A las 12 de la mañana del 25 de abril de 1933, inauguraba el alcalde de Madrid Pedro Rico la primera edición de la Feria del libro en el Paseo de Recoletos.

Un evento cultural, comercial y festivo que tiene sus orígenes en un trabajo estudiantil que aspiraba a promover la compra de libros. Una celebración que se inspiró en la Fiesta del libro de aquel entonces y que ha calado de manera profunda en la vida popular de nuestra región.

Esta cita con la lectura ha sobrevivido 90 años, sorteando los diversos avatares de la Historia, y siempre fiel a su esencia. Esto es, ser una celebración al aire libre en casetas efímeras, de entrada gratuita, con un descuento del 10% en la compra de libros, que fomenta el encuentro personal con los autores gracias al ritual de la firma de ejemplares y con una masiva participación del público.

Todos los madrileños y madrileñas tenemos alguna anécdota en la Feria del libro, un recuerdo en familia, con amigos, el encuentro con algún autor o autora que admiramos… La Feria del libro ha estado siempre ahí para nosotros.

No debemos tampoco olvidar los orígenes republicanos de esta fiesta: esa forma de entender la cultura como un derecho de todas las personas y no como el privilegio de unos pocos. Recordemos que, en 1933, más del 25% de los españoles eran analfabetos, y por ello, tanto los intelectuales de la época como el Gobierno de la República, se afanaron por acercar la cultura y la educación a la gente a través de proyectos como La Barraca, las Misiones pedagógicas o la propia Feria del libro.

Nuestra feria es, pues, heredera de esa manera popular, festiva y cercana de llevar la cultura a las calles. Pensemos que en 1933 los libros y las librerías eran objetos y lugares reservados para unos pocos. “Familiarizar a las gentes con el libro y hacer comprender a tantos como lo necesitan, que es una calumnia ridícula eso de que el libro muerde, de que cría miseria, de que echa de casa, es una labor casi fabulosa”, se puede leer en una crónica de la época. 

La Feria del libro, por tanto, nació con el objetivo de educar y democratizar la cultura, de hacerla más accesible y de crear un espacio de visibilidad y socialización en torno al libro y la lectura en Madrid. 

Y, desde entonces, ha perdurado fiel a su espíritu, fiel a su legado. 

Por ello, desde el PSOE-M, hemos impulsado una iniciativa en la Asamblea de Madrid para fortalecer esta celebración con la máxima protección patrimonial posible. Una propuesta que aspiraba al consenso de todos los partidos, pero que no lo ha conseguido porque, tanto Más Madrid como Podemos, han declinado sumarse a nuestro impulso.

Hemos querido promover que la Feria del libro sea declarada Bien de Interés Cultural porque seguimos imaginando un Madrid con más y mejor cultura, y porque proteger nuestro legado supone poner en valor los espacios físicos y simbólicos que compartimos y que nos recuerdan que este es un lugar que merece la pena ser vivido.

Recordemos también que nuestro patrimonio cultural es fuente de bienestar social, además de motor económico, puesto que es la principal razón que tienen los turistas para visitarnos.

Protegemos así una forma muy nuestra de disfrutar de los libros y la lectura: al aire libre y en un espacio natural emblemático como el Parque del Retiro.

Es precisamente esta convivencia sostenible entre el ser humano, la cultura y la naturaleza, la principal característica que la UNESCO destacó al declarar el Paisaje de la Luz como Patrimonio Mundial.

La UNESCO también nos advirtió de que debíamos seguir tomando medidas que velaran por la protección de este entorno único. Proteger la Feria del Libro es una forma de hacerlo.

En 1810, la sudafricana Sara Baartman fue llevada a Londres y exhibida como un “extraordinario fenómeno de la naturaleza” semidesnuda en una jaula. Conocida como la Venus Hotentote, Sara era manoseada públicamente y también prostituida. Falleció en París con 26 años y su esqueleto, su cerebro y sus órganos genitales fueron expuestos en el Museo del Hombre de París hasta que, finalmente, sus restos regresaron a Sudáfrica en 2002.

En 1830 un africano de identidad desconocida fue desenterrado en su tierra al poco de morir, disecado y llevado a París. A lo largo del siglo XX, este hombre, conocido como el Negro de Banyoles, fue exhibido en el Museo Darder de esta ciudad catalana hasta que, en el año 2000, el Gobierno español devolvió sus restos a Botsuana, donde descansan hoy.

