Andrex es un artista murciano autodidacta que expondrá el próximo 22 de marzo su colección 'Yuxtaposición', una muestra donde los propios espectadores divagan sobre el significado de sus obras picassianas en la sala de LaLuz Mediterranean Art.

¿Qué diría tu 'yo' del pasado si supiese que te has convertido en un artista multidisciplinar?

¡No se lo creería! Sí que es verdad que desde pequeño dibujaba, pero lo asociaba como un hobby, algo que no podía estudiar o ganarme la vida, hasta que cumplí veinte años y empecé a tener contacto con la pintura. Ahí es cuando me di cuenta de que quería hacer Bellas Artes.

Es innegable que si desde edades tempranas nos involucran en actividades relacionadas con la cultura, tendemos a valorar positivamente estudios relacionados con el Arte. ¿Desde pequeño tuviste este tipo de educación?

No del todo. Recuerdo que, a pesar de ganar muchos de los concursos de dibujo del colegio, mis padres nunca contemplaron la posibilidad de fomentar mi faceta artística apuntándome en una escuela de arte. Todo lo contrario, yo era un desastre en el resto de asignaturas, como matemáticas, literatura o historia y me pasaba la vida en academias. Aún así, mis padres hicieron lo que pudieron y lo que estaba 'normalizado'. Recuerdo los cuadros de Manuel Coronado, entre otros, colgados en casa de mis padres, y cómo los contemplaba en el pasillo como si fuera un museo. Pero de puertas para fuera, de pequeño no visitaba instituciones culturales ni mis padres me orientaron hacia una educación artística, a pesar de sacar sobresalientes en dibujo.

Teniendo en cuenta estos factores, seguiste tu instinto como artista y decidiste ingresar en la Universidad de Cuenca, ¿cómo fue tu experiencia?

Lo primero es que me gustaría recalcar que, a pesar de no tener esa influencia parental sobre los museos, las exposiciones y demás, me apoyaron en mi decisión de ir a Cuenca. En un principio lo hice porque quería ser profesor, de hecho, todos mis compañeros de Bellas Artes hoy día son profesores. El giro en esta historia es cuando hago las pruebas de acceso, y no consigo entrar a pesar de quedarme en el puesto número 5 en la lista de espera.

¿Y eso te desmotivó? ¿Volviste a Murcia con un plan B?

¡Todo lo contrario! Me quedé. Le comenté mi situación al Decano de la Universidad, y mi deseo de realizar Bellas Artes en esa institución como sea. Les enseñé mis dibujos y me dieron permiso para asistir a las clases de oyente, pero siempre en la última fila. No sé, algo vieron en mí, mis ganas por entrar a aprender, porque a lo largo de los meses me esforcé muchísimo en asistir a todas las clases, a diferencia de muchos de mis compañeros. Con el tiempo me di cuenta de las cosas que pasaban a mi alrededor, por ejemplo, los 'hijos de', que hoy día tienen una galería en Madrid o Valencia y ni sabían pintar, nunca pasaron por clase. Al final me fui de la Universidad cuando aprendí una gran lección: a veces tienes que seguir tu propio camino. Así que cogí las maletas y regresé a Murcia, aunque me habría pasado el resto de mi vida en Cuenca, mi sueño era ser artista en esa ciudad.

¿Y cómo fue tu camino como artista autodidacta a partir de ese momento?

Hice varias exposiciones de pintura en Elche, mientras realizaba mis estudios de A.D.E, lo recuerdo con mucho cariño, porque todo lo que realizaba, lo vendía. En aquel momento eran cuadros con influencia africana, formas tribales y colores muy expresivos. Fue entonces cuando comencé a experimentar con el barro y a hacer cabezas de figuras, formas que me inspiraban, sin saber que en un futuro iba a conseguir exponer en Murcia con esculturas metálicas. Todo tiene su proceso.

Enlazando con tu próxima exposición 'Yuxtaposición, que se inaugura el próximo viernes 22 de marzo en la Galería LaLuz Mediterranean Art. Cuéntanos un poco, ¿qué vamos a encontrar en la sala?

'Yuxtaposición' surge de una escultura que hice hace diez años. Para mí, esta palabra, este concepto, es un encuentro y un pulso entre los sentimientos y el arte. Las esculturas que se exponen están vacías, son minimalistas, porque mi intención es que hablemos de ellas, que reflexionemos, juguemos con la forma y expresemos cómo las percibimos, si sentimos rabia, dolor, alegría o depresión. Esa unión de diversos sentimientos en un espacio cerrado es un momento único. Son los espectadores los que completan la obra. Asimismo, comprobarán que las esculturas no tienen boca. Esto es intencionado porque además, quiero representar esa falta de comunicación que tenemos en esta sociedad, el miedo que tenemos de salir de nuestro cascarón, de no hablar de lo que realmente nos gusta. ¿Te gusta bailar? Baila. ¿Te gusta pintar? Pinta. Que aquellos factores externos no te impidan hacer lo que te gusta. Esta colección la hago un poco dando respuesta a esta sociedad tan jaleosa, ruidosa, donde falta comunicación. Me he dado cuenta de que ya cada vez leemos y escribimos menos, se están muriendo las palabras.

¿En esta exposición podremos ver influencias de artistas conocidos?

¡Por supuesto! Yo siempre reconozco ser copión, y la realidad es que todos los artistas copian, nos dejamos influenciar, es algo natural casi. Pero lo veo positivamente, si me copio de tu obra, si mis creaciones asoman parte de tu estilo, es que me encanta y estoy a gusto con esta forma de producir. Mi triada a la hora de 'inspirarme' son: Pablo Picasso, Gustav Klimt y Modigliani. Gracias a este último podréis observar que las esculturas son figuras sintéticas y simples con formas planas de proporciones alargadas.

Está claro que, quien la sigue la consigue. ¿Podrías dar algún consejo para aquellos artistas que están comenzando a cuestionarse si vale la pena el mundo del Arte?

Mi consejo, a pesar de mi escasa trayectoria, es que hay que trabajar mucho, ser humilde, constante, hacer muchos sacrificios, pero sobre todo, tener pasión. Coger ese miedo que nos impide hacer cosas, meterlo en una caja y sellar. Ser consciente que vender obras es algo complicado, pero eso no tiene que impedirte dejar lo que te gusta. Hay que seguir buscando tu sitio. Yo no sé si realmente la escultura es lo mío, pero en esta exposición he decidido apostar por esto. Es un nuevo proyecto que me puede llevar al éxito o no, pero me quedo con que durante el proceso he estado más que ilusionado y me lo he pasado muy bien. La clave es perder el miedo a las galerías de arte. Tienes que entrar en ellas decidido, darte a conocer. Cada uno tiene su momento y no se puede parar.

Cuando entramos a un museo apreciamos la técnica de la obra, los personajes que aparecen representados, la gama cromática de los colores, pero nunca nos preguntamos: “¿Por qué en esta obra San José aparece más joven? ¿Por qué María Magdalena es representada con el cabello pelirrojo?” En la Historia del Arte nada es casualidad y las obras que contemplamos hoy día son el reflejo de una sociedad pasada. Tras sus tesis doctorales las investigadoras de la Universidad de Murcia (UMU), Patricia María Castiñeyra Fernández y María Victoria Zaragoza y su directora, María del Mar Albero, se dieron cuenta de que hemos normalizado visitar los Museos sin entender su historia por completo. Pero, sobre todo, de cómo se ha creado y distorsionado la imagen femenina a lo largo de la Historia desde la primera “mala mujer”: Eva. Es así como rinden homenaje hacia este personaje femenino a través de su cuenta de Instagram 'Herederas de Eva'.

En el Grado de Historia del Arte, ¿creéis que no solo las figuras femeninas han sido distorsionadas a lo largo de los siglos, sino también silenciadas?

