El Oso de Oro honorífico lo recibirá después de la proyección de El cielo sobre Berlín, pero Wim Wenders es un cineasta inquieto, en activo, y mientras La sal de la tierra (codirigida junto a Juliano Ribeiro Salgado) espera en la antecámara de los Oscar como candidata a mejor documental, la Berlinale ha sido también el escenario para la presentación de su nueva ficción: Every Thing Will Be Fine.

Wenders ya había experimentado con el cine en 3D. Su aproximación al personaje y obra de Pina Bausch fue un éxito. Buen conocedor y amigo de la coreógrafa, consiguió que Pina no sólo se amoldara a los movimientos de los bailarines sino que acercara también al espectador el juego de texturas de sus montajes, todo con una definición arrolladora.

En esta edición de la Berlinale no se había publicitado especialmente que Every Thing Will be Fine era también en 3D a juzgar por la sorpresa de buena parte de la prensa internacional al recibir las gafas a la puerta del cine. Sí se sabían pinceladas del argumento y no parecía cuadrar con la apuesta formal. A saber: un escritor (James Franco) atropella a un niño y la tragedia marca tanto su vida como la de la madre (Charlotte Gainsbourg) y hermano de la víctima. Pero para el director alemán tiene su lógica: “El 3D lo engrandece todo, también los sentimientos” y no es descabellado aplicarlo a un género como el melodrama que nunca ha rehuido las posibilidades ofrecidas por la tecnología en el cine.

Douglas Sirk, de origen alemán como Wenders, es uno de los nombres más asociados al melodrama clásico. Huyendo de la Alemania nazi acabó afincado en Hollywood y rodando títulos tan emblemáticos como Sólo el cielo lo sabe (1955), Escrito en el viento (1956) o Imitación a la vida (1959). Sirk tradujo el atormentado mundo interior de sus personajes a la pantalla con la ayuda del tecnicolor y elaborados movimientos de cámara. Nunca se amedrentó a la hora de experimentar con ello y, de haber estado a su alcance, el 3D habría sido incorporado muy probablemente a su lista de herramientas.

Wenders ha trabajado asiduamente en Estados Unidos también aunque no haya tenido que fijar su residencia allí por obligación. Otros tiempos los suyos. Pero un cineasta cinéfilo como él invita a buscar conexiones y la influencia del cine norteamericano -incluso de la pintura, como la obra de Edward Hopper- se percibe en toda su filmografía.

Como Fassbinder antes que él, Wenders rinde homenaje en su nueva película a Douglas Sirk y al melodrama. Se nota en la composición de buena parte de los planos de Every Thing Will Be Fine y en la exuberante naturaleza de Canadá -la nieve, los árboles de hoja caduca, los prados y lagos- donde transcurre la historia. El rostro impávido de James Franco, con su tupido pelo oscuro, recuerda también al de Rock Hudson en Sólo el cielo lo sabe o Magnífica obsesión (1954), película en la que un accidente era también el desencadenante de la acción.

Pero, a diferencia de Sirk, Wenders es contenido en la trama, en la banda sonora y en el perfil de sus personajes, tanto que el espectador que busque la catarsis del llanto está destinado al fracaso. En cuanto a la apuesta formal, será debatible la opción del 3D pero llama la atención que pocos se hayan preguntado por otro problema de profundidad que sí lastra la película: la interpretación de James Franco. Su frialdad impregna el relato y se acaba añorando el envoltorio kitsch con el que Sirk siempre arropaba a Rock Hudson, dejando a los secundarios la parte del león, de Dorothy Malone a Robert Stack.

El 3D no lo puede todo en el mundo de las emociones, pero el trabajo de Wenders deja claro que tampoco es un formato exclusivo de películas de acción o animación. El tedio que provocan algunas de ellas, además, ha demostrado que el formato puede resultar inútil en cualquier género cinematográfico.

¿Si Wenders hubiera rodado en blanco y negro, como en tantas otras ocasiones, habría habido objeciones? En El estado de las cosas (1982) uno de sus personajes afirmaba: “La vida es en color, pero el blanco y negro es más realista”. Habían pasado décadas desde que el cine invitara a descubrir la realidad en blanco y negro y que la crítica se lamentara del “reino de las sombras”, tal como describió Gorki el invento de los Lumière. Pero con los años, el cine, tan lleno de vida, pareció más realista a las generaciones que se criaron con él.