Estos son dos símbolos contundentes del horror que supuso la colonización y del papel que desempeñaron los museos en la misma. Su devolución también es el inicio de un proceso de descolonización en nuestros museos que ha evolucionado a medida que avanzaba la globalización y nuestra sensibilidad hacia “el otro” iba cambiando.

Con nuestros ojos del presente, la colonización puede ser vista como uno de los pilares de nuestra civilización. Pero no es menos verdad que también fue -digámoslo alto y claro- un cúmulo de procesos violentos de ocupación de territorios que conllevó la aniquilación y el sometimiento de sus poblaciones a través de la esclavitud, de la negación de sus culturas y de la apropiación de su riqueza.

En un mundo globalizado la cuestión no es tanto quién es culpable de todo aquello. Lo que nos debe ocupar es qué consecuencias tuvieron estas gestas y qué podemos hacer para que la Historia sea más justa, más precisa, más plural… Y para que busque la confraternidad, el entendimiento y la construcción de un relato conjunto de futuro.

La descolonización de los museos lleva años siendo clave en los principales espacios de debate especializados en museografía. En algunos casos el expolio colonial está en el origen del museo. Es el caso del British Museum, que nace al calor de una colección amasada gracias a los beneficios de plantaciones esclavistas en Jamaica. O del Museo del Louvre, cuyas piezas egipcias (incluyendo la Piedra de Rosetta) fueron el botín de la campaña de Napoleón en Egipto. 

En España, a falta de un estudio en profundidad, los casos más conocidos no son tan claros. El Tesoro de Quimbaya se exhibe en el Museo de América y está reclamado por Colombia, pero su origen no fue estrictamente un botín de guerra ya que fue donado por el presidente colombiano en 1892. Y en el Museo Nacional de Antropología se decidió recientemente no mostrar las momias extraídas del desierto de Atacama (Chile) en 1864 y que el pueblo Chiu Chiu aspira a enterrar en su tierra, aunque no haya habido una petición oficial.

Estamos hablando de la restitución de patrimonio usurpado, que es la pieza más sensible del puzle, pero también hablamos de modificaciones en la narrativa de los museos y de mejorar la información para permitir que los visitantes puedan contextualizar las obras expuestas. Revisiones todas ellas necesarias y posibles.

Esta reformulación del relato es una constante en los principales museos del mundo. El movimiento Black Lives Matter (Las vidas negras importan) también ha supuesto en Occidente una revisión generalizada de las colecciones, de las obras que se exponen y del origen étnico-racial del personal de los museos y centros de arte. 

Observando los movimientos políticos recientes en los países de nuestro entorno, encontramos que uno de los más cabales hasta el momento ha sido el del presidente francés Emmanuel Macron. Primero encargó un informe técnico a historiadores y museógrafos, y después acató el informe y devolvió, en 2019, parte del botín saqueado a la República de Benín para “mantener unas relaciones más equitativas con este país”. 

Es comprensible la reticencia social al cambio y al progreso, ya que hablamos de un desarrollo que hace retumbar el origen mismo de los museos. Pero también están en juego nuestros valores de justicia y reparación. Por ello, creo necesario que nos abramos a debatir de manera pausada y técnica cómo podemos ajustar nuestros museos a la sensibilidad social contemporánea.

No es un proceso fácil, pero sí es necesario. 

Propongo dejar el debate en manos de historiadores y museógrafos, alejándolo de la polémica y de las “guerras culturales”. Escuchemos a los especialistas y adoptemos medidas consecuentes que nos dejen llegar a acuerdos, avanzar juntos hacia sociedades más justas y mirar con mayor tranquilidad a nuestro pasado.

El modelo cultural español está en crisis. La pandemia ha puesto de manifiesto la importancia que tiene la cultura en nuestras vidas, pero también ha revelado la fragilidad estructural que escondía un sector cultural profesional que —salvo honrosas excepciones— todavía se intenta recuperar de unas heridas de gravedad máxima.

Detrás de muchos de los problemas que el sector de la cultura nos traslada a diario subyace una cuestión de fondo: la escasa relevancia que tiene la cultura para la mayor parte de la sociedad española, y —como consecuencia natural— la escasa envergadura que muchas veces tiene la cultura para los poderes públicos no estrictamente vinculados a esta materia. Pervive el estigma de la cultura como un mero entretenimiento, así como el estereotipo de los creadores como “bohemios y soñadores”, pero no como esforzados profesionales. 

