Una cita para el verano

Título original: Jack Goes Boating.

Dirección: Philip Seymour Hoffman.

Intérpretes: Philip Seymour Hoffman, Amy Ryan, John Ortiz, Elizabeth Rodriguez.

Género: comedia romántica. USA, 2010.

Duración: 89 minutos.

La ópera prima como director del legendario actor Philip Seymour Hoffman se estrena en España con cuatro años de retraso. En tal circunstancia, pesa tanto la baja calidad de la distribución cinematográfica que padece el espectador en nuestro país, como la moralmente oportunista pero comercialmente acertada apuesta de la compañía que la pone a nuestro alcance en pantalla grande. Como en todo, lo mejor será quedarse con lo positivo del asunto: recuperar una película casi desconocida con el gran Seymour Hoffman delante y detrás de las cámaras.

Jack (Philip Seymour Hoffman) es un hombre tímido y torpe que conduce una limosina y lleva una vida modesta. Su amigo y compañero de trabajo Clyde (John Ortiz) junto a su esposa Lucy (Daphne Rubin-Vega), organizan una cita a ciegas para Jack con Connie (Amy Ryan). Connie comparte timidez y torpeza con Jack pero la relación en ciernes que construyen cada día llena sus vidas de confianza. En cambio, Clyde y Lucy, se encuentran en un punto de su relación en el que se enfrentan a problemas no resueltos de su matrimonio.

Los Mercenarios 3

Título original: The Expendables 3.

Dirección: Patrick Hughes.

Intérpretes: Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Terry Crews.

Género: Acción. USA, 2014.

Duración: 123 minutos.

Tercera entrega de esta saga, al mismo tiempo nostálgica y mercenaria, en la que viejas glorias vuelven a la gran pantalla, en temporada de máxima competencia, para mostrar a las nuevas generaciones cómo se hace una buena película de acción. Y lo hacen empleando muchos menos efectos digitales de lo habitual en el género pero mayores dosis de carisma. Mel Gibson, Wesley Snipes, Harrison Ford, Kelsey Grammer y Antonio Banderas, entre otros, se unen en esta ocasión a la fiesta.

Barney (Sylvester Stallone), Lee Christmas (Jason Statham), y el resto del equipo se enfrentan a Conrad Stonebanks (Mel Gibson), quien hace años fundó “Los mercenarios” junto a Barney. Despues Stonebanks se convierte en un despiadado traficante de armas al que Barney se enfrenta y se ve obligado a matar...o eso creía. Pero Stonebanks está vivo y tiene como objetivo prioritario acabar con “Los mercenarios”.

Gabrielle

Título original: Gabrielle.

Dirección: Louise Archambault.

Intérpretes: Gabrielle Marion-Rivard, Alexandre Landry, Mélissa Désormeaux-Poulin, Vincent-Guillaume Otis.

Género: Drama. Canadá, 2013.

Duración: 104 minutos.

Primera película de su directora, Louise Archambault, que fue premiada por el público en el festival de Locarno. En 'Gabrielle' se combinan amor, libertad sexual y discapacidad psíquica.

Gabrielle es una mujer joven con el síndrome de Williams, que tiene una contagiosa alegría de vivir y un don musical excepcional. Desde que conoció a su novio Martin, en el centro donde se encuentran los miembros del coro, han sido inseparables. Sin embargo, debido a que son “diferentes” a sus seres queridos están temerosos de su relación. A medida que el coro se prepara para un festival de música importante, Gabrielle hace todo lo posible para ganar su independencia.

Guardianes de la galaxia

Título original: Guardians of the Galaxy.

Dirección: James Gunn.

Intérpretes: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper, Vin Diesel.

Género: ciencia ficción. USA, 2014.

Duración: 122 minutos.

Tras 'Iron Man' 'Thor', 'Capitán América' y 'Los vengadores' Marvel tiene la intención de añadir otra exitosa saga a su colección con 'Guardianes de la galaxia'; en la que sus puntos fuertes son un reparto atractivo y competente sumergido en una aventura espacial épica llena de acción. Zoe Saldana, tras 'Avatar', parece encasillada en los personajes enterrados en colorante.

Peter Quill (Chris Pratt), es un aventurero temerario que se convierte en el principal objetivo de una persecución implacable dirigida por el villano Ronan (Lee Pace), después de robar un orbe misterioso codiciado por él. Ronan es un malvado ser cuyas ambiciones amenazan a todo el universo. Quill crea un equipo para combatir al villano y salvar de su poder al universo.

Khumba

Título original: Khumba.

Dirección: Anthony Silverston.

Intérpretes: Animación.

Género: Comedia de animación. Sudáfrica, 2013.

Duración: 85 minutos.

Inusual el origen de esta propuesta de animación por llegar desde Sudáfrica. Y es que la casi totalidad de las películas animadas que llegan a la pantalla grande, y que tenemos noticias de ellas, son estadounidenses. Sin embargo a nivel de contenido, 'Khumba' se mueve con más deseo que realidad, por los territorios de 'Madagascar' y cintas similares. Entre las voces de la versión original están las de Jake T. Austin, Steve Buscemi y Laurence Fishburne.

Khumba es una cebra con solo la mitad de su cuerpo a rayas a las que todos culpan por la falta de lluvias. Debido a la gran presión de la manada Khumba decide embarcarse en una audaz misión para conseguir todas las rayas que le faltan. En su búsqueda del legendario pozo de agua del que todas las cebras obtienen sus preciadas líneas, la cebra conoce a una serie de personajes muy extravagantes: un ñu sobreprotector, Mamá V y Bradley, un obsesionado avestruz.

Chef

Título original: Chef.

Dirección: Jon Favreau.

Intérpretes: Jon Favreau, Sofía Vergara, Scarlett Johansson, Dustin Hoffman.

Género: Comedia. USA, 2014.

Duración: 115 minutos.

Por si no fuera suficiente con la infinidad de formatos televisivos con la cocina como asunto central, o colateral, llega a los cines 'Chef'. Pero hay que reconocer que el plato audiovisual que presenta el director y protagonista Jon Favreau (responsable de las dos primeras entregas de 'Iron Man') tiene unos ingredientes de buena calidad; un excelente reparto y un guión con potencial cómico sazonado con unas calculadas y ligeras raciones de momentos dramáticos. Una propuesta con altas posibilidades de satisfacer el paladar del espectador cinematográfico que busca una sabrosa y eficaz comedia con grandes nombres en el cartel.

Carl Casper (Jon Favreau), es un aclamado chef con una vida familiar tan frustrante como la falta de libertad artística que padece en los fogones. Pero la existencia de Casper llega a su máximo punto de ebullición cuando tiene un enfrentamiento público con un crítico de restaurantes. Este incidente tiene como consecuencia la destrucción de su carrera y su exesposa le propone una solución poco ortodoxa: montar un viejo camión de alimentos para ofrecer cocina de la máxima calidad que sea capaz, y sin injerencias de nadie. Casper inicia un viaje a través de Estados Unidos que le lleva a redescubrir su pasión por la cocina.

Shirley: Visiones de una realidad

Título original: Shirley: Visions of reality.

Dirección: Gustav Deutsch.

Intérpretes: Stephanie Cumming, Cristoph Bach, Florentín Groll, Elfriede Irrall.

Género: Drama experimental. Austria, 2013.

Duración: 92 minutos.

'Shirley: Visiones de una realidad' es un largometraje experimental que parte de los 13 cuadros más representativos del pintor estadounidense Edward Hopper para narrar la historia de una mujer, cuyos pensamientos y emociones, permiten al espectador observar una época de la sociedad estadounidense comprendida entre los años 30 y los 60. Los personajes se mueven en reproducciones muy exactas de cuadros famosos como 'A woman in the sun', 'Office at night' o 'Western motel'. La obra de Hopper muestra una clara inspiración en el cine negro, y a su vez, el pintor estadounidense ha ejercido su influencia innegable sobre grandes referentes cinematográficos como Hitchock, Scorsese o Lynch.

Shirley es una mujer carismática, atractiva, comprometida y emancipada que vive una realidad que no acepta. Es una mujer que desea influir en en curso de la historia con su implicación socio-política. De la misma forma que en su profesión de actriz se interroga sobre la realidad de sus personajes, dando forma y cambiando su rumbo, espera incidir en la realidad que le toca vivir como mujer.

Transformers: La era de la extinción

Título original: Transformers: Age of extinction.

Dirección: Michael Bay.

Intérpretes: Mark Wahlberg, Nicola Peltz, Jack Reynor, Stanley Tucci.

Género: Ciencia ficción. USA, 2014.

Duración: 165 minutos.

'Transformers: La era de la extinción' es la primera película de 2014 en recaudar 1000 millones de dólares a nivel mundial. El colosal registro se debe principalmente a sus cifras en China, donde se ha convertido en la película más taquillera de todos los tiempos. Su director, Michael Bay, pretende dar una nueva vuelta de tuerca a esta franquicia basada en los famosos juguetes que arrancó en el año 2007.

Después de la batalla entre los Autobots y los Decepticons que arrasó Chicago, la humanidad considera que todos los robots son una amenaza. Harold Attinger (Kelsey Grammer), un agente de la CIA, está al frente de una unidad cuya única misión es darles caza. Cade yeager (Mark Wahlberg), un aficionado a la robótica, compra un viejo camión, y tras examinarlo, cree que es un “transformer”, pero sus problemas, comienzan cuando descubre que se trata de Optimus Prime.

Mil veces Buenas Noches

Título original: Tusen gargen god natt.

Dirección: Erik Poppe.

Intérpretes: Juliette Binoche, Nokolaj Coster-Waldau, Maria Doyle Kennedy, Larry Mullen Jr.

Género: Drama. Noruega, 2013.

Duración: 117 minutos.

'Mil veces Buenas Noches' está dirigida por el fotoperiodista convertido en director Erik Popper. En ella ha reflejado algunas de sus experiencias tanto personales como profesionales. La película se mueve por el sobado asunto de los equilibrios entre la vida profesional y personal; y encuentra su mayor soporte en la gran interpretación de Juliette Binoche. La primera escena es memorable y el resto de la cinta no vuelve a alcanzar ese nivel de intensidad y brillantez.

Rebecca (Juliette Binoche), es una de las mejores fotógrafas de guerra del mundo. Al regresar a su casa tras ser herida gravemente en Kabul, debe enfrentarse a una terrible tormenta emocional cuando su marido se niega a seguir soportando la peligrosa vida que lleva. Tanto él como sus dos hijas necesitan a Rebecca y le dan un ultimátum: su trabajo o su familia... La elección parece obvia.

