El arte, la creatividad y la educación conforman una intersección perfecta para construir mentes con un criterio más justo, ideales sociales, consciencia y desarrollar la capacidad de cuestionarse la vida y  a los propios profesores. Son necesarios los espacios en los que convergen el  arte y la educación para desarrollar  unos ciudadanos que puedan plantearse lo aprendido.

En un mundo en constante cambio, donde las habilidades técnicas son altamente valoradas, el papel de la creatividad se vuelve esencial no sólo para el desarrollo individual, sino también para la construcción de sociedades más innovadoras y resilientes.

De este modo cobra gran relevancia el arte en la educación. Desde tiempos inmemoriales, el arte ha sido una forma fundamental de expresión humana. A través de la pintura, la música, el teatro y la danza, las personas han encontrado maneras de comunicar sus experiencias, emociones e ideas.

Estudios han demostrado que las actividades artísticas mejoran habilidades como la resolución de problemas, el pensamiento crítico y la colaboración. Los estudiantes que participan en programas de arte suelen mostrar un mayor rendimiento académico en otras áreas, como matemáticas y ciencias. Esto se debe a que el arte fomenta un ambiente de exploración y experimentación donde los errores son vistos como oportunidades de aprendizaje.

En la educación, fomentar un ambiente creativo significa permitir que los estudiantes se expresen y exploren sus intereses.

El arte es una herramienta de inclusión, tiene el poder de romper barreras. En un aula diversa, donde los estudiantes provienen de diferentes orígenes y experiencias, las actividades artísticas pueden servir como un espacio seguro donde todos se sienten valorados. A través del arte, los estudiantes pueden compartir sus historias y culturas, promoviendo un ambiente de respeto y comprensión mutua porque el arte es identidad, cultura, historia y comprensión de lo diferente.

Metamorfosis y RevoluciónArte

De este modo los centros educativos deben apostar por la creatividad y así lo ha hecho Barriomar 74, con sus proyectos Metamorfosis y RevoluciónArte. RevoluciónArte es un proyecto de arte contemporáneo que consiste en intervenir el espacio, habitando el lugar educativo como obra artística en continua construcción. Se fusiona la expresión plástica con la creación de paisajes sonoros, integrando principalmente la pintura y la música, y creando sinergias creativas y comunidades artísticas en donde ya han participado artistas de la Región como Ana Ródenas y Reyes Serna, creadoras de LACOMBO, grupo interdisciplinar artístico, con su obra 'Corazón del barrio'.

También las profesoras del Instituto de El Carmen: Oro,  interviniendo con su alumnado uno de los pasillos de azulejos con una obra pictórica  y María José, cuya obra es un collage en forma de cerebro del que salen mariposas, incrustado en la mampara de lo que anteriormente fue una cocina, porque el laboratorio de arte en este colegio es una antigua cocina.

Ha colaborado CENDEAC con su programa de educación y mediación cultual de ICA Educa, con su proyecto Escuela CENDEAC, con  Elena Escribano y Rocío Quiñonero. Y David de Flores,  en representación de la Cámara Roja, ha hecho un taller con los alumnos de revelado de fotos antiguas, en el que han aprendido a revelar fotos en un mundo en el que todo va a golpe de pixel.

Entender los espacios educativos como comunidades artísticas que generan sinergias creativas y participación ciudadana, en una zona marginal en la que la educación apuesta por nuevas perspectivas metodológicas, es un intento de construir desde la creatividad y apostar por la infancia.

La creación conjunta no solo fomenta la inclusión, sino que también construye un sentido de comunidad. Este aspecto social del arte es crucial para el desarrollo emocional de los estudiantes, ya que les ayuda a formar conexiones y a desarrollar empatía.

A pesar de los beneficios evidentes, la integración del arte en la educación enfrenta desafíos significativos. La escasez de recursos, el enfoque en pruebas estandarizadas y la percepción de que el arte es una disciplina secundaria son barreras que deben superarse. Sin embargo, muchos defensores del arte en la educación están trabajando para cambiar esta narrativa.

A medida que avanzamos hacia un futuro cada vez más complejo, la necesidad de ciudadanos creativos y adaptables es más urgente que nunca.

En conclusión, la unión entre arte, creatividad y educación es un camino que vale la pena explorar y expandir. Invertir en la formación artística y en métodos pedagógicos que prioricen la creatividad es esencial para construir un futuro donde la innovación y la inclusión sean la norma. Recordemos: el arte puede transformar vidas y comunidades.