Entre las causas —y acaso también los efectos— de esa falta de relevancia social, sin duda figura la ausencia de una legislación transversal específica en relación con la cultura. Tenemos una Ley de Sanidad, una Ley de Educación, una Ley de Transición Ecológica, una Ley de Igualdad, una Ley del Deporte, una Ley de Protección y Bienestar Animal, junto a tantas otras... También disfrutamos de leyes que afectan al ámbito cultural, pero de manera parcial: Ley de Patrimonio Histórico, Ley del Cine, Ley del Libro, Ley de Propiedad Intelectual… Pero no existe, ni ha existido nunca en España, una Ley de Cultura que regule cuestiones tan básicas para su adecuado funcionamiento como la participación de la ciudadanía en la vida cultural, la libertad de creación, la diversidad cultural, la financiación pública y privada de la cultura, la competencia transversal de la cultura, etc. No sucede así en otros países de nuestro entorno cultural como Francia, Colombia, Ecuador, Perú, México, Brasil o Panamá, que sí se han dotado de una ley general de cultura.

A la vez, nuestra Constitución es una de las más avanzadas de nuestro entorno en lo que respecta a cultura. Ya en su preámbulo se establecen dos compromisos de gran trascendencia: uno con la diversidad cultural y otro con la cultura como fundamento para una digna calidad de vida.

Por otra parte, en el artículo 3 se habla de la riqueza lingüística de España como patrimonio cultural de especial respeto y protección, y en el artículo 9.2 se habla de la promoción de la participación de la ciudadanía en la vida cultural con el fin de que la libertad y la igualdad sean reales y efectivas.

Más adelante, el artículo 20 expresa la garantía de la libertad de producción y creación artística y literaria, y el artículo 44 declara el acceso a la cultura como un derecho universal que los poderes públicos deben promover.

Los artículos 148 y 149, por su parte, establecen la concepción descentralizada de la cultura, pero otorgan al Estado competencias para preservar tratamientos generales y fomentar valores y expresiones culturales comunes. Allí se formula también la necesidad de promover canales de comunicación cultural entre el Estado y las Comunidades Autónomas (de acuerdo con ellas).

Además de todo esto, el 12 de octubre de 2021 el Boletín Oficial del Estado publicaba en una ley con el siguiente artículo: “Se considera la cultura, a todos los efectos, un bien básico y de primera necesidad”. 

Es decir, la cultura es un bien esencial: mejora la convivencia, la libertad de pensamiento, el sentimiento de pertenencia a una comunidad o la formación en valores democráticos de diversidad, pluralismo, igualdad, reconocimiento, diálogo… También es fuente de riqueza emocional, que es la que nos producen las obras de los artistas, así como nuestro patrimonio histórico, algo que difícilmente podemos encontrar en otros ámbitos. 

Recapitulemos un momento. La cultura es un sector económicamente estratégico para nuestro país. Por la enorme riqueza que genera, pero también porque Picasso, Almodóvar, Almudena Grandes, el flamenco, el Museo del Prado o los festivales de música son motores de otros sectores económicos básicos para nuestro país, como el turismo o la hostelería. Pero la cultura es, además, un derecho fundamental, recogido como tal en la Constitución Española, y un bien básico y de primera necesidad, así reconocido por el Congreso de los Diputados y el Gobierno de España en el año 2021.

Todo ello hace de la cultura un sector estratégico y esencial. Insisto, la cultura es un sector esencial —por su excepcionalidad— y estratégico para nuestro país. Y como tal debemos protegerlo y promoverlo a través de una legislación acorde con esta naturaleza. 

Necesitamos una legislación general de cultura que actualmente no está desarrollada. Existe legislación por sectores o por temáticas, y se está elaborando legislación general de cultura o de derechos culturales en comunidades autónomas como Navarra, Canarias o Aragón. Pero todavía queda mucho por hacer.

Creemos que desarrollar los derechos culturales tendrá como consecuencia natural el incremento en el valor que la sociedad española otorga a la cultura. Trabajar desde la perspectiva de los derechos culturales puede sustanciarse en desarrollos clave para este ámbito como por ejemplo: 1. El desarrollo de métricas que registren el impacto económico —directo e indirecto— y social que tiene la cultura para nuestro país. 2. La elaboración de una ley de financiación, tanto pública como privada, que dote a la cultura de un marco de trabajo global para su sostenibilidad económica. 3. La articulación de la comunicación sobre materia cultural entre el Estado central, las comunidades autónomas y los municipios, mejorando la seguridad jurídica de los agentes culturales que tienen que atravesar las diecisiete normativas diferentes que se aplican, por ejemplo, a la celebración de espectáculos en vivo. 4. La protección de la diversidad cultural frente a un mundo cada vez más digitalizado, en el que las grandes plataformas imponen su punto de vista en las negociaciones con los poderes públicos. 

