, les invito a que se lean la entrevista y disfruten con el talento de Beatriz Galiano.

¿Cuándo y por qué empezaste a dibujar?

Cuándo empecé a dibujar es algo que no recuerdo. Desde pequeña acompañaba a mis padres durante los ensayos (ambos son músicos) en los que yo pasaba los ratos pintando y dibujando todo lo que me pasaba por la cabeza. Desde entonces no he parado.

¿Cuáles son tus influencias principales y de qué modo están presentes en tu actual estilo?

Hay tantas que no sabría escoger. Los grandes maestros de la pintura -pasando por el Renacimiento, el Barroco, el Impresionismo, etc.- son una gran influencia para mí. De ellos aprendí a trabajar el claroscuro, el color, la pincelada... Son detalles que intento plasmar en mis ilustraciones, aunque la temática poco tenga que ver. Pero por supuesto también me influyen dibujantes y concept artists actuales.

Una vez que te decides a abordar un tema, ¿cuánto tardas en terminar una ilustración?

Depende de la ilustración y de la técnica. Si es algo sencillo, en cuatro horas puedo tenerla terminada, pero si se complica la composición, o la técnica necesita tiempos de secado, puede llevarme hasta veinte horas o más.

¿Qué técnicas utilizas?

Las que más utilizo son las técnicas digitales, a las que doy un tratamiento parecido al que utilizo con los óleos.También trabajo con acuarelas, gouache, rotuladores de alcohol en ocasiones, y si tengo tiempo me gusta retomar el óleo. Por desgracia, esto último sucede muy poco.

¿Prefieres la nueva tecnología a la hora de trabajar o eres más de la vieja escuela?

Por comodidad trabajo más con nuevas tecnologías, pero como dije anteriormente, ambas me gustan. El tradicional es algo que no quiero dejar de lado, y siempre aprendo algo nuevo cuando lo retomo.

¿Prefieres trabajar a color o blanco y negro?

Me gusta el blanco y negro, pero jugar con los colores es algo que me divierte muchísimo.

¿cuáles son tus temas preferidos?

Definitivamente la fantasía, el terror y la historia. Vamos, que me encanta verme transportada a otros mundos o épocas.

¿Has dibujado alguna vez una historia gráfica entera?

Entera, todavía no, pero estoy en ello. Me estoy esforzando mucho, porque de verdad espero que merezca la pena. Quiero estar a la altura del guión que me han propuesto.

¿Has pensado en desarrollar un personaje propio?

Muchísimas veces, y tengo algunos desarrollados, pero a la hora de escribir un guión completo siempre encuentro baches que todavía no sé cómo sortear.

¿Crees que las nuevas generaciones de artistas gráficos como tú deberían hacer más cosas para darle mayor difusión al trabajo que realizan?

Bueno, no sabría hablar por los demás, pero supongo que siempre se puede hacer algo más. Por mi parte siempre intento dar toda la difusión posible a lo que hago. Estoy en varias redes sociales en las que intento ser lo más activa posible. Desde instagram -donde muestro parte de mis obras o fotos de procesos - hasta Twitch, donde todas las semanas pinto/dibujo en directo e interactúo con el público. Además procuro ir a todas las ferias de cómic e ilustración que mi presupuesto me permite.

¿Si alguien estuviera interesado en pedirte una ilustración, qué debería hacer?

Puede contactar conmigo a través de mis redes sociales. En todas ellas se me puede encontrar como “Bea/ Beatriz Galiano” o con mi pseudónimo “Dragonstrace”. Siempre contesto lo antes posible.

Si tienes alguna cosa más que añadir éste es el momento.

Soy consciente de que el camino que he escogido como modo de vida no es el más fácil, pero es lo que soy, y no me veo dedicándome a cualquier otras cosa. Necesito dibujar, plasmar y contar todo lo que pasa por mi cabeza. ¿Suena muy romántico? Puede ser, pero al fin y al cabo, la vida consiste en intentar ser feliz con lo que uno hace, ¿no es así?

Empezaré estas líneas con una historia que conozco muy bien. Ésta es la historia de un niño que creció en un momento de la historia de nuestro país en el que los gustos estaban MUY bien definidos. Tan bien definidos estaban que éstos sólo te permitían acceder a unos determinados géneros y/o disciplinas, los considerados “serios y respetables” y relegaban, por no decir, censuraban y/o ignoraban al resto.

Ésta es la historia de un niño cuya vida cambió por dos razones, ligadas, ambas, con la cultura contemporánea del siglo XX, ésa tan denostada por las mentes “bien pensantes”. La primera razón dividida, ésta, en dos partes, depende de la misma persona, el escritor británico Roald Dahl y estuvo íntimamente relacionada con las películas Un mundo de fantasía -título con el que se “bautizó” en nuestro país a Willy Wonka & the Chocolate Factory (Mel Stuart,1971) y Chitty Chitty Bang Bang (Ken Hughes, 1968)

En ambas producciones, el mundo de los niños y el enfrentamiento que tienen con unos adultos que, ni los entienden ni los valoran -más bien, todo lo contrario- le enseñaron mucho más que aquellos argumentos educativos que solamente pretendían hacerle crecer a la fuerza, pero sin calibrar lo que se estaba perdiendo por el camino. Además, Willy Wonka y Caractacus Potts le demostraron que también se puede crecer sin ser un absoluto mamarracho.

La segunda razón estuvo ligada con el momento en que recibió, como premio por su compresión lectora, un “tebeo” de Superman, publicado por la editorial mejicana Novaro (Superman# 996. FP: enero 1975) A partir de ahí ya no paró de leer aquellos “tebeos”, para desesperación de sus profesores y del resto de la humanidad. Admito que esto último resulta un tanto paradójico, porque, si hoy en día se sigue sin considerar al lenguaje secuencial como un arte, imaginen hace casi cinco décadas cómo sería...

Es, también, la historia de un niño que sabía quién era Flash Gordon, Buck Rogers y John Carter de Barsoom, antes de sentase a ver el Episodio IV de Star Wars, en aquel momento, simplemente, La Guerra de las galaxias, de la misma forma que había visto series de televisión de género fantástico, tales como Star Trek, Thunderbirds, Captain Scarlet and the Mysterons, U.F.O. y Espacio 1999.

Y ésta es la historia de un niño que debió aprender otro idioma y viajar fuera de las fronteras del país en el que nació para encontrar lugares donde conocer a personas con las mismas querencias que él.

