El Planazo del Sr. Sanabria rinde homenaje al cantante de Soundgarden, Chris Cornell, que falleció el pasado jueves. Uno de los últimos referentes del grunge protagonista indiscutible en otras bandas como Audioslave o Temple of the Dog.

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El Sr. Sanabria nos trae tres planazos prohibidos, de esos que a las mentes bienpensantes no les gusta que conozcas. Un libro, una película y un disco que saciarán tus ganas de conocer lo desconocido.

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Sin la despótica presencia del innombrable recordamos tres artistas que se sacudieron el yugo que les tiranizaba y volaron por su cuenta. Sobre tres figuras de grandes músicos, actores y cantantes gira este Planazo del Sr. Sanabria.

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Os traemos tres Planazos con el Sr. Sanabria. “El exceso yankee” para gozar y disfrutar de una película, un libro y un disco al más puro estilo norteamericano.

Comencemos con un libro de James Ellroy, el perro demoníaco de la novela americana. Cuando me preguntan por libros favoritos siempre menciono América (American Tabloid, su título original) publicado en 1995 que supone el primer tomo de la trilogía americana que completan Seis de los Grandes y Sangre Vagabunda.

Esta trilogía repasa la trastienda de la historia de Estados Unidos desde mediados de los 50 a mediados de los 70; desde el episodio de Bahía Cochinos y el asesinato de JFK hasta las revueltas raciales y el pulso de poder entre J Edgar Hoover y Howard Hughes, con el conflicto de Vietnam de fondo. Tomando la estructura de la novela negra (y actualmente Ellroy es el puñetero amo del asunto), disecciona la parte oculta del sueño americano y no deja títere con cabeza. Acusado de violento, misógino y ultra derechista, Ellroy alimenta ese personaje con mucho gusto, y posiblemente lo sea; en cualquier caso le encanta recibir atención. No obstante en sus novelas atiza por igual a derecha e izquierda. No resulta fácil de leer, y por eso me sorprende su éxito: una prosa obsesiva, crispada, neurótica, seca, parca en palabras pero explosiva en resultados, con tramas enmarañadas y salpicadas de una violencia explícita de lo más impactante; Ellroy desarrolla un estilo barroco y denso dentro de una aparente simpleza engañosa. Los personajes resultan incómodos, y es imposible identificarse con nadie. En América los tres protagonistas dan miedo; Pete Bondurant, un gigante guardaespaldas de Howard Hughes; Kemper Boyd, un agente del FBI infiltrado en la organización de los Kennedy y por último Ward Litell un abogado expulsado del FBI que acaba trabajando para el crimen organizado. Ellroy define su trilogía como una pesadilla privada de las políticas públicas y en ella refleja los entresijos del poder, con personajes ambiciosos e intrínsecamente corruptos, cuyo único propósito es el de acaparar sin importar los medios. Ellroy siempre ha disfrutado declarando que no tiene interés alguno por denunciar y que se centra únicamente en cuestiones literarias, pero es evidente que esta disección tan concienzuda no nace de la nada. A pesar de que las novelas puramente Noir son las que le han dado fama y dinero (L.A Confidential) es en esta trilogía donde encontramos al Ellroy más desatado y absorbente, el retrato más sucio y extremo de la corruptela imperante, un planazo donde los haya.