Begin Again

Título original: Begin Again: (Can a Song Save Your Life?).

Dirección: John Carney.

Intérpretes: Keira Knightley, Mark Ruffalo, Hailee Steinfeld, Adam Levine.

Género: Drama romántico. USA, 2013.

Duración: 104 minutos.

En la nueva película del director irlandés John Carney, guionista y director de la celebrada 'Once', la música vuelve a ser un elemento central de la historia. La capacidad de una canción para crear una conexión poderosa entre la gente, el impulso creativo o el aspecto terapéutico de la música están presentes en esta cinta que supone la primera incursión en el cine estadounidense de su autor.

Gretta (Keira Knightley) es una compositora musical engañada y abandonada por su novio (Adam Levine) tras convertirse en Estados Unidos en una insensible estrella del pop. Destrozada, Gretta está preparada para volver a su casa en Inglaterra, pero antes, un amigo y músico callejero la convence para que cante en un bar. A ella le sirve de desahogo, y cree que nadie la ha prestado atención porque el ruido en el bar es muy fuerte, pero alguien sí la escucha con interés. Se trata de Dan (Mark Ruffalo), un ejecutivo de la industria musical despedido de su propia empresa.

Reencontrar el amor

Título original: Une rencontre.

Dirección: Lisa Azuelos.

Intérpretes: Sophie Marceau, Jonathan Cohen, Lisa Azuelos, Alexandre Astier.

Género: Drama romántico. Francia, 2014.

Duración: 80 minutos.

Lisa Azuelos, hija de la cantante Marie Laforêt, presenta en su sexta película una historia sobre atracciones socialmente inconvenientes, y a la vez, incontenibles.

Pierre (François Cluzet) lleva quince años casado y tiene dos hijos. Ama a su mujer y se siente realizado como padre. Es un hombre satisfecho. Una noche conoce a Elsa (Sophie Marceau), con quien compartirá charlas, risas y bromas. Pero Elsa tiene como regla de oro no liarse con hombres casados y Pierre, por su parte, quiere permanecer fiel a su esposa. Dos semanas después se vuelven a encontrar por casualidad y volverán a sentir una fuerte atracción. Será en ese momento cuando sus fantasías comiencen a mezclarse con la realidad.

El árbol magnético

Dirección: Isabel de Ayguavives.

Intérpretes: Andrés Gertudrix, Manuela Martelli, Catalina Saavedra, Gonzalo Robles.

Género: Drama. España, 2013.

Duración: 85 minutos.

Se estrena la primera película de Isabel de Ayguavives, una prestigiosa realizadora de cortometrajes como 'La valiente', o 'El castigo', con los que que ha participado en renombrados festivales. 'El árbol magnético fue presentada en la pasada edición del Zinemaldi.

En 'El árbol magnético',Bruno (Andrés Gertudrix), regresa a su país de origen después de una prolongada ausencia. La casa de campo que de niño compartía con su familia está ahora en venta y todos se reúnen para despedir el lugar. La visita al “árbol magnético”, una curiosidad local de extrañas propiedades, despertará en él sensaciones y afectos casi olvidados.

El protector

Título original: Homefront.

Dirección: Gary Fleder.

Intérpretes: Jason Statham, James Franco, Winona Ryder, Kate Bosworth.

Género: Acción. USA, 2013.

Duración: 100 minutos.

Sylvester Stallone se encarga en esta película de una de las cosas que mejor sabe hacer: escribir. Su primer guión, 'Rocky', estuvo nominado a los Oscar y es incontestable la conexión que esa historia ha logrado a lo largo del tiempo con públicos de varias generaciones. “El potro italiano”, ha vuelto a dar con la tecla adecuada en forma de nueva saga de mercenarios, cuya tercera entrega, se estrena el 15 de agosto en España. Mientras, aquí está 'El protector', en la que adapta a la gran pantalla una novela de Chuck Logan y que cuenta con un atractivo reparto.

En 'El protector', Jason Statham encarna a Phil Broker, un ex agente de la DEA que atraviesa una profunda crisis personal después de que su intervención contra una banda de motoristas salga terriblemente mal. Recientemente viudo, se hace cargo de una hija de 9 años de edad, Maddy (Izabela Vidovic). Decide cambiar la vida turbulenta y llena de peligros que siempre ha llevado, por el amor de Maddy y se retira a una pequeña ciudad. Su hija se enfrenta a un chico que la acosa en el colegio y esto desencadena una sucesión de incidentes que desembocan en su enfrentamiento directo con el capo local del narcotráfico. Pero Broker tiene una misión clara en su mente:proteger a su hija; y está dispuesto a pagar cualquier precio para ello.

El oro del tiempo

Título original: O ouro do tempo.

Dirección: Xabier Bermúdez.

Intérpretes: Ernesto Chao, Nerea Barros, Manuel Cortés, Marta Larralde.

Género: Drama. España, 2013.

Duración: 100 minutos.

'El oro del tiempo', de Xabier Bermúdez, llega a las salas después de haber participado en festivales internacionales como Karlovy Vary (Chequia), Haifa (Israel), Regiofun (Polonia), Mons (Bélgica), Varna (Bulgaria) y Santiago de Chile (Chile) y en el Festival de Cine Español de Málaga. Ha recibido el Premio Especial del Festival Love is Folly en el festival de Varna. Ha sido grabada en gallego.

Alfredo Méndez guarda en su casa de campo el cadáver criónicamente preservado de su mujer desde hace más de 40 años. Su amor por ella, un amor loco como de otro mundo, y su ambición médica le han llevado a esta situación. Se trata de un amor contra el tiempo.

En los últimos años, precisamente el Tiempo va causando efecto en las energías y en la salud de Méndez. Le acompaña ahora en la casa atendiéndole una joven enfermera, Corona, que hace las veces también de criada.

Cómo entrenar a tu dragón 2

Título original: How to Train Your Dragon 2.

Dirección: Dean Deblois.

Intérpretes: Animación.

Género: Aventuras. USA, 2014.

Duración: 100 minutos.

Segunda entrega de esta encantadora propuesta de los estudios DreamWorks. Astrid, Patán y el resto de la pandilla se desafían entre sí y también a las razas de dragones (nuevo deporte de contacto favorito de la isla), trazando territorios no asignados y explorando nuevos mundos. Cuando una de sus aventuras conduce al descubrimiento de una cueva secreta de hielo que es el hogar de cientos de nuevos dragones salvajes, y del misterioso Jinete de Dragón, los dos amigos se encuentran en el centro de una batalla para preservar la paz. Ahora, Hiccup y Toothless deben unirse para defender lo que sólo juntos tienen el poder de cambiar: el futuro de los hombres y los dragones.

Anarchy: La noche de las bestias

Título original: The purge: Anarchy.

Dirección: James DeMonaco.

Intérpretes: Frank Grillo, Carmen Ejogo, Zach Gilford, Michael K. Williams.

Género: Thiller. USA, 2014.

Duración: 103 minutos.

Tras el éxito sorpresa que supuso el estreno el año pasado de su predecesora 'The purge: La noche de las bestias', llega a los cines su secuela. La película original se centra en lo esfuerzos de una familia por protegerse en su casa durante la purga, en la que una noche año al año y en un futuro no muy lejano, los estadounidenses pueden cometer cualquier clase de crimen sin tener que responder ante la justicia. Este sencillo y poderoso concepto, mitad thiller de terror y crítica social, también se desarrolla en 'Anarchy: La noche de las bestia'; pero a diferencia de la cinta anterior, en esta ocasión la película sitúa al espectador en las calles de Los Ángeles en medio de una carrera por la supervivencia.

Sex tape. Algo pasa en la nube

Título original: Sex tape.

Dirección: Jake Kasdan.

Intérpretes: Cameron Diaz, Jason Segel, Rob Lowe, Jack Black.

Género: Comedia. USA, 2014.

Duración: 94 minutos.

'Sex tape. Algo pasa en la nube' es una comedia ligera sobre algunos riesgos que se pueden correr -nunca mejor dicho- en la red con grabaciones de vídeo, en principio, destinadas para uso privado. Jake Kasdan, hijo del gran Lawerence Kasdan, dirige esta cinta en la que cuenta nuevamente con Cameron Diaz y Jason Segel tras su anterior colaboración con ambos en 'Bad teacher'.

Jay (Jason Segel) y Annie (Cameron Diaz) forman una feliz pareja pero diez años y dos niños han enfriado la pasión. Para recuperarla deciden grabar un vídeo sexual con ellos como protagonistas. Lo que parece una buena idea deja serlo cuando descubren que el vídeo, en principio privado, se ha hecho público. Aterrados, comienzan una aventura desenfrenada para intentar salvar su cordura, su reputación y, sobre todo, su matrimonio.

Barbacoa de amigos

Título original: Barbeuce.

Dirección: Eric Lavaine.

Intérpretes: Lambert Wilson, Franck Dubosc, Florence Floresti, Lionel Abelanski.

Género: Comedia. Francia, 2014.

Duración: 98 minutos.

'Barbacoa de amigos' pertenece a ese tipo de historias que tienen como tema la crisis de edad que puede aparecer cuando la rutina, la pareja y la existencia se revelan demasiado insípidas.

En su 50 cumpleaños Antoine (Lambert Wilson) recibe un “regalo” muy especial: un infarto. A partir de ese momento tendrá que ser más cuidadoso y prestarle más atención a todo. Pero resulta que Antoine ha sido cuidadoso durante toda su vida consigo mismo, con su familia, con su salud, con sus amigos, con la alimentación...Ahora que está obligado a ver su existencia desde otra perspectiva, su deseo de cambiar de vida comienza a hacerse más fuerte.

Las vidas de Grace

Título original: Short term 12.

Dirección: Destin Cretton.

Intérpretes: Brie Larson, John Gallagher Jr., Kitlyn Dever, Alex Calloway.

Género: Drama social. USA, 2013.

Duración: 96 minutos.

Comprometida y apasionada, Grace (Brie Larson), es una joven supervisora que trabaja en un centro de acogida para adolescentes en situación de riesgo. Mason (John Gallagher Jr.) es su compañero de trabajo y también su pareja; y todo le va bien mientras consigue mantener apartado su doloroso pasado. Al centro llega Jayde (Kitlyn Dever), una adolescente con mucho talento pero problemática con quien Grace tiene una fuerte conexión. Mason y Grace también luchan por ayudar a Marcus (Keith Stanfield), un intenso joven que está a punto de cumplir los 18 años y que se enfrenta a la dificultad de tener que abandonar las instalaciones del centro de acogida.

Un toque de violencia

Título original: Tian zhu ding.

