Young P es un prometedor DJ y productor natural de la isla de Tenerife. Tras unos años en los que ha ido afianzando su nombre cada vez más en la escena, ahora se encuentra de lleno en el lanzamiento de su primer disco, Dualidad. Con un tema ya publicado, Pecado, junto a Maikel Delacalle, Young P promete ir presentando nuevas colaboraciones con artistas que van a sorprender y completar el álbum. Por otro lado, y en todo este camino, el DJ y productor ha participado en giras tan relevantes como RHLM 2 de Anuel AA y el reciente Fasssilito Tour, de Lucho RK y La Pantera.

Desde que eras pequeño has estado vinculado a la música y has ido desarrollando, con formación y de manera autodidacta, tu pasión y el que es ahora tu trabajo. Para quien no te conozca, ¿quién es Young P? ¿Cómo ha sido tu recorrido y trayectoria en la música hasta el día de hoy?

Pues soy un DJ y productor de Tenerife. Llevo vinculado a la música desde los seis años y con el tiempo lo convertí en mi trabajo. Primero, obsesionado con aprender yendo al conservatorio. Luego, metiéndome de lleno en la producción y, más tarde, en el directo como DJ.

He pasado por etapas muy distintas: formarme, probar, fallar, volver a probar… Sobre todo, trabajar muchísimo para ir subiendo escalones.

Hoy, estoy en un punto en el que me muevo entre el estudio y el escenario, colaborando con artistas y desarrollando mi propio proyecto. Mi objetivo siempre ha sido el mismo, hacer música con identidad, con nivel, y construir algo que sea sostenible y grande a largo plazo.

Tener una buena base musical a nivel teórico y práctico es clave para progresar y desarrollar una carrera. En este sentido, ¿en qué y/o quién dirías que te inspiras a la hora de desempeñar tu labor tanto de productor como de DJ? ¿Cómo definirías en tus propias palabras tu identidad musical y estilo?

Me inspiran productores y artistas que entienden el sonido como identidad. Gente como Tainy, Timbaland o Quincy Jones, capaces de hacer música “global” sin perder personalidad.

A nivel de energía, me atraen mucho los sonidos afro, lo tropical y todo lo que tiene que ver con el club, pero también el lado más callejero y emocional del rap/trap.

Si lo resumo simple, quiero que un tema mío suene igual de bien en unos cascos a las 3 de la mañana que en una discoteca con 2.000 personas. Y que en los dos sitios deje huella.

Te encuentras desarrollando un álbum, el primero, bajo tu propia dirección y características: Dualidad. ¿Cómo está siendo la experiencia de crearlo y cuáles son las principales dificultades que estás encontrando? ¿Qué artistas podemos esperar que estén y colaboren?

Está siendo exigente. Un álbum no es “hacer canciones”, es construir algo de 0, una narrativa, un sonido reconocible. La parte bonita es que siento que por primera vez estoy creando algo 100 % con mi visión, tanto musical como conceptualmente.

La dificultad principal es el nivel de decisión: elegir temas; descartar cosas que están buenas, pero no encajan; coordinar agendas y mantener un estándar de calidad. También está el reto mental, ya que cuando el proyecto importa de verdad, la presión sube.

Sobre colaboraciones, vienen artistas potentes y gente con la que ya tengo química real. Prefiero ir confirmando a medida que se cierren, porque esto no es fútbol, aquí los fichajes se hacen cuando el tema está terminado y firmado, no cuando está “hablado”.

A lo largo de tu reciente, pero destacable carrera, has colaborado con gran cantidad de artistas. ¿Quién dirías que es el que más te ha sorprendido? ¿Algún talento futuro, local o nacional, con el que hayas trabajado y quieras nombrar? 

Me sorprenden los artistas que llegan con hambre y con visión, pese a ya tener una determinada posición en la industria. Los que entienden el proceso y están dispuestos a currar, repetir tomas, mejorar letras y cuidar el sonido.

A quien te resaltaría es a Maikel Delacalle por su implicación en el proyecto y el amor que le brinda a las nuevas generaciones. Y, pese a que el disco no vaya a tener artistas emergentes, me encantaría destacar la figura de Javyh, que es un artista local que está trabajando con gente muy top en la industria y este año comienza a sacar su proyecto.

Recientemente, has formado parte de las giras en España de Lunay y de Anuel AA. Con este último, trabajaste como Técnico de Autotune. ¿Qué tal han sido ambas experiencias? ¿Cómo se vive por dentro, a nivel de rutina o preparativos, el hecho de trabajar con estos artistas o con otros como Lucho RK, por ejemplo, del que eres DJ oficial?

Son experiencias que te cambian el estándar para siempre. Trabajar con artistas de ese nivel te enseña que un show no es “subir y cantar”, ya que detrás hay un equipo enorme y un desarrollo muy serio. Hay rutinas, checks, pruebas, cambios de última hora… y, aún así, todo tiene que salir perfecto.

Como técnico de autotune aprendes rápido que no existe el “más o menos”. Todo tiene que estar medido: latencia, ruteos, snapshots, backups y, sobre todo, comunicación con el equipo. En un directo grande, un fallo de dos segundos se siente como dos horas.

Además, a mí me confirmó que las horas de conservatorio sirven de verdad. Con Anuel, por ejemplo, tenía muchas veces el móvil con una app de piano abierta para sacar la tonalidad en segundos según la canción que eligiera, porque a veces podía no estar en el tracklist. Ahí no hay tiempo para dudar, es resolver y seguir como si nada.

Y con Lucho RK, siendo su DJ oficial, lo vivo desde otra perspectiva. Es como mi hermano, así que los sentimientos son distintos, lo vivo con mucha más intensidad y nervio. También tengo más responsabilidad porque no solo estoy pendiente de lanzar la música, sino de que todo el flujo del show funcione, incluido el autotune, y de estar siempre atento a él en cada momento. Pero justo por eso, cuando pasan cosas buenas, las siento como propias. Los logros no los vivo como “un trabajo más”, los vivo como algo de casa, y eso te llena muchísimo.

En los últimos años, has desarrollado tanto tu faceta de productor como la de DJ. ¿Cómo conjugas ambos roles y qué significan para ti? ¿Alguna anécdota que hayas tenido en algún concierto/festival como DJ o en un estudio como productor y que quieras compartir?

La labor de productor y la de DJ son distintas para mí. En el estudio soy muy perfeccionista y me gusta cuidar mucho la vibra con el artista. No me interesa hacer música por hacer, ni trabajar como loopmaker mandando loops a otros productores. A mí lo que me llena es estar mano a mano con el artista y construir algo desde cero, desde la idea hasta el resultado final.

Como DJ, en cambio, disfruto otra parte: hacer que la gente lo pase bien y leer la sala. Entender qué está sintiendo el público y pensar cómo dirigir esa energía es lo que más me motiva. Para mí eso es vida. No podría renunciar a ninguna de las dos cosas y sentirme realizado de verdad.

Y la mejor anécdota es que, aunque me dedico a la noche, en realidad no me gusta la fiesta. Soy el típico que si pincho a las 2:30, a las 2:15 estoy entrando a la discoteca; y si termino a las 3:30, a las 3:40 ya me estoy yendo. Creo que viene de que mi madre, cuando era pequeño, me metía bastante miedo con los borrachos… y me quedó el “modo profesional” activado para siempre.

Hemos comenzado el año hace poco. ¿Cuáles son tus objetivos y ambiciones de cara a este 2026 o, en general, de cara al futuro? ¿Algo que quieras compartir?

Este 2026 quiero consolidar tres cosas: lo primero, mi proyecto como artista con el álbum y una estrategia seria de lanzamientos. Lo segundo, subir el nivel del directo: más shows, mejor propuesta, más identidad y más impacto. Y lo tercero, construcción de marca: que Young P y mi entorno creativo sean reconocibles por calidad, estética y consistencia.

A futuro, mi ambición es clara. No me interesa pegar un tema y ya, quiero construir una carrera de verdad.

Kany García es una artista icónica y referente natural de Puerto Rico y con raíces españolas. Con casi 20 años de trayectoria, Kany está cerca de lanzar el que será su nuevo y décimo álbum, Puerta Abierta, que verá la luz el próximo mes de abril. Con este motivo, la artista estará presentando sus mejores éxitos y las canciones de su nuevo álbum a su público en una amplia gira que pasará por Canarias, concretamente por Gran Canaria y Tenerife, en el mes de junio.

Kany, llevas casi dos décadas dedicándote en cuerpo y alma a la música. Desde entonces, tus canciones han recorrido cientos de países y millones de corazones. ¿Qué sientes cuando miras hacia atrás y ves todo el camino que has recorrido hasta hoy? ¿Cuáles son los aprendizajes más valiosos que has conseguido en todos estos años?

Bueno, cuando miro para atrás digo: “Pero y cómo se pasaron ya 18 años?”. Creo que a veces pasa que la vida va volando. Más cuando hoy estoy aquí en Madrid y este fin de semana estoy en México en un festival… O sea, también tiene mucho que ver con la velocidad con la que se están viviendo las cosas, que es lo que te regala la gente, que se vivan estas cosas.

Pienso que, y respondiendo a eso que dices de aprendizaje, mucho tiene que ver con eso. He tenido que aprender a vivir el ahora, por ejemplo el estar aquí en Madrid y poder disfrutar este momento de vida. Poder disfrutar esta previa a la gira, esta previa a lo que es el álbum. El aprender a vivir ese presente de una manera distinta.

También, me pasa mucho en lo que son los conciertos, el pensar que tengo tres shows ese mismo fin de semana… A veces, te hacen decir: “Hoy estás, cada noche, regalándole a la gente otro concierto. Esas personas hicieron un esfuerzo increíble por poder estar allí, porque quieren pasar la mejor noche de su vida”. Y creo que por eso, ese “ahora” trasciende de una manera muy distinta. Y me quedo siempre con ese aprendizaje. Con ese tratar en toda medida, con ese ejercicio.

Recientemente, lanzaste La Mala Era Yo, un tema con el que sigues dando pistas y pasos de lo que será tu próximo disco, Puerta Abierta, que verá la luz en abril. Antes, lanzaste Tierra Mía, una canción con la que pones en valor a tu tierra, Puerto Rico, y tu identidad isleña. ¿Qué tal ha sido y está siendo la experiencia de crear este álbum? ¿Qué podrías comentar acerca del proceso de creación y el concepto de este nuevo proyecto?

Ha sido un proceso increíble y extenso, pero además ha sido un proceso distinto en lo que han sido dos años realmente parando. O sea, estuve los últimos ocho meses parada absolutamente en lo que era girar, estar de concierto, en el ojo público… Y vivir. Cuando uno gesta y hace un álbum de esa manera, es muy diferente a cuando tienes que hacer un disco como me ha pasado siempre, que es en medio de girar, componer y escribir.

En este caso, pude irme a diferentes lugares. Me fui al campo e invité a amigos con los que quería sentarme a componer. Ha sido una experiencia tan diferente que creo que energéticamente se notará en el álbum.

También, ha sido un disco muy de raíz en muchos aspectos. Cuando uno dice que la puerta está abierta, realmente se está dejando pasar a algo. Y ese pasar a algo es: ¿A qué? Es lo que tú piensas primero antes de entrar, visualizar: ¿Qué es lo que tú crees que hay detrás de ella? Y ahí dices, bueno, puedo pensar que va a haber una sala, o que va a haber una cocina, o un montón de gente o que no va a haber nada.

Creo que ya el hecho de decir Puerta Abierta te hace tener la seguridad de visualizar con qué te vas a encontrar. Y en este caso, como para mí es una puerta abierta a quién soy yo y a lo que es mi ADN, pues he tenido que, en ese proceso de creación, mirarme adentro. Y muchas veces uno está hacia adelante, pero pocas veces te miras en el espejo y dices: “¿Y quién es Kany?”. Y ese “quién es Kany” es lo que he querido representar en las canciones.

Hay colaboraciones maravillosas, colaboraciones que tienen que ver con mi infancia, y con la música con la que crecí, o con artistas con los que siempre soñé trabajar. Y hay colaboraciones más actuales, como dices, como La Mala Era Yo, que son colaboraciones más hacia el regional mexicano, que ha sido una música que me ha traído un montón de cosas lindas estos últimos tiempos, y que también soy yo. Entonces, un poco de eso es lo que la gente va a encontrar en el álbum y es lo que fue mi proceso creativo.

También, hace poco que publicaste un tema en colaboración con Maluma, 1+1. En él se invita a amar libremente y a expresar el amor sin ataduras. ¿Cómo surge este tema y esta colaboración? ¿Cómo fue trabajar juntos?

Fue una colaboración súper chula, porque él estaba viviendo un momento también muy único, o sea, creo que a cualquier hombre le cambia mucho ser papá, y ese es el caso de él. 

Cuando se sienta a hablarme del tema y me dice: “Mira Kany, tengo esta canción, que está a mitad, solo tengo una estrofa y un coro. Lo que quisiera es que compongas lo demás y lo que va a venir por delante de la canción…”. Ahí, pienso que cuando dos artistas están en la misma sintonía, todo se vuelve fácil.

Y él me añadía: “Estoy haciendo un álbum muy de raíz, estando mucho en el campo, tengo a mi hija que la estoy criando de esa manera también, y entonces por eso quiero hacer una canción un poco más tropical y por esta línea…”. Y claro, cuando me habla alguien como Maluma, que es un tipo también muy polifacético, pero quizás de una música más distinta, bastante más distinta a lo que hago, pues claro, se me presenta de frente y digo, bueno, a ver con qué viene que yo pueda crear un puente.

Entonces, fue maravilloso el sentir que era una canción bastante cercana a las cosas que quiero defender y bastante de lo que es mi ADN. Creo que todo eso se volvió fácil y súper bonito, el poder estar ahí con él y, también, el hecho de que sea de un país para mí muy cercano como es Colombia, un país con el que tenemos innumerables similitudes con lo que es Puerto Rico. Pienso que acabó siendo una canción muy orgánica para ambos.

Este próximo verano regresas a Canarias en el marco de tu nueva gira de 2026, en la que también interpretarás tu próximo y nuevo disco. ¿Qué podrías decir a tu público de las Islas sobre ello? ¿Qué significa para ti tu paso por Gran Canaria y Tenerife, dos lugares con alma y esencia isleña y con vínculos próximos con Latinoamérica?

Pues uno nunca espera cercanías en lugares que son tan distantes de lo que es tu ADN o de lo que es tu vida, tu realidad como puertorriqueña.

Debo decir que se vuelve algo raramente maravilloso, porque claro, cuando uno viaja y te montas en un avión siete horas, lo que esperas es encontrarte con cosas totalmente extrañas a ti, con un público al que tienes que conocer y ver cómo le llegas.

Y en el momento que viajas y te encuentras con gente con la que hasta hay similitudes en su acento, que cuando te subes al escenario hay semejanzas en el comportamiento, pues es como sentir que tienes una casa a siete horas, y eso no se dice fácil.

Entonces, para mí eso siempre va a ser el paso por las Islas, es bonito sentir que se puede respirar ese mismo aire, que se puede sentir esa misma cercanía con la gente, que se puede percibir en lo que es un show, lo que es un público igual o muy similar al tuyo. Eso es lo que se agradece y es algo que no suele suceder y que no es tan común. Canarias tiene un lugar especial en mí, porque estoy lejos de casa, pero me hace sentir allí.

Con un álbum nuevo y una gira a la vuelta de la esquina, ¿cuáles son tus objetivos futuros tras haber cosechado y estar cosechando tantos logros? ¿Qué sueños dirías que te quedan por cumplir?

Por ahora, y muy a corto plazo, acabar la gira viva, con salud y bien, porque son de aquí a diciembre ochenta fechas, arrancando el 17 de abril. Entonces, es una gira sumamente extensa en la que, a la misma vez, tengo que estar a la altura de lo que vamos a vivir.

Tengo la puesta de escena más linda que he hecho en mi carrera, más imponente, más importante, es mi décimo álbum también, lo que tiene unas connotaciones increíbles. Entonces, para mí pensar a futuro es sencillamente pensar en poder completar estas ochenta fechas de la mejor forma y que la gente noche tras noche viva momentos maravillosos. Me costaría mucho mirar algo más allá de eso.

Natalia Lacunza es una artista y compositora natural de Pamplona. Con un amplio y exitoso recorrido musical a su corta edad, Natalia lanzó recientemente el que es su mejor proyecto hasta la fecha, N2STAL5IA, un disco, personal y muy trabajado, en el que da un paso adelante tanto en su carrera como personalmente. En el marco de su gira, encarando la recta final, Natalia visita Canarias para presentar su álbum en Gran Canaria y Tenerife y reencontrarse, así, con su público canario.

Natalia, comienzas el año con un disco ya publicado, N2STAL5IA, e inmersa en plena gira. Estas en una nueva fase desmarcada de las etiquetas que en ocasiones te han rodeado. ¿En qué momento de tu vida y de tu carrera dirías que te encuentras? ¿Cómo te ves a ti misma ahora en comparación con tu etapa pre-N2STAL5IA?

