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La evolución en el mundo de las series ha traído consigo nuevos estereotipos. La progresión en la profundidad de las historias y consecuentemente de sus personajes ha hecho que los productores cuiden más la psicología, la historia, las virtudes, etc.

Si hace unos años hubiesen dicho que triunfaría una serie en la que el protagonista era una persona sin un atisbo de sentimientos que disfruta asesinando a sus víctimas, me hubiera echado las manos a la cabeza. Lo que es totalmente cierto es que más que excepciones se ha convertido en una especie de propensión a que los protagonistas sean personajes con un lado muy oscuro.

Uno de los menos conocidos es Tom Kane, alcalde de Chicago, protagonista de la serie –tristemente cancelada- 'Boss'. A pesar de que el personaje se adentra totalmente en la política, nos recuerda bastante a alguno de los que trataremos más adelante. Quien se aferra al poder utiliza toda clase de estrategias para mantenerse en su trono, blandiendo espadas, teniendo ojos en sus espaldas, sacrificando su familia y su inocencia.

Si hay alguien que es capaz de unificar un traje de chaqueta con grandes inseguridades ese es Don Draper. A la vista se presenta como una persona infalible en su trabajo, un Don Juan con las mujeres y casi el prototipo de cada hombre. Sin embargo sus actividades extramatrimoniales, su pasado turbulento y su visión confusa sobre la vida le convierten en una persona inestable. Estos ingredientes unidos al gran contexto en el que se sitúa 'Mad Men', convierten a Don Draper en un personaje para la historia.

Quizás, el más comercial y conocido sea el gran Gregory House. Protagonista de la serie 'Dr. House MD', no sólo se define por su comportamiento misántropo y su gusto por la soledad, sino que a esto se le añade dos aspectos/dolencias algo atrevidas para una serie de la Fox: su adicción a las drogas y una cojera permanente. Estos factores, unidos a la gran inteligencia y capacidad de intuición de House le convierten en un profesional que no se deja llevar por los sentimientos, es más, su gran mente “asesina” a esos sentimientos analizando a sus pacientes únicamente como unos enigmas.

Sin embargo, la joya de la corona de esta serie de personajes es el interpretado por el desaparecido James Gandolfini. Por supuesto no requiere presentación, pero por si hay algún despistado que sepa que hablamos de Tony Soprano, protagonista de una de las series más aclamadas de la historia: 'Los Soprano'. Si hay quien se ha sorprendido de cómo un protagonista puede sufrir una cojera, de ser un mujeriego o de hacer lo que tiene que hacer en cada momento, Tony va más allá. Capo de la mafia, sociópata, asesino, adúltero; es decir, una persona que nunca querríamos tener de compañero. El gran dibujo del personaje, la majestuosa interpretación de James Gandolfini y la historia donde se ubica hace que sea, posiblemente, el mejor personaje que se ha hecho en televisión.

La pregunta es, ¿cómo amamos a estos protagonistas dotados de caracteres contrarios a lo que creemos que tiene que existir en una sociedad? Lo que está claro es que el espectador, cada vez más, exige más a la hora de disfrutar con el personaje: no sólo en sus virtudes, si no en sus fallos. Nos preguntamos el porqué de sus actuaciones, cuál es su historia, qué es lo que quiere realmente y si puede cambiar. En resumidas cuentas, es un triunfo de los creadores de estos personajes.

Benjamín Obiang

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En el año 1998 la cosecha cinematográfica fue notable. Entre otros acontecimientos, el movimiento danés Dogma 95 puso en marcha sus teorías en dos películas, 'Celebración' de Thomas Vinterberg y 'Los idiotas' de Lars von Trier. El cine alemán resurgió de sus cenizas con la aparición de una curiosa mujer de pelo rojo en 'Corre, Lola, corre' de Tom Tykwer. Y, junto a la singular presencia de Jeff Bridges como El Nota en 'El gran Lebowski' de los hermanos Cohen, fueron estrenadas tres películas españolas que influyeron bastante en el desarrollo del cine patrio: la primera película de la saga de 'Torrente' como culmen de lo casposo e irremediablemente gracioso -¡y sólo en la primera película!-, 'Barrio' de Fernando León de Aranoa y 'Los amantes del Círculo Polar' de Julio Medem.

También fue el año en el que el género bélico experimentó una regeneración impresionante. Ello se debe al trabajo de dos adalides del denominado Nuevo Cine Americano, Steven Spielberg (1946) y Terrence Malick (1943), con 'Salvar al soldado Ryan' y 'La delgada línea roja', respectivamente. Ambas, ambientadas en la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), se han convertido en dos de las mejores películas de la década de 1990 y han ejercido una influencia importante en el desarrollo del género.

No hace falta decir mucho sobre el argumento de 'Salvar al soldado Ryan', sencillo y representado de manera hiperrealista. El capitán Miller (Tom Hanks), tras haber desembarcado en la playa de Omaha durante la invasión de Normandía el 6 de junio de 1944, recibe junto con sus hombres del segundo batallón de Rangers la misión de salvar a un soldado, James Francis Ryan (Matt Damon), un paracaidista de la 101 Aerotransportada, cuyos hermanos han caído en varios frentes de batalla. El pelotón tendrá que luchar contra los alemanes y sacrificarse para salvar la vida de un hombre que parece no ser importante, aunque la vida de toda persona sí lo es.

Por otra parte 'La delgada línea roja', basada en una obra de James Jones, un exsoldado que sirvió en el frente del Pacífico y autor de la novela 'De aquí a la eternidad' –de la que Fred Zinneman realizaría la célebre adaptación en 1953-, está ambientada en la batalla de Guadalcanal (1942-1943). En este film, la batalla sirve para que Malick nos haga plantear la pregunta sobre el sentido de la guerra en este mundo, así como también pueden apreciarse un conjunto de personajes en los que vemos las distintas actitudes e inquietudes de cara a esta batalla (que podría ser cualquiera), con un impresionante reparto (Sean Penn, Nick Nolte, James Caviziel, Adrien Brody y un largo etcétera).

Sobre las dos se ha escrito mucho y se ha criticado aún más. Ambas han suscitado división entre los cinéfilos. También, a pesar de todo, han recibido muchos premios: mientras que la cinta de Malick obtuvo el Oso de Oro en Berlín, la de Spielberg se llevó cinco Óscar, incluyendo el de Mejor Director, pero no el de Mejor Película, otorgado a 'Shakespeare enamorado'.

Aún así, en este artículo para Ojo crítico he querido hacer una especie de versión cinéfila del programa “El guerrero más letal” comparando dos películas, y me gustaría saber cuál de las dos es, para los lectores y colaboradores, la mejor: si el gran espectáculo del tío Steven, o la necesaria reflexión filosófica del viejo Terrence. Los críticos sois vosotros y el debate está abierto.

Íñigo Bolao

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Estamos en el año 1959. El mundo del cine experimentó una revolución que supuso un antes y un después tan importante como la introducción del cine sonoro a finales de la década de 1920. En respuesta al cine de Hollywood, y en defensa de una manera diferente de hacer películas, un grupo de jóvenes críticos de la revista francesa Cahiers du Cinéma, fundada por André Bazin, decidió trasladar sus inquietudes cinematográficas a la práctica. De ahí surgió la Nouvelle Vague, la gran ola cinematográfica que revolucionaría el cine francés, y que influiría a otros países, emergiendo así otras olas en Occidente y en Oriente entre las décadas de 1960 y 1970.

En dicho año fueron estrenados dos films icónicos, dos óperas primas que fueron un gran –y necesario- soplo de aire fresco para el cine y la cultura en general: por un lado, 'Los 400 golpes', de François Truffaut (1932); y, por otro lado, 'Al final de la escapada', de Jean-Luc Godard (1930).

La propia infancia del primer cineasta es la base del argumento de 'Los 400 golpes'. En esta cinta de carácter casi autobiográfico (lo subrayo porque a veces no se puede reproducir con total exactitud la vida de una persona) un joven de 13 años llamado Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud), el alter ego de Truffaut, protagoniza por las calles de París todo tipo de travesuras, huidas y aventuras, habiendo crecido en un hogar cuya madre no le quiere y con un hombre que no es su padre, en una escuela donde el profesor le castiga constantemente y en un entorno donde es un joven incomprendido y marginado por la sociedad de su momento. Todo ello mostrado con humanidad sin llegar al melodrama, con sus momentos de drama y de comedia, en un crudo blanco y negro. Por su trabajo, el director recibió el premio al Mejor Director en el Festival de Cannes de 1959, y Léaud se convirtió en uno de los actores revelación más jóvenes de la historia del cine.

Si la primera película de la saga de Doinel trataba sobre la falta de amor y de la incomprensión desde las instituciones, siendo la principal y la más básica la familia, el film de Godard no es ni más ni menos que una parodia y una deconstrucción del cine negro que tanto admiraban “les cahiers”. 'Al final de la escapada' tiene como protagonista a Michel Poiccard (Jean-Paul Belmondo), un ladrón de poca monta con aires a lo Humphrey Bogart que, tras haber asesinado a un policía después de haber robado un coche en Marsella, busca refugio en París huyendo de los agentes del orden. Allí reside su novia, una estudiante americana llamada Patricia Franchini (la bella Jean Seberg), quien no sabe nada de lo que hizo su novio (¿o sí?).

Con sus defectos en el guión y un montaje un tanto alocado, algo tuvo, y sigue teniendo, que ejerce una poderosa influencia sobre muchos cineastas, entre ellos Martin Scorsese, Quentin Tarantino y Steven Soderbergh. Godard se llevó el Oso de Plata al Mejor Director en el Festival de Berlín de 1960, y su cinta fue un regalo envenenado, pero necesario; con ella, ya nada volvería a ser igual en el mundo del cine. El director seguiría destruyendo las convenciones cinematográficas para crear un nuevo lenguaje, Belmondo se convirtió en una gran figura del cine europeo y Seberg, cuya vida fue trágica hasta su prematura muerte, llegó a ser un icono cultural a seguir.

Iñigo Bolao

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Nació en Londres allá por 1970. Comenzó a hacer películas con una cámara Súper 8 a la edad de siete años. Siente fascinación por la psicología. Adora narrar las historias lo menos lineal posible. Sí, así es Christopher Nolan, un hombre que se coló en el mundo del cine para decirnos que él tiene una forma muy peculiar de hacer cine. A día de hoy, es el director más célebre del momento gracias a la trilogía 'The Dark Knight'. Su influencia se nota desde entonces en varias películas del género de superhéroes. Su forma de narrar se ve impresa en varias películas.