Nos encontramos en un mundo incierto y acelerado, con multitud de cambios drásticos que se avecinan y que afectan también a la cultura, como la crisis energética, el rápido desarrollo de nuevos entornos digitales, el auge de la ultraderecha o la construcción de bloques geoestratégicos enfrentados. En este contexto inestable, debemos ser capaces de dotar al Estado de las herramientas necesarias para proteger la cultura y garantizar los derechos de las personas a participar en la vida cultural de su comunidad. Todo esto se puede conseguir mediante un desarrollo normativo transversal en materia de cultura, y a ser posible con el acuerdo de la mayoría de los partidos políticos. Esta es la línea en la que seguimos trabajando.

La cultura es una herramienta para la paz, la convivencia, el diálogo y la democracia. Pero mal utilizada, también puede ser un arma arrojadiza que sirve para dilatar aquello que nos separa y ensanchar nuestras diferencias. 

España y los países de su entorno están cada vez más polarizados en términos políticos, según el estudio More in common. La polarización significa que al adversario ideológico no se le confronta ni con sosiego ni debatiendo ideas. Aunque la política es el arte de llegar a acuerdos, en un clima polarizado esto no es posible. Las opiniones distintas se desechan sin ser verdaderamente escuchadas y a los adversarios políticos no se les da ni la más mínima credibilidad o legitimidad. Esta peligrosa simplificación de la realidad socava la calidad de nuestra convivencia democrática.

En este contexto, la cultura es enarbolada por cada bando como una bandera. La polarización coincide con las llamadas “guerras culturales” que se dan entre dos formas de entender el mundo, asociadas respectivamente a las categorías tradicionales de izquierda y derecha. Unas luchas que tienen sus principales símbolos en el feminismo, el antirracismo, los derechos LGTBI, la Agenda 2030 y la lucha contra el cambio climático.

Alrededor de estos temas, los políticos -jaleados por la opinión pública-, llevamos un tiempo cavando unas trincheras cada vez más profundas.

Pero ahora la guerra real ha vuelto a Europa y esto debería hacernos reflexionar.

La invasión de Ucrania por parte de la Rusia de Putin pone de manifiesto lo peligroso que puede ser atrincherarse en posiciones culturales inamovibles, y lo fácil que es pasar de la trinchera metafórica a la trinchera real. Porque, aunque en el nuevo orden mundial sigan primando lo económico y lo geoestratégico, no podemos ni debemos despreciar lo cultural, que también tiene una gran relevancia en la edificación de bloques.

De hecho, en la composición del mundo que representa e impone Vladímir Putin, la cultura tiene un papel crucial. Putin ansía preservar una cierta cultura tradicional rusa en el mundo, incluido el idioma, aniquilando otras formas culturales que no considera legítimas. El presidente ruso forma parte de uno de esos bandos de las antes mencionadas “guerras culturales”. Una facción que parece estar en contra de los valores contemporáneos y de progreso de Occidente, en concreto en contra de los derechos LGTBI y de la igualdad real entre hombres y mujeres. Estas posiciones ideológicas le han valido el cariño y la admiración de la ultraderecha europea, con quien comparte trinchera cultural.

También para la muralista e ilustradora ucraniana Daviduk la guerra se libra en términos culturales. Desde que comenzó la invasión, pasa las noches elaborando dibujos bélicos que sirven para decorar las calles ucranianas y elevar el espíritu de resistencia de la ciudadanía ante el enemigo. Daviduk exige en sus carteles la cancelación de la cultura rusa en Ucrania. “No debe de haber nada en ruso ni procedente de Rusia en nuestro país, por lo menos en un tiempo”, relata a El País. Ella no es la única creadora ucraniana que defiende la cancelación de la cultura rusa como arma de guerra.

Que la cultura es un arma política lo ha interiorizado a la perfección el presidente de Ucrania. El actor, guionista y productor Zelenski saca partido de las herramientas del teatro y el audiovisual, y consigue poner a la opinión pública mundial a favor de su causa. El líder ucraniano maneja con soltura la construcción del relato, la épica, la transmisión de emociones, el encuadre de la cámara o el mensaje de los gestos, el vestuario y la escenografía. Su oficina es un plató desde el que lanza al mundo mensajes políticos con las mejores herramientas del cine y del teatro.

