Escribió Hermann Keyserling: “El camino más corto hacia uno mismo recorre el mundo”. Ruth Lorenzo Pascual nació en Murcia el 10 de noviembre de 1982 y, si no le falla la memoria —lo cual dudo por todas las anécdotas y nombres que demostró recordar durante nuestra cita—, en cuarenta y tres años ha vivido en suficientes lugares para reencontrarse, comenzando en el barrio murciano de Vistalegre, la pedanía El Palmar, las urbanizaciones de La Alcaina y Los Conejos o la calle Junterones. De jovencita se trasladó a Estados Unidos; en torno al estado de Utah vivió durante bastantes años. De vuelta a la Región de Murcia, en el municipio de Las Torres de Cotillas y en la localidad de La Palma de Cartagena. Por Inglaterra, fundamentalmente en el barrio de Battersea y en el distrito residencial de Clapham, ambos al suroeste de Londres. Tras su regreso a España, en Madrid y Barcelona, y actualmente nuevamente en su ciudad de origen.

Podría parecer paradójico decir que una entrevista en profundidad a alguien relevante en la música suele ser más sencilla cuanto más tenga que contar la protagonista. Desde la disponibilidad previa del entorno de Ruth hasta la paciencia que demostró durante la conversación o la cantidad de información relevante —incluyendo titulares no premeditados— y predisposición posterior para matizar los datos que no quedaron claros. Lorenzo cumplió puntualmente, mostrándose segura y centrada, triplicando el material de trabajo al periodista especializado que firma este largo (y recortado) artículo.

Si al finalizar la lectura del mismo quisieras conocerla más de cerca, el próximo miércoles estará participando presencialmente en el conversatorio 'La música murciana en primera persona', enmarcado en la segunda edición del Festival de Cultura Murciana A Gallete.

Ruth y el laborioso proceso de autoedición

Las once creíbles canciones de Blacksheep [Bakers Ink, 2025], el debut de Ruth –disponible en formato físico a partir del 8 de octubre–, están escritas en inglés, compuestas por la propia Ruth Lorenzo (voz), quien lidera desde 2022 la banda, conformada por el bajista Nando Robles, el batería Sergio Bernal, el guitarrista David Lozano y el teclista Ricardo Ruiz. Ejecutadas en directo en los Real World Studios de Peter Gabriel y registradas por Rafa Sardina en cinta analógica. Es un álbum coproducido por ella junto a Emilio Esteban, mezclado por Silvia Massy y masterizado por Alex Psaroudakis. El metafórico diseño es de Nicolás Martínez, socio de Lorenzo en su propio sello. Sobre el título: “La oveja negra no es extraña ni olvidada. Es aquella que se atreve a liberarse de la multitud, abrazar su individualidad y encontrar el coraje para mantenerse firme en su verdad. Ser una oveja negra significa recorrer tu propio camino, incluso cuando te sientes sola, porque ahí es donde realmente descubres quién eres”.

“En nuestra empresa, yo soy la mente musical y Nicko es el creativo audiovisual y director artístico-ejecutivo. Ambos nos concedemos libertad para decidir cómo trabajar. Es bonito nuestro proyecto autoproducido y autofinanciado. No tenemos la velocidad óptima, pero sí el cariño y la artesanía que necesita. Por ejemplo, ajustamos todo porque para fabricar el disco en vinilo pues se necesita otro tipo de masterización distinta a la de streaming, por ello hicimos dos. Parece que ahora no se fabrican para escucharlos sino para coleccionarlos porque cada prueba de prensado que recibíamos sonaba mal. Ha sido costoso, pero estoy casi satisfecha. Para el próximo seguramente vayamos directamente a Nueva York”.

Sacrificio y rentabilidad

“Una vez que pones una maquinaria en marcha, lo único que tienes que hacer es caminar. Una cosa es querer ganancias descomunales y otra poder llevar una banda de nivel alto, con buenos técnicos, cuidada puesta en escena y un equipo humano que trabaje bien. Antes de comprarme una mansión a costa de un disco, me lo volvería a gastar en realizar otro. Si el año próximo aumentásemos el presupuesto un tanto por ciento, se reinvertirá en hacer el proyecto más grande. Para mí, eso ya es rentabilizar. Que te quieras hacer rica con la música hoy es muy difícil. Llevo toda la vida dedicándome a ella, así que ya no sé qué es un sacrificio. Cuando algo te apasiona, pones tu tiempo, tus ganas y tus recursos. Algunos lo ven de otra manera, yo lo veo como inversión”.

Las canciones

El verano pasado pudimos descubrir a este nuevo quinteto mediante el single 'Oxytocin', no incluido en el álbum. “Esa canción no se grabó en cinta analógica ni durante la composición del mismo. Surgió a posteriori, pero quisimos adelantarla porque pensamos: 'Es buena píldora sin desvelar casi nada'. Realmente suelo tener prisa y siento que se nos acumulan las canciones”.

Tanto el mantra 'I hate my life', que abre el disco, como 'Road rage' son de la entera autoría de Lorenzo y parecen autobiográficos —relaciones tóxicas, abuso, ruptura y aceptación de lo que hace diferente a una persona—. “Efectivamente, no hay nada de ficción en la parte lírica. El proceso de composición fue muy interesante. Esas dos canciones nacieron respectivamente en pre y pospandemia, hablando de cómo me encontraba, dando una imagen de bienestar al tiempo que odiaba la situación”.