Patricia: Totalmente. No solo en el Grado, sino en todos los programas de estudio. No nos podemos creer que incluso en selectividad no exista ninguna obra de mujeres artistas. Aparece Artemisia Gentileschi y poco más. Y lo más curioso es que prácticamente el 99% de las pinturas aparecen mujeres o están dedicadas a personajes femeninos.

María del Mar: En cuanto a las representaciones femeninas, a lo largo de la Historia del Arte se crean distintas tipologías desde los diferentes géneros, como la mitología, la pintura religiosa, el retrato o la pintura de género Aunque la mayoría de ellas están realizadas desde una visión masculina, no quiere decir que siempre estemos ante figuras idealizadas o normalizadas. En algunos momentos, como en el Siglo de Oro español, vemos a autores como Velázquez representando a mujeres reales en obras como 'La vieja friendo huevos', 'Las hilanderas' o 'Cristo en casa de Marta y María'. La distorsión o manipulación de la imagen de la mujer depende de la mentalidad de cada época y el mensaje que esconde.

Patricia: El problema viene cuando se tratan ciertas imágenes femeninas de forma superficial, es decir, si vemos a una mujer con un niño, sabemos que se trata de la Virgen María, pero no se profundiza en el personaje y no nos preguntamos por qué adopta esta postura, por qué utiliza esos colores, a quién iba dirigido. Ese fue el motor de nuestras tesis: investigar las imágenes femeninas como fuente para hacer Historia de las mujeres. Saber por qué hay cambios en cuanto a las representaciones de un siglo a otro. Por qué pasamos de esos cuerpos hieráticos a madres humanizadas que, perfectamente, podrían situarse tanto en una imagen sacra como en una costumbrista. Nosotras explicamos el contexto histórico de la obra, qué factores intervinieron en el pasado para realizarla. La imagen de la mujer no es que mejore, es que va cambiando conforme las necesidades y en función del contexto histórico y social de la época.

María: En mi caso, yo investigué las representaciones de las venerables durante el Barroco, a partir de la Contrarreforma, cuando la representación femenina cambia totalmente. Y llama bastante la atención porque durante el Renacimiento estas mujeres pasan desapercibidas, de hecho, apenas hay retratos de ellas, pero posteriormente, a partir de la Contrarreforma, de repente encontramos muchos retratos de ellas, son reconocidas casi como las heroínas de la época, como santas vivas que tuvieron un papel social muy importante.

 No obstante, una vez depositadas vuestras tesis doctorales, ¿qué pasó? ¿sentistéis que aún faltaba mucho por enseñar en un campo de la Historia del Arte como la iconografía femenina?

María del Mar: No solo una vez acabado el trabajo de investigación, sino durante el proceso. Recuerdo que se obtenía tanta información y tan interesante que fueron ellas las que propusieron la creación de este grupo de divulgación. La idea es que los resultados de la investigación no se quedaran solo en el mundo académico, sino abrirlos al gran público. Fueron ellas quienes me propusieron crear la cuenta en Instagram 'Herederas de Eva'.

Patricia: Se trata de divulgar y dar a conocer nuestra Historia. La perspectiva de género nos ayuda a comprender y analizar el papel de las mujeres en la sociedad a lo largo de los siglos. No es ideología lo que estamos haciendo, es Historia, y conocer esa Historia es fundamental para entender la situación actual.

María: Y contarlo de una manera amena y fácil, que todo el mundo pueda entenderlo. Mi ejemplo lo tengo en casa. Cuando estaba escribiendo la tesis, me acuerdo sw que intentaba explicarle a mi madre conceptos que hemos heredado socialmente y que, como mujeres, nos afectan aún a día de hoy, como puedan ser el matrimonio, la virginidad o los prejuicios sobre las mujeres. Porque son conceptos que se asumen a lo largo de nuestra vida, pero no nos paramos a pensar de dónde vienen.

¿Cuál es el caso que más os llamó la atención durante vuestra investigación doctoral?

Patricia: Hay muchos, pero por ejemplo la Sagrada Familia. En la Edad Media no existía como tal, es decir, era un grupo que se localizaba en escenas como el Nacimiento o la huida a Egipto. Pero en el Renacimiento empieza a aparecer una imagen más humanizada, la familia reunida y sin necesidad de ser una escena, en una estampa que podría ser cualquier persona corriente. María se mostraba joven como protagonista y un San José, más mayor en un segundo plano. ¿Por qué este cambio? Para mostrar a las mujeres de la época que su papel estaba en la familia, y que debían hacerlo al igual que lo hizo María, su mayor modelo.

Al final de la Edad Media, las mujeres tenían una vida un poco más independiente, aparecen libros como el de Christine de Pizan, la población masculina va a la guerra, por lo que aumenta el porcentaje de trabajadoras y comienzan a hacerse cargo directamente de negocios o tierras. Pero cuando empieza el Estado Moderno, los altos poderes necesitaban el desarrollo de las familias como motor económico y social, por lo que se realizan imágenes de una familia ideal en el que la mujer, la Virgen María, está cuidando al bebé. Me he dado cuenta que es como un péndulo, cuando las mujeres consiguen tener más libertad, vuelve la represión machista.

María: Continúo con el ejemplo de Patricia. En la Sagrada Familia después de la Contrarreforma, María pasa a un segundo plano porque se habla de la importancia de la figura del padre, se rejuvenece a San José y ya interactúa con el niño. Como este ejemplo, hay muchísimos más. Sin ir más lejos, podemos ver cómo la anunciación, un tema muy representado en el Renacimiento, se va dejando de lado y comienzan a representarse más Inmaculadas porque lo que se quería transmitir a las mujeres era distinto.

Personalmente, me he centrado en las venerables, tanto monjas como beatas, y la representación de la religiosidad femenina a través de la imagen de estas. Eran mujeres que destacaron socialmente. Y en esas obras aparecen experimentando visiones, en estado de éxtasis o retratadas, leyendo y escribiendo, pero en este último caso, es curioso porque casi siempre aparecen con un halo de luz, necesitan de la inspiración divina porque se consideraba que la mujer no tenía tanta capacidad intelectual como para escribir volúmenes sobre mística o teología. Aunque la realidad es que eran mujeres muy inteligentes, algunas de ellas incluso optaron por entrar en el convento porque allí podían satisfacer sus inquietudes intelectuales. Muchas escribieron obras y muy importantes, como sor María de Ágreda, que escribió 'Mística Ciudad de Dios' y que era confidente de Felipe IV.

Y toda esta información que habéis reunido la mostráis en vuestra cuenta de divulgación de Instagram 'Herederas de Eva', una de las primeras mujeres catalogada como 'mala mujer', por tentar a Adán.

María: Efectivamente, eso es lo que hacemos en nuestra cuenta de Instagram, intentar dar a conocer nuestras investigaciones, las cosas que vamos descubriendo y que nos ayudan a comprender muchos comportamientos sociales. Pero la verdad que aún nos cuesta adaptarnos al formato digital, es difícil ser constantes y compaginarlo todo, pero lo estamos intentando. De hecho, incluso nos hemos planteado hacer un pódcast. Siempre hemos realizado ponencias o visitas guiadas de hasta 70 personas en el Museo de Bellas Artes de Murcia. Tenemos en cuenta que salimos del mundo académico con unas normas y un vocabulario que no todo el mundo tiene que saber ni comprender y ese es precisamente nuestro motor, dar a conocer esa Historia del Arte con perspectiva de género a quien le interese y de forma comprensible. Nuestra idea es que no haga falta haber estudiado Historia del Arte para poder entender nuestros posts.

Patricia: Y a quien no le interese, pero nos infravalora. Hay ciertas personas que no entienden nuestro cometido, argumentando que esas cosas se saben ya, que no es para tanto. Hemos encontrado a gente muy reaccionaria a todo el movimiento feminista, quitándole importancia a hechos que están pasando desde hace siglos. Siglos de restricciones y estereotipos. A lo mejor, si fuéramos hombres hablando de representaciones masculinas no nos censurarían tanto.

