El PSOE de La Orotava sigue tocando a las puertas del cambio en el municipio norteño. Estos dos primeros años del presente mandato han servido para confirmarles como un partido activo, con numerosas propuestas políticas presentadas (y aprobadas) en los plenos y con una voluntad colaborativa extra debido a las circunstancias especiales de la pandemia de COVID-19: han hecho una oposición constructiva al tiempo que han arrimado el hombro.

Para su portavoz, Manuel González, el gran problema de La Orotava es la dinámica inmovilista de un grupo de gobierno que ha presido durante 40 años Coalición Canaria: “Hace falta un nuevo impulso para el municipio; modernizar la estructura administrativa y empezar a desarrollar políticas novedosas que pongan al municipio en el lugar que se merece”.

En el momento de hacer balance de este tiempo intermedio de cara a las próximas elecciones municipales no se puede evitar el factor pandemia: “Su irrupción ha trastocado todos los planes previstos. La consolidación económica que se venía produciendo ha sido arrasada por completo y, con ella, la posibilidad de empezar a afrontar sin más demora los difíciles retos que tenemos por delante, centrados en la lucha contra el cambio climático, la renovación del modelo energético y de desarrollo, la formación, el empleo…”. Con todo, el portavoz socialista afirma que el principal lastre en la vida municipal orotavense viene de mucho más lejos: “El Ayuntamiento de La Orotava lleva años estancado. Coalición Canaria, después de cuarenta años en el gobierno municipal, conformó una estructura técnica y administrativa más centrada en su consolidación en el poder que en la modernización, la eficiencia y la capacidad resolutiva a los problemas de la ciudadanía. Las respuestas de Coalición Canaria han quedado obsoletas ante los rápidos y profundos cambios que sean venido dando en todos los órdenes de la vida”.

“El desempleo afecta al 25% de la población trabajadora –insiste-. Coalición Canaria no pone en marcha políticas que atraigan inversión e ilusionen a los emprendedores, políticas que dinamicen la economía local y sirvan de motor a las empresas locales para consolidar y ampliar el empleo. Coalición Canaria no tiene un proyecto de futuro para el municipio. Los últimos Presupuestos Municipales se han plegado a las demandas justificadas y argumentadas que ha hecho el PSOE desde la oposición; un reconocimiento más que explícito de su fracaso e incapacidad a la hora de ilusionar y abordar un plan de futuro claro. Copian a la oposición ante la ausencia de ideas propias”.

Desde un análisis autocrítico, para Manuel González “nadie podrá quejarse de la lealtad institucional, la responsabilidad y el compromiso con el que el Grupo Municipal Socialista ha afrontado estos momentos de máxima dificultad. Las propuestas con las que enriquecimos el Plan de Reactivación Económica y Social -las de mayor calado y alcance social-, las mejoras que propusimos a las Ordenanzas Fiscales o la incorporación de enmiendas a los Presupuestos Municipales, centradas en las políticas sociales, el desarrollo económico y la inversión municipal, entre otras, han posibilitado herramientas de alcance muy útiles para el conjunto del municipio, la ciudadanía y la pequeña empresa”.

¿Y por qué es necesaria la entrada del PSOE en el Ayuntamiento de La Orotava? “En términos generales, tras más de cuarenta años de gobierno nacionalista, hace falta un nuevo impulso para el municipio; modernizar la estructura administrativa y empezar a desarrollar políticas novedosas que pongan al municipio en el lugar que se merece. Hay que terminar con décadas de clientelismo político. A Coalición Canaria solo le interesa seguir en el gobierno, en detrimento del desarrollo de La Orotava. Nuestros jóvenes, altamente cualificados y preparados, no encuentran oportunidades. Problemas como el acceso a la vivienda, el abandono de los barrios, el deterioro de sectores como la agricultura, la ganadería, el turismo o el comercio… Coalición Canaria sigue anclada en el siglo XX”.

Para un futuro a medio plazo, ante la cristalización paso a paso del próximo proceso electoral, Manuel González ya vislumbra la reactivación de la maquinaria con la que, según él, Coalición Canaria ha logrado aferrarse a alcaldía desde los albores de la democracia hasta la fecha: “Coalición Canaria suele sacar la fanfarria y los fuegos artificiales antes de las elecciones. Esa ha sido su estrategia favorita, apoyada en un despliegue mediático, a costa del bolsillo del contribuyente, que da vergüenza. Tenemos a un alcalde más ocupado en sus aspiraciones de partido que en el municipio. La pandemia irá dando paso a la normalidad y podremos comprobar que, tras otros cuatro años de mandato, nada habrá cambiado, todo seguirá igual. Coalición Canaria en el poder y la ciudadanía, el municipio, con la sensación de una oportunidad perdida”.

Después de varias exitosas puestas en escena en Tenerife y Gran Canaria, el espectáculo Morera Sinfónico se representará por fin este verano en la Isla de La Palma. La cita será este 4 de agosto. El municipio de El Paso, concretamente el Parque Municipal, servirá de escenario para este concierto con el que se rinde homenaje al cantante, compositor y arista multidisciplinar Luis Morera después de siete décadas de reconocida trayectoria artística en las Islas Canarias.

Será una cita especial, en la isla natal del multidisciplinar creador canario, arropado además por un buen número de artistas y amigos de profesión que harán de este concierto una noche histórica. Para su puesta en escena en El Paso, el Morera Sinfónico estará respaldado por más de 35 músicos seleccionados de la Orquesta Sinfónica de Tenerife y la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria. Además, también cobrarán protagonismo sobre el escenario sus compañeros de Taburiente, su amiga y cantante Olga Cerpa, y otros invitados especiales entre los que se encuentra la sección de Pitos y Tambores del municipio herreño de El Pinar.

Morera Sinfónico mostrará desde una dimensión orquestal y con composiciones sinfónicas realizadas para la ocasión, algunas de sus más emblemáticas melodías junto a canciones de autores a los que no ha dejado nunca de profesar su admiración, desde Néstor Álamo o Carlos Cano a Violeta Parra, entre otros muchos.

Para el propio protagonista, esta experiencia musical le permite dejarse llevar y disfrutar como un niño: “El acompañamiento de una orquesta sinfónica es como meterse en el mar. Tú no vas a ir contra la corriente; te dejas llevar, flotas encima de ese mar de armonías, navegas sobre él buscando el viento que te empuje. Y los matices en mi voz siempre están sujetos a buscar un volumen más poderoso. Pero los arreglos son tan bellos, que disfruto como un niño en cada fraseo”.

La cita dará comienzo a las 21:30 horas y las entradas, al precio de 15 (anticipadas) y 18 euros (taquilla), están disponibles a través de los canales digitales en www.tomaticket.com y www.entrees.es, y en los puntos físicos de las oficinas de Turismo de El Paso, Braña Baja (Los Cancajos) y SC de La Palma, Ayuntamiento de El Paso y Amynet.

El repertorio seleccionado para este concierto incluye títulos tan populares de su autoría como A la Caldera o La alpispa, a los que se sumarán canciones como Caminito de Teror, Gracias a la vida o María la Portuguesa en afortunadas orquestaciones realizadas por Juan José Solana, Germán G. Arias, Yónathan Sánchez, Julio Tejera, Jose Brito, Peter Hope y Manuel Bonino.

Fue Manuel González, miembro de Mestisay, el ideólogo de este proyecto que gira alrededor principalmente de la obra musical compositiva de Luis Morera. Así lo ve el propio cantante: “Manolo González es un genio en levantar estos espectáculos de reivindicación de la memoria de la música del país, de Canarias. Nunca le agradeceré lo suficiente lo que ha hecho por mí y por otros músicos isleños, dignificando nuestra obra, enseñándola y promoviéndola con calidad como entiendo que debería hacerse siempre, sin complejos por ser de aquí”.

Por su parte, Manuel González sólo tiene palabras de elogio para el artista palmero: “Morera es un eslabón fundamental de una cadena singularísima de nuestro patrimonio inmaterial que comienza con Valentina. Es un intérprete y compositor de una singularidad difícil de encontrar; si mañana le pusieran al lado a la gente de Lagartija Nick, se entendería con ellos perfectamente, como hizo Morente. Sin olvidar sus extraordinarias condiciones vocales, su curiosidad creativa o el olfato con el que maneja el poso de la tradición musical canaria para llevarlo a otro lado”.

“Somos cómplices –afirma González- y amigos desde hace mucho. Todo comenzó cuando lo invité a grabar una versión de La Noche de Arguineguín con Olga, que ha quedado como canon, y aquello encantó a una parte de público que hasta entonces quizás no se reconocía suficientemente en él. Es muy celoso de su criterio artístico, pero desde esa ocasión me deja hacer cuando le propongo algo”.

Este Morera Sinfónico llega cuando el cantante palmero ha superado ya las siete décadas de vida. Es ahora entonces el momento idóneo para construir esta obra que es también un homenaje a su prolija y sentida vida como artista: “Luis ha llegado a los setenta años en plena forma –afirma Manolo González-. Se cuida mucho, pero es ahora o nunca en cuanto a las facultades que su voz necesita para abordar un trabajo de lectura sinfónica de sus canciones como el que va a acometer con estos conciertos”.

González también adelanta que el de El Paso será una cita que quedará en la memoria de todos los presentes: “Ya sucedió en los conciertos que desarrollamos en Tenerife y Gran Canaria. Fueron históricos y emotivos. Luis, que no suele ponerse nervioso, en la noche de Tenerife, en el estreno, estaba hecho un flan… Era lógico, por otra parte; una responsabilidad muy grande esa de enfrentarse a un concierto de dos horas que es como el resumen de tu vida, con una formación sinfónica y diez mil personas delante de ti”.

¿Y qué tal funcionaron en directo los arreglos sinfónicos de esas canciones tan populares? “Fantásticos. De los más veteranos arreglando para sinfónico como Hope y Solana se espera siempre calidad. Pero los canarios -Germán Arias, Julito Tejera, Manolo Bonino y José Brito- hicieron orquestaciones preciosas. Arreglar para una formación de setenta músicos, por inhabitual, excita mucho a un orquestador y eso puede tener un punto de peligro en el resultado final. Pero no fue el caso”.

Mucho trabajo ante la fragilidad

En una valoración genérica a su carrera, Morera afirma que, sobre todas las cosas, lo que le ha mantenido activo como artista es su empeño y su dedicación: “Mucha gente cree que porque uno salga en los periódicos o la tele de vez en cuando, nada en la abundancia, pero aquí siempre hemos vivido en la fragilidad. Mi vida ha sido trabajo, trabajo y trabajo; suerte que para mí ese trabajo -componer, cantar, diseñar, pintar- es un placer. No sé si he hecho feliz a los demás con mis creaciones, pero he dado mi corazón en ellas porque amo a mis Islas”.

Y siempre, además, adoptando una postura reivindicativa y crítica antes los poderes públicos: “Y qué remedio, aunque al final queda uno siempre como un gruñón. Si este pueblo nuestro y sus líderes políticos no incorporan ese patrimonio de creación de forma seria, lo que sembraremos será mediocridad. La Cultura vertebra a una sociedad; la ignorancia la aniquila. Espero que para futuras creaciones haya un cambio de mentalidad profundo sobre el papel que se debe dejar a los artistas en esta sociedad, siempre huérfana para reconocerse en su cultura más allá de los tópicos”.

En 1991 se produciría uno de los hechos notables de la escena rock de las últimas 30 décadas. La entonces desconocida banda Pearl Jam asaltaba la escena internacional con la publicación de Ten, su álbum debut que desde un primer momento le abrió las puertas desde Seattle, cuna del movimiento grunge del que fue una de las formaciones abanderadas, a prácticamente cualquier rincón del planeta donde el rock tenga presencia.

Aquel fue el nacimiento de lo que terminó por ser uno de los grandes grupos de rock de todos los tiempos. Hoy, nueve álbums de estudio más tarde y casi 30 años después de su presentación oficial, Pearl Jam sigue girando por medio mundo llenando pabellones y estadios y recibiendo casi por aclamación la bendición tanto de la crítica como del público. Entre el rock clásico y el punk, la banda americana se ha mantenido firme durante todo este tiempo en su filosofía musical, en la que cabe también con brillantez la experimentación musical en la que se mantienen firmes y su sólido compromiso ante el combate político y social.

Así, como una banda veterana que sin embargo sigue irradiando la misma fuerza e hipnotismo que en sus inicios, Pearl Jam se ha dado un salto a Europa en este inicio de verano para llevar a cabo una exitosa gira en la que han colgado el cartel de “no hay billetes” en casi todas sus actuaciones programadas.

El pasado 12 de junio, siendo un martes, iniciaron este nuevo recorrido por el viejo continente con un concierto en Holanda, en el magnífico recinto del Ziggo Dome de Ámsterdam. Lleno absoluto, como también lo hubo al día siguiente, en el mismo espacio, y con un público entregado que disfrutó de uno de los mejores directos que se puede presenciar en la actualidad en el panorama rock internacional.

Pearl Jam ofrece un espectáculo tan sobrio como potente. Una puesta en escena clásica y solvente, sin grandes estridencias y con las muchas veces energía arrolladora de sus canciones con las que han crecido ya varias generaciones de amantes del rock. Así, ayudados por la magnífica acústica del recinto elegido para la actuación, los estadounidenses ofrecieron un excelente concierto durante algo más de dos horas. Dos horas largas. Y el público lo disfrutó y se lo agradeció. La conexión entre lo que pasaba arriba del escenario y lo que se vivía abajo fue absoluta. Sus grandes éxitos fueron coreados de principio a fin por los más de 15.000 espectadores que vieron como el rock puede ser tan verdadero como cercano guiados por una suerte de antihéroes que de lo sencillo hacen oro.

Vale que la voz de Eddie Veder no tiene la misma fiabilidad de años anteriores (como anécdota comentar que pocos días después de este inicio de gira europea Pearl Jam aplazó su concierto en Londres a causa de una afonía severa de Veder), pero la banda suena tan potente y compacta como siempre y el resultado final, en sus directos, sigue siendo indiscutible.

Con más de 60 millones de discos vendidos, con auténticas joyas como el ya nombrado Ten o su continuación Versus (entre muchos otros) la fuerza de esta formación originaria de Seattle sigue siendo sus directos. En este, en el primero de los 15 conciertos programados en esta presente gira europea, enlazaron un total de 26 canciones, desde Long Road, con la que abrieron el espectáculo, hasta Indifference, con la que echaron el cierre ante una audiencia rendida.

Canciones como Low Light, Coduroy, Do The Evolution, Even Flow, Red Mosquito, Not for you, Daughter, Betterman, entre muchas otras, formaron parte de la estructura de la parte central del concierto.

Pearl Jam es un grupo vivo, con repertorios que pueden cambiar notablemente de una día para otro. Así como grupos como Guns and Roses llevan girando casi dos décadas (entre cambios de formaciones e idas y venidas de su cantante Axel) prácticamente con el mismo listado de canciones y los mismo bloques de desarrollo, Veder, Ament , McCready y compañía hacen y deshacen casi a tiempo real, conciertos muy distintos de una ciudad a otra. Por poner sólo un ejemplo de lo que sucedió en sus dos días de actuaciones en Ámsterdam: los que asistieron a la segunda cita sí tuvieron la oportunidad de presenciar en directo la brillante versión del tema originario de Neil Young, Rocking in a free world.

En ese discurrir de alternancia puede suceder que se dejen fuera del repertorio su última creación, el Can’t deny me, que es nada más y nada menos que la última canción hecha pública en los últimos cinco años. Su último trabajo de estudio, Lightning Bolt, fue publicado en 2013. Pues para aquella cita del 12 de junio ni rastro de esta canción, como tampoco aparecieron otras de los temas que definitivamente les han hecho grandes a lo largo su historia como banda, Rearviewmirror y Animal. Un día después, estas tres canciones sí sonaron.

Por muchas de esas canciones que ellos deciden dejar tocar en sus directos muchas formaciones de rock podrían matar. El día que se decidan a armar un repertorio con sólo lo mejor de sus grandes éxitos (con todo lo subjetivo que pueda ser esta premisa) darán vida posiblemente uno de los mejores conciertos de rock de la historia. Y ojo, en estas casi tres décadas de conciertos es prácticamente nulo el momento en el que sientes que la energía está decayendo. Pearl Jam es un gigante, del primero al último tema.

Los estadounidenses arrollan ahora con la excelencia de una madurez bien llevada; otro reflejo igual de exitoso de aquella energía incendiaria con la que se abrieron al mundo con la publicación y posteriores conciertos de su disco Ten. No hay grietas recriminables en la banda y la voz de Veder aguanta el envite sustentado también por su carisma y su cercanía con el público. Otro detalles más: casi en la práctica totalidad de países que visita, el cantante interactúa con el público, no sin las lógicas dificultades, en su idioma natal. Lo hace con el portugués de Brasil, con el castellano de Chile y lo hizo en esta ocasión para su público en Holanda.

Se agradece que Pearl Jam sean fieles a sus impulsos primerizos y así incluyan en su repertorio muchos de los temas con los que apuntalaron su grandeza allá en la década de los noventas. Escuchar en directo en pleno año 2018 creaciones maravillosas como Black produce sensaciones cercanas al éxtasis; y así se lo reconoció el entregado público que asistió al Ziggo Dome, con una comunión absoluta con la banda en cada uno de los más 400 segundos que duró esta canción.

El primer amago de despedida del escenario llegó después de la interpretación de Betterman, otro de los temas sublimes de Pearl Jam. Lo que vino después fue el perfecto punto y final para un concierto que ya había cumplido de manera sobrada con las expectativas. Los últimos 25 minutos quedaron para Yellow Moon, Footsteps, Jeremy, Why Go, Porch, Black, Alive, Fuckin Up e Indifference. ¡Gracias!

El resto de la noche quedó para las fiestas temáticas que se multiplicaron en los bares alrededores de Ziggo Dome justo en esas horas en las que el concierto, ya en forma de recuerdos, se fue sedimentando poco a poco en las entrañas, justo en esas horas posteriores en la que todos los asistentes al concierto caímos en la cuenta de manera natural que después de ese 12 de junio éramos un poco más felices.

El sur de Tenerife se ha convertido en un espacio propicio y común para los grandes festivales, preferiblemente de música electrónica. Cada año se suceden en este flanco de la Isla numerosos macroencuentros, cada uno con una legión fiel de seguidores que facilitan su continuidad con solvencia y además permiten a los organizadores traer hasta Canarias a los mejores dj del mundo de la actualidad. Así viene sucediendo de manera reiterada durante la última década.

El 2018 es un año especial para una de estas muestras. Ritmos del Mundo cumple diez años y lo hace volviendo a programar una variada muestra de estilos. Este festival, una de las grandes citas de inicio de verano en las Islas Canarias, llega a su décimo aniversario y para esta celebración la organización ha programado más de 20 artistas en un potente cartel que llenará de música el hoyo 10 de Costa Adeje durante nueve horas. Ritmos del Mundo ofrece una verdadera eclosión de sonidos para la jornada del 23 de junio, a partir de las 15:00, en una fecha que contará con la participación destacada de Oliver Heldens y Marco Carola.

Para esta cita especial, los organizadores apuestan por primera vez por la modalidad de cuatro escenarios, por lo que la sucesión de artistas y en muchas ocasiones las actuaciones simultáneas serán nota común. Sobre ellos, los asistentes podrán disfrutar de distintos estilos de música como R&B, funk, hip hop, rock, latin, house, etc. Las entradas, bajo la modalidad de barra libre y al precio de 55 euros, ya se pueden adquirir a través de la web www.farraworld.com, además de los puntos de venta oficiales; Jack and Jones (CC Meridiano, la Villa y Las Arenas -Gran Canaria-), Siam Mall, Fitenia (Santa Cruz y La Laguna) y Cines Gran Sur.

De esta manera, Adeje se mantiene como uno de los epicentros para los grandes Festivales en el Archipiélago. Allí también se celebran citas de alto nivel y alto reconocimiento por parte del público como el I Love Music y el Sunblast. Desde el mes de abril, hasta septiembre, el municipio sureño acoge hasta cuatro macrofestivales. Por allí ya pasaron hace pocas semanas artistas de la talla de Nina Kraviz y Andy C.

Para esta edición de 2018 de Ritmos del Mundo, la distribución de artistas, por escenarios, para este histórica cita de celebración de 23 de junio, queda de la siguiente manera: Oliver Heldens, Zoderling, Lady Bee, Bejo, Pep Rash y The Groove Brothers (Main Stage), Marco Carola, Amelie Lens, Farrago, Marco, Faraoney, Hanfry Martínez (Panorama), Real Canario, Skrach Bastid, Turne, Roger S Morgan, Bobby Bob, Herrera (Island Boggie), Mefjus, Gydra, Ricky Tuff, Kiyo, Da Souza y Macky Gee (Bass Stage).

Oliver Heldens y Marco Carola

Una de las principales atracciones es la de Oliver Heldens, que sólo tenía 17 años cuando el sello discográfico más grande de la industria EDM, Spinnin’ Records, lo contactó y firmó con él. Después de muchos años de practicar lo que tanto amaba, crear la música en su propio estudio (dormitorio), su sueño se convirtió en realidad cuando su tema ‘Gecko’ llamó la atención de una leyenda viva como es el dj Tiesto. Él de inmediato se enamoró del sonido de Oliver y decidió lanzar este track en su propio sello, Musical Freedom.