El disco comenzó cuando quedó con los chicos por primera vez. “Parecía como una first date. Solo conocía a Sergio y a Nando de verlo en el escenario (con Second). Soy consciente de mi bagaje musical, pero acudí con prejuicios propios: '¿Pensarán de mí que soy una intrusa?'. Entré a la sala con miedo, hablé con ellos y les expliqué lo que buscaba: '…poder improvisar y dejar que fluya la música'. Las otras nueve canciones han sido dictadas por nuestros subconscientes, con comunicación no verbal; yo fui escupiendo palabras y parimos casi medio centenar de maquetas. Las que quedaban a medias se descartaban automáticamente. El primer día compusimos 'Sticks & stones' y 'The night after tonight'. Tenía mucho que contar porque había estado callada demasiado tiempo y ellos me ayudaron a sacar toda esa rabia contenida. Estoy satisfecha con el resultado. Creo que tiene identidad real. Aunque a veces me enfade conmigo misma porque son difíciles de cantar”.

El rock ya no es comercial

¿Cuántos años llevan ya matando al rocanrol? “Es la voz de mi cabeza. La música muy comercial ha sido la máscara que necesité para un momento de mi proceso. Pero el rock nunca desapareció de mí”. Para la mayoría de temas buscó a la compositora británica Victoria Horn [aka Lady V]. “Ahí Emilio Esteban ha tenido un gran papel. Para mí, el Reino Unido ha sido clave para desgranar el rock en mi carrera. Ella me ayudó mucho, me lanzó un flotador para poder verbalizar. Yo muchas veces hacía frases o estribillos, pero luego me bloqueaba. En aquel momento yo tenía bastante miedo de componer por culpa de asuntos pasados, esa fusta con la que te tratan en algunos sectores de la industria. Ella me cogió de la mano: 'Venga, que juntas podemos'”.

A veces un productor es más relevante que el propio artista. “Emilio es un buen amigo. Lo conocí en un camp de songwriting. Cuando tuve la demo de algunos temas, quedé con él para desayunar en Madrid y contarle el proyecto. Le dije que sentía que lo que buscaba había desaparecido y él me recomendó grabarlo en directo y en cinta analógica. Su rol ha sido clave porque nos aproximó casi todas las colaboraciones, como la coral de la fundación Alice Cooper. Es un gran compañero de viaje. Confío mucho en él y no lo hago con casi nadie”.

Orígenes

En UK conoció el éxito –su paso por The X Factor (2008) fue anterior a Eurovisión (2014)–, pero aquella puerta no se convirtió en una carrera internacional. “No creía en lo que iban a convertirme ni tenía confianza en la dirección que estaba tomando. Preferí no hacer nada por inercia y esperar el momento correcto”. Tras tantos años, esta nueva etapa artística muestra una parte de ella que la industria no necesitaba. “Empecé a trabajar en Virgin con Nick Gatfield, pero cuando cambiaron los A&R y la compañía EMI estaba en bancarrota, intuí que algo no iba bien. Vi la oportunidad y tomé una decisión difícil: resolver mi acuerdo contractual. Lo que he aprendido con el tiempo, y advierto a cualquiera que vaya a firmar un contrato discográfico con una major, es incluir una cláusula que lo rescinda si el responsable del artista y su repertorio abandona la compañía o es despedido. Porque esa persona es la que te ojeó y apostó por ti, con quien más hablarás de tu música y quien probablemente te lleve ante esos productores y compositores con quienes trabajaréis”.

“Esta vuelta al rock no ha sido un giro estilístico o una estrategia de reinvención, sino un verdadero regreso a casa», suena a recuperar. «De puertas hacia afuera he tenido que quitarme capas que fui construyendo. Sigo igual de absurda, juguetona, bromista, rebelde…”.

En vivo y en directo

Nada más empezar el concierto en la Sala Mamba!, avisó: “Si habéis venido a ver 'Dancing in the rain', creo que os decepcionará”. “Es curioso que mis hardcore fans siempre me han pedido: '¿Cuándo vuelves al rock?'. Será porque me conocen desde el principio. Nunca olvidaré la cara de la gente en un concierto en Molina de Segura, presentando Loveaholic [Raspberry, 2018], donde hacía súper rockeros los singles y una versión de AC\/DC. Siempre he tenido esa contradicción de querer estar en otro lugar”. 

Al parecer, antes buscaba revolución y ahora consigue evolución. “Sí, yo sigo viendo muchas de las mismas caras mezcladas con otras que no me esperaba. Muchas también son ovejas negras, gente que busca su rebaño. Me siento una pastorcilla, ja, ja, ja… con mucho respeto, amor para todos y el repertorio que estamos haciendo”. En las siete actuaciones de presentación que aún les resta seguramente irá nuevo público a verlos.

Talent shows

Tras los dos momentos que le dieron fama, su versatilidad le ha llevado a ser participante, invitada, presentadora o jueza en: Tu cara me suena IV (2016); Cover Night (2023); El Piano y Eurovisión Junior (2024); Benidorm Fest (2024 y 2025); ARIA, Locos por la Ópera y Mask Singer (2026).

“Me siento cómoda trabajando en ese medio porque lo aprendí en The X-Factor, la producción más dura que existe. Desde que fui concursante entendí rápidamente que lo único que está en tu mano es lo que tú misma hagas, en ese momento tuyo de cantar ante una audiencia. Desde dentro intento ayudar a quien lo necesita. La televisión, lo queramos o no, es un escaparate. Otra cosa es cómo la industria explote a las personas. De alguna manera es lindo estar ahí porque va a seguir existiendo y podré guiar a artistas que comienzan”.

“A nadie le extrañaría saber que en muchas bandas españolas cada miembro tiene otro oficio. Pues bien, parecerá una locura, pero yo también curro en la tele. Me gusta y creo que lo sé hacer bien. En este país necesitamos poner etiquetas: si cantas un género, es imposible que cantes otro. Si eres pop, no puedes ser independiente. Se presupone que solo se te puede dar bien hacer una cosa. Pero bueno, yo, como siempre, vivo la vida a mi manera, dignificando ese trabajo que me permite poder sostener este proyecto”.