Cuando Madonna publicó la canción 'Like a prayer' en 1989 hubo una reacción global de escándalo: la aparición en el vídeo de un santo negro hasta el uso de la cruz cristiana en el pecho de una mujer fue señalado de forma misógina por todos. ¿Qué opináis al respecto?

Patricia: Que la Historia del Arte es natural, va cambiando conforme avanza la sociedad. Habrá artistas como la Rosalía que se pongan como 'La maja vestida' en su videoclip 'Di mi nombre', y por este gesto mucha gente buscó a Goya en Internet o fue a verla al Museo del Prado. Todo se va reconstruyendo, se va creando una nueva Historia del Arte. Y esa nueva Historia del Arte debe de ser mostrada desde una perspectiva feminista y teniendo siempre presente el contexto histórico para entender la totalidad de las obras.

Todas las mañanas paso por la Plaza Escultora Elisa Séiquer, al lado del Museo de la Ciudad, y nunca fui consciente de la importancia de este sitio hasta que un día, una madre con su hija esperaban a que el museo abriese las puertas. La hija, en un acto de desesperación inspeccionó la zona hasta cruzarse con una placa, se volvió a su madre y le preguntó: “Mamá, ¿quién es Elisa Séiquer?”.

En ese momento caí: existe una plaza que honra la memoria de Elisa Séiquer, una de las escultoras más importantes de la Región. Cuando llegué a mi casa, encendí el ordenador y busqué murcianas que habían hecho historia, que habían sido partícipes, y el número de mujeres me abrumó y llenó de orgullo. Seguidamente, una sensación extraña, como si mi sexto sentido me estuviese hablando: “No te quedes en la superficie, empieza a hacerte preguntas. ¿Cuántas mujeres de la Región de Murcia han participado en la Historia? ¿Cuántas son conocidas actualmente? ¿Cuántas fueron silenciadas? ¿Cuántas tienen su reconocimiento en placas de calles, plazas o avenidas? ¿Esa niña que preguntó por Elisa Séiquer tuvo una respuesta?” Y tras muchas cuestiones, que solo hacían enfadarme cada vez más, una de ellas habló más alto que las demás: “¿Cuál es el origen?”

Intenté hacer un ejercicio de memoria: “¿Cuándo fue la primera vez que me hablaron de mujeres en la Historia?” Hubo algunos nombres: Cleopatra, Isabel la Católica, Juana de Castilla, Marie Curie y Frida Kahlo. Todas ellas formaban parte de ese cómputo, ese mejunje, que algunas personas se excusan con un: “Luego os quejáis. ¡Mirad cuántas mujeres tenéis de referentes!”

“Al margen de eso, céntrate María: ¿Te han hablado de figuras murcianas?” No. Nunca me hablaron. Es curioso hasta dónde puede llegar un pensamiento muy pequeño a una conclusión que dicta sentencia: “Durante toda mi vida he seguido unos cánones, unas pautas asociadas al género femenino (me han regalado un tipo específico de juguete, he oído frases de amigos y familiares sobre lo peligrosa que es la calle, si ya me he echado un novio, si quiero tener hijos). Porque todo lo que me rodeaba estaba ligado a eso. De pequeña, era lo que significaba ser mujer: llegar a una hora prudente a casa y acompañada, tener hijos y casarme. ¿Pero por qué? ¿Por qué ellos pueden soñar más alto y nosotras no?

Y en ese momento caí: No puedo alcanzarles porque desde pequeña no he tenido a nadie en quien fijarme. Pero ellos sí, durante toda su vida. Ellos han tenido referentes en todas las vertientes desde pequeños (ciencias naturales, sociales o artísticas). ¿Pero nosotras? ¿Nosotras hemos crecido con mujeres a las que poder aspirar? ¿Qué habría pasado si desde pequeña me hubiesen hablado de Francisca Moya del Baño, la primera catedrática de la Universidad de Murcia, de la poetisa María Cegarra, la primera licenciada de España en Ciencias Químicas, de la pintora María Dolores Andreo, de la primera jueza española María Jover Carrión o de Piedad de la Cierva, la primera mujer miembro del Consejo Superior de Investigaciones Científicas?

Murcia no solo es tierra de figuras masculinas, no sólo los hombres participaron en su Historia. Sin ellas, la Región de Murcia no la conoceríamos como ocurre actualmente? ¿O sí? ¿Seguiría siendo igual? ¿Cuántas de las mujeres que he mencionado anteriormente os sonaban? ¿En algún momento no os habíais cuestionado su ausencia en los libros de texto? ¿Cómo pretendemos evolucionar en una sociedad que las sigue silenciando, obviando lo que hicieron por nosotras, siendo las primeras en dar un salto que a muchas les costó críticas y juicios.

Ellas fueron las que se arriesgaron por nosotras, las que se plantaron frente a “lo que era correcto para una mujer”. Nosotras disfrutamos de unos derechos y libertades porque ellas lucharon. ¿Para qué? Ni siquiera nos cuestionamos por qué no crecemos con referentes, si de verdad no hubo ninguna presencia femenina en momentos históricos que nos enseñan desde pequeños. Por qué nos dividen nada más nacer: rosa y azul, muñecas y balones, utensilios de cocina y herramientas de taller, carritos de bebé y coches teledirigidos.

Todo esto parte del mismo origen: la Historia la escribieron aquellos con poder, tanto, que la modificaron. Aquellos que, cuando vieron que sus compañeras tenían las mismas capacidades que ellos, las silenciaron, las escondieron, las recluyeron en sus casas sin hacer ruido. Modificaron tanto la Historia que hoy día se sigue enseñando su versión. Fijáos bien: los museos están organizados para ensalzar la figura masculina, desde la Prehistoria hasta la actualidad. ¿Quién aparece cazando, construyendo, pintando, conquistando ciudades, apoyando a los artistas, ganando premios o en los laboratorios? ¿Cuántas exposiciones de artistas masculinos hay al año en nuestros centros culturales? ¿Y de mujeres? ¿Cuántos museos rinden homenaje a artistas femeninos? ¿Cuánta gente aún niega la presencia femenina? Esa presencia clave para comprender la Historia.

¿Cuántas veces os han cuestionado por ser mujer?

Hay creadores y artistas emergentes que optan por emigrar para buscar su inspiración, porque piensan que apostar por su tierra es un callejón sin salida. Blanca Pérez de Tudela (Alguazas, 1994) no es una de ellas. Desde sus inicios profesionales, se ha embarcado en proyectos en los que hablaba de sus raíces y de la riqueza patrimonial e histórica de la Región, como fue el caso del documental 'La Cárcel Vieja habla. Presos de la memoria' que rodó junto con Jeanette Conesa. Hablamos con la murciana sobre su nuevo documental 'La Algameca Chica'.

¿Cuál fue el motor que te impulsó a realizar proyectos personales relacionados con la memoria y el documental?

Imagino que esto tiene que ver con mi vocación periodística y la llegada de la madurez. Cuando era más pequeña, adolescente, sentía cierto complejo por ser de pueblo y soñaba con vivir en una gran ciudad tipo Madrid o Barcelona. Con el paso de los años, me di cuenta de que mi tierra y mis raíces también tenían muchas cosas interesantes que contar. Empecé a mirarlas con otros ojos y al poner el foco ahí encontré historias increíbles como la de la Cárcel Vieja, que nada tiene que envidiar a las películas sobre nazis que hemos visto cientos de veces en grandes pantallas.

O, por ejemplo, en el proyecto Maes, en el que analizo la figura de las mujeres en el ámbito familiar, descubrí cosas increíbles que tenemos interiorizadas y normalizadas las mujeres y que conviven mucho más de lo que creemos con nuestra propia identidad y que merece la pena que nos paremos a revisar. Al final, yo creo que lo personal, lo íntimo y lo local, es universal. Lo que me pasa a mi, le pasa a otros y lo que pasa en Murcia también pasa en Madrid, en París y en Pekín. Tenemos muchas tareas pendientes con nuestra tierra y quién mejor que los de aquí para empezar a homenajear y reconocer nuestras historias.