Ahora, varios años más tarde, tras varios lanzamientos, remixes y después de haber ocupado el puesto 1 en varios charts mundiales, Oliver se ha convertido en uno de los djs más deseados del mundo.

Heldens es alabado por sus puestas en escena y melodías originales creando así su propio estilo. Según él mismo ha contado, sus mejores ritmos se generaron mientras regresaba del colegio en bicicleta o mientras se sentaba en el aula y estaba aburrido; aun así él siempre destacó sobre el resto de su clase. Oliver ganó un enorme apoyo de los grandes nombres de la escena como Hardwell, Tiesto, David Guetta, Pete Tong, Sander van Doorn, y muchos otros que vieron en él un dj/productor diferente. Estos apoyos le estimularon para crear muchas más pistas y para seguir haciendo lo que le encanta hacer: crear una nueva corriente de música sobre la que ha destacado sobremanera, el future house.

Además de todo el éxito que ha tenido como productor, sus presentaciones a nivel mundial como dj han encontrado los mejores escenarios: EDC Las Vegas, Amnesia Ibiza, Tomorrowland, Mysteryland, Ushuaia Ibiza, Creamfields y eléctrico Zoo Festival, entre otros.

Con la misma contundencia, de Marco Carola se puede decir que es otro icono mundial, figura principal del sonido techno casi desde los inicios del movimiento y con una capacidad innegable para mantenerse desde los albores de la década de los 90 en el elegido grupo de dj top internacionales. Comenzó a agigantar su figura desde el sur de Italia, en su Nápoles natal, desde donde transportó la por entonces floreciente escena napolitana a numerosos rincones del resto del mundo.

Más de veinte años después, Marco sigue siendo uno de los artistas más respetados de la escena techno, ampliamente considerado como uno de los factores clave para impulsar el género hacia el reconocimiento mundial dentro de la música electrónica.

La nueva gran figura del rap

Ritmos del Mundo también contará con la presencia del tinerfeño Bejo. Su particular forma de hacer música se ha convertido en uno de los emergentes fenómenos del rap en España. Siendo además uno de los ejemplos principales de la importancia que pueden adquirir canales de distribución como Youtube para hacer crecer los proyectos musicales. Desde este espacio universal como es internet, Bejo se he hecho notorio en España y ahora mismo es considerado por muchos como una de las figuras principales del rap nacional.

Nació en Tenerife en 1994 y desde el 2006 ya comenzó a escribir sus primeras canciones. Él, junto a otros dos canarios, en este caso los herreños El Crema y Uge, forman Locoplaya, con el que han logrado un notable éxito también gracias a canciones como Vamoavé. Desde el 2014 han dado un salto cualitativo en sus carreras. Ha establecido su residencia en Madrid y ofrecen canciones en las principales salas del país.

Otra promesa que llega de Bélgica

Amelie Lens irrumpió por sorpresa hace unos pocos años en la escena tecno internacional y no tardó mucho en posicionarse con solvencia entre los mejores djs del mundo del género gracias a sus sesiones cargadas de melodías oscuras, voces femeninas, kicks bruscos y percusiones poderosas. Ella será otra de las grandes ediciones de Ritmos del Mundo, que una vez más vuelve a nutrirse de veteranos incontestables y de figuras emergentes que aportan frescura a la escena.

Lens, después de haber lanzado su debut EP en el sello italiano Lyase Recordings, inició su ascenso meteórico al ser llamada por el dúo Pan Pot para formar parte de su sello discográfico, Second State, del cual Amelie Lens ha manifestado sentirse orgullosa de formar parte. De repente, y casi por arte de magia, Amelie Lens pasó de pinchar en locales pequeños a formar parte de flyers con djs de trayectorias brillantes en noches de clubes y festivales con éxito repleto de público.

Mientras continúa con su apretada agenda de tours por el mundo, Amelie no deja de encontrar el tiempo para producir música excelente. Tal es el caso de su primer lanzamiento en Elevate, sello de Pig & Dan, y su último lanzamiento en Second State, con un EP de tres potentes canciones, cargados de su sonido característico con voces sofocantes y fuertes.

El cartel de Ritmos del Mundo vuelve a brillar en calidad y cantidad. 20 artistas para nueve horas de música en la que será una de las grandes fiestas de verano para la música de baile en toda Canarias.

Nos recibió Berlín en estos inicios del mes de junio (viernes día 1) con un tiempo intenso y caprichoso: entre calor húmedo, amaneceres de película a las cuatro de la mañana (con una extraña vida de miles de personas que no se sabía bien si iban o venían a trabajar, si regresaban a casa de un largo viernes noche o si estaban en busca de alguno de los numerosos afters que se suceden casi cada noche en la ciudad alemana)… y repentinas apariciones de fina lluvia, de esa a la que casi no das importancia, pero que termina calando. Temperaturas convulsas que hicieron que el cuerpo lo resintiera notablemente durante el resto de la estancia en la capital teutona.

Y fue un viaje corto, apenas tres noches con el objetivo principal (además de las decenas de anécdotas y detalles que pueden surgir en este tipo de desplazamientos fugaces) de ver en directo el inicio de la gira europea de este 2018 de Guns and Roses. Una vez más, los angelinos de paso por el viejo continente sacando rédito a la que un año antes se convirtió en la gira más rentable del mundo, después de haber recaudado 292,5 millones de dólares, sólo superados por U2 y su tour mundial en conmemoración del 30 aniversario del disco Joshua Tree. Los irlandeses acumularon 316 millones de recaudación.

Durante ese primer fin de semana de junio Berlín fue tornándose también en capital del rock. Poco a poco iban multiplicándose las camisetas con las imágenes de las legendarias portadas de los trabajos discográficos de Guns and Roses, con una presencia mayoritaria de aquel Appetite for Destruction, el primer larga duración con el que hicieron su debut oficial en julio de 1987 y con el que, desde ese mismo momento, se convirtieron en unos de los pilares del rock mundial. Aún hoy es el álbum de debut de una banda de rock and roll más vendido de la historia, con más de 32 millones de copias despachadas en todo el mundo.

La cita, en este inicio de nueva presencia europea en la que ofrecerán más de 15 conciertos, era en el mítico Estadio Olímpico de Berlín, el mismo que fuera la sede principal de los Juegos Olímpicos de 1936 celebrados en Alemania, el mismo que tantas imágenes históricas nos trae a la cabeza.

El estadio es un recinto sobrio pero imponente, justo a la media del resto de la ciudad berlinesa. Es el reflejo del tantas veces espíritu alemán: sin lujos, sin grandes detalles, pero funcional, práctico… aunque quizás no tanto para la música.

Dentro de un espectáculo infalible de rock and roll (la banda suena, Guns and Roses sigue siendo brillantemente intenso) la acústica no hizo en justicia en muchas ocasiones a la globalidad del espectáculo. Vimos el concierto a pie de pista, a mitad del recinto a la izquierda del escenario. Hasta allí llegaba el sonido muchas veces poco compacto, como si irrumpiera a través de un túnel, poco claro, poco brillante. Además, entendiendo, eso sí, las grandes dificultades que debe conllevar sonorizar un espacio de esas magnitudes, el desarrollo del concierto se encontró con los cortes de sonido intermitentes desde el micrófono de su vocalista Axel Rose. Incomprensible.

Con un rápido repaso hacia las casi tres horas de concierto de la banda americana, que en esta ocasión contó como teloneros con Manic Street Preachers y Greta Van Fleet, podría destacarse que en su amplio listado de canciones (24 en total) dejaran fuera dos de sus principales composiciones emblemáticas: Don’t Cry y You Could Be Mine. Quizás sea porque en ellas se dan altos registros que fuerzan en demasía la no tan ya fiable voz de Axel. Y ojo, que en este inicio de gira europea de 2018 ese mismo Axel que en ocasiones da grima sobre los escenarios mantuvo un nivel notorio durante todo el concierto, mucho más que aceptable, pero no suficiente si tiramos de memoria.

Bajo ese mismo prisma de repaso rápido, se puede afirmar también que Guns and Roses viene haciendo prácticamente el mismo concierto, la misma estructura, desde aquella legendaria gira mundial que protagonizó a comienzos de los 90. Idéntico inicio de show, It’s So Easy y Mr. Brownstone, idénticas introducciones a algunas de sus canciones (Speak Softly, Love como previo al Sweet Child O’ Mine, por poner un ejemplo) e idéntica despedida, Paradise City. La estructura en sus directos es la misma para una banda que quizás no sea tan arrolladora como en aquellas décadas pretéritas, pero que sigue sonando contundente.

Desde el mismo punto comparativo, los Guns and Roses actuales dejan importantes detalles diferenciadores respecto a su pasado. El respeto a sus seguidores es máximo si hablamos de puntualidad. A las esperas de horas de aquellos conciertos pretéritos responsabilizadas en Axel (uno de las principales motivos por los que el grupo terminó por separarse cuando atravesaban su mejor momento de reconocimiento mundial), le suceden ahora conciertos casi en horario infantil, que empiezan a su hora y se desarrollan con normalidad sin demasiadas extravagancias.

Apenas hay comunicación con el público. En este caso en el Estadio Olímpico de Berlín, unas breves frases para presentar a los miembros de la banda en el ecuador del concierto y la introducción al tema Slither, una versión de Velvet Revolver –proyecto liderado por los propios Slash y Duff después de su salida de GnR-, que es una de las novedades de la banda para este gira de 2018.

Lo de estos nuevos y veteranos Guns and Roses es una acción de justicia de la banda con sus seguidores y para consigo mismos. Después de tantos años de gloria, de tantos millones de discos vendidos, no podían quedarse retratados como el circo que fue durante el liderazgo en solitario de Axel en años anteriores. Y así anduvieron durante estas casi tres horas, con solvencia, con profesionalidad y haciendo del rock and roll su única carta sobre la mesa. Un grupo hermético, con una mínima interacción más allá de lo musical entre los componentes de la banda. Rock y nada más que rock.

Una banda menos enérgica, que se apoya también en los fuegos artificiales y continuas visuales en las pantallas gigantes para completar su potente directo. La retaguardia certera e infalible de Duff, al bajo, y Frank Ferrer, a la batería, y los solos y riff legendarios de Slash, bien respaldado por otro genio de las seis cuerdas, Richard Fortus, son la estructura básica sobre la que cabalgan estos actuales Guns and Roses. Axel, su líder natural, lejos de ser aquel personaje caricatura de sí mismo de tiempos recientes, está a años luz de ofrecer los registros vocales de su etapa de gloria. Sin él no habría Guns and Roses, pero en la actualidad a él lo sostienen sus compañeros de formación.

Además de los ya nombrados It’s so Easy y Mr. Brownstone, Sweet Child O’ Mine, Slither y Paradise City, el concierto se completó con las siguientes canciones: Chinese Democracy, Welcome to the Jungle, Double Talkin’ Jive, Better, Estranged, Live and Let Die, Rocket Queen, Attitude, This I Love, Civil War, Used to Love Her, Wish You Were Here, November Rain, Knockin’ on Heaven’s Door, Nightrain y Patience. Una estructura anclada en sus dos grandes obras discográficas, como fueron el Appetite for Destruction y el doble Use your Ilussion. Jugar sobre seguro.

Los Tres Reyes son considerados por los amantes del bolero como una de las formaciones históricas de este género musical. Uno de los últimos grandes tríos, con una trayectoria que los sitúa a la altura de otros legendarios grupos como Los Panchos o Trío Los Tres Ases. En el presente 2018 han dado el salto desde México a España para llevar a cabo la que posiblemente sea su última gira europea. Ofrecerán casi diez conciertos en territorio nacional y dos de ellos serán en Canarias.

En Tenerife estarán en el Auditorio Teobaldo Power de La Orotava el próximo 15 de junio y un día más tarde estarán en Gran Canaria, formarán parte de la X edición del festival Noche de Bolero, que se celebrará con entrada gratuita en la Plaza de Santo Domingo, en Vegueta.

Los Tres Reyes han escrito alguno de los pasajes más hermosos de la historia del bolero. En la actualidad, los hermanos Puente, Gilbero y Raúl, se acompañan como cantante del cubano Bebo Cárdenes. Sus inicios tuvieron lugar en el año 1958 y en poco tiempo adquirieron una notable notoriedad en todo el continente americano, primeramente acompañándose en las voces por Hernando Avilés.

Después de un largo periodo de ausencia sobre los escenarios, Los Tres Reyes retomaron la actividad en 1991, recobrando desde el primer momento el aura de grupo admirado y reconocido por cientos de miles de personas con unas ventas de discos millonarias. Consiguieron alcanzar metas de popularidad inimaginables hasta entonces. Sus boleros Poquita fe, Locura, Decídete, Esposa, Novia mía y tantos otros, son hoy auténticas joyas de colección para las legiones de seguidores que sesenta años después sigue conservando el trío en multitud de países.

A Canarias llegan para firmar dos conciertos históricos, a modo de despedida ante un público que los ha admirado durante años y que los ha situado en la cumbre del bolero desde su etapa gloriosa en la pasada década de los 60. Su líder, Gilberto Puente, nos acerca un poco más en esta entrevista a un proyecto musical legendario.

¿Qué es lo mejor de subirse a un escenario?

El escenario es como un ruedo, o un ring. Es donde vas a demostrar tu verdadera valía, donde mediante el aplauso, recibirás el agradecimiento y/o reconocimiento del público a tu talento, a tus horas de ensayo y a tu respeto hacia él. Así que lo mejor del escenario creemos que es ese contacto directo con tus fans y obviamente sus aplausos como muestra de cariño y admiración hacia ti.

¿Qué recuerdan de sus inicios como formación? ¿En qué ha cambiado la música y la industria de la música desde entonces?

Aunque parezca diferente, en esencia sigue siendo parecido. Desde niño o jovenzuelo, el artista persigue un sueño por el que no escatimará esfuerzos, un sueño que con firmeza y perseverancia alcanzará tarde o temprano. Donde radica la diferencia creo que es en la falta de disposición, de actitud y/o aptitud de hoy en día. Vemos muchachos que no les interesa dominar un instrumento o estudiar por lo menos teoría y solfeo. Es la ley del menor esfuerzo, por eso la propia música va degenerando hasta convertirse en lo que es hoy en día.

¿Cómo se lleva esa responsabilidad de ser uno de los mejore tríos de la historia?

Lo mismo que nos llevó a ser uno de los mejores tríos de la historia, es lo que nos mantiene hoy con la misma pasión de entonces. El amor y el respeto por lo que hacemos. Cuando empezamos el trío, ensayábamos 8 horas diarias anhelando ser los mejores, hoy no empleamos tantas horas pero practicamos cada día y a pesar de que contamos con éxitos eternos, no dejamos de montar nuevas canciones para refrescar repertorio y no quedarnos en el ayer.

¿Qué tiene de especial un estilo musical como el bolero?

El bolero es romance, sensualidad, sentimiento, gratitud, devoción al ser más hermoso creado por Dios, la mujer, ahí radica su peculiaridad.

¿De dónde surge la música en formación como tríos? ¿Cuáles son sus raíces?

Los cancioneros o trovadores, como se les conocía en el Santiago de Cuba del siglo XlX, en un momento determinado, tuvieron la necesidad de empezar a juntarse en dúos y tríos y por cierta demanda para fiestas privadas o serenatas.

¿Qué ofrecerán en este doble concierto en Canarias?

Pues a diferencia de los otros tríos de la época de oro en México, Los Tres Reyes se distinguieron por la amplitud de su repertorio. Tenían, valses, boleros, guarachas, pasillos, Western, rock, etc. Eso ofrecerán Los Tres Reyes en este doble concierto en Canarias.

¿Estamos ante la despedida de Los Tres Reyes de los escenarios españoles?Los Tres Reyes

Creemos categóricamente y con los pies en la tierra, que ya no tenemos 20 años, quizás estemos en una despedida mundial, no tiene que ser precisamente de los escenarios españoles. Pero de lo que sí estamos seguro es que estaremos en los escenarios mientras Dios nos permita seguir.

De su experiencia internacional, ¿en qué país o ciudad se encuentra el público que mejor disfruta y entiende el bolero?

Hay varios, Cuba, Puerto Rico, México, Colombia y las Islas Canarias.

¿Qué conocen de las Islas Canarias? ¿Qué recuerdan de su última visita?

Pues creemos que los canarios son conocedores del género y uno de los mejores públicos seguidores de los Tres Reyes. En nuestra última visita como las otras, palpamos ese cariño hacia nosotros que ha ido in crescendo.

¿Cómo es el proceso de composición de sus canciones?

El proceso empieza por el arreglo del maestro Gilberto Puente. Una vez que comenzamos a montarla, pues todos aportamos.

Después de una larga vida como artistas, ¿qué cosas no repetirían si retomaran su carrera desde el inicio?

Creo que los tres haríamos lo mismo, tal y cual.

¿Cuál ha sido el momento más complicado en todo este tiempo?

Creemos que el momento en que la salud de Raúl estuvo en peligro.

¿Qué fue de Los Tres Reyes durante el gran parón de más de 30 años que han vivido en su carrera? Los Tres Reyes

Raúl se fue de solista por los Estados Unidos y Gilberto se hizo guitarrista solista ganando el merecido título de la Guitarra de México.

¿Qué grupos escuchan Los Tres Reyes?Los Tres Reyes

Siempre que sea buena, música general.

Bersuit amenaza con no bajarse nunca de los escenarios. En este proceso de banda musical plena, con algún periodo pasado de intermitencia, el grupo argentino se encuentra inmerso en este 2018 en los festejos de celebración de sus primeros 30 años de vida. Y así, bajo este prisma, preguntados por la fecha de caducidad de sus proyectos, responden con la misma alegría y convicción con la que cada vez que se suben al escenario arman un gran espectáculo. Así lo comenta Juan Subirá, teclista del grupo: “Nunca pensamos en un final para esta aventura; es muy lindo poder seguir haciendo música y estar con seres muy queridos, grandes compañeros de ruta. Hay Bersuit para rato”.

Lo que hubo antes a este 2018 fueron tres décadas intensas de música, de diversidad, reivindicaciones y giras memorables, como este tour mundial que los trae hasta España también con un total de nueve conciertos, dos de ellos en las Islas. La mítica banda sudamericana llega el 2 de junio al Paper Club de Las Palmas de Gran Canaria y un día más tarde ofrecerán su potente directo en el Aguere Cultural (22:00 horas). Las entradas ya se pueden adquirir a través de la web www.ticketea.com.

Las Islas Canarias serán en esta ocasión la puerta de entrada para una visita que también les llevará a Barcelona, Madrid, Murcia, Valencia, Alicante, Mallorca e Ibiza. Un salto hasta España en el que volverán a encontrarse con numerosos compatriotas que ahora exploran sus destinos lejos de su Argentina natal: “Este tipo de conciertos -señala Subirá- tienen siempre una connotación especial. Es muy emotivo encontrarse con la gente de la tierra lejos de casa, siempre fue así, para el público y para nosotros”. En sus directos, en contacto con los compatriotas más allá de sus fronteras, se genera un química especial, una comunión directa y emotiva que eleva hasta cotas muy altas la intensidad de sus directos.

Desde sus comienzos en el underground porteño, Bersuit ha destacado por combinar rock con ritmos latinoamericanos: cumbia, tango, murga, reggae, chacarera, cuarteto o candombe son algunos de los sonidos que fusionan. En los últimos 30 años sus letras, cargadas de críticas hacia el sistema político corrupto y hacia una sociedad despiadadamente capitalista, se han convertido en verdaderos himnos populares. Muchas de sus canciones perviven entre generaciones y son representativas de un estado de ánimo colectivo como país. Bersuit es diversión, pero eso sobre todas las cosas es consciencia.

¿Con qué sensaciones se queda la banda después de estas tres primeras décadas de vida? Como cualquier ente vivo, todo transcurre entre grandes momentos y situaciones menos agradables: “Es difícil sintetizar en pocas palabras estos 30 años de historia. Durante este tiempo se han sucedido tantas situaciones y momentos tan diversos; Bersuit ha vivido grandes éxitos y también tremendos fracasos. Muchas alegrías y experiencias, viajes, ensayos, conciertos, premios y problemas. Todo convive en nuestro corazón y en nuestra memoria”.

Uno de los momentos más complicados de esta formación fue la salida del grupo de Gustavo Cordera, el que fuera su cantante y líder como miembro fundador. Este vacío, sin embargo, no privó al resto de componentes de su fuerza primigenia y su regreso a los escenario tras esta ruptura les llevó otra vez al camino de intensa e exitosa actividad. En este proceso de reconversión, que no resultó sencillo, cobró mucha importancia la unidad interna de la banda: “Hace siete años que volvimos sin Gustavo -comenta Subirá-; sabíamos que no iba a ser sencillo y que íbamos a enfrentar muchos desafíos, como el de generar una nueva química interna. Creo que lo hicimos bastante bien. Visto ahora con cierta perspectiva, creo que la mejor prueba de que el resultado ha sido satisfactorio está en los discos que hicimos en esta etapa y sus respectivas presentaciones en vivo”.

Bersuit es, sobre todo, un grupo de directos; con presencias intensas en los escenarios, conciertos épicos y divertidos; es allí, en sus actuaciones en vivo, donde esta formación argentina ha logrado generar sus miles fieles. Entre tanto, su vida en los estudios de grabación también ha sido activa: “A día de hoy la banda lleva editados 13 discos con más de un millón y medio de unidades vendidas, traspasando fronteras y posicionándose como una de las bandas de rock más importantes e icónicas de Latinoamérica. Esto les ha llevado a recibir varios premios y realizar innumerables giras internacionales, incluyendo varias visitas a países europeos.