Dirección: Jia Zhang.

Intérpretes: Jiang Wu, Meng Li, Lanshan Luo, Tao Zaho.

Género: Drama. China, 2013.

'Un toque de violencia' obtuvo el galardón al mejor guión en la edición del Festival de Cannes 2013. Es una historia en la que la violencia tiene un papel predominante y adentra al espectador de una manera brutal en las desigualdades que se dan en el país que se ha convertido en la fábrica del mundo. La abismal distancia existente entre la millonaria masa de pobreza china y sus élites, queda dolorosamente reflejada en esta película en la que se cruzan varias historias.

En 'Un toque de violencia' un minero indignado se rebela contra la corrupción imperante en su pueblo. Un emigrante que vuelve a casa por Año Nuevo descubre las infinitas posibilidades de un arma de fuego. Una guapa recepcionista de una sauna llega al límite cuando es agredida por un cliente rico. Un joven obrero va de trabajo en trabajo intentando mejorar su vida. Cuatro personas, cuatro provincias. Un retrato de la China actual, un gigante económico erosionado lentamente por la violencia.

El amanecer del planeta de los simios

El amanecer del planeta de los simiosTítulo original: Dawn of the Planet of the ApesDirección: Matt Reeves.

Intérpretes: Andy Serkis, Jason Clarke, Gary Oldman, Keri Russell.

Género: Ciencia ficción. USA, 2014.

Duración: 130 minutos.

Matt Reeves, habitual colaborador de J.J. Abrams en sus inicios televisivos y director de películas como 'Monstruoso', 'Cloverfield' o la versión USA de 'Déjame entrar', está al frente de esta película que tiene como principal reto mantener la estimulante sorpresa y profundidad emocional de su predecesora 'El origen del planeta de los simios'.

La película se sitúa diez años después de la primera parte, tras un brote viral que ha aniquilado a casi toda la humanidad. En San Francisco, la zona cero del brote viral, un grupo de humanos supervivientes vive en estado de 'shock' post-apocalíptico. La ciudad está en ruinas y los recursos son cada vez menores. Por el contrario, en las inmediaciones de Muir Woods la situación es totalmente opuesta. El área boscosa es el hogar de una civilización de simios cuya convivencia está marcada por el honor y la fraternidad.

Pero todo cambia cuando un grupo de seres humanos, durante una misión de reconocimiento, entra en el dominio de los simios...

Marsella

MarsellaDirección: Belén Macías.

Intérpretes: María León, Goya Toledo, Eduard Fernández, Noa Fontanals, Álex Monner.

Género: Drama. España, 2014.

Duración: 90 minutos.

La niña interpretada por la actriz debutante Noa Fontanals es el hilo conductor de esa 'road movie' emocional. La acompañan María León ('Carmina o revienta', 'La voz dormida'), Goya Toledo (Amores perros'), Eduard Fernández ('Una pistola en cada mano') o el joven actor Álex Monner ('Pulseras rojas').

'Marsella' es un guión original escrito por Belén Macías, Aitor Gabilondo y Verónica Fernández. Es la segunda película dirigida por Belén Macías tras 'El patio de mi cárcel'. 'Marsella' es descrita por la realizadora como “la historia del enfrentamiento de dos mujeres por lo que consideran que les pertenece, algo tan delicado y frágil como el amor de una niña. Una historia de superación y aprendizaje en ambas direcciones”.

Aviones: Equipo de rescate

Aviones: Equipo de rescateTítulo original:Planes: Fire & Rescue (Planes 2)Dirección: Roberts Gannaway.

Intérpretes: Animación.

Género: Aventuras. USA, 2014.

Duración: 83 minutos.

'Aviones: Equipo de rescate' es la secuela de 'Aviones' y una nueva comedia de aventuras que trata sobre las segundas oportunidades que ofrece la vida. La historia se centra en un equipo de aviones bomberos de élite cuya misión es proteger el Parque Nacional de Pico Pistón de un terrible incendio. Dusty, piloto aéreo de fama mundial, se da cuenta de que su motor está estropeado por lo que será complicado que vuelva a competir. Decide cambiar de oficio y se une al veterano helicóptero de rescate y contra-incendios Blade Ranger y a su valiente equipo que incluye a Super Scooper Dipper, al helicóptero de carga Windlifter, al avión de transporte exmilitar Cabbie y a una divertida y valiente pandilla de vehículos todoterreno conocida como Los Bomberos Paracaidistas. Juntos, lucharán contra un incendio de enormes proporciones y Dusty comprenderá lo que cuesta ser un héroe de verdad. La cinta está dirigida por Bobs Gannaway ('El secreto de las hadas').

La filmografía de Oliver Stone, plena de fuerza y excesos, atrapa al espectador en una avalancha de imágenes poderosas y grandes historias, que convierten el visionado de sus películas en una experiencia audiovisual de primer nivel. Stone dispara desde la pantalla al estómago, al cerebro y al corazón de quienes se aproximan a su obra; y lo hace empleando con gran eficacia todo el arsenal de recursos del arte cinematográfico.

En los trabajos del director neoyorquino, el guión es un apartado especialmente cuidado; no en vano el director afirma que, ante todo, sus películas son “dramas sobre individuos involucrados en luchas personales”, y se considera “un dramaturgo antes que un cineasta político”. Pero no por ello el resto de aspectos que componen un film quedan descuidados por Stone; la dirección de fotografía, de la que se ha encargado en numerosas ocasiones el también estadounidense Robert Richardson, alcanza un alto grado de brillantez que contribuye decisivamente a que los espectadores se sumerjan en las atmósferas de las historias planteadas por Stone. Su colaboración comienza en 'Salvador' y, por el momento, concluye en 'Giro al infierno'; desde 'Kill Bill' Richardson se ha encargado de la imagen de las películas de Quentin Tarantino, con quien Stone mantuvo fuertes desencuentros por la adaptación del guión de 'Asesinos natos'. También ha seguido trabajando habitualmente con Scorsese.

En cuanto a la música, bien sea fruto de su trabajo en común con compositores de renombre como el japonés Kitaro, o con editores musicales que proponen temas ya publicados para su inclusión en sus películas; el cineasta neoyorquino utiliza este importante elemento narrativo de forma ejemplar. En este apartado, es especialmente destacable el encuentro de John Williams con Stone en la monumental 'JFK: caso abierto', que está entre lo mejor la extensa y multipremiada trayectoria del que es el músico imprescindible para Steven Spielberg; y en general, de la música compuesta para cine. Pero es que en 'JFK: caso abierto' es prácticamente misión imposible encontrar algo que desde el punto de vista estrictamente cinematográfico desentone; y uno de los aspectos que más sorprende y fascina del film, es el modo que está montado. Planos de fracciones de segundo, múltiples formatos de grabación y la manera deslumbrante en que están cocinados todos los ingredientes en el resultado final; conduce con facilidad a la lógica conclusión de estar ante una cinta en la que se concentran todas las virtudes del cine de Stone y de, hasta ahora, su cima artística.

Dentro de las principales herramientas de expresión cinematográfica, el mimo del campo interpretativo es otro de los puntos fuertes en el cine de Oliver Stone. El director americano, empuja a sus intérpretes al límite en una dirección opuesta a la que están acostumbrados; para ello se empeña en “no permitirles que saquen los mismos ases de debajo de la manga”. Como ejemplos de lo anterior se puede señalar el tormento que padeció Tom Cruise en la preparación de 'Nacido el 4 de julio'; donde a instancias de Stone se le inyectó al actor un fármaco que de manera temporal provocaba la paralización de sus piernas; con el fin de favorecer su calidad interpretativa. También es curioso el caso de Anthony Hopkins y su labor en 'Nixon', de la cual el actor galés se llevó de recuerdo una lesión de espalda tras el rodaje, debido a la postura encorvada que adoptó interpretando al presidente estadounidense del caso Watergate, Vietnam y la “mayoría silenciosa”.

Orígenes

William Oliver Stone nació en Nueva York el 15 de septiembre de 1946. Su padre, Lou Stone, era un corredor de Bolsa judío-norteamericano que conoció a la francesa Jacqueline Goddet en la Francia de la Segunda Guerra Mundial como oficial del ejército. Sus padres no podían ser más distintos entre sí; Lou Stone era un hombre conservador y que enfocaba todos sus esfuerzos hacia el dinero y Jacqueline era una mujer liberal. La separación de sus progenitores supuso un gran impacto emocional para el futuro director que estudió en un internado elitista; así lo recuerda: “Un día tenía una familia, y al siguiente, no”.

Antes de pensar en la posibilidad de convertirse en cineasta, Oliver Stone quiso ser escritor. A los 19 años escribe la novela 'El sueño de un niño' que terminaría siendo publicada en 1998. El libro, de corte autobiográfico, resulta polémico pues se interpreta como una confesión de una relación incestuosa mantenida con su madre. Se ha referido en diversas oportunidades a su afición por las prostitutas de lujo, tras la primera experiencia de ese tipo proporcionada por su padre con el objetivo de que lograra vencer su timidez juvenil.

La película 'Wall Street' está dedicada a su padre mientras que 'El cielo y la tierra' lo está a su madre. Tras su fracaso inicial en el mundo literario, abandona sus estudios universitarios y se alista en el ejército en una experiencia que marca su existencia.

Vietnam

“Fui a la guerra siendo de derechas y regresé siendo de izquierdas”, confiesa el cineasta estadounidense. Sin duda, su servicio en la Guerra de Vietnam tiene varias consecuencias. Es condecorado, herido en dos ocasiones y vuelve a Estados Unidos con una adicción a varias drogas. Pero lo más relevante es que sus vivencias bélicas van a conformar gran parte de las obsesiones que plasma en su obra.

De su experiencia en combate recuerda haber empleado “todos los sentidos al máximo de su capacidad”; y que al estar allí se da cuenta de “cuál era la verdad del mundo”. Al regresar a Estados Unidos, deja apartada la literatura al intuir que el cine va a ser el arte dominante y estudia cine en la universidad. En ella tiene a Martin Scorsese como tutor, aunque no llega a licenciarse.

Primera etapa en el cine

Oliver Stone dirige el cortometraje 'Last year in Vietnam' como estudiante de cine. En esta primera aproximación al cine del oscarizado director, la guerra y la angustia provocada por ésta en el regreso de un veterano a su país, es el tema que ocupa el metraje del primer proyecto cinematográfico de Stone.