Ahora estás en un nuevo proyecto, enfocado en la Algameca Chica, un pueblo de la costa de Cartagena que se puso de moda porque muchos creadores de contenido la visitaron y lo subieron a las redes sociales.

Efectivamente. Lo que nadie te dice cuando consumes ese contenido, es que cuando la visitas sin saber su historia, la gente tiende a denigrar la zona. A mi me gusta decir que La Algameca Chica, o te gusta o no te gusta. No hay término medio. El otro día decía un amigo una frase que me pareció súper acertada: la Algameca Chica son lentejas, o las tomas o las dejas. Yo fui de ese grupo de personas que llegó a la Algameca y se enamoró de ella. Me pareció un lugar único, lleno de realismo mágico. Cuando conocí un poco más sobre su verdadera cara, me pareció aún más increíble, un sitio lleno de historia e identidad.

Cuando pones un pie en La Algameca Chica, la confusión espacio-temporal es rotunda. No sabes ni dónde, ni cuándo. Tiene algo de máquina del tiempo, de hecho, existe desde mediados del siglo XVIII. Pero me sorprendí más cuando descubrí que era un poblado costero alegal y autogestionado, ubicado en un limbo jurídico que pende del hilo de cinco administraciones públicas fantasma y que pese a llevar años en peligro de ser derruido, subsiste sin saber muy bien cómo ni por qué. Y esa es una de las grandes cuestiones que me gustaría contar en este documental.

Además de esta situación particular, ¿hubo otro motivo por el que comenzaste a realizar el proyecto?

¡Por supuesto! Cuando empecé a investigar, me di cuenta de que, incluso los propios vecinos de Cartagena no conocían la Algameca Chica o tenían una imagen de lo que era distorsionada. En el identitario general creen que es un pueblo de pescadores, cuando la mayoría de los vecinos son gente de Cartagena que tienen ahí su segunda residencia, donde pasan las vacaciones. Sí, la mayoría de ellos pescan, pero por afición y puedes encontrarte desde un carpintero hasta un alto cargo militar.

La imagen de la Algameca Chica también está muy vinculada con la marginalidad y se cree que está habitada por gente peligrosa. Esto último se debe, entre otros motivos, a que algunos medios de comunicación han maltratado mucho el lugar, haciendo una caricatura de él, ridiculizado a sus vecinos y vecinas y su forma de vida, guiándose por el morbo y el sensacionalismo y haciendo mucho daño a una comunidad que no ha hecho daño a nadie, sino que más bien se ha convertido en un ejemplo de gestión y de forma de vida en muchos aspectos. Esto me indignó, de manera personal y como periodista, así que este documental también es en parte una revancha. Visibilizar lo que es la Algameca Chica, y ayudar a protegerla de la amenaza de derribo o desalojo. A mí me parece una razón de justicia y me motiva, y me llena enormemente pensar que puedo poner mi granito de arena para conseguirlo.

¿Y cómo es que un proyecto documental independiente, que en un principio iba a durar tres días de rodaje, ha terminado convirtiéndose en algo bastante más grande?

Esa pregunta me la sigo haciendo todavía. Al principio era, como dices, un proyecto en el que no contaba con medios suficientes como para organizar un rodaje que fuera más allá de tres días. Pero pedí ayuda. Contacté con un vecino que me dejó su barraca, llamé a una muy buena amiga y empezaron a sumarse familiares, amigos, conocidos, vecinos y vecinas que nos prestaron equipo de cine profesional, y que se vincularon al proyecto como si fuera suyo. Los medios de comunicación también ayudaron muchísimo difundiendo lo que estábamos haciendo. También he contado con la ayuda del historiador José Ibarra que se ha involucrado al 100%. No sabría describir esa sensación de compañerismo, me parece que le da incluso más sentido si cabe al documental.

¿Nos podrías hacer un pequeño adelanto sobre lo que vamos a encontrar en tu documental?

Os puedo adelantar que no es una historia tradicional, con su inicio, nudo y desenlace, sino el testimonio de vecinos y vecinas de muchas generaciones y que, por tanto, han vivido diferentes momentos históricos. Por ejemplo, hay un vecino que protagonizó un suceso muy convulso en los años 90, cuando la Algameca sufrió una etapa de bastante amenaza por parte del cuerpo militar. Les obligaron a llevar un carnet identificatorio y a someterse a constantes registros para entrar a sus casas.

También entrevistamos a una señora que nos acogió en su casa y nos contó todos sus recuerdos de cuando era más joven y de cómo vivían las fiestas populares. Esto no es una historia tradicional, es una historia real, que reivindica el poder de subsistir y seguir siendo la Algameca Chica sin amenazas constantes de derribo y desalojo. Seguir viviendo como lo están haciendo hasta ahora, y que el día de mañana, si llegara una amenaza, cuenten con una comunidad más grande que los defienda por su valor histórico y patrimonial. Cuantos más ojos vean y más oídos escuchen hablar de la Algameca Chica, este pueblo va a ser más fuerte, así que animo a todo el mundo a apoyar y difundir este documental.

¿Entonces cuándo veremos la fecha de estreno?

No hay fecha de estreno. Todo depende de cómo se agilicen las cosas con la postproducción A mí me encantaría tenerlo para verano, porque una de mis ilusiones y del resto del equipo, es que la primera proyección del documental se haga en la propia Algameca, en la explanada donde juegan los niños. Para que se haga realidad, necesitamos montar la película y todo lo que ello conlleva (el color, la edición, el sonido, la música original, la cartelería, las distribuidoras, la infraestructura para el estreno…) Para pagar a esos profesionales, el 28 de enero vamos a abrir un crowdfunding, a través de la plataforma 'Verkami', una herramienta que recauda dinero, donde la gente hace sus propias aportaciones y así ayudar a que proyectos, como el mío, vean la luz. A cambio, nosotros ofrecemos una serie de recompensas que sirven para motivar y agradecer esas aportaciones.

Nuestro primer objetivo es llegar a 5.000 euros y tenemos 40 días para conseguirlo. Hemos fijado esta cifra para ser prudentes, y así aumentarla en el segundo objetivo, en el tercero y así hasta que podamos pagar una cifra digna a aquellos que se ofrezcan. Si no lo logramos, lo perdemos todo y se devolverá el dinero a los mecenas, pero nuestro propósito es conseguirlo para que la Algameca sea escuchada, y dar a conocer una realidad que necesita ser vista y oída, y toda ayuda es bien recibida.

¿Crees que seguirás realizando documentales sobre la Región de Murcia?

La Región de Murcia está llena de pequeñas y de grandes historias, muchas de ellas únicas y desconocidas. Ojalá pueda seguir contando alguna de ellas. A mi el documental me sale solo, quiero decir, que lo siento como un idioma propio, con el que me identifico. Imagino que será porque es un género que reúne todo lo que me gusta: audiovisual, historias y realidad. Encima, es flexible y se puede ficcionalizar y literaturizar. Descubrirlo fue una suerte porque para mí cuenta con todos los ingredientes necesarios.

A través de él he conseguido conectar con personas, con realidades y con historias y este proceso me ha hecho sentir muy plena. Como si fuera parte de algo más grande. Algunos encuentran este sentimiento en la religión y yo imagino que lo he encontrado en esta profesión. Seguiré tropezando con historias, lugares y personas y viendo documentales en ellos, de eso estoy segura. Ojalá para ese entonces siga teniendo la energía y la posibilidad de materializar todo esto en una película, porque lo demás estoy segura de que viene siempre solo y cuando menos te lo esperas.