En España ya han realizado más de 150 conciertos, siempre con una notable acogida. Han actuando tres veces en el Viña Rock, una de las citas nacionales con el rock más importantes; además, en este listado también aparecen exitosas actuaciones en el Festival Cruïlla de Barcelona, el Metro Rock de Madrid o el Festival Actual de Logroño.

La nube rosa es su último trabajo de estudio, un disco, el tercero sin Cordera al frente, en el que no han querido salirse de su patrón habitual, recogiendo la esencia de Bersuit con la misma diversidad y dinamismo con las que han hecho camino a lo largo de su historia: “Esta último trabajo nuestro es una muestra del momento actual de la banda, aunque también es una síntesis de un sonido histórico del grupo, un compendio de ritmos diversos y temáticas que nos interesan y nos conmueven”.

Prestigiosas publicaciones, como la revista Rolling Stone, destacan que “La nube rosa es la obra de un grupo haciendo lo imposible por sonar como sí mismo. Tiene que ver con las melodías, las temáticas, las entonaciones y los arreglos que parecen deliberadamente pensados para encajar en el imaginario bersuitero sin incomodar a nadie. Así es como el amor rebuscado y las voces canyengues en La máquina de impedir, la protesta ingenua de No vengan y el candombe suave de Apunado -por dar algunos ejemplos- tienen tantos hermanos mayores en trabajos anteriores que hacen pensar en un disco compuesto, o bien desde la intención manifiesta de reafirmar identidad, o bien desde el oficio que dan los años”.

Y todo, siempre, dentro de una variedad de géneros que ha sido uno de los sellos inconfundibles de la formación desde sus inicios. Para Javier Subirá, esta falta de estilo musical encorsetado resulta en sí misma la filosofía del grupo: “Yo siento que el estilo que mejor le sienta a esta grupo es la diversidad, tocar cosas diferentes todo el tiempo; en definitiva, creamos un estilo que consiste en no tener estilo”.

La nube rosa será precisamente la guía con la que estructure sus próximos conciertos en España, aunque el motivo de los 30 años también les ofrece la posibilidad de armar un espectáculo en el que se saque a relucir muchos de los himnos que han funcionado como canciones de cabecera para sus miles de seguidores en América y Europa durante todos estos años: “Hay canciones que nunca deberían faltar en un concierto de Bersuit. Por nombrar algunas haría un listado con las siguientes: Yo tomo, El viejo de arriba, La bolsa, Señor Cobranzas, El tiempo no para, El pacto, La del Toro, El estallido… y muchas más. Lo que se genera durante 30 años daría para una actuación casi interminable. En las Islas Canarias vamos a ofrecer dos conciertos que muestren algo de nuestro último disco, pero también un repaso por toda nuestra historia”.

En el trabajo de composición de las canción de Bersuit “hay mucho de juego, de búsqueda, de intercambio y de percepción. Por un lado están las composiciones personales o los duetos, pero siempre le prestamos mucha atención a las composiciones grupales, que nos han dado muchas alegrías”.

Después de una experiencia tan amplia, con tantas subidas y algunas bajadas, ¿qué es lo mejor de la vida de artista? “Bueno, al final siempre queda la música. Poder hacer música, nuestra música, conocer el mundo y haber logrado convertir esto en nuestro medio de vida”.

Bersuit está íntimamente ligado a la realidad política y social de su país. Han sido, durante todos estos años, altavoces para miles de seguidores que se han visto representados en sus letras de denuncia social y combativas. Así resumen ellos, en la voz de Javier Subirá, la situación actual de su país: “El gobierno neoliberal de Macri llevó en dos años y medio a la Argentina a una crisis terrible, de la cual no sabemos cómo se podrá salir, pero sí sabemos por experiencia que esta película termina mal. Este gobierno no tiene sensibilidad, ni inteligencia, ni un plan que contenga a los 44 millones de argentinos… es un gobierno para pocos”.

Goyo Jiménez se mantiene en la cúspide del humor en España desde hace muchos años. Monologuista de éxito, ha compartido muchas risas y anécdotas con miles de hogares a través de sus exitosas apariciones televisivas. A la par, también ha recorrido el territorio nacional teatro a teatro, con espectáculos que siempre han contado con una notable aceptación de público.

Y en esas anda otra vez, con un guión nuevo, ideado por él mismo, visitando ciudades y pueblos con la única herramienta del humor. Su cita en Canarias, dentro de su intensa agenda, ha quedado para el mes de mayo. Los días 8 y 9 estará en el Paraninfo de la Universidad de La Laguna y los días 11 y 12 en el Auditorio de ExpoMeloneras de Maspalomas.

En esta ocasión Goyo Jiménez se presta a tocar la puerta de sus seguidores con un espectáculo llamado ¡Más difícil todavía¡, una obra humorística en la que el artista melillense ofrece lo mejor de sí mismo en una experiencia en la que se enfrenta a su público para demostrarles que siempre todo puede ser más difícil todavía.

Con ¡Más difícil todavía! Goyo Jiménez se plantea el reto, con éxito, de conseguir que el público disfrute de su humor tras haberlo visto en varias ocasiones sobre el escenario. A lo largo de casi dos horas de actuación sin pausa que pasan volando, la temática de su monólogo va cambiando de tema, pasando por las películas de terror, los anuncios comerciales, las modas y el postureo, entre otros.

Así lo explica el propio monologuista: “Éste es mi sexto espectáculo propio, que surge, como su propio nombre indica, de la sensación que tuve al escribirlo. Me resultaba más difícil que nunca crear algo nuevo, y más en estos tiempos de exceso que corren, en los que ser humorista se ha convertido en una profesión de riesgo a la altura de las de Catador Real de vinos, funambulista sin red o ideólogo del PSOE”.

En el texto de presentación de este espectáculo, Goyo Jiménez afirma con agudeza que “vivimos en un mundo muy complejo y eso no se puede negar, a no ser que seas alguien que no vive en este mundo, no sé, un astronauta de los de la estación espacial internacional, un hijo del Príncipe Carlos o un concursante de Gran Hermano. O alguien que niega por sistema, tipo filósofo nihilista o político imputado”.

“Cada día nos encontramos con que hay demasiados frentes a los que atender –continua-, demasiadas batallas en las que luchar para sobrevivir con dignidad en estos tiempos. Pero tranquilos, porque he estudiado detenidamente cada detalle del tenso panorama actual en el que nos desenvolvemos para ofrecernos las claves del éxito con el desparpajo y clarividencia que le caracterizan”.

Durante todo el espectáculo el humorista va mezclando sus monólogos con improvisaciones e interactuando con el público, haciendo de ¡Más difícil todavía! un show dinámico y entretenido que deja ver claramente la gran soltura con la que se desenvuelve sobre el escenario.

Y todo dentro de la difícil tarea de conseguir reinventarse después de mucho tiempo en primera línea, corriendo el riesgo de que el humor que un día funcionó quede de alguna manera sepultado por la incesante necesidad del ser humano de sentir siempre cosas nuevas: “De alguna manera se podría decir que se corre el riesgo de amuermarse, volverse conservador o dormirse en los laureles de anteriores éxitos. Para equilibrar, se sabe más del oficio y se han aprendido tres o cuatro trucos buenos. Hay que mantenerse en forma. Yo, por ejemplo, me ejercito diariamente haciéndoles bromas a mis perros, que son un público duro, que se distrae con facilidad”.

La línea de trabajo de Goyo Jiménez es una idea que nunca está conclusa y con ello el humorista deja siempre un importante espacio a la improvisación que le permite afrontar cada salida al escenario con una dosis de motivación extra. “Podría decir perfectamente que en mi caso el proceso de creación de mis monólogos nunca acaban. Considero, por sistema, que mis espectáculos no están terminados del todo, y así me obligo a que cada día sean diferentes, porque cada día tienen un sentido, un orden, unas tesis, etcétera, distintos. Eso sí: los cobro como si estuviesen concluidos y envueltos para regalo”.

Goyo Jiménez es también un perfecto dominador del mundo televisivo, donde ha protagonizado sonados monólogos en programas de grandes audiencias y donde incluso ha tenido la oportunidad de presentar algún magazine diario: “Si lo comparamos con el mundo del teatro, en mi opinión se puede afirmar que son plataformas totalmente opuestas. Cada una con sus defectos y virtudes. Pero al margen de las divergencias de concepto y términos, sobre el escenario uno es el autor, el director y el actor. Luego el trabajo es más personal y gozado. Por eso, y aunque me encanta hacer tele, siempre preferiré el teatro. ¡Ah! Y luego está el innegable hecho de cómo ha bajado la calidad de los caterings que dan en televisión. Mucho mejor el teatro, insisto. Y más si es en Canarias. Ñam-ñam”.

Es uno de los máximos exponentes del mundo del humor contemporáneo en España. Junto a él, decenas de monologuistas han intentado hacer carrera, no siempre con el mismo éxito, en los teatros y diferentes salas de humor del territorio nacional. Pese a que la congestión de humoristas en muchos momentos ha sido notable, Goyo Jiménez afirma que dentro de una ley natural, es el público el que demanda más o menos o cantidad de humor: “Saturación es una palabra muy fea para referirse al número de monologuistas. Prefiero abundancia. Hay muchos, sí, pero como no recibimos sueldo público, ni vivimos de subvenciones o prebendas institucionales, no representamos gran molestia para el ecosistema. Al contrario, somos una demostración profunda de la que debiera ser regla de oro del mundo del espectáculo. Es decir: es el público, soberano de su gusto, y no un funcionario o un carguito de confianza, quien escoge democráticamente lo que quiere o no ver”.

¿Y qué recuerda Goyo Jiménez de su primera actuación pública? “La primera remunerada, es decir, profesional, fue a muy temprana edad, prácticamente un adolescente. Dejo para otra entrevista el describir cómo había llegado a aquella situación. El caso es que salí al escenario y me puse a contar unas ocurrencias que había escrito sobre mi familia. Pues el caso es que recuerdo que al acabar la señora que organizaba el sarao me felicitó especialmente, porque había hecho mucha gracia a todo el mundo sin contar ningún chiste de mal gusto. Y luego me pagó como dan el dinero las abuelas, cogiéndote con una mano la tuya y deslizando el dinero doblado por debajo, como si estuviera comprando droga. Aquello sí que fue de buen gusto”.

Una de las grandes paradojas de un humorista puede ser tener que salir a un escenario para hacer reír en esos días en los que personalmente no se tenga el humor necesario. ¿Cómo se afronta este tipo de situaciones? “Se mira al público, se acuerda uno de todos los trabajos que ha ejercido a disgusto, y se dan gracias por poder ganarse la vida haciendo algo tan fabuloso. Y, hala, al escenario. Una vez sobre las tablas, el peor momento posible puede ser, en teoría, no hacer gracia. O, aún peor, no hacer gracia y, encima, enfurecer al auditorio. Pero, si lo piensas bien, según qué días y auditorios, que te suceda algo así puede resultar, al final, una experiencia inigualable. Imagina actuar en Corea del Norte, por ejemplo. En cualquier caso, si el infierno existe, para los humoristas estará hecho de espectadores que te miran en silencio durante toda la eternidad”.

Otro de los temas a valorar muchas veces en el mundo de humor es qué líneas no se deben sobrepasar para no ofender incluso en el libre ejercicio de la profesión. Jiménez lo tiene claro: “Prometo no hacer humor sobre mi muerte, especialmente cuando haya sucedido. Aunque, quién sabe, quizá hasta me deje escrito el panegírico…”.

No hay fin previsible para la carrera artística de Olga Cerpa y Mestisay. Tomando la música como una auténtica pasión, o como “la mejor de las drogas posibles” -como así mismo afirma el propio Manuel González- no otro hay camino posible que el de seguir haciendo camino. Su próximo paso público será la presentación en directo de su último trabajo discográfico en el Teatro Leal de La Laguna.

Hacía allí apuntan, para la fecha del 21 de abril, con el importante reto de llenar su sala principal en una doble función. La primera, a las 19:00 horas, y la segunda, a las 21:30 h., con el precio de la entrada a 20 euros. Olga Cerpa y su inseparable sustento sonoro de Mestisay han diseñado un concierto que puede ser inolvidable para su importante y fiel legión de seguidores en la ciudad de La Laguna y en la isla de Tenerife: “Nuestra intención es hacer un concierto largo, de más de veinte canciones. En una primera parte presentaremos todos los temas incluidos en ‘Jallos’; en general, después de sacar un nuevo disco, algunas de las canciones se van quedando por el camino a lo largo de los meses y, por inercia o comodidad, las dejas de interpretar. Así que es un gusto tocarlas por un tiempo, bautizarlas en vivo. En la segunda parte miraremos a nuestro repertorio histórico”, afirma Manuel González.

Allí, en el centenario recinto lagunero, Mestisay y Olga Cerpa han ofrecido ya grandes conciertos con una aceptación máxima. De allí emanan grandes recuerdos: “El Leal es de esos espacios donde uno puede ver la cara a quien vino a verte, sentir su respiración. Así que uno espera que los duendes que viven en estos edificios históricos que tanto han escuchado el sonido de los aplausos a lo largo de sus longevas vidas, convoquen esa energía que, de vez en cuando, fluye de uno a otro lado: del escenario al patio de butacas”.

“Lo que ocurre entre una actuación y otra es un estado de dependencia emocional que sólo se cura actuando”

Olga Cerpa también incide en la condición de talismán del Leal: “Hasta ahora así ha sido. Allí hemos vivido algunas noches inolvidables, con conciertos de presentación que guardaremos en nuestra memoria de recuerdos para toda la vida. Además, todo sucede en una ciudad que amamos especialmente, sus gentes, sus calles…”

A La Laguna llegan esta vez con los sonidos de ‘Jallos’, su último trabajo discográfico, una obra de 12 canciones que transita por un espacio lleno de luz, buena energía, sonidos de raíz y colores atlánticos. Esta obra es el resultado de una nueva y singular aventura musical de largo recorrido que llevó a Olga Cerpa y Mestisay durante varios años a colaborar con artistas de diversos países. Así, el resultado es un repertorio plural y diverso que tiene orígenes en América y África, mixturados en el puente que ha sido siempre el Archipiélago canario.

Esas frecuentes colaboraciones y posterior amistad mantenida a lo largo de casi toda su carrera con ambientes musicales e intérpretes de diversos países cristalizan en un disco producido en plena madurez creativa del combo canario. Así lo presente el mismo Manuel González: “Creo que es un disco de madurez, cocinado a fuego lento, con muchos ingredientes, con estribillos pegadizos, muy orgánico. Hecho por una excelente banda de músicos que comparten un mismo tempo creativo. A fuerza de parecer inmodesto, me sorprende que después de tantas ediciones discográficas aún podamos ser capaces de hacer un disco tan energético”.

Un cuidado y detallado trabajo discográfico en la etapa en la que los hábitos de consumo han cambiado y en lo que lo digital tiene una presencia mayoritaria y expansiva. En medio de este panorama, ¿cuál es la motivación para seguir editando música?: “¿Para qué hacer un disco sino para estar vivo? -afirma González-. La música es la mejor de las drogas, pero es una amante muy celosa. Así que cuando la música te atrapa, te quedas enredado en ella para toda la vida. Por eso lo que ocurre entre una actuación y otra es un estado de dependencia emocional que sólo se cura actuando”.

Y la música junto a una compañera de escenario que se ha convertido en elemento inseparable: “Suena raro hablar en términos de excelencia, por pudor, de alguien que es como de tu familia. Pero es que Olga es un torrente de luz encima del escenario. He conocido y trabajado con muchos artistas de fuera y dentro de Canarias y he visto muy pocas veces esa pasión, esa verdad con la que Olga canta. Cantando de esa manera es imposible ser mala persona”.

Y resuena admiración mutua cuando es Olga Cerpa la que se pronuncia: “Sobre mis compañeros de escenario sólo tengo palabras de respeto, de admiración, y de cariño. Tenemos la suerte de habernos rodeado en estos momentos de un puñado de los mejores músicos de la tierra, con una preparación sobresaliente. Pero además se da la feliz circunstancia de que tenemos una excelente relación personal, cosa no menor, porque se pasa mucho tiempo juntos, mucho viaje, mucha comida, mucho trabajo. Lo hemos pasado muy bien grabando este disco. Y esa otra parte cómplice también es importante, aunque la parte medular sea su talento, que es el indispensable”.

“Diría que ‘Jallos’ es un disco de madurez, cocinado a fuego lento, con muchos ingredientes, con  estribillos pegadizos, muy orgánico”

La maquinaria creativa y de gestión de proyectos no para en este binomio que ha escrito algunos de los capítulos más importantes y reconocidos de la escena musical canaria: “Para el futuro, como filosofía general, vamos seguir haciendo artesanía en un mundo lleno de idiotización musical en los medios de difusión masivos. En lo concreto, presentaremos en los próximos meses el disco fuera y dentro del país y seguimos en paralelo con un proyecto de cocción lenta, con banda de metales y madera y titulado ‘Vereda tropical’, que nos ha llevado a grabar en México y, dentro de unos meses, a Cuba”.

“Alguien decía -añade- que la vida es bastante simple. Tú haces algo; la mayoría de las veces fracasas. Alguna cosa funciona. Si funciona bien, los demás te la copian rápido. Entonces tú haces otra cosa. Así que el truco, el reto, está en hacer otra cosa”. Después del tiempo transcurrido desde sus inicios como artista, hasta ahora, ¿En qué ha avanzado la estructura cultural en Canarias? ¿Se ha logrado una base sólida sobre la que trabajar?: “Tenemos, en general, unas infraestructuras culturales importantes, impensables hace treinta años para un territorio tan fragmentado. Falta lo más difícil: hacer país. Hacer país es, por ejemplo, que los circuitos internos de creación y difusión cultural de lo hecho en Canarias no se encuentre – para su adecuado funcionamiento- con tanto reino de taifas, muchas veces compromiso no solo de los políticos responsables del sector sino de gestores culturales que actúan con tics de niños caprichosos”.

De su experiencia en el exterior, en países como Estados Unidos, recogen frescura, inmediatez, viento fresco que les reafirma en la validez de su carrera artística: “Las experiencias fuera de Canarias y de España son buenas. La mayor cura de humildad para alguien que se dedica a esto con cierto éxito en su lugar de origen es enfrentarte a públicos que sólo te juzgan por lo que escuchan en un concierto en directo. Esos aplausos, cuando se producen, son como los besos del primer amor

Los grupos de versiones y tributos se han convertido en todo un fenómeno creciente. En Canarias son los auténticos héroes locales. Llenan bares y salas de conciertos, no paran de tocar y reciben las mejores contraprestaciones económicas. En este reportaje, le concedemos la palabra a los protagonistas para conocer este movimiento multitudinario desde su interior. Además, también le damos voz a otras formaciones con una visión crítica sobre este universo de versiones. Por un lado, los representantes de Ni 1 Pelo de Tonto, La Alacena, Los Salvapantallas y La Nueva Tralla Canaria. Por otro, músicos de Terco y The good Company.

Ni 1 pelo de tonto

Ni 1 pelo de tonto“No hay un artista original que no haya versionado en sus inicios”

– ¿Cómo fueron los inicios de Ni 1 pelo de tonto?

David Amador: Pues he de confesar que fue un principio muy ilusionante, increíble, muy de tirar pa`lante con lo que había, sin complejos ni temores, era tal la ignorancia musical, que nos hizo sacar toda las ganas y el coraje que llevábamos dentro.

Te aseguro que recuerdo actuaciones mías y de mi hermano Esteban con una guitarra acústica y yo con armónica, pandereta, cajón flamenco, o sea, un hombre orquesta, que no le han de envidiar nada a las actuales, ya con una banda al completo, ¿y por qué lo digo?, pues por lo que comenté al principio, había ilusión, ganas coraje y cero temores.

Siempre llevaré muy dentro de mí a una zona en especial, a un barrio que nos caló muy hondo y fue Añaza; fue indescriptible el cariño y afecto mutuo que quedó de aquellas actuaciones a dúo y aseguro que fueron el primer paso en N1PT para seguir en esto de la música.

Después poco a poco fuimos demandando más instrumentos a nuestro lado y fuimos incorporando principalmente percusión, siguiendo un bajo eléctrico y finalmente otra guitarra rítmica. (ahí empezó el jaleo).

Ahora sí te digo, lo que más me ha gustado siempre a la hora de buscar la versión perfecta es romper los esquemas a esto de versionar; la mayoría de los grupos que se dedican a este género, ahora a la alza pero ya inventado desde los inicios de la música; intentan interpretar el tema original tal y como es. Nosotros siempre hemos intentado salirnos de ese camino, no digo que sea mejor o peor tan solo digo que nos sentimos más identificados con un tema versionado con nuestros arreglos y con el híbrido que nos caracteriza que es mezclar varios temas diferentes en uno, con lo que te puedes encontrar con una intro de ZZ TOP seguida de un tema del pop español ochentero más auténtico.

A fin de cuenta todo en la vida ya sea trabajo, hobby, etc, etc es buscarle la alegría y la diversión.

– ¿Cómo explica usted el fenómeno de los grupos de versiones?