En 1974 consigue dirigir 'Seizure', su primer largometraje. Se trata de una película de terror bizarro de bajísimo presupuesto y rodada en Canadá sobre los fantasmas de un escritor y la pesadilla real que sufren sus allegados. Salvo el gusto por la violencia en la pantalla, no hay en ella ningún rasgo distintivo de la futura filmografía de Stone. Como detalle reseñable, aparece en la película Hervé Villechaize, que ha participado en películas de James Bond pero que en España es conocido por imitar a Felipe González en el programa de TVE 'Viaje con nosotros'. En 1978 el director americano, se encarga de la adaptación a la pantalla grande de la biografía de Billy Hayes; que da lugar a la película 'El expreso de medianoche'. Stone recibe un Oscar y su nombre empieza a ser conocido. La película logra un éxito y reconocimiento mundial con argumentos para ello. El terror que consigue provocar Spielberg hacia los tiburones en las playas de todo el mundo, lo repite Alan Parker dirigiendo 'El expreso de medianoche', pero esta vez, con las prisiones del tercer mundo. En 1979 Stone dirige de nuevo un cortometraje titulado 'Mad man of Martinique' y en 1981 se vuelve poner tras las cámaras para dirigir una nueva película de terror con Michael Caine como protagonista, 'La mano'.

La película obtiene escasa repercusión, en cambio su carrera como guionista vive momentos excelentes. En 1982 participa en el guión que hace de Arnold Schwarzenegger una estrella, 'Conan, el bárbaro', film que se rueda en España. En 1983 se le requiere para escribir el guión del 'remake' de 'Scarface' dirigido originalmente por Howard Hawks en 1932 y en 1983 por Brian De Palma. En esta película sí se empieza a ver con claridad la mano más reconocible de Stone, muy bien potenciada por De Palma. Violencia, excesos y una visión a gran escala sobre el narcotráfico en una película intensa, terrorífica y llena de matices que en su momento fue mal recibida.

Conquistando la meca del cine

En 1986 arranca una etapa frenética de creación para Oliver Stone y en la que se producen las películas sobre las que se asienta su leyenda. La primera de ellas es 'Salvador', la historia de periodistas involucrados en los problemas del “patio trasero de Estados Unidos”. Estilo electrizante tanto en los diálogos como en el ritmo al que se desarrolla la historia. Con 'Salvador', Stone obtiene un gran prestigio y viaja por varios festivales de cine, entre ellos el de San Sebastián. Su película se proyecta en el Velódromo de Anoeta que le parece la “pantalla más grande del mundo”. También es nominado al Oscar en la categoría de Mejor Guión Original.

Pero la consagración cinematográfica para Stone llega con 'Platoon', película que el cineasta neoyorquino lleva en sus entrañas desde que comenzó a hacer cine pero que la repercusión en los años 70 de films como 'Apocalipsis Now', de Francis Ford Coppola o 'El cazador' de Michael Cimino, postergaron hasta los años 80. Curiosamente 'Platoon' casi coincide con 'La chaqueta metálica' de Stanley Kubrick. 'Platoon' tiene numerosos atractivos: un grupo de actores en su mejor momento, un drama intenso basado en el desencanto con los ideales patrióticos, escenas imborrables como la destrucción del poblado, un final operístico etc...Stone se lleva su primer Oscar como Mejor Director.

Al año siguiente, Stone añade otro título memorable y de plena actualidad, entonces y ahora, con 'Wall Street'. Michael Douglas borda su papel como ejecutivo desalmado y diablo de rascacielos que juega con la avaricia los pobres mortales mientras sacia la propia. Tras un rodaje anormalmente corto para una producción media de 'Hollywood', Stone completa 'Hablando con la muerte', película basada en una obra de teatro de Eric Bogosian que protagoniza la película y escribe el guión junto al director. Es una interesantísima propuesta que pasa injustamente inadvertida en su estreno, quizás por la magnitud del calibre de las demás películas que Stone encadenaba en ese periodo. En todo caso, es un film a recuperar para disfrutar con la historia de un locutor de radio extremista y la reacciones que genera en su audicencia.

Su siguiente película es 'Nacido el 4 de julio' en la que Stone continúa reflexionando sobre su experiencia en Vietnam. Tom Cruise como nunca había sido visto hasta entonces, se pone por completo al servicio de Stone para recrear la historia del veterano de guerra Ron Kovic, que vuelve en una silla de ruedas a su hogar. Durante su estancia militar en Vietnam, Stone se siente fascinado e identificado con las letras de 'The Doors' “porque tratan sobre la muerte” y a ellos, en especial a Jim Morrison, dedica y centra su siguiente película que no es bien recibida a pesar de poseer cuantiosas virtudes. Pero nada de eso ocurre con 'JFK: caso abierto'; película con que Stone obtiene el mayor éxito posible, y lo que es más importante, es un triunfo para el cine como arte, industria y deleite de los espectadores. Además, la película superó las barreras de lo puramente cinematográfico pues provocó que se desclasificaran documentos secretos en torno a las circunstancias del magnicidio de John Fitzgerald Kennedy. 'JFK: caso abierto es de esas cintas que engrandecen el cine.

En 1993, Stone vuele al tema de Vietnam en 'El cielo y la tierra', pero lo hace desde una óptica distinta: la de una campesina vietnamita en medio del horror y que se enamora de un soldado estadounidense. Película bellísima a nivel formal, e intensa y de gran dramatismo en su contenido. Muy recomendable.

Tiempos violentos

Con 'Asesinos natos' comienza una fase en la carrera de Stone en la que la violencia ocupa un primerísimo plano. 'Asesinos natos' se ha recibido, y el propio director a realizado sus propias comparaciones , como 'La naranja mecánica' de los 90. Basada en un guión de Quentin Tarantino del que Stone prácticamente desecha casi en su totalidad, salvo el argumento; muestra las andanzas de dos asesinos en serie demenciales por medio de los cuales pretende satirizar la mercantilización de la violencia en la sociedad moderna por parte de los medios de comunicación. “Los medios son como el clima, pero un clima manejado por el hombre”, se escucha en un momento del film. La película es duramente criticada en el momento de su estreno por su extrema violencia pero el público acude en masa a los cines por ese mismo motivo. 'Nixon' es el siguiente trabajo de Stone, una obra colosal con una arquitectura dramática compleja que profundiza en la psique del que fuera presidente de los Estados Unidos.

En 'Giro al infierno', su siguiente película, Stone se da un descanso respecto a los grandes temas. Una vez le dijo a Quentin Tarantino que él, a diferencia de Scorsese o el propio Tarantino, hace filmes “y no peliculitas que tratan sobre otras peliculitas”. 'Giro al infierno' es la peliculita de Oliver Stone; una cinta violenta y llena de humor negro que cuenta con música de Ennio Morricone. En 1999 vuelve al primer plano cinematográfico con 'Un domingo cualquiera', donde Stone lleva la guerra y el análisis de la sociedad occidental al fútbol americano. El personaje interpretado por Al Pacino se revela como un trasunto del propio Stone.

En los años siguientes realiza los documentales 'Comandante' y 'Looking for Fidel' mediante a largas entrevistas a Fidel Castro; y con una indisimulada admiración hacia su figura. 'Persona non grata' es un documental que le lleva a Palestina para obtener de primera mano una visión sobre el aparentemente eterno conflicto de oriente medio.

Stone vuelve a la épica con un proyecto largamente deseado en su 'Alejandro Magno'. La película no logra enganchar con el público estadounidense pero en el resto del mundo consigue una gran repercusión. En 'World trade center' dirige sus objetivos al 11-S pero no lo hace de la forma previsible en él, pues deja a un lado los aspectos políticos y pone el foco en el conflicto humano de los servicios de emergencia y policías que trabajan sobre el terreno de la zona cero. 'W.' es el ajuste de cuentas personal de Stone con el presidente estadounidense George W. Bush; pero en ese terreno esta vez le gana la partida Michael Moore y su 'Farenheit 9/11'. La película de Stone resulta demasiado plana para lo que en él es habitual. Parece haberle cogido el gusto a los documentales y en 2009 realiza uno sobre Hugo Chávez titulado 'Al sur de la frontera', que se estrena en el festival de Venecia. El resultado es tan controvertido como el que fuera presidente de Venezuela. También realiza 'Fidel Castro en invierno'; cuando el dirigente cubano ya no está al frente de la isla caribeña. El formato es otra larga serie de entrevistas. En cuanto al género documental, su última aportación es la serie para televisión 'La historia no contada de Estados unidos'; una obra que pone en duda la forma en que los acontecimientos históricos estadounidenses han sido difundidos.

En cuanto a la ficción, en 2010 regresa muy oportunamente a al mundo de la Bolsa en 'Wall Street, el dinero nunca duerme'; pero esta vez Stone no consigue conectar ni una mínima parte con el público como lo hiciera en los años 80. La película resulta soporífera y parece dirigida por cualquier otro realizador; sin huellas de la “marca Stone”. 'Salvajes', basada en la novela de Don Winslow, resulta prometedora en su planteamiento pues su tema es el narcotráfico y es inevitable recordar el gran resultado de Stone en 'El precio del poder'. Pero a la cinta le falta mucho para estar a la altura de sus mejores trabajos, incluyendo en ellos 'Giro al infierno'. Está la violencia y la realización más que competente pero falta la magia.

De un tiempo a esta parte, se ha considerado que Stone se halla cinematográficamente algo perdido. Algo de eso puede haber, aunque alguna de sus películas vale más que filmografías enteras de otros autores, pero de lo que no cabe ninguna duda es que merece la pena acercarse a sus nuevos trabajos pues es uno de los cineastas con más entidad de los que existen en el cine de hoy. Su próximo proyecto, la adpatación al cine de la historia de Snowden, se ajusta como un guante a su sensibilidad.

El director Eterio Ortega cierra un ciclo profesional -y vital- que comenzó en 2001 con la película documental 'Asesinato en Febrero'. En ella, se mostraban los sentimientos y reflexiones que provocaban en sus familiares y amigos, los asesinatos del político Fernando Buesa y su escolta Jorge Díaz Elorza por parte de ETA. Esta etapa concluye con la presentación de 'A través del túnel', en una proyección organizada en Vitoria por la Fundación Fernando Buesa. A pesar de que, a juicio de Ortega, la situación actual de Euskadi ofrece “aspectos de interés y temas para abordar nuevas películas” asegura con convicción que para él “este ciclo ha terminado ya”. Se alegra de que “haya terminado con la paz” pero apunta que “se tendrá que establecer un debate sobre lo que ha ocurrido”.