Parte del éxito de Zelenski se explica en que el lenguaje artístico influye directamente en nuestras emociones. Por ello es también un alivio en momentos de angustia. Pero precisamente por lo mismo, puede ser utilizado como una potente arma política. Un arma que posibilita la construcción de un relato y de eso que se denomina, en política, la creación de un estado de ánimo colectivo. Unas herramientas de influencia en la opinión pública cuya potencia se multiplica en un momento en el que vivimos al albur del consumo masivo de información digital.

Nosotros, que no vivimos una guerra real, tenemos la responsabilidad de utilizar la cultura para la paz y de abandonar definitivamente las trincheras de las “guerras culturales”. El lenguaje artístico puede ser un arma que utilicemos desde la trinchera, pero también puede ser una herramienta de unión que apele a esas emociones que todos los seres humanos tenemos en común. Recordemos a diario que, como pasa entre rusos y ucranianos, hay más cosas que nos unen que las que nos separan. Vivimos momentos históricos que requieren unidad, y así nos lo recuerda constantemente el Presidente del Gobierno.

Empleemos el tiempo y la energía que dedicamos a construir trincheras para dotarnos de espacios de convivencia y puesta en común pausada. Antes de llegar al enfrentamiento físico, la cultura puede ser ese pegamento que conecte posiciones que a priori nos parecían irreconciliables. Así lo contaban a El País dos músicos de la Orquesta de Odesa que han tenido que dejar sus instrumentos y sustituirlos por armas: “La cultura será la única forma de reconciliación en el futuro. El lenguaje universal del arte será el vehículo para cicatrizar la brecha que en estos momentos está llena de alambres y espinos”. 

A través de la música, la literatura, la poesía, las artes visuales, el cine o el teatro, podemos ponernos en la piel del otro, comprender sus preocupaciones, sus miedos y su forma de ver el mundo. La cultura es una herramienta de convivencia, pero también puede ser un arma afilada para hacer la guerra. Tengamos cuidado con ahondar tanto en nuestras diferencias, porque la Historia nos demuestra, una y otra vez, que esto puede llevarnos a justificar una “guerra real”. 

La empatía que genera la cultura nos puede permitir salir de la trinchera, acercar nuestras posiciones y volver a coser todo aquello que se ha roto. Pongámonos a ello. No demos por hecha nuestra forma de vida, los derechos que hemos conseguido y nuestra democracia. Luchemos, pero buscando convencer al otro, acercándole a nuestras posiciones y trabajando para entender las suyas. Si no hacemos esto, pronto nos podemos ver atrapados en nuestras propias trincheras, metafóricas o reales.

Mi abuela era ama de casa pero siempre soñó con ser vedette. «Hubiese sido una cantante fantástica, pero no pudo ser porque eso era de “pilinguis”», me decía mientras cocinaba. A mí de pequeña esa historia me parecía normal. Mi padre es músico y en casa era frecuente ver a otros músicos y a cantantes famosos. Siempre hombres. Las mujeres eran las novias de los músicos, las coristas o las bailarinas. Durante mi infancia yo hacía ballet clásico, pero lo que de verdad quería ser era cajera de supermercado. Mi aspiración era humilde y hasta hace bien poco pensé que eso era normal. Pero el feminismo nos ha obligado a revisar lo que muchas creíamos que era normal.

Quizá quería ser cajera de supermercado porque es lo que veía a mi alrededor. Hoy sé que las aspiraciones de las niñas se forjan a través de los referentes que habitan su realidad. Esos referentes pueden ser los roles de género que ven en sus casas, pero también aquellos que pueblan las historias que leen, las películas que ven en el cine, los videojuegos que juegan o los grupos musicales que siguen.

¿Cómo vamos a soñar con ser astronautas, cantantes de un grupo de rock, luchadoras o bomberas si en las historias que leemos, en las películas que vemos o en la música que escuchamos no encontramos ese espejo en el que mirarnos?

Es por ello que el avance en igualdad de género en el sector cultural es especialmente relevante. Como decía la jueza Ruth Bader Ginsburg, “las mujeres deben estar en todos los lugares donde se toman decisiones”. Y esto es clave en todos los ámbitos de la vida. Pero es que desde la cultura construimos ese espejo en el que nos miramos. Desde la cultura se escriben y se reescriben las historias de las mujeres en los cuentos, en las novelas, películas, series, videojuegos, obras de teatro, zarzuelas... Es decir, que somos nosotras, –las mujeres de la cultura–, las que podemos generar referentes femeninos positivos, que nos hagan soñar y que permitan que nuestras hijas aspiren a ser bomberas, astronautas, luchadoras, ingenieras o presidentas del Gobierno. 