Cada vez que asistimos a un concierto, un espectáculo de baile o una exposición, se agudizan diferentes sentidos que ayudan a comprender y disfrutar del momento, pero…¿qué pasaría si estas disciplinas se complementasen en una misma obra? Hablamos con el colectivo Huellas, un grupo formado por Andrés (guitarrista), Gema (bailarina) y Blanca (pintora), los seleccionados que abrieron las conferencias de la cuarta edición de MU-TANTES para hablarnos de su proyecto que quieren llevar a cabo por diferentes eventos e instituciones. Pero, ¿cómo surgió Huellas y la idea de combinar tres disciplinas diferentes?

“Yo llevo siendo bailarina desde los doce años” empieza Blanca, “me he formado en distintas academias, viajando, incluso he sido profesora de danza. Cuando me adentré en el mundo de la pintura, aprendí de forma autodidacta, buscaba las formas para aprender, y al final estudié diseño gráfico”. Gema continúa presentándose: “Empecé en una academia de danza a los quince años con lo que antes se llamaba ‘danza moderna’, y poco a poco fui adentrándome en distintos estilos. Visité varias ciudades y me formé con artistas nacionales e internacionales y comprendí con el tiempo que, para aprender a bailar y buscar tu estilo, hay que entrenar y rodearte de personas que te complementan. Ahora estoy con la improvisación y buscando el movimiento, sin etiquetas”. Termina de presentarse Andrés: “Mi educación fue más salvaje. Con catorce años mi padre me compró una guitarra y fui a unas clases en el colegio, te puedes imaginar treinta críos haciendo ruido. Al mes me desapunté y me dediqué a tocar en mi casa por mi cuenta hasta que descubrí la improvisación. Con 16 años empecé a dar conciertos hasta que entré en el conservatorio de Barcelona durante cinco años”.

Teniendo un punto de partida con el que empezar, los entrevistados comienzan a recordar el origen de Huellas, en cómo Blanca estaba atravesando una crisis creativa hasta que encontró a Gema y surgió la idea de combinar danza y pintura, al que, poco tiempo después, se sumó Andrés y su guitarra en directo. Ese proyecto, que en un principio era un borrador, le devolvió la ilusión del primer día, la energía de volver a crear, y comprendieron que Huellas surgió de la necesidad de poner en común sus lenguajes, y crear uno conjunto. “Es un proyecto donde los tres estamos muy involucrados, todo tiene sentido por razones distintas de cada uno, y hemos trabajado con mucha complicidad, porque estamos comprometidos y nos gusta lo que hacemos”.

Gema añadía que, para ella, compensaba esta experiencia nada más que por vivir el proceso de juntarse, explorar, crear, dar ideas, el prueba y error, y el resultado final. “Nuestra pieza se basa en ensalzar nuestra evolución, no solo el resultado, sino los meses que llevamos trabajando. Nuestro crecimiento como grupo. Lo que mostramos en directo es la creación de la obra, no una vez finalizada y fuera de contexto, sino que queremos hacer partícipe al espectador y que tenga muchas sensaciones al ver tres disciplinas distintas a la vez”.

“Por no decir que es único”, apuntaba Blanca, “Cada vez que construimos y deconstruimos la obra surge una nueva. Todo se basa en la improvisación. Sabemos el guion pero las palabras empleadas son distintas, depende nuestro momento, de cómo nos sentimos, de lo que está pasando. Según lo que toque Andrés, Gema baila de una manera u otra, y yo pinto los movimientos que realiza en ese momento. Por lo tanto, cada actuación es única e irrepetible”.

Aún así, Huellas es una pieza con los pies en la tierra. Saben que en el proceso hay errores y conocen el panorama artístico de Murcia junto con los artistas emergentes. Andrés señalaba que ellos no se calificarían como “los primeros en realizar este tipo de piezas”, porque en Madrid y Barcelona forman parte de determinados eventos. Incluso añade al final: “¿Quien te dice que a dos calles no hay otro grupo que también esté haciendo lo mismo que nosotros? Lo que sí podemos decir orgullosos es que hemos sido pioneros en un festival como MU-TANTES”.

Los artistas explican cómo en cuestión de cuatro ediciones se ha convertido en un evento social donde artistas, gestores y figuras del ámbito de la cultura se reúnen para disfrutar de las exposiciones que se realizan en la Cárcel Vieja: “Cuando fuimos a ver MU-TANTES el año pasado, nos dimos cuenta de que era algo que nos apetecía hacer, teníamos ganas de crear y compartir, y este festival daba la oportunidad a artistas como nosotros. MU-TANTES despertó algo en nosotros y nos creó la necesidad de formar parte de ello, así que echamos la solicitud y nos han dado esta oportunidad. Estábamos en el sitio y momento correcto. Imagínate que ese día no hubiéramos ido a la Cárcel Vieja”.

“¿Y del panorama artístico? ¿Os compensa todo este esfuerzo? ¿Recibís ayudas para llevar a cabo Huellas? Esa pregunta generó silencio en la sala. ”A nivel emocional nos compensa. Pensar que nuestra pieza puede despertar el interés de quienes nos vean, que una niña pequeña piense ``¡Qué guay, yo también quiero!´´. Ese sería el mayor impacto y recompensa, la capacidad de inspirar. El arte no te puede traer nada malo si te lo pasas bien y disfrutas, pero si tu objetivo es hacerte famoso, te vas a llevar una decepción. Es muy difícil impulsar a muchos artistas, lo sabemos. El mundo del arte es una empresa. Puedes invertir en tu proyecto y quedarte en números rojos o que salga bien. Súmale la falta de ayudas y subvenciones. Blanca, por ejemplo, cuando ensaya tiene que invertir en materiales, soportes y demás. Eso hace que el proceso sea más difícil y costoso. Sería interesante que cuando se planteen estos eventos, haya una remuneración“.

Como próximo proyecto, el dieciséis de enero actuarán en el Teatro Romea junto con más artistas, como el dueto María y Clara, Paisaje Raíz o Luka. Se trata de la 1ª Gala Sombrero Solidario, un evento cuyas recaudaciones serán destinadas a la investigación del cáncer de mama triple negativo. Ante esta iniciativa, los murcianos y murcianas no han dudado en responder, ya que a finales de diciembre de 2023 colgaron el cartel de SOLD OUT.

Para finalizar, los tres sonríen orgullosos de su pieza y aportan sus últimas palabras: “La creatividad se basa en combinar esas cosas que aparentemente no tienen una relación clara, pero encuentras los lazos indicados que hacen encajar todos los engranajes de una manera muy bonita”.

Cuando hablamos del panorama musical urbano nos viene a la cabeza una lista interminable de nombres masculinos dominando los primeros puestos y un número muy reducido de mujeres. Este año comenzó a hacer ruido y abrirse paso una murciana en la industria, coronándose como la vencedora de Reyes de Plaza España. Hablamos con Julia Moreno Martínez, más conocida en los escenarios como Julia Cry, con motivo del lanzamiento de su primer disco 'Insisto' y del último videoclip, 'Rata'.

“Tengo que reconocer que ambas Julias no son tan distintas”, reflexiona. “A lo mejor Julia Cry es un poco más empoderada, más decidida y dispuesta. Pero me considero una persona con un carácter muy fuerte para lo bueno y lo malo, y muy creativa desde muy pequeña. Siempre me ha gustado pintar, escribir cuentos y poemas, pero nunca me replanteé dedicarme al arte porque mis referentes trabajaban en puestos más estables. Soy de darle vueltas a las cosas” cuenta entre risas. “Recuerdo mi etapa en el colegio o instituto y confieso que nunca he sido una estudiante ejemplar, aunque sí buena alumna, de las que odiaba las injusticias y salía a defender”, subraya la cantante.