Su primer proyecto importante es 'Doodlebug', un cortometraje de tres minutos en el que un hombre se encuentra en una habitación buscando algo. Con el final de este cortometraje se puede resumir la clave del cine de Nolan, porque con el final de cada una de sus películas él intentará pisotearte, dejarte helado o impactado ante las imágenes. Pero todo director, para hacerse un hueco entre los grandes, tiene que hacer proyectos “diferentes” con la idea de que su nombre llegue lejos. En 1998, dirigió 'Following', su primer largometraje en el que se narra las vivencias de un escritor que va siguiendo a las personas a modo de vouyeur. Esta película no la encontraréis en las estanterías de una tienda. Es más, rara vez se habla de ella, pasa desapercibida entre la filmografía del director inglés. Sin embargo, y aunque fuese el primer contacto de Nolan con una película de gran metraje siendo bien distinta a sus próximos proyectos, mantiene ciertos elementos propios de él: una filosofía de trasfondo, lo psicológico de los personajes. 'Doodlebug' y 'Following' son dos obras que todo amante de Nolan debería ver por simple placer y entretenimiento.

Ahora bien, con proyectos así no se puede llegar muy lejos. Son obras que muchos, tirando del tópico tradicional, diríamos que es cine artístico sin más, puro cine independiente que quiere separarse del cine comercial pero que acabará olvidado rápidamente debido a su falta de fuerza e interés. Pero dos años más tarde llegaría a los cines una película hecha desde el corazón, desde la mente de un artista: 'Memento'. Para quienes hayan visto la película más de diez veces y hayan ordenado sus ideas, la verdad es que la película tiene un argumento muy simple. Pero la magia del cine de Nolan se trata de convertir lo simple en algo trascendente, sutil, inteligente, peculiar y atractivo. Así es 'Memento', película que contiene dos líneas cronológicas que se van alternando durante su transcurso, una contada de principio a fin y otra contada desde el final llegando al principio. Así de laboriosa es esta película protagonizada por Guy Pearce ('La máquina del tiempo'), Carrie-Anne Moss ('Matrix') y Joe Pantoliano ('El fugitivo'). Una película de un presupuesto humilde que acabaría convirtiéndose en todo un relato psicológico donde el protagonista padece una enfermedad que le condena a no poder generar nuevos recuerdos, donde los secundarios juegan un papel vital que transforma la película en un juego de piezas entramado. Nolan se ríe de nosotros al convertir un sencillo cuento en una obra compleja para el espectador.

Después de esto, todo son buenas críticas para un director que comenzaría una carrera hacia lo más alto, donde se ha colado en las listas de directores favoritos del público, las mismas en donde están Stanley Kubrick o Steven Spielberg. Nolan está acostumbrado a trabajar junto a su hermano Jonathan Nolan, quien le ha ayudado durante su carrera a escribir los guiones de sus películas. Junto a él, su esposa Emma Thomas, que siempre ha estado de productora de sus proyectos, por lo que al final todo se convierte en un encantador trabajo familiar donde se nos regala buen cine.

Sin embargo, Christopher Nolan tiene en su filmografía una película que, si ahora mismo viésemos su filmografía completa, ésta diríamos que no parece una película suya. Tiene algunas escenas propias de él, pero poca cosa. Se trata de 'Insomnio', película protagonizada por Al Pacino ('Scarface'), Hilary Swank ('Million Dollar Baby') y Robin Williams ('El hombre bicentenario'). Hasta el reparto está alejado de las bases de Nolan. Ojo, las premisas de la película sugieren un film puramente psicológico, y eso sí que podríamos vincularlo al cine de Nolan, pero la narración es básicamente lineal, una película policiaca donde se añade un elemento de tensión peculiar: los protagonistas viajan a un pueblo de Alaska en una época del año donde siempre es de día, nunca anochece. Analizando en profundidad la película, quizá podríamos decir que juega con lo mismo que 'Following', las consecuencias que debe vivir el protagonista por sus actos. Por lo demás, una película con un ritmo lento y a veces soporífero, pero que tiene el atractivo añadido de ver al actor Robin Williams en un papel distinto a lo acostumbrado en él.

Y ahora, silencio por favor. Es el año 2005 y se avecina una tormenta. Después de esto, nada volverá a ser igual. A veces pensamos que algo, una vez enterrado, no puede renacer. A veces pensamos que algo puede morir sin más debido al ridículo, pero nos olvidamos que, al fin y al cabo, son leyendas, figuras simbólicas que se abren paso por nuestro mundo. Joel Schumacher se encargó en su día de dar muerte a uno de los personajes de cómics más célebres: 'Batman', 'El caballero oscuro'. El mito se convirtió en cine de neones y luces fluorescentes, personajes sobreactuados con leotardos y argumentos que daban vergüenza ajena. Quizá 'Batman Forever' pueda salvarse si somos benevolentes, pero 'Batman y Robin' es a día de hoy una de las peores películas de la historia. Entonces, nos cuentan que el estudio que tiene los derechos del personaje prepara una nueva adaptación, un reboot del personaje. La gente mantiene en el recuerdo las desastrosas películas de Schumacher, así que los fans del personaje miran con miedo este proyecto. ¿El resultado? La leyenda renacía, el género de superhéroes se llenaba de vitalidad, el cine se enriquecía de lo profundo y lo oscuro, de diálogos eternos y actuaciones para la historia.

Es curioso que los estudios acaben dando proyectos de tanta importancia a directores de una experiencia dudable, poco acostumbrados a dirigir superproducciones de este tipo. Lo hemos visto con Josh Whedon en 'Los vengadores' y lo vimos con Nolan en 'Batman Begins'. Con ésta, se iniciaría una serie de películas que harían del director inglés un grande del cine, tanto que varias la mayoría de sus películas las veríamos en cualquier lista de films indispensables. Así pues, 'Batman Begins' es la primera película de una trilogía prácticamente perfecta que ha marcado un camino a seguir para el género. Con un reparto formado por Christian Bale ('El imperio del Sol'), Katie Holmes ('Jack y Jill'), Liam Nesson ('La lista de Schindler'), Michael Caine ('Lío en Río'), Morgan Freeman ('Cadena perpetua'), Gary Oldman ('El quinto elemento') y Cillian Murphy ('In time'), la película es considerada una de las mejores cintas de la Warner, con un ritmo dinámico gracias a la narrativa característica de Nolan. Siguiendo una línea argumental básica, conforme avanza la película se van presentando flashbacks que a su vez introducen la propia profundidad del contexto argumental y de los personajes, aportando así una frenética forma de contar una historia oscura sobre el mito del hombre murciélago. El soundtrack de Hans Zimmer convierte a su vez la película en un poderoso videoclip con una puesta en escena impecable.

Ya encargado oficialmente de seguir con las secuelas del caballero oscuro, Nolan ha ido realizando una película antes de cada secuela. El reparto de 'Batman Begins', en su mayoría, se convertiría en una gran familia preparada para seguir las órdenes de Nolan tras las cámaras, tal y como vimos en la que es, a juicio de un servidor, la mejor película del director: 'El truco final' ('El prestigio'). Nolan invita en esta cinta a engañar a los espectadores, jugar con sus pensamientos y que se rompan un poco la cabeza para intentar pillar el truco de magia, pero como bien decían en la película, al final lo que queremos es que nos engañen. La historia de dos magos enfrentados que buscan el mayor prestigio posible en una profesión donde el secreto es la clave del éxito. Nolan volvía a utilizar una narración casi caótica para contar una historia preciosa con un final absorbente. Hugh Jackman ('X-men') era el encargado de protagonizar esta cinta junto con casi todo el reparto de 'Batman Begins'. Scarlett Johansson ('La isla'), Rebecca Hall ('The town') y Piper Perabo ('Bar coyote') eran las encargadas de encarnar los roles femeninos de la película. Una genialidad de diálogos y unas actuaciones de lujo para un film que realmente es una lástima que no se tenga más en cuenta cuando se habla de Christopher Nolan.

En 2008, Nolan conseguiría el éxito y la culminación de su carrera con la que puede decirse que es la mejor película adaptada de un cómic: 'El caballero oscuro'. Con una puesta en escena cercana a 'Heat', y con una ambientación más realista, Nolan se alejaría por un momento de su característico estilo narrativo para contar una historia lineal pero igualmente sólida y contundente, gracias en parte a un nivel de actuación sobresaliente. Heath Ledger ('Destino de caballero') entraría a escena para encarnar el rol de El Joker, hoy día el villano por excelencia del cine. Si la primera entrega se basaba en el poder del miedo, aquí entran en juego temas más filosóficos: lo anárquico, la repercusión del caos, el azar, la hipocresía, el poder, la traición, la venganza, dilemas morales... Todo en esta película consigue una trascendencia y solemnidad que atrapa al espectador hasta llevarlo a un final espléndido. El discurso final de la película pondrá los bellos de punta a más de uno.

En 2010, antes de terminar la trilogía del hombre murciélago, nos regalaría un film donde se tocan temas de psicología bastante interesantes: 'Origen'. Al reparto que ya vimos en 'El caballero oscuro', se caen Bale, Freeman y Oldman, para entrar Ellen Page ('Juno'), Leonardo DiCaprio ('El aviador'), Marion Cotillard ('Taxi'), Josheph Gordon-Levitt ('500 días de verano') y Tom Hardy ('Warrior'), más un viejo conocido que volvía a escena, el camaleónico Cillian Murphy. Hay quien dice que es la mejor película de Christopher Nolan, y yo no lo discuto, pues la película posee una solidez que muy pocas películas consiguen. Sin embargo, posiblemente sea ésta la película que ha creado el fenómeno “anti-Nolan”, creándose una base de detractores hacia el director, oponiéndose a su forma de narrar guiones y a lo caótico que pueden resultar sus películas. Tanto es así que incluso algunos llegan a ver en él un enemigo al hacer del género de superhéroes algo oscuro y profundo, tachándolo de cine pseudofilosófico o demasiado pretencioso para luego conseguir un resultado demasiado maquillado con frases pomposas.

Yo lo único que puedo aportar frente a esto es que el cine de Christopher Nolan me gusta, me atrae, y pago la entrada de cine muy tranquilo sabiendo que no sólo voy a disfrutar de una película, sino que también me llevaré algo, no me iré de vacío, y lo cierto es que 'Origen' es una genialidad de principio a fin, un cuento convertido en tragedia, un romance llevado a la locura de los sueños.

Para finalizar este artículo, cómo no terminar con 'El caballero oscuro: La leyenda renace'. Tom Hardy encarnando el papel de villano Bane, Anne Hathaway ('Los miserables') haciendo de catwoman y Marion Cotillard paseando por la película. La película posee un ritmo más acelerado que la segunda entrega debido a que el contexto de la misma se narra en seis meses, aunque siempre hay momento para las escenas de diálogo con las que Nolan nos tiene acostumbrados. El mito se convierte en leyenda, y Batman conseguía alzarse como el gran superhéroe de la gran pantalla, el punto de referencia para cualquier película.