Burbuja festivalera

Tras múltiples cancelaciones esta temporada, la situación requiere análisis —como seriamente viene escribiendo el colega Nando Cruz— y posicionamiento. “Entiendo que la gente, si quiere ver a quien sea, decida ir donde más cerca le pille. Ahora bien, ¿Qué sentido tiene el mismo cartel cada equis kilómetros? Hemos estado analizando circuitos por Europa, donde realizan festivales especializados y programan artistas diferentes. Los tipos boutique no necesitan ser grandes, pero hacen que se mueva el mercado. Diversificar hace que la demanda sea diferente”.

El don y la creación

El don vocal de Lorenzo unido a su eclecticismo profesional frente a una identidad artística propia puede hacer pensar que hoy ella sea más famosa que sus canciones. “Eso me da mucha información de lo que he hecho mal en el pasado. Las campañas de marketing no han sido las adecuadas. Prefiero que se conozca lo que estoy haciendo ahora”.

“Para ser un buen intérprete, lo que tienes que tener es verdad y cantar solo lo que conecte contigo. Lamentablemente, se es muchísimo más exigente con las mujeres como compositoras; desearía que cambiase más rápido, pero simplemente hemos de esforzarnos y seguir pa’lante. Precisamente por esto tuve miedo de componer. Hay un momento en el que, siendo mujer, prácticamente eres invisible en ese sentido”.

Asertividad

Hace poco lloramos a la inmensa Dolly Parton, ejemplo absoluto de los mejores roles de la mujer en la música, alguien que fue capaz de rechazar a Elvis por autoestima. ¿Cuál ha sido el 'no' profesional que más dinero o visibilidad le ha costado? “Yo diría que aquel contrato de EMI. Sí, sí, devolver un millón de libras. Pero estoy feliz porque todo lo que ha pasado tenía que aprenderlo. El éxito es como un Ferrari, algo muy difícil de conducir. Si te llega antes de tiempo, puedes acabar muy mal, pero el fracaso esconde el secreto del éxito. Cada vez que me he caído ha sido una lección muy importante”.

Tras confesarme que le encantaría compartir escenario con Greta Van Fleet y reconocer admirable la carrera de Luz Casal, despido a alguien segura de que su libertad artística no le implicará ser menos escuchada. ¡Que así sea!

Ayer, de madrugada, antes de tener noción de si había amanecido o no, y ni siquiera conseguir abrir los ojos, mi pareja me anunció: “Amorcito, tengo una mala noticia que darte, Jam ha muerto”. ¡Joder! ¿No teníamos suficiente con perder a Víctor 'Coyote' Aparicio? Aunque lo de mi paisano no me haya sorprendido tanto, me ha tocado mucho más el corazón. Al relevante músico gallego e ilustrador –entre otras artes y dotes– se lo encontraron fallecido regresando en bicicleta de ver el eclipse solar. Nuestro igualmente músico y, además, crítico musical se fue apagando en el hospital hasta los últimos minutos del domingo 16 de agosto.

Tras la quincena vacacional por excelencia en la que nos habíamos ausentado de Murcia, acabábamos de regresar suficientemente desconectados de las redes pero reconectados con eso que también es vivir. Porque, aunque a quienes de esto escribimos nos cuesta pensar lo contrario, hay vida más allá de la música. Así de mal iniciaba la semana y ademas había una cita laboral que cubrir, a la cual Rafita de Silbato asistió vistiendo una camiseta negra de Farmacia de Guardia para presentar la XXX edición del Lemon Pop. Justamente, al tiempo que la familia de quien fuera la voz de 'Cazadora de cuero' o 'Ella es demoledora' abría un espacio funerario para velarlo por ocho horas, antes de la improvisada y sentida ceremonia laica de conmemoración. Coincidiendo, por capricho del destino y a distancia, con el de 'Mr. Abundancia' en una iglesia en Tuy (Pontevedra). Me consta que acá nuestra alcaldesa fue de las primeras en presentarse con su pésame, y el concejal de Cultura a su lado. No es para menos, cuando se trata de un baluarte, el cargo obliga.

Llegar temprano al tanata y ver a Ada, la hija de José Ángel ya hecha toda una licenciada en lengua (hispánica) –un legado, el del amor por las palabras, bien heredado–, me trajo entrañables recuerdos con su padre, muchos incluso anteriores a que Gabi estuviera embarazada de ella. Pero no consigo recordar el momento en que comenzamos a frecuentarnos. Obviamente, sí sé cuándo le puse ese careto de pícaro guaperas: fue tras adquirir en Discos Zona su álbum Veneno Rojo [DRO, 1987], costeado con lo que el Kimba y el Tino me daban por pinchar en el Bache a primera hora.

A partir de ahí, cierto parangón nos fue uniendo. Yo pinchaba y él escribía canciones que defendía como un gran frontman. Ambos obteníamos suculentos beneficios vendiendo mercancía discográfica, yo puerta a puerta a los bares de periferias y él bajo pedido a las tiendas de música. Por lo que con los años, entre su pasajero curro como representante de BMG-Ariola y los de redactor, nos fuimos aproximando. Concretamente, serían los días de Violencia o Imaginación [DRO, 1992], en los que volvió a lucirse al frente de Arma Joven. Una última oportunidad para llegar a ser una rock 'n' roll star, pero hay vicios que ni siquiera malvendiendo discos (propios y ajenos) son saciados. Yo lo aprendí de observar y él de protagonizar. Debuté en Onda Regional de Murcia escribiendo sobre conciertos el 24 de mayo de 1993 y a él lo contrataron en otoño de 1995 como colaborador en un diario cuyo nombre dio pie durante décadas a más de un juego de palabras entre sus críticos. Un cuarto de siglo, hasta el término de la anterior década, en el que firmó cientos de atractivos artículos y entrevistas y apoyó a buena parte de la escena local. Una agradecida labor que ejerció hasta el final de sus días.