A este respecto, aunque hemos mejorado, los informes de igualdad de género no son muy halagüeños en nuestro sector. Pese a que es un sector muy feminizado, –el 48,1% de trabajadores del sector de la cultura y del ocio son mujeres–, las mujeres escasean en determinados espacios de poder. Hasta un 92% de directores de orquesta son hombres, el 68% de premios nacionales de arte se los han llevado hombres o el 70% de trabajadores del sector del videojuego son varones, según el Informe mundial de 2022 que elabora la UNESCO cada cuatro años sobre el sector cultural.

Avanzamos, pero también retrocedemos. La pandemia ha agudizado lo que coloquialmente conocemos como el “doble turno” que llevamos a cabo muchas mujeres. Esto es, un horario formal de trabajo remunerado al que se une un horario de trabajo asistencial y de cuidados. El cierre de escuelas y guarderías hizo que muchas mujeres tuvieran que dedicarle más tiempo a los cuidados y menos horas a su trabajo formal. Este trance ha alejado para siempre a muchas de ellas de sus profesiones artísticas o culturales.

Desde las instituciones públicas debemos profundizar en las medidas puestas en marcha para paliar esta situación. La lucha contra la precariedad que se consolida en la reforma laboral del Gobierno, va a beneficiar sin duda a las mujeres, que verán cómo sus contratos de corta duración se convierten en indefinidos y cómo las diferencias salariales se van igualando. También debemos intensificar las medidas de acción afirmativa en la contratación, la promoción, la financiación y los premios. Promover herramientas de medición y hacer seguimiento de las mismas es otra de las medidas a nuestro alcance. Y por último, debemos reforzar la legislación relativa a la aplicación de la igualdad de género en la cultura. Es especialmente relevante en aquellas áreas de consumo masivo que condicionan los relatos y el imaginario colectivo de una sociedad democrática. Ya sea porque pintamos, cantamos, dirigimos películas, somos directoras de casting, gestoras culturales o directoras de orquesta, tenemos en nuestras manos la posibilidad de construir los mejores espejos para que nuestras hijas se miren e imaginen lo que quieren ser. Para esta gesta necesitamos de todas. También de todos.

Cuando hay una generación que se ha encontrado tantas puertas cerradas, observar una que esté entreabierta puede llegar a ser revolucionario. La acción política se olvida a menudo de los más de 2,6 millones de jóvenes españoles que esperan que los telediarios hablen de ellos sin estigmas, sin análisis de brocha gorda, que hablen de ellos con ellos. Incorporar la mirada joven a las instituciones es fundamental porque dentro de ellas puede coserse una gran alianza intergeneracional y la cultura puede ser el hilo que lo haga posible. 

En verano de 2021, en un centro cultural de Madrid, una docena de trabajadoras culturales menores de 35 años se preguntaban cómo podrían transformar las grandes administraciones culturales. “Queremos encontrar puertas a las que llamar” dice una de las componentes de Galaxxia, la plataforma que organizó el encuentro. Alrededor de las mismas fechas, un grupo de jóvenes de la plataforma “El futuro es ahora” acudía al Congreso de los Diputados para reclamar medidas concretas de trabajo, vivienda, salud mental o medioambiente. Pero también demandaban espacios estables de diálogo intergeneracional para hacer oír su voz. Según una encuesta realizada por esta plataforma, el 87% de los jóvenes se siente poco o nada representado por los partidos políticos y el 92% considera que su opinión no importa a las personas que les gobiernan.

Mientras tanto, a lo largo y ancho del territorio, miles de jóvenes ocupan gran parte de su tiempo escuchando música, leyendo libros o cómics, dibujando, viendo películas y jugando a videojuegos. Estas expresiones artísticas funcionan para ellos como vehículos con los que elaborar sus ideas propias sobre la vida, generar vínculos emocionales y confeccionar una mirada crítica hacia el contexto social que nos rodea. En ocasiones, la cultura les permite también expresar su anhelo por una vida digna y su necesidad de una política empática, que sepa escuchar, observar y darles la oportunidad de decidir sobre su presente más inmediato. Es conocida la capacidad que tienen los artistas jóvenes para alentarnos a cambiar el mundo.

Somos muchos los que estamos preocupados porque algo les pasa a nuestros jóvenes. El Parlamento Europeo ha declarado 2022 como “Año Europeo de la Juventud”, y nos insta a fomentar con urgencia la participación de los jóvenes en las políticas públicas a todos los niveles. La Cultura es un gran punto de partida para esta labor porque sus valores, sus ideales y su lenguaje universal son elementos clave en la emancipación de una generación que está llamada a ser la vanguardia de nuestra sociedad.