No solo existe 'La noche estrellada' e Van Gogh en el MoMA, The Museum of Modern Art de Nueva York, también existen otras estrellas que no son pintadas con óleo, pero que certifican una cocina excepcional, estas estrellas son las Estrellas Michelin, que entre sus cinco criterios validan la personalidad del chef.

Los artistas tienen un personalidad de índole cosmopolita, cuyo espíritu, por impulso vital, está ávido de experiencias para poder construir sus obras, así lo fue para Leonora Carrington o la pintora Georgia O'Keeffe.

Juan Guillamón, chef del restaurante murciano Almo, también tiene un alma viajera: comenzó su trayectoria profesional en las cocinas de Museo de Historia Natural en Londres, trabajó  para la escudería Ferrari de Fórmula 1, en la cual desarrolló su trabajo durante seis temporadas recorriendo el mundo y ha trabajado en  La Cabaña Buenavista, en  Flanigan en Palma de Mallorca, en El Portal del Echaurren en La Rioja, Arzak en San Sebastián y Calima en Marbella.

Su cocina, elaborada junto a un gran equipo, ha sido galardonada con una Estrella Michelin y dos Soles Guía Repsol. ¿Cómo se complementan los recuerdos, el paladar, la calidad y la creatividad a la hora de sentaros en la mesa?

¿Puede un chef ser un artista de la cocina? ¿Qué características debe tener?

Soy simplista, en el sentido de que hago referencia a la raíz, a lo lógico y primario, debes dar de comer de la mejor manera, hacer disfrutar y emocionar. A su vez, debes evocar sensaciones, hacer que el comensal relacione los sabores en el plato con un concepto, lo que viene a ser vincular la experiencia gastronómica con una vivencia o incluso con un paisaje. Resumiendo,  sería hacer disfrutar, recordar y emocionar.

Puede que la definición de artista no la sepa contestar con exactitud, pero lo que nosotros pretendemos es, junto a la calidad del producto, reflexionar sobre los matices y a su vez mejorar un poquito cada día y donde están nuestros puntos flacos, mejorarlos y los fuertes, potenciarlos.

En relación a las características de un chef, al ser un trabajo muy sacrificado en el que se invierten muchas horas debe tener aptitud - capacidad de aprendizaje-,  actitud, para poder perseverar y, además, tener creatividad, definida como la destreza para resolver los problemas que van surgiendo y entendida como la habilidad para relacionar diferentes conceptos.

Los artistas se expresan artísticamente a través de su obra, ¿te expresas a través de tu cocina? ¿Cómo?

Mi cocina me define, pero no estoy totalmente definido en mi cocina. Nosotros nos vemos reflejados en nuestro trabajo que tiene componentes creativos, artísticos y personales, quiere decirse que el trabajo es capaz de expresar todos esos componentes.

Para hacer una obra artística con criterio se necesita de experiencias vitales, en alguna ocasión mencionas tu alma viajera,  ¿crees que puedes aportar más por haber vivido ciertas experiencias en tu cocina?

Cuanto mayor sea el número de experiencias y situaciones que hayas vivido, e incluso de dificultades, más herramientas vas a tener. Es decir, cuando tengo que hacer cualquier tipo de trabajo, me baso en lo que he vivido anteriormente para ver cómo lo soluciono. Las personas recurrimos a la memoria para hacer uso de nuestras experiencias y poder aplicarlas.

En otras ocasiones también hago uso de la imaginación, me imagino una posible situación e intento saber cómo la puedo enfrentar. Indudablemente, los viajes me han dado muchísimo porque te abren la mente, te hacen más comprensivo y te hacen ponerte en el lugar de los demás, de tu comensal, al que te debes.

El talento como base de creación. ¿Con talento se nace?

Hay que nacer con un talento y unas capacidades determinadas, pero hay que entrenarlo, trabajarlo e incluso machacarlo, intentando mejorarlo porque si no al final se muere.

En lo referido a la reflexión sobre los procesos que utiliza nuestro cerebro a la hora de responder a los estímulos generados por los sentidos, comunicas que vuestra propuesta está enfocada al sabor y a las emociones que se desencadenan con él.  ¿Cómo se vinculan los sabores y las emociones?

Los sabores se vinculan a las emociones a través de los sentidos, por ejemplo pensemos en la magdalena de Proust - el Efecto Proust define situaciones en las que un estímulo sensorial hace rememorar una parte del pasado que esté asociada a ese sabor, olor o sonido - , a través de la percepción evocamos un recuerdo o reminiscencia.