Pese a los trece años de diferencia que nos llevábamos, durante la mayoría de mi veintena, incluso en las épocas en que viví fuera de Murcia asistíamos juntos a conciertos, sobre todo por la simbiosis que tan gustosamente habíamos establecido, gracias a su acreditación +1 y a mi VW escarabajo. Tras la gran crisis a mis treinta y seis pasamos de ser amigos a camaradas. Seguíamos viéndonos, compartiendo siempre ideología y los pormenores de la maravillosa profesión en peligro de extinción que habíamos elegido, aunque desde nuestros respectivos ámbitos territoriales distantes, frecuentemente con diferente apreciación y evidente resultado.

Su pérdida de salud nos volvió a acercar, con todo el respeto mutuo posible y ninguna intención más allá de compartir aquello que nos apasiona. El 15 de marzo del año pasado, auspiciados por LocoLoco Vintage, tuve el placer de entrevistarlo –por vez primera– con motivo de la presentación del disco Archivos [Subterfuge Records, 2025], a nombre de su memorable banda. La última vez que nos saludamos fue recientemente, en La Mar de Músicas que tanto nos unió (y descubrió). Anecdóticamente, esta es la segunda necrológica que redacto, la anterior fue en las páginas de la Rockdelux cuando nos dejó Paquito Martín y a quien tanto apreciábamos ambos.

En lugar de hacer acopio por acá de todos los recuerdos que nuestro ecosistema musical ha inundado las redes sociales en las últimas veinticuatro horas, he preferido dar espacio a un par de bellas personas y citar las palabras de otros dos periodistas que, junto al siempre entretenido Jachúa Cruces, desde la acaecida y forzosa ruptura, se quisieron despedir públicamente de José Ángel. Y valga decir, para a quienes la curiosidad les mate, que nuestro compañero Ángel H. Sopena también lo hizo, en cuerpo presente y pluma. Una reconciliación deseable para quienes navegamos en un mismo barco, pero la precariedad nos mantiene en rivalidad constante.

“Brillante, ingenioso, elegante y mordaz. Amigo leal y generoso. Tuve la suerte de conocerlo hace veinticinco años, cuando yo era un chaval de apenas dieciocho, e influyó de forma determinante en mi vida. Me siento privilegiado por haber vivido tantos grandes momentos con él: cientos de conciertos juntos y alguno que otro baño en el mar, otra de sus grandes pasiones. Jam era un referente, un maestro, un genio. Y era mi amigo”.— Javier Arabit, amigo.

“Conocí a Jam Albarracín mucho antes de conocer a Jam. De joven leía sus críticas en los periódicos y admiraba su manera de entender y contar la música. Para mí era un referente como crítico musical. Más adelante, tuve la suerte de contar con su amistad. Sabía contar la música con voz propia y fue una de las personas que apoyó desde el principio mi proyecto artístico. Compartíamos la música, conversábamos largo sobre ella, sobre todo y sobre nada, y fue precisamente en esas conversaciones donde pude conocer de cerca a la persona que había detrás del periodista: alguien cercano, generoso y, sobre todo, bueno. Hace no tanto tiempo le pasaba grabaciones con ideas de temas que se me ocurrían y le preguntaba: «¿Te gusta, Jam? ¿Ves esta idea como tema? ¿Sigo adelante con ella?». Y él siempre respondía: «Todo lo que tú hagas va a estar bien». Me quedo con eso, con su apoyo, con su amistad y, por supuesto, con sus imperdibles, ese pequeño guiño tan suyo”.— Elena Sáenz de Tejada, música.

“Hoy me toca a mí, Jam... No se trata devolverte el favor, porque entre amigos los favores no existen. Aquel día te pusiste nervioso cuando leías tus propias palabras. Era la duda de la emoción; de la emotividad... algo que te acompañaba siempre, hicieras lo que hicieras. Estoy muy triste, Jam, mucho. Pero recuerdo un día que me dijiste ”la tristeza y la melancolía, son sentimientos tan puros que nos acercan a la persona que llevamos dentro. Duelen mucho, pero son tan puros que tenemos que intentar disfrutar de ellos, incluso en el dolor“. Porque son sentimientos bellos. En aquellas palabras que leíste el día de mi boda, escribiste textualmente: ”Todo lo verdaderamente importante en la vida se hace por amor“. Y por amor estamos hoy aquí, Jam. Por amor a ti, por admiración a ti y por mil sentimientos más que has sido capaz de despertar en todos nosotros. Ha sido un honor estar contigo hasta tu último suspiro, que me llamaras amigo, que confiaras ciegamente en mí para todo. Este mundo es ahora un lugar mucho más estrecho sin ti. Aunque no te vas, porque nos acompañarás siempre”.— Rafa Llorente.

“Hoy también es un día hermoso, porque recordamos el legado de un profesional, quiero recalcar la generosidad que Jam siempre tuvo con aquellas personas que estábamos empezando en el ámbito musical y periodístico. Dándonos los mejores consejos y permitiéndonos leer sus críticas. Fue un faro absoluto para quienes le teníamos como referente e incluso como cómplice. En cualquier lugar, en cualquier situación que te encontrabas con él, se presentaba con una sonrisa y un abrazo. Y siempre que le preguntabas cómo se encontraba, fuera mejor o peor, te respondía «Bien, bien, aquí disfrutando», del concierto o de lo que estuviera haciendo. A nivel personal, es un ser humano absolutamente inolvidable, el tipo con más talento que he conocido nunca, la referencia absoluta. Y seguramente, más aún para quienes intentamos escribir con palabras algo tan indescriptible como la música o el arte”.— Alberto Frutos.

Llegado a este punto me parece innecesario añadir algún otro elogio más al buen hombre que fue mi colega José Ángel Martínez Albarracín. Permitidme que nuestras anécdotas y conversaciones me las reserve para el espacio de lo privado. D. E. P.