Al cine documental cada vez se le concede mayor espacio en las programaciones de festivales y en las televisiones. Si este hecho se debe a que una corriente de cineastas se inclinan por el género documental atraídos por sus posibilidades expresivas, o si tal circunstancia ocurre porque los costes de producción son considerablemente inferiores respecto a la ficción, es algo opinable. Y Eterio Ortega cree que una combinación de ambos factores explican la notable proliferación de un género cinematográfico que “tiene algo muy especial que no te ofrece el cine de ficción”. El cineasta puntualiza que su cine documental es trabajado “en clave de ficción” y que trata a sus personajes “como si fuesen de ficción aunque interpreten sus propias vidas”.

Paul Urkijo es un hombre de cine, en concreto de cine fantástico, aunque también le atraigan otros géneros como la ciencia ficción. Licenciado en Bellas Artes, rama audiovisual, es consciente de la importancia que los cortometrajes tienen para que su obra conecte con una parte del público, y también para que ésta pueda resultar lo suficientemente atractiva a ojos de las compañías productoras de largometrajes. Pero al mismo tiempo, apunta que el cortometraje debe apreciarse por las cualidades intrínsecas de este tipo de creación audiovisual.

Entre las referencias cinematográficas de Urkijo se encuentran títulos como 'Alien, el octavo pasajero', 'La cosa' o toda la filmografía de Steven Spielberg. Es admirador de las innovaciones que desarrolló Ray Harryhausen en el campo de la animación y los efectos especiales a cuya reconocimiento el artista californiano contribuyó decisivamente. Hasta la fecha, la filmografía de Paul Urkijo está principalmente orientada a la creación de universos fantásticos y surrealistas que alejan al espectador de lo cotidiano para adentrarse en los mundos diseñados por la fecunda mente del realizador.

Para conseguir el dinero que le permitiese rodar su ansiado film, Rodríguez se prestó voluntario como cobaya humana en unos experimentos farmacéuticos. En ese lugar, conoció al canadiense Peter Marquardt que, a pesar de no ser actor, acabaría encarnando al malo de la historia que en aquellas especiales circunstancias Rodríguez estaba diseñando.

A continuación, relata el desarrollo del rodaje en un pueblo mexicano, junto a su amigo y protagonista Carlos Gallardo. Usaron una cámara de 16 mm prestada, que manejaba el propio director. Tras la fase del rodaje, da cuenta de las penosas condiciones en que se llevó a cabo la post-producción. En un principio, 'El Mariachi' iba a ser el primero de los tres films que Rodríguez planeaba comercializar en el mercado de vídeos latinoamericano; y que al mismo tiempo se los planteaba como medio de aprendizaje. Pero resultó que no conseguían colocar la cinta como tenían previsto. Entonces, se les ocurrió mostrar 'El Mariachi' a una de las agencias de representación artística más importante de Hollywood; lo que permitió que la película llegase a ser distribuida internacionalmente por Columbia Pictures. El libro incluye dos apéndices; uno dedicado a explicar su rompedor método de aprendizaje cinematográfico y otro que incluye el guión original de su ópera prima. La historia del cineasta es sorprendente e interesante, pero lo que la convierte en verdaderamente especial es cómo está contada.

El libro está compuesto por extractos del diario de rodaje escrito por Rodríguez durante la realización del film. Existen infinidad de libros sobre cineastas, y muchos de ellos son fascinantes, pero el del realizador tejano pertenece a ese grupo de libros singularmente atractivos: los que están escritos en primera persona por los propios creadores. Eso es exactamente lo que ocurre en 'Rebelde sin pasta'. Y sucede de una manera brillante, gracias al estilo directo, ingenioso y enérgico empleado por Rodríguez.

El texto transmite poderosamente la pasión por hacer cine, por pasar a la acción, y lo hace con un vigor tal que casi empuja al lector a conseguir una cámara y salir a rodar. Además, resulta revelador para conocer de forma privilegiada el funcionamiento del Hollywood de los primeros noventa. Rodríguez recibió numerosas críticas que ponían en duda que 'El Mariachi' se hubiera realizado con tan sólo 7.000 dólares. Álex de la Iglesia, en el libro-entrevista de Marcos Ordoñez 'La Bestia anda suelta' (Ediciones Glenat, 1997), también cuestionaba ese dato. Sin embargo, en 'Rebelde sin pasta' queda suficientemente claro que Rodríguez se refiere al máster en vídeo (que le sirvió para mostrarla y negociar su venta) y no a la película que finalmente se estrena en salas. En este punto conviene tener en cuenta que en 1991 no estaban al alcance del público los formatos digitales actuales.

Igualmente es necesario contemplar las peculiares condiciones en que se desarrolló el rodaje de 'El Mariachi', muy alejadas de los usos y costumbres profesionales. Rodríguez, por ejemplo, no usó equipo técnico (de hecho el título original del libro es 'Rebel without a crew') ni artístico, ni por lo tanto, existió el coste de la remuneración en esos significativos apartados; no tenía contratado un seguro de rodaje, y muchas otras circunstancias que explican el ínfimo coste final. Tanto es así, que es una de las películas más rentables de la historia del cine. A pesar de que 'El Mariachi' se exhibiera en casi todo el mundo; para poner luz en la controversia sobre su coste, debería observarse, no como un film profesional, sino como una película rodada de forma amateur que excepcionalmente -y con más dificultad en auqella época- logra colarse en el circuito profesional.

Tras la llamativa irrupción de Robert Rodríguez en el panorama cinematográfico, gracias a 'El Mariachi'; desde entonces ha desarrollado una carrera repleta de altibajos y no exenta de ataques y cuestionamientos desde diferentes sectores sobre su capacidad como realizador. También ha sido calificada de nefasta su influencia en la alianza con su amigo el director Quentin Tarantino. Robert Rodríguez es un director que no consigue en sus propuestas completar un relato sólido, tramar bien una historia pero, por otro lado, es meritorio la indudable fuerza que despliega en las escenas de acción y el sentido del humor con el que las suele acompañar. En 'Abierto Hasta el Amanecer' (1995) firma su película más equilibrada entre fondo y forma. Y en 'Machete' (2010), ya sin el soporte de Tarantino, obtiene un largometraje cien por cien Robert Rodríguez pero con una historia más vertebrada de lo que en él es habitual.

'Rebelde sin pasta' es un libro que en los países anglosajones es considerado todo un clásico en materia cinematográfica; y se puede encontrar con facilidad. En cambio, en nuestro país, es una rareza.

Auténtico pata negra, Galiardo era un pozo de contradicciones, todas ellas extremadas, un espectáculo en sí mismo que alcanzó tales cotas de expresividad que en los últimos años se convirtió seguramente en el tipo que daba mejores entrevistas de España. Y así el anecdotario a su alrededor fue creciendo, para goce de quienes aprendimos a adorarlo desde el día en que en un acto público, rodeado de concejales y autoridades, agradeció el discurso plomizo de uno de ellos, que aseguraba haber sido compañero suyo de pupitre, con un lacónico: “Claro que me acuerdo de ti, hombre, si ya eras así de tonto desde el colegio”.

Las anteriores palabras dedicadas en su recuerdo por su amigo David Trueba, encajan perfectamente con las sensaciones que transmitía sobre su rica personalidad a los que sólo tuvimos la oportunidad de conocerle como espectadores de sus obras de teatro, películas, series y apariciones en medios de comunicación. Y a pesar de ello, cuando estaba vivo, con todo el significado que esa palabra tenía referida al gran Juan Luis Galiardo, y desde que ya no está entre nosotros; evocarle provocaba y sigue provocando una cálida sonrisa debido a su contagiosa humanidad. Una humanidad que afirmaba volcar en el amor incondicional y respeto a su profesión y en luchar por ser mejor cada día consigo mismo y con las personas que tenía más próximas. Lo bueno de Galiardo, es que no se necesita la excusa de su fallecimiento para expresarse en términos elogiosos sobre él.

En esta entrevista realizada por su amigo Luis Alegre, habla en profundidad de muchas inquietudes y vicisitudes que tuvo que afrontar en su intensa existencia, y lo hace como sólo los grandes lo pueden hacer: combinando con arte trascendencia y comicidad:

Con el recurso de un notable atractivo físico como credencial, interpretó repetidamente en sus inicios el papel de galán. Posteriormente relataría la inseguridad que esa circunstancia le provocaba, llevándole incluso a tener aproximaciones al alcohol, hábito que posteriormente abandonaría por cuestiones de metabolismo y por la transformación en ser agresivo que le provocaba. Trabajó muchos años en México para huir del corsé que le suponía dar vida siempre al galán y regresó a España a retomar su carrera a la que daría un impulso magnífico. Determinante fue su interpretación en 'Turno de oficio' con la que cosechó un merecido y contundente éxito. Su labor en la serie, en la que además de como actor se involucró como productor, marcaría el comienzo de una línea ascendente y constante de trabajos que sólo detendría la muerte.

Consiguió su anhelado papel de Don Quijote en la adaptación cinematográfica que realizó en 2001 Manuel Gutiérrez Aragón. Con el director José Luis García Sánchez al frente, participó en películas como 'Suspiros de España (y Portugal)', 'Siempre hay un camino a la derecha' o 'Adiós con el corazón', trabajo por el que recibió un premio Goya.

En 'Miguel y William' da vida nada menos que a Miguel de Cervantes. Su último trabajo fue en la serie 'Gran Hotel' y su última película en la que este realmente único actor derramó talento fue en 'La chispa de la vida'.

En la rueda de prensa de ese film, dejó para la posteridad otro de esos momentos extraordinarios que en él parecían ser de lo más corrientes: Si como decía Bruce Lee, “la clave para la inmortalidad es vivir una vida digna de ser recordada”, Juan Luis Galiardo sin duda es un ser inmortal.

El cineasta canario Víctor Moreno (Tenerife, 1981) ha logrado, gracias al respaldo popular, exhibir legalmente la película que estuvo vetada un año y tres meses por el Banco Santander, que alegaba “que podía afectar sus operaciones comerciales”. La película de Víctor Moreno muestra las obras de reforma del representativo edificio de la Plaza España de Madrid.

“Durante más de un año seguí el proceso de vaciado del edificio”, señala el realizador. “Encontré una inmensa torre de babel. Trabajadores de diferentes nacionalidades que convivían con la memoria de un emblemático espacio, símbolo de la prosperidad tras la guerra civil. Con esa mezcla entre trabajo cotidiano y memoria conformé una película-puzzle, donde cada pieza compone un retrato de un periodo de la historia reciente que es también un homenaje a esos trabajadores”.

Tras 200 horas de grabación y un exhaustivo trabajo de montaje nació la película de 94 minutos 'Edificio España'. Se proyectó en festivales internacionales como San Sebastián, Bafici, Documentamadrid o Doclisboa durante 2012, y después de su liberación, la cinta está siendo difundida mediante una gira de proyecciones promovida por sus creadores.