Pues mira, creo que estoy en un momento en el que estoy más feliz que nunca, la verdad. Estoy recogiendo los frutos de muchísimo trabajo a nivel personal y a nivel profesional.

Siento que he conseguido tener un equipo que me acompaña y que me quiere y que me cuida muchísimo, y es mutuo, y eso me da muchísima felicidad, como que sea posible que este sea mi trabajo, que me dedique a esto, que la gente venga a los conciertos.

O sea, como que la gira está yendo muchísimo mejor que la anterior, como que de repente pasa tanto tiempo desde el boom y dices: “No sé qué tal irá esto”. Y realmente siento que ahora estoy en mi mejor momento a nivel personal y profesional, y como que todo está acompañando bastante, o sea, que estoy muy contenta y además estoy en medio de la gira, que es mi cosa favorita y lo estoy pasando genial.

Hace pocos meses que lanzaste N2STAL5IA, una obra que busca ser una experiencia musical completa e íntima y que no pretende ser para nada fugaz. En este sentido, y en base a no tener miedo al silencio en tu proceso creativo, ¿te ha ayudado ese silencio a reencontrarte contigo misma o con tu propia voz? ¿Qué has descubierto en esos silencios?

Pues sí, creo que al final toda la vida son un poco ciclos y hay momentos en los que estás muy expuesto a muchísimos estímulos, a muchísimas cosas ocurriendo, a muchísima música saliendo, a muchísimos conciertos pasando, a muchísima gente opinando y considero que hay momentos como los que pasé haciendo este último disco en los que tienes que encerrarte un poco en ti misma. Y, así, buscar un lugar seguro en el que no haya tanto ruido externo y puedas encontrar qué es lo que tú quieres decir realmente y qué es lo que te apetece contar sin que ese ruido te afecte y te condicione a la hora de tomar decisiones.

Y bueno, también creo que es importante poder tener un discurso con una misma y tener ese momento de crear un espacio dentro de ti para que puedan salir cosas nuevas, básicamente.

En N2STAL5IA has lanzado un álbum trabajado de principio a fin y con muchas curiosidades. Una de estas, por ejemplo, es la inclusión en el coro del tema SABES QUÉ??? de tus amigas para que sonara a modo de recreo. ¿Qué otras curiosidades que no sean tan visibles esconde el disco? ¿Cómo notas que ha madurado y lo ha acogido el público en estos primeros meses de lanzamiento y en los directos?

Pues es un disco que siempre soñaba con hacer, un disco por todo el mundo. N2STAL5IA es un álbum que se ha hecho en México, que se ha hecho en Francia, que se ha hecho en Londres, que se ha hecho en Madrid, en Barcelona, que realmente es un disco internacional. Y es una cosa que cuando la acabé dije: “Jolín, este era mi sueño y lo he cumplido”. Entonces estoy muy feliz con eso.

Y bueno, pues otra curiosidad es que está hecho con -algo que me parece muy divertido- bastantes productores más que en los anteriores trabajos y, también, hay bastantes autores nuevos y muchos de ellos son gente que se dedica a la música urbana, al rap o al reggaetón… Toda esta gente haciendo un disco de una chica pop, es una cosa que me parece muy divertida y curiosa y que creo que ha funcionado muy bien.

Siento que los temas que más me gustan del disco son los que más están funcionando, que la gente los ha acogido y se los ha hecho suyos. En los conciertos los cantan muchísimo y estoy feliz de ver cómo a la gente le está llegando un montón, la verdad.

Ahora te encuentras en la recta final de la gira del disco. Imagino que ha sido un reto el trasladar la intimidad y la personalidad tanto sonora como visual (azul) a los escenarios. ¿Cómo fue y está siendo el proceso para gestionarlo todo? ¿Qué tal está siendo la experiencia de hacer un show con tanta libertad e intimidad ante tu público?

Pues está siendo increíble, de verdad. Creo que es la mejor gira que he hecho nunca. Se nota muchísimo que llevamos, muchos de nosotros, tocando seis años juntas y hay un amor y un cariño y una intimidad en el escenario que siento que se transmite un montón al público. Siento que se crea ese momento de que son canciones que hablan de cosas que a cada uno le afectarán de una forma y se las llevará a su terreno.

Y en ese momento, en el que está pasando el concierto, es un universo común a todos y es una cosa mágica. Que ocurra eso es mágico.

Actúas en marzo tanto en Gran Canaria, en la Sala Alboroto, como en Tenerife, en el Paraninfo de la Universidad de La Laguna. ¿Qué opinas de tu público en las Islas? ¿Qué dirías, en general, que es lo que más te gusta de actuar en Canarias?

Bueno, para empezar, viajar a Canarias es increíble. Tenemos muchísimas ganas. Además, vamos a hacer algunos conciertos seguidos en esos días y va a ser increíble. Siempre que he ido a Canarias, la verdad es que he sentido un amor impresionante. Creo que nunca hemos ido a hacer unas salas como las que vamos a hacer, así que también va a ser una primera experiencia en ese sentido.

Tengo muchísimas ganas. Y tengo bastantes amigas también por ahí que van a venir a verme. Pienso que va a ser lo más. Tengo muchísimas, muchísimas ganas, la verdad.

Recientemente, has dicho que te encantaría irte al pueblo a plantar tomates y a desconectar, a salir de la rueda de la interconexión tan masiva producida por la tecnología. ¿Es este tu plan para después de la gira? ¿Qué podemos esperar de ti de cara al futuro?

Pues cuando acabe la gira, mi plan es componer. O sea, me encantaría eso. No me puedo ir todavía a mi casa del pueblo porque tenemos que reformarla y todavía no se puede vivir ahí, pero es un plan que tengo sin duda a futuro… Irme a escuchar los pájaros y a sentarme en el pozo de mi jardín que me apetece muchísimo.

Aún así, ahora cuando acabe la gira la verdad es que estoy ya con la mosca detrás de la oreja de que quiero hacer otro disco ya, o sea que no creo que pare mucho. Tengo muchas ganas de componer, descansaré un poco, pero me pondré a trabajar enseguida.

Alicia Climent, mejor conocida en el mundo musical como Alice Wonder, es una artista, cantante y compositora natural de Madrid. Tras una larga temporada sin publicar un nuevo proyecto, Alice regresó hace unos meses con Soulost, un disco que narra en capítulos su viaje, sentimientos y emociones recogidas a lo largo de los últimos años. Ahora, se encuentra inmersa en una gira que la está llevando a compartir en directo Soulost alrededor de todo el país con una gran cantidad de fechas.

Estamos comenzando el año 2026 y, en tu caso, lo empiezas con un nuevo álbum muy significativo en tu carrera ya publicado y con la continuación de tu gira. ¿En qué punto de tu carrera dirías que te encuentras artística y emocionalmente? ¿Cuáles son tus objetivos marcados para este año?

Mis objetivos marcados para este año son disfrutar de lo que hago al máximo sin culpabilizarme en el camino. También, es abrazar mi creatividad sin moldearla a la perspectiva ajena, al ojo crítico y subjetivo e infinito que somos todos.

Siento que en estos años he pasado por alto más de lo que me gustaría admitir, y esto es un upgrade en mi alma. Algo que ya me llevo conmigo para siempre, lo sé. Lo siento.

Siento que he conseguido separarme de mi yo profesional. Soy mucho más que mi carrera y, sin embargo, deseo dedicarle todo mi tiempo a construir el mundo artístico que llevo dentro.

Estoy en mi mejor momento. Nunca me había caído tanto como ahora. He aprendido a levantarme, a disfrutar, a agradecer los tan temidos “errores” que le dan belleza al viaje. Y ahora quiero honrar todo lo aprendido y desplegar mis alas.

En estos últimos años, has crecido mucho artísticamente y muchas habrán sido las vivencias, tanto buenas como malas. ¿Qué aprendizajes has conseguido por el camino? ¿En qué sientes que has cambiado y evolucionado?

He aprendido a sostenerme cuando el suelo tiembla. Siempre supe que soy echada para adelante, pero con un miedo interno de fracasar estrepitosamente que estaba bloqueando mi canal intuitivo y mi deber divino por nacimiento: vivir como deseo.

También, he aprendido a perdonar y que todo está perfectamente organizado para que tanto caos como orden enseñen la lección y el aprendizaje correctos para tu momento y tiempo, si consigues verlo desde la virtud y el agradecimiento de estar vivxs.

Ahora pierdo menos el tiempo, sé antes lo que sí y lo que no, y me comunico mejor. Hacerse adulta tiene su punto -sin perder de vista tu niña interior, claro-.

Hace apenas unos meses, en octubre, publicaste tu último trabajo en formato LP, Soulost. En él, y a través de capítulos, narras tu caos de los últimos años hasta llegar a la luz. ¿Cómo fue el proceso de creación a nivel técnico y emocional? ¿En qué punto te diste cuenta de la necesidad de querer transformar todo lo que estabas viviendo en canciones?

El viaje entero me bajó como una descarga de información en fascículos. Fui recopilando información y dándome cuenta que estaba sintonizando con una historia, una imagen: una tormenta en el frío bosque nocturno y el contraste del sol y el olor a tierra por la mañana. Un mal sueño. Un despertar.

No tuve otra opción, estaba claro que el viaje era un disco. Empecé a recopilar canciones y componer otras sin pensarlo casi. Las letras iban solas, todo cuadraba. Ha sido un proceso mágico.

En las 14 canciones que componen Soulost haces una división por capítulos, un viaje narrativo y sonoro. Además, en este mezclas temas tanto en castellano como en inglés. ¿Qué poder crees que tienen ambos idiomas, en tu caso, a la hora de transmitir tus sentimientos? ¿Cómo has notado la acogida de tu público en estos primeros meses de publicación del disco?

Parte de mi propósito era volver a abrir la puerta a un lenguaje innato en mí como es el inglés también. Y no retractarme de mi intuición y naturalidad con ese tema. 

Aparte, el español y el inglés son para mí el yin y yang de esta era. Dos maneras de comunicar que son muy compatibles. Es una sensación que tengo; pronto todo será así.

Por otro lado, sobre los conciertos, estoy un poco alejada de mi público en redes así que me viene de sopetón la alegría. Ahora estoy centrándome en cómo ser sólida con mi concepto y mensaje y dejando ir… y siento que es una fase de transición y de ubicarlo todo de nuevo. Pero estoy muy agradecida porque el show es poderoso y la gente vibra fuerte conmigo. Lloros y bailes, energía extrema.

Te encuentras inmersa en una gira desde hace unos meses y que se prolongará durante un tiempo más. ¿Cómo es la conexión que estás teniendo con tu público en los directos tras haber publicado Soulost y qué canciones notas que más están conectando? ¿Qué ciudades te quedan por visitar próximamente?

El disco está teniendo muy buena acogida en los directos. Por ejemplo, en Madrid la gente estaba loca, con La Riviera llena por 100 personas literalmente. Y en Barcelona ha sido una locura, Valencia… Hemos hecho el sur, sold out en el norte, en Burgos, ahora Bilbao. Alicante, Murcia, Zaragoza… Muchas ciudades con una entrega brutal coreando los temas.

En el panorama musical actual se busca la comercialización del todo, incluso de la vulnerabilidad y de los sentimientos transformados en arte. En este sentido, ¿qué opinas de esto? ¿Cómo consigues desmarcarte de ello y seguir manteniendo algo tan sano como tu música de manera tan pura y transparente?

Simplemente intento no enterarme mucho de nada. Las redes sociales para los artistas son un arma de doble filo. Cuando se trata de expresar, un artista debe ser compasivo con su expresividad y contenido. No somos nosotrxs, es la unidad hablando a través.

Soy un canal y ahora lo entiendo. El sentir es puro porque otra cosa sería comercio. Y yo, por suerte y desgracia, vivo en un nivel de intensidad y apertura en la que poco tiene cabida otra cosa que no sea la verdad, por muy áspera y desagradable que sea. La prefiero. Los grises. Las luces brillantes me marean.

Con Soulost ya publicado desde hace unos meses y la segunda parte de tu gira en marcha. ¿Cuáles son tus planes a futuro? ¿Alguna idea o proyecto en mente que quieras compartir?

Quiero darle más recorrido a la historia, disfrutar del disco en la gira y poco a poco ordenarme de nuevo. Tengo más ideas y ganas que nunca.

Me apetece divertirme y jugar en un entorno que abraza el arte como lo hago yo, y ver qué sale. Con la emoción de crecer y siempre estar en esa búsqueda del perfeccionismo que a un fan del amor y las artes como yo le atrapará.

Borja Jiménez Mérida, mejor conocido como Bejo, es un artista multidisciplinar natural de Canarias, con raíces herreñas y tinerfeñas. Tras un tiempo de desarrollo musical y creativo, Bejo acaba de publicar el que es su proyecto más personal hasta la fecha, El Interiorista. En él, presenta 8 canciones unidas a una pieza audiovisual en formato corto rodada en blanco y negro entre El Hierro y Madrid. Toda una experiencia inmersiva y que refleja una nueva etapa del artista, una más honesta y cercana a su “yo interior”.

Vienes de pasar un verano marcado por el regreso de Locoplaya y ahora te abordas en un nuevo proyecto en solitario. ¿Qué tal han sido para ti estos últimos meses y este año? ¿En qué punto vital y profesional te encuentras?

El proyecto de El Interiorista lo he cocinado a fuego lento. Empecé con él a principios de 2024, cuando cumplí 30 años. De alguna manera habla de eso, de cómo vives las cosas una vez llegas a ese punto. Estoy muy contento de poder dedicarme a lo que me apasiona y este trabajo es una especie de autorregalo.

Acabas de publicar tu nuevo álbum, El Interiorista, proyecto en el que te has adentrado también, y por primera vez, en el mundo del cine, de la mano de un corto que acompaña al disco. ¿Cómo ha sido tu experiencia a la hora de desarrollar este primer proyecto cinematográfico? ¿A qué desafíos te has enfrentado a la hora de rodar El Interiorista?

Sin duda, es mi trabajo audiovisual más ambicioso hasta ahora. Para mí, siempre ha sido muy importante la imagen que acompaña a la música y, en esta ocasión, quería hacer algo diferente que otorgara otra dimensión al álbum.

El rodaje fue en diciembre de 2024 en El Hierro. Tengo un vínculo muy fuerte con esta isla. Además de ser el lugar de mis orígenes, de mi familia y mis amigos, El Hierro tiene alma. Sus paisajes son únicos, parece que el tiempo no ha pasado por ella.

Tengo la gran suerte de poder trabajar con mis amigos, las mismas personas con las que hacía los videoclips hace 10 años cuando llegué a Madrid; Álvar Alonso, Claudio Rivero, Jorge R. Preciado y Carmina Corella. Es el mejor equipo que se puede tener. Cuando llegaron a El Hierro se quedaron fascinados. Recorrimos todos sus rincones y disfrutamos mucho, fue una experiencia inolvidable.

En El Interiorista, a lo largo de sus 8 canciones y del corto, todo ello fundido en uno, exploras la aceptación del yo y la contradicción humana, entre otras cuestiones. ¿De qué idea matriz surge la raíz para crear este proyecto? ¿Cómo ha sido el proceso de creación y el desarrollo conceptual de este trabajo?

Vivir no es fácil. El cerebro es el gran desconocido, hay tantas preguntas sin respuesta… Cuando te dejas llevar por la inercia no te das cuenta, pero cuando te paras y analizas hay veces que da vértigo. Esta sensación es la que me ha inspirado para hacer este álbum.

Muchas veces, lo último que pienso cuando hago un disco es el título y una vez que lo acabo, lo busco. En este caso fue al contrario, tenía decidido que iba a hacer un álbum que se llamara El Interiorista. Y fui a por él. Sin prisa, pero sin pausa. Durante el 2024 estuve escribiendo las canciones y durante el 2025 me dediqué a darle forma a los vídeos.

Algo bastante llamativo en tu nuevo proyecto es el hecho de que te muestras sin gafas, un elemento que te ha acompañado a lo largo de tu carrera. ¿Qué deseas simbolizar con este gesto? ¿Cómo es el Bejo que deseas reflejar en esta nueva etapa?

Durante mi carrera, he intentado difuminar los límites entre realidad y ficción, entre la broma y lo serio. Las gafas han sido un escudo, un símbolo y un misterio. La mirada es una de las cosas que más transmite de una persona y para este trabajo eso suponía limitarme.

En El Interiorista he querido mostrarme de una manera cercana y honesta, sin adornos ni distracciones. Es mi álbum más personal. El lenguaje es clásico; planos fijos y un ritmo lento, instrumentales con atmósferas atemporales y voces que suenan naturales.

Otra de las características de tu nuevo trabajo es que está íntegramente rodado en blanco y negro e incluye mucha simbología. ¿Por qué decidiste hacerlo de esta manera? ¿Cómo fue la experiencia de rodarlo todo entre El Hierro y Madrid?

Una de las cosas que tenía claras mientras escribía las canciones es que los vídeos serían en blanco y negro. La forma de las cosas muestra su esencia a través de sus luces y sombras. Los colores son la apariencia que nosotros percibimos. Este trabajo pretende quedarse con lo esencial.