Convertido ahora en salvador de un personaje que se creía muerto, en un creador de guiones absorbentes y psicológicos que tocan temas de filosofía, Christopher Nolan es ahora al que llaman para supervisar proyectos futuros para que el resultado sea bueno. Lo hemos visto en 'El hombre de acero', la última película dirigida por Zack Snyder que reinicia la saga de 'Superman', y en la que Nolan es el productor y padrino de la misma. Se dice que también supervisará la futura adaptación de 'Batman' a la gran pantalla, que no seguirá el hilo argumental de su propia trilogía y que se acercará más al universo de 'La liga de la justicia'. Lo que sí sabemos es que Nolan ha marcado un rumbo a seguir y que nos va a dar mucho durante los próximos años, como su futura película, 'Interstellar', que basa su argumento sobre los agujeros de gusano. En fin, esto es Nolan, puro entretenimiento con dosis de profundidad.

Javier Fernández López

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Poca relevancia en la prensa ha tenido el reciente fallecimiento del escritor/guionista Richard Matheson (New Jersey, 1926-2013), uno de los mejores contadores de historia del siglo pasado. Suyas son algunas de las novelas y relatos más importantes de la ciencia ficción, el terror y el género fantástico. 'Soy Leyenda' (1956), 'El Hombre Menguante' (1956), 'La Casa Infernal' (1971), 'Más Allá del Tiempo' (1978)...

Añadir una carrera ligada al cine con guiones para cine y TV, siendo habitual encontrarle en los créditos del cine de Roger Corman ('El Cuervo', 'El Foso' y 'El Péndulo', 'La Caída de la Casa Usher') y en trabajos para la pequeña pantalla ('The Twilight Zone', 'La Hora de Alfred Hitchcock', el western 'Lawman').

Mi particular homenaje para él es citar sus cinco trabajos más interesantes hasta el momento... En el futuro ya se verá, su legado es gran cantidad de material que será aprovechado en producciones venideras.

Muchos echarán a faltar alguno de sus trabajos, y tal vez dejarían fuera otros. Pero como dice Clint Eastwood en 'El Principiante': “las opiniones son como el agujero del culo, todos tenemos uno”

Mis cinco de Matheson son:

1) 'El Increíble Hombre Menguante' ('The Incredible Shrinking Man', 1957)

Solo un año después de la publicación de novela se estrena 'El Increíble Hombre Menguante', la película. Matheson debuta en el cine adaptando su propio guión, con el especialista en la ciencia ficción de serie B Jack Arnold ('La Mujer y el Monstruo') poniendo imágenes a su libreto.

Una nube radiactiva envuelve a Scott Cary (Grant Williams), un hombre que desde ese momento mengua hasta lograr un estado realmente diminuto.

Entrada por la puerta grande, nunca mejor dicho, del escritor de New Jersey. Una odisea física y mental realizada como relato de aventuras/sci-fi, con un personaje que, a medida que disminuye físicamente, más se crece ante las adversidades para sobrevivir.

Motivos para no perderse este breve film de apenas 75 minutos: los excelentes trucajes y efectos especiales -incluso vistos hoy-, y una carga filosófica existencial al final para acabar su visionado haciéndose preguntas sobre el sentido de la humanidad en el universo.

A recordar, el tour de forcé entre el menguado protagonista y una araña por un trozo de comida.

En 1981 se estrenaría una parodia 'La Increíble Mujer Menguante', el debut en cine de Joel Schumacher, un director que se ha ido haciendo más pequeño a medida que ha avanzado su carrera, igual que el personaje de la novela.

2) 'El Diablo Sobre Ruedas' ('Due', 1972) – Steven Spielberg

El debut de Steven Spielberg, inicialmente una película para la TV de apenas 72 minutos, tuvo tal aceptación que los productores decidieron rodar más escenas para llegar a los 90, y que tuviera un circuito comercial en salas cinematográficas. Richard Matheson escribió el guión adaptando su propio relato corto, basado en una experiencia personal en la carretera con un camión.

Un hombre perseguido por un camionero asesino, una base simple y sólida sobre la que un primerizo Steven Spielberg construyó un vehículo de tensión y suspense como sólo superaría después con 'Tiburón'. Un clásico que demuestra que el director de 'La Lista de Schindler' también es un genio con presupuestos más ajustados. Merece la aureola de culto que conserva.

Spielberg y Matheson volverían a cruzarse en el camino. Primero indirectamente después de que el novelista escribiera el guión de la tercera parte de 'Tiburón' –en la que el realizador nada tiene que ver-, posteriormente de manera más estrecha con la serie de sketches para TV 'Cuentos Asombrosos', producida por Spielberg. Matheson aportó tres historias.

En 2011 se estrena la última colaboración entre ambos, Spielberg produce 'Acero Puro', una revisitación del capítulo Steel de 'The Twilight Zone', aquí convertido en un cruce entre 'Rocky' y 'Transformers' con un drama paterno filial de trasfondo. Lo mejor, un enérgico Hugh Jackman.

3) 'El Último Escalón' ('Stir of Echoes', 1999) – David Koepp

El guionista David Koepp, colaborador habitual de Spielberg –otra vez toca mencionarle-, lleva a la gran pantalla la novela de 1958 'Stir of Echoes', traducida en España con el título de 'El Último Escalón'. Una producción que en su momento sufrió comparaciones con 'El Sexto Sentido', el merecido éxito del momento de 'M. Nyght Shyamalan', estrenada ese mismo año 1999.

Tom Witzky (buen Kevin Bacon) es un padre de familia escéptico a los fenómenos paranormales. Un día es hipnotizado, momento desde el cual empieza a sufrir visiones procedentes del más allá.

Cierto es que se desinfla a medida que avanza el metraje, pero hay que admitirle a 'El Último Escalón' una historia que te atrapa, la inquietante creación de ambientes, y unos cuantos sustos bastante efectivos. Su moderado éxito propició una secuela direct to DVD que nada tiene que ver con Matheson, ni con David Koepp.

No es la única vez que Richard Matheson coqueteó con la hipnosis, en la novela de 1975 Bid Time Return ya utiliza este recurso. Bid Time Return también tiene su adaptación al cine, 'En Algún Lugar del Tiempo' (1980).

4) Soy Leyenda ('I Am Legend', 2007) – Francis Lawrence

No es la adaptación más fiel de las cuatro adaptaciones que se llevan hasta la fecha, ese mérito le corresponde a 'El Último Hombre Sobre la Tierra' (1964), con guión del propio Matheson. No obstante, 'Soy Leyenda' (2007) es la más notoria de las versiones, y un impresionante éxito comercial que la sitúa como una de las películas más taquilleras de la historia.

Taquilla no equivale a calidad, hay que decir que 'Soy Leyenda' está lejos de ser la adaptación definitiva de la aclamada novela del escritor, pero sí que es un producto de entretenimiento bastante digno, que merece reconozcan sus virtudes.

Protagonizada por uno de los pocos actores que puede presumir de atraer gente a las salas –si no tenemos en cuenta la reciente 'After Earth'-, un Will Smith más comedido que de costumbre en sus chascarrillos graciosos, lleva el peso de un largometraje en el que brillan con luz propia el despliegue de efectos especiales, y el marco de una Nueva York desolada –Los Ángeles en la novela-.

Le pesa cierta impersonalidad por parte del director Francis Lawrence ('Constantine'), que aún así consigue sacar provecho del amplio presupuesto con el que contó. Aun así, una vez acabado 'Soy Leyenda' uno se pregunta que hubieran hecho un director más interesante como Ridley Scott, que a principios de los noventa estuvo cerca de realizar su versión, con Arnold Schwarzenegger.

5) The Box (2009) – Richard Kelly

La historia corta de Button, Button fue la base a un capítulo de 'The Twilight Zone' que nunca agradó al escritor con su desenlace en la pequeña pantalla. Dudo mucho que le agradará más 'The Box', un largometraje de Richard Kelly ('Donnie Darko') que sólo cogía su premisa para desvariar en una cinta de ciencia ficción con ecos de David Lynch.

Un extraño llama a la puerta y le ofrece a una pareja la posibilidad de ganar un millón de dólares si presionan el botón de una caja. En otro de lugar del mundo -o en esa misma calle, quién sabe- alguien aleatorio morirá debido a tal acto.

Una dirección hipnótica del nuevo enfant terrible Richard Kelly ('Donnie Darko'), un inquietante Frank Langella, y la buena banda sonora de Win Butler y Regine Chassagne –miembros de Arcade Fire- mantienen el interés de una película con un cierto desorden narrativo y gran cantidad de ideas ajenas al relato original: viajes espaciales, presencias extraterrestres, portales dimensionales...

David M. Sancho

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En un mundo donde lo más importante es que tu película no quede olvidada y no sea un fracaso, James Cameron se levanta para decirnos que él tiene las claves del éxito. Es posiblemente uno de los directores más regulares de la industria, pues en sus trabajos no hay “bajones” por decirlo de alguna manera. Sus películas tienen algo en común: buscan la grandeza, lo trascendental. Cameron se muestra como un especialista de los efectos especiales, alguien que con cada película se renueva, ya sea con alguna técnica de animación digital o recientemente con el uso del 3D. Cabe decir que no siempre es el primero en usar esas tecnologías para filmar, pero sí suele ser el primero en usarlas correctamente, tanto que su última película, 'Avatar', sigue siendo la que mejor uso hace del 3D en el cine. Ello justifica que directores como Peter Jackson o Michael Bay acudan a él como supervisor para la filmación en 3D. También lo hemos visto produciendo películas últimamente como 'Resident Evil: Ultratumba'.

Comenzó con 'Piraña 2' y a partir de ahí se inició una excelente carrera fílmica hasta tocar el éxito y el oro. Amante de la ciencia-ficción, nos trajo en 1984 la película 'Terminator', convertida ya en un clásico del género. Es curioso que después de que James Cameron hiciese ésta y su secuela se haya convertido en una figura importante dentro del ámbito de la ciencia en lo referente a viajes en el tiempo. Aunque lo cierto es que al director lo que le apasiona de verdad es el mundo acuático, los océanos y el mundo submarino. Tanto es así que en 1989 llevó a los cines 'Abyss', una cinta de ciencia-ficción protagonizada por Ed Harris ('La roca') y en donde los sucesos tienen lugar debajo del mar.

James Cameron además tiene dos puntos clave. Cada vez que saca una película, no sólo está escrita por él mismo sino que además suele ser en su momento de estreno la película más cara de la historia. Porque ya lo dijo Leonardo DiCaprio en 'Titanic' gritando al horizonte: “soy el rey del mundo”. Seguramente son muchos los que piensan que esa frase se le atribuye más a James Cameron que a DiCaprio.