Hoy en día, la realidad de nuestro país es bien distinta y ya no hace falta abandonar las fronteras nacionales para encontrar lo que te gusta, sobre todo en un momento, el actual, en el que es difícil encontrar una población en la que no se celebre algún tipo de actividad cultural, evento, encuentro, jornada o salón de cómic y/o manga durante alguna de las semanas del año.

No obstante, lograr que un evento de estas características logre abrir sus puertas, sobre todo si éste lleva aparejado el calificativo de freak, freaky, frekkie y/o cualquiera de sus variantes, no es una cuestión baladí. Además, siempre “hay borrachos con babas, que le recuerdan el error que están cometiendo” a los osados que se siguen atreviendo a desafiar el estatus cultural imperante con este tipo de propuestas, tal y como reza la traducción de la canción The Piano man de Billy Joel, según la interpretación de Ana Belén.

¿Y qué quiero decir con esto? Pues muy simple: en nuestro país, puede parecer que las cosas han cambiado y que el siglo XXI ha llegado para quedarse, pero la realidad es bien distinta. Todavía -y por lo menos queda una década para que las cosas cambien- quienes deciden qué presupuesto asignar, qué evento patrocinar o qué pabellón reservar para un evento como lo puede ser el Salón del cómic de Valencia, SIEMPRE tendrán otras preferencias, por muy torticeras e inútiles que puedan llegar a ser y resultar. La cultura, ésa disciplina que, por definición, se olvida y/o se censura durante los mítines políticos y las declaraciones de intenciones institucionales continúa siendo una parcela reservada para unas determinadas disciplinas. Géneros más minoritarios, tales como el fantástico, artes como el cine de género y el cómics, o plataformas de entretenimiento como la televisión y los videojuegos no figuran en la lista de prioridades inmediatas. ¿Significa esto que no hay instituciones, cargos públicos y/o empresas interesadas en patrocinar eventos? No, hay sectores que se nutren de personas que han crecido con dichos referentes y, por eso, de una forma o de otra, ayudan a que, por ejemplo, en nuestro país se celebren, en la actualidad, más de medio centenar de salones de cómic y manga al año.

El problema es que muchos de dichos eventos dependen de los criterios arbitrarios de quienes disponen, luego, de los espacios en donde poder celebrarlo, espacios que no suelen estar debidamente preparados para tal efecto, o cuyos costes suelen sobrepasar las estimaciones más optimistas en cuanto a los presupuestos de los que se dispone. En parte, también tiene que ver con la absoluta desconexión que la universidad española demuestra para con este tipo de eventos, algo que, en el resto del mundo, no suele suceder, siendo esas mismas universidades las que apoyan, patrocinan y/o dan cobijo a dichos eventos culturales, independientemente del tema a tratar.

Por ello, suele ser moneda común que aquello que más sufre en los eventos sean las charlas, conferencias y mesas redondas al no contar con espacios cerrados adecuados donde poder celebrarlas. En el caso del Salón de cómic de Valencia, la sala de conferencias, estratégicamente situada en una de las esquinas del recinto, pudo desarrollar su actividad de una forma bastante digna, algo que otras instalaciones preparadas para tal efecto no lograron, por mucho que los participantes utilizaran, casi diría que abusaran, la tecnología que la organización había puesto a su alcance.

En realidad, esta circunstancia está íntimamente relacionada con esa suerte de pelea acústica que muchos de los stands que se diseminan por un evento como el salón valenciano mantienen para con el resto de participantes y, sobre todo, contra el público. Si ya de por sí es difícil mantener una conversación en un recinto lleno visitantes que, normalmente, NO hablan, sino que gritan, por definición, cuando éstos deben hacerlo, queriendo sobrepasar los decibelios de tan o cual stand, resulta una labor casi titánica.

Personalmente, sigo sin entender la razón que lleva a una dicotomía como ésta, porque, con dicho comportamiento, no se incita a que el visitante que se ha desplazado hasta el lugar del evento, y ha pagado una entrada para estar allí, se quede más tiempo del necesario, por mucho que me traten de demostrar lo contrario.

Luego está la consideración en cuento al diseño y a la utilización del espacio de forma que ayude o impida el buen y óptimo desarrollo de un evento. En el caso particular del Salón de Valencia, quedó claro que se primaron unos espacios, en detrimento de otros, algo que tiene que ver más con las necesidades “sobre el papel” que con la realidad que luego te encuentras. Tengo claro que lugares tales como un recinto ferial son MUY difícil de domar y solamente el tiempo logra que el plano de planta sobre el que trabajas luego se transforme en el espacio deseado.

Dicho lo dicho, debo añadir que muchos de los problemas que esta situación hubiera podido acarrear se solucionaron con el buen hacer de unos voluntarios que, no solamente buscaban soluciones, sino que velaban por la imagen del evento, circunstancia que NO, repito, NO suele ser habitual, y mucho menos en este tipo de eventos.

Gracias a ellos, y a las personas que los organizaban, las continuas sesiones de firmas, charlas, encuentros, presentaciones y demás actos funcionaron con la dinámica y la información adecuada para que el evento no se resintiera.

Después está el talante, serio y profesional, de los invitados que acudieron al encuentro, muchos de los cuales superaron, con creces, los horarios que tenían asignados para sus sesiones de firmas, con tal de no dejar a nadie sin lo que habían venido a buscar. Queda claro que a nadie se le pasó por alto que uno de los principales atractivos del encuentro fue el extenso cartel que éste ofrecía, digno de tener en cuenta en un momento como el actual. Además, no quiero pasar por alto la entrega de aquellas personas anónimas, quienes, en solitario o formando parte de un colectivo, le iluminaron el día a legiones de visitantes durante los tres días en los que se celebró el evento.

Son ellos lo que engrasan, ajustan y terminan por lograr que toda la maquinaria que se esconde detrás de un evento como éste logre funcionar, porque a ellos les sigue moviendo una ilusión y un empuje que muchos han ido perdiendo por el camino, al convertir una afición en un trabajo con el que pagar facturas.

No diré que todos los organizadores, invitados, actores, autores, editores y ponentes han perdido, con el tiempo, aquello que les llevó a ser quienes ahora son, pero el tiempo es un feroz juez que nos pone a todos en nuestro sitio. Los rostros, las expresiones y los argumentos que uno debe soportar para justificar lo que nunca se debería me han enseñado que así es la realidad, por mucho que siga sin convencerme.