Con este espíritu, el bono cultural de 400 euros anuales para personas que cumplan 18 años que ya ha sido anunciado por el Gobierno, está llamado a fomentar un acceso más universal de los jóvenes a la cultura, independientemente de su estrato social o de su lugar de residencia. Una medida que acompaña a otras como el bono de alquiler joven, el incremento de becas y ayudas a estudiantes o la reforma laboral que busca poner coto a la temporalidad en la contratación. Todos ellos son pasos de gigante hacia la resolución de algunos de los obstáculos estructurales que impiden la integración de un joven en la vida adulta y en la democracia. 

Pero podemos hacer más. Podemos abrir las puertas de los espacios donde se toman las decisiones para que los jóvenes participen. Ya hay dos iniciativas pioneras en España que lo están haciendo. Por un lado, el Gobierno de La Rioja ha abierto una convocatoria para seleccionar a un equipo de 30 personas de entre 18 y 35 años que diseñen proyectos piloto para impulsar el desarrollo del entorno rural. Es el “#G30 Juventud La Rioja”. Y por su parte, el Ayuntamiento de Barcelona tiene actualmente abierto un espacio de consulta pública conformado por 99 jóvenes de entre 16 y 29 años. El objetivo en ambos casos es definir las políticas municipales juveniles de los próximos años en consonancia con las problemáticas y preocupaciones de estos ciudadanos.

En el ámbito cultural, existen algunas iniciativas en Europa en las que se incluye a los jóvenes en la elaboración de políticas culturales. Los formatos son variados y van desde espacios permanentes de contraste y co-gobernanza a grupos de elaboración de recomendaciones y difusión transversal de las mismas entre las áreas gubernamentales implicadas. En España, podemos hablar del consejo asesor Teen Team que creamos en su día en el centro de creación contemporánea Matadero Madrid, donde doce personas de entre 14 y 20 años co-programaron durante cuatro años la parrilla de actividades del Festival de adolescentes Festeen. Una fórmula para que los jóvenes se sintieran más vinculados al centro y para que los participantes del consejo mejoraran sus competencias laborales. Se consiguieron ambos objetivos, pero también pasó algo inesperado y muy relevante, los componentes se organizaron políticamente para liderar el movimiento “Queremos entrar”; un proceso de incidencia política que culminó en la reforma de la ley que prohibía el acceso de menores a conciertos de salas de música en vivo de la Comunidad de Madrid.

Lo que queremos proponer desde aquí, inspirados por el lema nada sobre nosotras sin nosotras, es que abramos espacios de encuentro y reflexión entre las áreas de Juventud y de Cultura. También queremos instar a los Consejos de la Juventud, tanto nacionales como regionales, a que tengan más en cuenta la Cultura en sus estatutos y en sus acciones. Y queremos instar a que se promuevan más iniciativas legislativas y ejecutivas a lo largo y ancho del territorio que nos permitan abrir espacios de participación cultural joven dentro de nuestros gobiernos. En definitiva, que instituyamos como algo corriente abrir fórmulas de participación y consulta sobre los aspectos culturales que afectan directamente a la vida de los jóvenes.

Una juventud empoderada, con acceso a canales institucionales y con el acompañamiento de profesionales, puede generar los cambios necesarios para mejorar su vida y recuperar la confianza en las instituciones democráticas y en el Estado. 

En tiempos de hiperventilación y brechas, la Cultura puede ser ese oasis donde todos quepamos, un puente que conecte pasado con futuro y que sea capaz siempre de crear algo nuevo. La tarea no es sencilla: abrir las puertas, atreverse a entrar, hacerse a un lado o trabajar desde la diferencia, son labores que requieren de generosidad y esfuerzo. Nosotros creemos que abriendo puertas a la gente joven solo podemos ganar y aprender de una generación que es nativa digital, con ideas frescas y creativas, con ilusión, capacidad de trabajo y más preparados que cualquiera de las generaciones anteriores. Aunque las ideas nuevas asusten, ninguna vieja idea ha cambiado el mundo.

La cultura nos permite hacer cosas tan básicas y necesarias como comunicarnos, celebrar la vida o sanar las heridas que nos deja la muerte. El lenguaje, el baile, la moda, la música, los objetos que nos rodean, lo que comemos o las canciones con las que dormimos a nuestros hijos… son todas ellas parte de eso que llamamos cultura. 

Ese profundo enraizamiento que tiene la cultura en nuestras vidas -individuales y sociales-, como formación, como identidad, como civilización, como sistema simbólico o como patrimonio… es lo que nos permite, precisamente, ser más audaces y ampliar hasta el infinito el espectro de nuestras prácticas artísticas y de nuestras políticas culturales.