David Amador: Como comenté antes, esto de versionar viene desde hace muchos años atrás, no hay un artista original que no haya versionado en sus inicios.

En la actualidad está muy de moda, aunque lo achaco más a las redes sociales que a otra cosa; en los 60`s, 70`s las bandas que formaban el panorama musical rock canario era de una calidad inmejorable y me arriesgo a afirmar que inigualable. Ahí está nuestro querido amigo Toño Reyes para corroborar todo esto que estoy comentando.

También he de ser sincero, no comparto la afluencia de bandas, que más que bandas son orquestas móviles, llenas de samplers y efectos, con las cuales, y siempre desde el respeto, no soy muy afín; la música como es por todos sabido, sale del cuerpo o del instrumento que está tocado por el artista que a su vez sale por el ampli o tambores y llega a los oídos del público, el resto yo diría que es un poco, entre comillas, “engañar”. Pero bueno, cada uno en su casa sabe lo que permite y gusta.

– ¿Y qué le diría a los que restan valor a este tipo de propuesta musical?

David Amador: Que están en todo su derecho por supuesto, pero en nuestro caso les puedo asegurar que nos dejamos todo y más en cada una de nuestras actuaciones, siempre tratamos con el mayor respeto tanto al tema como al público que nos escucha.

Tan solo podía decirles que ambas cosas son laboriosas, duras y con un grado de dificultad a veces no mostrado ni percibido en el escenario.

– ¿Qué diferencia hay entre interpretar temas propios a una versión?

David Amador: Desde la humildad te afirmo que es muchísima la diferencia y me explico; con una versión casi siempre logras que el público reaccione al instante, que interactúe con tu demanda musical, que se sienta identificado con sus recuerdos y con la añoranza del momento, pero amigo, todo cambia con un tema propio.

La increíble sensación de ver a gente ya conocida o desconocida, (para nosotros todos amigos) que se acercan a tus actuaciones y sientes que están contigo, que cantan o lo intentan, con la primera escucha alguno de tus temas propios es indescriptible, es como mostrar a tus hijos y saber por sus comentarios que les ha gustado, que te piden tu cd o te comentan que descargaran el trabajo. Para nosotros nada es comparable, tan solo es comparable a la primera vez que un “amigo/amiga”, (Mónica es su nombre, lo recuerdo perfectamente) llegó a nuestras actuaciones con una camiseta de N1PT.

La Alacena

La Alacena“El sueño de todo músico es que te conozcan por tus temas propios”

– ¿Cómo fueron los inicios de La Alacena?

Pablo Rodríguez: Pues por un lado estaba Pablo Rodríguez (voz) y Julio González (guitarra) tocando versiones, y por otro Abraham Albelo (bajo) y Jaime Rodríguez (batería). De forma natural Abraham se une a acompañar a Julio y Pablo y tras unas semanas se propone hacer un tributo a Héroes del Silencio. Jaime se une y tras un único ensayo nos dimos cuenta lo bien que estábamos empastados. Aquí la magia es que los cuatro hemos sido fans de Héroes toda la vida así que era un disfrute versionar a nuestra banda favorita. Siempre con el respeto y admiración a la banda zaragozana. Eso sería en abril de 2009. Empezamos a ensayar y teníamos como unos 8 temas. Nos propusieron tocar para un evento variado para el día de Canarias en un centro de ciudadanos en Padre Anchieta (La Laguna).Y sólo habíamos ensayado un mes. Aceptamos para quitarnos “el nervio escénico”. Dio la casualidad que el técnico de sonido de esa noche era el mismo que tenía el Búho Club (La Laguna) en esa época y nos propuso tocar allí porque le habíamos encantado. Empezamos a preparar más temas y tocamos en Búho con lleno absoluto un jueves. A partir de ahí empezamos a tocar por los locales de las islas, siendo la única banda tributo 100% de HDS de Canarias.

– ¿Cómo explica usted el fenómeno de los grupos de versiones?

Julio González: En nuestro caso el motivo fue personal a nivel de los cuatro. Queríamos hacer algo serio. Para nosotros es diferente un grupo de versiones que una banda tributo. Los grupos de versiones creemos que hacen sus canciones a su manera. Nosotros con el tributo además de hacer la versión, nos especializamos en todo los detalles de la canción. Intentamos ser lo más fieles a las canciones de Héroes. A eso se une la vestimenta y la interpretación en los directos que también hay que destacar y que creemos que es indispensable para una banda tributo. Nuestro mayor piropo es que nos digan “cerramos los ojos y estamos escuchando Héroes”. Por otro lado pensamos que ninguna banda tributo “heróica” lo hace como ellos (los originales) y creemos que todos los admiramos y lo hacemos con cariño. Creamos La Alacena no por modas de tributos ni dinero sino por satisfacción personal.

– ¿Y qué le diría a los que restan valor a este tipo de propuesta musical?

Abraham Albelo: Todo es respetable. Con La Alacena copiamos los temas pero queremos hacerlo de la mejor manera y siempre estamos repasando las canciones, oyendo detalles y ensayamos todas las semanas. También es un trabajo. Héroes del Silencio es difícil de imitar y las estructuras de las canciones no son fáciles. Para que una banda suene bien en directo debe haber mucho trabajo detrás.

– ¿Qué diferencia hay entre interpretar temas propios a una versión?

Jaime Rodríguez: Hay mucha diferencia, nada que ver. Interpretas la canción versionada como tú la sientes. En nuestro caso “copiamos” la canción y queremos hacerlo de la mejor manera. Con los temas propios es más personal, más reconocimiento y tus canciones son como “tus hijos”, las hemos parido nosotros desde el principio. Ver todo su desarrollo es muy gratificante si ves que has hecho una buena canción (por lo menos para la banda). En nuestro caso los mismos componentes hemos creado una banda de temas propios, hemos compuesto nuestras canciones y hemos lanzado un EP. Hay más satisfacción con temas propios ya que lo hemos creado nosotros. Como músico eres más libre y la compones como tú quieres. El sueño de todo músico es que te conozcan por tus temas propios y no por versiones.

– ¿Cómo fueron los inicios de la Nueva Tralla Canalla?

Arístides García: Oficialmente, La Nueva Tralla Canalla nace en 1999. Antes de esa fecha, y tras la ruptura de Frakaso Skolar, los actuales miembros del grupo continuamos componiendo y grabando (de hecho existe un disco autoproducido que nunca vio la luz), y tocando temas propios y ajenos como terapia a la resaca que aquella historia nos dejó. Nos divertía mucho tocar temas y ponerlos un poco patas arriba cambiando el estilo, el tempo o incluyendo elementos que no pertenecían a la canción original.

Los primeros conciertos tuvieron lugar en el Blues Bar de La Laguna (era más sencillo para nosotros tocar ahí que en Las Palmas, no olvidemos que eran los años en que el futuro ministro tapiaba bares en la ciudad). No había intención de perdurar, pero, a lo bobo, llevamos casi veinte años ya.

– ¿Cómo explican ustedes el fenómeno de los grupos de versiones?

Arístides García: Yo imagino que, si llevas años en la industria creando música propia y sin ver demasiado futuro (o queriendo ganar algo de pasta), llega un momento en que quieres seguir vinculado a este mundillo sin correr demasiados riesgos. La emoción del escenario o lo que sea. Y, en definitiva, hay miles de canciones maravillosas que querrías haber compuesto tú; y, al tocarlas, las haces un poco tuyas (o eso piensas). Y siempre es más sencillo presentar un repertorio ya conocido que presentar tus propias composiciones. Quizás haya algo de comodidad. O de amor a la música con la que crecieron. De todas formas, los “intérpretes” siempre han existido.

El público también me parece muy complaciente y poco exigente con los artistas, y de ahí que los temas se repitan. O que resulten previsibles. Y los organizadores de eventos, que no quieren, tal vez, arriesgarse a traer bandas con temas propios. De todas formas, yo pienso que la tendencia está cambiando, a la vista del éxito de Red Beard, Texxcoco o Solo Astra, por ejemplo.

– ¿Y qué le dirían a los que restan valor a este tipo de propuestas musicales?

Arístides García: Que nos dejen vivir, jajajaja. No, en serio, tienen pleno derecho a pensar así y yo, en gran medida, estoy de acuerdo con ellos: me gusta ir a conciertos de bandas locales y enamorarme de sus canciones (y comprar sus discos). Pero también recordarles que The Beatles empezaron siendo un grupo de versiones (jajajaja, perdón).

– ¿Qué diferencia hay entre interpretar temas propios o una versión?

Arístides García: Honestamente, y hablo por nosotros, no encontramos diferencia y disfrutamos lo mismo (o no) en un terreno o en el otro. Sí es cierto que en las canciones propias intentas ser más honesto, quizás. O experimental. Pero, a la hora de interpretar, es una cuestión de vísceras, energía y emoción.

Los Salvapantallas

Los Salvapantallas“Nos sentimos un poco pioneros del fenómeno versiones”

– ¿Cómo fueron los inicios de Los Salvapantallas?

Alex Labao: Los Salvapantallas nacen simplemente con la idea de pasarlo bien tocando en bares las canciones que nos gustaron siempre y con las que crecimos como músicos. Estamos hablando del año 2000 y yo estaba por aquella época tocando con Los Coquillos, después de producir su cd acustico Hasta el Amanecer. Una tarde me volví a ver con mis ex compañeros Nacho y Dani, de la banda Mr. Robinson y recordando viejos tiempos de gira en el 96′ por México, nos entró el gusanillo de hacer una banda de versiones para divertirnos y volver a tocar juntos. Nos hacía falta otro guitarrista y un bajista, por lo que se me ocurrió la idea de invitar a Ginés Cedrés y a Charlie Moreno, con los que tocaba en Los Coquillos, a entrar en el proyecto. Nos metimos en su local de ensayo para prepararnos unos temas a modo de prueba y ver como sonaban. Ciertamente nuestra forma de trabajar siempre ha sido muy exigente e incluso para esto; nos lo tomamos muy en serio en aquel momento.

Nuestra frase era “para hacer algo mal o a medias, mejor no hacemos nada…”. Por esa razón nos pusimos a tope y ensayamos muchísimo hasta que nos vimos preparados para darnos a conocer en la Sala Cuasquias de Las Palmas de Gran Canaria, en noviembre del año 2000.

Hubo un antes y un después de ese día para nosotros. La reacción de la gente fue tan bestial que ya no hemos parado desde entonces. Siempre recordaré la frase de Toñin (dueño del Cuasquias), que nos dijo… “ésta será la última vez que los contrate porque a partir de ahora no podré pagarles el caché…”. Fue el pistoletazo de salida y el comienzo de una aventura que ya dura 18 años.

No era usual ver bandas de versiones en aquella época llenando locales y creando seguidores que nos seguían incluso a otras islas donde tocábamos. Por esta razón, nos sentimos un poco pioneros y propulsores del fenómeno que más tarde se ha creado alrededor de los grupos de versiones. Simplemente llevamos a un nivel profesional nuestra idea, lo que nos gustaba hacer y lo que la gente demandaba para pasarlo bien. Lo introducimos a todos los niveles, eventos públicos, privados e incluso como abanderados de marcas comerciales. Una vez abierta esa brecha muchísimas bandas han podido venir detrás y hoy en día compartimos escenarios y carretera con todos ellos. También es verdad que en tantos años hemos visto nacer y morir a muchas bandas que no han seguido.

Para nosotros es primordial seguir renovándonos, trabajando y seguir ofreciendo a la gente lo espera de nosotros. Cada concierto es un reto y seguimos divirtiéndonos y sobretodo sintiendo la misma ilusión que aquella noche en el Cuasquias hace 18 años.

– ¿Cómo explica usted el fenómeno de los grupos de versiones?

Nacho Rivas: Creo que se debe a la mezcla entre la fuerza de la música en directo y las canciones que llevas escuchando y tarareando toda tu vida.

Lamentablemente, en Canarias no hemos tenido la oportunidad de disfrutar en directo de nuestros ídolos nacionales e internacionales de los ’80 y ’90, (aunque últimamente se están acercando unos cuantos) así que desde hace unos 18 años (en el caso de Los Salvapantallas) nos encargamos nosotros de ofrecer al público un ramillete de canciones que les hace recordar una de las mejores etapas de su vida. Eso hace que se olviden de cualquier problema actual y que por un rato vuelvan a los días en los que no existían las preocupaciones.

Además, una generación de grandes músicos y de muy variados estilos hace que la oferta de buenos grupos de versiones sea muy amplia y de gran calidad. Los grupos de versiones en Canarias no tienen nada que envidiar a los peninsulares o los internacionales.

– ¿Y qué le diría a los que restan valor a este tipo de propuesta musical?

Daniel Delgado: Todas las opiniones son respetables. La cuestión es ofrecer un resultado digno y profesional, realizando un espectáculo que satisfaga tanto al público como al organizador.

¿Méritos? Si hacemos una comparación con el mundo del celuloide, ¿tiene más o menos mérito un remake de un film de hace 20 años, realizado con medios actuales, que la versión original…? Pues todo dependerá de la calidad, profesionalidad y toques personales que imprima el autor del remake…

En cualquier caso, no creo que haya ninguna incompatibilidad entre los grupos de versiones y de temas propios. Si una banda tiene suficiente calidad y una propuesta original puede tener su oportunidad. Sobretodo en estos tiempos de globalización, donde puedes exponer tu trabajo al mundo entero gracias a las redes. ¡Música es música!

– ¿Qué diferencia hay entre interpretar temas propios a una versión?

David Campodarve: Yo creo que en realidad no hay ninguna diferencia, de lo que se trata es de interpretar música y hacerlo bien. Cuando interpretas un tema propio expones tu visión del mundo al público, pero de la misma manera ocurre cuando interpretas una versión, estás tomando la visión del mundo de una persona y haciéndola tuya exponiéndola a través de tu mirada.

En la música clásica se habla mucho de tal sinfonía de un director u otro independientemente del autor. Cada uno va a aportar una visión, un sentir distinto y ahí está el intérprete, ahí, en ese acto expone su personalidad, su alma al público. Al final todo gira en torno a la comunicación ,o comunicas o no comunicas, sea tuya la canción o no.

Terco

Terco“Los grupos de versiones deberían limitarse actuar en los hoteles y bodas”

– ¿Cómo explicaría el fenómeno de grupos de versiones, por qué arrasan?

– Pedro Arpe: Yo creo que se trata de un estancamiento de público, sobre todo el público de mediana edad a la que le gusta el rock y que no evolucionó. Si nos fijamos en otros estilos con más tirón de gente joven como el trap, rap o reggaeton lo cierto es que no pasa. Simplemente es público que quiere escuchar música que le sea familiar en directo mientras toman algo.

Yo sinceramente considero que los grupos de versiones deberían limitarse actuar en los hoteles y bodas, no hay nada de creativo en tocar canciones de otros y hasta en muchos casos los grupos no se molestan ni en arreglar los temas para que suenen diferente, se limitan a hacer la canción tal cual suena en el cd. A mí como creador lo me gusta es ver evolucionar la canción y crecer como músico. Para mí este tipo de grupos se han convertido en las orquestas de las verbenas del siglo 21.

– ¿Qué le falta al entramado cultural de la música independiente en Canarias?

– Pedro Arpe: Principalmente difusión y una escena sólida. Internet es una gran plataforma pero no hay canales para conectar con un público potencial, hay sobre información. Por otro lado la escasez de locales donde tocar, vas a solicitar un concierto a un local y el dueño te dejan claro que si no haces versiones allí no tocas, la perdida de los Festivales de Rock en las fiestas patronales de los pueblos, como ejemplo ahora para actuar en las fiestas del Cristo de La Laguna te tienes que presentar a un concurso… Pero para mí el principal problema de Canarias es que no hay cultura de rock y contra eso no se puede luchar.

– ¿Qué autocrítica deben hacer los grupos de canciones propios por no captar la atención suficiente del público?

Pedro Arpe: No creo que el problema sea que tengas mejores o peores canciones… tiene que ver con que no hay escena de rock, aunque es un mal que se está extendiendo en muchos lugares de España también. Hay muchos grupos que cansados de tocar en los cuatro locales de la isla decidieron moverse más por la península y les va medianamente bien, el más reciente TEXXCOCO, y después hay otros como Pablo Cebirán que ya tiene una carrera consolidada. En Canarias hay mucho y muy buen talento solamente falta una plataforma para dar a conocer a las bandas.

The Good Company

The Good Company

“Las políticas culturales de apoyo a la creación y al desarrollo han quedado obsoletas”

– ¿Cómo explicaría el fenómeno de grupos de versiones, por qué arrasan?

Víctor Ordóñez: Creo que es porque el público acepta la suplantación de roles de esos grupos, en favor de vivir una experiencia fácil sin muchas complicaciones. Los promotores por su lado ven en estos grupos cachés razonables, evitando pagar costes altos de producción, viajes etc., y con riesgo mínimo, ya que saben que la evocación del grupo original es poderosa.

– ¿Qué le falta al entramado cultural de la música independiente en Canarias?

Víctor Ordóñez: El dinero público por un lado está mal dirigido. Las políticas culturales de apoyo a la creación y al desarrollo, con las nuevas formas de producir música y arte, han quedado obsoletas. Educación musical primero y espacios de cultura después, tanto públicos como privados con ayudas, eso daría un gran balón de oxígeno a nuestra escena cultural. Las producciones musicales y la difusión digital, quien tenga ímpetu y tenacidad, ya logrará un mínimo estándar aceptable que le permita, si tiene algo que ofrecer, mostrarlo con garantías. Es justo después de eso donde la escena se queda tirada y huérfana. Y si hay una rotación de espacio e islas, con condiciones que ayuden a las actuaciones y a los actos promocionales físicos, los grupos no sólo cogen vida, sino también experiencia y habilidad en lo que hacen.

– ¿Qué autocrítica deben hacer los grupos de canciones propios por no captar la atención suficiente del público?

Víctor Ordóñez: Ninguna. Como colectivo ninguna. Es a nivel individual donde cada uno en cada caso debe plantearse qué está haciendo y cómo lo está haciendo. Y buscar con entrega y dedicación lo mejor de sí mismo. Luego ya hay una selección natural que también ejerce su papel. Pero hacer canciones propias no debe tener nunca un reproche. Porque hasta cuando son malas, pueden ser la antesala de las mejores canciones del mundo a veces.

The Originals Wailers protagonizó en la noche del pasado 10 de marzo en la sala Cubik de Santa Cruz de Tenerife el primer compás sonoro de lo que será la segunda edición del encuentro internacional de reggae Feeling Festival. Y esta primera avanzadilla no pudo llegar de mejor manera. Con el espectáculo de la banda que dio respaldo a Bob Marley (con uno de sus miembros originales al frente, el mítico guitarrista Al Anderson) durante buena parte de la carrera del legendario músico jamaicano; con una lleno total en sala, con más de 700 entradas vendidas, y con un magnífico ambiente pre festivalero que augura una gran cita para el próximo 30 de junio, día en el que el Feeling cobrará todo su esplendor.

La presencia de los Wailers en Tenerife (un día antes triunfaron también con rotundidad en Lanzarote) se anunció como la fiesta de presentación del festival, pero terminó siendo un acontecimiento en sí mismo. La isla, y Canarias por extensión, vive sus mejores momentos de relación con la música reggae. Desde hace años, formaciones musicales, promotores y pequeños agitadores culturales han creado y alimentado una masa receptora ávida en todo momento de cualquier propuesta interesante con raíces o espíritu jamaicano que pueda asomarse por las Islas.

Al Anderson, y su talentosa formación de jóvenes acompañantes, rememoraron este 10 de marzo en la capital chicharrera a Bob Marley y evidenciaron que sus canciones tienen una perdurabilidad extraordinaria y que jóvenes y adultos en avanzada edad (estos fueron sin duda mayoría) mantienen con pasión y lealtad la solvencia del rey del reggae como figura icónica. Coreando cada una de sus canciones, disfrutaron, bailaron… en un espectáculo que sobrepasó las dos horas y que marcó otras de las ya recurrentes noches históricas del sonido rasta en Canarias.

Y todo apuntando al Feeling, que se llevará a cabo en el Estadio Municipal de Adeje, en el sur de Tenerife, el próximo 30 de junio. Como aperitivo, además, unas jornadas culturales previas (días 28 y 29) en las que habrá debate, talleres (fotografía, yoga, expresión corporal), documentales, mesa redonda, exhibiciones (break dance, graffity, malabares) y hasta sesiones de dj y monologuistas.

Sobre el escenario, el día grande, se ha programado una sesión de más de seis horas en la que habrá espacio para una buena muestra de artistas locales (Isaiah, Don Virgilio, Dadda Wanche) junto a algunos de los principales nombres que hoy en día marcan la actualidad de la música reggae internacional. A estas alturas, el cartel de artistas ya casi ha sido anunciado en su totalidad, a falta del último reclamo a modo de figura internacional que confirme lo que ya quedó constatado en la edición del pasado año, que el Feeling Festival pasa por ser el mayor escaparate de música reggae que se celebra en el Archipiélago.

Por ahora, la organización ha enseñado credenciales con dos grandes nombres. Por un lado, el italiano Alborosie, uno de los artistas más demandados del reggae actual, referente mundial desde hace años gracias a trabajos como Soul Pirate o Escape from Babylon, considerados como auténticas joyas del reggae contemporáneo. Este genio contemporáneo llegará acompañado a la isla por su banda The Shengen Clan, formada por grandes músicos jamaicanos con los que trabaja en la isla caribeña, donde reside desde hace varias décadas.