El olor, por ejemplo, conecta con la memoria, a través de aromas como un trocito de romero o el pimiento asado a la brasa piensas en que ha salido como el de tu madre o el que se hacía en la casa de tu abuela, el olor a brasa es un aroma característico de tiempos pasados. También existen sabores tradicionales. Tenemos presente todos los sentidos, como el tacto, cuando percibimos la temperatura con los dedos, el sentido auditivo con la mordida de lo crujiente a través del oído, el retrogusto que recurre a la memoria.

Jugamos con los antónimos, el sabor salado con aspecto de dulce, como ocurre con un queso muy potente y la mermelada. Lo visual es clave para definir lo estético y también es muy relevante, por ejemplo el color de la remolacha. Todos los sentidos están involucrados en la experiencia del comer, por eso comenzamos el menú comiendo con las manos. De los siete primeros bocados que ponemos en el menú degustación, seis se comen con la mano.

Las emociones pueden ser muy diversas, y no siempre tienen que recurrir a la memoria, puede ser simplemente que se te salten las lágrimas de lo bueno que esté un bocado. En definitiva, se trata de una combinación de sabores muy ganadora dentro del plato que a la gente le despierte el paladar, con notas ácidas, picantes en otro momento, sabores intensos, y equilibro entre lo graso y lo más fresco.

Mencionas que Almo es un proyecto personal, ¿qué ha sido lo mejor y lo peor de emprender?

Es un proyecto empresarial y personal en el que le doy mucha importancia a mejorar, tener una buena relación con mis clientes y buscar nuevas vías de crecimiento.

Lo más difícil fue que al año de abrir el restaurante vino la pandemia, pero pensamos en reinventarnos, luchar, seguir hacia delante y decidimos, junto a mi mujer,  llevar comida a domicilio, nos fue bien, y consecuentemente crecimos. Fue lo peor y a la vez, lo mejor, porque nos hizo aprender.

Lo satisfactorio ha sido que mi negocio esté un punto por encima del que yo pensé que estaría en este momento  y también recibir reconocimiento por mi trabajo, el reconocimiento te genera orgullo y alegría, a ti y a todo el equipo con el que trabajas.

¿Qué sucede cuando nuestros cuerpos son censurados, pixelados?

El psiquiatra Bartolomé LLor Esteban, director del Servicio Externo de Ciencias y Técnicas Forenses (Secytef), profesor de la Universidad de Murcia (UMU) y doctor en Medicina, me comentó que tenemos continuamente pensamientos asociativos. Vamos de un pensamiento a otro automáticamente, como si se tratase de una catarata de ideas que se deja llevar por el devenir de un río. Y también, por el contrario, tenemos los pensamientos reflexivos que requieren de un acto de presencia de la conciencia para poder identificarlos, interpretarlos y que, a su vez, nos permiten recapacitar sobre lo pensado. En este caso estos pensamientos serían como el agua apaciguada con nenúfares que aparece en los cuadros de Monet.

Posteriormente, y como humana que soy, a partir de un comentario sobre la censura que me había hecho un compañero se inmiscuyeron miles de pensamientos asociativos que, sin ningún tipo de control ni sometimiento, con total libertad y autonomía, iban entrelazándose en mi cabeza, y se gestó un encadenamiento de planteamientos sobre la desnudez, los píxeles y el arte.

Uno de los primeros pensamientos que tuve a raíz de los límites de la censura es que lo largo de la historia los desnudos no habían sido censurados. Ni a la Venus de Botticelli ni a la de Urbino de Tiziano les habían pixelado los pezones. En la actualidad, y muy probablemente,  el ojo que todo lo ve -Instagram-, sí podría hacerlo, y calificarlo de “contenido que puede ser sexualmente sugerente”. Así, e irrumpiéndome otro pensamiento, me planteé si la censura en la actualidad era mayor en estas redes sociales y si no podíamos permitirnos tener sugerencias sexuales.

A continuación, recordé la película de 'Jamón, Jamón' de Bigas Lunas; ipso facto, me asaltó en la memoria el libro de 'Las edades de Lulú', novela erótica de la escritora española Almudena Grandes llevada al cine por Bigas Luna, y tuve una incursión de la imagen del plano del sexo que hacía referencia al cuadro explícito de Courbet, 'El origen del mundo'. Aquellas obras artísticas -literarias, cinematográficas y plásticas- pertenecían al constructo de mi infancia, una infancia de los 80, una niñez en la que, en ocasiones, veíamos sin observar, nos subíamos al coche sin 'atar' y nuestros padres aún no sabían la inversión que posteriormente haríamos en terapia (probablemente tampoco nuestros padres eran conscientes de la importancia de la imagen).