El mundo del fandom, el mundo de los salones de cómic y manga, el mundo de los festivales de cine de género y todo lo relacionado con la ya mencionada “subcultura freaky” tiene, en líneas generales, lo que se merece. No ha sabido y/o querido cuidar su imagen corporativa y librarse de los estereotipos que tan poco le han ayudado en estas últimas décadas. Por añadidura, la “canallesca” sigue dando bandazos entre querer mostrar la cara más “carnavalesca” de un evento como el Salón del cómic de Valencia, encontrar una motivación válida para llegar hasta allí y detenerse en unos contenidos que muy raramente se pueden ver en cualquier otro evento nacional, sobre todo por la relación que el evento valenciano SI tiene con la universidad. Aquí es donde reside uno de los principales baluartes del Salón del cómic de Valencia; esto es, en apostar por ofrecer un corpus teórico dentro de un tipo de encuentros que, por lo general, suele hacer hincapié en otro tipo de propuestas que en nada tiene que ver con el conocimiento histórico, social y cultural del noveno arte contemporáneo.

Tengo claro que el camino emprendido por el encuentro valenciano no será fácil, más si se tiene en cuenta las querencias de buena parte de los visitantes, muy alejadas de cualquier contenido “teórico y/o académico”. Sin embargo, la historia del mundo del fandom la han escrito los que, con su osadía, supieron encontrar el punto de equilibrio entre lo que el público demandaba y aquello que, a su juicio, también debía ser mostrado.

Sólo el tiempo dirá si dicho planteamiento es posible, pero, con la perspectiva que dan los años, todo esto parece posible, siempre y cuando se potencie aquello que ha demostrado su validez y se corrijan los elementos que terminaron por desentonar. El resto es una cuestión de constancia, aprendizaje y de no olvidarse de un hecho, para mí, incontestable. ¿Cómo fue la infancia de los organizadores?

Yo, sí sé cómo fue la mía, hace tiempo, mucho tiempo.

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2020.

© De Makeip - Trabajo propio, CC BY-SA 3.0, 2020

Un agradecimiento muy especial merece el escritor Chris Claremont, quien hace casi treinta años tuvo la inspiración de proporcionar a Magneto un pasado como superviviente del Holocausto. Y en particular, haciendo que Magneto fuera

Sonderkommando

y Magda una gitana. Claremont encontró una forma de presentar a miles de lectores de cómic de superhéroes los aspectos cruciales, pero, frecuentemente poco conocidos de la historia del Holocausto.

Greg Park. Nueva York, enero del año 2009

El cómic: Max Eisenhardt era el miembro de una familia de clase media alemana, de origen judío, que nació en la década de los años veinte del pasado siglo XX. Siendo todavía un adolescente, el joven Max y el resto de su familia, incluyendo su padre, Jakob Eisenhardt, un veterano condecorado durante la Primera Guerra Mundial, debieron acatar, sin posibilidad de contestación alguna, las Leyes de Núremberg, las cuales los convertían en ciudadanos de segunda categoría en el que, hasta entonces, había sido su país.

Los datos históricos: El 15 de septiembre del año 1935 el partido nacionalsocialista obrero alemán, por unanimidad, promulga las Leyes de Núremberg. El cuerpo legal más importante de dicha reglamentación es aquel que recogen la Ley de ciudadanía del Reich y la Ley para la protección de la sangre y el honor alemanes. Una vez implantadas las leyes y, de manera progresiva, se fue implantando en el Reich Alemán una serie de disposiciones, las cuales fueron estableciendo un sistema complejo de discriminación racial, con el objetivo fundamental de preservar la pureza de la raza Aria del pueblo alemán y de expulsar a los judíos -y otros grupos raciales considerados peligrosos- de aquella sociedad.

El cómic: Tres años después, en noviembre del año 1938, toda su existencia se derrumba, de la misma forma que un millar de sinagogas y miles de comercios perecieron a causa de las llamas y la irracionalidad que caracterizó los sucesos acaecidos durante “La noche los cristales rotos”.

Los datos históricos: Los días 9 y 10 de noviembre del año 1938 se desató la Kristallnacht o la Noche de los cristales rotos, luego de la muerte del secretario de la embajada alemana en París, Ernst von Rath, a manos de un joven judío polaco de origen alemán. En tan sólo cuarenta y ocho horas, más de mil sinagogas fueron quemadas, mientras que escuelas, centros de estudios, hospitales y negocios en manos de ciudadanos judíos fueron saqueados y/ o destruidos.

El ataque fue perpetrado por los efectivos de las Sturmabteilung, la tropa de asalto del partido nacionalsocialista obrero alemán, ataviado con su característica “camisa parda” y una turba de ciudadanos enardecidos por la “política informativa” del ministro del Reich para la Ilustración Pública y Propaganda, Paul Joseph Goebbels. Una vez que el fuego se disipó, más de un centenar de personas habían fallecido y 30.000 fueron detenidas y posteriormente deportados en masa a los campos de concentración de Sachsenhausen, Buchenwald y Dachau.

El cómic: Un año después, la familia Eisenhardt decidió mudarse hasta Polonia, un territorio que, poco después, fue invadido por los ejércitos alemanes y las unidades conocidas como Einsatzgruppen.

Los datos históricos: Los Einsatzgruppen era el nombre dado a un conjunto de escuadrones de ejecución itinerantes especiales formados por miembros de las Schutzstaffel y de las Sicherheitsdienst. En primer momento actuaron durante la anexión de Austria y de los Sudetes Checoslovacos, antes de la total invasión del país eslavo. No obstante, fue con la invasión de Polonia, el uno de septiembre del año 1939, cuando los Einsatzgruppen desarrollaron y expandieron su política sistemática de exterminio de los judíos y de los intelectuales polacos, una política que después se trasladó al resto de los territorios invadidos, una vez comenzada la Segunda Guerra Mundial.

El cómic: Tras sobrevivir a la invasión, Max, junto con el resto de sus parientes, lograron llegar hasta Varsovia y, una vez allí, terminaron confinados en el enorme gueto que las autoridades alemanas situaron en la capital del país.

Los datos históricos: En octubre del año 1940, los alemanes fundan el gueto de Varsovia, el mayor de cuantos se implantaron en la Europa ocupada por las tropas del gobierno nacionalsocialista alemán. El gueto de Varsovia llegó a tener una población estimada de 400.000 personas -lo que equivaldría al 30 % de la población de la capital polaca en aquellos años- todas ellas hacinadas en una superficie equivalente al 2,4 % de la misma ciudad. En menos de tres años, las ejecuciones arbitrarias, el hambre, las enfermedades y las deportaciones a los diferentes campos de concentración y de exterminio del régimen alemán redujeron su población a menos de 50.000 habitantes. Dos años después de su apertura, el 22 de julio del año 1942, comenzó la Große Umsiedlungsaktion, acción por la se empezó a desmantelar el gueto y empezaron las deportaciones a los campos de exterminio Treblinka y Majdanek.