Para el planazo cinematográfico elegimos La Puerta del Cielo (Heaven's Gate, 1980) de Michael Cimino, por varias razones. La primera es el titular de la sección de hoy, si queremos un película excesiva esta es la nuestra. Excesiva en metraje, en ambición, en presupuesto y , sí, excesiva en desastre. Pero es que además la temática nos viene al pelo; el problema de la inmigración y cómo lo enfocan los poderes fácticos. En este caso la película se basa en la Guerra del Condado de Johnson, en la que los grandes terratenientes ganaderos de Wyoming quisieron resolver el problema que les causaban los granjeros (los inmigrantes de esta historia) plantado verjas (¿les suena?) o a tiro limpio. La eterna lucha de clases, la historia del poderoso aplastando al pobre. Per pongamos todo esto en su contexto. Cimino venía de darse un baño de gloria con El Cazador en 1978, con la que había logrado 5 estatuillas, incluidas las de mejor película y director. En pleno ego-trip extremó su discurso izquierdista para esta cinta; el problema es que se estrenó apenas dos meses después de que Ronald Reagan se hiciese con el poder (Reagan por cierto, mejor actor que político, que ya es decir). Los tiempos soplaban distintos, una nueva América con epicentro en Wall Street asomaba su feo hocico. Además, Cimino se cepilló un presupuesto de 44 millones de dólares para recaudar…3. El excesivo metraje llegó en un aprimera versión a los 220 minutos, que se vieron drásticamente reducidos a 150, destrozando la idea original del director. Ya sabemos como funciona la tirria del periodismo cinematográfico cuando alguien arrasa y no entra en el juego de Hollywood, que es justo lo que hizo Cimino después de El Cazador. Las plumas estaban afiladas y las críticas fueron devastadoras. Tanto es así que la United Artists quebró al perder casi 80 millones de dólares en el envite. Esto supuso el fin del Nuevo Hollywood y supuso casi la muerte artística de Cimino. La Puerta del Cielo sigue causando controversia hoy día; hay quien dice que es un delirio insoportable y otros, como yo, que la tenemos como una obra maestra, un poema visual arrebatador con unas interpretaciones enormes y algunas escenas (como la del famoso baile) que están entre las más bellas que yo haya visto.

Despedimos con un Planazo músico electoral; estos días no podía evitar pensar en aquel divertido esperpento que protagonizó nuestro adorado Jello Biafra en otra campaña electoral. Campaña de menor calado, pero mucho más divertida: la de la alcaldía de San Francisco en 1979, ganada por Diane Feinstein. En el cuarto lugar de las votaciones aparece Jello Biafra, cantante de Dead Kennedys, cuya campaña electoral fue descacharrante. El programa lo escribió en una servilleta de papel durante un concierto de Pere Ubu, y algunos de los puntos detallaban, por ejemplo, que los ejecutivos tendrían que ir vestidos de payasos dentro de los límites de la ciudad. Había otras (algo) menos lunáticas, como que cada barrio eligiese a los miembros de la policía y la prohibición del uso de coches. Completó el desaguisado con una campaña de marketing brillante, con camisetas con eslóganes como “Si Biafra no gana me mato”, o “¿Qué pasa si gana?”. Los métodos de financiación del partido, lejos de comisiones ilegales, venían de las taquillas de conciertos hardcore. Finalmente quedó cuarto en las elecciones (de diez), lástima. Ese mismo año grababa con Dead Kennedys su primer single, California Über Alles, donde atizaba a gusto a Jerry Brown, gobernador por entonces de California, un tipo de lo más reaccionario. Desde aquí animamos a Jello que le dedique unos versos a Trump, seguro que le inspira algo bueno.

Javier Sanabria

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Recuperamos algunos planazos perdidos en el tiempo, mientras esperamos pacientemente a que el Sr Crudo nos vuelva a invitar al programa. Hoy, Un Planazo Para Corazones Dolientes; un libro, una película y un disco acerca de relaciones finiquitadas.