Rodarlo en El Hierro era fundamental para mí. Yo vivo en Madrid y para la colaboración con Kase.O e Ignatius Farray era más viable rodarlo ahí, aunque me hubiera encantado llevarles a Canarias.

Profundizando en el apartado musical, en El Interiorista cuentas con las colaboraciones de Kase.O e Ignatius Farray. ¿Cómo surgieron estas colaboraciones? ¿Cómo fue, también, trabajar con Nico Miseria y Juli Giuliani para lograr una atmósfera tan buena en el disco?

Kase.O es uno de los raperos que más admiro, sus canciones me acompañaron durante mi juventud. He disfrutado y aprendido mucho con su música. Habíamos coincidido varias veces desde el 2018 y, durante estos años, me ha hecho saber que valora mucho mi trabajo. Cuando estaba escribiendo la canción, pensé que él sería la persona perfecta para completarla.

Ignatius Farray para mí es un filósofo, un pensador, una voz única de nuestro tiempo con gran sabiduría. Habíamos coincidido en varias ocasiones desde hace 7 u 8 años, es una de las personas con mayor gratitud que he conocido nunca. Cuando tenía el tema con la parte de Kase.O, me pareció que el broche de oro lo podía hacer Ignatius. Le pasé la canción y le dije que preparara un pequeño speech. Cuando me leyó la poesía que había escrito se me pusieron los pelos de punta…

“…Higueras como hogueras

Que den sombra y fuego

Y que te digan que la vida

Te puede joder la vida“.

Por otro lado, trabajar con Nico Miseria para mí es una gran suerte. Tenemos canciones juntos desde 2017. Admiro mucho su sonido, es un productor único. También, como rapero él tiene una manera de transmitir muy fuerte, hace unas letras increíbles.

Con Nico estuve codo a codo durante muchos meses dándole forma a las canciones. Cuando le comenté las ideas que tenía, él me pasó una carpeta con beats que encajaban a la perfección. Luego me hizo más, a medida, e introdujo las narraciones que se escuchan en El Puerto de La Estaca y La pieza que falta.

También, en el álbum hay dos temas producidos por Juli Giuliani. Fueron los primeros que escribí. Dio en la tecla con lo que estaba buscando y formaron los cimientos de El Interiorista. Nunca habíamos trabajado juntos y ha sido un placer.

En estas últimas semanas y meses has dado algún concierto alrededor del país. En este sentido y de cara al futuro, ¿tienes pensado hacer una gira de El Interiorista? ¿Qué podemos esperar de ti en los próximos meses?

Sí, tengo pensada una presentación en directo muy diferente a lo que he hecho hasta ahora. Quiero hacer un concierto/teatro. Quiero hacer un montaje de pantallas con mapping en el escenario y trasladar el universo del cortometraje al directo. En los próximos meses estaré trabajando en ello. Tengo muchas ganas de hacer esto.

Locoplaya es un mítico grupo originario de Canarias, El Hierro, conformado por los artistas Bejo, Uge y Don Patricio. Tras 3 años sin lanzar música juntos, este verano publicaron El Caletón, un EP de tres temas que han podido presentar al público canario en varios conciertos y que mantiene la esencia más auténtica del grupo herreño. Un esperado regreso que, sin duda, ha sido muy bien acogido por parte del público, sobre todo de Canarias.

Tras tres años, aproximadamente, se han vuelto a reunir de nuevo para lanzar música este verano. ¿Cómo han vivido estos últimos años? ¿Qué tal están y en qué punto actual de su carrera dirían que se encuentran?

Bueno, en estos últimos 3 años no hemos estado activos sacando música como grupo, pero sí que cada uno de nosotros lo ha hecho con sus proyectos individuales y también hemos seguido manteniendo la conexión. Al final, ahora mismo cada uno vive en sitios diferentes, pero siempre nos une La Caleta y El Hierro, que es donde coincidimos al menos estos últimos veranos.

El pasado 25 de julio lanzaron un nuevo EP, El Caletón, donde ponen fin a los tres años de parón del grupo con tres nuevos temas al más puro estilo de Locoplaya. ¿Cómo surge la idea de crear este EP? ¿En qué momento y de quién fue la idea de reactivar al grupo?

Pues a raíz de un concierto que dábamos en Madrid, en las fiestas de San Isidro, casualmente teníamos unos días libres justo antes. Entonces, hablamos con un par de productores de Madrid y sencillamente nos pusimos los tres ahí en unos días a hacerlo, así fue. Salió fresco y bien.

En El Caletón demuestran que el tiempo no pasa por Locoplaya y que la esencia sigue intacta. ¿Cuál es el secreto o la clave del grupo para seguir sonando tan bien y de esa manera tan característica? ¿Cómo fue el proceso de creación del EP? ¿Alguna intrahistoria, anécdota o curiosidad de El Caletón?

Este EP lo hicimos en tres días, en Madrid, a lo largo de tres sesiones diferentes. Fectro produce dos de las canciones de El Caletón y la otra la produce LI4M. 

Sobre uno de los temas, Ricotta, ya teníamos algunas ideas antes de ir al estudio. Las frases del estribillo las tenía Uge de otras canciones que intentamos hacer en su momento y que no salieron. Entonces, en Ricotta rescatamos ideas del pasado y, a su vez, fue la primera que hicimos de las tres y la que nos impulsó a los siguientes días ir más motivados al estudio.

Finalmente, salieron esas tres canciones (Ricotta, Ay Dios! y Más de las 12). La que más nos gustó cómo había quedado fue Ricotta y es a la que decidimos hacer un vídeo. Lo hicimos a la vieja usanza, grabándolo entre nosotros en La Caleta.

Como anécdota, te podemos contar que justo mientras estábamos grabando apareció un chico que se dedica al mundo audiovisual, su nombre es Sestolo, y se ofreció para echarnos una mano. La verdad es que, al final, la mayoría de las imágenes del vídeo las acabamos grabando con este chico esa misma tarde.

En El Caletón, así como en mucho del ideario creativo de Locoplaya, está presente la isla de El Hierro y, en general, las Islas Canarias. En este sentido, ¿en qué dirían que se inspiran a la hora de crear como grupo y/o individualmente? ¿Qué opinan de la actual escena musical en las Islas? ¿Qué echan en falta y qué puntos fuertes observan?

Creemos que estamos viviendo un momento muy importante para la música en Canarias, música de lo que se conoce como urbano, y es que cada vez salen más nombres de aquí de las Islas que llegan a nivel nacional e internacional. De alguna manera, es un orgullo ver cómo la música hecha en Canarias tiene una repercusión tan grande más allá de nuestro archipiélago.

Nosotros hemos tenido un estilo bastante marcado desde el momento en el que nos dimos a conocer, hace ya casi 10 años prácticamente. De alguna manera, también hemos querido volver a esa esencia que nos ha caracterizado, a ese estilo más desenfadado y vacilón.

Al final, lo que nos ha unido ha sido El Hierro, La Caleta, los veranos y pasarlo bien con los amigos. Entonces, nuestra música reflejó esa época de nuestras vidas y hemos querido hacer como una versión 2.0 actualizada a día de hoy. Estamos en 2025 y muchas cosas han cambiado, pero la música es música y nosotros la hacemos a nuestra manera.

Locoplaya ha pasado a formar parte de la historia de la música en Canarias y es un grupo muy querido y apreciado en el aspecto popular. Para ustedes, ¿cuál es el significado del éxito en la música y como grupo? ¿Qué aprendizajes han adquirido en estos años de carrera?

La realidad es que la música uno tiene que hacerla porque le llena. La música para nosotros, aunque nos dedicamos a ello, no es un trabajo al uso. Es algo que nos hace ilusión, que nos llena, que tenemos ganas de hacerla y de expresarnos de esa manera.

El éxito no siempre se corresponde con que tus planes o expectativas se cumplan, sino estar contento con lo que uno hace. También, está claro que cuando la gente lo reconoce, te apoya y llegas a conectar con ella, desde luego que sube el ánimo y dan más fuerzas para seguir.

En cuanto al aprendizaje, es verdad que llevamos ya casi una década haciendo música y conciertos. En todos estos años, lo que hemos aprendido es a disfrutar con lo que uno hace, a intentar ser lo más profesionales posible y a tomar las cosas en serio. Aunque, a lo mejor, es un poco paradójico con lo que hablamos de que al final la música la hace uno porque le sale y porque le gusta, pero también requiere de trabajo, preparación e intentar hacer las cosas, dentro de lo que uno puede, de la mejor manera.

Entonces, nuestro aprendizaje, sobre todo, es esa balanza entre seguir con esa frescura e ilusión del principio y, también, con el ánimo de querer hacer las cosas cada vez un poquito mejor.

En los tiempos actuales, donde el consumo acelerado del arte está a la orden del día, es fundamental como artista o grupo aprender a parar, a descansar y a crear con márgenes propios. ¿Cuál es su opinión sobre el consumo musical actual y la propia industria que lo rodea? ¿Cómo lleva cada uno el hecho de crear y desarrollar ideas o proyectos en un entorno musical y social tan saturado?

Creemos que los ritmos de consumir la música son muy diferentes obviamente a cuando nosotros comenzamos. Hoy en día, estamos todos hiperconectados con las redes sociales y con los medios de comunicación. También, la oferta musical que hay de todo tipo es muy grande, es muy amplia y directa. Hay muchos artistas emergentes, mucha gente haciendo cosas muy guapas.

Al final, el consumo está en lo que le gusta a cada uno. La música que uno escucha puede ser a lo mejor de manera más pasiva, pero todos tenemos nuestras canciones favoritas y las escuchamos con la misma ilusión que hace años atrás y a los conciertos sigues yendo y viéndolos de la misma manera. Entonces, creemos que el consumo ha cambiado, pero la esencia de la música y lo importante de ella sigue estando más vigente que nunca.

Tras haber lanzado El Caletón, ¿cómo ven el futuro del grupo? ¿Alguna idea o proyecto en mente y que quieran compartir?

El futuro lo vemos un poco incierto, como es el futuro en general de las cosas. Pero bueno, como nosotros somos amigos y siempre estamos en esas pues quién sabe si sacaremos algo o no. No sabríamos decirte nada claro, pero siempre vamos a estar. Así que estén pendientes, pero no esperen nada seguro.

Manyang Darboe, mejor conocido en el panorama de la música como Munic HB, es un cantante y compositor español de raíces gambianas. Tras haberse hecho un hueco en la escena a nivel nacional y haber pasado un último año de cambios y crecimiento, el artista publicó recientemente Transition, un disco de larga duración en el que demuestra su madurez personal y artística. Ahora, Munic HB está enfocado en presentar su nuevo proyecto al público con la celebración, en un inicio, de un concierto en Barcelona y otro en Madrid, ambos en octubre.

En primer lugar, es importante poner el foco en tu pasado para que aquellos que todavía no te conozcan sepan quién eres. ¿Quién es Munic HB? ¿Cómo ha sido tu recorrido en la música y qué vivencias o experiencias destacarías de tu carrera?

Empecé haciendo música por diversión cuando tenía 13 años, con un compañero de clase al que le gustaba mucho el rap y con el que monté un “dúo”. Después de eso, decidí indagar un poco en sonidos nuevos y ahí es donde comencé a interesarme en hacer trap. Los Hustle Boys, que son unos amigos del barrio, desde bien pequeño me pagaban las sesiones a distancia en Unity 23, ya que yo no me lo podía permitir.

Tras todo esto, las cosas empezaron a tomar forma de una manera inesperada para mí cuando saqué Coco y, después, Sofrito. Desde entonces, he ido evolucionando de formas distintas y no fue hasta el año pasado que hice un parón para desarrollar el disco.

Acabas de publicar tu nuevo disco de larga duración, Transition, donde vienes a mostrar al mundo y a tus oyentes tu gran proceso de crecimiento y madurez. ¿Por qué escogiste este título para el álbum? ¿Cómo fue la experiencia de crearlo y verter tus emociones y letras en este proyecto?

Transition es el nombre que le di, ya que siento que muchos factores de mi carrera han cambiado. Necesitaba hacer un proyecto en forma de homenaje al progreso que siento que he hecho, tanto musicalmente como de sonido, sin adentrarme a lo siguiente porque eso será otra etapa.

Fue un proceso bastante intenso al principio, ya que estaba en mitad de muchos cambios. No fue hasta que entré con Mécèn que pude dejar de preocuparme de lo que pasaba fuera del estudio.

En Transition solo sumas una colaboración, la del artista argentino Ramma. Por otro lado, y en el apartado de la producción, cuentas con grandes nombres como Lex Luthorz, Itchy & Buco Sounds o Gese Da O, entre otros. ¿Cómo se dio la colaboración con Ramma y con los productores? ¿Qué fue lo más difícil a la hora de elaborar el disco y qué tal has notado la acogida por parte del público en estos primeros días de publicación?

La colaboración con Ramma viene de un viaje a Argentina en el que le escribí para “linkear” y acabamos haciendo el tema con una conexión increíble, la verdad. En cuanto a los productores, llevaba tiempo en contacto con Lex e Itchy & Buco Sounds y tenía bastante claro que quería trabajar con ellos de cara al proyecto. Más adelante, se unió Gese Da O, actualmente mi compañero de pesca “WakiMarcelo” (risas).

Desde que publicaste tu último tema en solitario hasta que lanzaste el primer adelanto (Tóxico) de este álbum, pasó casi un año. Un año en el que has hecho un proceso de transición y transformación como artista, reflejado en tu nuevo proyecto. ¿De qué forma, después de esta etapa, dirías que ves la música y te ves a ti como artista y persona? ¿Qué has aprendido en todo el proceso de elaboración de Transition?

Al hacer tanta introspección, siento que conecto mucho más con cosas que antes podían pasar desapercibidas y lo llevo a lo musical. Parece evidente, pero para mí es nuevo. Antes buscaba hacer música como un juego, ahora me gusta tomármelo con más calma.

Además de eso, el nuevo ambiente que tengo alrededor me ha nutrido mucho desde entonces, así que hay cosas nuevas inexploradas para mí. Sobre lo aprendido en el disco, son muchas cosas, pero sin duda me quedo con la confianza en mí y en mi intuición.

La realidad es que en Transition, a lo largo de sus 14 temas, te muestras vulnerable y tal y como eres, reflejando un proceso de madurez tanto personal como musical. ¿Hay alguna canción que signifique algo especial para ti por encima del resto? ¿Qué es lo que te gustaría que la gente entendiese de ti en este disco?

Creo que la vulnerabilidad no te la da el mostrar tus sentimientos, sino ignorarlos. En este sentido, el tema que más significa para mí es la Outro, solo hay que escucharlo. No hay pautas para entender el disco, la verdad, cada uno que saque su interpretación y que lo disfrute de la manera que quiera. Mi música no viene con instrucciones.

Tras haber liberado Transition al mundo, ¿tienes pensado llevar a cabo alguna gira de conciertos? ¿Te gustaría o tienes planes de hacer alguno en Canarias?

Tengo dos fechas, una en Barcelona, el 25 de octubre en la Sala Razzmatazz 3, y otra en Madrid, el 26 de octubre en la Sala Mon. No tengo planes para Canarias de momento, pero me encantaría, es uno de los sitios en donde más ganas tengo de actuar. En general, tengo muchas ganas de girar por toda España con mi música, ya que el show en directo es uno de mis mayores fuertes, sin duda alguna. Lo disfruto mucho.

Con el disco ya publicado y con una nueva etapa que se abre ante ti, ¿qué podemos esperar de Munic HB en el futuro? ¿Alguna idea, plan o proyecto que tengas en mente y quieras llevar a cabo?

No me quiero adelantar a los acontecimientos de momento. Acabo de lanzar el disco, así que ahora me apetece disfrutarlo y prepararme los shows. Tengo ganas de seguir experimentando y ya he tenido la suerte de hacer algún que otro viaje para juntarme con gente nueva con la que he tenido buen feeling.

Carlos Augusto Rivera Guerra, mejor conocido en la música como Carlos Rivera, es un cantante, compositor y actor mexicano natural de Huamantla, Tlaxcala. Tras haber concluido su gira por los 20 años de carrera, agotando numerosas fechas, y haber hecho 3 conciertos en Canarias, el artista publicó recientemente el que es su octavo álbum de estudio. En las 10 canciones que componen ¿Qué Significa El Amor?, encontramos temas como el amor, la pérdida, la esperanza o el renacimiento, haciendo énfasis en el apartado visual que acompaña a la música. Un trabajo muy personal de Carlos Rivera que consigue ahondar en los sentimientos del oyente y profundizar en su corazón.

Llevas 20 años de carrera, de trayectoria musical, a tus espaldas, cuentas con 8 discos de estudio lanzados y con una gran cantidad de conciertos realizados alrededor de varias partes del mundo. ¿Cómo valoras y con qué te quedas, en general, de estos 20 años de carrera? ¿En qué punto o momento de tu vida artística dirías que te encuentras?

De entrada, creo que el balance de todos estos años ha sido que me parece una carrera muy bonita y que me siento muy orgulloso de ella. También, especialmente ha sido de muchísimo trabajo. No he parado de trabajar en todos estos años para cumplir mis sueños y para tratar de hacer siempre música que inspire cosas bonitas en la gente.