El cómic: En septiembre de ese mismo año Max Eisenhardt llega hasta las puertas de campo de Auschwitz II-Birkenau. En aquel dantesco escenario terminará trabajando como miembro integrante de las unidades denominadas Sonderkommandos.

Los datos históricos: Los Sonderkommandos eran unidades de trabajo formadas por prisioneros que trabajaban en las cámaras de gas y en los crematorios, en los campos de exterminio del Reich Alemán. Su principal ocupación era la de retirar los cadáveres de las cámaras de gas; seleccionar aquellos cadáveres que pudieran albergar algún elemento de valor; apilar sus pertenencias por tipo; llevar a las víctimas al horno crematorio, o bien inhumarlas. Vivían apartados del resto de los prisioneros del campo y, pasados unos meses, eran exterminados, para evitar que pudieran contar lo que estaba pasando. No podían hablar con los prisioneros, pues si lo hacían recibían la pena de muerte.

El cómic: En 1944, Max Eisenhardt participó en la revuelta del Sonderkommando que trabajaba en los Crematorios II y IV del campo de extermino y, a diferencia del resto de sus compañeros de rebelión, él sí logró sobrevivir junto con una joven gitana llamada Magda, a quien había conocido cuando aún era un simple alumno en un colegio de secundaria alemán.

Los datos históricos: El siete de octubre del año 1944, el Sonderkommando que trabajaba en los Crematorios II y IV del campo de exterminio de Auschwitz II-Birkenau se rebeló, destruyendo el Crematorio IV, el cual luego no se reparó. Los miembros de las SS mataron a medio millar de personas y, dos días después, los Crematorios II y V continuaron su letanía de muerte, lugares donde murieron 5000 prisioneros más.

El cómic: Sobra decir que el niño que llegó hasta aquel matadero se convirtió en un ser distante, esquivo y amargado, ante la situación vital que le había tocado en suerte. Tras sobrevivir, decidió que quien padeció todo aquel horror debía desaparecer, pero la historia, su historia y la de todos aquellos que sufrieron la megalomanía asesina del tercer Reich alemán debían ser recordados por las nuevas generaciones.

X-Men: Magneto testamento, obra de Greg Park, Carmine Di Giandomenico, Matt Hollingsworth y Marko Djurdjevic (Marvel Knights 2008-2009) NO es un cómic de coloridos superhéroes batallando contra el villano alienígena de turno, por mucho que todavía sean legión los que piensen que un “tebeo” publicado por Marvel Comics es incapaz de hacer otra cosa que entretenerte durante unos minutos.

X-Men: Magneto testamento no necesita ser una publicación independiente, ni en blanco y negro para contarnos una historia REAL y que nunca debiera ser olvidada, por muchos que los últimos supervivientes del holocausto estén falleciendo, sin que nadie repare en lo que signifique su pérdida para una sociedad tan baqueteada como la nuestra.

Max Eisenhardt es uno de aquellos jóvenes que vio cómo su vida, tal y como la conocía, desaparecía tras una tormenta de insensatez, fanatismo, demencia y destrucción, mientras el resto del mundo miraba para otro lado. Greg Park sólo tuvo que consultar algunos de los libros que se han escrito sobre estos sucesos, los cuales forman parte de la bibliografía -la cual SÍ que puede acompañar las páginas de un cómic- y, a partir de los testimonios y los datos que recogen esas páginas, darle cuerpo a la historia de un personaje cuyo pasado fue esbozado en otras tantas colecciones, tales como X-Factor, New Mutants o Excalibur y en las páginas de la series principales de los mutantes gráficos de Marvel Comics, por lo menos, durante las primeras décadas de su existencia, pero en la que nadie había profundizado de la forma que lo hace esta serie limitada de cinco números.

X-Men: Magneto testamento debería ser considerada tan válida como otras tantas propuestas gráficas que se hacen eco de lo que sucedió en la Europa de los años treinta y cuarenta del pasado siglo XX, independientemente de quién sea el protagonista o la procedencia de éste. Sin embargo, la historia nos demuestra que en esa lista ya hay unos títulos que parecen estar grabados a fuego y poco importa el mérito que puedan atesorar otros tantos, menos conocidos, pero que nada tienen que envidiarle a los demás.

La edición presentada por Panini Comics en nuestro país no solamente ofrece los cinco números -con las magníficas portadas de Marko Djurdjevic-, sino que, también, incluye textos de Greg Park y Stan Lee, la ya mencionada bibliografía -la cual les recomiendo consultar, en especial los libros y las películas documentales basados en ellos, según el trabajo de Claude Lanzmann y Laurence Rees- y unas páginas dibujadas por una leyenda en el mundo gráfico como lo es Neal Adams. Esas páginas sirvieron de contestación a una de las muchas insensateces que se perpetran en nuestro mundo y que terminan por ser más un insulto que una excusa y de las que hablaremos, más adelante.

X-Men: Magneto testamento termina delante de lo que fue el Crematorio V del campo de exterminio de Auschwitz II-Birkenau, el cual fue dinamitado por los miembros de la Schutzstaffel, el 26 de enero del año 1945. Han pasado setenta y cinco años desde que aquello sucedió y no se me ocurre nadie mejor que Max Eisenhardt para contárnoslo.

Tras la primera entrevista con la dibujante Irene Sánchez, realizada tras la décima edición del Festival del manga/ ComicCan grancanario, le cedo la palabra y la sección a Javier Afonso, dibujante y presidente de la Agrupación de ilustradores canarios.

¿Cuándo y por qué empezaste a dibujar?

Mi interés por el dibujo viene desde la infancia. Ya con pocos años me fascinaban las viñetas diarias que veía en el periódico de mi abuelo e intentaba dibujarlas, y poco a poco se convirtió en un hábito el pasar las tardes haciendo dibujos de mis personajes favoritos de cómic y series de animación. Esos ratos me hacían sentir muy bien y prefería sentarme a dibujar antes que pasar más tiempo jugando o con otras actividades. En esa época estaba influenciado por lecturas de cómic norteamericano y de tebeos españoles, tales como Mortadelo y Filemón, Zipi y Zape o la serie Rue del percebe 13.