El Museo de Bellas Artes de Álava acoge la exposición 'Trama e hilos sueltos: diálogo entre dos colecciones de arte vasco'.

La muestra, pone en diálogo obras de artistas vascos pertenecientes al Reina Sofía con obras del mismo autor de la colección del Museo de Bellas Artes de Álava.

La exposición es un proyecto en el que se ha trabajado durante dos años y supone una oportunidad para conocer las obras de los autores vascos más significativos entre 1880 y 1930. Esta muestra, se sustenta en dos colecciones que han sido puestas en diálogo por medio de la relación entre dos obras del mismo autor. En concreto, se proponen 14 conversaciones entre obras que se establecen por medio de las similitudes entre ellas, como por ejemplo las dos maternidades de Julián Tellaeche, o los dos paisajes de Darío Regoyos. Pero también, el diálogo tiene lugar por contraste entre ellas, como es el caso de las dos obras de Aurelio Arteta presentes en la exposición, las esculturas de Daniel González o los cuadros de Carlos Sáenz de Tejada, que muestran una distancia formal y conceptual evidente.

Además, para esta ocasión se han traído del Reina Sofía dos obras de Igancio Zuloaga que se ponen en relación con el único cuadro del pintor que conserva el Museo de Álava. A todos estos autores se suman Francisco Iturrino, Valentín y Ramón de Zubiaurre, Juan de Echevarría, Quintín de Torre, Ricardo Baroja, Elías Salaverría, Joaquín Lucarini y el escultor Francisco Durrio, del que se exponen 4 obras.

La exposición se podrá visitar hasta el 19 de octubre.

La historia de Martín Fiz, Campeón de Europa, Campeón del Mundo de maratón y Premio Príncipe de Asturias del Deporte, encarna todos los aspectos más admirables de un deportista. Un trabajador incansable, ejemplo de superación. Un niño que recorría las calles de Vitoria repartiendo huevos para ayudar a su familia y que llegó a lo más alto a base de romper barreras. Un atleta que tras sufrir un sinfín de obstáculos en su carrera, nunca tiró la toalla, nunca se puso límites a sí mismo y llegó a lo más alto del maratón mundial gracias a la pasión que siente por correr. Forjado desde niño en las durísimas pruebas de campo a través de Euskadi, se atrevió a cambiar la historia del maratón mundial, donde solo triunfan las leyendas. Una de las historias más importantes del deporte internacional, llena de éxitos, pero también de fracasos y sinsabores. Martín hizo llorar al mundo en el Campeonato de Europa de Maratón, arrodillado en la meta junto a sus dos grandes amigos y lloró frente al mundo arrodillado en un estadio olímpico tras su cuarto puesto en los Juegos de Atlanta.

El documental, que está siendo presentado en varias ciudades del país, no se centra únicamente en los logros deportivos obtenidos. Estos sirven de telón de fondo para relatar la historia de una persona humilde, sencilla, cargada de valores de esfuerzo, superación y amistad.

La Asociación Africanista Manuel Iradier lleva 25 años trabajando en diversos países africanos como la República del Congo, Sierra Leona y otros; donde ha intervenido en diferentes ámbitos como el sanitario, educativo o de infraestructuras básicas. Sus actuaciones comenzaron en el distrito de Cogo, Guinea Ecuatorial, debido a los vínculos históricos que unen a ese territorio con la figura del explorador vitoriano; no en vano durante largo tiempo se denominó a ese territorio Puerto Iradier.

En los últimos años ha centrado sus esfuerzos en intentar acercar las distintas realidades de los pueblos africanos hasta nosotros. Con ese propósito, ha puesto en marcha una iniciativa llamada 'Afrikaldia', en la que se incluye -entre otras actividades divulgativas- un ciclo de cine africano que podrá verse los viernes de mayo en el Centro Cultural Montehermoso de Vitoria-Gasteiz. Para que estas proyecciones sean posibles, la entidad organizadora, ha contado con la colaboración de 'Cine Nómada' y el 'Festival de Cine Africano'.

En una de la sesiones del Cine-Fórum 'Berdinzinema', celebrada en el Centro Cultural Montehermoso, se ha proyectado la película 'Wadjda' (La bicicleta verde). La cinta, está dirigida por Haifa Al-Mansour, que es la primera directora de cine de Arabia Saudita. Está considerada como una de las figuras más significativas en el panorama cinematográfico de su país. Su trabajo es al mismo tiempo alabado y despreciado por suscitar la discusión sobre temas considerados tabú como la tolerancia, los peligros de la ortodoxia, y la necesidad de los y las saudís de tener una mirada crítica a su tradicional cultura.

A través de sus películas, su trabajo en televisión y en los medios escritos, Al-Mansour, traspasa el muro de silencio que rodea las secuestradas vidas de las mujeres saudíes, y les ofrece una plataforma a sus silenciadas voces. 'Wadjda' (La bicicleta verde) es una película que nace de la propia experiencia de su directora y que sirve para retratar “la esperanza y la perseverancia” de muchas mujeres en Arabia Saudí.

Según Stephen King, son tantas las personas y circunstancias que intervienen en la elaboración de un film, que resulta casi un milagro obtener finalmente una buena película. Si bien, las diferencias entre el sistema de trabajo en Hollywood, al que alude King, y el del cine español son tan abismales como las que se dan entre un proceso de producción industrial y otro artesanal, la reflexión del escritor de Maine también es válida aquí. Y es un pensamiento que se ajusta perfectamente a una película que puede calificarse como prodigiosa: 'La madre muerta'.

La cinta de Juanma Bajo Ulloa, llegó a las salas españolas el cinco de noviembre de mil novecientos noventa y tres, y tras ser premiado con, entre otros galardones, la Concha de Oro en el Festival de cine de San Sebastián por su anterior film, 'Alas de mariposa', el estreno del nuevo largometraje del director vitoriano generó expectación. 'La madre muerta', supone una profundización en los planteamientos de 'Alas de mariposa'. El espectador de ambos largometrajes se encuentra, de nuevo, con una historia contada a través de una cantidad mínima de elementos. El escaso número de personajes y escenarios, junto al magnífico pulso narrativo de Bajo Ulloa, desembocan en secuencias de alta intensidad dramática. También en los dos casos, el rodaje se lleva a cabo principalmente en Vitoria-Gasteiz, una ciudad de espléndida fotogenia pero que en contadas ocasiones aparece en la gran pantalla, y que contribuye de manera decisiva a potenciar el ambiente gótico de la cinta.

En 'La madre muerta', Ismael (Karra Elejalde), entra a robar en la casa de una restauradora de arte donde es sorprendido por la misma y a la que dispara. A continuación, el criminal se encuentra con la hija de la dueña de la casa. Con este, en apariencia sencillo planteamiento, arranca la extraordinaria experiencia cinematográfica que supone dejarse llevar por esta película. Pero más allá del apartado argumental, es en los aspectos formales donde 'La madre muerta' alcanza un grado de exquisitez realmente excepcional. La dirección de fotografía, a cargo del multipremiado Javier Aguirresarobe, es un factor determinante para sumergir al espectador en la atmósfera única creada por Bajo Ulloa. La música compuesta por Bingen Mendizábal, sitúa al público en el tono emocional perfecto para entrar en la historia por medio de una banda sonora sencillamente sublime, que puede situarse con todo derecho entre las mejores. De la eficaz planificación del entonces joven director -contaba con veinticinco primaveras- apoyada en elegantes 'travellings' y planos con grúa; el montador Pablo Blanco extrae oro. Tanto es así, que dejando a un lado la historia, la película puede ser hondamente disfrutada gracias a la conjunción de todos esos elementos, de la misma manera en la que se contempla un paisaje.

Si existe algo por lo que 'La madre muerta' se caracteriza es por poseer belleza en cantidades industriales. Una belleza que provoca fuertes sensaciones al fundirse con los elementos más perturbadores del relato. El film, se sirve de un tono de cuento, utilizado por el director desde sus primeros trabajos; y como en todo buen cuento lo delicado convive con lo horripilante. En esta película, se produce esa circunstancia tan huidiza y tan perseguida en que los profesionales del área artística y técnica se hallan en estado de gracia en la cinta ideal. El portento interpretativo de Karra Elejalde, junto a la entrega de Ana Álvarez y la evidente química entre ambos actores, se une a la competencia de los otros dos personajes encarnados por la actriz francesa Lio y Silvia Marsó. 'La madre muerta' es uno de esos films en que cada nuevo visionado es mejor que el anterior y siempre hay algo por descubrir.

Esta cinta se produjo de una forma no habitual hasta para los estrechos márgenes de la producción cinematográfica en España, pues la familia del director puso a disposición del proyecto su casa para completar la financiación; lo que convierte a 'La madre muerta' en una obra artesanal y familiar en el mejor sentido de estos términos. En el cine español, por lo general, se realiza cine artesanal por el hecho de contar con medios escasos para acometer obras de mayor envergadura desde el punto de vista de la producción. Pero en esta película, la artesanía es practicada en forma de mimo a cada detalle que compone la obra fílmica; al modo de los orfebres medievales, como lo hacía Kubrick dentro de la factoría 'hollywoodense', pero gozando de una gran libertad. El componente artesanal, no es el único aspecto que asemeja la labor de Bajo Ulloa en 'La madre muerta' con el mítico realizador neoyorquino, puesto que los dos comparten la capacidad de impregnar a sus obras de una poderosa marca personal.

Resulta asombroso el talento y el dominio del arte cinematográfico que Bajo Ulloa, con tanta juventud entonces, despliega en esta obra; muestra de puro cine del que cada vez se encuentra con mayor dificultad. El director dedica la película al músico Bingen Mendizábal y al montador Pablo Blanco a los que describe como sus héroes. Para las pantallas, salvo excepciones huérfanas de ingenio y verdad, Juanma Bajo Ulloa es un verdadero héroe cinematográfico.

Félix Maestro (Palma de Mallorca, 1975) convierte en infructuoso cualquier intento de etiquetar tanto su obra como sus opiniones. Es autor de la novela 'Extraño espécimen humano' en la que refleja la mentalidad de un asesino muy particular. También ha sido monologuista, actor ocasional, colaborador en varios fanzines y emisoras de radio como crítico de cine, entrevistador y 'showman'. Actualmente, entre otras actividades, interviene en el programa de radio 'La tele', escribe sobre cine en 'Scifiworld' y en su blog 'La ruina de la familia'. Es una presencia habitual en los vídeos de su amigo Toni Nievas, al que se puede ver en el programa de Andreu Buenafuente 'En el aire', y que cuenta entre sus admiradores con la conocida periodista Ana Pastor.