Ahora, estoy en un punto en el que creo que sigo, después de haber encontrado muchas cosas, con ganas de continuar buscando más. En el álbum que estoy lanzando ahorita, he pretendido colaborar con artistas muy nuevos, muy jovencitos. Esto no solo en los artistas que cantan conmigo, sino también en los compositores. Quise buscar en las nuevas generaciones nuevas formas de hacer, de escribirle al amor, y creo que en este disco esa fue su definición y es donde me encuentro ahora.

Hace aproximadamente un mes que lanzaste tu octavo álbum de estudio, ¿Qué Significa El Amor?, donde, a través de sus 10 canciones, abordas temas como el amor, la pérdida, la esperanza o el renacimiento, haciendo énfasis en el apartado visual que acompaña a la música. ¿Cómo nació la idea de desarrollar este disco y cómo fue la experiencia de crearlo? ¿Qué tal has notado la acogida del público en este primer mes de lanzamiento?

Pues ha sido muy bonito el camino para llegar hasta acá, con un álbum que no pretende nada más que cantarle al amor, que la gente se cuestione qué es y, tal vez, puedan encontrar su propia respuesta.

La parte visual me parecía una buena manera de conectar con el arte. Hicimos una presentación donde realizamos una colaboración gastronómica con una chef de México. Fue súper bonito porque la chef hizo una interpretación de cada canción en un platillo, otro artista hizo una interpretación de cada canción en una obra visual y yo pues con la música. Es muy apasionante ver lo que un mismo tema puede generar y cómo cada persona lo interpreta de una manera diferente.

Creo que de eso trata este disco, de ponerlo al servicio y que, así como una chef y un artista visual interpretaron cada canción mía, que la gente haga lo mismo. No importa en lo que trabajen, a lo que se dediquen, cada persona encontrará su definición, su interpretación y, entonces, dedicarán las canciones a quien ellos sientan y piensen que eso es el amor.

En tu nuevo disco, ¿Qué Significa El Amor?, encontramos tu etapa más introspectiva y auténtica, donde buscas que tu música conecte desde un lugar mucho más profundo. A estos efectos, y basándome en el título del álbum, ¿qué significa para ti el amor? ¿Cuál dirías que es tu canción más especial del disco y por qué?

Mira, fui padre hace muy poco, hace casi 2 años, y para mí el amor es mi hijo. De hecho, la respuesta de mi canción ¿Qué Significa El Amor? es esa, es “tú eres el amor, tú significas amor”. Es mi hijo. Desde que lo vi, entendí el significado del amor en su máxima expresión, aunque vuelvo a repetir que cada persona encontrará su significado propio.

En el caso de mi canción favorita de este álbum, o la que tiene un especial cariño de mi parte, es La Mejor Canción. Este tema también está inspirado en mi hijo, pero especialmente este sí habla de él y de todo lo que para mí significa el poder despertar, mirarlo, jugar con él y que exista. Entonces, creo que hay muchas personas que son padres y que pueden conectar con las palabras que se dicen en esta canción.

Acabas de concluir tu gira conmemorativa por tus 20 años de carrera. En ella, has pasado por 19 ciudades diferentes, dentro de 6 países, y has hecho hasta 20 conciertos, 3 de ellos en Canarias. ¿Qué significa para ti Canarias y cómo definirías su tierra y a su gente? ¿Cómo valoras la experiencia de esta gira y su conclusión el pasado 15 de junio en el Auditorio Telmex de Guadalajara?

Canarias es un lugar al que le tengo un especial cariño. Me he sentido absolutamente querido cada vez que voy allá. Apenas en los últimos conciertos que pude dar en Lanzarote, Tenerife y Gran Canaria lo comprobé y quedó la muestra máxima de ese cariño mutuo.

Siempre intento que mi música pueda conectar con la gente, que pueda tener mensajes bonitos y, especialmente, que alguna que otra de mis canciones se pueda dedicar a las personas que más amen. Siempre le he apostado al amor y literalmente Canarias ha sido amor para mí también.

Por otra parte, la gira me movió muchos sentimientos porque imagínate regresar 20 años atrás a cada cosa que has hecho, que has pasado y que has vivido. Recordé tiempos no tan fáciles en los que lo único que había eran sueños y ganas de cumplir esos sueños. Entonces, fue una manera de homenajear no solo a las cosas buenas que me han pasado, sino también a las no tan buenas que son las que me hicieron más fuerte.

Por último, haber hecho estos 20 conciertos en 6 países del mundo, llegar a lugares que quiero tanto y donde he sido tan feliz y me han abrazado en todo momento, pues hizo que la gira fuera demasiado emocionante y emocional. Seguramente, la voy a recordar toda la vida.

Tras haber concluido tu última gira y haber publicado el disco, ¿qué podemos esperar de Carlos Rivera en el futuro? ¿Algún plan, proyecto o idea que tengas en mente próximamente y quieras compartir?

Claro que sí. Sigo en búsqueda, escribiendo canciones y juntándome con otros compositores con el objetivo de compartir y de intercambiar ideas, intercambiar arte.

Creo que la música entre más se comparte mucho más crece y en eso estoy ahora. También, estoy planeando más música, más cosas para este año, pero la gira nueva irá al año que viene.

Suzete Correia Ramos, mejor conocida en el mundo musical como Suzete, es una artista, cantante y compositora, natural de Santo Tomé y Príncipe y con raíces en Portugal y Canarias. Tras un último año bastante exitoso, la artista acaba de publicar un nuevo tema, Damalabú, donde habla de una historia de amor en medio de diferentes culturas, religiones y formas de vivir. Con esta canción, Suzete sigue dando adelantos de lo que será su próximo gran proyecto, un álbum debut que verá la luz este mismo año. De esta forma, la cantante y compositora pretende seguir mostrando su talento al mundo y afianzando su perfil artístico único en España.

Es fundamental entender el pasado de una artista para conocer de cerca cuáles han sido sus orígenes y evolución. Para quien no te conozca todavía, ¿quién es Suzete? ¿Cómo ha sido tu camino hasta llegar a la artista y persona que eres hoy en día?

Una chica nacida en São Tomé y Príncipe que ama la música, especialmente el Afropop y el R&B y que, gracias a todo el recorrido migratorio que ha tenido, ha podido nutrirse de muchos sitios distintos que le han aportado cultura musical. Algunos de ellos han sido, por ejemplo, Portugal y Canarias.

Todo eso me ha servido para crear ahora desde un lugar más propio, mezclando idiomas, sonidos, en su aspecto artístico. También, participé en varios concursos de televisión como Canta Mi Niño, La Voz Kids y el más destacado, Operación Triunfo, que fue el que me ha dado mayor visibilidad y un acceso más fácil a la industria musical.

No ha sido un camino fácil, pero ha estado lleno de aprendizajes y retos, tanto personales como artísticos. Todo eso me ha hecho más fuerte. He pasado por varios concursos, clases de música, y en un momento decidí dejar la universidad para trabajar, ahorrar y poder seguir mi sueño. Por suerte, he tenido la ayuda de mucha gente querida que me ha brindado apoyo moral y facilidades para seguir progresando.

Tus fuentes de inspiración son muchas, ya que naciste en Santo Tomé y Príncipe y te criaste primero en Portugal y luego en Canarias. ¿Cómo ha influido esto en tu carrera? ¿Quiénes han sido y son tus referentes o inspiraciones en la música?

De pequeña me marcó mucho MTV y toda la representación de mujeres negras que veía representadas en mí. Luego, crecí escuchando a artistas de los países PALOP, que para mí son parte fundamental de mi raíz. En Canarias, la mezcla cultural por nuestras amistades ghanesas, nigerianas, y la fuerte influencia cultural latinoamericana presente en las Islas, eran mi día a día. Adaptarme no fue fácil, pero ahora miro hacia atrás y veo lo mucho que valió la pena.

En la parte anglosajona, artistas como Alicia Keys, Beyoncé, Michael Jackson, Adele y Amy Winehouse me marcaron mucho. En la música africana, que es muy diversa según el país, para mí Juka y Camilo Domingos, que son paisanos míos, fueron clave durante mi infancia.

En lo urbano, en Canarias tuve mucha influencia de Shakira, Nicky Jam y Daddy Yankee. Y hoy en día, artistas como Wizkid y Davido, entre otros, me inspiran muchísimo a la hora de perfeccionar mi sonido.

Hace poco lanzaste Paraíso, el primer single del que será tu nuevo y próximo proyecto en forma de álbum debut. Ahora, acabas de publicar Damalabú, una canción con la que sigues avanzando hacia el álbum. ¿Qué puedes contar acerca de este último tema, Damalabú?

DAMALABÚ viene de la frase en wolof “dama la bëgg”, que significa “te amo”. La canción habla de una historia de amor en medio de diferentes culturas, religiones y formas de vivir. El wolof es un idioma de Senegal, que también conecta con Akon, uno de los artistas que inspiró esta canción. Y también por su nombre, que contiene esta expresión, Aliaune Damala Bouga Time Puru Nacka Lu Lu Lu Badara Akon Thiam.

En el último adelanto (Damalabú) de tu nuevo y futuro proyecto, vienes a mostrar una nueva forma de decir “te amo”. Además, has citado al artista Akon como inspiración sobre este tema. ¿Cómo fue la elaboración y experiencia de crear Damalabú? ¿Cómo ha sido y está siendo, en general, la experiencia de crear tu primer álbum?

La inspiración surgió de un amigo al que le encantaba Akon, en especial su tema Lonely, y con ello decidí crear una canción. Descubrir que detrás de este gran artista había este significado en su nombre tan peculiar fue el detonante. Sentí que con eso podía crear y aportar un mensaje muy bonito al mundo.

En el estribillo, juego con un efecto que altera mi voz, haciendo un pequeño guiño a Lonely, una canción muy conocida y que marcó muchas infancias, tanto la mía como la de mi amigo. Cuando traje la idea al estudio en Barcelona, con KICKBOMBO, y grabé imitando ese efecto vocal, nos reímos y sabíamos que de ahí saldría algo muy especial.

Senegal es también el lugar donde nació el Láamb, una lucha tradicional que se practica en la arena, muy parecida a la lucha canaria. Y en la canción, hago este contraste de “todos luchan en la arena, pero sabemos que esa no es nuestra guerra”, que es una forma de decir que, a pesar de poder estar peleando por nuestras diferencias culturales, elegimos amarnos incondicionalmente. Y ese es el mensaje principal de la canción. Querernos a pesar de todo.

Por otro lado, sobre el disco, al principio fue muy caótico porque al tener tantas influencias cuesta decidir y complementar las canciones entre sí. Pero al escucharlas, juntas cobran sentido porque todas son una parte de mí. Espero que esas partes se integren también con la gente.

Hay un concepto que se repite últimamente en tu ideario artístico, “Baby Wata” o “Wata”, directamente. ¿Cuál es su origen y la materialización en tu obra? ¿Cómo has trabajado este enfoque en lo visual y conceptual de cara a esta nueva era artística?

“BABY WATA” es una forma de expresar quién soy, una chica de isla que ha vivido y migrado a otra isla. Viene de Mami Wata, una Diosa de la cultura vudú practicada en algunos países de África y de Latinoamérica, que representa la belleza, el lujo, el amor, el desamor, el poder femenino y la fuerza del agua (agua es “WATA”), entre otras. “BABY” significa “bebé” y, también, es una forma de respeto hacia esta figura y creencia, además de reflejar que estoy empezando en la industria musical de forma profesional. Me llamó la atención el concepto y sus atributos porque, como ella, busco esa mezcla de idiomas, sonidos y temáticas como el amor o el mar en mi música.

He querido que todo lo visual refleje esa mezcla de islas, culturas y sonidos que llevo dentro. Desde la imagen hasta los colores y los detalles, todo tiene que contar esa historia de ser “BABY WATA”, una conexión con el mar, la fuerza femenina y la mezcla de raíces. Quiero que se sienta auténtico y cercano.

Llevas varios años afincada en Canarias y guardas en tu interior la esencia y las raíces de las Islas. ¿Qué significa para ti Canarias? ¿Cómo ha influido en tu vida y en tu perfil artístico?

Canarias es paz, casa e inspiración para mí, un lugar inolvidable y al que siempre quieres volver. Me siento profunda y enérgicamente conectada con ella.

Artísticamente, empecé en Canarias participando en concursos de pueblo y subiéndome a los escenarios sin ninguna vergüenza, siempre acompañada de mi tío, Víctor. Ya cantaba desde antes, pero cuando llegué a Tenerife supe que quería dedicarme verdaderamente a la música. Además, el nuevo idioma y este acento tan particular me permitió destacar de forma artística.

Aunque no has revelado la fecha de lanzamiento de tu nuevo y primer disco, sí que has comentado que sale este año. En este sentido, ¿qué podemos esperar de ti en los próximos meses? ¿Tienes alguna gira en mente para después del álbum?

Este año va a traer sorpresas, Dios quiera. Estoy preparando mucha música nueva, contenido y proyectos que tengo ganas de compartir con la gente. Será un camino emocionante.

Me encantaría hacer una gira, sería un sueño poder llevar mi música a diferentes lugares y conectar con la gente en directo. Estoy abierta a tales oportunidades y trabajando para que se dé pronto.

Alicia Rose Peacock, mejor conocida en el mundo musical como Aleesha, es una artista, cantante y compositora, natural de Ibiza. Tras unos años en los que su figura ha crecido mucho, con una gran trayectoria y con grandes trabajos y colaboraciones, Aleesha acaba de publicar su nuevo EP, Pretty Bitch Heartbreak. En este nuevo proyecto, la talentosa artista abre su corazón al oyente para mostrar, en siete canciones, el proceso que ha atravesado tras una ruptura amorosa el pasado año. Además, y en el marco de este lanzamiento, Aleesha prepara varios conciertos que anunciará pronto, uno de ellos ya confirmado en Madrid, y también planea a futuro aventurarse en la creación de su primer disco ya en formato LP.

Es importante abordar el pasado musical de una artista para conocer bien el camino que ha recorrido y todo lo que ha atravesado. Para quien no te conozca, ¿quién es Aleesha? ¿Cómo ha sido tu camino hasta llegar a la persona y artista que eres hoy en día?

A ver, creo que a Aleesha, artística y personalmente, le gusta representar, de alguna manera, las cosas no lineales. A mí me gusta poder expresarme como una mujer segura de mí misma, empoderada, pero a la vez hablar de temas que te ponen en una posición vulnerable, demostrar cuando una no está bien y hablar de cosas en la vida que me han hecho daño. 

Me gusta enfocarlo en que una cosa no quita la otra, en contar lo que quiero representar en cada momento. Quiero poder estar ahí para la gente dependiendo del mood en el que estén y que, siempre, haya una canción de Aleesha que les pueda acompañar en cómo se sienten.

Cuentas con un gran talento y versatilidad en tus letras y canciones que hacen que destaques dentro de la escena musical nacional y, también, internacional. ¿Cómo llevas y gestionas tu vida siendo una artista? ¿De dónde nace tu inspiración para hacer música y escribir tus letras?

De mi vida, o sea, a mí me gusta muchísimo, la verdad, el hecho de poder inspirarme en las cosas que me pasan, en cómo me siento, en momentos que se quedan destacados en mi mente. En este sentido, me encanta todo tipo de arte, me encanta cuando es un arte un poco más teatral, cuando la gente se inventa una historia y aún así la pueden transmitir.

A pesar de todo ello, es verdad que en mi caso, al componer mis propias letras y canciones, mínimo tiene que venir de algo que he vivido, porque siento que es mucho más fácil poder escribir las cosas de esa manera, viviendo. Hay veces que, cuando veo que mi vida está lineal, aburrida y no está pasando nada, digo: “Vale, me tengo que meter en algún ‘rollo’ o algo para poder tener inspiración real”.

Acabas de publicar tu nuevo EP, Pretty Bitch Heartbreak, que consta de 7 canciones muy personales sobre ti y tu vida. ¿Cómo surge la idea de este EP? ¿Cómo fue el proceso de creación?

Pues llevaba unos cuántos años en los que, de alguna manera, no estaba muy bien. Estaba, digamos, con un equipo con el que no teníamos las mismas visiones y eso, como artista, muchas veces te frena, te confunde y no tienes muy claro por dónde tirar. Entonces, a la hora de hacer música, o en general en mi vida, cuando tocaba hablar de mis emociones me bloqueaba, como que era un poco tabú. Todo esto cuando realmente siempre me ha gustado, pero durante esos años, para mí, era mucho más fácil no afrontar mis sentimientos, ignorarlos y hacer como que no existían, cosa que es imposible.

Entonces, el año pasado pasé por una ruptura, una situación en el amor que dolió, y decidí ir al estudio. Ahí, empecé a escribir y a escribir y a sacar todo lo que quería sacar. Me sentó tan bien que fue como un momento de clic, de acordarme de por qué realmente me gustaba hacer música y escribir. Es algo terapéutico para mí. Desde que hice la canción 13 razones, que sale en el EP, me di cuenta de que quería hacer un proyecto entero en el que hablar de lo que sentía sin ningún tipo de reparo.