Alborosie, cuyo nombre real es Alberto D’Ascola, comenzó su carrera musical en el grupo italiano Reggae National Tickets, con el que exploró las raíces del reggae y llegó a vender más de 200 mil discos en toda Europa en la década de los noventa. Vivió una larga etapa en Jamaica donde enriqueció su acercamiento al género y donde comprobó además lo duro que es forjarse allí una carrera como artista.

En la actualidad, su música le ha situado en primera línea del reggae internacional, contando con más de 10 referencias editadas en el mercado y habiendo colaborado de primera mano con alguno de los principales referentes de la música jamaicana. En su primera cita a Tenerife se convierte en uno de los principales atractivos del Feeling Festival. Frescura, dinamismo y música de raíz son alguna de sus credenciales sobre el escenario.

El segundo gran nombre de la cita del 30 de junio hecho público hasta el momento es del Tarrus Riley, artista jamaicano que llegará a Tenerife acompañado por la leyenda del saxo Dean Fraser y la poderosa Black Soil Band. Así, una de las voces más aclamadas en la actualidad del reggae mundial da músculo a un cartel que cuenta con una importante proyección internacional. Desde la organización se afirma que el Feeling Festival situará a Tenerife en el mapa de los grandes festivales europeos del reggae para este verano.

Nacido a finales de la década de los setenta, Tarrus Riley creció con la música al alcance de su mano, pues es hijo de Jimmy Riley, un gran cantante y músico jamaicano destacado en la década de los setenta y los ochenta. Comenzó su carrera siendo todavía adolescente, y sus primeras grabaciones iban a llegar de la mano de su mentor, el gran saxofonista y productor Dean Fraser, responsable de cientos de grabaciones en la música jamaicana durante más de treinta años.

Los seis discos que ha lanzado al mercado, y canciones que se han convertido en clásicos como She’s Royal, Gimme Likkle One Drop o Parables entre muchas otras; le han colocado como una de las figuras más brillantes del reggae internacional. Su dulce voz, sus líricas versátiles que hablan del amor y de temas sociales, y su capacidad de adaptarse a diferentes géneros de la música jamaicana como el Dancehall; hacen de Tarrus Riley uno de los artistas más valorados por los seguidores del reggae en todo el mundo.

Las entradas para el Feeling Festival ya se encuentran la venta a través de las plataformas tomaticket.es y ticketbell.es al precio de 35 euros. Como novedad este año, la organización anuncia que se destinará una parte de la recaudación a colaborar con asociaciones que trabajan con colectivos en riesgo de exclusión en la isla de Tenerife.

Viva Suecia está viviendo una explosión primaveral casi de primer orden en su carrera musical dentro del panorama de la música indie nacional. En la actualidad, después de haber superado sus primeros cinco años como formación activa, han pasado de dar conciertos para 500 personas a llenar salas para más de 3.000 y a participar en algunos de los principales festivales de España.

Sus seguidores en Canarias los esperan ansiosos y ya tienen anunciadas sus fechas de presentación para Tenerife y Gran Canaria. Será el día 9 de marzo en el Paper Club de Las Palmas de Gran Canaria y un día más tarde en el Espacio Aguere Cultural, en La Laguna. Los murcianos llegan a las Islas anclados en una fantástica ola de éxito que les hace prever un 2018 cargado de buenas noticias, noticias, casi todas ellas, subidas sobre el escenario.

A esta primera irrupción en el Archipiélago llegan además con el impulso extra que supone haber reeditado su segundo álbum de estudio, Otros principios fundamentales, que incluye también dos temas nuevos hasta llegar a un total de 13. Sobre su llegada a Canarias hablan con claridad: “Estamos muy entusiasmados con estos dos conciertos, y no sólo porque sea la primera visita, sino por el hecho mismo de ir a las Islas. Nos apasiona. Además, tenemos la oportunidad de convencer a muchos de nuestros seguidores de que no somos sólo una banda del momento, sino que vamos muy en serio”, comenta Rafa Val, el vocalista del grupo. La cita en Las Palmas de Gran Canaria está prevista para las 00:00 horas y en La Laguna, a las 22:00 horas.

La escena indie española celebra entusiasmada este crecimiento exponencial de Viva Suecia. La banda murciana habita ahora con naturalidad en espacios de miles de seguidores. Es el futuro que ya está aquí. Ellos, mientras, la palabra éxito prefieren valorarla desde cierta distancia: “Cosas como el triunfo o la distancia son muy relativas, al menos así lo entendemos nosotros. Ahora mismo, además, estamos viviendo un presente tan intenso que casi no tenemos tiempo de pensar en todo eso. Estamos súper felices de todo lo que nos está pasando y orgullosos de lo que hacemos; eso sí que lo tenemos muy al día y nos alimenta la necesidad de hacer las cosas bien”, comenta Val.

La banda formada por el propio Rafa Val, Jess Fabric, Alberto Cantúa y Fernando Campillo se paseó durante el pasado año por los principales festivales del país, con un éxito rotundo que la vuelve a situar en un lugar de privilegio para el presente año. Muestras multitudinarias como el Festival Cruilla Barcelona, Mad Cool, el Festival Internacional de Benicasim y el Sonorama-Ribera ya conocen de su potente directo.

Con todo, pese a que la música ocupa ahora una parte muy importante de su día a día, no dudan en enumerar de qué otras cosas se alimenta su vida: “Siempre hay tiempo para la familia, los amigos, más música, literatura, cine, series, deporte, más música, teatro, comer bien, etc.”.

Con esa actitud de ir paso a paso, disfrutando el tiempo presente, Viva Suecia aún no se plantea lo que vendrá después de su último disco de estudio. Todavía tienen camino suficiente por delante como para seguir recogiendo réditos, aunque eso sí, avisan que el cuerpo ya les va pidiendo desperezarse: “Lo que tenemos en mente para este tiempo presente es seguir girando y dando conciertos. Sobre un nuevo disco o la presentación de nuevas canciones, no es una cosa que planifiquemos, todo eso va saliendo de forma natural, nos lo pide el cuerpo, y últimamente, eso sí, lo tenemos golfo”.

Y dentro de este tsunami actual en el que se han visto inmersos, ¿cuál es la propia valoración que se dan ellos mismos a su condición de grupo musical? “Todo ha cambiado, nuestra realidad ahora es bien distinta y podemos decir que ahora mismo somos cuatro hermanos haciendo realidad uno de nuestros sueños en común. Quizás, si nos hubieses preguntado hace unos meses, hubiésemos dicho que éramos cuatro amigos haciendo ruido. Todo ha cambiado, y lo estamos disfrutando con todas nuestras fuerzas”.

Su actitud positiva y sus ganas de hacer bien las cosas les alejan del pensamiento de ser una banda pasajera. Ahora bien, en el momento de entrar a valorar en profundidad la caducidad de su propuesta artística afirman que su mayor preocupación genérica radica en la generación de nuevas y buenas canciones, todo lo demás queda en manos de sus seguidores: “Saber cuánto de largo va a ser este camino es algo que tienen que decidir con su respaldo o no las personas que ahora nos arropan, que van a nuestros conciertos y que compran nuestros discos. Nosotros como músicos, sólo nos centramos por el momento en intentar hacer canciones grandes”.

Las canciones, muchas veces, la clave de todo, son el sustento real de cualquier proyecto que quiera ser honesto tanto en el estudio de grabación como en los conciertos. ¿Y cómo surgen las creaciones en Viva Suecia? “Pues es algo que no es fijo, tenemos formas muy diferentes de obtener resultados, pero normalmente somos muy de pegar un apunte con todos enchufados y nos sentamos a pensar que nos sugiere. Tenemos un local de ensayo acondicionado y trabajamos mucho sin instrumentos para ver el camino que podemos tomar. Es interesante porque tomas decisiones que metido en el ruido no tomarías”.

“En nuestras canciones -continúa- solemos tratar cosas del día a día. Digamos que nuestras letras se basan principalmente en aspectos comunes de la vida, cotidianos. Cualquier cosa que pueda sucedernos o que vemos a nuestro alrededor pueden tener cabida en nuestras canciones si la considerados de alguna manera relevantes. Todo esto está enmarcado en un contexto sociocultural que se desarrolla, principalmente, en nuestro entorno más próximo. Es decir, la realidad social se cuela inevitablemente, pero no a nivel reivindicativo o político”.

La música, como la vida, con sus momentos buenos y sus momentos malos: “Quizás lo mejor de ser artistas es el hecho de poder afrontar retos diarios y de superarlos, con todo lo que eso implica desde el punto de vista de crecimiento personal. Y por supuesto, lo maravilloso de compartir tus experiencias y tus inquietudes con mucha gente a través de las canciones. No sé, que alguien pueda estar en su casa tranquilamente, con su rutina, con sus problemas y sus momentos felices, y se acuerde de nuestras canciones. Llevar a conmover a nuestro público, a las personas, es algo realmente maravilloso, al menos para nosotros”.

Y siempre, con el fin último de superarse cada día, sobreponiéndose en ocasiones a momentos complicados, que también los hay: “Se pasan muy malos momentos al igual que muy buenos. La música es algo que nos importa tanto que un pequeño error se magnifica, sobre todo con problemas técnicos. Pero lógicamente son los menos y aprendes de los errores y a superarlos: al final hay que superarlos porque al día siguiente tienes otro bolo y hay que darlo todo otra vez. Es parte de esto y es lo que hace grande este oficio, la necesidad de superarse cada día y estar por encima de estas cosas”.

Viva Suecia es el futuro que ya está aquí. Y ellos han llegado con una actitud honesta, sabiendo y manifestando con claridad que todo se lo deben a su audiencia, pero con la intención firme de hacerle saber a todos de que no son una banda pasajera: “Y Canarias será nuestra próxima conquista.”

El Puerto de la Cruz inició hace ya varios años una andadura decidida por un camino en el que la apuesta por la cultura es su elemento clave. Desde ese prisma se trabaja en la rehabilitación y modernización del municipio. La cultura ha pasado a ser el punto de encuentro a partir del cual los portuenses tratan de hacer una ciudad donde vivir experiencias en cada una de sus calles y plazas para compartirlo además con sus visitantes.

La marca Puerto de la Cruz, entorno cultural pretende accionar los mecanismos necesarios desde un punto de vista estratégico para que la ciudad se convierta en un enclave artístico rico en propuestas y en el que el hecho creativo lidere los procesos de cambio relacionados con la imagen, la formación y el empleo, la transformación social y urbanística así como las consecuencias económicas que estos produzcan en la ciudad de Puerto de la Cruz.

Así, desde hace muchos años se ha afianzado en sus calles grandes propuestas como el Festival Mueca, una de las grandes citas culturales al aire libre de Canarias. Poco a poco se han ido añadiendo a su catálogo de actividades otras muestras de gran formato como el Phe Festival (que este año cumplirá su tercera edición llevando al norte de la isla a algunas de las principales propuestas musicales españolas del momento) y Periplo, el Festival Internacional de Literatura de Viajes (con cinco ediciones ya a sus espaldas).

Este año, Puerto de la Cruz tiene nueva propuesta. El mes de marzo será el estreno de Alios, Festival Internacional de Circo de Punta Brava, que se llevará a cabo del día 14 al 18. Con esta oferta artística, Puerto de la Cruz cierra el círculo de su oferta cultural de grandes festivales, con una cita en cada una de las cuatro estaciones del año.

En palabras de la concejala de Cultura del Puerto de la Cruz, Sandra Rodríguez, “Alios es el primero de los grandes eventos que llevaremos a los barrios de la ciudad porque queremos que todo el mundo pueda disfrutar de las actividades. La cultura y la educación -añade- tienen que ir de la mano, por lo que tendremos actividades especiales del festival en los centros educativos. Alios complementa la propuesta de festivales que se celebran durante el año dentro de la Estrategia Cultural 2020 de Puerto de la Cruz y se concibe como un dinamizador del barrio de Punta Brava”.

Esta primera edición tendrá su inicio el miércoles 14 de marzo con una sesión para escolares, en horario de mañana, de la compañía italiana Sinakt CircoTeatroDanza, que pondrá en escena Barococo-classique. Este mismo espectáculo se traslada al día siguiente a la plaza de Manuel Ballesteros del barrio portuense, donde a las 18:00 horas se llevará a cabo una función con carácter gratuito, con el fin de estrechar lazos con el entorno donde se celebra el festival y generar complicidades.

El programa continúa el viernes 16 (en dos funciones a las 17:00 y 21:00 horas) con el espectácutlo Hogwallops, que se encuentra entre lo mejor del circo contemporáneo del Reino Unido, presentado por Lost in Translation Circus. El sábado 17 está programada la magia de Compañía Nueveuno (a las 18:00 y 21:00 horas) que participa en el festival con el show Sinergia 3.0. El Festival Alios concluirá el domingo 18 con las funciones de los catalanes Circ Postolet (a las 13:00 y 17:00 horas) ofreciendo un sorprendente viaje en el tiempo titulado Cuando no tocábamos con los pies en el suelo.

Así, el municipio norteño sigue enriqueciendo un visión global de acción artística que ya en su momento se plasmó en el documento Estrategia Cultural de Puerto de la Cruz 2020 (ECPC2020), una herramienta de desarrollo de las políticas culturales a llevar a cabo que la ciudadanía ha definido mediante su participación y que fue aprobada por el Ayuntamiento en sesión plenaria celebrada el 26 de enero de 2015.

El Puerto de la Cruz trabaja en base a un modelo de ciudad en el que ciudadanía, administración y empresas van de la mano persiguiendo unos fines comunes, una estrategia común e integral, en el que la cultura pretende convertirse en uno de los valores más importantes de cara a convertir el municipio en un destino urbano único, con un patrimonio cultural, natural y social únicos.

El Entorno Cultural es el marco por el cual se traza la ejecución de este proyecto como ideario común para hacer de la ciudad un destino turístico cultural de primer orden a nivel insular, canario e internacional. Planificación, cultura y turismo como elementos integradores y potenciadores de la nueva imagen y concepto del Puerto de la Cruz.

Un muestrario ya consolidado

Desde el punto de vista práctico, el Entorno Cultural ya se estructura en base una serie de acciones que le dan notoriedad tanto a nivel insular, como regional y nacional; muchos de ellos, además, con una importante proyección internacional: Festival Internacional de Arte en la Calle Mueca; Festival Internacional de Literatura de viajes y aventuras Periplo, Fiestas de San Juan, Puerto Street Art, Festival Bach, Festival Agatha Christie, Festival de Música antigua y barroca, PHE Festival. Puerto de la Cruz. (Festival de música y cultura independiente) y Festival Internacional Canarias Jazz&Más Heineken. Toda esta programación se une además a la actividad propia que las instituciones privadas (salas de exposiciones, salas de conciertos, salas de teatro, museos, etc.), por otro lado, generan de manera independiente y colaborativa a lo largo del año.

El Entorno Cultural se arraiga también en una amplia red de posibilidades ligadas a la cultura, la historia y el ocio. Disfrutar el Puerto de la Cruz ofrece a posibilidad, entre un amplio abanico, de participar de rutas guiadas, museos, cocina local, deportes, senderismo, buceo, fotografía submarina; visitas a espacios cercanos reconocidos como Patrimonio de la Humanidad: el Teide, La Laguna.

Plataformas ciudadanas

Uno de los valores diferenciadores, y motor esencial de la marca Entorno Cultural, son las plataformas ciudadanas, que escenifica la movilización de la ciudadanía, instituciones, entidades y empresas en una experiencia innovadora de participación colectiva y gestión compartida de la cultura, alineados en una única dirección con el objetivo de promover Mueca.

Las plataformas son también el impulso de la expansión de los distintos proyectos culturales hacia los locales de ocio, las dinamizadoras de nuevos apoyos financieros y creadora de procesos de recaudación y difusión, en las que la sensible ciudadanía asume parte del sostenimiento de los Festivales y es la generadora de otras acciones, no menos importantes, dirigidas a la implicación de nuevos sectores sociales, instituciones y empresas en la sostenibilidad del proyecto.

El camino iniciado en el año 2012 por la plataforma ciudadana Cómplices Mueca, cuyo trabajo permitió la recuperación del Festival Internacional de Arte en la Calle tras dos años de suspensión, es un claro ejemplo de la capacidad que pueden tener colectivos ciudadanos no formales en la consecución de objetivos de interés público. Más recientemente, otras plataformas ciudadanas han seguido ampliando el marco de colaboración entre el Ayuntamiento y la ciudadanía para el desarrollo de proyectos culturales, como las plataformas Comando Periplo, vinculada al Festival Internacional de Literatura de Viajes y Aventuras (Periplo); Puerto Street Art, que trabaja para impulsar el Festival de Arte Urbano Puerto Street Art; Brigada del Arte, en apoyo de la promoción de las artes plásticas a través del proyecto Cuatro Lunas; y de Fábula, relacionada con el mundo de las letras.

El éxito del modelo participativo de planificación y gestión cultural desarrollado en los últimos años en Puerto de la Cruz es incuestionable; este buen hacer en relación con la toma de decisiones en materia cultural, vinculado a las distintas plataformas ciudadanas, es un claro ejemplo de los beneficios que reporta a la sociedad esta forma de relación entre el sector público y la ciudadanía. Resulta especialmente relevante la trayectoria de la plataforma Cómplices Mueca, que ha sido objeto de estudio y análisis en diversos foros y encuentros, tanto a nivel insular como regional; logrando incluso varios reconocimientos de carácter oficial otorgados por instituciones de interés público.

El Entorno Cultural es además un proyecto ambicioso que se quiere dotar también de los espacios físicos necesarios para poder realizar cada uno de los frentes que se marca en su línea estratégica. Así, en el diseño de esta propuesta integral se acometen los diseños y obras necesarias para dotar a la ciudad de espacios de innovación -Laboratorio de creación artística, Escuela de artes de calle, espacios co-living y co-working (Co-working Mercado, Co-working La Cúpula, Co-working Casa de la Juventud, Co-working Playa Jardín, Co-working Lago Martiánez, Co-living Castillo San Felipe), con el fin de convertir al Puerto de la Cruz en un lugar idóneo para venir a crear; destino de nómadas digitales; espacio de producción y experimentación en cultura y turismo cultural.

Mientras dan los últimos pasos hacia lo que será su quinto disco de estudio, Flor de invierno, que presentarán el directo el próximo 2 de marzo en el Teatro Leal de La Laguna, Ruts & La Isla Music trabajan paralelo en el estreno en directo (en la noche, 9 de febrero, de la gran cabalgata de Santa Cruz de Tenerife dentro del Carnaval Reggae Festival) de su nuevo espectáculo escénico, titulado Marley y con el que rinden homenaje a la icónica leyenda de la música reggae.

Dos grandes retos presentes para una banda con una intensa trayectoria que le ha valido para establecerse como uno de los proyectos de música reggae de mayor presencia en el Archipiélago. Y todo, dentro de un cambio vital que lo ha transformado casi todo en la esencia de la banda: la nueva condición de madre de su líder y vocalista, Ruth Barreto.

Así lo explica ella: “Ahora tengo un motor rejuvenecido y me pone las pilas constantemente. De hecho, desde el punto de vista meramente creativo, tengo que decir que Flor de invierno es el resultado de una conversación con mi hija. Es lo que me gustaría transmitirle para que quede en ella para siempre. Su banda sonora, que lo será inevitablemente pues nos escuchará cantarlo muchas veces. Este disco habla de hijas y, por supuesto, de madres, por tanto es una exaltación de la sangre, de la vida, de la belleza, de la ternura y la fuerza. Es la luz en la ventana a la que volver para ubicarse, fortalecerse y seguir adelante. Así son, somos, las madres, ¿no?”. Hay un nueva vida en Ruts & la Isla Music.

Flor de invierno se ha hecho esperar más de lo esperado dada la constante actividad de un grupo inquieto y solicitado que ha sido protagonista de numerosos conciertos y participando también en la producción de muestras artísticas tan importantes como el Reggae Can Festival. En este nuevo camino encontramos unas composiciones llenas de matices con un equilibrio perfecto entre dulzura y energía, mensaje y musicalidad. La evolución sonora, marcada por los años de dedicación, son patentes en una obra musical colapsada por una de las facetas más importantes y tiernas en la vida de la propia Ruth Barreto (líder y vocalista de la banda), la maternidad.

Para esta producción Ruts ha contado con Toby Nambur, un reconocido productor y músico alemán de reggae que conoce muy bien los valores de cada uno de los ingredientes que forman el género. Nambur maneja con maestría las nuevas composiciones y además lo hace sonar actual, “algo muy importante para el sonido de La Isla Music”, afirma la propia cantante. Su gran sensibilidad y su conocimiento de los sonidos jamaicanos han servido para sacarle a las composiciones de Ruts el mejor partido. “Llegamos a Nambur en nuestra búsqueda de evolucionar en todos los aspectos, pues detectamos que nuestro fuerte no han sido las producciones discográficas. Los que nos han visto en directo nos han recalcado la diferencia tan grande entre nuestros discos y nuestros directos, por tanto, tener un sonido que nos hiciera más justicia con respecto al directo era una de las claves para este Flor de Invierno. Así llegamos a él, y la verdad es que estamos muy contentos”.