Todo un genio de los efectos especiales, sacó 'Terminator' y maravilló al público, siendo la película en el fondo una humilde película slasher, la ya manida historia en la que un determinado asesino persigue a alguien durante toda la película. Sin embargo, y como ya se ha mencionado, sus películas suelen tener ese tono trascendental que ciertos espectadores buscan, por lo que sus películas no quedan olvidadas. 'Terminator' al final era una película puramente filosófica, donde los protagonistas luchaban no contra el asesino que veían, su enemigo ni siquiera existía como tal todavía, el programa informático Skynet. De esta manera, la película no sólo resulta un frenético entretenimiento, sino una genialidad que muy pocas películas alcanzan.

En 1986 y 1991 James Cameron llevó a la gran pantalla respectivamente 'Aliens: el regreso' y 'Terminator 2: El juicio final'. Dos secuelas, dos maravillas. La primera era la secuela del clásico de Ridley Scott 'Alien, el octavo pasajero'. Cameron enriqueció un universo fílmico entero introduciendo elementos culturales y simbólicos a una saga que comenzaría a convertirse por entonces en una franquicia. Por otro lado, 'Terminator 2' es a día de hoy la secuela por excelencia. ¿Se puede hacer una secuela de mejor forma? Y déjenme decir, por favor, que la doble introducción de la película con los créditos iniciales es de una magnitud impresionante, pura filosofía que se movía junto a la banda sonora de Brad Fiedel. Una puesta en escena sensacional para la que sigue siendo la mejor película de James Cameron con diferencia.

En 1994, estrenó 'Mentiras arriesgadas' ('True Lies' en la versión original), protagonizada por Arnold Schwarzenegger, que ya había trabajado con Cameron protagonizando las películas de 'Terminator', y Jamie Lee Curtis ('Halloween'). ¿Sería arriesgado decir que es una de las mejores películas de acción-comedia que se han hecho? La película funcionaba con un ritmo tan bueno que cualquiera se queda pegado a la pantalla. Cameron realizaba con esta cinta una parodia del cine de espías como 007. Tanto Arnold Schwarzenegger como Jamie Lee Curtis realizarían dos de sus mejores papeles en toda su carrera (Curtis ganó el globo de oro por su papel), y James Cameron se asentaría aún más como uno de los directores más ingeniosos y polivalentes del cine.

Pero es en 1997 cuando el director canadiense se quita una espinita que tenía en el corazón, llevando a los cines su obra magna 'Titanic'. Ganadora de 11 premios Óscar, la película resulta ser tan buena que parece a cierto público le indigna, pero la realidad es que es una de las mejores películas románticas de la historia, una genialidad en cuanto a ambientación y técnica en el uso de efectos especiales, unos diálogos deliciosos y unas imágenes bellas y eternas. De esta manera, 'Titanic' se presentaba como la gran película de la década. Criticada por ser demasiado lenta o muy empalagosa, toda crítica negativa queda en humo cuando se disfruta del verdadero mensaje que posee la película, una historia de ambición en la que el hombre quiere estar por encima de sus posibilidades, una historia de amor donde una mujer se enamora no sólo de un hombre, sino también de aquello que le rodea, la libertad de no saber qué hará mañana, a dónde irá o qué le deparará la vida.

Después de 'Titanic', James Cameron estaba más que consagrado y consiguió el estatus de director genio. Se despediría del cine durante muchos años, hasta que algo llamó la atención al gran director. Cameron tenía en manos varios proyectos, e incluso estuvo detrás de dirigir una película de 'Spiderman'. También adquirió los derechos del manga 'Alita: Ángel de combate' y creó la serie 'Dark Angel' en el año 2000. En 1994, él había escrito el guión de su más reciente proyecto, 'Avatar', pero no quiso llevarla a cabo debido a que veía la tecnología de la época insuficiente para poder filmarla. Pero la trilogía 'El señor de los anillos' animó al director canadiense finalmente a rodarlas cuando vio la tecnología usada para recrear al famoso personaje Gollum.

Dubitativo entre rodar la adaptación de 'Alita: Ángel de combate' o 'Avatar', eligió la segunda y pospondría el otro proyecto para el futuro (recientemente confirmado que empezará a trabajar en ello después de terminar la tercera entrega de 'Avatar').

Con un presupuesto de más de 200 millones de dólares, con un reparto un tanto novedoso donde se encontraba la experimentada Sigourney Weaver, con la mayor tecnología a su alcance y con una historia no muy original pero sí sólida, James Cameron hizo realidad su sueño de recrear un mundo ficticio de la forma más viva posible. La diferencia entre realidad y digital apenas era notoria. El 3D, sensacional. La banda sonora de James Horner, pura épica. Rápidamente, 'Avatar' se convirtió en la película más taquillera de la historia, rozando casi los 3000 millones de dólares de recaudación en todo el mundo, superándose Cameron a sí mismo con su 'Titanic', que antes se había convertido también en la más taquillera. Criticada por falta de originalidad y por parecerse a otras obras como 'Pocahontas', 'Bailando con lobos' o 'Ferngully', James Cameron no negó que se inspiró en algunas películas para escribir 'Avatar', si bien su guión fue escrito un año antes de que se estrenara 'Pocahontas', de Disney.

La historia de un futuro donde la vida en la Tierra se ha convertido en una odisea por las condiciones del ambiente, en la que un joven exmarine parapléjico se ve involucrado en un proyecto científico a causa del destino. Al llegar a una de las lunas del planeta Polifemo, Pandora, tomará el cuerpo de un avatar para convertirse en uno más de los habitantes del lugar. Poco a poco se irá dando cuenta de que lo que hacen los humanos allí es precisamente lo mismo que hizo que la Tierra se convirtiese en un absoluto infierno.

Así pues, esto es Jame Cameron, un talento en cuanto a técnica, espectáculo y entretenimiento, con guiones que funcionan aunque a veces algunos no los consideren demasiado profundos. En los próximos años veremos las secuelas de 'Avatar' y luego la adaptación de 'Alita: Ángel de combate'. Tenemos James Cameron para rato. Además, está trabajando en una nueva forma de filmar en 3D la captura de movimiento bajo el agua. Puede que a algunos no les guste el cine de Cameron, pero es innegable que con él, el mundo del cine progresa.

Javier Fernández López

OjoCrítico.com

Cada año el cine no sólo nos deja buenas películas, también nos deja actuaciones y personajes que siempre recordaremos, muchos de ellos son los que conocemos como secundarios. Tal vez no nos narren la historia que vamos a ver, ni ocupen la mayor parte del metraje, pero de lo que no hay duda es que no podríamos imaginarnos muchas películas sin ellos en el reparto. Nos hacen reír, nos hacen llorar, son capaces de eclipsar a los héroes e incluso de conseguir llevarse el Oscar a la mejor película por una mirada suya.

Probablemente la que mejores actuaciones de secundarios haya dejado sea la trilogía de ‘El padrino’, uno de los pilares fundamentales de esta saga son sus actuaciones, y en esta todos funcionan como una verdadera familia. Cierto es que nombrando a ‘El padrino’ nos viene a la mente la imagen del gran Marlon Brando, pero a su lado hubo unos actores que mostraron su enorme talento, actores como Al Pacino, James Caan y Robert Duvall (nominados), sin olvidar a John Cazale y a Talia Shire, que elevaron a la cinta de Coppola al olimpo cinematográfico. Su segunda parte nos dejó la vacante de Marlon Brando en el papel de Don Vito, pero dándonos a cambio al mejor sustituto posible, Robert de Niro, que consiguió llevarse el Oscar al mejor secundario y no sólo eso, consiguió por primera y única vez que un personaje obtuviera el galardón siendo interpretado por dos actores distintos. En esta segunda relatándonos la vida del mafioso italiano; junto a él y sin compartir ni una escena en toda la película, Al Pacino de nuevo y en el mismo papel, pero esta vez como el patriarca del clan Corleone. Estas dos actuaciones fueron antológicas y llegaron a eclipsar las nominaciones de Michael V. Gazzo (Pentangeli en la cinta) y Lee Strasberg (Hyman Roth). Si a todo ello le sumamos la buena actuación de Andy García en su tercera y peor parte, lo que nos encontramos es con una clase magistral de cómo actuar en tres tomos.

En esa misma década podemos encontrarnos con las excelentes actuaciones de Robert Duvall, otra vez bajo la dirección de Coppola y cambiando de registro en esa obra maestra bélica llamada ‘Apocalypse now’, interpretando a un teniente estrafalario loco por el surf, que con una aparición de escasa media hora, sus dos míticas escenas y dos frases geniales se mete al público en el bolsillo. En Vietnam también pero con un personaje bien distinto nos encontramos al mejor Christopher Walken (Oscar incluido), que nos enseñaría las miserias post-guerra, lo devastadora que es y el drama del juego de la ruleta rusa (cómo olvidarlo). Junto a estos dos titanes de la interpretación destaco también la actuación de Jason Miller en lo que fue la gran genialidad de William Friedkin, ‘El exorcista’, en la que interpretó el papel del padre Damien Karras para salvar a Regan, una genial y mítica Linda Blair, en lo que es una de las obras cumbre del cine de terror. Algo más joven, nos encontramos con la estupenda Jodie Foster que sorprendió a propios y extraños tan sólo tres años después de ‘El exorcista’ en el papel de prostituta que le deparó ‘Taxi driver’, de la mano de Scorsese. Mientras, Alec Guiness nos iniciaría en el camino del Jedi.

Ya en la década de los 80 nos encontramos con grandes actuaciones como la de Sean Connery en ‘Los intocables’ de De Palma, o la de Denzel Washington en ‘Tiempos de gloria’, siendo ésta una de las mejores interpretaciones de su carrera. John Huston nos dejó con su penúltimo vals las actuaciones de una Angélica Huston que no mereció el Oscar a la mejor actriz de reparto, en mi humilde opinión, y la de William Hickey como Don Conrrado Prizzi, siendo ésta la gran actuación en la sobrevalorada ‘El honor de los Prizzi’. Mientras tanto, William Dafoe y Tom Berenger se enfrentaban por sus diferencias en el Vietnam que Oliver Stone reflejó en ‘Platoon’, dejando en esta década uno de los mejores pulsos actorales en mucho tiempo.

Los 90 dejaron en el recuerdo actuaciones como las de Joe Pesci, por partida doble, excelente en ‘Uno de los nuestros’ y a gran nivel en ‘Casino’, donde Sharon Stone realiza probablemente su mejor papel; un actor, que bajo las órdenes del gran Martin Scorsese, ha funcionado a las mil maravillas, dejándonos grandes momentos en el recuerdo, pero que desgraciadamente ha caído en el olvido estos ultimos años. Algo similar ocurrió con Michael Clarke Duncan, que logró enternecernos a todos en ‘La milla verde’. Whoopi Goldberg, que tras estar sensacional en ‘Ghost’, pocas noticias tenemos de ella en los últimos años. Todo lo contrario que Kevin Spacey, siempre genial (a excepción de ‘Superman return’), pero a este se le perdona todo; más aún cuando nos trajo a una de las revelaciones del momento al interpretar a Verbal Kint en la sorprendente ‘Sospechosos habituales’, una película con uno de los mejores finales de la historia del cine. En el año 94 nos encontramos compitiendo por el galardón, sin éxito, a Gary Sinise, por su gran labor como teniente Dan en ‘Forrest Gump’, y a Samuel L. Jackson acompañado de Uma Thurman (actriz que sólo funciona si es Tarantino el que está al mando) en la gran ‘Pulp Fiction’, película que nos dejó esa gran pareja de gángsters trajeada que nos deparó momentos y frases para la eternidad. Una gran década sin duda.