Julia compara el sistema educativo de las anteriores generaciones: “Tengo TDAH y eso repercutió en el colegio. No dormía bien, iba a clase sin ganas, me tiraba el tiempo en orientación y eso me generaba ansiedad. Sentía que no encajaba porque no me gustaba lo que estudiaba y esa frustración junto con lo que suele vivir un adolescente -peleas con tus padres, relaciones con chicos o chicas…- la pasé al folio desde los doce o trece años”, recuerda. “Es curioso lo que me costaba estudiar y lo fácil que me resulta hacer música, pero eso es porque lo tengo todo en la cabeza, solo tengo que transmitirlo”, comparte.

“Cuando cumplí diecisiete años me di cuenta de que tenía muchas letras, así que cogí veinte euros y fui a un estudio a grabar mi primer tema de influencias R & B y un poco de trap urbano, aunque he de reconocer que mis gustos musicales han variado. De pequeña me crie con Fito y Fitipaldis, mi padre ponía mucho blues y jazz, y en mi adolescencia me adentré más en el mundo del rap”, enumera. Fue en ese momento cuando Julia Cry comenzó a adentrarse en la industria musical: “Con diecisiete años imagínate todo lo que aprendí de golpe. Caí en un círculo muy intenso y tóxico que al final influenció en mi forma de ser y pensar. Sé que soy consciente de que, para la edad que tengo, aún me queda mucho por aprender, pero si no hubiera sacado mi primera canción y vivido todo lo que ocurrió después, seguramente con veintiún años no sabría ni la mitad”.

“Nunca me han dicho nada directamente. Aunque cuando empecé algunos hombres nos hacían enfrentarnos a las pocas chicas que hacíamos música con el propósito de distanciarnos en lugar de hacer piña. Me ha pasado mucho que, por ser pequeña, he recibido muchos comentarios de hombres adultos sobre cómo debería hacer las cosas, ¿sabes cuántas veces he escuchado 'Uf, te queda mucho por aprender'? A lo que pienso, 'No hace falta que me lo digas y me lo repitas con cara de vinagre, ya lo sé'. Es a este tipo de personas a las que parece que les duele el mero hecho de verme segura de mí misma, siendo más pequeña y mujer”, reflexiona.

¿Y ahora cómo está Julia Cry? Ante esta pregunta, guarda un breve silencio y sonríe: “Hoy día mi manager me puede decir lo que opina sobre cualquier tema, y gracias a estos años, y al equipo que tengo, he aprendido a calmarme, ser talante, valorar qué opiniones me tienen que afectar. En este último año me estoy profesionalizando y formalizando más”.

No todo es casualidad, precisamente este 2023 ha sido para Julia el despegue de su carrera artística profesional. Todo se remonta al 13 de mayo, cuando Murcia celebraba la decimotercera clasificatoria de Reyes de Plaza. El premio: competir contra los clasificados del resto de Comunidades Autónomas en Barcelona. Siendo solo cuatro chicas, Julia, dejó el listón alto y se clasificó como la ganadora de esta edición. Una vez en Barcelona y acompañada de su equipo, solo fue cuestión de ir escalando hasta que llegó a la final compitiendo contra Ans, el ganador de Asturias, una batalla muy reñida pero que al final acabó llevándose la corona la murciana. “Si no hubiera ganado no habría pasado nada, pero es verdad que me quedé muy tranquila. Fue como 'por fin estoy viendo un beneficio que viene de la música'. Así que con los 3.000€ del premio pude pagar a mi equipo audiovisual que hasta entonces no estaba viendo beneficio”.

“Tengo mucha suerte porque tengo una red de apoyo que me acompaña, por un lado, mi familia de sangre. Ellos son los que han estado junto a mi desde el principio, aun sabiendo las posibilidades de triunfar. Mi madre ha hecho de ayudante de producción, mi padre hace de road manager y mi hermana me maquilla. Incluso en el videoclip de 'Chico cuidao' todos los figurantes que aparecen son amigos de mis padres y familiares. Por otro lado, tengo a mi equipo de producción musical que confía en lo que hago, al equipo audiovisual que es con quien hago los videoclips o la parte de creatividad. Detrás de un vídeo bonito de dos o tres minutos, han sido semanas de preparar lo necesario y luego dos días de rodaje con todo lo que conlleva: una buena dirección de arte, fotografía, asistencia y muchísimas cosas más, y en ese proceso todos disfrutamos y nos apoyamos. Es como un círculo que se retroalimenta”.

Y hablando de videoclip, ¡ya está disponible 'Rata', calificado por la propia Julia Cry como “especial y un poco fuerte”. Y, además, “Insisto ́”, su primer álbum, donde nos ha permitido disfrutar de canciones como “La escuela”, “Me he equivocao’ de camino”, “Chico cuidao’́” o “Tan tan”, subidas durante estos meses: “”Insisto“ habla un poco de los mensajes que hemos hablado en esta entrevista, es decir, una chica que le ha costado llegar hasta donde está, que tiene mucha crítica social y muchas cosas que contar a través de ritmos urbanos pero hay más sorpresas dentro de este disco. Es un álbum que transmite mucha fuerza, mucho poder y me atrevo a decir que un poco de oposición a todas esas personas que se cruzan en el camino y que te intentan derribar, mover, que no confían en ti. Esto es como un ”yo insisto, soy Julia, y lo voy a hacer“.

“A las chicas que estáis empezando en este mundo, deciros que seáis listas. Lo importante es que sigas en tu camino, que pises sobre seguro porque haces las cosas con corazón. Esfuérzate, hazlo, repítelo y dale vueltas. Pero sobre todo: rodéate de gente buena, no tengáis prisa y cada tío machista que os crucéis, oídos sordos. Hay muchos hombres que van a querer hacer que os sintáis pequeñas, así que, tened paciencia y estad seguras hasta el final”, concluye.

Posiblemente tengan la misma concepción de una sala de exposiciones: un espacio donde se muestran creaciones artísticas cuyos espectadores deben de estar en silencio para que reine la armonía y la concentración. Sin embargo, debido al descenso de visitantes, hay ciertas galerías que quieren desligarse de esa imagen errónea. Entrevistamos a Carlos Salas, dueño de LaLuz Mediterranean Art, localizada en la calle Alejandro Séiquer frente a la Plaza Cetina y, aunque solo llevan abiertos desde febrero de 2023, han logrado realizar 15 exposiciones.

“Soy una persona enamorada del arte, y por eso siempre he querido dedicarme a algo relacionado con este mundo. Por un lado, como profesor, tanto en la Universidad como en la Escuela de Arte, y por otro escribir en libros, artículos de investigación, textos para artistas o exposiciones. Con el tiempo, me di cuenta de que necesitaba hacer algo más, y es ahí cuando me di cuenta de que quería aportar mi granito de arena poniendo a los artistas en contacto con el público, organizando exposiciones… Y la galería es el lugar ideal”.

Después de este recorrido profesional vinculado con el mundo del arte, Carlos confiesa que llevar una era una idea que siempre había tenido en mente pero que nunca se había planteado ejecutarla hasta que unos amigos le dieron ese pequeño empujón. Cuando le pregunto el origen de su curiosidad por las galerías, nos remonta a su niñez: “Mi abuelo materno era artista y mi abuelo paterno fue el primer director de la academia de Bellas Artes en Murcia, así que desde niño estoy acostumbrado a ese entorno artístico. No quiere decir que de pequeño fuese todos los fines de semana a las galerías de arte, jugaba al fútbol como los demás”, dice entre risas.

“Siendo adolescente, empecé a ir cada vez más, presenciando cómo muchas de ellas desaparecían, como la más popular de la época y que tras 70 años cerró sus puertas en 2022: Chys, y cuando empecé el grado lo fundamenté más hasta hacerlo costumbre. Es algo sano y para quien se quiera dedicar a este mundo, imprescindible. Actualmente tenemos muchas estupendas que funcionan y nos representan muy bien, incluso comparándonos con otras ciudades de tamaño similar, en Murcia tenemos bastantes”, explica el galerista.