El erotismo está en todas las corrientes del arte, independientemente de la época. Me pregunté si el erotismo se gestaba en el cuerpo de la mujer o, por el contrario, en la mirada del que la observaba. También me planteé si era Instagram o cada mujer, de forma independiente y con su libertad, quienes debían tener una política sobre si sus pezones podían ser vistos o censurados.

Ese mismo día me dispuse a ir en la búsqueda de cuadros de desnudos en diferentes espacios artísticos en Murcia: visité el Centro Párraga, lugar que me resulta fascinante; me pasé por la Sala Verónicas y disfruté de la serie de obras creadas por inteligencia artificial de Joan Fontcuberta y llegué al MUBAM: allí pude observar el cuadro de Domingo Valdivieso 'Magdalena penitente', que habla sobre la belleza arrepentida y aclara que dicha obra pictórica “hace gala de un alto sentido de elegancia y sensualidad femeninas, como se contempla en la belleza pasional del torso femenino desnudo”. El concepto me resultaba disonante en este cuadro, me parecía algo contradictorio que Magdalena orara con arrepentimiento, pero enseñara sus senos a la vez, ¿no resulta algo discordante?

También pensé en el 'Desnudo de espaldas' de Ramón Gaya y, de repente, se despertó en mi mente una de las frases que dijo, literalmente: “Creo que soy poeta pintando”. Me pregunté cuáles serían las palabras para definir la poesía del cuerpo, de qué letras está hecha la piel, cuáles serían las palabras exactas para definir la originalidad de nuestras huellas dactilares, y si esas palabras, que definen nuestros cuerpo, podrían ser juzgadas o censuradas.

Posteriormente, tras la catarsis de una abundancia de pensamientos asociativos que, de cierta forma seguían un discurso conceptual, no sé si definiría como lógico, intenté estructurar algunos pensamientos reflexivos que me llevaran a gestar mis propias conclusiones, y pensé que el cuerpo femenino pertenece a cada una de nosotras, y consecuentemente, podemos hacer lo que deseemos con él. El hecho de ser pixeladas debería ser una opción que nos corresponde a nosotras porque cada una tiene su propio criterio y su forma de entender el pudor o el erotismo. Pero sobre todo, pensé que en el arte y la libertad de creación deberían ser un imperativo categórico, y que, muy probablemente, la Venus de Botticelli estaría orgullosa de mostrar su cuerpo, los recovecos de su piel sin complejos, sus pezones sin vergüenza, y haría apología de su libertad sin pixelar.

Hablamos con Carolina Parra, alma de la galería T20 junto a Nacho Ruiz, creadora de proyectos, familiar de sus artistas, y mujer. Ya han transcurrido 24 años –sin ser en este caso el tiempo relativo- desde que T20 ha formado parte de ARCO, mostrando en esta feria de arte contemporáneo, la más importante de nuestro país, el despliegue de criterio y calidad de sus artistas, siendo muchos de ellos mujeres.

Soledad Lorenzo decía que “la mirada artística es más libre” y puede que sea la libertad de escoger el arte como forma de vida la que ha permitido a Carolina Parra consagrar un criterio incuestionable sin ser dogmático.

Pensemos en la metáfora de que la vida es arte, ¿qué hay de arte en tu vida?

Es mi forma de vida. Es mi día a día. El arte es imprescindible en la vida de cualquier persona porque es inspiración, y la inspiración debe ser alcanzable para todo el mundo.

¿Qué significa ser galerista?

Un galerista es definir un todo complementario, somos confesores, carpinteros, marchantes, secretarios, comisarios, vendedores y psicólogos. Somos todas las posibilidades para nuestros artistas, nos identificamos como acompañantes comprometidos durante toda su carrera, en su transcurrir. Su camino, el del artista, se puede iniciar cuando sale de la facultad y perpetuarse a lo largo de todo su devenir profesional.

Es una profesión bonita, enriquecedora y en ocasiones muy dura. Se puede ver que estamos en las ferias, con ciertos matices de glamur, pero también hay largos viajes y gran esfuerzo, lo que la define como profesión bonita y paradójicamente dura, con momentos de todos los tipos. Es vocacional. Te tiene que gustar mucho.

Louise Bourgeois se concentró en sus propios conflictos, reflejando a través de su obra conceptos y emociones universales de la psique femenina. Pensando en su obra plástica, que hacía referencia a lo femenino y a la feminidad, ¿crees que ser mujer te da otra perspectiva artística?