Siendo adolescente seguía aún dibujando, y me sentía muy influenciado por la lectura de novelas de fantasía épica, lo cual desembocaría en la actualidad en ser una de mis temáticas favoritas a la hora de ilustrar.

¿Cuáles son tus influencias principales y de qué modo están presentes en tu actual estilo?

Dentro de mis influencias temáticas cuando trabajo en mis personajes suelo recurrir a los relatos de fantasía épica, mitología de diversas regiones y ciencia ficción, procurando crear una amalgama de estos géneros. En cuanto a algunos de mis muchos referentes artísticos, puedo destacar a Moebius, a Simon Bisley o a Boris Vallejo entre otros, de los cuales suelo tener muy en cuenta su manera de aplicar el color y cómo lo utilizan para expresar y narrar.

Otro factor que me ha influenciado mucho es el paisaje que se suele ver en las Islas Canarias, el cual comencé a utilizar de forma reiterada durante los años que estuve viviendo fuera de las islas no tanto por el apego a permanecer en un lugar, sino por el recuerdo que queda grabado después de crecer en un lugar. Así pues, es muy habitual ver paisajes desérticos y con roques volcánicos dentro de mi obra, pero transformados de tal manera que se integran perfectamente en un contexto de fantasía y ciencia ficción.

Mysteries of the forest. Digital (2018)

© Javier Afonso, 2019

Una vez te decides a abordar un tema, ¿cuánto tardas en terminar una ilustración?

Si se trata de una ilustración para un cliente la suelo abordar de inmediato, procurando que el tiempo que transcurra hasta la entrega sea el menor posible, a poder ser de dos días a una semana, y siempre con un margen de tiempo para correcciones. Entre los factores que influyen en el plazo de entrega cuenta, en gran medida, el nivel de detalle que requiere el cliente. Por el contrario, cuando se trata de un proyecto personal, suelo tardar un tiempo rellenando antes muchas libretas de bocetos, pensando y descartando ideas, pero una vez lo tengo todo claro el proceso de pasar esas ideas a limpio suele ser muy fluido y rápido. Diría que, en general, tengo un ritmo de trabajo eficaz.

¿Qué técnicas utilizas?

Las dos técnicas que más utilizo son la pintura acrílica sobre lienzo o tabla, o técnica digital con programas, tales como Photoshop, Procreate, Illustrator etc. En cuanto a la fase de ideas y bocetos suelo trabajar a base de libreta y bolígrafo negro, para hacer mis apuntes.

¿Prefieres la nueva tecnología a la hora de trabajar o eres más de la vieja escuela?

A la hora de trabajar suelo disfrutar más del proceso de la pintura tradicional y del dibujo en libreta. Al fin y al cabo, así fue como aprendí durante mis estudios en la carrera de Bellas Artes. Con el tiempo empecé también a disfrutar de los métodos digitales. Creo que hay que avanzar y adaptarse a los tiempos que corren, así que para optimizar tiempo y material a nivel profesional suelo optar por el uso de técnicas digitales, sin olvidar la base tradicional, o incluso en algunas ocasiones, fusionando ambos métodos. Me siento cómodo y trabajo con soltura con ambos.

¿Has dibujado alguna vez una historia gráfica entera?

Una historia gráfica, no Generalmente, suelo trabajar haciendo portadas editoriales, ilustraciones sueltas para el interior de novelas, algunos trabajos de concept art y, debido a que suelo hacer mucha temática de fantasía, me han tenido en cuenta más de una vez para ilustrar libros de criaturas de juegos de rol. Actualmente estoy trabajando en el desarrollo de una historia gráfica como proyecto personal, la cual tengo intención de que sea mi tercera publicación individual, pues espero en unos meses publicar un segundo artbook.

¿Si alguien estuviera interesado en pedirte una ilustración, qué debería hacer?

Debería ponerse en contacto conmigo por las redes sociales @javiafonso_illustrart o por el correo electrónico javiafonso89@gmail.com Una vez hecho esto se negociaría todo lo referente al trabajo. Incluso buscándome en Google “Javi Afonso ilustración” aparecerán varias formas de localizarme.

Magic forces. Acrílico sobre lienzo (2018)

© Javier Afonso, 2019

Cambiando de lado de la mesa y ya en tu rol de presidente de la Agrupación de ilustradores canarios, ¿qué nos puedes contar de dicha agrupación y de tu labor al frente de ella?

La agrupación surgió cuando volví a las islas después de haber estado varios años viviendo fuera. Me di cuenta de que los artistas de la zona estaban muy desinformados acerca de las oportunidades que tenían a su alrededor y desamparados ante posibles estafas, precios injustos e impagos por parte de empresas. Por ello, decidí dar el paso de crear un grupo de ilustradores, creando esta red en la que todos estamos comunicados.

La información de la que carece un artista, o el problema que pueda tener otro será resuelto de forma casi inmediata por el grupo. Además, se rompe la incapacidad de muchos artistas a la hora de trabajar en grupo, debido a la idea errónea y caduca de que trabajar solo es mejor por miedo a que roben tus ideas, desconfianza, envidia, egos, etc. El tiempo ha demostrado que esta unión ha fortalecido a la comunidad de artistas de la zona. Se trabaja en grupo en diferentes proyectos, sin afectar a los proyectos personales de cada uno.

Respecto al trabajo que desarrollo en el grupo, básicamente me encargo de buscar lugares donde poder realizar exposiciones, organizar y realizar todos los tramites. Organizo “quedadas” de tanto en tanto, donde nos reunimos para hacer actividades y ejercicios creativos conjuntos y procuro tener al grupo informado de todos los eventos, charlas y actos relacionados con nuestra actividad en la zona.

¿Cuáles son las principales directrices sobre las que se articula dicha asociación?

La agrupación de ilustradores canarios nació con la idea de crear y generar una comunidad artística más unificada en las Islas Canarias, con la intención de romper el concepto del individualismo artístico como única opción, fomentando y facilitando la interacción entre ilustradores con proyectos grupales y colaborativos.

Además de crear actividades artísticas, se encarga de aportar información útil sobre producción técnica a la hora de crear productos de calidad para la venta y de avisar de fechas y trámites relacionados con los eventos que se realizan en las islas enfocados al mundo del arte, cómic, ilustración, etc. También se da promoción al trabajo de los miembros del grupo, a través de nuestras redes sociales. Actualmente la agrupación está compuesta por más de 50 artistas de diferentes islas y sigue creciendo.