Planazo literario para corazones desterrados

Pocas veces encontramos una crónica de una separación más tierna y cachonda que Alta Fidelidad, escrita en 1995 por Nick Hornby (buen debut, Nick) y llevada al cine por Stephen Frears en el 2000. La novela nos relata las crisis existenciales del dueño de una tienda de discos, Rob Fleming, un tipo neurótico y peterpanesco que se replantea muchas cuestiones después de que su novia le abandone. El abandono viene por aquello de no aceptar responsabilidades y eludir compromisos. La existencia de Rob se reduce a juntarse en su tienda con dos colegas, Dick y Barry, filosofando y haciendo listas de top-fives, (de las más profundas a las más peregrinas; música para tu funeral, mejores cara A de singles, mejores canciones sobre la muerte, primeros cinco grupos o músicos que habría que matar a tiros cuando llegue la revolución musical…) En este punto encontramos la clave de la historia, todas las interacciones y desarrollos están basadas en la cultura pop de estos tres frikazos; cada vez que la vida real asoma la reducen y dominan a través de sus gustos, porque como dice Rob: “No se trata de cómo eres, sino de las cosas que te gustan”. O esta otra aseveración: “Los libros, películas, discos…estas cosas son importantes”

Tengo que reconocer que cuando leí el libro hace ya años sentí un poco de vergüencilla ajena, un tipo en su treintena incapaz de afrontar la vida y refugiándose en listas y referencias músico literarias, y haciendo mix tapes, (esas cintas de cassette con temas especiales, tú también las hiciste, amable lector), pero con el tiempo descubrí que efectivamente los gustos moldean la personalidad. Una cosa que sin embargo me da más repelús es que a la hora de enfrentarse a su separación (abandono, más bien) le da por investigar sus anteriores relaciones y se pone en contacto con su ex para determinar culpas y responsabilidades, lo que le lleva, claro está, a mayores angustias existenciales. Y es que el auto engaño, como mecanismo de defensa, no sirve durante mucho tiempo, amigos.

“El día anterior a mi cita con Caroline, aunque sólo sea para tomar una cerveza y darle la cinta que le he grabado, me entran de golpe todos los síntomas de enamoramiento que se citan en los libros de texto: nerviosismo estomacal, largos ratos de quedarme embobado, mirando las musarañas, e incapacidad para recordar cómo es ella. Consigo acordarme del vestido y de las botas, del peinado que llevaba, pero su cara es un espacio en blanco, que relleno con detalles tomados de cualquier tía potente: labios carnosos y pintados de rojo intenso, aunque lo que me atrajo de entrada fue su carita bien lavada, de inglesita lista; ojos almendrados, aunque prácticamente no se quitó las gafas de sol; piel blanca, perfecta, aunque sé que tiene bastantes pecas. Cuando me encuentre con ella, ya sé que notaré al principio una punzada de desilusión: ¿por tan poca cosa estoy como una moto desde ayer? Luego, enseguida encontraré en ella algo que me apasione: el hecho de que realmente haya ve nido a la cita, o lo sexy que me parezca su voz, su inteligencia, su ingenio, lo que sea. Entre la segunda y la tercera cita habrá nacido todo un nuevo conjunto de mitos, como siempre”.

Planazo fílmico Hasta que la muerte Nos Separe

Como muchos de ustedes, recuerdo con afecto esas tardes delante de la televisión viendo pelis de aventuras ochenteras, como por ejemplo Tras el Corazón Verde o la Joya del Nilo, con Michael Douglas en su cénit, Kathleen Turner y Danny de Vito. Siendo un adolescente impresionable me animé a lo que yo pensaba que sería una continuación, y me encontré con La Guerra de los Rose, rodada en 1989. ¿Y qué me encontré? Pues la comedia más negra de la época, una cantidad de mala leche y maldad reconcentrada que me puso los pelos como escarpias. Vista posteriormente es una delicia, una crítica sangrante de esa idea de éxito sobre todas las cosas, tan propia de los ochenta; un fresco delirante sobre la desintegración de un matrimonio que no está cimentado en el amor, si no en la idea de medrar, de alcanzar un status. Una vez los protagonistas han alcanzado lo que creían que querían en la vida se revuelven contra el que tienen más cerca como aves de presa. El resultado es una simpática psicopatía, de una violencia desatada y muy cruel. Pero que te hace desopilarte vivo. Para empezar porque la pareja protagonista funciona como un mecanismo de precisión, Turner y Douglas, a veces recuerda a las comedias de los 40 de Frank Capra, pero sustituyendo la elegancia por un resquemor furibundo, en una guerra por la posesión de una casa, que llega a recordar a las batallas medievales por un feudo. Y luego el papel conciliador de Danny De Vito, absolutamente brillante, incapaz de asumir lo que está presenciando. Con escenas hilarantes e histriónicas (la de la lámpara del final) funciona perfectamente para comprender que por muy mal que estemos, siempre se puede estar peor. Y eso no es poco.