Es cierto que trabajamos con un porcentaje muy elevado de mujeres, en el stand hay una representación femenina considerable, así como en la programación anual de la galería, pero no es una consecuencia desencadenada por cumplir con una cuota, sino que todo es una respuesta en base a un criterio de calidad.

Adquirir una perspectiva con criterio artístico es una cuestión de formación, pero es la mirada, independientemente del género, la que determina el valor de lo que se observa.

¿Crees que para entender el arte contemporáneo debes tener una determinada formación?

La lectura es necesaria, también lo es la formación, visitar museos, ver mundo, conocer; porque de este modo ampliamos nuestras experiencias y permitimos al ojo hacerse a sí mismo; volvemos a incidir en la importancia incuestionable de la instrucción de la mirada.

¿Cómo se vive una feria de arte de carácter internacional? ¿Qué sientes antes y durante?

A nivel logístico, la feria la empiezas a preparar con bastante tiempo, desde que empiezas a programar lo que vas a desarrollar. Debes planificar el stand, los artistas que vas a llevar, el transporte y tienes que elegir las obras. También debes analizar las colecciones a las que crees que puedes acceder, presentar propuestas, mostrar los dossiers.

Y sobre todo tratar de enseñar lo excepcional -por ser lo mejor- de tus artistas. ARCO es su escaparate, es una ventana internacional y cobra aún más relevancia porque nosotros estamos en Murcia, y consecuentemente le damos una gran importancia a las ferias. El intento de lograr una mayor visibilidad consiste en expandir los límites de la periferia al espacio internacional. Por la feria pasan jurados internacionales, coleccionistas, museos y fundaciones. De ahí la gran importancia de estar aquí.

Se requiere de una gran inversión de tiempo, cuidar cada detalle con nuestros artistas, pensando a su vez en la obra idónea para el stand, la obra que será pieza clave en la feria.

¿Qué hace que una obra tenga acto de presencia en la feria?

Que la obra sea la muestra de la mejor versión de lo que pueden ofrecer nuestros artistas. No se trata de marketing, sino de mostrar lo excelente de cada uno de ellos.

Pensando en el 8M y haciendo apología a la visibilidad de las mujeres en el mundo del arte, ¿qué mujeres artistas lleváis?

Sonia Navarro, que ha sido premio BMW de pintura, presente en un sólo proyecto, lo que significa aparecer en un stand. Ella lleva viniendo con nosotros a ARCO los 24 años. Sonia se centra en el tema textil para reivindicar el papel de la mujer, enhebrando conceptos como la jerarquía histórica de los géneros, la mujer y las tareas, lo que refleja la constante lucha de las mujeres y los estándares establecidos. También hay otras artistas como María Carbonell, Inma Liñana, Gala Knörr o Julia Santa Olalla.

Como ya he dicho previamente apostamos por la presencia femenina gracias a sus obras, las cuales atestiguan calidad artística y bagaje profesional, avalado por un trabajo coherente y un esfuerzo detrás.

Haciendo mención al esfuerzo y pensando en las virtudes humanas, ¿es necesario construir un vínculo humano con los artistas?

Por supuesto, esto es casi una familia. Es imprescindible trabajar con alguien con el que te entiendes. El sentirse a gusto es un deber, tanto ellos con nosotros como nosotros con ellos, fundamental.

Además, hay procesos complicados en los que tenemos que escuchar a nuestros artistas, de ahí la vinculación tan fuerte que tenemos con todos ellos.

Concluyamos, ¿qué tal ARCO?

La feria está yendo muy bien, hay muchísimos coleccionistas, coleccionismo extranjero, sobre todo latinoamericano. Se trata de un gran esfuerzo por parte de la feria traer a estos coleccionistas.

Es pronto para hacer una estimación pero hay una buena proyección si la feria continúa así. Están habiendo ventas, interés y colecciones importantes comprando.

En la vinoteca Maza & Cerón, situada en el centro de la capital murciana, es posible deleitarse con el vino, el arte y la piedra. Ya en la Grecia clásica Eurípides decía que “el vino siembra poesía en los corazones” y es que tanto el vino como los corazones deben ser motivos de creación. Andrés Maza, creador de este espacio con alma, es un defensor del vino de la Región. Maza & Ceron es al mismo tiempo un bar, un club, un restaurante y una tienda que cuenta con catas y cursos en los que se vincula el vino a las artes.