¿Crees que las nuevas generaciones de artistas gráficos deberían hacer más cosas para darle mayor difusión al trabajo que realizan?

Por supuesto. Hoy no hay excusa para no mostrar el trabajo de uno. Con Internet se tiene la posibilidad de mostrar tu obra en todo el mundo. Además, es importante tocar la puerta de las entidades locales en busca de una oportunidad, mostrando los proyectos artísticos. Eso sería lo ideal, pero mucha gente suele quedarse en casa, esperando a que les caiga la oportunidad del cielo… O tienen miedo al “no”, y por eso no se atreven a buscar la oportunidad, sin tener en cuenta el hecho de que el “no” ya se lo están imponiendo a si mismos al ni siquiera hacer el intento. En ese aspecto el grupo ha hecho que varias personas se atrevan a dar sus primeros pasos en el mundo de la ilustración.

¿Qué papel juegan las administraciones públicas a la hora de apoyar a estas nuevas generaciones?

Las administraciones públicas tienen todos los medios para dar mucha visibilidad a las nuevas generaciones de artistas, pero la información y accesibilidad a estos medios suele ser opaca. Es por eso que, para generar proyectos, exposiciones y charlas hay que recorrer antes infinidad de oficinas, preguntando hasta encontrar el sitio indicado y realizar inacabables trámites burocráticos. Si ese tipo de detalles se corrigiera y toda la información fuera más clara y accesible, el entorno crecería muchísimo a nivel cultural, ya que hay muchos creadores de contenido artístico de calidad en la zona.

¿Y qué opinas del papel de los medios de comunicación a la hora de hacerse eco del trabajo que realizan los miembros de la Asociación?

Por el momento los medios de comunicación se han mostrado muy receptivos a la hora de anunciar nuestras actividades y exposiciones. Tanto en diversos periódicos locales como en la TV autonómica han considerado que somos una agrupación de interés a nivel cultural.

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2019

© Javier Afonso, Las Palmas de Gran Canaria, 2019

Tras mi paso por el Salón del Cómic y la ilustración de Tenerife y con tan solo tres semanas de diferencia tuve, de nuevo, la oportunidad de conocer el trabajo de los autores presentes durante la celebración del décimo aniversario del Festival del Manga/ComicCan, en Las Palmas de Gran Canaria.

Podría añadir muchas cosas, pero las sensaciones fueron las mismas que en Santa Cruz de Tenerife; es decir, resulta difícil de entender que tanto talento siga pasando desapercibido no solo por el público en general, sino por los responsables de las instituciones públicas, que siguen contratando a quienes solamente gustan de repetir los esquemas más que conocidos, y por los medios de comunicación, que por causas que ignoro siguen sin dedicarle la atención que se merece.

Dicho todo esto, y sin querer extenderme demasiado les dejo con la primera de las entrevistas dedicada a Irene Sánchez, también conocida como Maga Celestial.

¿Cuándo y por qué empezaste a dibujar?

Descubrí que a lo que me quería dedicar era al dibujo, con once años, cuando estaba con una amiga con la cual veía dibujos por la televisión. Un día vimos Pichi Pichi Pitch por el canal de Clan y dibujé a la protagonista. En ese momento sentí que podía plasmar en el papel todo lo que fluía por mí. Fue la sensación más maravillosa de mi vida.

¿Cuáles son tus influencias principales y de qué modo están presentes en tu actual estilo?

Mis principales influencias son las siguientes:

Io Sakisaka, una mangaka japonesa, que ha creado obras como “Strobe edge” y “Ao haru ride”.

Lo que más me gusta, aparte de su estilo de dibujo, es cómo crea las expresiones que les pone a sus personajes, transmitiendo los sentimientos que llegan al espectador de una forma muy directa, y sabe lo que siente el personaje en cada momento. También me gusta la técnica que emplea para colorear sus portadas e ilustraciones. Usa tintas de color, por lo que también crea una especie de efecto de acuarela.

Yuuki Obata, otra mangaka japonesa, creadora de la obra “Bokura ga ita”.

Al hablar de Yuuki Obata, solo puedo decir que fue quien me inspiró a crear historias de romance y drama. Ella me hizo ver que no todos los mangas de romance tienen al típico protagonista masculino que es muy bueno, amable y considerado. Es así como mi mentora en ese universo que creó. Me enseñó que las cosas que puedes mostrar son cosas que a cualquiera le puede pasar.

Kouji Seo, un mangaka japonés, quienl creó “Suzuka”, “Kimi no iru machi” y “Fuuka”.

Lo que admiro de Kouji Seo son las conexiones en sus historias. Todo se inicia en su obra “Suzuka” y es el mismo mundo que tienen las obras “Kimi no iru machi” y “Fuuka”. También se dedica al ecchi, y me encanta cómo hace los desnudos. De él he aprendido mucho, ya que conoce muy bien la anatomía humana.

Chihiro puntillismo © 2019 Studio Ghibli.

Una vez que te decides a abordar un tema, ¿cuánto tardas en terminar una ilustración?

Depende de si es una ilustración de un tema ya creado, o si lo tengo que crear desde cero, con sus personajes, composición, estilos, etc.

Cuando trabajo en una ilustración, me gusta hacer la investigación y la composición, por lo que suelo añadir uno o dos días más a la entrega definitiva, por si hay que añadir algo nuevo o surge algo de imprevisto.

¿Qué técnicas utilizas?

Mis técnicas favoritas y que más utilizo son el puntillismo, que me inicié en el 2017 y fue un gran descubrimiento; los copics y las acuarelas los suelo usar mucho juntos, como técnica mixta. Y siempre entinto con sakuras el contorno.

¿Prefieres la nueva tecnología a la hora de trabajar o eres más de la vieja escuela?

Prefiero trabajar en tradicional antes que en digital. Me gusta poder manipular el material con las manos y hacer las mezclas. Aunque también tengo algunos dibujos en digital que hice en este año, como Kurama, de “Naruto” y Luffy, de “One piece”.

En el último evento en el que se puedo ver tu obra expuesta presentaste una ilustración de la protagonista del videojuego “The Last of Us”, Ellie. ¿Qué te llevo a escoger dicho personaje?

Yo, para esa exposición, quería llevar uno de The Walking Dead, pero me surgió un imprevisto personal. Y en ese momento pensé que mi retrato de Ellie era el que tenía que estar en esa exposición, ya que cuando lo dibujé puse una parte de mí. Es del retrato que más orgullosa estoy hasta la fecha. Y como le dijo Joel a Ellie en el videojuego, “tenía que encontrar algo por lo que luchar”. Para mí este videojuego es una obra de arte en cuanto a historia, gráficos y trama. Si a eso le sumamos mi pasión por las tramas de zombies e infectados, tenía el dibujo perfecto para la exposición.