Artistas de la Región, Alicante o Andalucía

Centrándose en su Galería, LaLuz Mediterranean Art, un nombre que no deja indiferente a nadie, explica por qué la bautizó de esta manera: “Le dimos muchas vueltas y al final pensé en algo que pertenezca a nuestra ciudad, que sea cercano y algo positivo. La luz frente a la oscuridad, también una evocación al Siglo de las Luces, de la razón, al Santuario Íbero de la Luz. Por otro lado, Mediterranean Art, queríamos que no fuese solo arte contemporáneo, sino que concretase un entorno, y los artistas con los que trabajo son de ese ámbito. La mayoría son de la Región, pero otros vienen de Alicante o de Andalucía, entonces creo que ese concepto de Mediterráneo nos da cierta identidad”.

“Trabajar con ellos ha hecho que los conozca en primera persona, además, me honra que piensen en nosotros para exponer sus obras y que los conozca más gente. Pero también damos cabida a artistas que están empezando con fuerza e ilusión, dando sus primeros pasos, y nosotros queremos apoyarles, no solo exponiendo en la galería, sino también aconsejándoles, guiándoles, aportarles nuestra visión. Esa es la idea de LaLuz”, continúa Salas.

Con respecto a estas últimas palabras le preguntamos si existe una imagen errónea sobre los espacios artísticos: “Mucha gente que pasa por delante se quedan mirando con respeto y no saben si entrar porque piensan que hay que pagar o comprar una obra obligatoriamente. Se trata de venir a visitar y de pasarlo bien. Este es un lugar abierto al público, al igual que pueden ir al Museo de las Claras o al de Bellas Artes. No obstante, queremos ampliar el círculo de visitantes, y es por eso que estamos pensando en utilizar la galería de forma multifuncional, hacer actividades mientras se realiza la visita, como actuaciones, intervenciones, mesas redondas, entrevistas en directo u otras disciplinas. Estamos abiertos a propuestas”.

Finaliza volviendo a la clave de esta conversación: hay que conocer los museos, galerías, centros culturales, desde pequeños para valorarlos en un futuro. Cuanto más conozcan y aprecien los murcianos y murcianas su riqueza cultural, antes se convertirá en una sociedad de mayor calidad.

El pasado 30 de noviembre finalizó la cuarta edición de MU-TANTES, un festival que engloba diferentes disciplinas artísticas desarrolladas en la Cárcel Vieja, pero… ¿los murcianos y las murcianas conocen la historia de las cuatro ediciones de este proyecto? El diseñador gráfico Cristóbal Sanchez Nicolás, formado en la Escuela Superior de Diseño, es uno de los organizadores que conforman el equipo junto con Roberto Navarro, Lola Baños, Adrián Marzal y Jose Lorente.

¿Cuándo surge MU-TANTES? Para ello nos tenemos que remontar al pasado, a los orígenes de Cristóbal: “En mi casa me inculcaron la música y la lectura. Desde pequeño he ido a conciertos y siempre he sido un crío con inquietudes. Me llamaba la atención cómo se hacían las cosas. A lo largo de mi vida he comprado muchos discos y mi cabeza se iba componiendo gracias a la música hasta que descubrí el diseño gráfico”. No fue hasta el proyecto final de carrera cuando, junto con uno de sus compañeros de Diseño, crearon el prototipo de MU-TANTES. “Todo el mundo nos decía que teníamos que hacerlo realidad, así que fuimos tocando puertas hasta conseguir realizar la primera edición en el Centro Cultural Puertas de Castilla, donde tuvimos el apoyo de Jesús de la Peña. Tras muchas reuniones con el Ayuntamiento, el ICA y el Centro Párraga, nos dieron la oportunidad de hacerlo posible”.

“Aun así, al ser la primera, todo fue muy humilde y totalmente autogestionado, sin subvenciones, en una sala pequeñísima donde doce artistas expusieron colectivamente. Creo recordar que cada uno tenía 2 metros de pared. Y a pesar de eso, vinieron más de 400 personas. Fue apoteósico”. Recordaba entre risas. “Ahí empecé a tener una inquietud, ese momento me hizo ver las posibilidades que tenía el evento y fue un poco el ‘click’, es decir, fui consciente de que estaba generando un festival sin tener experiencia en la gestión cultural, pero con una madurez que solo me la pudieron dar los festivales a los que he ido durante toda mi vida. Eso hizo que las inauguraciones de MU-TANTES se convirtieran en un acto social, donde toda la gente de la cultura y el diseño venían a vernos”.

“La segunda edición se realizó gracias a que me concedieron una ayuda para el proyecto y nos trasladamos al Cuartel de Artillería pasado el Covid-19, el primer acto cultural que se hizo en Murcia. Recuerdo que teníamos que hacer pases cada veinte personas para que subieran a ver la exposición y vinieron un total de 600 personas. Recuerdo que volví a sentir lo mismo que la edición anterior, y eso hizo que me dieran ganas de volver a programar una nueva”.

“Aun así, la tercera edición no habría sido posible si no fuera por mi equipo. Son maravillosos. Se nos encendió la bombilla de lanzar la propuesta de funcionar como un festival que se realizara en la Cárcel Vieja y lo presentamos con un dossier bastante potente. Mamen Navarrete y Mercedes Hidalgo, se quedaron con la boca abierta y dijeron ”queremos hacer esto en Murcia“. Desde ese momento el festival pegó una explosión fuerte, incluso a nivel nacional, y es ahí cuando fuimos conscientes de que lo que estaba pasando era algo grande, aun tratándose de un proyecto independiente que reivindica el movimiento underground. Me quedo con que llegue a los profesionales del ámbito cultural de toda España y que flipen porque es un festival que abarca muchas vertientes. Me llena más un mensaje de un amigo diciendo ”tío lo estás haciendo genial“”.

“En esta cuarta edición hemos recibido un total de 134 propuestas con un nivel altísimo, una absoluta locura, y quedarnos con los artistas de este año nos ha llevado dos días intensos a todo el equipo. No somos quien para juzgar, pero sí quien decide los que encajan mejor en el proyecto”.

Después de repasar las cuatro ediciones de MU-TANTES, comienza a hablar del panorama cultural de la Región de Murcia, finalizando con: “Es una ciudad de oportunidades, un sitio perfecto para evolucionar creativamente. Creo que se tienen las herramientas para desarrollar un proyecto, solo tienes que poner ganas y constancia. Si no lo haces tú, no va a ser posible y nada llega solo. Eventos como MU-TANTES u otros que se están realizando ahora mismo están abriendo puertas a nuevas generaciones que poco a poco empiezan a calar en Murcia. Solo falta que nos ayuden a ser pioneros.”

Su seña de identidad es la fotografía callejera. Quiere plasmar en sus obras una Murcia desde los ojos del turista recién llegado a la ciudad, captar rincones que pasan desapercibidos para nosotros para luego exclamar: “¡¿Esto es Murcia?!” Así es Pepe Jara, y el pasado jueves 9 de noviembre inauguró su nueva exposición en LOFT 113.

Seguramente hayas pasado por su lado. Es un fotógrafo muy silencioso que pasa desapercibido por la calle. No quiere molestar, solo busca el momento perfecto para capturarlo. Así es Pepe Jara.

Su pasión por este arte no es casualidad. Desde pequeño, sus padres le inculcaron el valor de la pintura y las exposiciones: “Provengo de un padre enamorado de la pintura, y de una familia que apostaba por los pintores murcianos. Recuerdo asistir a exposiciones en Chys, Yerba, a muchas galerías o salas de arte que hoy desgraciadamente han cerrado. He conocido a grandes pintores murcianos, incluso en mi casa tenemos algunos de sus cuadros”.