Andrés, ¿qué es para ti el vino? 

El vino es mi pasión, es el lugar donde soy feliz. El negocio del vino, así como el de la piedra, se basa en un recurso natural, ambos son recursos que no se pueden producir, sólo se pueden transformar al estar condicionados por la naturaleza. 

La naturaleza me mantiene muy vivo y además es una afición infinita porque no se puede acabar de aprender de ella. A su vez, se puede jugar con la improvisación, puesto que cada año es distinto, dependiendo de la añada, y siempre hay cambios. 

El vino y la poesía. Dionisio, el Barroco, la música, la mitología y el vino, ¿es el vino arte? 

El vino es arte per se. Concibo el arte como una forma de manifestar lo que uno siente, ya sea a través de la escritura, la pintura… El vino, además, es un desinhibidor y artistas como Hemingway o Picasso lo tomaban.

Tenemos tantos prejuicios formados por la cultura y la sociedad que nos rodea que alcanzar la posibilidad de desinhibirse de ciertas ideas preestablecidas puede ser gracias a la embriaguez. El vino es el embriagador más antiguo de la historia. Pero el talento debe ser una virtud ya presente a la que se puede llegar derribando ciertas barreras. Para mí, el vino viejo de Jerez, te eleva, te permite alcanzar la meditación.

Cuando estás delante de los grandes vinos del mundo, sabes que haces acto de presencia de algo mucho mejor y más grande que tú, y piensas 'qué pequeñito soy delante de esto', como cuando estás delante de una obra pictórica en el Museo del Prado, que empieza, se desarrolla y no termina contigo. Es mágico, es el puro concepto de romanticismo.

¿Y qué hay de las etiquetas de los vinos? ¿Pueden ser obras de arte? 

Por supuesto, por ejemplo, desde 1945, Château Mouton Rothschild elige cada año a un artista para decorar la etiqueta de la añada, artistas chinos, japoneses, islandeses, entre otros.  

Una etiqueta cuenta la sensibilidad del artista que la diseña, así como la identidad del vino. Por ejemplo, en los vinos franceses con la etiqueta se imprime su carácter tradicional. El vino manifiesta tierra, planta, hombre en el campo, clima, la cultura de un territorio y todo debe estar en consonancia, desde la etiqueta al corcho.

¿Qué aporta culturalmente Maza & Cerón a Murcia? 

Lo que intentamos es defender los vinos de aquí, los que consideramos que son honestos. Defendemos la honestidad del vino y el territorio, puesto que el vino define la calidad del territorio. Abrimos en 2016 y hemos apostado por proyectos en la Región, proyectos nuevos. Hemos asociado los vinos al arte de la zona, como cuando maridamos palos de flamenco con tipos de vino de Jerez en La Unión.

Próximamente, probablemente el 28 de febrero tendremos un evento que reúne de nuevo maridaje de vinos, platos y flamenco en Maza & Cerón.

¿Tenéis alguna obra de arte en el restaurante?

En Maza & Cerón tenemos un Campillo, 'Jugando en el río', que es una figura que representa el equilibrio entre una madre y un hijo. El equilibrio es la gran virtud en el vino y en la vida. 

Las cosas se tienen que mantener vivas o se petrifican, y es a través de la tensión y el equilibrio cuando esto sucede y en el arte ocurre lo mismo, debe haber un equilibrio entre el pulso, el lienzo y la idea.

¿Cuál ha sido el motivo más especial por el que has abierto un gran vino?

Un motivo especial y contundente ha sido por el vino en sí. No hay que esperar una gran ocasión para abrir un buen vino, abrir un buen vino ya es una gran ocasión.

Y mientras que Andrés degusta un gran vino, un 25 GF Jerez Viejísimo, pienso que la vida también se degusta, que el vino es arte y que, como decía Milán Kundera, tenemos una memoria poética. Esa memoria quizás sea la que nos permita entender las notas de los vinos, poner olor a los recuerdos y crear arte.

Milan kundera decía que “quien busque el infinito que cierre los ojos”, lo que me hace pensar que el negro es el infinito. También el color de la superstición en el gato o la mitología representada en el negro carbón que quedaba en las hogueras de los aquelarres.

Platón pudo entender el negro como la oscuridad de su caverna, una analogía acerca de la ignorancia y la limitación del entendimiento humano.

Sobre este planteamiento filosófico y artístico acerca de si el negro es un color o no, reflexionó el pensador francés François Laruelle en un breve texto titulado 'Sobre el universo negro', en el que aclaró que el negro era inseparable de las condiciones del pensamiento y su límite, especificando algo así como que el negro no existiría si no se mirase.