The Last of Us. Ellie © 2019 Naughty Dog and Sony Computer Entertainment

¿Prefieres trabajar a color o blanco y negro?

Tengo preferencias para las ilustraciones a color y las páginas con viñetas hacerlo con tinta.

Además de los videojuegos, ¿cuáles son tus temas preferidos?

Empezaría por el manga, ya que desde muy pequeña siempre he tenido esas ganas de aprender y no parar de hacerlo ante la cultura nipona. Me nutro de las obras ya creadas desde mi infancia, de las primeras que lo hacía era de Pokémon y Digimon. También, desde hace unos años, tengo una fuerte admiración por The Walking Dead y su universo. La verdad, fue un gran descubrimiento en mi vida. Hoy, sigo la serie y colecciono los cómics, ya que el cómic es una obra maestra, y analizando las viñetas aprendes mucho de perspectivas, entintados, ambientaciones, etc. También te vienen los story-boards de las ilustraciones a color que tiene cada tomo del cómic, como son la portada y la contraportada.

¿Has dibujado alguna vez una historia gráfica entera?

Tengo tres proyectos personales en proceso. El primero es un manga que realicé en mi proyecto final de cómic, con intención de seguir con la historia. Mi segundo, es un libro ilustrado que comencé este verano. Ya tengo la historia, los personajes, y la composición de prácticamente todas las páginas. Es un libro corto, por lo que solo tendrá un tomo único. El tercero es la creación de ilustraciones de la mitología japonesa, de la cual expuse “El amanecer de amaterasu” en una exposición que se hizo en Telde, Gran Canaria, en marzo de este año.

Son Goku © 2019 Shueisha

¿Si alguien estuviera interesado en pedirte una ilustración, qué debería hacer?

Puede contactar a través de cualquier red social como son Instagram (@magacelestial14), Facebook (@MagaCelestial14) o enviarme un mensaje por gmail (maga.celestial@gmail.com).

¿Crees que las nuevas generaciones de artistas gráficos como tú deberían hacer más cosas para darle mayor difusión al trabajo que realizan?

Lo mejor es darnos a conocer en las redes sociales, ya que podemos contar con esa herramienta. El estar muy activos y subir con constancia tus trabajos hará que más personas lo vean. También en eventos puedes mostrar tu trabajo y enviar por correo tus ilustraciones y proyectos a editoriales.

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2019

© Irene Sánchez del Poo, Las Palmas de Gran Canaria, 2019.

© 2019 Studio Ghibli.

© 2019 Naughty Dog and Sony Computer Entertainment.

© 2019 Shueisha.

Si atendemos a los manuales de historia del noveno arte, esos que no se suelen consultar tanto como se debería, la “madre fundadora” de todos los shôjos, un género clave de historieta gráfica japonesa, es aquella escrita por Osamu Tezuka en 1953, la cual vio la luz por vez primera en la revista mensual para chicas editada por Kôdansha, Shôjo Club.

Bajo el nombre de Ribon no Kishi, literalmente “El Caballero del Lazo”, esta historia supone un momento cumbre en la carrera de Tezuka, en particular, y en la historia del manga en general, ya que fue el primer shôjo manga en el que el inimitable creador aplicó las bases del manga contemporáneo. Hasta la aparición de esta magnífica obra, las historias gráficas dedicadas a los más jóvenes, varones o hembras, eran de corta duración y prácticamente sin aventuras de por medio. Con la publicación de esta obra, las cosas cambiaron y, con ello, la misma forma de concebir el mercado editorial y este tipo de propuestas.

La obra trata de una princesa que, por razones del destino, ha de ocultar su identidad sexual, disfrazándose de varón. Este hecho, por muy extravagante que nos pueda parecer, no era ninguna novedad en la época en la que surgió dicho manga, pero sí es una muy buena excusa para encontrarnos con situaciones contradictorias que dan pie al humor y a cierto toque surrealista en toda la obra.

La Princesa Caballero

Lo que hace lo único y por lo que se considera a La princesa caballero todo un mito dentro de los mangas es la acertada combinación que Tezuka hizo de este mito de la heroína guerrera junto con otras influencias gráficas y narrativas, pues aparte del claro toque Disney de los personajes -creador al que el dibujante japonés admiraba- hay escenas de peleas de espadas, aventuras con piratas, seres mitológicos y sobrenaturales, y el escenario de toda la trama, que está situado en una Edad Media muy inspirada en la Francia de los Tres Mosqueteros o, si quieren ser justos, en la Austria de la emperatriz Sissi.

En cuanto a la vida de Zafiro, nombre de la princesa protagonista de la historia, es un poco complicada de entender. El personaje nació con dos corazones, pues un angelillo travieso le hizo tragar, en el cielo antes de nacer, un corazón azul, después de que Dios ya la hubiera señalado como niña y, por ende, haberse tragado un corazón rosa. Además, para rematar la faena, en el reino en el que nace impera la ley Sálica, esa ley que prohíbe que las mujeres suban al trono, y desde que nace se corre el rumor de que es un niño.

Menos mal que, al tener dos corazones, puede disimular muy bien, pero nadie le quita a su madre, la Reina, el disgusto de ver cómo su hija Zafiro es educada medio día como señorita pulcra, distinguida, y elegante, y el otro medio día como un valeroso caballero, diestro con la espada y con su brioso corcel.

Tink, el travieso angelillo que ya mencionamos antes, y responsable de todo este desaguisado, recibe la orden de Dios de arrancarle el corazón azul a Zafiro, pues ella es mujer, y por ello, es enviado a la Tierra para llevar a cabo su misión. ¡Qué incauto es al pensar que será una tarea fácil!

Zafiro tiene muchos enemigos y uno de los peores está dentro de su propia familia. Se trata del duque Duralmín, hombre indeseable, egoísta, y déspota que quiere el trono para si y para su hijo, un mojigato petulante llamado Plastic. Duralmín, desde el nacimiento de Zafiro, la hace controlar por medio de espías, ya que no ha visto de qué sexo es el bebé. Una vez Zafiro es más mayor, le concede el relevo de estas maquiavélicas ocupaciones a Nailon, un personaje que odia a Zafiro y a su madre, y que haría de todo con tal de verlas lejos del trono.