La primera ocasión de ver este trabajo discográfico en directo será el próximo 2 de marzo en el Teatro Leal de La Laguna, momento también en el que se podrán adquirir las primeras copias físicas de este trabajo. Como no podría ser de otra manera, Flor de invierno estará también disponible en todas las plataformas digitales.

Este será, sin duda, uno de los grandes retos de esta formación musical en sus más de 10 años de vida: “¡Estamos locos! A quién se le ocurre. Presentación en la sala principal del Leal. Con canciones propias que nadie ha escuchado antes. ¡En fin! Esto es lo que primero que me viene a la cabeza como persona sensata y conocedora de nuestro entorno cultural pero al segundo dos, me motiva tanto que creo será un gran concierto, y así lo estamos tejiendo. Después de mucho tiempo voy a poder mostrar otros sonidos, y otras canciones, además con unas colaboraciones muy especiales que se añaden a nuestro equipo. Siempre he cuidado la puesta en escena. Considero que todo lo que se ve también es música y si está en el escenario pues hay que cuidarlo. En esta ocasión será una puesta de largo en la que tendremos una emoción muy especial. Será la primera vez que me suba al Teatro de mi ciudad a cantar mis canciones. Todo un honor que espero compartir con nuestros seguidores”.

Flor de Invierno, Ave Fénix, Dudas en el Aire, Ídolos y No saben bailar son algunos de los títulos de estas nuevas composiciones que se han grabado en Lim Studio bajo la dirección de la propia Ruth. Ella es foco de creatividad desde el que brotan todas las composiciones: “Soy medio músico, medio instrumentista, y medio intérprete, pero tengo una bacanal siempre en mi cabeza y he desarrollado, a lo largo de los años mi propia forma de llegar a hacer canciones. Por supuesto, la necesidad de contar, la inspiración y la motivación, es lo primero del proceso, a veces coger la guitarra me abre el camino pero para cuajar el arte en una obra, en mi caso, mi herramienta fundamental es el ordenador con mi multipista en el que voy abriendo tracks y grabando líneas rítmicas, de bajo, armonías, voces, etc, hasta tener el arreglo montado. A eso me refiero con que manejo a medias muchas disciplinas. Por suerte logro redondear el proceso gracias a los músicos de La Isla Music quienes almanmi universo creativo”.

Y todo, como parte de una filosofía de vida que en la que el arte termina siendo parte fundamental: “La música para el que la interpreta tiene un poder sanador y vivir, muchas veces, duele, por tanto se vuelve medicina. Es como si te formateara cada vez que la tocas, y no te digo ya, cuando la compartes con otros músicos, y logras la conexión. Es brutal y viene a dar sentido a eso de que somos seres sociales. Nos hace sentir bien y por eso queremos compartir nuestro bien”.

“Por otra parte -continúa-, no me canso de empoderar la labor de los músicos y cantantes que hacen sus canciones, editan su material, que forman sus bandas y su proyectos musicales, que se mantiene a lo largo de los años, algo bien difícil, todos sabemos, y que parecen no tener el reconocimiento social y el espacio cultural y mediático que deberían. Cada vez que me subo a un escenario con La Isla Music creo que reivindicamos el arte de nuestros artistas en nuestra cultura. Por todo esto sigo aquí”.

Reggae en las fiestas carnavaleras de Santa Cruz de Tenerife

Ruts & La Isla Music son también los principales culpables de que los Carnavales de Santa Cruz de Tenerife cuenten con una noche dedicada a la música jamaicana. En este 2018, un año más, y por cuarto consecutivo, el Carnaval Reggae Festival se hace un importante hueco en estos actos de celebración capitalinos, ocupando su espacio en el escenario de la Avenida Francisco La Roche en la noche del viernes 9 de febrero, justo después de la Cabalgata anunciadora.

En esta ocasión buena parte del protagonismo recaerá sobre la figura de Sr Wilson, músico catalán que se encuentra a la vanguardia del género en el estado español, contando además con una notable proyección internacional. A esta nueva cita en Tenerife (ya ha protagonizado exitosos conciertos en la Isla), llega respaldado por el sound sytem Badalonians Sound.

Precisamente el Carnaval Reggae Festival servirá de marco para el estreno del proyecto de homenaje a Bob Marley que han ultimado Ruts & La Isla Music, con el que rendirán tributo a la legendaria figura del fallecido artista jamaicano.

En sólo tres ediciones, el Carnaval Reggae Festival ha despuntado como un evento de gran acogida dentro de la celebración de las fiestas de invierno de Santa Cruz de Tenerife. La cita del 2018 llega después del enorme respaldo recibido el pasado año por el público carnavalero, con más de 6.000 personas bailando al son de los mejores ritmos jamaicanos.

Esta noche de sonidos jamaicanos se completa con la actuación de Material de Contrabando, con su genuina propuesta de mestizaje y hip hop, además de los selectores Monosound y Lavasound. Con todo esto, paso a paso. El Carnaval Reggae Festival, del que son principales promotores Ruts & La Isla Music, se postula como uno de los encuentros referentes del país y además se suma al interés internacional que despiertan las fiestas de invierno chicharreras al traer a uno de los grandes artistas del reggae nacional que además despunta en Europa.

Música como forma de vida; y creación y ejecución de proyectos como consecuencia de una pasión desbordante… con el empuje añadido de una maternidad que contagia y alimenta todo su presente.

La asociación sociocultural Mousikê, radicada en La Laguna, ha hecho de las masterclases la herramienta precisa para expandir su filosofía artística y social. Con el objetivo fundamental de apoyar el estudio de la música moderna, este grupo de entusiastas de la cultura ha logrado agrandar poco a poco este proyecto educativo desde la Ciudad de Aguere hasta convertirlo en una ventana hacia el conocimiento de ámbito regional.

Durante más de seis años han programado sesiones de encuentro entre profesores y alumnos. Mostrar y enseñar para expandir y alimentar la base musical de amantes mayoritariamente del jazz, aunque siendo absolutamente receptivos con todos los estilos musicales.

Así lo explica, Miguel Manescau, uno de los principales impulsores de Mousikê, desde una visión global de la enseñanza musical en Canarias: “Afortunadamente, cada vez más el número de escuelas bien públicas o bien privadas va creciendo como consecuencia de algo inevitable como es la curiosidad que la música despierta en las nuevas generaciones. Está claro que también ha aumentado el tratamiento de géneros que antes quizás estaban más apartados del ámbito pedagógico oficial, pero es algo que tarde o temprano tenía que llegar, ya que siempre nos ha parecido un poco absurdo mantener la línea oficial bajo la batuta de la música clásica en principio y del jazz posteriormente”.

“Vivimos rodeados de muchas músicas (pop, rock, electrónica ,etc..) –continúa- y creemos que el movimiento ideal en estos tiempos es abarcar todo el conocimiento posible y no crear movimientos elitistas sobre algunos tipos de música que lo que suelen provocar por regla general es un alejamiento de la mayoría de los oídos. Creo que hay determinadas instituciones que tienen la necesidad y obligación de modernizar su visión musical, sobre todo en el ámbito público, pero también opino que hay mucha gente valiente que está apostando por otras fórmulas que sin duda llegan más al alumno de hoy en día. También es un camino largo y que en España vivimos con mucho retraso en relación a otros países pero poco a poco y con trabajo creo que podemos ir modificando esta situación”.

Y en eso anda Mousikê, una iniciativa que tiene su espacio natural en el Teatro Leal de La Laguna, pero que con el paso del tiempo ha extendido con regularidad su campo de acción a islas como Gran Canaria, Lanzarote y La Palma, además de intervenciones puntuales en Brasil y Estados Unidos. Entre los nombres de los profesores intervinientes, por citar sólo unos pocos, Jonathan Kreisberg, Chico Pinheiro, Deborah Carter, Munir Hossn, Shai Maestro y el mismo Raimundo Amador: “Partimos como una plataforma –afirma Manescu- de apoyo a la pedagogía de la música moderna y desde nuestros inicios lo que hemos intentado es proporcionar a todos aquellos estudiantes, independientemente de su procedencia académica, diferentes visiones de la música con el fin de despertar tanto la capacidad reflexiva como el descubrimiento de determinados sectores de esta profesión que en muchos casos pasan bastante desapercibidos. Para ello realizamos todos los años un estudio en profundidad de las que creemos que son las principales necesidades en nuestro entorno y en base a eso comenzamos una búsqueda de los mejores profesionales que puedan ayudarnos en esta labor. No queremos limitarnos a buscar excelentes músicos ni a trabajar en una sola estética musical, creemos que tenemos que tener muy claro siempre que estamos al servicio de la sociedad y que por tanto tenemos que escucharla, por lo que hemos abierto el campo de acción a ámbitos como la música electrónica, el estudio de software destinados a la música, la producción ejecutiva y un largo etc… Todo esto sin descuidar el estudio específico de cada instrumento para lo cual también realizamos una selección muy trabajada de todos los propuestas que actualmente recibimos para llevar a cabo una programación lo más completa posible”. Batería, saxo, bajo eléctrico, piano, guitarra… una parte importante del universo de la música tiene cabida en este proyecto armado por artistas para artistas.

Además del lógico fin didáctico, Mousikê es también la plataforma por la que un grupo de apasionados de la música da rienda suelta a sus impulsos creativos y a sus ganas de compartir arte tanto con alumnos, en un lado de esta cadena creativa, como con los grandes profesores locales, nacionales e internacionales que forman parte de esta emocionante y casi comunitaria aventura. ¿Cuáles son las metas reales de este proyecto? “Objetivos hay muchos, a medida que se van consiguiendo siempre aparecen nuevos retos y sin duda creo que éste es el mejor planteamiento para que una plataforma continúe creciendo y no se estanque en los logros conseguidos. Sin duda nuestro principal objetivo es seguir contribuyendo a la educación de las presentes y futuras generaciones de músicos locales, pero también cada vez más intentamos internacionalizar nuestro proyecto y luchamos por generar líneas de acción conjunta con otras muchas asociaciones a nivel mundial que caminan en nuestra misma dirección. Obviamente el trabajo local es más directo y seguiremos trabajando duro porque este proyecto se consolide cada vez más dentro de las islas, pero como te decía creo estamos en un momento muy especial y positivo para los movimientos asociativos; otra de nuestras prioridades para los próximos años será la búsqueda de una interacción cada vez más continua con distintas asociaciones tanto a nivel nacional como internacional”.

A estas mastarclases, como alumnos, acuden tanto músicos con consolidado nivel como principiantes en el manejo de los instrumentos. La fusión y la naturalización de la fórmula pedagógica para unos y otros en este proyecto ha sido una de la claves para que el ciclo se haya consolidado y cuente cada vez más con un notable número de usuarios: “Éste es un punto muy complejo, de hecho creo que es de las cosas más difíciles de tratar, pero tras más de siete años en esta labor creemos que la base está en normalizar este tipo de actividades. Desde un inicio nos planteamos incluso la modificación del nombre de los eventos, ya que al llamarlo masterclases da la impresión de algo inaccesible para algunos, cuando realmente se trata de una sesión donde compartir experiencias y conocimientos sin ningún otro fin que el de disfrutar de algo tan maravilloso con la música, sin pensar en niveles ni en espíritu competitivo”.

“Creo que si logramos crear un ambiente agradable y transversal –continúa- cada vez  la gente se sentirá más cómoda y la recepción será más natural. Una de nuestras prioridades desde el principio era que el material didáctico que se ofreciera fuera lo más útil posible para los alumnos. Fue por esta razón por la que creamos nuestro canal de YouTube, donde tenemos en la actualidad más de 100 masterclasses colgadas en abierto para que tanto los asistentes como cualquier persona tenga acceso directo a este material. Ha sido muy gratificante descubrir como en países como Argentina, Colombia, Uruguay, etc… existen grupos de personas que esperan con muchas ganas nuestras publicaciones en el canal para utilizarlas como guías de estudio a miles de kilómetros de distancia. Como comentaba, esta parte tiene un enfoque mucho más pedagógico pero al igual que animamos a todo aquel que lo desee a suscribirse a nuestro canal, invitamos a todo aquel que pueda a que viva la experiencia en persona, que se animen a tocar con todos los profesores que vengan, que realicen todas las preguntas que deseen y que creen vínculos humanos con las excelentes personas y maestros que tenemos la suerte de disfrutar en estos ciclos”.

En el camino de la Asociación Sociocultural Mousikê, además de muchas sesiones de notoria calidad musical y educativa, se ha generado pozo de amistad y conocimiento, una nueva de forma crecer con la enseñanza de la música en la que prima el trato de igual a igual y la eliminación de barreras competitivas. “De toda esta aventura –afirma Manescau- me decantaría por el contacto humano con los profesores con el cual además de un maravilloso trato profesional hemos logrado crear un vínculo de amistad muy fuerte en la gran mayoría de ocasiones y en un alto porcentaje también la generación de proyectos en común; esta parte es sin duda maravillosa. Además, también es muy gratificante observar la satisfacción de los alumnos asistentes a estas clases por poder tener tan cerca a referentes musicales que por regla general sólo se observan en YouTube, con la frialdad que esto supone. El contacto que se crea entre profesores y alumnos es sin ningún género de dudas otra de las motivaciones que nos ayuda a seguir día a día con este proyecto”.

Además de refutado guitarrista en formaciones como ST Fusión, Henna Hito Trío o Simbeque, entre muchos otros, Miguel Manescau es también un experimentado profesor de guitarra. Así ve él las claves para aventurarse en el complejo y emocionante reto del dominio de un instrumento: “Lo principal es tener ganas y un poquito de tiempo, todo lo demás vendrá solo. Por supuesto que es necesaria la constancia, la perseverancia y el esfuerzo pero esas cosas nos las vamos encontrando a medida profundizamos y nos enamoramos de nuestro instrumento. Cada cual tendrá sus metas y sus horizontes claros, pero sean cuales sean estos objetivos siempre tenemos que tener claro que hemos de ser honestos y respetuosos con la música que al final es sin duda lo más importante. Son duras las batallas que tenemos que librar con nuestro ego, con los pensamientos competitivos que recibimos desde la sociedad, pero eso también es parte del camino y cuanto más entendamos la suma belleza y grandiosidad de la música más fácil será disfrutar del trayecto”.

Mousikê es un proyecto en continuo movimiento que ya tiene mucho que avanzar de lo que está por llegar en este presente 2018: “Una de las principales novedades es que comenzaremos a realizar nuestros ciclos de manera constante en Gran Canaria también, logrando con ello que crezca nuestro ciclo Entre Islas. Seguiremos trabajando en el resto de islas como hasta ahora, pero no nos cabe duda de que la mejor manera de que el proyecto se consolide es lograr una continuidad de manera que el público pueda generar una rutina de asistencia, por lo que estamos muy contentos con este logro. Además como comentaba en alguna otra pregunta anterior, este año entramos en contacto con varias asociaciones nacionales e internacionales para la realización de proyectos en común, los cuales creemos que van a ser muy beneficiosos tanto para profesores como para alumnos. Seguimos trabajando también en la parte más digital y empezaremos a ofrecer varias de las Masters en streaming y continuaremos trabajando en las mejoras de nuestro canal de Youtube con el reto de convertirlo en uno de los más importantes canales pedagógicos nacionales”.

Sigue siendo tiempo para los grandes regresos y de proyectos sobre seguro. Dentro de un panorama internacional en el que la industria de la música se ha visto afectada por una profunda crisis, la apuesta por nuevos valores desde las compañías discográficas se ha reducido notablemente. Así, desde hace tiempo se ha afianzado un fructífero movimiento en el que formaciones musicales de grandes éxitos en décadas pasadas retoman los escenarios y protagonizan las giras internacionales de mayor impacto.

El último gran fenómeno de este particular acontecimiento ha sido el de Guns n’ Roses, formación de rock californiana de Estados Unidos que una vez superadas las profundas discrepancias entre algunos de sus componentes se embarcaron en una gira mundial que acabó siendo la segunda más rentable del pasado 2017, sólo superados por U2, que se embarcaron también un largo tour de celebración de su 30 aniversario como banda. Alrededor de 300 millones de euros de ingresos para cada grupo.

A menor escala, pero también dentro de ese hiperactivo movimiento revival, Canarias es escenario de igual manera de apariciones escénicas de grupos veteranos que dan a sus fans justo lo que quieren ver, un espectáculo redondo, compuesto por grandes éxitos, en el que cada canción casi es coreada de principio a fin.

Así, algunos de esos nombres de los primeros anuncios de grandes citas musicales del 2018 para Canarias se tratan de proyectos legendarios, formaciones míticas que han recorrido y construido buena parte de la historia musical internacional y que hoy en día aún llenan grandes recintos gracias a una notoria y fiel marea humana de seguidores.

Es el caso de The Original Wailers, formación en la que se hizo leyenda Bob Marley y que tiene fecha en Tenerife para el próximo 10 de marzo en el Ocean Club de Santa Cruz de Tenerife. El anuncio de este concierto en la isla de Teide ha supuesto una notable revolución entre sus seguidores, de tal manera que la venta de entradas inicial ha superado con creces las expectativas iniciales marcadas por la organización.

Se da la circunstancia de que durante los meses de febrero y marzo se celebran en todo el mundo eventos para festejar el nacimiento de Bob Marley (6 de febrero de 1.945). Él, el gran Marley, es una de las figuras más influyentes del siglo XX; dejó a su muerte un legado musical e ideológico que todavía ahora, 36 años después de su adiós, palpita repleto de vida. Escudero del rey de reggae fue durante mucho tiempo el guitarrista Al Anderson, artista que en esta segunda década del nuevo milenio se encarga de liderar a la formación The Original Wailers.

Al Anderson se unió al proyecto de Bob Marley en la década de los setenta tras la llamada del productor de Marley, Chris Blackwell. Forjó una gran amistad con la leyenda del reggae y actuó junto a él en algunos de los conciertos más importantes de la banda, además de participar en la grabación de varios discos editados bajo el sello de Island Records. Fue parte activa de una apasionante historia que se desarrolló durante las décadas siguientes y que ha llegado hasta el día de hoy con el reggae contagiando literalmente todo el mundo gracias a su egregia figura, convertido en icono en vida y leyenda después de su muerte en 1981.

The Original Wailers llega a Tenerife como parte de la principal fiesta de presentación del Feeling Festival, que este año cumplirá su segunda edición el mes de junio y que gracias a una contundente puesta de largo en el 2017, con formaciones como Asian Dub Foundation, Gentleman o Inner Circle, se situó como el principal foco artístico de música reggae en el Archipiélago. 

70 millones de discos vendidos

Cronológicamente, la segunda parada de formaciones veteranas en Tenerife será la de UB40, otro arrollador proyecto de música reggae que se subirá al escenario del Pabellón Santiago Martín el 14 de abril. Al igual que The Original Wailers, no son nuevos en la Isla. En su pasada visita, el 18 de marzo de 2016, agotaron todas las entradas con antelación y ofrecieron un espectáculo envidiable. De aquel éxito, este pronto regreso. Esta cita está encuadrada dentro del ciclo Legens Live, marca que se ha especializado en traer a Canarias a muchos de esos grupos veteranos que giran con éxito por medio mundo.

Esta aclamada banda inglesa de reggae y pop regresa con su directo a Tenerife, en un concierto que estará liderado por tres de los miembros fundadores de la banda, Ali Campbell, Michael Virtue Mickey y Astro. UB40 puede presumir de ser una de las formaciones que allá por los años 80 logró crear su propio estilo definido dentro de los sonidos jamaicanos con notable aceptación internacional. Desde Birmingham se hicieron un hueco con solvencia en casi todo el planeta.

En este concierto en Tenerife sonarán clásicos como Red Red Wine, I Got You Babe o Kingston Town, que harán viajar a los asistentes en el tiempo, con la voz inconfundible de Ali Campbell en directo, que volverá a mostrar su cercanía y su carisma al público.

El último concierto que no fue

La llegada de Status Quo a Canarias será por partida doble. La banda londinense, además de Tenerife, también tendrá presencia en Gran Canaria. 15 de mayo en el Pabellón Santiago Martín y un día más tarde en el Gran Canaria Arena. Así, el Archipiélago se prepara para recibir a una de las bandas británicas de mayor éxito comercial. Aunque los Status Quo nacieron a finales de la década de los sesenta como un grupo de beat y psicodelia, finalmente desembocaron en una banda de boogie desenfadado, con ritmos procedentes de clásicos del rock y del blues.

Su base surgió de un grupo beat llamado The Spectres, fundado en 1962, que finalmente fue rebautizado en 1967 como Status Quo, pasándose además a la psicodelia. Tras publicar algunos trabajos con resultados dispares, en 1970 los Status Quo se redefinieron. Mudaron las ropas psicodélicas por los más habituales tejanos y se convierten en una banda de rock y boogie, con un espectacular sonido de guitarra.

A Canarias llegan en el desarrollo de la gira The last night of the electrics, un proyecto que surgió después de lo que debió ser el epitafio en directo de sus actuaciones en formato eléctrico. Así lo habían decidido y fue el 11 de diciembre del 2016 cuando se subieron a las tablas del londinense O2 con esa premisa. Pero no, esta formación, institución del rock mundial, abandonó finalmente aquella idea inicial y sigue deleitando a sus seguidores con toda la potencia amplificada de su música. Aquella fecha, además, en los albores de la festividad navideña, tuvo lugar unos pocos días antes de que falleciera en suelo español (Marbella) Rick Parfitt, uno de los miembros vitales en la historia de este legendario grupo.