¿El 3D para el melodrama? Quizá sea solo cuestión de tiempo, de acostumbrarse. Pina, a su manera, ya abrió el baile de la música y el drama en tres dimensiones.

Desde Dioses y monstruos (1998), Bill Condon estuvo buscando en todos los guiones que llegaban a sus manos la oportunidad de volver a dirigir a Ian McKellen. Si el dueto había triunfado en el amargo retrato del cineasta James Whale en el mundo del Hollywood clásico y sus glorias venidas a menos, ahora les ha unido otro personaje conocido. Esta vez, sin embargo, salido de la ficción: de la literatura, primero, del cine e incluso la televisión después, donde Sherlock Holmes ha encontrado otro espacio en el que morar, sin ir más lejos en la serie de éxito en la que, de la mano de Benedict Cumberbatch, el detective da un salto en el tiempo hasta el siglo XXI.

El Sherlock propuesto por Mr. Holmes, presentada a competición en el Festival de Berlín, da otra pirueta en el tiempo, pero esta vez hasta su propia jubilación. Por el camino ha perdido el “Sherlock”, al Doctor Watson, el domicilio en Baker Street, su memoria e incluso la sombra de Sir Arhtur Conan Doyle, su creador, aunque haya ganado las artes de quien le interpreta, Sir Ian McKellen, en lo más alto en cuanto alcurnia actoral británica se refiere.

En el film de Bill Condon, Holmes es un señor de 93 años, un personaje real que se queja de la imagen que el público se ha forjado de él gracias a las novelas de su amigo Watson. Curiosos lazos los que traza el oficio del cine y que el Watson televisivo esté encarnado por Martin Freeman, compañero de metraje y fatigas en la Tierra Media con Ian McKellen en la trilogía de El Hobbit.

Mr. Holmes, pues, es un detective perspicaz, sí, pero que reniega de su carga icónica, de la pipa al sombrero. Su imagen no encaja con la que el público espera, como si a McKellen se le pudiera esperar sólo con el atuendo y las barbas de Gandalf, olvidando que, como el actor se encargó de recordar en la rueda de prensa en Berlín, lleva interpretados ya más de 200 personajes entre cine y teatro a lo largo de su carrera.

La película se toma al pie de la letra La vida privada de Sherlock Holmes el título con el que Billy Wilder se enfrentó al detective de Baker Street en 1970. Bill Condon lo presenta luchando contra la pérdida de memoria, los achaques de salud y el intento de reconciliarse con el recuerdo de una mujer, su último caso. Fuera del hábitat refinado en Londres, Holmes vuelve a “casa”, al campo. Le esperan su casera (Laura Linney) su hijo (Milo Parker), sus colmenas y las heridas aún visibles en el paisaje de la Segunda Guerra Mundial.

“Es un Sherlock Holmes que no es Sherlock Holmes”, resume el actor, que vuelve a dar prueba de su calibre como actor. En él y en el trabajo de Linney reside el principal atractivo de Mr Holmes. Un caso de realidad versus ficción, de humanización del mito, no del todo resuelto.

La acogida del film fue tibia y las cosas en la sección oficial competitiva de este tramo del festival no mejoraron con la anticipadísima reaparición de Terrence Malick con Knight of Cups. Es sabido que Malick, escurridizo como su cámara, elude a la prensa pero sus películas siguen lanzándose en los festivales de cine internacionales como el de Cannes, Venecia y ahora Berlín, donde ya tuvo su première El nuevo mundo (2005).

La excelencia de su obra, de Malas tierras (1973) a Días del cielo (1978) o La delgada línea roja (1998), y los silencios entre ellas le han dado a sus estrenos el aire de un avistamiento del cometa Halley. Pero las cosas han cambiado, las colas en la proyección de prensa y el sentimiento de agitación y expectativa en Berlín fueron las habituales, lo que vino después, harina de otro costal.

El bonsai de la vida

El árbol de la vida (2011) suscitó el aplauso de la crítica, quizá no unánime pero abriendo un debate apasionado, en To the Wonder (2012) hubo más bajas. Y, después del paso por la Berlinale, la crítica que aplaude Knight of Cups ha quedado aún más diezmada.