Pregunta: Ha transcurrido más de una década desde la publicación de su libro 'Extraño espécimen humano' , ¿tiene nuevas historias esperando ser publicadas?

Respuesta: Empecé otras novelas y no las terminé. Y ahora mismo, si pudiese elegir, preferiría que 'Extraño espécimen humano' no existiese. Su publicación me dio algún que otro problema que, de verdad, no necesitaba. Así que embaucar a aquel editor no sirvió de mucho.

P. ¿A qué problemas se refiere?

R. Alguien lee tu novelita y se le mete en la cabeza que eres un asesino en serie, o algo muy parecido. Absurdo, ¿verdad? Estas cosas suceden en el mundo real. ¿Quieres ser novelista? Pues antes de escribir una línea, piensa en las futuras consecuencias. Por cierto, lo que acabo de contar podría dar pie a una película protagonizada por Nicolas Cage.

P. ¿Volverá a escribir otra novela?

R. Actualmente estoy en ello. Creo que es un intento más o menos serio de escribir algo, y lo cierto es que empieza a tener aspecto de futura novela, aunque al ritmo que voy podría quedarse en nada. Quién sabe.

P. Su libro 'Extraño espécimen humano', ¿fue escrito porque no le era posible hacer cine o siempre tuvo el deseo de escribir novelas?

R. Sí, algo de eso hay. El cine era inaccesible para mí, y tampoco tenía la disciplina necesaria para dedicarme al cómic, de modo que encontré en la escritura una vía para expresarme. Escribí aquello porque pensé que, bueno, había que dedicarse a algo en la vida. Mi madre se preocupó bastante la primera vez que leyó alguna de mis cosas. Recuerdo que en aquel momento yo estaba cenando macarrones con tomate. Escribo guiones para programas de radio así que puedo considerar que soy guionista, o similar.

¿Te cuento una historia? Hace unos cuantos años envié el argumento de una película de género fantástico a un productor que en su día tuvo bastante poder en la inexistente industria cinematográfica española. No recibí respuesta. Curiosamente, meses más tarde la revista 'Fotogramas' se hacía eco de que ese mismo productor preparaba una serie que, si no recuerdo mal, en principio iba a dirigir Álex de la Iglesia. Lo mejor de todo es que el argumento de esa serie, explicado brevemente en la noticia, era casi el mismo que yo había enviado meses atrás al productor en cuestión. Demasiado parecido a lo que yo había escrito como para tratarse de una simple casualidad. Supongo que lo que envié gustó lo suficiente como para que alguien decidiese que podía aprovecharse de mis ideas sin contar conmigo. Por cierto, de aquel proyecto jamás volvió a saberse nada, lo cual me alivió mucho. Pero aquello sirvió para convencerme a mí mismo de que, algún día y quizás con mucha suerte, podría ser guionista.

P. ¿Cuál es el tipo de cine que más le atrae?

R. Llevo viendo cine desde que era un niño, y sólo me han gustado de verdad un par de películas: Re-Animator (Stuart Gordon, 1985) y Howard The Duck (Willard Huyck, 1986). Soy un espectador muy exigente. Del cine español me quedo con 'Solo ante el Streaking', de José Luis Sáenz de Heredia. En este país ya no se hacen pelis como esa.

P. Ha participado en la película de bajo presupuesto dirigida por su amigo Toni Nievas, Como todas las mañanas, y en la que aparecen caras conocidas como Dani Mateo y Berto Romero. ¿Cuál ha sido el recorrido del proyecto?

R. No he seguido atentamente el recorrido del proyecto porque suelo estar ocupado con mis sesiones de ouija extrema, pero sí puedo decirte que el rodaje fue básicamente como el de cualquier película de Werner Herzog. Creo que el resultado es casi tan digno como el de Battlefield Earth, aquella peli de extraterrestres del futuro con John Travolta.

P. ¿Tiene previsto formar parte de otros largometrajes?

R. No es algo que dependa de mí, y tampoco es que esté haciendo nada para que algo así suceda. No me presento a castings ni esas cosas. No tengo agente ni contactos. Y además vivo en una isla en la que sólo interesa construir hoteles. A lo único que realmente puedo aspirar es a fregar escaleras, y a eso me dedico actualmente. Mis principales aspiraciones son coleccionar los cómics de 'La casa del pantano' que guionizó Alan Moore, y gastarme otro montón de pasta en muñequitos de `Star wars'. Hacer cine me interesa muchísimo menos. ¿Con la televisión se gana dinero?

P. ¿Qué le ha parecido '8 apellidos vascos'?

R. Me ha parecido una mala copia de The Proposal, una comedia maravillosa protagonizada por Ryan Reynolds y Sandra Bullock. ¿Plagio? ¿Casualidad? Quién sabe.

P. A su juicio, ¿qué es necesario hacer para mejorar la situación del cine español?

R. Lo mejor que podemos hacer es permitir que el cine español desaparezca de una vez por todas.

P. ¿Habla en serio?

R. Totalmente. Se nos ha intentado hacer creer que el desastre del cine español es culpa de Wert y el actual gobierno de gilipollas, pero ellos sólo son una parte del problema. Es cierto que estamos gobernados por unos 'psychlos' absurdos, pero no creo que ellos sean culpables de la falta de talento que nuestro cine exhibe con orgullo. En serio, acabemos de una vez con el cine español. Sólo así nos libraremos de gente como Emilio Martínez-Lázaro. Bastante tenemos con la crisis.

P. Esa es una visión muy particular, y realmente pesimista, de la situación.

R. Sólo quiero que pienses en una cosa: si Willy Toledo se ha ido de España, será por algo. O sea, algo habrá visto ese tío para largarse. Se me ocurre que el cine español quizás podría mejorar si le diésemos todos los papeles protagonistas a Willy Toledo. El problema es que antes habría que ir a Cuba e intentar convencerle para que volviese a España, y entonces es posible que mostrase cierta resistencia. Ya sabes que Willy ha liderado manifestaciones realmente jodidas. Con todos esos coches de policía ardiendo y toda esa gente hospitalizada. Si vamos a buscarle, lo mismo nos confunde con escaparates y le da por empezar a tirarnos piedras. Y seguramente lo haría con un perfecto acento cubano, porque hay que admitir que es uno de esos actores camaleónicos de verdad. No sé, creo que le admiro más de lo que me atrevo a admitir.

P. Además de a Willy Toledo, ¿admira a algún otro actor?

R. A Jorge Javier Vázquez. Si hay un guía espiritual en este país, es él. Viendo lo que hace en 'Sálvame' uno podría pensar que se trata de una especie de villano de película de James Bond, pero en la intimidad es un tipo realmente sensible. Así que sin duda hay una gran capacidad interpretativa detrás de todo lo que hace en televisión. Jorge Javier Vázquez es mi Caballero del Zodiaco favorito.

Todos los aspectos y procesos relacionados con la creación de una película, como el micromecenazgo, las subvenciones, la distribución, la exhibición y las diferentes formas de explotación actualmente existentes, se examinan en este documental gracias a la implicación de muchos de los protagonistas de la revolución “low cost”. El año pasado, Canal+ dedicó una programación especial a este tipo de cine en la que se incluyó el documental 'Buscarse la vida en el cine', que comparte algunos de los participantes en 'BARATOmetrajes 2.0.- El Futuro del Cine Hecho en España'. Los productores y directores, Hugo Serra y Daniel San Román, realizaron en 2005 un cortometraje documental titulado 'BARATOmetrajes' y que es el origen del que ahora se estrena.

En su vertiente audiovisual, la tecnología digital permite materializar lo que hasta hace relativamente poco tiempo era imposible: que hacer una película sea técnicamente casi tan accesible como escribir un libro. Pero, del mismo que en la industria literaria, elaborar un manuscrito no equivale a publicar profesionalmente, en el sector audiovisual, la finalización del montaje de una película representa una parte del camino hasta que ésta encuentra a su público.

¿Cuáles son las circunstancias y motivaciones que impulsan a estos creadores para aventurarse en el cine de bajo presupuesto? César del Álamo, director y productor de 'Buenas noches, dijo la señorita pájaro' lo tiene claro: “En mi caso es una necesidad. Si yo no consigo producir, o que me produzcan, una película a un nivel ”profesional“, pues no me queda más remedio que hacerlo yo”. Por su parte, Love Jordina, directora y productora de 'Saving Isis' confiesa en el documental su sorprendente estímulo creativo: “Lo que más me gusta del mundo del cine son los estrenos, las fiestas...eso es lo que más me gusta. Pero para estar ahí, tienes que trabajar mucho antes”. Para Alfonso Sánchez, director y productor de 'El mundo es nuestro', el cine independiente tiene una explicación transparente: “Sundance existe porque existen los Oscars y porque existe Spielberg. Si no, no existiría un Aronofsky. ¿Por qué? Porque tienen una industria e independientemente a la industria hay cuatro ”colgaos“ y hay un dinero suficiente como para que hagan sus pelis. Aquí lo que hay, es cine independiente unos de otros”.

La distribución es la fase más complicada a la que se enfrentan estos directores, pues en este punto, colisionan los procedimientos del modelo clásico de explotación que todavía permanece, con las nuevas posibilidades que abre Internet y que no terminan de emerger. El coste, con frecuencia reducido, en esta clase de producciones se estrella con la distribución tradicional, que exige a los promotores de largometrajes de bajo presupuesto, los gastos publicitarios. Por ello, las redes sociales, se convierten en las mejores aliadas en la promoción de los trabajos de estos cineastas. Chiqui Carabante, director de 'Carlos contra el mundo', aporta una inquietante visión respecto a la situación general del cine español: “Vivimos como en '1984' de Orwell; vemos los Goya, vemos que hay cuatro películas, nada más, vemos que esas cuatro películas se aplauden -algunas de esas cuatro películas me gustan- y la gente no se pregunta qué está pasando en España que sólo hay cuatro películas. En otro momento afirma: ”Todos queremos hacer una peli con presupuesto y bien producida“.

Dentro de las nuevas posibilidades para la financiación de proyectos audiovisuales que ha propiciado Internet, se encuentra el micromecenazgo o 'crowfunding', sobre el que Diego Rodríguez, responsable de las iniciativas culturales cinematográficas como 'Márgenes' o Cine Español en Ruta, tiene una contundente opinión: “Yo creo que la gente empieza a estar hasta los cojones de ”finánciame el festival, finánciame mi proyecto, finánciame mi corto etc“. Esto, ahora mismo, puede ser una moda pero me da la impresión de que es insostenible”.