En tu nuevo EP, Pretty Bitch Heartbreak, cuentas con canciones como Sé que me amarás, que fue uno de los adelantos, y con la que abordas esa sensación de ego que, a veces, se experimenta tras una ruptura amorosa. ¿Qué es lo que quieres transmitir o el mensaje que quieres dejar con este EP? ¿Alguna canción que tenga algún significado más especial para ti o que supusiera un reto?

La idea de este EP es que cada tema tenga su propio mundo y sea su propia etapa detrás del proceso de una ruptura. En Pretty Bitch Heartbreak cada canción es una carta honesta, un diario de cómo me he sentido tras una ruptura amorosa.

Entonces, por ejemplo, hoy, lunes, me he sentido con el ego más arriba, he pensado en que ya se arrepentirá y ahí he metido Sé que me amarás. Luego, el martes, te estoy escribiendo, no sé muy bien lo que estoy haciendo y esa es Damn bonita o el miércoles me doy cuenta de que tú me apagabas y ahí está Chula sin ti… Cada canción es un sentimiento distinto que no tiene que tener relación con el día anterior, porque ese es mi proceso más real al final, es no pensar que todo es: “Estás mal y luego pasas un proceso y ya estás bien. O sea, a veces estamos mal y luego bien y luego, de nuevo, mal, y, de nuevo, bien, y así hasta que ya estamos bien”. Entonces, quería transmitir eso, los altibajos de ese proceso.

El tema más significativo para mí es uno que salió previo, de single, y es Qué hubiera pasado. Para mí, esa canción es muy especial, creo que tiene muchísima emoción, mucho feeling. Me gusta mucho.

En este nuevo EP que acabas de lanzar, sigues demostrando tu talento y tu capacidad de conectar con el público. ¿Cómo dirías que ha evolucionado tu música y, en general, tu figura musical? ¿En qué dirías que destaca este EP respecto a otros de tus trabajos?

Lo que más destaco ahora mismo de mi carrera es que estoy haciendo la música desde un lugar de honestidad a mí misma. Esto en el sentido de que, hoy en día, es difícil hacer música sin escuchar los miles de inputs que te da la gente, sus consejos, un montón de opiniones que muchas veces te nublan y no entiendes si realmente tú sabes qué es lo mejor para ti y lo que deberías hacer o, de repente, lo sabe mejor otra persona. Es como una pelea constante contigo misma.

Entonces, creo que esta etapa actual es en la que más tranquila estoy, ya que hago lo que quiero. No me importa si es demasiado triste o demasiado pasteloso para otra persona. Es lo que es y estoy muy contenta con mi proyecto.

En la música, así como en muchas otras labores o trabajos, los tiempos de producción se han acelerado. Además, y por otro lado, las críticas, tanto positivas como negativas en las redes sociales, están a la orden del día. ¿Cómo llevas tú, personalmente, el hecho de moverte en un panorama musical tan veloz como el actual? ¿Cómo gestionas las críticas tanto positivas como negativas en redes?

Lo de los tiempos sí que es algo muy real, porque es cierto que ahora la gente, yo me incluyo, tenemos la barra de atención muy corta, como que necesitamos todo el rato algo más y algo nuevo.

Con los artistas también está pasando. Parece que si están dos meses sin sacar nada o, incluso, un año porque están preparando un proyecto, es como que ya nos olvidamos de ti. Esto es algo que me agobia, porque luego la gente quiere trabajos bien hechos y eso lleva su tiempo.

Entonces, es buscar el equilibrio entre cómo puedo hacer para tomarme mi tiempo en hacer las canciones con el propio tiempo que se merecen, pero, a la vez, no perder la atención de la gente. Es difícil. Esa es la lucha que creo que cualquier artista de hoy en día tiene.

Luego, en cuanto a las críticas, obviamente ya llevo mucho tiempo haciendo música y cada vez creo que me afectan menos. Sí es verdad que si justo te da un día malo y lees algo pues, quizá, estás un par de horas con eso dando vueltas. No sé, al final también depende de la seguridad que tú tengas.

Creo que aunque me deje, a veces, sentirme mal un día por un comentario que he leído y que justo me ha afectado, también tengo muy claro que personalmente estoy muy orgullosa de mí misma. Entonces, pase lo que pase, sean los resultados que sean, digan lo que digan, mi persona está orgullosa de mí y me siento contenta con lo que hago, por lo cual no puedo pedir más. 

Con el EP ya publicado, ¿cuáles son tus planes de cara al futuro? ¿Alguna gira, proyectos o colaboraciones en mente que puedas adelantar o compartir?

Pues sí. Así que ya haya anunciado, voy a estar en Madrid en la Sala Clamores el 27 de mayo. Pronto anunciaré alguna que otra fecha más y ya me quiero poner con lo siguiente, o sea, me apetece mucho volver a crear y seguir creando y, en algún plan a futuro, ponerme ya con un álbum. Al final, nunca he hecho un disco como tal, solo he hecho trabajos en formato EP, por lo que eso es algo que me motiva para los próximos meses.

Valeria Castro es una artista, cantante y compositora, natural de La Palma, Los Llanos de Aridane. Tras haber vivido unos meses intensos con su primer trabajo en formato LP, con cariño y con cuidado, Valeria regresa con su segundo disco, el cuerpo después de todo. En él, la artista abre su corazón al oyente por completo y muestra esa parte más oscura de las emociones humanas. Todo con el fin de sanar y de ser, cada vez más, una mejor versión de sí misma. Además, y en el marco de la gira del álbum, que dará comienzo en abril, la palmera estará actuando en Santa Cruz de La Palma el próximo 5 de julio con motivo de La Bajada de La Virgen de Las Nieves, algo muy especial para ella.

Hace poco que completaste tu primera gran gira de 82 conciertos alrededor del mundo y en el marco del lanzamiento de tu primer disco. Además, por el camino, has cosechado varios premios y nominaciones. ¿Cómo dirías que ha cambiado tu vida en estos últimos meses? ¿Quiénes han sido y son los pilares fundamentales en tu carrera y en tu vida actual, en general? 

Mi vida ha ido cambiando paulatinamente a lo largo de estos últimos años en los que fui entrando, poco a poco, en la industria musical. Ahora, creo que soy parte y una trabajadora más de esta. Si nos ceñimos a los últimos meses, considero que en lo que he cambiado, quizá, ha sido en el apartado psicológico por haber estado trabajando en las canciones que salen en este el cuerpo después de todo y que me atraviesan de manera tan personal.

Las canciones del álbum las llevo escribiendo 2 años, pero son en estos últimos meses en los que más he ido trabajando en torno a ellas, cuidándolas, mimándolas y escuchándolas. Lo que en un momento empecé a decir y contar, que es lo que contienen esas letras, es la parte de un proceso de sanación propio que ha sido fruto de estos 2 años de vorágine en los que he vivido muchas cosas por mi trabajo y como ser humano. Cosas que mucha gente vive como son la ansiedad, la presión y los amores y desamores que te van somatizando en el cuerpo. Todo esto lo he abordado en las letras y, bueno, al ponerlas por primera vez tan personalmente, al mostrarme tan vulnerable en un disco, me han cambiado un poco como persona.

Estoy viendo que estoy poquito a poco madurando, tratando de afrontar los problemas que como mujer, como ser humano, voy viviendo. Algunos de estos son la soledad y la mirada en el espejo, que muchas veces no es amiga. Entonces, eso es lo que más me ha ido cambiando en los últimos meses, espero que para ser una mejor versión de mí misma y, sobre todo, con permiso del público y de la gente, una versión egoístamente más sana conmigo misma.

El foco no ha estado puesto, quizá, en todo lo glorioso de una carrera musical, que es precioso, pero eso no te tiene que hacer dejar de ver el ser humano que hay detrás. Me he intentado fijar mucho esta vez para que todo lo bonito no traiga consigo la montaña rusa que es el ser una artista, compositora, y vivir cosas preciosas, pero que siempre traen una “cara b” que termina saliendo por alguna parte y que estoy aprendiendo a sobrellevar. Lo más bonito que suele tener la música, al final, es poder escribir desde lo más personal y que luego conecte con lo personal de cada uno.

Por otro lado, tengo la enorme suerte de tener muchos pilares fundamentales. Siempre he dicho que los más grandes son mi familia, mis padres, mi abuela y mis hermanas. Además, he intentado crear una red de vínculos que soporten también este peso conmigo, conjuntamente, y que son mis amigas y un equipo maravilloso que se desvive tratando de darle el más bonito acogimiento a estas canciones. Un equipo de gente que vive para sumar a este proyecto y yo lo agradezco enormemente.

Acabas de publicar el que es tu segundo trabajo de larga duración, el cuerpo después de todo, en el que avanzas como artista y logras conformar un trabajo lleno de emociones que conectan con los sentimientos más profundos del oyente. ¿Cómo fue la experiencia de crear el cuerpo después de todo? ¿Por qué decidiste ponerle este título al disco?

Ha sido una experiencia preciosa, pero creo que el adjetivo que mejor la puede definir es catártica. Esto porque en el cuerpo después de todo hay canciones que miran con un poquito más de oscuridad a las emociones humanas. Todo con el fin de quitar esa oscuridad de mí y dejarla fuera, soltarla. Es por esto que la música es un arma muy bonita, por el hecho de poder llevar a otros lugares lo que dentro de una puede hacer daño.

La grabación del disco ha viajado desde México hasta Madrid. En estos dos sitios, junto a músicos maravillosos, se han llevado a cabo las grabaciones que han partido siempre de tocar en directo, en conjunto, como si fuéramos una banda, antes de ponernos frente a un ordenador a producir los temas. A partir de lo que veíamos vivo en el estudio, podíamos llevar las sonoridades a donde sentíamos que cabían más.

A nivel de composición, ha sido un proceso de ir escribiendo canciones poco a poco. Al final, una no puede ser tan práctica de decir: “Voy a hablar y empezar a componer de esto”, sino que vas viendo el conjunto de cosas que has ido escribiendo poco a poco.

En septiembre, por ejemplo, terminé de escribir el tema que da título al disco, el cuerpo después de todo, en México, justamente. Fue la canción que, de repente, dio sentido a todo lo que venía contando, fue cuando me di cuenta de que había un punto de unión y es que en el cuerpo después de todo se aborda la somatización en el cuerpo, la mirada a este y todo lo que lo rodea. Es el concepto de estar tratando de salvar a una misma a la vez que, quizá, el propio cuerpo está hundiéndote. Esa disyuntiva de que, intentando ayudarte a ti misma, te acabas autoboicoteando.

Entonces, mirar desde ese punto, desde ese prisma de: “Oye, tenemos que sanar esto”, que es también una herida, a veces social, una historia colectiva y muchas veces femenina, pues ha sido para mí una catarsis a la que he tratado de ponerle palabras y que ahora me hace mucha ilusión compartir con el mundo.

En el cuerpo después de todo destaca que es la primera vez que te has encargado de la composición única de prácticamente todas las canciones, a excepción de Sentimentalmente. ¿Qué tal fue esta experiencia de composición? 

Siempre he sido compositora de mis temas, pero en el anterior disco había varias canciones que tenían co-composición, es decir, componer junto a otras personas, pero también tú misma. Partiendo de esto, es verdad que este álbum ha sido prácticamente entero salido de este corazón que habla más que la garganta mía, y eso me enorgullece mucho. De repente, me veo evolucionando no solo como cantante, artista e intérprete, sino también como compositora y eso me hace ganar seguridad a la hora de contar historias. Eso hay que dignificarlo, hay que darle valía para luego ser capaz de defenderlo. Y todo con el orgullo de saber que sale de una misma.

En tu nuevo disco, encontramos algunas canciones como El tiempo que no estés, Sentimentalmente, Debe ser o Devota, entre otras. En ellas, demuestras la capacidad lírica que has ido perfeccionando y consigues el efecto de curar y transmitir con tus letras al oyente. ¿Cuáles son los principales retos a los que te enfrentaste en el cuerpo después de todo? ¿Qué diferencias destacarías entre este álbum y con cariño y con cuidado? 

Al final, son muchos los retos que te vas encontrando, pequeñas dificultades y pequeñas piedras en el camino hay siempre. Si tengo que citar una dificultad, diría que ha sido (y no es dificultad, la verdad es que estoy bastante orgullosa de haberla abordado) el haber querido escribir desde la incomodidad. Desde la incomodidad de hablar y contarle al mundo que me miro en el espejo y no me gusto, que hay veces que tengo una lucha interna y que no puedo ser siempre defensora de esta felicidad, de esta alegría o de, incluso, la esperanza, que creo que es lo más acertado, sino que también hay que poner el foco en la incomodidad propia para sanar. 

Quizá, esta sea una de las diferencias frente a con cariño y con cuidado. De repente, hay una vulnerabilidad humana más personal y no tan colectiva como se abordaba en con cariño y con cuidado. 

Creo que las cosas cuanto más personales, más llegan al oyente y, al final, esa incomodidad termina siendo una virtud que espero que la gente sepa valorar por saber que es por primera vez y que no ha sido tan fácil para mí. Me siento muy orgullosa y ahora defenderé cada canción contra viento y marea, pero ha sido difícil ponerme delante de esa autocrítica, de esa mirada en el espejo, de ese vamos a hablar de este problema del que quizá nunca hablo. Todo ello en el cuerpo después de todo.

En cuanto al apartado de colaboraciones de tu nuevo disco, destacan algunas como la de la cantante Silvia Pérez Cruz o la del productor Carles Campi Campón. En este sentido, ¿cómo surgen las colaboraciones del álbum? ¿Alguna curiosidad, anécdota o intrahistoria de el cuerpo después de todo?

Silvia siempre ha sido uno de mis mayores referentes musicales, entonces llevo queriendo muchísimo tiempo trabajar con ella. Ha sido la primera vez que he dado una canción mía a otro artista. El caso es que con Silvia quería estar a la altura a la hora de mandarle algo, tenía que merecer la pena. La colaboración en sí surgió porque estábamos haciendo la canción debe ser en México y fue muy bonito porque nos dimos cuenta de que el “laralara” final del tema sonaba al imaginario que tiene Silvia, y me lo dijo mi mánager. Entonces, acto seguido, le dije: “¿Y si la invitamos?”.

Ese ánimo de, de repente, identificar algo que aprendiste de ella en las canciones que tú haces y, también, por el puro homenaje hacia ella, nos llevaron a invitarla al tema y aceptó. Además, me llegó el mensaje de que dijo: “Sí, claro que sí, Valeria”, en París, enfrente de Notre Dame, que es como una estampa muy exótica y algo muy bonito el hecho de que ella aceptara la colaboración justo cuando estaba en ese lugar. La verdad que ha sido un lujazo para mí.

 Por otro lado, la curiosidad que destacaría del álbum es el hecho de haberlo creado tocando primero en directo. Agradezco a Campi, con el que estuve trabajando, primero, casi 6 meses pasándonos música y, luego, mirando para entender qué nos gustaba y a dónde queríamos llegar. A partir de eso, él me animó a tocar primero las canciones en directo y, de ahí, ver qué rescatábamos para lo que luego saliera en las plataformas digitales.

En apenas unas semanas comenzarás la gira del álbum, que te llevará a recorrer una gran cantidad de ciudades y países. ¿Qué supone para ti el hecho de poder compartir tu música en tantos lugares diferentes? ¿Cómo describirías la sensación de poder hacer el cierre de la gira en el Wizink Center, actual Movistar Arena?

Supone el cumplimiento de un sueño. Nunca olvido que vengo de La Palma. Creo que quienes somos de allí lo sabemos y somos conocedores de la realidad que vivimos, de estar en un sitio pequeñito. Ver que he sido capaz desde allí de poder llevar mi música a tantos sitios y, siempre, sin olvidarme de dónde vengo y sabiendo dónde está esa raíz última, me hace sentir muy orgullosa. Todo ello manteniendo una esencia que la definen muchas cosas y una de ellas es el ser de La Palma.

En cuanto a lo del Wizink Center, actual Movistar Arena, la verdad es que es un sueño que todavía falta bastante para que suceda, intento vivir el día a día e ir poco a poco, pero siempre ha sido bastante templo de la música en muchos aspectos. Ver que voy a llevar ahí este álbum me emociona mucho y, desde ya, te aseguro que voy a dejarme la piel, la garganta y todo lo que me quede para que sea un concierto memorable.

Uno de los conciertos de tu próxima gira será en La Palma, en tu casa, con motivo de La Bajada de La Virgen de Las Nieves. ¿Cómo te sientes al poder volver a tocar en tu isla, tu nuevo disco, y en el contexto de La Bajada? ¿Algún mensaje que quieras dar a las palmeras y palmeros que se acerquen a verte?

Estoy ilusionadísima con ese concierto. Al final, todo son sueños, pero es que es una realidad, son esa lista de cosas a las que aspiras. A mí me parece muy curioso que hace 10 años que no se celebra La Bajada, como todos sabemos, y en ese entonces, en 2015, yo tenía 15/16 añitos y fui una de las que canté en la Loa de recibimiento de La Virgen de Las Nieves, ahí, vestida de angelito.