La soledad, el vacío de la vida de un actor de éxito en Hollywood (Christian Bale), que pasa de los hiperactivos brazos de una mujer 10 a otra (de Cate Blanchett a Natalie Portman, Imogen Poots o Freida Pinto) y se cruza con el recuerdo de un padre agresivo, un hermano problemático, y una larga de lista de cameos como el de Antonio Banderas, es lo que Malick propone en Knight of Cups. La voz en off, los silencios, la fascinación por el cuerpo, la sinfonía de la vida y sus coreografías, la religión, la problemática presencia del padre, la gestión de un pasado en un presente sin rumbo son marca de la casa. Pero lo que en El árbol de la vida llegaba a alcanzar resortes profundos aquí entra en un bucle de diseño y unos personajes que a pesar de andar descalzos, no tocan de pies en el suelo, perdidos en piscinas, residencias y fiestas con derroche de lujo. Da la impresión que Malick acabó con las existencias de las agencias de modelos en Los Ángeles y de cloro de las piscinas de Beverly Hills, para contar algo que él mismo y otros (Sorrentino y La gran belleza, por ejemplo) contaron antes y mejor.

Lujos y lujos: dos películas a tener en cuenta

Entre los títulos que dejarán poso de ésta Berlinale está la chilena El club, de Pablo Larraín. Después de Tony Manero (2007), presentado en la Quinzena de Realizadores en Cannes, Post mortem (2010) a competición en Venecia y No, nominada al Óscar a mejor film en lengua no inglesa en 2012, su nuevo trabajo como director se ha posicionado como una de las candidatas fuertes al palmarés berlinés.

La película arranca con el bíblico “y se hizo la luz”, pero luz, luz hay poca en esta dura historia de curas en retiro carcelario en una casa al borde del mar y otros precipicios. Los adorables “curitas” que se nos presenta al principio esconden un pasado de pecados muy graves por los que no han rendido cuentas ante la justicia. La Iglesia “administra” la cuestión con una supuesta penitencia, un descenso a los infiernos con más de un desvío inesperado que ha arrancado aplausos en la Berlinale.

Confrontar a las víctimas con sus verdugos es lo que hace también desde el terreno del documental el norteamericano Joshua Oppenheimer. Tras la magnífica y premiada The Act of Killing, vuelve a Indonesia y la masacre perpetrada por su régimen militar en 1965 con The Look of Silence, una película que opera a modo de contra plano de la primera. Si en una los asesinos detallaban con trivial y macabra precisión las matanzas que cometieron ante la atónita mirada de Oppenheimer, aquí los mismos asesinos confrontan con más incomodidad al familiar de una de las víctimas. Su hermano fue torturado y asesinado, uno de los nombres propios de los millares y millares de personas víctimas de la represión interna de Indonesia.

The Look of Silence le acompaña en su encuentro con algunos de los responsables políticos y materiales de la masacre, más incómodos ante la justificación moral de sus crímenes que ante la posibilidad de hacerse la foto en el lugar del crimen, como si de una cacería se hubiera tratado. El sereno rostro del hermano de la víctima intentado entender el por qué de tanta barbarie, y buscando una sombra de arrepentimiento en los ojos de sus interlocutores se cuenta, sin duda, entre el cine más interesante de ésta Berlinale. Rara vez la mirada hacia el otro ha sido tan elocuente en su silencio. Tras su paso aplaudido paso por Venecia participa fuera de competición.

La anécdota es conocida: al ver Lawrence de Arabia de David Lean, el dramaturgo británico Noël Coward le soltó un piropo a Peter O'Toole: “Sales un poco más guapo y tendría que llamarse ya Florence de Arabia”. Lo cierto es que en los tiempos del personaje que inspiró la épica de Lean, T.E. Lawrence, el desierto tenía ya a su Florence de carne y hueso: Gertrude Lowthian Bell, aventurera, arqueóloga, escritora, espía y/o política al servicio del gobierno británico -según la fuente consultada-, que tuvo un papel destacado en la reordenación geopolítica de Oriente Próximo en el contexto de la Primera Guerra Mundial.

Es el personaje que inspira “Queen of Desert”, presentada a competición en la Berlinale, y firmada por un cineasta capaz de alternar documentales poco complacientes con el mainstream y producciones de Hollywood como la que nos ocupa. Gran presupuesto y reparto estelar, con Nicole Kidman a la cabeza. En la palestra crítica de un festival como el de Berlín, tal perfil, provoca recelo, y cierta estupefacción entre las afiladas plumas (léase teclados) de la prensa internacional, al ver al veterano cineasta alemán entregarse a una historia de amor de época con factura Merchant Ivory.