Aquel concierto sí sirvió para recoger los sonidos de lo que sería su último disco editado hasta la fecha, un álbum que salió a la luz a mediados de este presente año bajo el título de ‘The last night of the electrics’. Este trabajo salió al mercado como un doble CD con el que se hace un repaso a la carrera de los británicos mediante la selección de 20 canciones, entre las que se encuentran los principales éxitos de los Status.

En este trabajo queda patente el buen estado de forma en el que se encuentra esta veterana formación, preludio además de lo que sería después una nueva gira con la que han pisado (y pisarán) alguno de los principales países del continente Europeo. Entre ellos España.

The last night of the electrics ha servido como base para una gira que se inició en el pasado 2017 y que se mantendrá activa al menos hasta casi finales del próximo año. A día de doy, Status Quo tiene confirmados 14 nuevos conciertos, muchos de ellos en Alemania.

Tres nombres como muestra de que la buena música, con el soporte involuntario también de una crisis que pone freno a una regeneración más natural y más profunda de la escena internacional, es eterna y cuenta siempre con amplio margen de seguidores que hacen del riesgo empresarial una apuesta segura.

Volviendo al ejemplo inicial, los californianos Guns n’ Roses. Tan bien les fue durante su gira internacional del pasado 2017 que no tardaron mucho en anunciar nuevo salto al continente europeo, con una largo tour en el que ofrecerán más de 20 conciertos. Veteranos, todos ellos, que no se cansan en sus respectivas reconquistas.

2018 marcará un registro histórico para las Islas Canarias. El presupuesto de la Comunidad Autónoma supera los 8.200 millones de euros. De ellos, sólo 25 se destinarán a la promoción cultural. El presupuesto para el área de las artes aumenta respecto a 2017, pero, según voces autorizadas y trabajadores del sector, no lo suficiente, manteniendo esta cifra aún a una larga distancia del 2% prometido repetidas veces por los poderes públicos.

La industria cultural en Canarias atraviesa todavía por un periodo de reconversión después del duro golpe que supusieron los recortes en inversión pública en este segmento a causa de la crisis, cuando la inversión del Gobierno regional en este capítulo se redujo hasta en un 70 %. El sector, poco a poco, ha ido tomando el pulso a la realidad y la proliferación de conciertos y proyectos culturales vuelven a ser una constante. Para 2018 ya aparecen los primeros grandes nombres en el calendario. Ahora bien, ¿este proceso de reconquista se está haciendo de forma ordenada?

Martín Rivero, director de TantoArte Producciones, es uno de los profesionales de este ámbito con más experiencia. De su visión global se desprende que en este proceso de reconquista del sector hay aspectos importantes que deberían gestionarse desde otro punto de vista. La actividad de producción artística ha crecido y vuelve a ser latente en las Islas, pero el camino transitado quizás no esté siendo el más adecuado: “Es cierto que se ha recuperado bastante la normalidad en cuanto a la celebración de conciertos en cantidad y calidad. Es más, creo que hay, hoy en día, más oferta y que ha crecido el número de productores de conciertos con respecto a antes de la crisis”.

“Lo que pasa –continúa Rivero- es que no lo valoro positivamente para el sector porque tanta atomización en la producción lo que ha provocado es que sean muy pocas iniciativas las que resulten con beneficios, al final, para su promotor. Ello ha supuesto un alto índice de fracaso entre los promotores, especialmente los más nuevos, y escasa consolidación de empresas con fiabilidad, proliferando el intrusismo. Se hace necesario ahora, antes de que sea tarde, un proceso de concentración empresarial de estas productoras, que son pequeñas empresas, y un mayor diálogo y coordinación entre las mismas para evitar saturación del mercado que es malo para todos”.

Como ejemplo de este crecimiento desordenado en el que se ha visto inmerso el sector Martín Rivero pone lo sucedido durante el transcurso del verano en la Isla de Tenerife: “No es conveniente que se repitan casos como el del este año en que en un mismo mes, en julio, coincidieron en Tenerife cuatro conciertos de gran formato como los de Aerosmith, Juan Luis Guerra, Rubén Blades y Luis Fonsi. Una auténtica locura que lo que provoca es que esos conciertos se hagan la guerra comercial entre sí y las pérdidas sea la nota predominante”.

Según una nota oficial emitida por el propio Gobierno de Canarias, las cuentas del área de Cultura aumentarán 31,73% hasta alcanzar los 24.939.220 euros, 6 millones más que en 2017, ejercicio en el que ya crecieron un 22%, lo que supone un aumento en dos años de más de 9,3 millones de euros. “El presupuesto –se afirma en la nota- servirá para garantizar el acceso a la cultura a toda la ciudadanía, un objetivo principal del departamento. También mantiene los programas para el fomento y protección de la creatividad, además de los destinados para los artistas y a su movilidad como Canarias Crea o Canarias Crea Canarias, con una cuantía para ambos programas de más de 1.200.000 euros”.

Pese a ello, para Martín Rivero la industria cultural canaria sigue recibiendo desde el Gobierno del Archipiélago un trato poco acorde con el peso real que ocupa en la economía: “Refiriéndonos a los presupuesto de la Comunidad Autónoma, que son los más significativos, hemos recuperado muy poco el recorte de más del 70% que se produjo como acumulado desde la crisis en 2008 hasta el 2014. Hemos mejorado muy poco en ese aspecto. Nuestro objetivo del Dos por Ciento para la Cultura está muy lejos. Tomando como medida el presupuesto del 2018, si se cumpliera esa cuota del dos por ciento para la Cultura prometida por el presidente para antes del final de la legislatura, estaríamos hablando para este año de 165 millones de euros mientras el presupuesto aprobado para ese capítulo ha sido, irrisoriamente, de 25 millones de euros. Está claro que la Cultura, uno de los sectores más resistentes y productivos de la economía canaria, ha perdido peso en la agenda política y, a pesar, de que la macroeconomía canaria mejora, va a costar mucho que la Cultura vuelva a ser tenida en cuenta en las inversiones de la Comunidad. Por lo tanto, seguimos en la Cultura y en la Música, en concreto, con las migajas y haciendo encaje de bolillos para subsistir dignamente”.

Como no podía ser de otra manera, los duros años de la crisis también han deparado en enseñanzas y han servido de filtro corrector para muchos aspectos: “Por ejemplo, el referido al coste de las entradas. El precio del ticket se ha normalizado y el consumidor canario ya asume como normal gastos que están más cerca de la realidad de los costes del concierto y el promotor puede depender menos así del precio subvencionado por el dinero público”.

“Por otro lado, creo que lo mejor de la crisis ha sido que hemos mirado hacia adentro y nos hemos fijado más en nuestros propios recursos creativos, en nuestro mercado y en nuestros artistas canarios y se ha dado prioridad a esa materia prima local. Se ha puesto en valor los recursos y las potencialidades canarias, aunque sigo echando en falta que no hemos sido capaces, salvo raras excepciones, de crear un mercado cultural autosuficiente y sostenible. En el aspecto negativo también creo que no hemos sido capaces de avanzar mucho en explorar las posibilidades de la transversalidad de Cultura y otras disciplinas como Turismo”.

En este balance general del estado del entramado cultural de las Islas Canarias, el director de TantoArte Producciones sí considera que la nueva venta de externalización de las artes impulsada por el Gobierno regional es un gran acierto: “Se ha empezado a desarrollar con buen criterio y pienso que puede contribuir a crear redes e interacciones que hagan posible que la Cultura y, en particular, la Música y el Teatro de Canarias amplíe sus fronteras. Ya que nuestro mercado es reducido, que pueda abrirse a las posibilidades de proyección en el exterior. En este sentido, se ha avanzado en la puesta en marcha de políticas coherentes de internacionalización de la Cultura y ha sido novedoso en los últimos tiempos”.

Los primeros grandes nombres de 2018

En la isla de Tenerife ya se conocen algunos de los nombres de artistas de primera línea que visitarán la Isla en 2018. Las previsiones iniciales apuntan a otro año de intensa actividad, con conciertos de medio formato como los que se sucederán en el Espacio Aguere Cultural (centro escénico vital para el desarrollo de conciertos en la Isla), con nombres ya confirmados como los de Sexy Zebras, Lendakaris muertos, Sho Hai, Viva Suecia o Jardín de la Croix.

Además, ya ha comenzado la promoción de lo que se espera que sean grandes citas de aceptación masiva. Casos como los de UB40 y Status Quo, dentro del ciclo Legens Live, o el regreso de The Wailers, con el gran Al Anderson a la cabeza y como previo al Felling Festival; o el afamado espectáculo de Ants, dentro de la entrega de Semana Santa del Green World Festival; Diego El Cigala, celebrando los 15 años de su exitoso disco Lágrimas Negras; además de Luz Casal y Dani Martín, entre otros, en el intenso festival Mar Abierto.

15 medallas internacionales más tarde, Ruth Beitia decidió el pasado mes de octubre hacer público en rueda de prensa su despedida del deporte de élite. Ella, que había acostumbrado a los aficionados al atletismo a celebrar importantes logros en las alturas, lidiando con el listón en su modalidad de salto de altura y saliendo mayoritariamente victoriosa. 15 medallas más tarde la deportista pasa a convertirse en leyenda.

Nadie ha puesto en duda el título oficioso de mejor deportista española de todos los tiempos. Sobre sus espaldas, ratificando esa condición de reina del deporte nacional, un palmarés brillante: Juegos Olímpicos, oro en Río 2016; Mundiales al aire libre, bronce en Moscú 2013; Europeo al aire libre, oro en Helsinki 2012, Zurich 2014 y Amsterdam 2016; Mundiales en Pista Cubierta, Plata en Doha 2010 y Portland 2016, bronce en Moscú 2006 y Sopot 2014; Europeos en pista cubierta, oro en Goteborg 2013, plata en Madrid 2005, Turín 2009, París 2011 y Belgrado 2017, y bronce en Birmingham 2007.

Esta decisión llegó a los 38 años de edad, tiempo en el que cultivó el atletismo como una forma de vida, la misma que le moldeó como persona. ¿Cuál fue la sensación de Ruth Beitia el día después de haber anunciado su adiós al deporte de élite en rueda de prensa? “La verdad es que me levanté feliz, entre otras cosas porque el duelo ya lo había pasado. Pasé cuatro meses bastante malos, en los que las lesiones y las molestas hicieron aparición en una persona que en la vida había pasado por eso durante un periodo tan prolongado. La retirada fue una decisión muy meditada, ya había hablado con la gente que no quería que se enterase por una rueda de prensa. Además, tengo la sensación de que lo dejo en el momento preciso. Tengo 38 años y puedo decir que la vida me dio una prórroga increíble. Estos últimos años han sido mis mejores como deportista, soy lo que soy gracias al atletismo y creo que lo debo dejar en el momento preciso para no fallar a lo que me ha dado el deporte a mí”.

Después de este giro brusco en su guión personal, Beitia sigue vinculada al deporte desde distintos frentes. Por un lado, con la misma práctica de actividad física… “El deporte sigue en mi vida, entre otros motivos porque los médicos me aconsejaron que no dejara la actividad de manera radical. También es difícil romper el cordón umbilical con un grupo de personas con los que he estado toda mi vida y sobre con todo mi entrenador, mi 50%, Ramón Torralbo, con el que he estado nada más y nada menos que 27 años. Hablo con él por teléfono casi todos los días y los martes y jueves intento estar con el grupo. El resto de días me ha dado para gastar rápidamente mi lista de futuribles, de cosas que quería hacer desde hace tiempo, como patinar, montar en bici, alpinismo, esquiar… clases en el gimnasio. Son cosas que antes no podía hacer y ahora son parte de mi vida”.

Por otro, por su vertiente profesional como política en Cantabria, su comunidad de origen: “Antes de quedar Campeona Olímpica tenía más competencias en el Parlamento, pero he decidido pasar algunas de esas actividades a un compañero y quedarme sólo con el deporte. Ahora estoy mucho más tranquila. Hemos pasado una racha reciente con un ritmo frenético por el trabajo con los presupuestos, pero sí, ahora es todo un poco menos intenso. Se puede decir que también sigo vinculado al deporte con esa faceta y en otras, tanto como diputada por el Partido Popular, como en el Comité Olímpico y también en la junta directiva de la Federación Española”.

Desde esta faceta como parlamentaria, la medallista olímpica trabaja para que el deporte se haga más hueco en la sociedad, empezando por intentar implantar más horas de actividad física en los centros educativos: “Creo que el deporte debería ser cuestión de estado. Hay que mostrar aún más a las instituciones lo importante y beneficioso que puede ser su práctica para el ser humano. En eso estamos, en que el deporte pueda tener una hora más en los institutos, en los colegios; que se note que hacer actividad física evita que la gente tenga que ir tanto al médico y muchas otras consecuencias del sedentarismo”.

¿Y qué ha florecido en la vida de Ruth Beitia una vez que ha dejado a un lado la competición de alto rendimiento?: “Soy una persona muy inquieta y ahora mis amigos me dicen que antes, cuando competía, tenía más tiempo libre. Quiero retomar el teatro, me he apuntado a clases de inglés, sigo trabajando y estudiando psicología; también viajo mucho, dando conferencia y recogiendo premios… La verdad que es difícil pillarme en casa”.

En el largo camino de Ruth Beitia, desde sus inicios y durante este largo recorrido lleno de éxitos y récord, se han mantenido dos constantes inamovibles. Su relación inquebrantable con su entrenador, y su posición inflexible en contra del dopaje. Bajo esas premisas, la lucha y esfuerzo diario hasta el gran éxito en los pasados Juegos Olímpicos de Río de Janeiro: “La Medalla de Oro fue la consecución de un sueño junto a la persona que me cogió hace 27 años de la mano para lograr unas metas que al final han sido compartidas al 50% con mi entrenador”.

“Tenemos la sensación –continua Beitia- de haber logrado gran un éxito para el deporte español, y estamos contentos no tanto por lo que hemos conseguido, sino por cómo lo hemos conseguido. Siempre con la satisfacción del trabajo bien hecho, de la lealtad del uno con el otro, del espíritu del sacrificio, de esa guía de valores que te enseña el deporte y que se puede extrapolar a cualquier aspecto de tu vida. Y, por encima de todas las cosas, con esa sensación de hacerlo hecho con honestidad y limpieza, trabajando muy duro sanamente y limpiamente”.

¿Cree Ruth Beitia que el atletismo está bajo sospecha por los sonados y regulares casos de dopaje que se destapan en este deporte?: “Creo que son casos aislados. Es ingrato la sensación de tener que estar una hora de los 365 días del año vigilada, siempre hay que estar pendiente de decir dónde estás, con quién estás, etc… por si aparecen los responsables antidopaje para hacer una análisis de orina o de sangre. Pero yo soy una fiel defensora del antidopaje y seguiré luchando siempre en este sentido. Voy a seguir luchado contra el dopaje, con el fin de que todos los deportistas puedan luchar bajo las mismas condiciones”.

Las grandes noticias para Ruth Beitia no sólo tuvieron que ver con las sonadas conquistas deportivas. Ella, a la par de su Oro Olímpico, pone en lugar privilegiado de su palmarés el premio International Fair Play (Juego Limpio) de la Asociación Internacional de Federaciones de Atletismo, recibido por su gesto de consuelo a la italiana Alessia Trost cuando ésta quedo eliminada en la calificación de los campeonatos del mundo. Así lo explica ella: “La medalla olímpica es el gran logro que he conseguido como deportista, pero hay otra conquista importante que he conseguido como persona, que ha sido el Premio Fair Play que me dieron en Londres en este último mundial. Son dos logros muy representativos, uno como deportista y otra como persona, que es lo que soy gracias a deporte. Esta sensación de tener estos dos galardones es increíble”.

Desde su conocimiento, después de una vida deportiva en la que lo ha ganado casi todo, Beitia tiene un claro y sencillo consejo no sólo para los jóvenes que se acerquen y quieran practicar esta disciplina, sino también, y sobre todo, para sus padres: “Lo primero que tiene que pensar un niño es en disfrutar. Ya llegará el tiempo de profesionalizarse, de pensar en resultados, en rivalidades muchas veces estúpidas que se generan en el deporte. El mensaje, más que a los críos, yo se lo daría a los padres. Cuando sus hijos vengan de hacer deporte no tienen que preguntarle si han ganado, deben preguntarle si han disfrutado porque en el deporte base eso es lo que debe primar”.

La industria de la música hace tiempo que persigue un ecosistema de supervivencia para todas las partes implicadas. Desde la aparición del mercado digital, artistas, casas discográficas, distribuidoras y compradores se relacionan en un campo de acción diverso y altamente competitivo. Para muchos, este marco ha supuesto unas dificultades añadidas muchas veces extremas, para otros una fuente inagotable de oportunidades. En medio de estas nuevas reglas de juego aparecen empresas como Emubands, una agregadora de música para plataformas digitales que se ofrece a los grupos y artistas para hacerles este camino mucho más fácil. En este proyecto, como uno de los responsables de la marca para España y Latinoamérica, se encuentra desde hace tres años el tinerfeño Enrique Santana, con una visión optimista de lo que está por llegar en este complejo universo de la música.

– Pregunta quizás compleja por amplia… ¿Cuál es el estado de la industria musical en general?

La industria musical está compuesta por diferentes sectores y, evidentemente, la situación actual no trata a todos por igual. Vivimos una época de profundos cambios, principalmente en los hábitos de consumo de la audiencia, y éstos están en constante renovación. Si observamos los datos del primer semestre del 2017, en cuanto al mercado de la música grabada en España, podemos observar un crecimiento de un 21% respecto a las cifras del 2016; y entre lo recaudado entre ventas digitales y físicas un 21% y un 0.97%, respectivamente (datos obtenidos de Promusicae). Creo firmemente que los que nos dedicamos a este negocio podemos ser moderadamente optimistas, entendiendo que la profesionalización en todos los sectores que abarcan esta industria es vital para sobrevivir en este mercado tan duro. Estamos cerca de un progresa adecuadamente.

– ¿En qué grado lo digital ha desplazado a lo físico?

– Los datos que te mostraba anteriormente hablan por sí mismos, pero dándote una cifra exacta respecto al mercado español en el primer semestre del 2017, se han generado unos 83 millones de euros de los cuales 56 provienen del mercado digital y los otros 27 pertenecen a la venta de formatos físicos. En la actualidad, con contadas excepciones, es imprescindible estar en la red para poder a dar a conocer y tratar de rentabilizar cualquier producto musical.

– ¿Qué oportunidades ofrece el universo digital a los grupos de música? ¿Y qué les ha quitado?

– La oferta es obvia, actualmente con la red puedes lanzar un single-ep-álbum y que llegue en el mismo instante a todos los usuarios del planeta. Y lo que les ha quitado es la posibilidad de relajarse; la oferta es masiva, la competencia feroz y hay que estar muy encima de cada proyecto para poder generar el impacto que precisa en una audiencia totalmente saturada de información.

– ¿Cuáles son los principales pecados que comenten los grupos a la hora de comercializar su producto?

– El principal que nos encontramos en EmuBands es que muchos de los nombres artísticos de las bandas que realizan su primer lanzamiento ya han sido creados con anterioridad en otros lugares, por lo que recomendamos encarecidamente en nuestras charlas usar Google antes de ponerle el nombre a un proyecto, para tratar que sea original. Otro muy común es ver a bandas con un impacto muy minoritario marear a la poca audiencia que tienen con lanzamientos muy ambiciosos; es imprescindible generar audiencia (followers) para poder desarrollar esa parte vital de la planificación de un proyecto musical.

– En Canarias, ¿los grupos tienen conciencia hacia lo digital?

– Creo que Canarias para nosotros es un campo de acción muy importante, muy pocas bandas-solistas-sellos de Canarias se plantean un lanzamiento sin presencia digital; en eso la geografía ayuda a entender lo importante y útil que es la red para todos.

– En pautas generales, ¿cómo se regula la industria en la actualidad? ¿Existe una mecánica de actuación a la hora de apostar por canción/grupo u otro?

– Esta es una pregunta muy compleja dado que, como te explicaba, la industria la forman sectores muy diferentes y, por primera vez en mucho tiempo y gracias a la viralización en redes como youtube, se incorporan a nuestra industria proyectos musicales que nacen y se desarrollan en el estudio casero de un chaval con ciertas aptitudes en cuanto a conexión social, habilidades con programas de edición de audio y video. En ese aspecto vivimos un momento en el que artistas quizás no tan completos como en décadas anteriores pero sí mucho más versátiles ponen en jaque a toda la industria demostrando que hay canales que te pueden poner en órbita y desarrollar tu carrera musical de manera prácticamente autónoma.

– ¿Cómo se ha posicionado EmuBands este universo tan amplio?

– EmuBands es una de las pioneras en este sector de la distribución digital en todo el mundo, el buen hacer, los años de experiencia y el respeto que nos merecen nuestros clientes creo que nos hacen tener cierta ventaja respecto al resto. Estamos en constante renovación, procuramos asistir a las ferias más importantes del planeta para tratar de conocer las pautas de este mercado tan cambiante y tenemos claro que lo principal es el artista.

– Siempre se ha hablado de un dominio de poder por parte de las casas discográficas respecto a los músicos… ¿existe una manera justa de gestionar este negocio?