P. D. Sirva como recuerdo y homenaje la sesión que M. Lacroix le preparó el día de la citada entrevista.

Ante el elevado volumen y fuerte presión sonora proveniente de la prueba de sonido que estaba realizando en el escenario del auditorio Paco Martín de Cartagena Guitarricadelafuente, decidimos encerrarnos durante media hora en su propio camerino. Aprovechando la confianza de saber que nuestros protagonistas casualmente producen el sonido del espectáculo en vivo del castellonense, Alejandro y Víctor, vecinos de Barcelona y Madrid respectivamente, no parecieron inmutarse ante la bronca sónica que le esperaría al respetable y que pocas horas después estaría llenando el recinto principal del festival La Mar de Músicas durante la penúltima noche de su 30 edición. Serenos ambos y con su amable media sonrisa, se repartieron atentos las respuestas. Sin pisarse ni redundar en lo que dice el otro, demostrando haber llegado a un equilibrio colaborativo perfecto.

Estos treintañeros, hijos de D. Gabriel Hernández –nacido concretamente en la c/ Maestro Espada del municipio Librilla, situado en la comarca de Bajo Guadalentín, cantautor a la postre e influyente en sus vástagos con ciertos arpegios de su guitarra española– y de Dña. Concha Martínez –nacida en Los Ramos, una de las 55 pedanías de Murcia, sita en la Cordillera Sur–, aparentan ser una antítesis a los célebres Gallagher, tan influyentes estos como británicos, los cuales han vuelto a poner en el candelero las dinastías, estirpes, linajes o parentescos en la música. “A diferencia de otros proyectos, nosotros aportamos un toque sureño, murciano concretamente. Hemos querido tirar de aquello que nos une: la pasión por las canciones tradicionales de nuestra tierra”. Léanse tales en forma de parrandas, jotas, mayos, verdiales o boleros de Fuente Álamo, que tras la pandemia convirtieron en su objeto de estudio como etnomusicólogos aficionados.

“Durante este proceso hemos aprendido muchísimo de palos que desconocíamos o que no teníamos interiorizados, lo cual hizo mella para componer de una determinada forma. Pero sentimos que lo nuevo que vamos a crear no va a partir tanto de las variedades populares, de estructuras al uso como una malagueña o una trilla, que se podían diferenciar claramente en este trabajo, sino que va a ser un poco más flexible. En este momento nos sentimos un poco más libres, aunque seguirán apreciándose algunas características de nuestro folclore, como cantar con acento murcianico o esa sencillez y humildad en las letras. En fin, hay cosas que sí van a quedarse en lo próximo”, prosigue Víctor (el menor).

No extraña tal revelación, pues a pesar de que el homónimo álbum de debut que les produjo el genial Raül Refree fuese publicado hace menos de un año por Sony Music, tardaron mucho en presentarnos la docena de temas que rondaban tiempo. Según puede leerse en el nº 400 de la Rockdelux: “La estela de doble cara 'Murciana' / 'Estrellica' –EP de 2022– tuvo dos años y medio para llegar a eclipsar la escena pop(ular) de su tierra y de paso iluminar el (neo)folclore ibérico. Cocío a fuego lento, como un buen caldo con pelotas, el homónimo elepé de debut del dúo –en el podio del año pasado– sintetiza en una docena de coplas a corazón abierto, tanto el sentir de arraigo, desde la distancia, como el de respeto, tras el aprendizaje. Probablemente 'La despedía' (parranda, quinto y último sencillo) ejemplifique el presentismo versus arcaísmo, sin que valga apropiacionismo que los juzgue”. De hecho, ha sido elegido por la prestigiosa revista en el puesto 55 entre los 80 discos nacionales más importantes del siglo XXI.

De la burla de Murcia a una “atención inédita”

Un proyecto tan aplaudido lejos de sus raíces como cerca del origen. “La verdad es que tardamos mucho en hacerlo, por muchos motivos. En gran medida desconocíamos el folclore de nuestra región. Surgió de un entusiasmo reciente y tardamos bastante en encontrar las cosicas que nos emocionaran. Obtuvimos ayuda de gente de acá -como el músico y folclorista Tomás García- y cuando lo acabamos no sabíamos cómo iba a ser recibido. Sin preocuparnos, a veces nos lo cuestionábamos. Durante algunos tramos nos preguntábamos: ¿Esta frikada le gustará a alguien fuera e incluso dentro de Murcia?”

“A posteriori, lo que realmente más nos ha sorprendido es observar la recepción a estas canciones cuando tocamos en sitios por Europa (como los Rencontres trans musicales de Rennes que, al parecer, les dejaron huella), en el norte de España o en la misma capital. No sé si será por curiosidad”, reconoce Alejandro.

O quizás sea por desconocimiento de los buenos valores y casta de un territorio aún por descubrir. “Ahora hay como una especie de renacimiento a través de la música, parece que nuestra provincia ocupa más espacio o titulares. Como suele suceder, tenemos la sensación de que hay muchos proyectos interesantes, pero que, precisamente, no son los que tienen visibilidad ni captan la atención de los medios. Aunque parece que ahora se está pasando del humor y de la burla a una especie de atención inédita”, prosigue el mayor, a lo que apostilla Víctor: “Cool, pero graciosos, jajaja. Depende del entorno en el que se diga y cómo, seguimos siendo muy denostados y poco atendidos”. Al menos en el plano cultural nacional.

La cuestión de las tradiciones conlleva abrir melones de temporada, aun sin pretenderlo. A uno le da mucho pudor las etiquetas abanderamiento y reivindicación. “Quizás porque nos sentimos un poco intrusos dentro del género, viniendo de otros estilos más cercanos a la canción de autor o a la electrónica. Esto ha sido una manera de reencontrarnos como hermanos y una semilla que nos unía para empezar un proyecto conjunto. Porque al final somos de aquí y siendo canciones que hemos escuchado durante la infancia no las comprendíamos en profundidad, ni sabíamos interpretarlas, ni conocíamos cómo se tocaban instrumentos como la castañeta. Entonces, para nosotros ha sido un descubrimiento. Y, precisamente, el hecho de vivir fuera ha hecho que, de alguna manera, valoremos más esto que tenemos”.