El desarrollo del documental, deja espacios para las reflexiones en torno a la situación del cine a nivel general. Tina Olivares, directora y productora de 'Esperando Septiembre', considera que “el cine está cada vez más vacío. El cine que nos viene de Hollywood viene con mucha tecnología, con mucha calidad técnica y con historias muy pobres que son retales de historias anteriores”. De regreso al tema principal del documental, el cine independiente o de bajo presupuesto, Norberto Ramos del Val, director de 'Summertime' entre otras, señala: “Hay muchas pelis, que dices, la excusa de que sea ”low cost“ está guay pero, ¿esto le interesa a alguien o no?”. Entre los manidos argumentos en torno al presupuesto de las películas, Fernando Lara, exdirector general de ICAA, organismo público encargado de gestionar las ayudas a la producción cinematográfica, sentencia: “Las películas no son mejores ni peores porque cuesten más o cuesten menos”.

Por último, el crítico Jordi Costa, apunta una de las claves de toda esta cuestión cuando asegura que “el gran desafío es que algún día llegue a ser rentable, llegue a ser una profesión”. 'BARATOmetrajes 2.0.- El Futuro del Cine Hecho en España', es un documental que animará a nuevos aventureros cinematográficos a lanzarse a producir su propio largometraje o por el contrario les ayudará a desistir. De cualquier modo, es un excelente modo de conocer esta forma de producción alternativa que cada día genera nuevos proyectos.

El desbordante éxito de '8 apellidos vascos' invita a reflexionar sobre los factores que han podido conducir a un triunfo tan notable -y habitualmente escurridizo- para el frágil sector cinematográfico español. '8 apellidos vascos' se eleva sobre la subida del IVA cultural, el impacto de Internet en el modelo tradicional de explotación, el descenso constante del público en las salas, y hasta sobre la indiferencia o desprecio de una cantidad considerable de espectadores hacia el cine español.

El origen

Telecinco Cinema es la división de Mediaset encargada de materializar los proyectos audiovisuales de la corporación que tienen como destino la gran pantalla. Llevan su sello títulos como 'Lo imposible', 'Celda 211', 'Las aventuras de Tadeo Jones', 'No habrá paz para los malvados', 'Spanish Movie', 'El orfanato' y muchos otros. Las cadenas privadas tienen por ley la obligación de invertir el 5% de sus beneficios en el sector audiovisual nacional. La mayor parte de la tarta va a parar a las series ya que suelen ser rentables, y excepcionalmente, se producen tv-movies; muchas de las cuales no llegan a ver la luz televisiva, como ocurrió con la mayoría de las 'Películas para no dormir'. Por último, por ser la opción económicamente más arriesgada, las televisiones privadas producen largometrajes como '8 apellidos vascos'; y en el caso de Telecinco Cinema, con un excelente promedio de puntería. Por lo tanto, a diferencia de las televisiones públicas que apoyan algunos proyectos de dudosa rentabilidad pero valorando (¿cómo se puede hacer tal cosa?) elementos artísticos; las privadas persiguen el legítimo y necesario beneficio económico. Es obvio, que si se generasen con mayor frecuencia películas que conectaran masivamente con el público, la existencia del cine experimental sería más cómoda y sostenible.

La historia

Por mucho marketing de calidad que se ponga al servicio de una película, un acontecimiento cinematográfico de las dimensiones de '8 apellidos vascos', no puede explicarse si detrás no hay una historia que funciona dentro de sus propios planteamientos, como un reloj. De no ser así, el impacto se hubiese limitado al primer fin de semana.

Se trata de una comedia blanca basada en el choque de los arquetipos vascos y andaluces, mezclados con el eficaz y eterno recurso, de la atracción romántica entre opuestos. Los guionistas, Borja Cobeaga y Diego San José, formaron parte del equipo de escritores original del programa 'Vaya semanita' y han trasladado parte de esa experiencia a '8 apellidos vascos', plasmada en unos diálogos dinámicos e ingeniosos, así como en sacar punta a todas las situaciones de conflicto entre los antagónicos puntos de vista de los personajes. El director, Emilio Martínez-Lázaro, ha suavizado algunos aspectos del guión original para obtener una comedia con unos toques ácidos pero esencialmente amable; que incluso remite a las películas de Paco Martínez Soria, tanto a nivel formal como de contenido. Esto ha permitido abarcar a un extenso rango de espectadores. También es una película impregnada del tono y espíritu de los monólogos del programa 'El club de la comedia', no es casual que el protagonista masculino sea una presencia recurrente en ese formato.

Elenco y director

Los actores son la mayoría de las veces el principal reclamo de las películas. Dani Rovira es el descubrimiento y la gran apuesta en '8 apellidos vascos' pero si puede brillar como lo hace, es en parte, por los actores que le rodean. Karra Elejalde está soberbio, Carmen Machi más que correcta. Quien no parece ser la elección más adecuada, como dura abertzale, es la dulce Clara Lago, que lo afronta con más ganas que eficacia. Al frente de este guión con estructura de comedia clásica y de un buen reparto, está un director experimentado en el género y que a pesar de una realización algo plana, entrega una película agradable y con una armonía óptima de los diferentes elementos narrativos.

Promoción masiva y cuidada

La televisión sigue siendo el medio de comunicación más poderoso y Mediaset, con todos los canales que posee, ha realizado una labor clave y perseverante en la promoción de '8 apellidos vascos'. Para que una película llegue a ser considerada como opción por el espectador, el público objetivo al que va destinada debe saber que existe; y Universal Internacional Pictures que junto a Mediaset han sido los encargados de la distribución y el lanzamiento, no han dejado cartucho sin quemar en ese propósito. Desde un trailer brillante, que consiguió un alto grado de viralidad en redes sociales, hasta un ingente material promocional astutamente dosificado, no cabe duda que el marketing es una de las claves para justificar la magnitud del éxito del largometraje. También ayuda el abultado número de salas en las que se ha estrenado, con muchas sesiones simultáneas. Pero lo decisivo de todo lo anterior, como ocurre con fenómenos literarios tipo '50 sombras de Grey', es que '8 apellidos vascos' se ha convertido en un largometraje de “obligado visionado”, se ha creado una necesidad extraordinaria por verla, casi un mandamiento social.

Consecuencias

Hace mucho tiempo que una película con tanta presencia en las salas de exhibición, fuera al mismo tiempo tan difícil de ver. Hay personas que lo han intentado durante los fines de semana y no les ha sido posible; hasta las sesiones golfas han registrado un aumento espectacular en el número de espectadores. La película lleva recaudados 10 millones de euros y se estima que pueda alcanzar los 20 millones. Ocupa el 15 puesto en la taquilla internacional; con '8 apellidos vascos' ha sucedido algo que, exceptuando los casos de películas españolas pero con envoltorio internacional como 'Lo imposible' o la lejana 'Los otros'; solo logra la denostada saga 'torrentiana' creada por Santiago Segura. Aunque los promotores del proyecto aseguran que desde el rodaje de '8 apellidos vascos' está decidida -sin guión aprobado- la producción de una secuela, con tan gloriosa carrera comercial se despeja toda duda y ya se ha anunciado el encargo del guión a los mismos autores del largometraje aún en cartel.

Quizás se estén preparando varias películas con el punto de partida en la rivalidad entre catalanes y madrileños, quién sabe, pero seguro que se estudiará al milímetro el porqué de tan abrumador éxito.

Desde que en que en 2008 diera vida a Bryan Mills en 'Venganza', la filmografía de Liam Neeson ha virado inesperadamente de dramas como 'La misión', 'La lista de Schindler', 'Michael Collins' o 'Kinsey' a las cintas de acción, llegando a crear un género propio y un espectacular relanzamiento de su carrera. 'Non-Stop (Sin escalas)' es la nueva aportación del 'género Neeson' que llega a las pantallas este año.

En esta ocasión, el actor irlandés interpreta a Bill Marks, un veterano agente del servicio aéreo de los Marshalls, alcohólico y con un pasado familiar trágico. Una vez a bordo del vuelo trasatlántico de Nueva York a Londres que le es asignado, recibe un mensaje de texto anónimo anunciándole el remitente que va a matar a alguien cada 20 minutos hasta que una gran suma de dinero sea transferida a una cuenta secreta. A partir de aquí, Bill Marks, busca entre todos los ocupantes del avión al misterioso comunicante para detenerle.

El director, Jaume-Collet Serra, comenzó su carrera en la industria audiovisual estadounidense en el campo de la publicidad. En 2005, dirigió su primera película, un remake de 'La casa de cera', con alguna actriz de ídem como Paris Hilton. Lo hizo de la mano del legendario productor Joel Silver, promotor de films como 'Jungla de cristal', 'Depredador', 'Arma letal' o 'Matrix' y sus secuelas; también se encarga de la producción en 'Non-Stop (Sin escalas)'. El cine de Collet Serra, hasta ahora, se circunscribe a los géneros del terror y el thriller en los que ha conseguido éxitos evidentes como 'La huérfana' o 'Sin identidad', también con Neeson. Es un realizador que se pone completamente al servicio de la historia que tiene entre manos sin que sus energías se distraigan en tener que manifestar a toda costa un estilo autoral fuertemente marcado; lo que de por sí es una característica de marca personal sin histrionismos. No todos los directores pueden ser genios o autores singularísimos ni por ello su labor tiene poco valor. 'Non-Stop (Sin escalas)' es la segunda colaboración entre director y actor protagonista pero no la última pues el próximo año se estrenará el trabajo que los ha reunido de nuevo: 'Run all night'.

Collet Serra y los guionistas noveles John W. Richardson, Crhistopher Roach y Ryan Engle desafían al espectador con una galería de sospechosos y el misterio de la identidad del criminal. Naturalmente, reparten pistas falsas en abundancia para despistar al respetable. 'Non-Stop (Sin escalas)' adolece de algunos problemas de verosimilitud pero los contrarresta con unas estimulantes dosis de misterio y un ritmo e intensidad atractivos. No tiene la emoción de 'Plan de vuelo: desaparecida' o el dramático realismo de 'United 93 (Vuelo 93)' pero genera suficientes instantes de suspense como para nivelar los momentos superficiales.

La historia se desarrolla al 95% en el interior del avión y es posible que al salir del cine los espectadores lo hagan con 'jet lag'...

Non-Stop (Sin escalas)

Dirección: Jaume-Collet Serra.

Intérpretes: Liam Neeson, Julianne Moore, Lupita Nyong'o, Michelle Dockery, Anson Mount.

Género: Thriller de acción. USA, 2014.

Duración: 106 minutos.