No obstante, su fascinación por la pintura se vio eclipsada cuando conoció la fotografía. Desde que tenía 20 años, Pepe frecuentaba la tienda Climent de la Avenida Constitución, donde revelaba sus fotografías analógicas, compraba carretes, papeles de fotografía: “Aquello era maravilloso”, decía con una sonrisa nostálgica. “Mucha gente fotografiaba por afición. Era algo que se hacía muy a menudo”.

Admite que, a pesar de que su fotografía está influida por los gustos de su padre, hay una pequeña diferencia entre ambos: “A mi padre le gustaban las pinturas donde representan paisajes con mucha melancolía, nostalgia y sin personajes. Personalmente, mis fotografías no muestran el paisaje por el paisaje, sino figuras humanas insertadas dentro de él. Sobre todo mi mujer y mis hijas, mis protagonistas favoritas”. Pepe se rió cuando le dije que los gustos de su padre me recordaban a los pintores románticos del siglo XVIII, añadiendo que a él le encantaba el arte moderno, y que, si tuviera que elegir entre el MoMa o el Prado, no tendría ninguna duda, a pesar de que su formación comenzara en la pintura clásica.

Después de hablar sobre el paso de los años y con ello, la aparición de nuevas cámaras, admite que le costó meterse en ese mundo, ya que no era la misma calidad que su analógica. Comparaba entre risas su primera cámara digital de 1 megapíxel y que, a menos que la publicara en internet a un tamaño muy pequeño, no compensaba. No se adentró en el mundo digital hasta que comenzaron a fabricar las cámaras de 16 megapíxeles, y en 2019 se dio cuenta que le transmitía la misma pasión y alegría que cuando las realizaba con su analógica años atrás. “Hago 50 fotos en una tarde, llego a casa, las descargo, elimino las que no me sirven y las elegidas suelo editarlas con Lightroom”. Añade que “una fotografía no necesita mucho tiempo, aunque hay veces que algunas sí por su proceso. Leí que la obra artística se impregna del trabajo que le había dedicado el autor, es decir, cuanto más tiempo empleado, más energía tenía esa obra. Cualquiera puede ser fotógrafo siempre y cuando le dedique tiempo a hacer fotos, a prepararlas, a nutrirse y tener una base”.

Después de hablar de su pasado, nos detenemos en el presente, en su nueva exposición en LOFT 113. “Se trata de una selección de fotografías sin un tema en común, solo buscaba que fueran impactantes. Todo artista (si pudiera considerarme un artista), debe de tener unos consejeros. En este caso, son mi mujer y mi hija Carlota. Ellas dicen que, si una fotografía no tiene el ‘Efecto WOW’, tengo que descartarla. Lo curioso es que siempre coinciden. Algunas de las fotos que publico tienen un contexto, un significado. Digo esto último porque, aparte de la fotografía, soy un lector apasionado, y a muchas de mis instantáneas, le otorgo un comentario que le da otro significado. Por ejemplo, ‘Salida nula'”.

“Este tipo de comentarios los llamo ‘nanorrelatos’: Añado un título a la foto, cobrando así una nueva visión. Este gesto tan simple une mis dos pasiones: la literatura y la fotografía ”. Pero Pepe más tarde añade una tercera pasión: cantar. “Tengo un disco que se llama ‘Neoncactus'”. Aprovecho este dato para preguntarle sobre Murcia y el panorama musical actual: “Es una gran potencia, superpuntera que llama la atención, y los grupos que están emergiendo son maravillosos. Murcia tiene que ponerse las pilas con el resto de creaciones artísticas porque el arte contemporáneo está ganando terreno y tiene más adeptos que hace 10 años”.

Joseph Mallord William Turner, uno de los mejores paisajistas de la historia, es uno de los artistas que ha inspirado al pintor Antonio Gálvez en su nueva exposición ‘Atmósferas’, una pequeña muestra que se puede visitar hasta el 25 de noviembre en la Galería LaLuz Mediterranean Art junto a ‘Mapas y Territorios’ del pintor murciano multidisciplinar Salvador Torres.

Antonio Gálvez, nacido en Orihuela, sabía desde los 9 años que quería ser profesor de dibujo. Eso es lo que contaba el pasado jueves 2 noviembre en la inauguración de ‘Atmósferas’. A pesar de que sus padres le advirtieron que “de la pintura no se puede vivir”, fue un profesor de la Escuela de Artes Aplicadas de Orihuela quien realizó el veredicto final: “El chico tiene que estudiar Bellas Artes”.

Para acceder a la Escuela de Bellas Artes de Valencia de San Carlos, tuvo que hacer un examen de ingreso: “Pertenezco a la última promoción del Plan Antiguo”, contaba, “consistía en una prueba con carboncillo sobre una pieza de 1 metro de altura. Duraba 15 días porque la escultura que teníamos que representar necesitaba claroscuros, no nos convencía el ángulo y teníamos que volver a empezar. Era una clase de 40 alumnos que nos disputábamos nuestra plaza. Y yo fui uno de los que ingresó”.

Antonio recuerda las clases obligatorias de Bellas Artes, donde descubrió el paisaje y su vinculación con Turner, uno de los pintores románticos más importantes del siglo XVIII, cuyas obras paisajísticas en acuarela como «El combativo Temerario siendo remolcado a su último fondeadero para ser desmantelado» son muy reconocidas.

Además de ingresar en la Escuela de Bellas Artes de Valencia de San Carlos, fue becado para realizar una estancia en Segovia durante el mes de agosto. “Teníamos que pintar a primera hora de la mañana porque llegaba el sol de las 12 del medio día y era insoportable. Recuerdo con orgullo que, antes de volver a casa, se realizaba una exposición con las obras de los pintores becados de toda España”. Añade entre risas: “Los canarios eran más distanciados, yo me llevaba muy bien con los andaluces”.

En cuanto a sus preferencias artísticas, admite que le gustan los clásicos, como Goya, aunque ya no se puede pintar con su técnica o con la de Velázquez. “Vivimos otros tiempos”. Si bien más adelante confiesa que Antonio López es un gran pintor. Nos cuenta su admiración por los paisajistas españoles del siglo XIX, cómo el Impresionismo era una estilo que le gustó mucho hasta que descubrió a Turner y a los expresionistas abstractos alemanes, los cuales representaban la realidad de forma subjetiva, distorsionada y deformada. Esta selección tomará forma en sus propias obras, donde no sigue la línea abstracta y figurativa contundentemente. En esta ocasión, nos muestra un paisaje surrealista, onírico, donde prima la ensoñación y la fantasía, lo que hace que cada uno pueda interpretarla a su manera. ``Hay veces que pinto más lento y otras más rápido. Puedo tardar entre 5 minutos, 5 horas o 5 días. Incluso hay partes que me olvido de ellas y me llevo una sorpresa cuando las vuelvo a encontrar. Esto pasa porque cada vez soy más rápido. Me gusta que la pincelada sea espontánea y no estar insistiendo y dibujando, sino que me dejo llevar cuando pinto. He llegado a este estado después de representar al natural paisajes o bodegones que me aburrían hasta que un profesor me dijo: ``tienes que inventarte los paisajes´´.

“No tengo una idea preconcebida. Voy utilizando los colores y a medida que realizo el cuadro, me surgen nuevas ideas, como el empleo de aguarrás para diluir, o cambiar la pincelada de horizontal, donde la mancha se queda, a vertical, es decir, levantando y dirigiendo el recorrido con el soporte”. Aun así, si nos fijamos en algunas de sus obras, podemos observar que recurre mucho al Action painting, un término que no conocía hasta que explicó que en sus tiempos se llama así al Dripping, técnica que utilizaba el artista por antonomasia, Jackson Pollock.

Tal y como se titula esta exposición ‘Atmósferas’, son los paisajes que nosotros decidimos y que los llevamos hacia nuestra estado emocional del momento. Nuestros propios fenómenos atmosféricos. Una eclosión entre el romanticismo de Turner, la fuerza de Pollock y la sensibilidad de Antonio Gálvez.