Pero Herzog tiene la virtud de la perpetua curiosidad, como tantos cineastas con años de oficio, y en Berlín exhibió sentido del humor y ADN de director hasta en la rueda de prensa, explicando a Kidman una pregunta que no acababa de comprender y planteando otra a Damien Lewis, al ver que al pasar el rato el actor no había sido objeto de ninguna.

 Una confesión: “Queen of the Desert” contiene “la escena más erótica que he rodado en mi vida”. Dos manos (las de Kidman y James Franco) que se acercan para un truco de cartas sobre el verde de una mesa de billar. Y una promesa: “Haré más películas con protagonistas femeninas. Tendría que haberlo hecho antes y me alegro que haya pasado al fin.”

Da la impresión que, más allá del resultado, el auténtico explorador de “Queen of the Desert” es Herzog mismo. Lo dijo James Franco, que disfrutó con la sensación de “ver a un maestro como él enfrentarse a algo nuevo”. Fue el personaje de Gertrude Bell lo que le atrajo, dice. Leer sus cartas, sus diarios, le llevó a interesarse más por el paisaje interior de esta mujer, que a los entresijos políticos del escenario en el que se movió y en los que también movió hilos. Un contexto tan complicado aún que en Berlín fue aludido solo de puntillas, no más allá de que que Herzog expresara su pasión por el desierto, por los beduinos y “la dignidad de la vida en el Islam, un mundo que últimamente sólo vemos demonizado en los medios, con su razón, claro”.

Si Binoche se “lanzó de cabeza” a los rigores del frío invierno para Isabel Coixet y “Nadie quiere la noche”, Kidman dijo sí a Herzog sabiendo que no es un “tipo que ruede en chroma”. El rodaje transcurrió en Marruecos, localizar en el paisaje original de Siria, Irán, Iraq, era evidentemente imposible. Un recuerdo de que la realidad no se suele doblegar a los finales felices de Hollywood o a pensar que, cuando concluye el film, al finalizar la Primera Guerra Mundial la zona se enfrentaba a un siglo de paz y harmonía gracias a los quehaceres de reyes o reinas del desierto como la que presenta la película. Lo podría sugerir el plano de Nicole Kidman alejándose a lomos de dromedario hacia el desierto con glorioso acompañamiento filarmónico y dando paso a los títulos de crédito.

Más cine con mujeres

Kidman está en un punto de su carrera en el que quiere “arriesgar” y lo único que preguntó a Herzog, dice, fue si podría llevarse a sus hijos con ella al rodaje: “habrá una tienda para ellos” la tranquilizó el cineasta. Y así, Kidman se metió en la piel de Gertrude Bell, “durmiendo bajo las estrellas y haciendo cosas que no había hecho antes”. El rodaje lo guardará como un “recuerdo exquisito”. La actriz aparece en todas las escenas de la película salvo la primera, en la piel de un personaje que huye con pasión “febril” del corsé victoriano que le corresponde habiendo nacido en el seno de una adinerada familia británica. Inteligente y con una voluntad de hierro tiene fusta de heroína. El mismo Herzog teje el vínculo para el análisis en el contexto de su filmografía: se trata de buscar el paisaje interior en los exteriores, lo que la jungla significó en Fitzcarraldo, aquí lo aporta el desierto, siguiendo la estela del western o el melodrama clásico. Unos géneros que la Berlinale rescata con algunos títulos en la retrospectiva dedicada al glorioso Technicolor de Hollywood de los años 30, 40 y 50.

Reflejar la poesía, el drama interior del personaje, su amor por el desierto en su mirada de director es “por lo que me pagan” apuntó Herzog, como si tentara con una pizca de carnaza a los que ven en “Queen of the Desert” una película de encargo. Aún en el contexto de una producción de este calibre, otra anécdota reveladora. Vio a un hombre con un buitre a pie de carretera, camino a una localización y fue un flechazo. El buitre saldría en la película, en una escena en la que se supone que Kidman y Franco se besaban por primera vez. Franco dio por hecho que se trataba de un animal amaestrado salido de una de las empresas que los facilitan asiduamente a la industria del cine pero casi le pega un picotazo a Kidman. “Qué bien amaestrado” pensó el actor. La historia real la supo después, cuando se había repuesto de una cabalgata a lomos de un hermoso caballo árabe para la que un jinete con poca experiencia como él tampoco diríamos que estuviera muy adiestrado.