Me parece muy curioso que hace 10 años estaba ahí de angelito y, ahora, estaré en el Recinto Ferial cantando. Va a ser un concierto que creo que me voy a llevar en el alma porque tocar en casa son esas ocasiones en las que el corazón hace hueco si no lo tiene, aunque siempre queda hueco. Siempre queda hueco para mi gente, para mi tierra, porque al fin y al cabo es parte de quien soy yo también. Si no fuera de aquí, no hubiese escrito lo que he escrito, no hubiera sido la persona que soy hoy y no tendría los valores que me han enseñado en mi casa.

Con el disco ya publicado y con la gira a la vuelta de la esquina, ¿cómo afrontas los próximos meses? ¿Qué podemos esperar de ti en los shows y, en general, de cara a este 2025?

Los próximos meses los afronto con mucha ilusión, con una gira inmensa, la verdad, bastante grande, y que estamos preparando muy fuertemente. Creo que va a ser una gira que avanza en querer mostrar otras facetas mías, también con las canciones y con una banda espectacular. Considero que les va a sorprender y espero que, ojalá, muy gratamente. 

Carlos Hernández Díaz: Linkedln y Linktree

Eazyboi ha pisado el acelerador con su nuevo proyecto en solitario, Ascari, y ha dejado atrás la etapa que tuvo bajo el nombre de Easy-S en el colectivo de Space Hammu. En este álbum, con un claro ADN automovilístico, el malagueño hace un tributo al mundo del motor, pues toma como nombre Ascari, un circuito ubicado en su ciudad natal.

Los adelantos de Bruce Wayne, All Night o Suerte fueron la señal de la estela que iba a seguir el álbum, una basada en mantener una experiencia sonora y conceptual enfocada en la pasión por la velocidad y el motor. En los 20 temas que componen Ascari, Eazyboi sitúa al oyente en la intersección entre la escuela americana del trap y los albores de una nueva era para el panorama español.

La guinda del pastel de Ascari son sus colaboraciones inéditas, en las que se encuentran algunos grandes nombres de la escena urbana española. La Zowi, Natos, Fernandocosta, La Blackie y La Pantera se suman a esta carrera sonora, aportando cada uno su propio estilo y energía.

Sobre La Pantera, Eazyboi sigue apostando por los artistas de Canarias y continúa, de esta forma, estrechando lazos y estableciendo vínculos con las Islas. “La verdad que colaborar con Sergio ha sido fácil porque el pibe es un duro y, además, está en un momento bastante fresco. Creo que está en su prime. Fue pasarle la demo y el tipo ”lo mató“ en poco tiempo, así que lo hizo todo muy fácil. El tema a mí me parece un palo y estoy muy contento con el resultado”, afirma.

En este sentido, y sobre la escena en Canarias, Eazyboi cuenta que “siempre lo he dicho y siempre lo voy a decir, es uno de mis sitios preferidos para estar atento porque sale mucha cosa guapa de allí. Me recuerda mucho a Andalucía”. En cuanto a nombres propios en las Islas, el artista malagueño comenta que “te puedo decir, aparte del combo de Quevedo, La Pantera, Juseph… y obviamente de los que ya están instaurados como Cruzzi, Abhir y Choclock, algunos nombres como Lass Suga o Ibra, que son chavales que le meten durísimo y que se colocarán pronto”.

Si entramos de lleno en el concepto de Ascari, este se trata de un álbum lleno de similitudes y paralelismos entre la propia música que lo compone y el título. A lo largo de todo el trabajo, se puede observar como Eazyboi ha tratado de dar vida a cada tema convirtiéndolo en un tramo único de carrera. Y es que el artista ha tratado de hacer una analogía entre las curvas pronunciadas, los cambios inesperados del circuito de Ascari y la versatilidad de su disco.

Cada pista de Ascari supone una explosión de energía y un acelerón más hacia la meta, impulsado principalmente por Bigla. A este se suman Jmoods, Djong y Placement Chasers, engrasando en conjunto la máquina de Ascari. A todo el reto de producción del álbum, se suma el reto audiovisual, de quien se ha encargado en el plano de la dirección de arte Vélodrome, con unos videoclips de primer nivel dirigidos por Jean Le Fleur y Take a Nap.

La gran variedad de estilos y emociones que tiene el nuevo trabajo de Eazyboi lo convierten en un proyecto sólido del artista. Y es que la búsqueda del dinamismo, de hacer sentir al oyente la adrenalina dentro del circuito, transforman a Ascari en uno de los mejores trabajos del malagueño hasta la fecha.

Con Ascari, Eazyboi emprende un nuevo camino, una nueva y renovada etapa reflejada, entre otras cosas, en su cambio de nombre. Y es que el proyecto invita a pensar en avanzar, en no detenerse y progresar, en dejarse llevar por una travesía sonora  llena de matices con la que este artista nos abre las puertas a su universo. 

Todos aquellos que quieran disfrutar de escuchar a Eazyboi con su gira de Ascari, el próximo 17 de octubre el artista estará actuando en Tenerife en el Aguere, así como en otras zonas alrededor de todo el país.

Lara Fernández, mejor conocida como Judeline, es una de las artistas con mejor propuesta artística y proyección de futuro en nuestro país. En el marco de la reciente publicación de su primer disco, Bodhiria, actuó por primera vez en Tenerife el pasado viernes. El día anterior lo hizo en Lanzarote. El sábado, para cerrar su paso por las Islas, lo hizo en Gran Canaria.

El espectáculo que realizó la artista en Tenerife tuvo lugar en el Aguere y, al igual que en otras fechas de su gira, las entradas se agotaron al poco tiempo de salir a la venta. La única forma de ver a Judeline próximamente es acudir a alguno de los festivales en los que va a participar como, por ejemplo, el Kalyma Fest en Santa Cruz de Tenerife.

Varias horas antes del comienzo del concierto (21:00; 20:00 apertura de puertas) la gente poco a poco empezaba a hacer cola. Como es habitual en los grandes espectáculos en el Aguere, la cola recorría gran parte de la calle. Eran varios los curiosos que se acercaban a preguntar quién actuaba y, también, eran varias las personas que, a última hora, intentaban conseguir alguna entrada de reventa.

Pocos minutos después de las 21:00, y con el recinto completamente lleno, Judeline hizo su puesta en escena inicial, de espaldas, rodeada de humo y con la capucha puesta, para poco después comenzar el viaje por el universo de Bodhiria. Entre los allí presentes, se podían localizar camisetas del merch de la artista, así como pancartas y alguna bandera de Canarias.

El concierto transcurrió con una total conexión e interacción del público con Judeline y viceversa. Y es que la gran interpretación de la artista, junto a la compañía destacada de su magnífico bailarín, Héctor Fuertes, hicieron que todo el Aguere conectara, durante poco más de una hora, con Bodhiria. Todo ello aderezado con constantes y variados juegos de luces.

Como curiosidad, la artista, a lo largo del concierto, hizo algunas confesiones tales como su gran gusto musical por el excolectivo BNMP (Broke Niños Make Pesos), originario de Canarias, y afirmó, en relación a su visita por las Islas, que “Canarias me está sanando”.

Tras haber cantado todo el álbum y haber añadido alguna que otra sorpresa, Judeline cerró el show con su tema 2+1. Por lo allí presenciado, queda claro que esta fue una experiencia única e intensa para los asistentes, que salieron del Aguere con un buen sabor de boca.

Sergio Bruno Miguel Delgado, mejor conocido en el mundo musical como Choclock, es un cantante y productor natural de la isla de Tenerife. Con una dilatada experiencia y con muchos trabajos a sus espaldas, el artista acaba de publicar su nuevo disco, Daltónico Pero Me Siento Azul. En este álbum, Choclock aborda el concepto “I’m feeling blue” y lo materializa a la perfección a lo largo de 12 grandes canciones. De cara a las próximas semanas y meses, el artista tinerfeño prepara una gira y planea, más pronto que tarde, meterse en el estudio a preparar lo siguiente.  

Siempre es importante poner en contexto la figura de un artista y sus orígenes musicales para entender mejor su obra y su carrera. Para quien no te conozca todavía, ¿quién es Choclock? ¿Cómo ha ido evolucionando, desde tu perspectiva, tu carrera a lo largo de todos estos años?

Choclock es un chicharrero criado en Tacoronte al que le encanta el R&B y fusionarlo con todos los estilos que se le ocurran.

Si miro atrás, veo mil errores que han hecho que mi proyecto madure, esté cada vez más cuidado y, sobre todo, que resuene más con quien soy yo. Involucrándome más en lo visual y experimentando en la música para no estancarme en un estilo, pero al mismo tiempo que se sienta como una evolución lógica entre disco y disco.

Han pasado muchos años desde que comenzaste tu carrera, desde tiempos de BNMP pasando por el inicio de tu trayectoria en solitario y hasta la actualidad. ¿En qué momento de tu carrera te encuentras? ¿Cómo te sientes a nivel personal y musical?

Mejor que nunca, con las ideas cada vez más claras y con muchas ganas de seguir haciendo música y ponerme a experimentar otros géneros en los que aún no he profundizado.

Siento que cuando empecé a hacer música en BNMP todo evolucionó muy rápido y no tenía la madurez creativa para afrontar proyectos de larga duración como la que tengo ahora. Esto solo me da ganas de seguir creando y aportando todo lo que pueda a la cultura.

Acabas de publicar tu nuevo disco, Daltónico Pero Me Siento Azul, que cuenta con 12 canciones y varias colaboraciones. ¿Cuándo y cómo surge la idea de desarrollar este álbum? ¿Cómo fue el proceso de creación?

Pues surge después de que Magua Con Miel me hiciera darme cuenta de lo mucho que disfruto empacando un álbum y de la libertad que me da para hacer canciones que quizá no me atrevería a sacar si fueran singles. 

El proceso, en un principio, fue tedioso porque sentí que estaba dando palos de ciego. Estaba intentando hacer un álbum, pero sin terminar de tener claro el sonido.

A base de prueba y error, acabé definiendo lo que es el disco a nivel de sonido, siguiendo mi intuición y con la intención de que fuera un álbum movido en comparación a Magua Con Miel. Todo ello jugando con sonidos más sintéticos y géneros más cercanos a la música electrónica.

En Daltónico Pero Me Siento Azul sigues dando cuenta de tu perfil multifacético a la hora de cantar, escribir y producir. ¿Cómo ha sido la experiencia de crearlo? ¿Cómo definirías el concepto del álbum desde tu perspectiva y por qué escogiste ese título?

El título nace de la idea de jugar con el hecho de que soy daltónico y con la expresión “Me siento azul”, que viene de la expresión inglesa “I’m feeling blue” (Me siento triste). Por esta razón, también escogimos el Blue Monday como el día de estreno, el día más triste del año.

Esta paradoja que crea el título me pareció muy graciosa y, además, se centra en la tristeza y en el color, dos cosas muy presentes en el imaginario de mi proyecto.

En tu nuevo álbum hay varias colaboraciones, tanto en el apartado de producción como en el vocal. Sobre este último, ¿cómo surgieron las colaboraciones? ¿Qué dirías que aporta cada una de ellas al total del disco?

Pues yendo en orden, en primer lugar a Mvrk le tiré por Instagram desde que terminé mi parte de la canción, porque se me metió en la cabeza que tenía que ser él quien ocupara el espacio que quedaba en el tema.

Le gustó la canción y cuadramos en Mécèn para terminarla. En el momento que escuché su voz sobre el beat, sabía que no me equivocaba. El pibe tiene muchísimo talento y lo demuestra en el estudio, la energía fue muy buena y disfrutamos mucho de la sesión.

Con YOSHI llevaba tiempo buscando juntarme para hacer música. El año pasado le conocí en persona, en el último viaje que hice a CDMX. Ahí coincidimos y nos pasamos la noche hablando de música y de la posibilidad de hacer algo juntos.

Cuando volví a España, llegué con muy buen feeling del viaje y con muchas ganas de hacer música, así que ahí me senté de una a preparar una canción orientada a que él entrase.

A Mario Kun le conocí hace unos años en Tenerife, pero coincidimos muy poco. Más adelante, me habló cuando yo ya vivía en Madrid para hacer música juntos y, en un par de días, sacamos dos canciones que me encantan. Una de ellas es Throwback2020.

Desde ese momento, empezamos a vernos muy a menudo y pasó a ser una parte importante del disco, escribiendo conmigo en gran parte de las canciones.

Por último, de Cruz Cafuné no hace falta hablar mucho, nos conocemos desde que estábamos en el instituto y, lo primero que nos unió, fueron nuestras ganas de hacer música. En ese momento, nunca nos hubiéramos imaginado lo mucho que nos iba a cambiar la vida por juntarnos y, cuando nos metemos en el estudio, es como si el tiempo no hubiera pasado. 

A lo largo de Daltónico Pero Me Siento Azul encontramos un tracklist compuesto por 12 grandes canciones. En este sentido, ¿hay algún tema que tenga algún significado especial para ti? ¿Alguna historia o curiosidad interna del disco?

El tema que siento más personal es el de DíasRaros, pero la razón la dejo para mi intimidad. 

Sobre este nuevo álbum, que ya está disponible en todas las plataformas, ¿qué esperas que el público sienta a la hora de escucharlo? ¿Qué es lo que deseas transmitir?

Solo espero que lo disfruten y que les haga sentir algo. Me da igual si les hace ponerse a bailar o llorar, pero que no les sea indiferente. 

De cara al futuro, y con el disco ya publicado, ¿cuáles son tus próximos pasos o planes? ¿Tienes pensado realizar alguna gira?

Por supuesto. Lo que más ganas tengo de hacer ahora mismo es girar con Daltónico Pero Me Siento Azul y empezar a liarme con otro disco. En breve, anuncio fechas y, con la misma, me encierro en el estudio a preparar lo siguiente.

Delaporte es un dúo italoespañol, conformado por Sandra Delaporte y Sergio Salvi, que cuenta con 10 años de trayectoria y numerosos éxitos a sus espaldas. Tras haber vivido un año intenso, lleno de vivencias y experiencias, Delaporte acaba de lanzar su nuevo proyecto, Déjate Caer, compuesto por 9 canciones. Este viene a ser una continuación natural de su último éxito, Aquí y Ahora, lanzado el 12 de enero del pasado año. Además, el dúo cuenta desde este mes con una gira que los llevará a exponer su música por gran parte del país. 

Es relevante conocer el background de un artista para saber cómo fueron sus orígenes y sus primeros pasos y pensamientos dentro de la música. En su caso, y para quien no les conozca, ¿quién es Delaporte? ¿Cómo y por qué se dio la unión del dúo?

Sergio Salvi: Delaporte se puede definir como un dúo italoespañol de pop electrónico que nació hace 10 años en Madrid. Surgió cuando nos conocimos Sandra Delaporte y yo, Sergio, gracias al que es nuestro técnico de sonido, Santiago. Él nos puso en contacto porque se enteró de que los dos estábamos buscando gente para hacer un proyecto que mezclara la electrónica que nos gustaba en aquel momento, que era la electrónica sobre todo de origen anglosajón, con el pop y también con influencias de Latinoamérica.

Todo ello dio un poco la unión al grupo y a partir de entonces hubo mucha química, no solo a nivel musical, sino que nos hicimos súper amigos y se creó, ya desde el primer año, un equipo de gente muy bonito. Esto nos animó a darle toda la energía y a priorizar este proyecto que se ha vuelto cada vez más grande e importante en nuestras vidas.

El género que más suelen abordar cuando crean y desarrollan sus canciones es el electropop. En este sentido, ¿cuáles son sus referentes? ¿Cómo es el modus operandi, en general, de Delaporte a la hora de hacer una canción?

Sergio Salvi: El género de Delaporte es lo que más nos cuesta definir a nosotros mismos porque hacemos la música sin pensar en la etiqueta que se le pueda poner. Digamos que, ahora, a nosotros nos gusta llamarlo hardpop o technopop porque en los últimos años toda nuestra música ha adquirido una influencia que viene del hardtechno y del techno, sobre todo, de origen alemán, pero sigue siendo pop.

En cuanto a la manera de trabajar, esta ha cambiado mucho. Es un grupo que lleva ya 10 años de trayectoria, entonces en estos 10 años hemos cambiado nosotros, nuestra forma de sentir, de pensar y la manera de componer, desde luego.

Antes, la forma de componer venía siempre de juntarnos los dos e improvisar. Empezar con una base, hacerlo improvisando piano y voz o con la guitarra, pero en los últimos dos años, sobre todo a raíz de que Sandra se ha ido a vivir fuera de Madrid, han empezado a haber muchos temas que han nacido o por parte de Sandra o por mi parte y que luego los hemos terminado juntos o, incluso, lo hemos hecho estando separados.

Esta nueva manera de trabajar es una especie de ping-pong donde uno de los dos empieza un tema y luego lo sigue el otro o le da una vuelta y, así, hasta que ya se acaba la canción. Además de eso, también es una forma de renovar y cambiar el proceso, con lo cual al modificar el proceso cambia el resultado y podemos salir de nuestra zona de confort y probar nuevos sonidos.