Planazo musical para corazones rotos

A ver, los cinco discos motivados o inspirados en una separación; sin orden concreto, Blood on the Tracks de Dylan, por supuesto. In the Wee Small Hours de Sinatra, con la precaución de haber tirado antes las cuchillas de afeitar. The Boatman’s Call, de Nick Cave. Rumours de Fleetwood Mac por el morbo de ver eso con los dos protagonistas en el mismo disco, y el que he elegido hoy, Greenland de Cracker. Y ¿por qué Greenland? Por varios motivos; uno es el deseo de dar visibilidad a esta banda, una de mis favoritas ; nunca han logrado dar el pelotazo, pero llevan años a un nivel superlativo; la verdad es que están en un vértice un tanto incómodo; con un pie en el country y el americana más tradicional, y el otro en el rock clásico, bordeando siempre el indie , pero sin encajar en ninguno de los estilos definidos. Y sobre todo con un fabuloso cronista, David Lowery, quizá el mejor letrista del momento, ese tipo de escritor que parece que te está contando un chiste privado que solo tú pareces entender. En 2006 Cracker publicaban Greenland, la crónica de dos divorcios; uno, el de la banda con su discográfica, Virgin Records, de que salieron trasquilados, y otro el de Lowery con su esposa, que dio como resultado algunas de las canciones más tristes y bellas del disco. Pero no se trata de canciones tristonas, depresivas; son evocadoras y elegantes, si acaso podremos admitir una lacónica y doliente despedida al optimismo, pero basculando en el eje donde Cracker ha funcionado como una de las mejores bandas de rock americano; la actitud, la tradición y un humor rasposo.

Javier Sanabria

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Me imagino que todos los que gastamos ya unos años nos acordamos de las andanzas del ladrón Fendetestas. El Bosque Animado está basado en una célebre novela de Wenceslao Fernández Flores (cuya obra también dio para otras películas estupendas, como El Malvado Carabel) y fue rodada por Cuerda como decía en el 87, un año antes de Amanece que no es Poco, estaba on fire. El propio Cuerda contaba que cuando le ofrecieron dirigir la adaptación de la novela de Wenceslao FF se acongojó, porque ya sabréis lo que hicisteis BUP que El bosque animado debe su título a que en la novela todo el bosque tiene vida, las historias están protagonizadas por personajes humanos y no humanos: hay historias de plantas, de animales y de personas, hasta los fenómenos atmosféricos. Pero respiró tranquilo al leer la adaptación que había hecho Rafael Azcona que eliminó casi todas esas fantasías. Y es que vaya equipazo hacían Cuerda y Azcona. La historia está ambientada en la Fraga de Cecebre en A Coruña, en un bosque que es el verdadero protagonista de la película, un microcosmos en el que se puede concentrar la vida por completo. No deja de ser un cuento, pero narra auténticas tragedias: el hambre, la soledad, el desamor, el miedo y hasta la muerte. Cuerda rodó un retrato costumbrista y crítico de una micro sociedad y una época enfocada desde una óptica humorística, como no sabe hacer de otra forma. Lo trágico y lo cómico se unen en una entrañable película coral que tuvo un gran éxito popular (lo petó en los Goya), y uno recuerda con ternura.