El “gracias a Dios no es alemana!” de un beduino al personaje encarnado por Kidman desató las carcajadas en la proyección de prensa. Las mismas que se ganó Robert Pattinson con el look de un joven Lawrence de Arabia. El sentido del humor y el histrionismo de los secundarios salvan parte de la travesía del desierto de Herzog, así como la sensata decisión de centrarse en la poesía y el “mundo interior” de Gertrude Bell.

Otra película vista en la misma jornada, recordó que la realidad de los paisajes que recorrió Bell sigue siendo convulsa. La firmaba el cineasta iraní Jafar Panahi que sigue haciendo cine desde la trinchera, como puede, perseguido por la censura. “Esto no es una película” (2011) llegó a Cannes de contrabando y la tuvo que rodar en casa, en arresto domiciliario. “Taxi”, presentada ahora en la Berlinale, ha sido rodada también en un solo espacio, el taxi que el mismo Panahi conduce por las calles de Teherán.

Su Offside ganó el oso de oro en 2006 y su recepción en la Berlinale ha sido cálida para una película que se interroga sobre el oficio de cineasta en el contexto de una dictadura, una atadura a la que Panahi se resiste en “Taxi” sin renunciar al humor, más tras la pista de Woody Allen que de Kiarostami.

En competición, también brilló y mucho la británica “45 Years” de Andrew Haigh, protagonizada por Charlotte Rampling y Tom Courtney. El título alude al aniversario de boda que celebra un matrimonio, una celebración  empañada por la noticia del hallazgo en los Alpes del cadáver de una antigua novia de él, caída al vacío durante una excursión. Ésta vuelta al pasado precipita la reflexión sobre el sentido de la vida en común y de las “pequeñas y grandes” decisiones que marcan la vida, no sólo la de los protagonistas del film.

 Lo grande de “45 Years” es su sutileza, el calado de su mirada a la vida cotidiana, algo complejo en cine, y la confianza en el rostro de sus actores. Tom Courtney y Charlotte Rampling han un trabajo de premio, su rostro el mejor paisaje que se ha visto hasta ahora en la Berlinale.

Isabel Coixet es una habitual del Festival de Berlín. Ha sido miembro del jurado y seis de sus películas han participado en el certamen, Mi vida sin mí y Elegy, a competición, entre ellas. Y la relación sigue en forma, gracias, lo demuestró que la 65 edición del certamen arrancase con la nueva película de la directora catalana. Coixet desembarcó en Berlín arropada por sus dos actrices protagonistas: Juliette Binoche, en las pieles de la exploradora ártica de principios del siglo XX Josephine Peary, y Rinko Kikuchi, que interpreta a la joven inuit que la acoge en su desesperada expedición al Polo Norte.

Curtidas por una historia que se desarrolla en lo más crudo del crudo invierno ártico, no las asusta la alfombra roja bajo cero de una Berlinale que se ha permitido recibir a profesionales del cine y prensa internacionales solo con una fina capa de escarcha y sol.

A Juliette Binoche le fascinó que llevaras la cámara en el rodaje. En este caso, la cámara al hombro fué un intento de darle un aire contemporáneo a una historia que transcurre en 1908?

En realidad la película tiene una estructura interior muy clásica, de embudo diríamos, empezando con el helicóptero con planos muy abiertos y acabando con planos cerrados de las caras de dos mujeres en un iglú. También es verdad que yo siempre llevo la cámara en mis películas y para mí ese temblor es la traducción de lo que siente un espectador asistiendo a la intimidad de unos personajes. Lo he hecho sin intención de contemporizar la historia, creo que no le hacía falta, se sostiene sola.