Tras el éxito de Aquí y Ahora, que ya salió hace alrededor de un año, acaban de publicar su nuevo álbum, Déjate Caer, que consta de 9 grandes canciones. ¿Cómo fue el proceso creativo detrás de este nuevo disco? ¿Qué inspiró la línea de sonido que tomaron a lo largo de este trabajo musical?

Sergio Salvi: El proceso creativo de Déjate Caer fue un poco caótico, ya que en la mayoría de los temas el propio proceso fue lo que he estado describiendo en la pregunta anterior. Muchas de las canciones se hicieron de manera separada, pero algunas las hicimos juntos en Cantabria, en una casita cerca de la playa que tienen allí los padres de Sandra.

A ese lugar fuimos a hacer unas vacaciones, unos días de vacación/composición donde la idea era, simplemente, estar juntos y jugar con la música. Si nacía algo bien y sino igual de bien. Surgieron varios temas, algunos para Delaporte y otros para nuestros proyectos personales, sea para Sandra o para Bruno.

De allí, por ejemplo, salió Techno Rico, en colaboración con nuestra teclista Laia Alcolea. También, Rendición, que principalmente era un tema de Bruno, mi proyecto solitario, pero decidimos abrir entre los dos, ponerle voz y esa letra preciosa.

En este disco el proceso creativo ha sido muy variado, además porque no teníamos pensado hacer un disco. Nuestra idea era componer por el gusto de componer y, al final, descubrimos que teníamos 9 temas, de hecho teníamos 10, lo que ese último decidimos descartarlo porque no tenía mucha coherencia con el resto de canciones. Así es como nos encontramos, básicamente, con un álbum.

Su nuevo disco lleva por título Déjate Caer. ¿Por qué escogieron este título? ¿Cuál es la idea o concepto que quisieron plasmar a la hora de elaborar el álbum?

Sergio Salvi: El nombre del disco, Déjate Caer, viene de un mantra que me he estado repitiendo mucho últimamente en mis meditaciones por la mañana. Me lo repito porque es una invitación que me hago a mí mismo a aceptar todo lo que venga, incluso si viene alguna emoción negativa. Si de repente encuentro ansiedad, ira o tristeza, dejarlo ser, aceptarlo como algo igual de válido.

Cuando le propuse este título a Sandra le encajó perfectamente con los temas del disco, con las letras y, también, con su proceso y momento vital. Sintió que era muy coherente con lo que estamos viviendo como dúo, como amigos, como grupo y como humanidad.

Déjate Caer es una invitación a dejar ser las cosas tal como son, a no forzarse, a no poner presión en querer que las cosas sean como la idea que uno tiene en su cabeza, sino coger la realidad tal como es sin juzgarla y dejarse caer. A equivocarse, a aceptar los miedos que podamos tener, a reconocer nuestras imperfecciones y a entender que no existen, efectivamente, perfecciones o imperfecciones, sino que todo está bien.

Acaban de lanzar su nuevo disco prácticamente un año después del último, Aquí y Ahora, y ya cuentan en su repertorio con varios trabajos discográficos. ¿Qué diferencias encuentran entre este álbum y sus trabajos anteriores? ¿Cómo surgió la idea de crear Déjate Caer?

Sandra Delaporte: Pues Aquí y Ahora y Déjate Caer, en verdad, forman parte de una época parecida, también porque son dos discos que tienen poco tiempo entre sí. Inevitablemente, mi vida tampoco ha cambiado tanto en un año, el cómo soy, cómo pienso y cómo existo pues sí tiene que ver.

Entonces, puede ser que entre Aquí y Ahora y Déjate Caer haya bastante más afinidad y que sean más parecidos con respecto, por ejemplo, a Las Montañas, que lo sacamos en 2020 y que, efectivamente, tiene otro tono. Siempre la electrónica como guía del todo, pero a partir de Abril, que fue un EP pequeñito que publicamos en 2021 o 2022, si no recuerdo mal, empezamos a querer hacer música que nos salía en función de los directos y las giras que íbamos viviendo, más orientada al baile.

Además, después de la pandemia, cuando volvieron a abrir los clubes, empecé a ir muchos más a ellos, a raves, sesiones sobre todo de techno… Inevitablemente Aquí y Ahora ya tiene bastante influencia techno y Déjate Caer pues tiene también esa influencia casi sin querer, porque sale solo. Esas bases salen solas porque salen del alma.

Por otro lado, si hay diferencia entre Aquí y Ahora y Déjate Caer es que hay algo más de innovación, a mí me suena distinto, me suena como una continuación natural, pero lo noto como un paso diferente que también necesitaba salir y que se ha ido componiendo a lo largo de este año.

El motivo por el que ha salido un año después es porque ha surgido así. Creo que cuando las cosas nacen, nacen por sí solas, o sea, es inevitable, no es algo que planeemos… Un amigo me dijo una vez que hay momentos para vivir y momentos para escribir y considero que en estos dos años he vivido tanto que estoy escribiendo mucho.

Entonces, Déjate Caer ha salido como necesidad de todo lo que he cosechado este año, lo que hemos estado viviendo tanto Sergio como yo a lo largo de todo este año 2024, de gira. Muchos de los temas se han compuesto en la propia furgo, en algún hotel o antes de algún concierto/festival. La realidad es que Déjate Caer ha sido un disco creado paradójicamente en el aquí y ahora. Es un poco la conclusión de todo este proceso.

Este nuevo álbum está compuesto por 9 canciones muy fieles a su estilo. ¿Hubo algún tema concreto que supusiera un reto especial a la hora de llevarlo a cabo? ¿Cómo decidieron el tracklist y las canciones elegidas para representar este disco?

Sandra Delaporte: Pues para mí uno de los temas más difíciles de sacar adelante, al que más vueltas le di y más me pegué y más ansiedad me dio y que era una auténtica pesadilla es Somos Diablos. El que menos me costó fue Japi Mil, fíjate, además ese lo hice hace mogollón, antes de que saliera incluso Aquí y Ahora. Surgió en casa, en una tarde, de risas… de esto que en dos horas saqué el tema entero tal cual lo podéis escuchar en el disco y es bastante curioso.

Por otro lado, con Somos Diablos, madre mía, me sentía perdidísima. Hice la letra, hice la parte como un poco cumbiera, bueno más como bachata así rara… Entonces tenía como las dos partes, una muy violenta y la otra quería que fuera con la letra como muy popular y con una melodía más de bachata, más de otra onda.

Sentía que me estaba metiendo en un gran berenjenal porque era sacarme de mi zona de confort y arriesgarme, entonces no entendía para dónde tirar. Se la reboté a Sergio y este, de pronto, me envió la parte de la guitarra y dije: “¡Ah!, pues mira, esta parte mola”. Y le volví a dar otra vuelta y otra y ¡buah!, me pegué muchísimo con ese tema, pero porque creo que fue una canción que me sacó del lugar donde yo me encuentro a gusto, o hasta ese momento me sentía a gusto, porque ahora hacer este tipo de temas no me cuesta tanto. Creo que haciendo esto se crece mucho y que las canciones que cuestan poco son el resultado de haberte pegado con muchas otras ideas.

Respecto a la elección de temas pues fue muy natural. La que casi no entra, fíjate, es la de La Ternura Es Simple porque no nos terminaba de encajar, el bajo no nos funcionaba… Además, fue la última que acabamos. 

Hasta que mira, dije, le voy a dar una vuelta de tuerca. Le metí toda la parte final porque necesitaba explicar, como poner un punto y final a toda esta historia y hablar de lo que sentía, de lo que es para mí dejarse caer y un poco a modo de conclusión. Fue el tema que más abandonado estaba, pero fíjate que ahora es de los que más me gustan cuando le di esa vuelta de tuerca y cuando, además, decidí añadir un audio de mi madre que me mandó en un momento dado en el que necesitaba ese amor. Ahora ya ahí quedará, para siempre, el audio de mi madre dando amor para mí y para toda la humanidad.

De cara a estas próximas semanas y meses cuentan con una gira de conciertos que les llevará a recorrer parte del país y que, también, les traerá por Canarias. ¿Qué es lo que dirían que caracteriza un concierto en vivo de Delaporte? ¿Cómo dirían que es la experiencia?

Sandra Delaporte: Pues creo que, francamente, no te puede gustar Delaporte de verdad, te puede gustar alguna canción, alguna cosa así tonta, pero si no has ido a un concierto considero que no entiendes de qué va todo. O sea, pienso que es mejor antes incluso que preguntármelo a mí, preguntárselo a cualquier persona que viene a vernos, porque lo que yo voy a hacer es parafrasear lo que ellos dicen.

Es una experiencia un poco diferente, según dicen, y para mí es una experiencia de liberación absoluta, de muchísimo baile, de ser 100 %, de olvidarse de todo, olvidarse del móvil… Es un fiestón para el alma. A mí me cura, me hace liberarme un montón. Hay una actitud muy punky porque literal, en ese sentido, vale todo y eso me gusta. Me encanta que en cada concierto pueda pasar algo que no espero o, según se me pince un cable o no, decida hacer esto o lo otro.

Una sensación con la que me quedo siempre al final de cada concierto es la de mucho amor y, después de haber vivido ese viaje con todo el mundo, de querer abrazarles. Les ves bailar, llorar, cantar, darlo todo, cerrar los ojos y volar… Es como compartir algo muy especial.

Yo desde arriba, pero no me siento tampoco que esté arriba, es como que todos estamos ahí dándolo todo a tope y es bastante especial. Cuando acaban los conciertos tengo sobredosis de amor y muchas veces acabo bajando y abrazo a la gente porque es que, de verdad, sino exploto.

Así que es una experiencia que, ¿definirla? Pues sí, te puedo decir que es baile, pero bueno, te puedo decir que hay mucho amor y mucha intensidad, muchas emociones, mucho dejarse ser y expresarse. Aún así, creo que lo intelectual, lo racional y lo expresado en palabras no tiene efecto y no sirve de mucho si no es experiencia.

Si te interesa y te gusta algo nuestra música, de verdad, ven a un concierto, un festival o lo que sea y desnúdate de la vida y goza y a ver qué es para ti. Es lo más importante.

GIO es un productor, natural de Ecuador, que destaca por sus influencias latinas, el ritmo y la personalidad que le aporta a las canciones que produce. Con una carrera que inició haciendo beats en el año 2008, GIO ha colaborado con grandes figuras de la escena musical hispana. Recientemente, participó en gran parte de la producción del nuevo disco de Quevedo, Buenas Noches. También, ha producido, casi en su totalidad, el reciente álbum de Aissa, EstapasandoBB. De cara al futuro, el productor cuenta con colaboraciones con artistas a los que admira y con los que nunca se imaginó trabajar.

Es esencial, a la hora de conocer a una figura artística, saber cómo fueron sus orígenes en el ámbito al que se dedica. En tu caso, ¿cómo fueron tus orígenes como productor? ¿Cuál es tu primer acercamiento a la música?

Pues dentro del proceso de convertirme en productor pasé por varias fases. Entonces, el primer recuerdo que tengo de acercarme a la música es mi familia. No eran músicos como tal, pero sí que tenía muchos tíos que eran deejays y les gustaba todo ese mundo. Ellos fueron los que me acercaron a la música, de cierta manera, no tanto en la parte de cómo tocar un instrumento como tal, pero sí en el hecho de saber cuándo funciona una canción en una fiesta, por ejemplo.

Cada productor tiene sus propias influencias y formas de trabajar diferentes. ¿Qué cualidades dirías que tiene que tener un buen productor? ¿Cuál es tu rutina de trabajo a la hora de producir un tema?

Normalmente las canciones que produzco casi siempre las empiezo por el beat. Partiendo de esto, para desarrollar un beat mi proceso ha ido cambiando. Ahora tengo el estudio aquí en mi casa, entonces me encuentro con situaciones de estar viendo la televisión, una serie o lo que sea y veo algo que me inspira y me siento a montar un beat.

En este sentido, si observo que ya no me fluye, corto y sigo con mi vida, sigo haciendo cualquier otra cosa y luego, si me vuelve esa inspiración, lo continúo. Algunas veces, cuando veo que ya no sale o que no sigue fluyendo lo dejo ahí aparcado, ya sea para enseñárselo a algún artista y luego definir la canción en el estudio o lo que sea.

Luego, diferenciando entre beatmaker y productor, creo que un productor tiene que ser organizado y responsable. Más allá de que tenga talento haciendo música o creando beats, considero que la ética de trabajo te puede llevar a donde quieres llegar.

A lo largo de tu trayectoria, has producido grandes canciones a nivel global. Ahora, recientemente, has participado en la producción del nuevo disco de Quevedo. ¿Cómo es trabajar con Quevedo desde el punto de vista humano y de la producción? ¿Cómo fue trabajar en Buenas Noches?

Pues ya venía de colaborar con él en el anterior álbum, en donde hice dos temas. Aún así, llegué al final cuando el disco estaba ya casi todo terminado. Ahora, en este, en Buenas Noches, sí que estuve más presente y formamos un vínculo más allá de hacer un par de canciones en el estudio. El trabajo se hizo en muchos campamentos, varios de ellos en Canarias, así que la convivencia hizo que creáramos ese vínculo.

Como trabajamos en equipo, al final todos hicimos un poco de todo. Trabajar en Buenas Noches fue una experiencia nueva y buena para mí. Me enseñó mucho el hecho de poder colaborar ahí con otros productores.

El nuevo disco de Quevedo, Buenas Noches, es uno de los trabajos más esperados en este 2024 y cuenta con grandes canciones y colaboraciones. En este sentido, ¿cuáles son tus temas favoritos del álbum? ¿Qué canción dirías que te supuso un reto a la hora de producirla?

Creo que la canción que durante el proceso no dejó nunca de gustarme fue Amaneció. Llevo mucho tiempo escuchando reggaeton y siguiendo toda esa cultura, entonces que De La Ghetto, un artista OG e icónico, esté en ese tema es algo que a mí me llena.

En este sentido, no te podría decir que Amaneció es el mejor tema, ya que es algo personal… Hay muchas canciones que están muy guapas.

Por otro lado, trabajar con Quevedo y con todo el equipo es muy fácil. Los temas ya desde el principio, si gustan, no se cambian mucho. Se suele definir la maqueta, pero la canción queda como estaba originalmente.

Has trabajado con muchas figuras musicales a lo largo de tu carrera. ¿Quién o quiénes son los artistas que más te han sorprendido en el estudio? ¿Qué productor o productores te han llamado la atención por su manera de trabajar?

La verdad es que toda la gente con la que he hecho música tiene algo especial. Por ejemplo, Pedro (Quevedo), mismamente, es un tío que escribe muy rápido, entonces eso me impresionó bastante. La Pantera, también. De verdad que todos los artistas con los que me meto al estudio cada vez me impresionan más.

Y sobre los productores, la realidad es que antes de este disco, de Buenas Noches, no había colaborado con muchos de ellos. Entonces, cuando me junté con Garabatto, Bluefire y Kiddo, la verdad es que los tres me impresionaron bastante. Todos ellos tienen algo muy especial. Con el que más, quizá, he compartido tiempo en el estudio es con Garabatto y he aprendido muchísimo de él. 

Desde hace unos años en adelante, cada vez se valora más la figura del productor, no solo por los artistas, sino también por el propio público. ¿Crees que está suficiente y correctamente valorada la figura del productor? ¿Cómo definirías la importancia de un productor en la elaboración de un trabajo musical?

Creo que depende de cada caso, además pienso que es trabajo del productor que su figura resalte. Al final, todo tiene que ver un poco con el marketing y con cómo trabajas tu branding.

O sea, no es como que a la gente tenga que gustarle algo o no, sino también es tu responsabilidad el hacer ese trabajo para llegarle al público. Si al final no haces esa labor, nadie te va a conocer y nunca vas a tener esa figura. Para mí el productor es el 50 %, el artista tiene su parte de hacerlo muy bien y el productor también. Es como un equipo, así lo siento siempre.

De cara al futuro, a este 2025, y con una buena trayectoria a tus espaldas. ¿Cuáles son tus planes u objetivos? ¿Qué podemos esperar de GIO en los próximos meses?

Pues justo acaba de salir el álbum de Aissa, EstapasandoBB, que lo produje casi entero y hay colaboraciones muy buenas. Me sigo metiendo al estudio con artistas que nunca pensé, que voy a esperar a que salgan los temas… y eso, muchas colaboraciones en camino.

Marina Reche, artista natural de Elche, aterrizó por primera vez con su música el pasado domingo, 24 de noviembre, en la isla de Tenerife. El día anterior, lo hizo en Gran Canaria. Todo ello siguiendo el camino de su gira de conciertos, Lo he intentado Tour, que la han llevado y la llevarán por muchos lugares de España y parte de Latinoamérica.

Que toda la gira de Marina esté sold out no es ninguna casualidad, y es que la artista ilicitana llena los corazones de su público, con su música y sus letras, allá donde va. Así lo hizo, también, en Tenerife, donde sus fans la recibieron con los brazos abiertos.

Cuando llegó la hora del concierto, el Paraninfo de la Universidad de La Laguna estaba completamente lleno de gente deseosa de que diera comienzo el espectáculo. Entre el público, se observaban algunas banderas de Canarias, camisetas y pancartas para la ocasión.