Pese a ello, el rol social habitual que nuestra sociedad asigna a las prácticas artísticas sigue relegado a una construcción social del siglo XVIII. Es decir, a aquello que hemos denominado “las bellas artes”. La danza, la escultura, la música, la pintura, la poesía, o -más contemporáneamente-, el cine, la fotografía, el cómic y los videojuegos. Esta misma división prevalece en la organización de las administraciones públicas del Estado que se dedican a la cultura: con secciones poco porosas que se ocupan de una o varias de estas áreas.

También es cada vez más frecuente escuchar el lamento de que la cultura no cuenta en nuestra sociedad, que no está presente -por ejemplo-, en las políticas de urbanismo, de sanidad, de educación, de justicia, de medioambiente... Efectivamente, no es habitual que la cultura sea uno de los parámetros que se tienen en cuenta en los grandes debates políticos de desarrollo de un país, de una región o de una ciudad. 

Como también sucede en otros países de nuestro entorno, la sociedad española sigue entendiendo mayoritariamente que la cultura es el conjunto de esas bellas artes que alimentan nuestra alma. Un alma que reserva la danza, la literatura o el teatro principalmente para sus momentos de ocio y de entretenimiento. Así pues, según esta perspectiva, la cultura es algo de lo que podríamos prescindir en un momento dado. Es un divertimento o un lujo que se pueden permitir algunos y que nada tiene que ver con la construcción de sociedades más justas.

Pero la cultura, como la vida, es un elemento fluido y en continua evolución. Es una práctica que construimos entre todos y entre todas. Y como todo lo vivo, cambia de forma y se abre paso entre los muros y diques que construimos para ella. ¿Cómo es posible que no hayamos revisado las viejas divisiones de hace dos siglos si vivimos en un mundo que cambia a la velocidad de la luz?

Pensemos en las prácticas artísticas que se cuelan en las escuelas para trabajar el currículum lectivo de sus alumnos y alumnas, motivando e integrando a los y a las más vulnerables. En la cultura como receta médica que recomiendan los médicos de atención primaria de la Comunidad Valenciana para casos de soledad no deseada o de depresión. En los músicos que entran en los hospitales para mejorar la vida de sus enfermos. En las prácticas de mediación cultural que se cuelan en las cárceles de mujeres y que les permiten conmutar sus penas por participación en la vida cultural. O en las prácticas artísticas contemporáneas que reivindican nuestros saberes rurales ancestrales y llenan de sentimiento de pertenencia y de orgullo a los habitantes de zonas que son periféricas por rurales. Estos son solamente algunos ejemplos de cultura para la vida que se desarrollan en nuestro país. Existen cientos de ellos, pero con nuestra vieja clasificación del siglo XVIII, ¿dónde podemos colocar estas experiencias? ¿Tiene sentido derivarlas a uno u otro cajón en función de la disciplina desde la que se trabaje? ¿Y qué hacemos cuando convergen varias disciplinas?

La cultura tiene una plasticidad única para mejorar la vida de las personas si la dejamos entrar en los espacios reservados a las políticas sanitarias, educativas, medioambientales e incluso en el ámbito de la justicia. El Gobierno de España ha iniciado el camino para romper estas barreras de la cultura al incluirla en sus principales políticas transversales de digitalización del país, de lucha contra la despoblación, de implantación de la Agenda 2030 o de lucha contra la pobreza infantil.

Ahora nos toca a la sociedad en su conjunto y a los practicantes del arte seguir trabajando en la construcción de un relato en torno a la relevancia que tiene la cultura para nuestras vidas en el marco de la contemporaneidad. Es el momento idóneo. Una de las consecuencias de la pandemia es que ha puesto de manifiesto para la gran mayoría de la sociedad que la cultura es una herramienta esencial contra el desánimo y contra la desesperación. 

Amemos nuestras disciplinas artísticas, pero estemos también abiertos a incluir nuevas áreas que nos permitan capitanear la búsqueda de soluciones a los principales retos que tenemos en nuestras sociedades contemporáneas. Cultura para la vida es cultura para mejorar la educación, la salud, la cohesión social y territorial, la justicia, el racismo o la igualdad entre hombres y mujeres. Nuestras herramientas son la poesía, la pintura, la danza, el teatro, la música. A través de todas ellas llevamos milenios imaginando mundos mejores. Y si podemos imaginarlos, tenemos que ser capaces de construirlos.