Rodando el Ártico, con inuit, es inevitable recordar al Nanuk de Flaherty o Los dientes del diablo de Nicholas Ray? NanukLos dientes del diablo

La película que más vimos fué Nanuk, un falso documental, por cierto, que no rodaron donde dicen que lo rodaron. Cuando leí el guión de Nadie quiere la noche lo primero que pensé fue: es buenísimo. Y lo segundo: ¿Y esto cómo lo vamos a hacer? Yo he rodado en sitios muy raros, pero lo de las temperaturas de 14 bajo cero día sí y día también me parecía muy difícil, por no hablar de las avalanchas, la gente que se cae en el hielo... Pero al final, un rodaje es como una división acorazada panzer: cuando arranca no hay quién lo pare. Cuando estábamos localizando sí hubo momentos de pensar y aquí como trabajamos, si hasta los guías que están aquí todo el año se pierden, o de preguntarme si yo era la persona para hacerlo o si se necesitaría una infraestructura de producción en plan Transformers para hacer esta historia realidad. Al final, sí tengo un punto temerario y una vez dices “adelante” tienes que seguir.

En el Nanuk de Flaherty qué buscabas?Nanuk

Fundamentalmente una ayuda para Rinko Kikuchi (la actriz japonesa con la que Coixet ya trabajó en Mapa de los sonidos de Tokio). Para preparar el papel quería primero que la ayudara una inuit de verdad. Fue una de las mujeres que aparecen al principio de la película, mascando la piel, que, por cierto, es descendiente de una de las hijas de Allaka (uno de los dos personajes protagonistas de Nadie quiere la noche y que justamente interpreta Kikuchi). Rinko es una joven japonesa sofisticada y tenía que fijarse en cómo moverse, cómo hablar, como sonreír, como una esquimal. El otro referente fueron los visionados de Nanuk.

Que viste en el guión que te animó a aventurarte en un reto parecido?

No conocía la historia de los Peary. El único referente que tenía de expediciones de este tipo fue uno sobre Shackelton en la Antártica. Pero al leer el guión me entusiasmó, creo que Miguel Barros (Blackthorn) es un guionista increíble, que en otro país estaría haciendo todo lo de HBO, por poner un ejemplo. En el fondo, lo que más me inquietaba, aunque antes me refería a las avalanchas y al hielo, es cómo rodaría lo que pasa con dos mujeres pasado la noche ártica encerradas en un iglú. Yo nunca había visto un iglú por dentro. Eso me fascinaba, ese final del embudo, de la historia, con dos mujeres que están intentando saber quiénes son o ya casi sin intentar nada, al margen de resistir, me fascinaba y me imponía respeto.

Unos interiores helados que, por cierto, se rodaron en un plató en las islas Canarias. Todo un contraste, no?

Siempre me pareció una locura de producción... pensé: me estáis tomando el pelo? Pero confieso que fue una gran decisión. Después de rodar en Noruega y Bulgaria, acabar rodando con Juliette y Rinko solas, en el set del iglú, cuando ellas ya se conocían, conseguimos una intimidad muy interesante. Admito que sobre papel parecía una locura, pero funcionó! Sobre los exteriores en Noruega, no creo que uno tenga que sacrificarse o pasarlo mal para hacer las cosas, pero fué importante estar allí, especialmente para Juliette. Sintió qué pasa cuando tienes que llevar un abrigo de astracán de 14 quilos en la intemperie ártica, o un gorro que no le cubría las orejas. La gente de vestuario ha hecho un trabajo impresionante... es muy auténtico, esas mujeres iban así aunque nos parezca increíble: con gorro y velito en plena expedición... y el sombrero con pluma también, Josephine Peary lo llevaba. En ese sentido, estar allí, empujando el trineo así, era importante. Digo empujando el trineo porqué el tema de los perros no es tan fácil como parece. No les dices “venga” y arrancan así como así. Los 80 que teníamos en el rodaje hacían caso a un cuidador, a otro no, un día sí, otro no,... Y hubo momentos difíciles como cuando Gabriel Byrne tenía que rodar la escena en la que le llevan en trineo después de caer en el hielo. Estaba a 40 de fiebre pero trabajó... los labios morados no son de maquillaje. Pero todo ese caos y todo ese frío ayudó a interiorizar qué les pasaba por la cabeza a esta gente, para ir siempre más allá, pasar meses en medio de la nada.

Juliette Binoche parece hecha de esta misma pasta...