El nuevo siglo no iba a ser menos, y en cuanto a mí respecta, es durante estos años cuando nos encontramos con las mejores interpretaciones. Empezaré por lo menos “fuerte”. En esta nueva era nos hemos deleitado con interpretaciones masculinas sin Oscar, como las de Joaquin Phoenix en ‘Gladiator’, Ian McKellen en la trilogía de ‘El Señor de los Anillos’, Paul Newman en ‘Camino a la perdición’ (donde nos regala una gran mirada bajo la lluvia por última vez), Geoffrey Rush en ‘El discurso del rey’ o Mark Wahlberg en ‘Infiltrados’ (consiguiendo hacer que un policía pueda ser tan odiado como un mafioso). En cuanto a actuaciones femeninas, tenemos a Marisa Tomei como complemento perfecto de Mickey Rourke en ‘El luchador’, Berenice Bejo siendo el de Jean Dujardin en ‘The Artist’ o Jackie Weaver siendo la madre perfecta de película este año en ‘El lado bueno de las cosas’. Todo lo contrario que Melissa Leo en ‘The figther’, que se llevó el Oscar a casa por ser la madre poco equitativa del mejor Christian Bale en pantalla. Octavia Spencer y Catherine Zeta-Jones también nos deleitaron, con Oscar incluido, en ‘Criadas y señoras’ y ‘Chicago’ respectivamente.

Y, por fin, voy a hablar de las que para mí son las mejores cinco actuaciones de secundarios. No haré ningún tipo de ranking, porque para mí los cinco están geniales. En primer lugar y por orden cronológico hablaré de Denzel Washington en ‘Training day’; sí, ‘Training day’, esa película que le otorgó el Oscar como mejor principal, pero no debe haber duda de que su personaje es el secundario, muy bueno, pero secundario, tanto que es capaz de desplazar al personaje de Ethan Hawke (genial y nominado por actor de reparto) a un plano secundario; hay que recordar que el que comienza y acaba el día es éste y no Denzel, ocupando así mayor metraje. El siguiente de la lista es Tim Robbins, que bajo las órdenes de Clint Eastwood en ‘Mystic River’, fue capaz de ponerse al nivel del mejor Sean Penn haciendo pasar desapercibida la actuación de un gran Kevin Bacon. Javier Bardem entra en esta lista gracias a la sorprendente ‘No es país para viejos’, él es la esencia de la película, su personaje está bien dibujado y mejor interpretado; verdaderamente produce escalofríos, con sólo una mirada suya fue suficiente para hacer ganar, no sólo su Oscar, sino el de mejor película del año. Como no, no podía faltar en esta lista el siguiente ganador del premio de la academia, Heath Ledger, capaz de eclipsar al caballero oscuro de Gotham, infectando el aire con su presencia y elevando su película a la categoría de obra maestra (probablemente la segunda mejor tras ‘El padrino’); una pena que ya nunca más vuelva a interpretar, el único consuelo es poder recordar su gran actuación. Por último, uno de los descubrimientos del genio Tarantino, Christoph Waltz, que se pone en la piel de un coronel nazi que transmite el asco y repugnancia que éste debería dar, pero con el toque de carisma que sólo Quentin le podía añadir a un ser de esta calaña. Para más inri, Waltz repetiría este año premio con ‘Django desencadenado’, otra vez bajo las órdenes de Tarantino, demostrando que la conexión funciona y no fue cosa de un solo film, eso sí, acompañados de unos excelentísimos e infravalorados por la crítica Leonardo DiCaprio y Samuel L. Jackson.

Ese carisma que desprenden estos actores, no sólo hace aportar calidad en sus películas, sino que muchas veces con su inestimable ayuda consiguen que las mismas sean obras maestras. El cine no sería lo mismo sin ellos. ¡Y los llamaron secundarios!

Adrián Pena

OjoCrítico.com

Ellos son la esencia de un género que siempre ha gustado tanto. Se han movido por la codicia, por la ambición, por sus creencias, por defender a sus familias, a sus negocios sucios, por hacer de las calles su justicia y su ley; ellos son los reyes de sus ciudades y son los gángsters, capos o mafiosos del cine.

Desde ‘El Padrino’ hasta hoy han sido miles los que se han puesto en la piel de los amos de la mafia, pero sólo unos pocos tienen el privilegio de ser recordados, unos lo harán por sus papeles fundamentales en las películas, otros por mitificar escenas del séptimo arte y otros incluso por hacernos reír y pasar buenos momentos. Suscitan odio, admiración y envidia entre el público, y no hay duda de que cuando se presenta uno de gran figura, no deja indiferente a nadie.

Evidentemente si hablamos de mafia y familia, nos viene a la cabeza el Don, el más grande por excelencia, ‘El Padrino’, el admirado Vito Corleone. Y pensar en él es pensar principalmente en el gran Marlon Brando, su actuación son palabras mayores, marcó una época y un punto de inflexión en el cine, suponiendo la modernización del mismo, su figura sin duda es la más influyente del género, su sombra es demasiado larga y el resto de gángsters vivirá eternamente bajo la suya probablemente, y eso que hemos encontrado más que dignas actuaciones y dignos sucesores. Entre estos últimos hallamos a Robert de Niro, quien interpretó de manera formidable la juventud del capo en sus inicios, lo cual le valió el Oscar, pero que sin duda queda relegado a un segundo plano por el Vito veterano. Lo mejor de todo esto es que el patriarca de los Corleone no venía sólo, sus hijos eran su debilidad, sus pilares y su razón de ser: Al Pacino (como Michael Corleone), James Caan (Sonny o Santino), John Cazale (Fredo) o Robert Duvall (Tom Hagen) no sólo formaban parte de su círculo de confianza, sino que consiguieron engrandecer la cinta y ensalzar la figura de Francis Ford Coppola hasta mitificarlo.

Tras Marlon Brando y su Don Vito, nos encontramos a un heredero de su misma sangre, al Michael Corleone de la segunda parte de ‘El Padrino’; si en la primera ya hizo un trabajo fabuloso, sólo queda decir que en esta segunda recoge el testigo de su padre para convertirse en el patriarca de la familia y llevar sus negocios, afianzándose en este papel. Y es que si algo bueno nos dejó esta trilogía, que fueron muchas cosas, es entre otras un actorazo como Al Pacino. Un talentoso de la interpretación que nos ha dejado más de un gangster en su extensa filmografía como por ejemplo su Tony Montana de ‘Scarface’, elevado a la categoría de mito del cine, y no es de extrañar. El film de Brian de Palma se convirtió en película de culto gracias a las grandes frases y escenas del sanguinario cubano de Miami. Su mal hablado personaje ha dejado expresiones como: “Soy Antonio Montana, un preso político de Cuba y exijo mis jodidos derechos humanos… ”, “Soy Tony Montana, querer joderme a mí, es querer joder al mejor” ó “¡Saluden a mi pequeño amiguito!” (Say hello to my little friend! en inglés); y escenas como la de su personaje sentado en una mesa con una montaña de coca delante suyo o con metralleta en mano acabando con todo lo que se mueve. Tras estos dos personajes vinieron otros importantes en su carrera, pero sin la misma relevancia. Volvería a repetir con Brian de Palma de director en ‘Atrapado por su pasado’, interpretando al narcotraficante Carlitos Brigante. Ese no fue su único personaje de mafioso en los 90, ‘Donnie Brasco’ junto a Johnny Depp, ‘Dick Tracy’ junto a Warren Beatty y Madonna y la tercera entrega de ‘El Padrino’ completaron el póker de películas de mafiosos en esa década. Tras esos films, Pacino volvió hace pocos meses con Christopher Walken y Alan Arkin al género con ‘Tipos legales’, una de mafiosos en la tercera edad.

Si hablamos de reyes de la mafia, sin duda alguna hablamos también del coloso Robert de Niro. No sólo ha sido la reencarnación joven de Vito Corleone, ha sido muchos más gángsters de la historia del cine. Entre sus papeles se encuentra ‘La última bala’ del cine de Sergio Leone, ‘Érase una vez en América’ donde nos cuenta la vida de un mafioso judío junto a James Woods y Joe Pesci en una densa obra maestra del cine. Pero antes de todo eso, Robert ya había comenzado su andadura en el mundo del hampa de la mano del maestro del género Scorsese en su ‘Malas calles’, que tras mostrarnos los bajos fondos de la urbe, junto a Harvey Keitel, volvió a repetir con el actor italoamericano en el momento cumbre de su carrera en la aclamadísima ‘Uno de los nuestros’, donde el bueno de De Niro queda eclipsado por un endiablado Joe Pesci, justo ganador del Óscar. Su asociación es sinónimo de éxito, pasó con ‘Toro salvaje’, con ‘Taxi driver’, con la nombrada ‘Uno de los nuestros’ y unos años después con ‘Casino’, donde Marty reunió lo mejor de su anterior obra gangsteril: Pesci, de Niro y Pileggi (guionista). En ese ‘Casino’, Scorsese pasaba de Nueva York a Las Vegas, mostrándonos el mundo de la mafia en la ciudad del juego y las luces. Su James Conway de ‘Uno de los nuestros’ y su Sam Rothstein de ‘Casino’ están a la altura de los mejores mafiosos cinematográficos; y a punto estuvo de interpretar el papel de Jack Nicholson en ‘Infiltrados’, pero los problemas de agenda le privaron de realizarlo. Antes de las dos obras de Scorsese de los 90, de Niro encarnó al gangster más conocido de la historia, Al Capone en el film de Brian de Palma ‘Los intocables de Eliot Ness’; aunque puede que éste no sea su mejor mafioso cinematográfico, nos regaló escenas como la del bate de béisbol en la cena; una pena no haber tenido una mayor y mejor presencia de su personaje, porque ciertamente ese nombre de mafioso merecía algo más. Pero no todo es seriedad y dramatismo en la obra de Robert, también hay momentos para la comedia y qué mejor manera de hacer reír que reírse de uno mismo. Todo lo que hizo con anterioridad en su filmografía de mafioso queda parodiado en ‘Una terapia peligrosa’ donde interpreta a Paul Vitti, el capo menos malo del cine; él y su psicoanalista Billy Crystal harán partirse de risa al público, tras ésta una secuela sin tanto éxito. En unas semanas De Niro volverá a la mafia en una película de Luc Besson con un título más que curioso para el género, ‘The family’.