A partir de este concepto divagué y me planteé si con el color de la piel podría ocurrir lo mismo, si cuando se trata de la piel negra pueda parecer que en algunos espacios no tiene lugar porque no se mira, por lo tanto no se ve. Y así, y muy probablemente, podamos pensar que no exista.

A partir de ese enfoque me pregunté si había artistas en la región que fueran inmigrantes de algunas procedencias geográficas, puesto que según el CREMM, Centro Regional de Estadística de Murcia, actualizado el 21 de febrero de 2023, las personas provenientes de África eran 106.968 en esa fecha.

Con dicho encadenamiento de pensamiento que se entrelazaba uno con otro comencé a leer, sin una gran y pertinente investigación exhaustiva, sobre artistas que habían expuesto su obra en Murcia, así como leí sobre artistas de arte callejero que habían firmado sus obras en algunas paredes de la ciudad.

Observé que la inexistencia de artistas que provienen de África cobraba más credibilidad después de analizar las estadísticas: el color negro no emitía señales, probablemente por la falta de luz, o lo que podría ser lo mismo ¿de reconocimiento?

Posteriormente, y entre las posibles ideas y perspectivas, llegué a la optimista conclusión, queriendo poner luz a cierta oscuridad, de la existencia de la plástica en el currículo educativo. En la educación la asignatura de plástica permite, o parece permitir, a todos los alumnos, independientemente de su contexto y procedencia, acceder a la posibilidad de desarrollar su pensamiento creativo, artístico o digamos, imaginativo, a partir de esos contenidos didácticos en las horas lectivas.

Pero lo relevante fue asociar el talento artístico a la valoración de la diversidad de colores sin excluir a los colores que parecían ser dudosos. Así, en ciertos contextos artísticos a lo largo de la historia se ha hecho apología al respeto del color y a la valoración de su ausencia.

Caravaggio lo demostró, también las pinturas negras de Goya, o Francisco Salzillo en algunas de las prendas de sus esculturas.

En la actualidad también hay una representación mayor y más internacional de artistas procedentes de África como Amoako Boafo o la artista etíope Aida Muluneh, y también se puede mencionar el increíble trabajo llevado a cabo por la galerista Sabrina Amrani, que destruye los límites interpuestos entre continentes.

Ayer en el sofá me zambullí en el pop, vi la serie 'Los diarios de Andy Warhol', el capítulo que trata sobre el vínculo entre Warhol y Basquiat no tiene desperdicio, drogas, sexo, fotografía en color y en blanco y negro, testimonios de artistas, logotipos, plátanos y sopas Campbell, desfases, talento, pintura, grafitis y Nueva York…

Pensé en Basquiat, en la capacidad de crear un mundo, antes de aniquilarlo por las drogas y no por los aerosoles.

En su obra el color tenía un poder increíble, el color negro estaba en su piel. Era estadounidense de ascendencia haitiana y puertorriqueña y también estaban en su obra todos los pantones del color y la posibilidad de la no existencia de alguno, en sus creaciones todo era color, forma y concepto, una amalgama de posibilidades que ponía de manifiesto temas como la identidad, la diáspora, la esclavitud y el racismo, entre muchos otros.

Basquiat tenía un talento salvaje, vivía su vida quemando los límites y entendía la cultura del consumo americano, se unió a un artista publicista, Warhol, quien sabía hacer de los logotipos y las serigrafías un objeto de lujo. Pero lo que me seducía era que entendía la diversidad de los colores, la amplitud de su significado y el valor de la pertenencia y la ausencia, el color y su inexistencia, para crear riqueza. Entendió que el arte nos pertenece a todos, igual que las miles de posibilidades creativas.

Para Basquiat el verdadero significado estaba en las diferentes perspectivas y formas de entender el mundo, en las tonalidades y en el entendimiento de que el negro puede que sea un color, o no, o muchísimas otras definiciones.

Existen espacios creativos en los que habitan la imaginación y la innovación, lugares donde el diseño y la estética son claves para comunicar visualmente. Y es en la calle Simón García, en el estudio Rubio & del Amo, donde se cuece a fuego lento las miles de posibilidades del diseño.