Juliette es una fuerza de la naturaleza. Se convirtió en Josephine Peary desde el momento que dijo sí al guión. Yo esperé mucho tiempo para que lo pudiera hacer ella, pensaba que era la actriz perfecta para el papel. Sabía que era un papel ideal para ella y que también se adaptaría a las duras condiciones de rodaje. Le puedes proponer una historia como ésta a Meryl Streep pero luego hay que estar en el quinto pino, en un tipi con estufa de tizones y un cubo de basura glorificado como letrina. Yo conozco el mundo de las actrices y sabía lo que estaba pidiendo con un guión así. Sabía también que Juliette, cuando acepta un proyecto, se tira de cabeza y no le importa nada. A mi me aterraba un poco, cuando estábamos en Bulgaria, donde hacía un frío que pelaba, pidió un camión frigorífico para meterse dentro cuando notaba que no estaba a una temperatura suficientemente extrema. Esto es así. Ella es así y por eso ha llegado dónde ha llegado. Una entrega y un rigor impresionantes. Es un privilegio trabajar con ella... pero cansado, eh (sonríe).

El personaje de Binoche se mueve por amor, en busca de su marido en plena expedición para plantar la bandera americana en el Polo Norte, pero por el camino acaba encontrando otra historia, de descubrimiento y ternura más íntima con la inuit que interpreta Rinko Kikuchi. Era esto lo que te apetecía explorar?

Robert E. Peary era un hombre que, a parte de tirarse a todas las inuit del mundo, cuando estaba en Washington también estaba en otra cosa, un señor que lo que único que deseaba realmente era la gloria y salir en la foto, pisando a quién hiciera falta. La adoración que las dos mujeres sienten por él no deja de ser una proyección. El amor más puro es el de Allaka, porqué en el caso de Josephine ella también comparte la ambición, el deseo de gloria. La médula de la película, ciertamente, es la relación de ellas dos, los cuerpos que se acaban juntando en busca de afecto, calor, la pureza de ese momento.

Una historia de amor es lo que pareces tener también con la Berlinale.

[Se ríe] Han dicho: “esto es lo que le falta”. Para mí es una cuestión de lealtad con el festival. La primera oportunidad me la dieron aquí, si ellos no hubieran aceptado Cosas que nunca te dije en Panorama hace exactamente 20 años yo no existiría como cineasta, así que si tengo película, se la enseño. Lo de la inauguración (se toma una pausa y un respiro) me parece importante porqué es un gran escaparate y lo que queremos es vender la película, que tenga distribución internacional, aunque desde el punto de vista personal sí hay un punto de paripé que no es lo más divertido del mundo. Yo ya estaba contenta con estar en sección oficial y fue un shock cuando me propusieron inaugurar. Sin ir más lejos, lo primero que les dije fue: “no sería mejor la de Terrence Malick, que es como un Dios?”

A por el oso

Nadie quiere la noche abre la sección competitiva de la Berlinale, a la que seguirán en las próximas jornadas, hasta el día 15, veteranos como Werner Herzog, Terrence Malick, Peter Greenaway o Wim Wenders, que participa fuera de concurso con Every Thing Will Be Fine, vuelta a la ficción del director alemán que este año ya tiene un oso garantizado: el honorífico.

Herzog también regresa al terreno de la ficción y a Hollywood con una de sus reinas, Nicole Kidman. En sintonía con la película de Coixet, ésta vez se trata de otra exploradora, Gertrude Bell (1868-1926) la intrépida mujer que inspira Queen of the Desert en un paisaje inhóspito, ésta vez de arena y sol. Dos ejemplos de los que el director del festival Dieter Kosslick define como “una vuelta al mundo en 11 días”, una Berlinale que acoge producciones de todo el mundo y las miradas de cineastas fascinados por paisajes ajenos a los suyos.

Si al principio de Nadie quiere la noche, el personaje de Juliette Binoche sonríe satisfecha con un “toma Park Avenue!” después de abatir un “gran” oso blanco, en la Berlinale será un jurado el encargado de decidir quién se lleva el plantígrado a casa. Presidido por el cineasta norteamericano Darren Aronofsky (Réquiem por un sueño, Cisne negro, Noé), el de sección oficial cuenta con dos miembros que, como Isabel Coixet, viven en Barcelona cuando su agenda lo permite: el actor catalanoalemán Daniel Brühl (Good Bye Lenin, Rush, Malditos bastardos) y Claudia Llosa que sabe de primera mano lo que significa cobrarse un oso de oro, el que ganó en 2009 por La teta asustada.