Otro grande que no podía faltar en esta lista es el anteriormente citado Jack Nicholson, el actor de ‘El resplandor’ también ha interpretado a jefes y secuaces del hampa en más de una ocasión. Tal vez su experiencia en estos mundo no sea tan dilatada como la de Al Pacino y Robert de Niro, pero también nos ha dejado grandes momentos en el género. Primeramente con John Huston en la sobrevalorada ‘El honor de los Prizzi’, donde interpreta a Charley Partana un matón a sueldo de la nombrada familia; en ella vemos el amor y desamor gangsteril, el respeto hacia el clan y la honorabilidad. También nos quedó muy patente que un siciliano es capaz de comerse a sus hijos antes de desprenderse del dinero, o lo que es lo mismo, la pasta es la pasta. Tras hacer de matón para William Hickey, don Conrrado Prizzi, volvió al género 20 años más tarde para ya liderar su propia banda de irlandeses de Boston; Jack se puso a las órdenes de Martin Scorsese en lo que iba a ser un papel para De Niro y su interpretación fue fundamental para el éxito de la película. Su actuación causó división de opiniones, irritante para unos y fabuloso para otros (yo soy de este sector); en ella nos dejó frases y muecas para la eternidad y pudimos ver un doble juego por parte de policía y mafia, donde los malos se infiltraban entre los buenos y viceversa. Uno de los mejores thrillers de la década pasada y de la historia, con un reparto insuperable.

Si al principio del texto hablaba de Marlon Brando y su padrino, tampoco podía faltar otro grandísimo actor de la historia del cine que ya no está entre nosotros, Paul Newman. El actor de los ojos azules nos regaló en sus últimos años un personaje de la mafia, siendo ésta su última nominación al Oscar y gran actuación. Su participación en la preciosa ‘Camino a la perdición’ de Sam Mendes fue clave, él es el líder de una banda de irlandeses del norte de los Estados Unidos y uno de los mafiosos que mejor expresa sus sentimientos y su dolor con su mirada, esa mirada de alivio que nos dejó bajo la lluvia cuando supo que iba ser asesinado por su querido Tom Hanks (muy buena actuación); es una de las más bellas de la historia del cine. Un precioso cuento sobre el amor a la familia, que aunque parezca mentira no es más que una adaptación de un cómic. Paul Newman y su John Rooney ocuparán siempre un hueco en nuestro corazoncito cinéfilo.

Tras haber hablado de cinco de los mejores actores de la historia de Hollywood parece que todo lo que venga ya se quede pequeño, pero el cine también nos ha dejado otros buenos actores como Joe Pesci, un secundario de lujo en esto de la mafia, un actor del que apenas sabemos nada en estos últimos años, pero que en los 90 bordó sus papeles de ‘Uno de los nuestros’ y ‘Casino’ donde interpretó a Tommy DeVito y a Nicky Santoro respectivamente. Él nos dejó momentos míticos del género como en el que dispara a los pies del camarero de la mafia dándole en el pie, o en el que se carga por un calentón a un jefe del clan, con posterior entierro a paladas incluido. Él nos ha enseñado el lado más demencial de estos tipejos de manera genial.

Denzel Washington o Viggo Mortensen también nos han mostrado a esa clase de hombres en el cine, y sus personajes probablemente hayan sido los más diferentes del resto. El primero interpretó a Frank Lucas en el clásico moderno de Ridley Scott ‘American Gangster’, el director inglés muestra aquí su versatilidad añadiendo un género que le faltaba a su extensa filmografía. En ésta cinta, el afroamericano, se convierte en el padrino de Harlem, un capo que asciende sin hacer mucho ruido, empezando de chófer hasta hacerse con la ciudad gracias a su ‘Magia Azul’, esa droga que se encargaba de meter en el país vía Vietnam. Un placer muy satisfactorio de película. Viggo Mortensen mientras tanto, ese mismo año, nos traía una cinta de la mano de David Cronenberg y Naomi Watts, sobre el hampa ruso en Londres, ‘Promesas del este’. Su cuerpo tatuado, su actuación y la escena de la pelea en el balneario son dignas de ser recordadas. Una película a la que le faltan 20 minutos para ser una verdadera joya.

El camaleónico Johnny Depp también ha interpretado a hombres de su propia ley, encarnando así al infiltrado Donnie Brasco o al atracador más buscado John Dillinger. El multioscarizado Daniel Day Lewis nos mostró con una gran interpretación a uno de los mafiosos más antiguos y sanguinarios del cine, su carnicero de ‘Gangs of New York ‘ nos enseñó los primeros pasos y cómo se las gastaba este tipo de gente. Chazz Palminteri no podía faltar en esta lista, secundario de lujo y con papeles relevantes como en ‘Balas sobre Broadway’ de Woody Allen, donde su actuación le valió una nominación al Oscar, o en la ópera prima de Robert de Niro ‘Una historia del Bronx’, película con clara influencia de Scorsese.

Adrián Pena

OjoCrítico.com

¿Cuál es el secreto del cine de Ingmar Bergman (1918-2007)? En realidad, sería más conveniente usar el plural, porque no sólo reside en lo que transmiten sus historias y en la manera de tratarlas (‘El séptimo sello’, 1956, o ‘Secretos de un matrimonio’, 1974); o en el esmerado cuidado técnico que le dio a cada una de ellas, habiendo contado Ingmar con colaboradores destacados como el director de fotografía Sven Nykvist (1922-2006), aunque el tiempo de rodaje y el presupuesto fuesen reducidos.

Este artículo trata sobre el elenco actoral con el que ha contado el director sueco en sus filmes o, al menos, en los actores y actrices más relevantes. No es un misterio que Bergman, desde pequeño, había crecido con el teatro. Representaba su segundo refugio junto al cine, el único espacio en el que podía liberarse de las ataduras que suponía la rígida educación protestante que le había dispensado su propio padre, un sacerdote. Aún así, nunca pudo librarse de los valores que se le inculcaron en su infancia, lo que se aprecia en cada una de sus cintas. Hablar de Bergman es hablar de la carga de un pasado tortuoso.

Volviendo al tema que nos ocupa, el contacto con el mundo teatral le permitió desarrollar una capacidad magistral de dirigir actores. Era capaz, según François Truffaut, de hacer que, de una película a otra, los intérpretes fuesen “completamente diferentes; a menudo hacen papeles totalmente opuestos a los anteriores”. Claro que, en una película la actuación requiere de una naturalidad que se corresponda con el motivo visual que el cineasta proporciona, para que la imagen transmita un significado.

Precisamente, el secreto de su técnica residía en dejar que los intérpretes improvisasen. En sus guiones, conforme fue evolucionando como director y guionista, Bergman se centraba cada vez más en la imagen y menos en el diálogo, o al menos en lo más esencial. Para el resto de su labor, lo que hacía el director era crear una relación con su elenco, basada en el apoyo constante del primero, para que los miembros del reparto sacaran lo mejor de sí mismos y pudieran hacer un trabajo notable. Por otra parte, hay que decir que los personajes de sus películas están bien construidos, poniendo énfasis en las pautas y elementos necesarios para que éstos evolucionen.

Creo que con un ejemplo bastará para apreciarlo, y recomendaría ver algunas escenas de sus películas en versión original. Una pregunta: ¿en esta escena, Bergman lo escribió todo, o dejó a Max von Sydow improvisar?

Y después de haber expuesto toda esta retahíla introductoria que, espero, no haya aburrido al lector, vamos con cada uno de los actores:

Max von Sydow (1929). Todo un maestro de la interpretación y un referente para generaciones de actores. Son memorables sus papeles de hombre atormentado, siendo a menudo el álter ego del propio Ingmar Bergman. Destacó en sus papeles de Antonius Block en ‘El séptimo sello’, Jan en la demoledora 'La vergüenza’ (1968) o como el pintor con demonios internos Johan Borg en ‘La hora del lobo’ (1968). Generalmente es más conocido en su papel del Padre Merrin en ‘El exorcista’ (1973) de William Friedkin o en películas como ‘Pelle el conquistador’ (1988) de Bille August.

Liv Ullmann (1938). Actriz, directora y musa de Bergman –incluso madre de una hija que tuvo con él-, nunca podrá olvidarse su rostro después de ver la película ‘Persona’ (1966) en el papel de la actriz Elisabeth Vogler, muda tras un ensayo teatral y desprovista de cualquier identidad real. Poco a poco, los personajes que recibió del maestro se caracterizaban por disponer de una mayor sensibilidad, tal y como puede comprobarse en ‘Secretos de un matrimonio’.

Gunnar Björnstrand (1909-1986). El actor más asiduo de la filmografía “bergmaniana”. Gran actor de cine y de teatro, Björnstrand hizo papeles secundarios memorables y muy diferentes entre sí: desde el hijo que guarda cierto desdén hacia su padre, el profesor Isak Borg (Víctor Sjöström), en ‘Fresas salvajes’ (1957), pasando por el rudo escudero de ‘El séptimo sello’ y el escritor sensible de ‘Como en un espejo’ (1961), al despreciable “benefactor” de la película ‘La vergüenza’.

Bibi Andersson (1935). Tan bella como Liv Ullmann, Andersson destacó en su doble papel en ‘Fresas salvajes’ como una de las autoestopistas que la familia de Borg recoge en la carretera y de la mujer de la que estuvo enamorada el propio profesor en el pasado; así como en el de la enfermera Alma en ‘Persona’ quien, ante Elisabeth Vogler, experimenta una disolución de su propia personalidad.

Erland Josephson (1923-2012). Compañero de Ingmar Bergman, fue, además actor, director de teatro y sucesor del propio cineasta en la dirección del Dramaten (Teatro Dramático de Estocolmo). Sus actuaciones principales se pueden apreciar en ‘Gritos y susurros’ (1972) y en ‘Secretos de un matrimonio’, así como su continuación para televisión, ‘Saraband’ (2003), junto a Ullmann. Participó también en las películas de otros directores, como en el último film de Andrei Tarkovsky, ‘Sacrificio’ (1986).

Ingrid Thullin (1926-2004). La tercera actriz sueca de mayor renombre internacional detrás de Greta Garbo e Ingrid Bergman. La variedad en sus interpretaciones, al igual que en el resto del elenco, también pueden apreciarse en sus actuaciones, como en ‘Fresas salvajes’, ‘Los comulgantes’ (1962) o como el antiguo amor (y, a la vez, demonio) de Johan Borg (Von Sydow) en ‘La hora del lobo’.