Si mencionamos los espacios de Murcia a los que a Andy Warhol le hubiera gustado visitar, sin lugar a dudas éste sería uno de ellos, Rubio & del Amo ha pasado del entresuelo de un bajo en Santa Eulalia a la cúspide del reconocimiento en el mundo creativo con una gran cantidad de ponencias y premios entre los que destacan ADG-FAD Laus, Art Directos Club of Europe, Tokyo Type Directos Club y clientes como el Ministerio de Ciencia e Innovación, entre muchos otros.

Guillermo Rubio y Julián Garnés son los directores creativos de esta oficina. Para ellos la creatividad es la capacidad de vincular ideas de una forma original para dar respuesta a un problema. Tal como lo ven, toda profesión debe estar impregnada de creatividad, desde la del panadero al empresario y además, aclaran, es esta manera original e innovadora la que genera riqueza a una sociedad.

Pero hagamos del ingenio una definición, ¿qué es el diseño?

El diseño es mirar adentro: entender la idea y el concepto de un producto. Después mirar fuera: comprender la importancia del contexto y de los usuarios. Y sólo entonces conseguir que nos miren. Cuando definimos una marca, entendemos el concepto, al mercado y al usuario y después de analizarlo generamos una expectativa a la que debe responder el producto.

Hablamos de expectativas e identidad, pero, siendo más terrenales, ¿cómo se puede hacer de la creatividad una carrera profesional y no morir en el intento? ¿Qué es lo más difícil de emprender?

Lo más complicado de un negocio creativo es el negocio, la creatividad está en las personalidades y en la curiosidad despierta, pero luego hay que convertirlo en algo que funcione y te permita vivir, ahí está el reto. Digamos que el proceso de trabajo es la clave, todo parte de entender el encargo para buscar la solución y tener presente que nuestra labor no consiste en hacer cosas bonitas sino cosas que funcionen, lo que sucede es que lo que funciona suele ser bonito, pero siempre se debe tener presente que la estética es una herramienta y no un fin. Básicamente es entender el problema, buscar la solución y utilizar las herramientas adecuadas.

Pero, entonces, ¿el diseño no es arte? Efectivamente, no es una autoexpresión, se utilizan herramientas artísticas, pero hay un encargo al que ceñirse. Es la respuesta a la necesidad lo que da sentido al resultado.

Esta reflexión sobre el diseño me ha llevado a Milton Glaser, que diseñó el logotipo de I Love New York que decía que existían tres posibles respuestas a un diseño: sí, no y ¡Wow! Wow es a la que hay que aspirar.

Todo parte de una idea, hay que darle forma a esa idea y hacer que sorprenda pero sobre todo debe tener fuerza, si no hay un concepto fuerte detrás se trata de un Wow vacío, un Wow bonito y decorativo pero carente de perplejidad e ingenio.

Debe haber profundidad en el concepto, así que podemos definir el Wow como la idea y para que esta sea longeva  y no sea una estrella fugaz, y  para que su fecha de caducidad sea amplia y tenga una esperanza de vida mucho mayor, debe tener un sentido y un buen contenido.

¿Qué aportáis a la sociedad con vuestra creatividad?

Nuestro trabajo consiste en generar vínculos emocionales entre un usuario y un dispositivo, producto o causa. Diseñar un libro o un sitio web es pensar en usabilidad, en acompañar al contenido y reforzar los conceptos en los que se basa. Pero diseñar una marca o un packaging no dista mucho de esto. Se trata de apelar a claves culturales, visuales o semánticas que pueden entender un grupo de personas. A nadie le gusta tener un tubo de pasta de dientes horrendo en su cuarto de baño o una botella de vino que nos está llevando al sitio equivocado en una cena. Los productos y las marcas tienen un valor simbólico más allá de lo meramente utilitario, y es aquí donde intervenimos nosotros.

¿Un publicista, diseñador o artista nace o se hace?

Se parte de un talento innato pero es la experiencia la que te define, debe haber predisposición, capacidad y perseverancia en el tiempo. Si te gusta algo, trabájalo, fórmate, establece contactos, hazte un plan y sé estratega y por supuesto honesto. Además debes cuidar a tu equipo y a tus proveedores y mantener cierta calidad en todo lo que enseñas.

¿Cuál sería el eslogan de vuesta vida“

«Nadar siempre río arriba». Nos gusta eso de «los salmones del diseño». Nosotros montamos el estudio sin conocer a prácticamente nadie y como los salmones seguimos nadando a contracorriente.

Y yo me voy a tomarme una marinera y una cerveza pensando que todas las personas tenemos algo de la fuerza de los salmones, y descubriendo  que en este espacio creativo en Murcia me  han enseñado que creer y crear van conjugados de la misma  mano.