La Princesa Caballero © Tezuka Productions

La trama empieza a complicarse una vez que, tras haberse vestido de mujer, con una peluca de color castaño, Zafiro conoce al príncipe vecino, Franz Charming, en un baile de palacio y ambos se enamoran. No obstante, Zafiro tiene que huir sin decirle al príncipe quién es, al igual que haría una chica de pelo castaño cualquiera que quiera ocultar su identidad ¿Se acuerdan de Cenicienta? De esa forma, pretende defenderse de las maquinaciones de Nailon, que quiere sonsacarle a uno de los preceptores de la princesa si ésta es un hombre o una mujer.

El nudo gordiano producido por este primer equívoco empieza a tensarse cuando, en un torneo, los intentos frustrados de asesinato de Zafiro se materializan en la muerte del padre de ésta, y los hados del destino hacen que todos culpen al príncipe Charming de asesinato premeditado. Fue su espada, la que, envenenada antes por Nailon para matar a Zafiro, acabó hiriendo al rey. La princesa, vestida de hombre para la ocasión, ordena que el príncipe Charming sea encerrado en prisión, lo que causa que el nuevo prisionero le declare su eterna enemistad al príncipe Zafiro, como es natural.

Dicho esto, el príncipe Charming no pasará ni una noche en el calabozo, pues su amada desconocida, la de la peluca de color castaño -que no es otra que Zafiro, vestida de mujer- le ayudará a escapar. ¿Quieren saber más?

Tras todo lo anteriormente narrado, la situación se pone bien fea para el detestable Duralmín pues, tras la muerte del rey, el siguiente en el trono es el príncipe Zafiro, con lo que sus posibilidades de gobernar el reino son nulas. Por ello no duda en dar a beber a la Reina, el mismo día de la coronación de Zafiro, un brebaje que la obliga a decir sus pensamientos más oscuros. Así, de una forma tan poco digna, a pocos instantes antes de ser coronado rey, Zafiro ve para su espanto cómo su madre grita a los cuatro vientos que su hijo es su hija, y que se lo han ocultado al pueblo. Esto desata el descontento de los ciudadanos del reino y, cómo no, una inmensa alegría en la fea cara del duque Duralmín, que por fin logra que su hijo acceda al trono y envía a Zafiro y a su madre, ya desposeídas de toda consideración social, a pudrirse en una cárcel lejana.

Siguiendo la trama hasta aquí, uno pensaría que éste será el final de la pobre Zafiro. No, pues el duque dicta matar a las dos mujeres, pero tal arbitraria e injusta decisión provoca que el carcelero, el jorobado Gamer, se haga uno de los más fieles servidores de la Reina y de su causa.

La Princesa Caballero © Tezuka Productions

En el encierro de Zafiro y de su madre observamos una de las situaciones más tiernas de la historia, pues Zafiro, tras entender que allí viven ratoncitos, señala el huequito en el que moran para así no confundirse y ellos se preocupan por ella cuando no se le permite comer. Al igual que en la primera película de animación de Disney, Blancanieves y los siete enanitos (1937) o en La Cenicienta (1950) Zafiro traba amistad con estos roedores y la ayudarán en todo lo que les sea posible. Es más, algunas de las portadas originales de la obra gráfica y varias de las ilustraciones desarrolladas por Osamu Tezuka en aquellos instantes parecen sacadas de una de las mesas de trabajo de los animadores del estudio fundado por Walt Disney en 1923.

Mientras tanto, en el reino en el que Plastic gobierna se vive con miedo, con leyes prohibitivas y demenciales, además de con castigos severos que nos hacen recordar la Inglaterra de los tiempos del príncipe Juan Sin Miedo tras la marcha de su hermano, Ricardo Corazón de León, a luchar en las Cruzadas, situación que tan bien han sabido plasmar, con sus licencias creativas, todo sea dicho, las diferentes versiones cinematográficas, televisivas y literarias que tratan la figura de Robin Hood.

Dicho todo esto, y volviendo a preocuparnos por el personaje principal, ésta regresa a su reino para encontrarse con sus enemigos, una vez que logra salir de la cárcel, gracias a la inestimable ayuda de los ratones. De repente se sabe que el rey busca una chica para casarse y, tras la natural espantada de todas las doncellas casaderas -y las que no lo son, en busca de refugio- Zafiro se deja apresar, vestida de mujer, para entrar en el castillo. Sin embargo, fracasa en su empeño de robarle la corona al rey Plastic y se ve, de nuevo, en los calabozos de su antiguo hogar.

Es allí donde recibe la visita, por vez primera, de un personaje que estará en el resto de la obra de una manera muy presente. Se trata de la Dama Hell, una bruja muy poderosa que desea para su hija, Hekate, el corazón rosa de Zafiro, pues quiere que su hija se vuelva una señorita educada y tierna para poder casarla con el príncipe Charming.

© Tezuka Productions

El resto de la narración, así como el posterior desarrollo de los acontecimientos -incluyendo cómo consigue el desorientado príncipe Charming entender quién es la misteriosa chica del cabello castaño de la que está enamorado- forman parte de una obra que no ha hecho otra cosa que crecer dentro del imaginario que es el manga contemporáneo. Leerla es ser testigo de una de las grandes obras gráficas de toda la historia del noveno arte y de la incontestable confirmación de la tremenda validez, influencia y genialidad de un creador como lo fue Osamu Tezuka.

Y es que, incluso, La Princesa Caballero fue capaz de plasmar en sus páginas, en plena década de los años cincuenta del pasado siglo XX, una huelga de servicios en la Edad Media como protesta por una acción gubernamental, una situación que desmitifica aquel tópico que dice que en el shôjo manga solamente se tratan temas intranscendentes y ñoños…

Osamu Tezuka

En plena reivindicación de la figura de su creador, merced a nuevas reediciones de sus obras y a la posibilidad de visitar sendas exposiciones sobre su vida y su obra, inauguradas en las ciudades de Barcelona (España) y Tampere (Finlandia), poder leer La Princesa Caballero se me antoja una muy buena excusa para dejar atrás todo aquello que resulte innecesario y disfrutar con una AVENTURA gráfica con mayúsculas, creada por aquél que se le conoce como “El Dios del manga”, aunque dudo que a Osamu Tezuka le gustara dicha definición para con su persona.

© Eduardo Serradilla Sanchis, Helsinki, 2019

© Tezuka Productions

Para más información sobre la serie La Princesa Caballero, por favor consulte el siguiente enlace: www.leprechaun.es/ o en los siguientes números de teléfono: +34928279471 y +34828918162