Harriet Andersson (1932). Encandiló a los directores de la nouvelle vague (cuando fueron unos duros y acérrimos críticos como nosotros en Cahiers du Cinéma) como la joven Mónica en el film ‘Un verano con Mónica’ (1953), la primera obra maestra de Bergman. Llegó a sobrecoger con su interpretación de Karin en ‘Como en un espejo’, así como en su papel de Agnes en ‘Gritos y susurros’, enferma de cáncer de útero y distanciada en su relación con sus dos hermanas, Karin y María (Thullin y Ullmann, respectivamente).

Por último, no se podría terminar este artículo sin mencionar su trabajo con las dos grandes figuras de la cinematografía sueca. Por un lado, el gran pionero cinematográfico y actor Víctor Sjöström (1879-1960), ya mencionado más arriba como el hombre que interpretó al serio y melancólico profesor Borg en ‘Fresas salvajes’. Y, por otro lado, Ingrid Bergman (1915-1982), quien solo trabajó una vez con Ingmar en ‘Sonata de otoño’ (1978) en el papel de Charlotte, una pianista de prestigio internacional que no pudo criar como fue debido a su hija Eva (Ullmann una vez más).

A modo de conclusión, se podría decir que todo este reparto de actores y de actrices contribuyó a que el cine de Ingmar Bergman siga siendo una guía de referencia perfecta para los aspirantes a la dirección de actores o para la interpretación. El inconveniente, es el hecho de que muchas de esas interpretaciones se pueden hacer un poco pesadas para el espectador al tener algo teatral. No obstante, si realmente el lector (o lectora) gusta del cine de buenas interpretaciones, la filmografía de Bergman es idónea.

Iñigo Bolao

• ‘Viaje fantástico’ es una exposición de la XXIV Semana del Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián en la que se pueden contemplar objetos originales y réplicas de grandes películas del género fantástico y de ciencia ficción.

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Como complemento a las proyecciones de la XXIV Semana del Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián están programadas diferentes actividades. Entre ellas, se encuentra la exposición ‘Viaje fantástico’ en la que se pueden contemplar objetos originales y réplicas de películas míticas del género fantástico y también de ciencia ficción: ‘Terminator II: El juicio final’, ‘Yo robot’, ‘Blade Runner’, ‘Parque jurásico’, ‘300’, ‘Cazafantasmas’, ‘Regreso al futuro’, ‘Soy leyenda’ y muchas otras.

Tras su paso por Madrid, Valencia y Barcelona, el canal de televisión especializado ‘Syfy’ colabora en la Semana presentando esta exposición.

C. C. Okendo

Avenida de Navarra 7

20013 San Sebastián

26 octubre – 7 diciembre

de lunes a sábado (excepto festivos): 10:00 – 14:00 / 16:30 – 20:00

27 de octubre y 6-7 de diciembre: 11:00 – 14:00 / 17:00 – 20:00

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El mercado cinematográfico está en crisis. O eso dicen Steven Spielberg y George Lucas, que predijeron un futuro apocalíptico para la industria del cine en su famosa charla el pasado mes de junio en la Universidad de California. Películas con enormes presupuestos que fracasan estrepitosamente (este año tenemos varios ejemplos, con ‘El Llanero Solitario’ a la cabeza), salas de cine cerrando, los precios de las entradas disparándose y un público cada vez más exigente con lo que va a ver al cine. Todo esto está provocando un cambio en el mundo del cine que parece que se está extendiendo al resto de ámbitos.

Y es que la televisión también está sufriendo enormes cambios: multitud de nuevos canales, TDT, Internet, novedosos sistemas de entretenimiento como Netflix, etc. Pero lo que está muy claro es que, al margen de todos estos cambios, las series viven un momento de auge que nunca antes se había producido. Para encontrar el inicio de todo esto hay que remontarse al 10 de enero de 1999, cuando se estrenó en Estados Unidos una de las consideradas mejores series de la historia. Se trata, cómo no, de ‘Los Soprano’. El drama sobre el mundo de la mafia fue una revolución televisiva que se convirtió en la serie emitida por cable con mayor éxito de la historia y en la mejor serie de la televisión según el canal británico Channel 4. Una gran historia que consiguió veintiún Premios Emmy y cinco Globos de Oro.

Años después, concretamente en 2004, nos llegó otra gran revolución en el mundo de las series. Se trata de ‘Perdidos’, uno de las shows televisivos que más comentarios ha producido y cuyo final ha sido vilipendiado por (casi) todos. Sus audiencias eran enormes (16 millones de espectadores en la primera temporada) y ganó un Globo de Oro y seis Premios Emmy.

Pero si ahora mismo hay una serie con la misma repercusión (o más) de la que tuvieron en su día ‘Los Soprano’ y ‘Perdidos’, es sin lugar a dudas ‘Breaking Bad’. La ficción televisiva sobre un profesor de química que monta uno de los más brutales y lucrativos imperios de la droga ha convencido tanto a crítica como a público. Comenzó el 20 de enero de 2008 y el final acaba de producirse, con opiniones muy positivas.

La serie tiene un 9,5 sobre 10 en la web oficial de cine IMDb, con Ozymandias (capítulo 14 de la quinta temporada) a la cabeza con un 10 sobre 10, un hecho sin precedentes en la historia de la web. En los recientes Emmys 2013 ha conseguido el premio a mejor actriz secundaria para Anna Gunn y el premio a mejor serie de drama, derrotando a rivales del calibre de ‘Juego de Tronos’, ‘Mad Men’ o ‘Homeland’.

Poco a poco, podemos ver cómo todas estas series se convierten en algo más que series, pasando a ser objetos culturales de enorme interés. Se cuelan en todas las conversaciones en el metro o en el autobús, y son trending topic un día sí y otro también. En ellas sobresale la figura del antihéroe, ya no estamos ante el típico protagonista cuyos actos siempre buscan el bien común, ahora tenemos un personaje principal egoísta y narcisista. Don Draper, Tony Soprano y Walter White tienen en común la completa falta de ética y empatía que acompañan sus actos. Pero a pesar de ello, consiguen encariñar a la audiencia y deseamos que no les pase nada malo. Puede que ahí resida el éxito de estas historias.

Muchos dicen que ‘Breaking Bad’ es la mejor serie de la historia, otros le otorgan ese título a ‘Los Soprano’ o ‘The Wire’. Lo que es seguro es que ha sido uno de los mayores fenómenos televisivos de la historia y ha dejado un vacío existencial en los millones de seguidores de la serie. ¿Y ahora qué? Bueno, siempre podemos esperar a su spin-off, ‘Better Call Saul’, o a su remake latino, ‘Metástasis’. ¿Repetirán su éxito?

Ignacio Rubio.

El último trabajo de Oliver Stone es esta sorprendente miniserie de 12 documentales, de 1 hora de duración cada uno, sobre la historia jamás contada sobre los Estados Unidos. Stone ha demostrado ser uno de los mejores directores de cine de su generación, nos ha dejado películas maravillosas que todos conocemos y que ya forman parte de la historia del cine. También sería injusto omitir que en los últimos años da la impresión de que ya no sabe qué contarnos, a pesar de esto su trabajo en la dirección sigue siendo impecable.

Su obsesión por contar la historia de los Estados Unidos no es algo nuevo, revisando su filmografía podemos ver varías películas basadas en importantes hombres que se dedicaron a la política (Nixon, JFK) y también ha tratado la guerra del Vietnam mejor que nadie. Oliver Stone, además de dirigir y participar en el guión, es el narrador en la versión original. Además, a nivel personal está muy involucrado políticamente, por lo que no sorprende que se haya decidido por este proyecto tan diferente.

Lástima que para poder ver esta miniserie es imprescindible haber estudiado la historia americana del siglo pasado. Resulta altamente complejo seguir la trama, ya que el rigor informativo es tan grande que una persona que no conozca la historia previamente se pierde ineludiblemente. Han querido ser tan rigurosos y han querido contarlo todo tan bien, y en tan poco tiempo, que en mi opinión se les ha ido de las manos. Podríamos debatir sobre si es necesario informarse o no antes de ver algún documental de cualquier tipo. En mi opinión, sería interesante que los documentales fueran accesibles a cualquier público. Entiendo que tal vez esta serie de documentales esté planteada para el público americano o para un público amante de la historia de los Estados Unidos. Quizás sea más sencillo verla en versión doblada ya que había que leer los subtítulos a toda velocidad. En cualquier caso, para mayor disfrute de estos documentales, recomiendo una labor de investigación previa del capítulo que vaya a visualizar.

Por Vanessa Rodríguez

Si es difícil ver películas francesas o alemanas en el cine, el cine coreano se podría considerar cine de culto pero yo lo llamaría más cine oculto. La mayoría de la gente ni siquiera conoce su existencia, pero quizás te ha gustado la película 'Stoker' (Nicole Kidman, Mia Wasikowska) y no te has dado cuenta de que el director es un surcoreano llamado Park Chan-Wook, famoso por haber rodado 'Old Boy'. Probablemente no has visto 'Old Boy' pero en cambio sí te suena que Spike Lee ha rodado la versión americana. Quizás el nombre de Kim Ki-Duk ('Hierro 3', 'Amén') te suena a ¿chino?, pero es un relevante director de cine surcoreano.

Los festivales de cine nos dan la oportunidad de poder acceder a ver películas que se alejan de lo que acostumbramos a ver. Si hay algo bonito en el cine es poder tener una ventana hacia otras culturas, a otras formas de ver la vida, diferentes a las nuestras. ¿Qué hay más diferente que el cine asiático?

'Sin-Se-Gae / New World' trata sobre la vida de un detective infiltrado en una banda criminal desde hace muchos años. Tras la muerte accidental del jefe de la banda, este detective tendrá que afrontar difíciles decisiones en un entorno asfixiante y muy violento en el cual nadie confía en nadie. La película peca de una excesiva duración porque quiere contar muchas cosas, lo cual es un problema cuando ves una cinta en versión original con subtítulos. Los giros de guión son constantes y te mantienen en una constante inquietud ante lo que va a suceder porque nada es lo que parece.

Si la película adquiere la suficiente notoriedad nos podremos encontrar con el remake de Hollywood dentro de pocos años. Ya me imagino a Scorsese dirigiendo a De Niro, DiCaprio y compañía en una película de acción trepidante a la que denominarán el 'Uno de los nuestros' del siglo XXI, y sería un taquillazo no tengo la menor duda….

Vanessa Rodríguez

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Personaje de construcción modélica donde los haya, Harry Callahan, nació para instalarse desde el primer momento en el lugar donde habitan los personajes legendarios.

Concebido en un principio para ser encarnado por Frank Sinatra, fue Clint Eastwood quién se consagraría definitivamente al interpretarlo. Está claro que el azar siempre hace de las suyas para bien y para mal. El guión, firmado por Harry Julian Fink, Rita M. Fink y Dean Reisner, posee una de las creaciones de antihéroe policiáco más influyentes que hayan existido.