Sin mayor demora, Marina y toda su banda salieron al escenario y el público enloqueció y se puso de pie. Lo cierto es que esta sería la tónica habitual de todo el evento. La gran energía de Marina, entregada al público canario, y el apoyo de la gente, que cantaba a pleno pulmón todas y cada una de sus canciones, conformaron una atmósfera única y una sinergia magnífica.

A lo largo de todo el concierto, la artista hizo un viaje por sus dos trabajos en formato EP publicados hasta la fecha, Claridad y Oscuridad. Con una gran alternancia entre canciones de mayor euforia y temas más íntimos y cercanos, Marina consiguió que el público sintiera una montaña rusa de emociones y experiencias.

El momento cumbre del concierto se alcanzó con la interpretación de, quizá, su canción más especial hasta la fecha, Mil preguntas. Recientemente, se ha cumplido un año de su publicación y esto, sumado a la acogida del público, hizo que Marina, al término del tema, se emocionase mientras cada una de las personas presentes en el Paraninfo coreaban su nombre.

Sin lugar a dudas, tanto el público como Marina acabaron felices con la experiencia vivida. La gran y sentida acogida en Canarias, seguro, hará que la artista tenga muy en cuenta el hecho de regresar con nueva música y conciertos de cara al futuro.

Aroa Lorente, mejor conocida en el mundo musical como Samuraï, es una artista natural de Madrid. Considerada por muchos como una de las figuras emergentes a nivel nacional con mayor proyección y futuro, Samuraï se encuentra a las puertas de publicar el que será su primer y esperado disco, El Silencio Del Ruido. Este álbum, que contará con 12 canciones, entre ellas 2 colaboraciones, concluye un trabajo excepcional por parte de la artista, uno que se expondrá en una gran cantidad de conciertos por España y parte de Latinoamérica a lo largo de los próximos meses.

Hace apenas unos años que lanzaste tus primeros temas y tu primer EP, CrushCrushCrush, con el que comenzaste a dar a conocer tu gran talento y perfil musical. ¿Cómo fueron tus inicios? ¿Cómo surge Samuraï y de qué forma ha evolucionado hasta la actualidad?

Creo que el momento de empezar fue como el de todas, un poco a ciegas, pero con mucha ilusión. Considero que el proyecto en sí no tiene nada que ver ahora a cuando lo comencé, pero a la vez sigo siendo la misma niña que entonces pegando brincos con un par de guitarras.

El estilo que representas y las letras que escribes, en sí, tu obra, es muy única dentro del panorama español actual. En este sentido, ¿cuáles son tus principales influencias? ¿Qué pasos y/o procesos sigues a la hora de elaborar tus canciones en el estudio?

Si me preguntas referencias en cuanto a letras, no hay tantos nombres que dar. Sí que leo mucho, tanto prosa como verso, y admiro bastante la manera en la que escriben algunos autores y compositores. Mi proceso a la hora de componer suele consistir en transcribir mis pensamientos a un mundo más enrevesado, como diría yo.

Dentro de muy poco vas a lanzar el que será tu disco debut en formato LP, El Silencio Del Ruido. ¿Cómo ha sido el proceso creativo para llegar a desarrollar este trabajo? ¿A qué se debe el nombre del álbum?

No tengo muy claro de dónde me vino el nombre del álbum, pero sí sé que es lo primero que hubo de este. Empecé el disco por el título. En otra canción, había jugado ya con los términos de “silencio” y “ruido” y sentí que me daba mucho con lo que comunicar.

Acabas de publicar un adelanto de tu nuevo disco, un tema en colaboración con Leo Rizzi, En el aire. En este sentido, el álbum tendrá 12 canciones y contará con una colaboración más, con Dani Fernández, sumada a la de Leo Rizzi. ¿Cómo surgieron estas colaboraciones? ¿Qué sonidos vamos a poder encontrar en El Silencio Del Ruido?

Las dos colaboraciones han surgido desde la amistad y la admiración, creo yo. Son artistazos a los que quiero y respeto y no puedo estar más contenta. En cuanto al sonido del álbum… Creo que hay que escucharlo para entenderlo.

Con tu primer álbum a la vuelta de la esquina y tras haber culminado en su totalidad, o casi en su totalidad, su creación. ¿Cuáles son las principales experiencias y vivencias que extraes de la creación de este primer disco? ¿Cuáles han sido los momentos más complejos, de haberlos, y los más enriquecedores a lo largo del proceso?

Creo que lo más complejo de todo ha sido elegir entre todas las posibilidades que te ofrece el estudio. Cuando te sientas delante del ordenador y de los instrumentos tienes el poder en tus manos, por así decirlo. Saber el camino que coger y que sea el que más te represente es todo un reto.

Una vez que salga publicado El Silencio Del Ruido, a finales de este año, vas a comenzar una gira propia que te va a llevar por una gran cantidad de lugares y ciudades. ¿Tienes pensado hacer algún concierto fuera de España? ¿Y alguno por Canarias? ¿Qué le dirías a tus fans que se van a encontrar en esta gira de El Silencio Del Ruido?

Fuera de España, pasaré por Latinoamérica a principios del año que viene. Por Canarias, todavía no he confirmado nada, pero si todo va bien… ¡Una nunca sabe!

Creo que la gente tiene que llegar a las salas con ganas de saltar, sudar, gritar, llorar… El show está pensado para que cada persona sea la versión más pura de sí misma.

De cara al futuro, y con tu próximo y primer disco ya cercano, además de la gira. ¿Cuáles son tus pasos y planes futuros? ¿Qué podemos esperar de Samuraï en 2025?

Lo que toca es girar, dar muchos shows y cantar las canciones del álbum con toda la gente posible en todos los lugares que se pueda.

K1ZA es una joven artista, natural de Madrid, que en los últimos años se ha afianzado a pasos agigantados en el panorama del rap a nivel nacional. Su estilo es muy característico, con un sonido y un mensaje propios que la sitúan como alguien con mucha personalidad y crudeza en España. En la actualidad, y tras haber publicado ya los adelantos de Soy Dios (Ego) y No lo noto (Orgullo), K1ZA va camino de lanzar en diciembre el que será su primer disco en formato LP, Dosis, donde dará a conocer todo su potencial inoculado a través de 13 venenos en forma de canciones.

Es importante conocer los orígenes musicales de una artista para saber desde qué punto y cómo comenzó su carrera. ¿Cómo fueron tus orígenes en la música? ¿Te costó mucho dar el paso a la hora de lanzar tus primeros temas?

Mis orígenes fueron estudiando piano y guitarra en escuelas de música. A partir de ahí, empecé a componer en mi casa. En un principio, tuve un grupo de rock y luego ya me fui centrando en el rap y comencé a grabar mis primeras canciones en casa de unos amigos que tenían un micro y un colectivo de música techno.

En esa época, en la de mis inicios, me grababan mis amigos y me pasaban mis temas, pero no los subía a ningún lado. Luego, con el paso del tiempo, fueron mis propios amigos y amigas los que me decían todo el rato que publicara las canciones y ya las empecé a poner en Instagram. En este sentido, un día un chico me dijo una plataforma para colgarlas en Spotify y comencé a subirlas ahí también. 

Con todo esto, la repercusión era cero, me escuchaban mis amigos y ya. Fue a raíz de Batalla de Promesas que cantando mis canciones, en parques y demás lugares, se me hizo viral un vídeo y ya eso me abrió algunas puertas y empecé a trabajar con el equipo que estoy actualmente. Y así hasta ahora, con trabajo y constancia.

Todo ha ido muy despacito. No ha habido aquí un boom de la noche a la mañana. Obviamente se te hace viral un vídeo, pero al final es el trabajo de poquito a poco el que va haciendo que todo crezca, porque a mí ese vídeo hizo que la gente me conociera, pero no me ha causado el establecerme en la música ni nada.

Tu estilo es muy característico, con un sonido y un mensaje propios que hacen de ti una artista con mucha personalidad. En este sentido, ¿cuáles han sido y son tus referentes? ¿Qué dirías que es lo que más caracteriza a K1ZA, en general, y a su mensaje en la música, en particular?

Mis referentes han sido, sobre todo, grupos de punk. Es lo que más he escuchado y, al final, mi rap está muy influenciado por ello y por el rock. Non Servium, Eskorbuto y Kaos Urbano, entre otros, son grupos que llevo escuchando desde que era más pequeña y creo que mi música y mi voz están muy influenciadas por eso.

Luego, lo que me caracteriza diría que son esas influencias que han causado que tenga una voz así como muy rasgada y con la que aporto un toque de punk dentro del rap, con la forma de distorsionar la voz y eso.

En cuanto a mi mensaje, trato de no usar eufemismos ni nada, digo las cosas tal cual las pienso. Intento que la rabia o el dolor que siento lo pueda transmitir al público a través de mis letras. También, uso bastantes metáforas, pero muchas veces digo las cosas tal y como son para que sientas eso y te llegue la incomodidad, que te haga pensar… Que no te deje indiferente es lo que intento.

Estás a las puertas de lanzar el que será tu primer disco en formato LP, Dosis, que contará con 13 canciones y varias colaboraciones con artistas y productores. ¿Cómo surge la idea de crear este disco? ¿Qué es lo que esconde en sus entrañas Dosis? ¿Cuál es su concepto?

Llevaba mucho tiempo queriendo hacer un disco y, simplemente, no había sido el momento aún. De repente, dije: “Quiero hacer ya mi álbum”. Entonces, todo empezó porque leí sobre un monstruo que tenía varias cabezas y dije: “Me gustaría hacer esto, como que mi disco sea un monstruo con varias cabezas y que cada una de ellas represente uno de los monstruos que llevamos dentro”. Esta era un poco la idea inicial y, de hecho, los primeros temas los hice pensando en eso.

Avanzando en el proceso creativo se me ocurrió que en vez de monstruos fueran venenos y que cada canción representase un veneno de los que llevamos dentro. Personalmente, los que en mi caso llevo dentro, porque al final yo no sé cada uno qué es lo que tiene dentro y con lo que carga.

Entonces, quería hacer como una introspección, decir cuáles son mis venenos y que estos fueran 13 porque es un número que a mí siempre me ha representado mucho. De ahí, surgió lo de los 13 venenos y que el álbum se llame Dosis. Todo tiene que ver con serpientes, con veneno, y está bastante relacionado entre sí. Este disco diría que es una parte de mí. Tengo una parte buena, una diferente y alegre, pero Dosis es como lo más oscuro de mí.

En Dosis, tu próximo disco, abordas, además del rap, otros géneros musicales como el trap, el drill y el techno. Todo ello bajo el paraguas de varios productores. ¿Qué tal ha sido la experiencia de introducir tantos sonidos nuevos en este álbum? ¿Cómo ha sido trabajar con 7 productores diferentes para ello?

Para mí ha sido un cambio brutal. Venía haciendo música que me gusta un montón y con la que me sentía muy cómoda, boom bap oscuro, con el mismo productor y sin salirme de ahí. 

A mí la música me flipa en todos sus aspectos y la que escucho es muy rica y variada. No escucho solo boom bap. Entonces, para mí ha sido brutal el hecho de poder trabajar con productores con los que nunca habría imaginado colaborar, gente a la que admiro mucho y que le ha dado su toque al disco, convirtiéndolo en algo muy especial.

La experiencia de introducir nuevos sonidos en el álbum ha sido súper buena. A ver, en mi caso vengo del techno, empecé con mis amigos que tenían un grupo de este género, entonces siempre me ha flipado meterlo en los directos. Todos mis espectáculos van cargados de techno y poder introducirlo dentro de mis canciones como tal, no solo de mis conciertos, es algo que me ha flipado.

En cuanto a géneros concretos, por ejemplo, el trap es uno que nunca me había llamado mucho la atención, pero trabajando con algunos productores como Geckodelarue, por ejemplo, que hace beats así más de trap, pues me ha flipado, me he sentido muy cómoda y creo que han salido unos temas que están bastante guapos.

Hasta el momento, has lanzado dos adelantos del que será tu próximo disco. Soy Dios (Ego) y No lo noto (Orgullo) representan dos de los 13 venenos que ya nos invitan a conocer la línea a seguir del trabajo. ¿Cuáles han sido las principales dificultades que te has encontrado para sacar adelante el disco? ¿Crees que has conseguido plasmar la idea que querías en general?

La dificultad ha estado en el tema del tiempo. Me puse con el disco hace muchos meses y te confías porque lo estás haciendo con antelación y, de repente, ves que no llegas. Una anécdota es que tuve un bloqueo con tres de los temas del álbum, a pesar de que tenía claro los venenos que quería tratar, tres letras que me quedaban por escribir. Había hablado ya con mi productor y habíamos quedado en un día concreto para grabar. No lo podía retrasar más porque el disco lo tenía que entregar ya.

Entonces, en una mañana escribí los tres temas que me quedaban de Dosis, cuando los otros los había escrito poco a poco. Con la presión me salieron y la verdad es que, al final, son canciones que me gustan mucho y con las que estoy muy contenta. La cuestión, en conclusión, ha estado en el tema del tiempo, ya que de resto con la gente que he trabajado ha ido súper bien, todos los productores genial y no tengo queja de nadie. Tengo un equipo muy bueno.

La verdad es que creo que no puedo estar más contenta con el disco. Siento que Dosis no puede ser más representativo de lo que tenía en mi cabeza. Es tal cual como lo quería hacer y tengo muchas ganas de que salga ya el próximo 13 de diciembre. Esto es algo que me hace ilusión porque siempre había querido sacar algo el 13 del 12 y pues nada mejor que el hecho de que salga publicado mi álbum.

Eres una de las grandes revelaciones y realidades del rap en los últimos años en España. ¿Cómo has manejado todo el cambio de vida que ha supuesto tu crecimiento en la música? A nivel general, ¿cuál es tu opinión y/o visión sobre la escena musical de rap en nuestro país?

Si te soy sincera, no he vivido esto como un cambio de vida. Hasta hace nada seguía estudiando; sigo trabajando de profesora de inglés, que llevo casi diez años y no lo he dejado, tengo las mismas amigas… Al final, en la industria he conocido a mucha gente, pero amigos como tal de verdad a lo mejor solo son dos. 

Entonces, creo que tengo una vida muy normal, no me siento aquí ninguna súper estrella ni nada. Soy una persona que se dedica a la música y a otras cosas y su vida sigue exactamente igual. Lo único que ha variado es que ahora mismo me estoy dedicando 100 % a lo que me gusta, a la música. Tengo la suerte de poder hacer de mi hobbie mi trabajo.

Sobre la otra cuestión, considero que hay una escena súper potente. A ver, me parece que faltan sonidos nuevos muchas veces. Lo que está empezando a sonar por Estados Unidos o en algunos países de Europa es como que a España tarda más en llegar. Pero bueno, en mi caso he tenido la suerte de trabajar con productores que escuchan mucha música de fuera y que creo que al disco le han aportado sonidos muy buenos.

En general, la escena en España me parece muy potente y buena. Luego hay gente con la que tienes más afinidad y con la que menos y, bueno, también hay muchas falsedades y poses, lo típico de estos mundos. A pesar de ello, creo que hay nivel y me quedo, sobre todo, con eso.

Con el disco a la vuelta de la esquina a finales de este año, ¿cuáles son tus planes u objetivos futuros? ¿Alguna gira propia del disco cuando salga?

Sí, la idea es esa. Ahora mismo tenemos el último festival del año, después de eso hacemos un parón y ya en enero o febrero, no sé exactamente cuándo, comenzará la gira del disco. Intentaremos ir a todos los sitios que podamos y luego ojalá poder estar en todos los festivales que se pueda el año que viene. Es algo que disfruto un montón y que me encantaría. 

Y ya después de todo tengo un montón de canciones guardadas, sobre todo colaboraciones, que no han salido, que no me cabían en el disco. Tengo muchas ganas de seguir sacando cosas después del álbum y, en general, de seguir hacia delante.

Emilio Roca Cáceres, mejor conocido en el mundo musical como Lucho RK, es un artista grancanario con un amplio presente y futuro en la música. Tras un tiempo en activo lanzando muchas canciones, Lucho se ha posicionado como un gran referente a nivel local y nacional.

Después de unos meses llenos de música, y para poner el broche de oro al verano en Canarias, el artista ofrecerá el próximo miércoles, 4 de septiembre, un show único y totalmente gratuito en el marco de las fiestas de Teror. 

El espectáculo, que se celebrará en la Plaza de Sintes, supondrá la antesala de la esperada gira nacional de Lucho, Quién está aquí? Tour, que lo llevará a compartir su música en un show muy especial por toda España.

Sobre este evento único en Teror, el artista comenta que “vamos a dar noticias del siguiente paso que vamos a tomar con mi carrera”. En este sentido, esta es una oportunidad única de conocer el futuro e ideas de Lucho, así como el camino que seguirá en su nueva etapa.

Por otro lado, esta será una gran ocasión en la que el artista dará pistas sobre sus próximos temas en un espectáculo que contará con muchas sorpresas e invitados. Sin lugar a dudas, una cita clave en el calendario para los fans de Lucho RK y a la que todo el mundo está invitado.