Línea de transmisión cultural, fallida

El otro ve muy complejo el asunto de la identidad. “A mí en la música me parece estimulante e inspirador cuando se es dúctil. Paradójicamente, me siento mucho más murciano cuando estoy en Barcelona que cuando vuelvo aquí porque, estando allí ya una larga temporada y creo que a Víctor le pasa igual, también aprecias provincialismos muy fuertes o cosas, para mal, que no me gustan y también otras, para bien, de cómo miman lo suyo. Y a veces pienso, joder, pues nosotros tenemos cosas increíbles que no están reivindicadas ¿no? Y a la misma vez ¿Por qué desconocíamos estas canciones? ¿Qué está fallando? ¿Por qué esa línea de transmisión no es tan clara o directa, ni está tan cuidada como en otros sitios?”

“Algunas materias nos dan rabia de este lugar y, por eso, nos daría pánico ser la imagen oficial de nuestra ciudad o de la Región de Murcia tradicional o de algo así. Por ejemplo, ayer estábamos con Tomás, y nos contaba que la malagueña es ahora el palo clásico que todo el mundo canta, pero cuando nos llegó fue vista con malos ojos por ser una cosa intrusa. Esto sucede constantemente con las identidades, pues siempre influye el pueblo de al lado. Por eso hay que plantearse cuál es la tradición y qué nos ha llegado hasta hoy. Creo que eso es y debe ser abierto”.

Lo que se pudo ver y escuchar en aquella jornada, justo después del show en otro emplazamiento de su admirada cantante, compositora y productora Arooj Aftab, fue precisamente todas las bellas canciones de los hermanos Hernández Martínez –menos 'Carriles', por cuestión de minutaje– más un sorprendente guiño en homenaje a Ozzy Osbourne, rescatando el riff guitarrero en 'Iron man' de Black Sabbath, junto a una curiosa versión televisiva de la canción 'Maquillaje', escrita por Nacho Cano para Mecano. “Algo tan inverosímil como metálicamente posible”, como diría Raúl Frutos, baterista y único músico acompañante en sus conciertos.

“Lo que más disfrutamos ahora es el directo”

“Hemos intentado transportar lo registrado hacia otra experiencia para el oyente. Así como a la hora de escucharlo en casa, mejor con auriculares ya que hay pasajes interiores que pueden ser disfrutados de esa manera solitaria, en vivo la energía es expansiva. Y, en eso, Raúl ha aportado mucho, desde ritmos que él se sabe, propios del folclore, hasta los del death metal o de otras zonas oscuras que también nos interesan. Efectivamente, el directo es ahora mismo lo que más disfrutamos”, explica Víctor, quien reconoce cierto cuelgue por el enigmático nusar3000, a lo que amplía Alejandro con su influencia heredada del nü-metal de KoЯn o del rock industrial de NIИ y un fuerte flechazo de rock patrio (en inglés) que en su día tuvieron por Dover.

“No nos imaginamos haciendo lo mismo dos veces, entrando en esa dinámica de que todo se parezca. En ese sentido nos queremos regalar la oportunidad de componer canciones desde un sitio nuevo y ver qué nos piden después para el live, sin una lógica del in crescendo. En el caso de este disco, aunque a veces parece muy minimalista, está lleno de matices, de ritmos que entran y salen, de capas. Empezamos intentando replicar los elementos rítmicos que contenía y fue cuando entró este otro Raúl que vimos la oportunidad de poder expandirlo. Empezamos, como decía Víctor, a llevarlo hacia los extremos, tanto las partes fuertes como las partes recónditas, que son todavía más íntimas y susurradas. Es un viaje dinámico bastante heavy”.

Y por aquello de cerrar a lo fraternal y lo hermanado, Maestro Espada tuvieron la oportunidad de contar como invitados con Paco 'De la Clara' Frutos, liderando una improvisada y aplaudida 'Cartagenera', y con Álvaro Lafuente [aka Guitarrica], causando furor ante su audiencia mientras cantaba la deconstruida jotica titulada 'Lirio'.

Un placer autóctono de los que se prolongan y construyen la historia.

El pequeño país asiático de Corea del Sur –un poquico más extenso que nuestro vecino Portugal y con tres millones más de habitantes que España– concentrará, en cinco de sus primeros seis días (de los nueve que totaliza el festival cartagenero de La Mar de Músicas del 18 al 26 de julio), la mayor representación de propuestas musicales de cuantas se hayan llevado a cabo en nuestro país. Recordemos que la gira de la 19ª edición del Music Bank World Tour, a su paso por Madrid, trajo a ocho bandas enmarcadas en la celebérrima K-Pop –abreviación de Korean Popular music, por si aún alguien anda despistado–; y que un país como el nuestro parece ya estar acostumbrado a rendirse al fanatismo por dicho estilo de música popular. Nótese que la boy band Stray Kids estará el martes 22 de julio actuando en el estadio Riyadh Air Metropolitano de nuestra capital o el girl group Blackpink regresará a la ciudad condal para actuar el 9 de agosto en el Estadi Olímpic Lluís Companys, así como estrellas de la talla de Aespa, Tomorrow X Together, Ateez o Eric Nam también nos han visitado recientemente. Pero como debería de ser en cualquier manifestación artística, no solamente de una única expresión (en este caso la susodicha etiqueta) hemos de alimentar nuestra forma mentis.