Como todo personaje mítico que se precie, tiene frases ingeniosas con la fuerza de un aforismo que de inmediato son adoptadas por el público en su uso cotidiano del lenguaje. Expresiones como “alégrame el día”, “es un trabajo sucio pero alguien tiene que hacerlo” o “Sé lo que estás pensando, cerdo. Si disparé seis balas o solo cinco. Te aseguro que yo también he perdido la cuenta, pero siendo este un Magnun 44, el mejor revolver del mundo capaz de volarte los sesos, ¿no crees que deberías pensar que eres afortunado? Contesta hijo de perra” y muchas otras marcaron época. El filme, estuvo dirigido por Don Siegel con quién Eastwood había trabajado con anterioridad en la magnífica ‘La jungla humana’ (1968), ‘Dos mulas y una mujer’ (1970) y ‘El seductor’ (1971). El mítico actor, solía bromear con su amigo director llamándole Siegelini, en un claro guiño al director de las películas que le dieron a conocer, dirigidas por el gran Sergio Leone. Estos dos directores, supondrán una referencia constante en la carrera del director e intérprete de Callahan. Desde el punto de vista actual, las escenas de acción en las que se ve envuelto el personaje pueden parecer simples, pero es precisamente este aspecto el que le confiere a la película verosimilitud, pues se consigue un gran efecto de autenticidad.

En la escala de valores del protagonista, se ha querido ver por determinados sectores, una apología del fascismo. En palabras de Eastwood: “Callahan observa que ciertos mecanismos del sistema no funcionan e intenta mejorarlos. Eso no es fascismo, es lo contrario al fascismo.” Sin entrar en un análisis de tipo político, el guión de ‘Dirty Harry’ ofrece una experiencia pocas veces igualada con tal brillantez en la orquestación de todos los elementos de desarrollo dramático que ofrece el excepcional guión. Y el resto de ingredientes fílmicos, como la extraordinaria música de Lalo Schifrin o la fotografía de Bruce Surtees no desentonan con el soberbio libreto. Como inspector de policía de San Francisco, Harry, tendrá que enfrentarse al caso de un psicópata asesino francotirador y al chantaje al que pretende someter a la ciudad. El resto…es historia del cine.

Atrás quedaron los tiempos en los que toda la familia se reunía tras la cena para ver la televisión. Eran los años de la televisión en blanco y negro, en los que sólo existía un canal y los programas eran para toda la familia. Ahora, y sobre todo con la llegada de la TDT, los canales son casi infinitos y la antigua tradición familiar de ver la tele se ha acabado.

Cada día es más complicado encontrar programas aptos para todos los públicos, y no se fíen de la calificación por edades ni de las franjas horarias protegidas, son simples formalidades. Un buen ejemplo es uno de los programas emitidos en España por Energy, el canal perteneciente a Mediaset especialmente enfocado al público masculino. Se trata de World Ladies Sexiest Tour, del que incluimos un fragmento en este artículo. En el vídeo podemos ver cómo varias mujeres bastante ligeritas de ropa se ametrallan entre sí con armas de juguete y simulan sus propias muertes, mientras un hombre se dedica a reírse de ellas y a hacer comentarios despectivos e hirientes (entre otros, una alusión a los pechos de las protagonistas). Hay muchos más programas de este tipo, en esta y otras cadenas, y como sea el futuro que le espera a la televisión, mal vamos.

Además, es llamativo que un grupo de comunicación como Mediaset, con iniciativas sociales como 12 meses, 12 causas, en las que ha defendido con ferocidad la igualdad de la mujer, se dedique a emitir este tipo de programas tan hirientes hacia aquello que defienden.

Por fortuna, al igual que la inmensa cantidad de canales ha proliferado los llamados programas basura, también existen un gran número de ellos de alta calidad como Informe Semanal, que sobrevive tras 40 años ininterrumpidos en televisión (se trata del programa más veterano de la televisión en España, sólo superado por el Telediario de La 1).

Actualmente, el futuro de la televisión es incierto, las cadenas se tienen que amoldar a las nuevas tecnologías, pero lo más importante, al menos para los telespectadores, debería ser la calidad de los contenidos, un tema del que todavía queda mucho por aprender.

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Este año cometí el error de participar como actor en Como todas las mañanas, una producción low cost que no cambiará la vida de ninguno de los implicados en ella. Toni Nievas, guionista y director del despropósito, no se ganará la vida como realizador después de esto. Nuestro equipo, que jamás cobrará por su trabajo, no volverá a meterse en una historia similar. Y los incautos mecenas que apoyaron nuestro crowdfunding recibirán sus recompensas en algún momento de esta década. Porque esa es otra: ‘Como todas las mañanas’ es una película tan low cost que el dinero del crowdfunding se nos quedó muy corto. Es una de las cosas que pueden pasarte cuando tu rodaje se convierte en poco menos que un infierno. Pero no pasa nada: estamos acostumbrados a que todo explote por los aires cuando menos lo esperamos. Y en el fondo nos gusta.

Parece que nuestra película tendrá finalmente una limitada distribución en DVD. Pero somos conscientes de que, aunque nuestro trabajo logre ver la luz del día, esa edición en DVD estará muy lejos de ser un logro, pues nosotros esperábamos dar el golpe con este proyecto que casi acaba con nuestra cordura. Porque tener una película sobre parados interpretados por gente como Berto Romero, Dani Mateo o Didac Alcaraz debería ser, en un mundo normal, sinónimo de éxito, y nada más lejos de la verdad. Como mínimo esperábamos recuperar la inversión y ganar dinero suficiente para rodar otra película, pero ahora sabemos que, como de costumbre, tendremos que buscar la pasta en otra parte. Tendremos que engañar a la gente. Otra vez.

Toni Nievas y yo a menudo nos consolamos mutuamente afirmando que toda esta falta de éxito no es culpa nuestra. En realidad sólo hemos llegado al cine en un momento en que ya no es un negocio en este país, si es que alguna vez lo fue. En el fondo, y siendo tan opuestos, somos un par de víctimas de la crisis en busca de una oportunidad. Y estamos desesperados. Bueno, lo cierto es que Nievas ya no puede hacer el chiste de que su suegra le mantiene: él está cobrando cada mes por estar en un programa radiofónico de éxito. Y yo tampoco estoy desocupado: el mes pasado conseguí trabajo como entrenador de perros guía para invidentes, empleo que da unos beneficios más que satisfactorios. Pero el auténtico mercado, el verdadero negocio, está en entrenar perros de presa. Porque, por alguna razón, vivimos en un país en el que los desempleados tienen que ganarse la vida organizando peleas clandestinas de perros, y, como bien sabréis, un buen perro puede marcar la diferencia entre la miseria y el lujo. Aunque Josep María Raventós, nuestro secundario de lujo, siempre dice que el futuro está en las peleas de arácnidos.

Acepté mi papel en ‘Como todas las mañanas’ porque pensé que formar parte del reparto de una película con gente conocida podría ayudarme a proyectar de algún modo mi inexistente carrera de actor. Así que meterme en una película dirigida por Toni Nievas era lo mejor que en aquel momento podía hacer para distraerme. Además estaba el aliciente de llevarle la contraria a Nievas, un tipo que cree que imitar las poses de Scorsese puede convertirle en director de cine. Y no. Es entonces cuando yo comienzo a saltarme el guión, a pisar las líneas del resto del reparto. Por si fuera poco, también soy del tipo de intérpretes que tacha tres cuartas partes de tu guión para reescribirlo. Porque si Edward Norton reescribió su película de Hulk, yo no voy a ser menos. Añade a todo lo anterior que apliqué el Nouveau Shamanic a mi papel. Esto que puede sonar a aftershave para modernos, no es otra cosa que el método interpretativo creado por Nicolas Cage; algo personal e intransferible que sólo él conoce. Siendo sincero, no tengo la menor idea de cómo funciona el Nouveau Shamanic, pero he visto toda la filmografía de Cage, así que supongo que eso ha podido transmitirme algo de su singular método. Si algún día tenéis ocasión de ver Como todas las mañanas, sin duda podréis apreciar el estilo Cage en mi interpretación, especialmente en el momento en que digo:

– Eso es un orgullo. Es un hashtag.

Alguien me contó que Celia Montalbán lloró con esa línea improvisada. Eso significa que, de algún modo, he logrado que mi talento acaricie el alma de la gente. Gracias, Nouveau Shamanic.

Nuestra película low cost se fue a la mierda en el momento en que Berto Romero apareció con dolor de cabeza y mirándonos un poco por encima del hombro. Nos acojonamos mucho cuando nos contó la historia de que su hijo es idéntico a Don Juan Carlos I. Pero lo peor fue cuando su móvil interrumpió el rodaje de una escena. Buenafuente estaba al otro lado de la línea. El célebre presentador catalán se encontraba en Palma. Media hora más tarde llegó en helicóptero al parque en el que estábamos rodando una persecución con coches tuneados. A todos nos pareció un tipo realmente majo hasta que escuchamos cómo le preguntaba a Berto lo siguiente:

– Joder, Romero, ¿para esto me he molestado en darte un nombre?

Quizás sólo estaba bromeando. Quién sabe.

La experiencia con Dani Mateo no fue mejor, y es que hay todo un divo oculto bajo esa imagen de novio ideal. De todas sus exigencias de superestrella, la más extraña fue preguntarnos si podíamos traerle un Cocker Spaniel. En serio. Nos explicó que nada le relaja más antes de ponerse ante una cámara que acariciar a un maldito Cocker Spaniel. Hay que joderse.

– No tenemos un Cocker Gladiator – le explicó Nievas –. Pero podemos conseguirte un Beagle.

– ¿Un puto qué? – le preguntó extrañado Mateo.

– Es el perro que usan para la caza del zorro en Inglaterra. Podemos tener uno aquí en quince minutos. Eso es un lujo.

– Y también un hashtag – añadí.

– De ninguna manera. Tiene que ser un Cocker Spaniel. No puedo hacer esta película sin mi animal de poder.

Malditas estrellas de la televisión.

Así que tuve que patearme la ciudad en busca de un Cocker Spaniel que finalmente, y no me preguntéis por qué, acabó mordiendo a Dani Mateo. A las tres de la mañana nos vimos obligados a detener el rodaje y llevarle a urgencias para que le pusieran una antitetánica. Pero no fue suficiente: Mateo tenía la mano parcialmente destrozada y tuvieron que reconstruirle un par de tendones. Fijaos en su mano cuando le veáis en televisión. Yo jamás os mentiría.

Nievas no puede dejar de crear, así que ya hay un mínimo de tres nuevos guiones listos. El otro día me dijo que la próxima película que hagamos será nuestro ‘Fight Club’ y que yo seré su Brad Pitt. Y esa es la razón por la que ya estoy sacando músculo. También porque es lo que harían titanes como Nicolas Cage o Edward Norton. Porque es lo que en este mismo momento está haciendo Ben Affleck para ser creíble como Batman. Y yo me niego a ser menos. En serio.

Félix Maestro