– Como te comentaba, en este momento ya hay artistas totalmente independientes que barajan números de artista mundial con sello multinacional. Esta industria, a diferencia de muchas otras, está sostenida por el arte de hacer o interpretar canciones; no sé hasta qué punto podríamos valorar la justicia como un factor relevante en este negocio, lo que sí creo es que cualquier artista con talento y mucho sacrificio tiene bastantes posibilidades de hacerse un hueco en la música.

– Desde su visión privilegiada, ¿cuál es la música que mejor está funcionando en España? ¿Y en Canarias?

– A esta pregunta me tomo la licencia personal de contestarte como fan, para mí solo hay dos tipos de música….la buena y la mala. Es probable que en este momento la mala tenga un mayor impacto económico en este mercado.

– En términos generales, ¿cómo se reparten los beneficios de la venta digital? Artista, sello, distribuidora, etc…

– Partimos de la base, en la que cada tienda o plataforma streaming tiene sus propias condiciones económicas. De lo recaudado por el distribuidor a lo que llegue directamente al artista, depende siempre de los acuerdos cerrados entre artista o sello y distribuidor. En nuestro caso (EmuBands), un músico o sello recibe el 100% de los royalties.

– ¿Qué consejo le daría a los vendedores de tiendas físicas de discos?

– Esta pregunta me parece muy interesante. Para los melómanos que tenemos cierto apego al formato (vinilo, cd, casete, etc.) la tienda de discos nos sigue pareciendo un lugar de culto y peregrinaje. En mi caso personal, hay una gran cuota de lo que sigo comprando que lo hago en tiendas que ofrecen ediciones especiales y muy atractivas, ediciones limitadas, firmadas por el artista, o versiones deluxe, con contenido inédito de discos que me encantan. Creo que la evolución coherente de la tienda en este momento, y en un futuro a corto y a medio plazo, es convertirse en el lugar de encuentro entre artista y fan. Un espacio donde poder estar al día y ampliar conocimientos musicales diversos. Un buen tendero debe ser un melómano enfermizo, con amplitud de miras y una necesidad imperiosa de ponerle la banda sonora perfecta a cada uno de sus clientes, pero siendo honesto hay mucho camino que recorrer para conseguir un relevo generacional que consiga la supervivencia de la tienda de discos tal y como la conocemos ahora. ¿Un consejo? Entréguese en cuerpo y alma o déjelo.

– ¿Qué ejemplos de artistas exitosos auto gestionados a través de la red nos pondría?

– Son conocidos y destacados los casos de Lily Allen y Artic Monkeys gracias a Myspace; en la actualidad podría mencionaros algunos talentos internacionales como Brayton Bowman, Oh Be Clever, MisterWives, Devan DuBois, Tech N9ne, Chance The Rapper. Pero si quisiera destacar el trabajo de alguien, que creo que está haciendo un trabajo excelente y pongo como ejemplo en todas las charlas que doy sobre esta industria, sería a los canarios Loco Playa.

– ¿Hay algún otro tipo de revolución digital en camino?

– Llevamos algunos años hablando del impacto de las playlist, y creo que lo siguiente viene un poco en esa línea. El gran Quincy Jones inaugura el 15 de este mes de diciembre QwestTV, lo definen como el Netflix del Jazz, y entiendo que será un paso más, de lo que nos viene en un futuro musicalmente hablando. La interacción con el fan nunca ha estado tan viva como en esta era, las campañas de financiación, las conexiones en vivo vía facebook o twitter. Creo que lo auténticamente revolucionario podría ser el canal que pueda ponerte en conexión directa con tu público potencial sin la saturación que vivimos actualmente en las redes que usamos.

Piedra Pómez está de aniversario. 30 años después de sus primeros pasos, este dúo humorístico sigue aferrado al humor y llenando teatros y plazas con sus actuaciones. Para esta meritoria celebración estrenan espectáculo, Una pareja feliz y con treinta, con el que la popular pareja cómica hace balance a sus primeros 30 años como formación humorística. Su primera representación tendrá lugar en el Teatro Leal de La Laguna, el 2 de diciembre a las 21:30 horas, con el precio de las entradas a 15, 12 y 10 euros. Un poco más tarde, el 22 del mismo mes, se subirán también a las tablas del Teatro Cuyas, en Las Palmas de Gran Canaria. En la siguiente entrevista hacemos balance a su larga carrera artística junto a los dos protagonistas, Paco Santana y Gregorio Figueras.

– ¿Qué recuerdan de sus inicios?

– La cosa surgió primero allá por 1985 a finales o en 1986. Paco Santana empezó a hacer un programa en Radio Guiniguada, emisora independiente y participativa donde otros colegas profesores hacían otros programas de música, poesía, etcétera. El programa se llamaba Piedra Pómez y era un magazine de humor con entrevistas a personajes imaginarios de la política, artistas, parodias publicitarias, etcétera… en la línea del humor absurdo y retorcimiento del lenguaje y situaciones. Desde mucho antes habíamos admirado a Les Luthiers, Tip y Coll, Martes 13 y, luego, Goma Espuma. Paco Santana venía del mundo del teatro desde su inicios infantiles en los Salesianos, luego la puesta en escena de La Cantante Calva de Ionesco en 1971 y múltiples cursos y seminarios de teatro en La Laguna hasta su entrada en el Institut del Teatre de Barcelona en 1975 lo que supuso al menos la certeza de tener algunas capacidades para la escena. Circunstancias de la vida lo obligaron a abandonar los estudios teatrales con gran pena para dedicarse a dar clases particulares y vender parcelas de terreno en Barcelona y poder así mantenerse. Antes, desde nuestra época de estudiantes laguneros ya juntos habíamos creado a Fefa y Siony, Vanessa, Mary Carmen Isas Folias y Malagueñas, etcétera, en nuestras noches de “estudio” como ursulinos en el Colegio Mayor San Fernando, allá por los años 1972-1974.

Pero Piedra Pómez en radio surgió con otros colaboradores distintos y Gregorio Figueras Martín (Gre) vino a ser un elemento que se incorporó algo más tarde. En radio, por fin, fuimos tres fijos: Paco y Gre junto a un colega profesor, José Luis Domínguez, Pifanito. Pero cuando damos el salto a la escena, cosa que ocurrió el 27 de noviembre de 1987 en la 1ª Fiesta del enseñante, coincidente con las primeras elecciones sindicales en la enseñanza, en la desaparecida discoteca Macro Astoria de Las Palmas de Gran Canaria, Piedra Pómez tuvo que recurrir a otro tercer componente porque nuestro miembro radiofónico no quería aparecer en escena. Se nos unió otro Paco Santana, “Paco Lata” antiguo alumno del Instituto Alonso Quesada. Curiosamente en ese trío inicial, hubo dos Paco Santana. Así nos presentamos aquel 27 de noviembre de 1987 y, luego, llegamos a actuar varias veces en el antiguo Pub Cuasquías de la Calle Venegas que se ponía a reventar cada vez que nos subíamos a la tarima-escenario. Empezamos a darnos a conocer. Luego se produce un parón en nuestra incipiente actividad por enfermedad y posterior fallecimiento del padre de Paco Santana Santos. No volvemos a reaparecer hasta fines del 1988 pero ya en la forma de dúo y con los componentes actuales. Luego empezamos en TVE-C en el programa El Patio y desde ahí hasta la fecha.

– ¿Ha habido evolución en su propuesta artística desde entonces?

– Nuestro eslogan fundacional era “una pareja de amigos que se divierte en voz alta” lo que revelaba claramente nuestra intención: divertirnos nosotros y que la gente nos oyera y se divirtiera también. Paco Santana, el creador y fundador, tuvo la clara idea de que lo que habían hecho en aquellas noches laguneras de risas delirantes y luego en la radio podía llegar a ser divertido y original. Eran, además, la primera pareja humorística que surgía en el panorama artístico canario donde ya habían empezado algo antes Manolo Vieira y Juan Luis Calero cada uno en su terreno.

Piedra Pómez surge con una clara intención de hacer humor de corte surrealista y absurdo basado en el juego del lenguaje, la parodia y los recursos cómicos tradicionales del cambio de rol, ridiculización de lo solemne y todo con una buena dosis de improvisación basada siempre en la experiencia personal docente, familiar, de barrios etcétera. No nos interesaba ni el humor de muecas ni el discurso a base de chistes sino de un discurso humorístico a base de personajes originales, creados por nosotros que han ido aumentando con los años. No se trataba tanto de una oferta artística depurada sino viva, recreada, experimentada, improvisada y basada siempre en una mirada sobre la realidad con ironía, una buena dosis de absurdo y un juego continuo del lenguaje. Eso se ha mantenido siempre aunque los protagonistas, nuestros personajes como Esther Calero, Heidi Honda, El Bosta, Boby Lin o Fefa y Siony, Poly Neurol, Poli Urbano, Sary Mánchez, Vanessa del Pino han ido rotando y haciendo uso de la palabra por turnos.

– ¿Hay algún tema sobre el que no harían humor?

– Sin duda hay temas que no se podrían llevar al humorismo sin riesgo de ser considerados unos desalmados o peor aún, unos descerebrados. Hacerlo, por otra parte, sería una estupidez, algo de poca habilidad. Es como meterse en un fregado o en un berenjenal de forma innecesaria. No solemos hacerlo pero como estudiosos del fenómeno del humor sabemos que toda la actividad humana es susceptible de pasarse por esa especie de cristal con que el humor mira todo… lo que luego le acarrea un adjetivo de color: negro, rosa, amarillo, verde… Pero una cosa es el libre ejercicio mental del humor y otra cosa muy distinta ejercer el humorismo sobre ese tema. Claro que ahora pienso en los terribles asuntos como el terrorismo, violencia de género etcétera... aunque siempre es posible ironizar y hacer una burla de quienes lo practican; pero usar esos temas de forma argumental en el humor lo consideramos casi imposible… para una mente sana, claro.

– ¿Cómo surgen los sketches de Piedra Pómez?

– Los sketches como tales son pequeñas piezas dramáticas humorísticas, píldoras de humor que surgen de forma diversa: en ocasiones cuando se trata de programas de tv suelen ser más elaborados con un texto preciso y una duración acorde con el medio. Otras veces, la mayoría, son situaciones de duración variable y con un texto más flexible e improvisado a veces. Comenzamos por la situación humorística que se quiere tratar. Definimos el escenario, por ejemplo, la consulta del médico, un encuentro familiar, un político que explica su programa, un cocinero que da una receta o unas profesoras que dan clase o una echadora de cartas que predice el futuro, etcétera, etcétera. Luego a partir de ahí seleccionamos los personajes que intervienen: dos amigas, dos familiares, colegas, etcétera, y, en seguida, se inicia un proceso de tormenta de ideas en torno al tema. Normalmente partimos de un gag o golpe basado en un juego de palabras o asociación de ideas, y lo vamos montando a base de un diálogo que lo prepara y nos aboca a él. Otras veces se elabora a base de juegos de palabras o situaciones absurdas que tratadas con normalidad crean el contraste y la sorpresa que siempre están presentes en el discurso humorístico. Eso da como resultado una especie de guión de ideas, gags o situaciones que la mayor parte de las veces se estructuran de forma improvisada. Nunca tenemos un texto que se repite ni un texto que se memorice. Es posible que a un mismo gag se llegue por situaciones y discursos distintos.

La parte de recreación impovisada absoluta siempre está presente en nuestras actuaciones. Digamos que es nuestra forma de entrar en materia. A veces la situación y el entorno y el público son especialmente motivadores y la improvisación agota un buen porcentaje del espectáculo. Puede volver a repetirse más tarde durante el show con algún imprevisto que surja… Recuerdo cuando en una actuación en un escenario de una plaza de pueblo empiezan a sonar las campanadas del reloj de la iglesia, al lado del escenario… inmediatamente surgió el golpe… “mira Fefa le está entrando un whatsapp al párroco”… lo demás fue solo seguir tirando del hilo.

– ¿Qué ofrecen en este espectáculo con el que conmemorán 30 años?

Precisamente lo que nos hemos planteado es hacer una historia de estos treinta años, elaborando un discurso humorístico en base a nuestra forma de trabajar: haremos como hacemos cuando preparamos las cosas. Y vamos a hacerlo con temas que no se han desarrollado nunca o muy poco pero a partir de la narración de nuestra vida humorística: Piedra Pómez cuenta como surgió y como elabora sus materiales… aderezado con algún elemento como una peluca, una espumadera… contaremos cosas que nunca vieron la luz y hablaremos de política, religión, cocina, folklore, banca, cultura… y hasta seguro que nos atreveremos a improvisar con la colaboración del público…

– Durante este tiempo, ¿cuáles han sido los mejores momentos? ¿y los peores?

– No es un tópico si les decimos que desde que comenzamos lo hicimos para divertirnos, todo el tiempo lo hemos hecho. Pero dentro de esa buena situación lo mejor es cuando la gente te agradece lo que les has hecho reír y cuando sabes que has aliviado algunos malos momentos. Lo peor sin duda es cuando en escena hay mucho jaleo ambiental y el público no te oye… o cuando te contratan para actuar en un contexto nada apropiado para el humor. Una vez nos contrataron para actuar en una fiesta universitaria en Navidad. Tras parar la música y detener la marcha para el momento del humor, la gente joven solo quería marcha y música… Nos tuvimos que bajar del escenario. Lógico. En ocasiones no siempre se conecta con el público dada su naturaleza como cuando nos pusieron a actuar para niños sin que de antemano lo supiéramos… pasados los 15 segundos iniciales de risas y jolgorio al ver a dos hombres vestidos de mujer —esa era su sencilla y lógica lectura— no paraban de gritar y jugar… a los tres minutos nos fuimos… nunca supimos a quién se le ocurrió tan brillante idea.

– ¿Qué es lo mejor de subirse a un escenario?

– En nuestro caso, sin duda, es el inmenso placer que produce el saberte portador de felicidad, risas y bien estar…. es distinto de un ministro o un inspector de hacienda y hablo en sentido figurado… Es un extraño efecto ese de sentir que tienes el poder de hacer felices a las personas y fascinarlos a base de risas. Te llena de satisfacción legítima creo porque la estás creando tú en vivo, allí, delante de ellos mismos y son tus cómplices… es un efecto salón en vez de efecto pasillo.

– Ese momento en el que el público no responde a un chiste como se espera, ¿qué pasa por la cabeza?

– Eso tiene su explicación: el público es extranjero. Ahora en serio, que un determinado gag o chiste no se entienda o se capte evidentemente es responsabilidad del emisor, el artista humorista en este caso. Puede que el mensaje verbal no se haya entendido físicamente bien debido a una interferencia o ruido externo o fallo técnico… pues se repite y ya está. Pero si se trata de un gag, golpe o chiste que no se comprende porque el público no capta la relación existente o el chiste es de escasa comicidad, entonces te das cuenta de que no ha surtido efecto. En ocasiones el contexto del gag no se crea adecuadamente y el público no ve la relación. Evidentemente es decepcionante pero se debe pensar que normalmente en una actuación se recurre a una bateria o sucesión de gags y chistes y que alguno falle es normal. A veces cuando pruebas algo para ver qué tal funciona. Pero también lo contrario: un comentario sin intención se convierte en un gag exitoso. Pero si el público deja de responder de forma frecuente es cuestión de pensar qué les estás diciendo y probar en otra lengua o sencillamente cerrar la boca.

– ¿Dónde se sienten más cómodos, en la televisión o en el teatro?

– En la cama o en un buen sillón sin duda. El teatro tiene algo especial y es que es el primer y genuino género: sientes el pulso del público y puedes hasta rectificar y a demanda te puedes ir adaptando. En la televisión se reproduce el efecto teatral pero no hay bidireccionalidad, no puedes interferir. Es más cuando haces tu intepretación es algo carente de calor humano, hay que estar atento a demasiadas cosas: sonido, iluminación, maquillaje… y no hay respuesta inmediata. Pero una vez que aprendes a hacerlo puedes llegar a saber crear ese climax a base de echarle emoción y alegría. Es un tópico pero es cierto decir que se trata de dos vehículos distintos, dos medios de transmitir mensajes. Además, he visto obras de teatro carentes de emoción y absolutamente mecánicas. Y sketches televisivos pletóricos de empatía y sumamente comunicativos.

– ¿Cómo definirían ustedes mismos su humor?

– Es una cuestión complicada porque es multidireccional pero hay en común una cosa que es el tratamiento del lenguaje. Quizá por deformación profesional de nuestra actividad docente el lenguaje y sus múltiples posibilidades sugerentes son nuestra materia de trabajo. Buscamos el humor en el lenguaje a través de su capacidad de sugerir, dar doble sentido, jugar con las palabras y sus significados y similitudes fonéticas todo eso en discursos drámaticos sintéticos basados en las vivencias de toda índole de nuestro entorno canario, nacional e internacional, tratadas o llevadas al absurdo por sus protagonistas también absurdos. A veces se nos ha dicho que somos exponentes del humor canario y eso es tan cierto como decir mojo canario. Es canario porque sus ingredientes se han combinado en una receta usada principalmente en Canarias pero ni el aceite, ni el comino, ajo o pimentón son genuinamente canarios. Nosotros usamos un contexto canario para buena parte de nuestras creaciones, usamos el habla canaria porque es nuestra forma de hablar, pero no hacemos nada genuinamente canario; solo combinamos esos elementos en nuestro entorno. Nuestro humor es una forma de ver y describir el universo que nuestros ojos ven y nuestro entendimiento, que es poco, alcanza a interpretar.

– De la amplia oferta de humor que se produce hoy en día en España, ¿con qué se quedan?

– Desde el punto de vista estricto de espectadores y consumidores de humor no creemos que la oferta sea amplia. Bueno quizá lo sea en cantidad pero no en calidad o variedades de género. El humor o mejor el humorismo tiene bastante de artesanía del lenguaje y de la inteligencia, el humorismo denota sin duda una creatividad y capacidad para recrear y combinar una serie de recursos a través del humor. Se le sobreentiende cierta habilidad creadora. Quien se llame humorista tiene que hacer algo más que usar un discurso lleno de tópicos argumentales y palabras malsonantes para llamar nuestra atención. El discurso incongruente, los juegos del lenguaje, las situaciones basadas en la realidad de la vida llevadas y tratadas con cierta habilidad absurda y los personajes recreados en base a la caricatura a veces grotesca y a veces realista de los protagonistas cotidianos. Decididamente no somos muy de la línea monologuista en la medida que se ha convertido en un género muy manido y estereotipado —salvo excepciones aisladas—. Para ser humorista creo que se debe ser creador de tu discurso y argumentación humorística. Si solo memorizas y repites con más o menos gracia lo que se te escribe serás un actor cómico más o menos bueno, pero no un humorista. Otra cosa luego es que tu discurso y argumentos tengan agudeza y calidad. En español nos encanta el humorismo que ejercen Les Luthiers.

– ¿Los canales públicos de comunicación ofrecen el espacio que se merece el humor y las artes?

– Aquí entramos en un terreno “pantanoespinoso” porque te puedes enfangar y pincharte. Lo que creemos como ciudadanos es que los medios públicos de comunicación deben ser un reflejo del sistema participativo social. Es decir, si tienen que servir de vehículo de promoción de valores y artistas sea en el terreno del humor o de las artes en general se deben guiar por el principio de la igualdad y del rigor en cuanto a unos mínimos de calidad. En tiempos recientes, por ejemplo en el humor, han tenido preponderancia unos sobre otros de forma demasiado evidente sin que se aplicaran criterios de igualdad de oportunidades ni mucho menos de calidad y méritos. Eso ha estado motivado por la influencia de determinados poderes de empresas audiovisuales que solamente “colocaban” a artistas de su predilección sin otro criterio que el de repetir más y más de lo mismo. Ese modelo no nos parece ni equitativo en unos medios públicos, financiados por todos, ni siquiera comercialmente recomendable al eliminar de las programaciones otras ofertas que podrían haber completado los contenidos de forma más variada y mejorado sin duda los índices de audiencia. En todo caso debe primar el principio de eficiencia y excelencia pero tampoco viene mal que el artista se promocione mediante su oferta creativa de manera particular. Es lo que se llama el libre mercado. Pero es a todas luces un insulto a la inteligencia que en los medios públicos durante los últimos diez años solo haya existido una determinada línea repetitiva de teatro cómico-costumbrista sin contenido crítico reconocible y muy poco de humor creador y a veces se auto promocionaban como el “mejor humor canario” sencillo pero poco objetivo viniendo de ti mismo.

– ¿Hasta cuándo habrá Piedra Pómez sobre los escenarios?

– Groucho Marx en una ocasión comentó algo así como que cuando entrara en un local y nadie lo reconociera, se retiraría. A nosotros nos pasa que no nos reconocen a veces hasta que hablamos. Uno no va con peluca de señora por ahí. Pero nos siguen reconociendo con mucha frecuencia aunque a veces nos da la sensación de que es más lo que han oído de nosotros que lo que nos han visto. En nuestro caso, cada uno de nosotros ha ejercido el humor de forma continua en nuestra vida cotidiana por separado y juntos en Piedra Pómez; actualmente, además, en el fascinante experimento humorístico que es el Aula del Humor de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria. Es posible que el ejercicio continuo del disparate verbal solos y en grupo nos libere un poco del riesgo de perder la memoria y el sentido común por no hablar de cosas peores. Como seres humanos hablaremos y nos reiremos mientras nos queden neuronas capaces de gestionar estas gratificantes habilidades humanas junto a otras, claro está, no menos gratificantes pero ya de orden estrictamente fisiológico. Es fisio y lógico ¿no les parece?