“La elección de Corea del Sur como país invitado era cerrar el círculo que abrió Paco [Martín] hace seis o siete años. Este año el ministerio coreano de Cultura sí ha podido pagar los billetes de avión de los diez grupos que vienen a actuar a La Mar de Músicas”, explica al teléfono Eugenio Cremades, nuevo director del festival cartagenero.

Hallyu, la ola coreana

Desde finales de la década de los noventa los gobiernos de este país asiático llevan haciendo una “apuesta total” por la proyección global de su cultura, bautizada con el neologismo hallyu -ola coreana-. “Tendría que ser un ejemplo para todos. El gobierno de Park Chung Hee entendió que a través de la cultura podía utilizar lo que se conoce como 'poder blando' para acercarse a otros países, sin extorsiones económicas como estamos viendo ahora mismo con Trump o a través de la fuerza y de la guerra”. Además, cuestión extraña, dejó a los artistas crear de “forma totalmente libre e independiente”.

“En 2024 la industria cultural coreana aporta más al PIB del país que la tecnológica. No hay más que verlo: la música, las películas, las series -como 'El juego del calamar', la más vista de todo el mundo-, las telenovelas, la moda y, ahora también, la literatura, sobre todo, tras la concesión del Nobel del Literatura el año pasado a Han Kang”.

Cremades sitúa el éxito mundial del tema 'Gangnam Style' del rapero surcoreano PSY en 2012 como un hito a partir del cual se empieza a reconocer en España esta cultura, seguido del pop coreano. “El K-pop está protagonizado por gente guapísima, con unas pieles maravillosas porque ellos mismos son los modelos de las marcas de belleza que es otra industria muy importante”, apunta el director del festival.

K-pop: canto, baile e interpretación

A menudo se describe al K-pop como una factoría de grupos musicales (ya no solo) surcoreanos que combinan canto, baile e interpretación, caracterizándose por una producción altamente elaborada y un adolescente atractivo visual. Dividida, por género, en boy bands (bandas de chicos) y girl groups (grupos de chicas) que generalmente están conformados por numerosos modélicos integrantes –hasta un par de docenas en el caso de los Neo Culture Technology– quienes desempeñan específicos roles, ya sea como vocalistas principales, raperos y bailarines. Aunque todos están formados y educados para ser el/la mejor en cada disciplina. “A mí me suenan varias canciones y ritmos dentro de un mismo tema. Es imprescindible escuchar su música visualizando la interpretación por el grupo o la banda que la canta y baila con su singular coreografía, perfectamente sincronizada”, opina el gran conocedor José Miguel T. P.. Argumento que nos ayuda a entender la complejidad audiovisual que rodea el fenómeno global, ejemplificada en sus hiperproducidos videoclips, de facturación prácticamente cinematográfica, tan exitosos como vertiginosos.

Como muestra, en La Mar de Músicas actuarán W24 [abreviatura de World 24 Hours] y Bewave [contracción de Blue Wave]. La primera es una banda de cinco chicos conformada en 2018 por coreanos y un chileno. Se diferencian de otras por el enfoque instrumental y un estilo musical influenciado por el rock británico y el pop latino. El segundo es un grupo de seis chicas que debutó hace nueve meses y esta será su primera vez en Europa. Así que su concierto será una oportunidad para descubrirlas y poder darle seguimiento desde sus inicios.

Afortunadamente, entre la lustrosa delegación musical surcoreana que desfilará por los escenarios ubicados en plaza del Ayuntamiento, castillo árabe del parque Torres, plaza y patio del antiguo CIM y explanada del puerto de Cartagena, destaca el género gugak, simbolizando (en parte) su música tradicional. Leenalchi, Jambinai, dal:um y Chudahye Chagis presentan las propuestas musicales que fusionan instrumentos y/o ritmos contemporáneos y occidentales con elementos propios de su tradición.

Leenalchi es un sexteto que mezcla el pansori (un tipo de canto lírico en el que se narra una historia y se representan los personajes a través de la voz del cantante) con el funk y la música electrónica, resultando tan hipnóticos como adictivos. El quinteto Jambinai combina instrumentos occidentales con tradicionales coreanos (como el haegum, el piri o el taepyeongso) para crear un estilo propio dentro de lo experimental. Los primeros se inclinan hacia el art-pop, mientras que los segundos hacia el post-rock. Para quienes disfruten comparando propuestas musicales en directo, puede ser un contraste interesante ver a ambas formaciones, las cuales llevan tiempo actuando internacionalmente y son de las más reconocidas y populares dentro de la Korean world music.

Minimalismo, folk avanzado o jazz abstracto

El dúo femenino dal:um emplea virtuosa y únicamente dos tipos de cítaras tradicionales (gayageum y geomungo), aunque las tocan con ritmos no convencionales, creando una propuesta innovadora. Minimalismo, folk avanzado o jazz abstracto son estilos a los que suena esta pareja de Seul. Por su parte, el cuarteto Chudahye Chagis basa su música en el muga (un canto chamánico), pero utilizando únicamente instrumentos occidentales. Para estos será su primera gira extranjera, fruto de haber sido elegidos como una de las bandas del proyecto Journey to Korean Music, una plataforma musical que promueve la circulación internacional organizada por la agencia gubernamental Korea Arts Management Service.

En una onda más occidental podremos ver al pintón dúo de hip-hop Hypnosis Therapy compuesto por el productor Jflow y el rapero Jjangyou que desde 2022 forman parte destacada de la escena underground y más cosmopolita de la capital. También al reconocido tándem de música electrónica alternativa Fat Hamster & KANG New, fundadores del sello independiente LetzRatz.

En este último y relevante bloque, entre los artistas presentes, tendremos el lujo de escuchar la cálida y conmovedora voz jazzie de la prestigiosa Youn Sun Nah. Con una decena de álbumes (de canciones propias y standards) en su haber, premios y distinciones (entre ellos la Orden de las Artes y las Letras de Francia) y giras mundiales y multitudinarias en su pasaporte. Así como, la suerte de ver actuar a la versátil creativa e influyente cantautora y productora de culto Sunwoojunga. Un par de apuestas seguras con nombre de mujer.

Según Yoon Choi, la técnica del Centro Cultural Coreano encargada de lo que nos ocupa, “destacar un solo concierto del festival cartagenero es muy complicado, ya que todos los conciertos serán una maravilla. Si solamente se pudiera asistir un día, recomendamos que sea el día inaugural de la programación (viernes) porque junto a la jornada gratuita (miércoles) serán en los que se sienta más fuerte la presencia de nuestros músicos”.

Por aportar algún dato socioeconómico en esta página introductoria, no está de más contextualizar la música dentro del propio mercado cultural de Corea ya que es la industria que anualmente crece más, seguida de cerca por el broadcast (que incluye los K-drama y programas de entretenimiento televisivo como Mask Singer); es la segunda en exportación, muy por detrás del videojuego y una de las que más personas emplea, casi tanto como la publicidad o el nicho gamer, aunque sin llegar ni a la mitad del campo editorial; está situada a mitad de la tabla en ingresos, curiosamente duplicando al cine, y por detrás de las indicadas más la conocida como de conocimiento (tecnologías de la información y la comunicación y contenidos culturales e inmersivos). Datos estos actualizados al año 2023 según su Ministerio de Cultura, Deportes y Turismo. Ahora, toca disfrutar de su música en vivo.

Finalistas del Booker Prize

Si La Mar de Cine comenzó la proyección de películas surcoreanas el pasado 9 de julio con 'Párasitos' de Bong Joon-ho, una sátira social que desnuda las desigualdades económicas con humor negro y que hizo historia al ganar tanto la Palma de Oro en Cannes como el Oscar a la Mejor Película, La Mar de Letras inaguró este lunes con la conversación entre Kim Ho-yeon, autor de 'La asombrosa tienda de la señora Yeom' y Bae Suah, quien ha escrito 'En ninguna parte'. El jueves 17 de julio será el turno de la narradora Bora Chung y el escritor Cheon Myeong-kwan, que comparten el haber sido ambos finalistas del prestigioso Booker Prize Internacional con 'Conejo maldito' y 'Ballena', respectivamente.

Belén Rosa de Gea, responsable de ámbito literario del festival cartagenero, subraya cómo la competitividad que se experimenta el país asiático -en el que conviven “una mezcla del individualismo feroz del capitalismo y el sentido comunitario tradicional”- se trasluce en sus obras. “No hay que olvidar que Corea del Sur es el país donde más jóvenes se suicidan del mundo. Viven para sacar las mejores notas, entrar en las mejores universidades, ingresar en la mejor empresa, ser los más guapos”. Un regalo habitual de los padres a los hijos cuando se gradúan en la secundaria o en la universidad les regalan operaciones de estética, “sobre todo la del doble párpado para no tenerlo como los asiáticos”, relata.

Los personajes de los autores coreanos que participan en La Mar de Letras tienen en común su rebeldía y esa manera propia de estar en el mundo, según Rosa de Gea. “La sociedad de Corea del Sur es muy tradicional en todos los sentidos y en el trato a las mujeres, todavía más, igual que en España hasta hace poco, y eso se refleja en la literatura. Existe una enorme rebeldía contra el contrato patriarcal de casarse y tener hijos”.

Literatura global y feminista

“Quería que, además de los autores, hubiera ponentes que hablaran de la cultura coreana”, cuenta la responsable del área literaria. Una de ellas es la profesora del Área de Estudios de Asia Oriental en la Complutense de Madrid Chaeyeon Park, quien el jueves 17 de julio a las 11.30h ofrecerá la charla El fabuloso vuelo de las autoras coreanas. “Las escritoras surcoreanas han conquistado lectores internacionales gracias a una combinación de políticas culturales deliberadas y el poder universal de los temas que abordan”, explica Park en un correo electrónico a elDiario.es Región de Murcia.

“Estos textos no solo describen esa realidad, sino que la cuestionan y la exponen desde distintos ángulos: el cuerpo femenino, el trabajo, la familia, la sexualidad o el silencio impuesto. La literatura se convierte así en un espacio de resistencia y en un vehículo para desarticular los discursos dominantes que han definido el rol de la mujer en Corea del Sur”, apunta la profesora, quien considera que las opresiones a las que se enfrentan las mujeres coreanas son reflejo de una “problemática global” y, por ello, conectan con lectores de muchos países.

Según Park, el feminismo coreano es “diverso, dinámico y con múltiples discursos: desde el activismo institucional hasta expresiones radicales, desde el arte hasta el ciberfeminismo. A pesar de resistencias sociales y políticas, sigue siendo una fuerza viva en el debate público y cultural del país”.

La literatura coreana contemporánea —y especialmente la escrita por mujeres— presenta rasgos distintivos, “como una mirada introspectiva, una sensibilidad hacia lo cotidiano, una crudeza emocional contenida, y un uso literario de lo corporal y lo simbólico para explorar conflictos sociales, familiares o existenciales”.

'Baja' y 'alta' cultura

Por otro lado, la profesora de la Complutense subraya que la ola coreana ha logrado navegar con éxito tanto en la cultura popular como en la 'alta cultura'. “En las últimas dos décadas, Corea del Sur conquistó al mundo con productos de entretenimiento masivo: la música K-pop (con superestrellas como BTS o Blackpink) y los K-dramas televisivos han generado fandoms globales y dominado tendencias en redes sociales”. A la par, Corea también ha ganado reconocimiento en ámbitos de 'alta cultura': por ejemplo, el cine de autor coreano triunfó internacionalmente con 'Parásitos' y la literatura surcoreana alcanzó su máxima consagración con el Nobel a Han Kang en 2024. Por muchas más olas.