Y no nos movemos de tierras gallegas para nuestro PLANAZO LITERARIO. Supongo que como a muchos amantes de la novela negra, la irrupción del tsunami escandinavo noir me llenó de regocijo, pero como toda moda, tuvo su reverso oscuro.

A día de hoy me da una pereza terrible todo lo que esté escrito por autores con más de dos diéresis en el apellido. En esas estaba cuando cayó en mis manos La Playa de los Ahogados de Domingo Villar, una novela negra ambientada en Panxón, Pontevedra y protagonizada por un comisario llamado Leo Caldas. La editaba Siruela, lo cual era buena cosa, y lo devoré en tres sentadas. Apasionante, con lo mejores elementos del género combinados con un localismo absorbente; un retrato certero de un ambiente pequeño, aldeano y brumoso. Como suele pasar en estos casos la trama es casi una excusa; un marinero aparece ahogado (en la playa de los ídem) con las manos atadas a la espalda, y la investigación se retrotrae al pasado, se desvelan secretos y todo se sacude. Lo que realmente engancha son las descripciones del litoral y el mar, las aventuras gastronómicas y el peculiar carácter gallego; hay un personaje, un comisario aragonés, Estévez, que no acierta a entender esa peculiaridad, y las conversaciones e interrogatorios resultan delirantes. Este es otro acierto, que encontremos sentido del humor local en una trama escabrosa y un tono lacónico y en ocasiones poético. Requeterecomendable.

Caminó alrededor de la casa y se dirigió al mirador. Apoyó los codos en la barandilla de piedra, contemplando las siete hectáreas de viñedo en pendiente que descendían como gradas hasta el río. El tractor estaba detenido en el camino unos cientos de metros más abajo, junto a uno de los bancales de la derecha. Distinguió a varias personas entre las cepas y recordó que su padre le había dicho durante la cena que habían comenzado a podar. Encendió un cigarrillo y se quedó apoyado en la barandilla disfrutando del sosiego del campo. Iba a llamar a la comisaría para decir que no le esperasen hasta la tarde, pero no hizo falta. El timbre agudo del teléfono sonó en el bolsillo de su pantalón. Caldas leyó en la pantalla el nombre de su ayudante y descolgó.

¿Ya está viniendo hacia aquí, jefe? –preguntó Rafael Estévez a modo de saludo, sin darle siquiera tiempo a contestar.

¿Pasa algo?

Hace media hora que nos han llamado desde el puerto de Panxón. Han encontrado el cadáver de un hombre flotando en el agua.

¿Un marinero?

¿Cómo quiere que lo sepa, inspector? El aragonés estaba en plena forma desde primera hora.

¿Teníamos noticia de algún desaparecido? –preguntó Caldas, sabiendo que en ocasiones transcurrían varias jornadas hasta que el mar devolvía los cuerpos de los ahogados.

La actualidad nos ha tenido pendiente de Galicia pero también de Euskadi, que es donde nos vamos para el PLANAZO MUSICAL. Todos sabemos que el rock en Euskadi siempre ha gozado de buena salud, sin ir más lejos grupos como Capsula, Porco Bravo o los navarros Beri Txarrak lo están petando dentro y fuera; además de todo el rock radical vasco de los 80, o Negu Gorriak ya en los 90 y todo lo que vino después.

Pero si hay algo que nos gusta especialmente en el Planazo son los malditos, los perdedores. Y de eso iba bien servida mi banda favorita salida de Euskadi, Cancer Moon. Una de las bandas definitivas de nuestros noventa que como tantas veces pasa fueron pioneros y no se comieron un colín. Antes de toda la barahúnda del indie rock patrio estuvieron estos angelitos aserrando con mal gesto tres discazos de no wave nihilista y oscura. Porque eran oscuros, crípticos y además inteligentes. La historia les trató mal, y la temprana muerte de Josetxo Anitua en 2008 impidió el ya habitual revival. Pero qué buenos eran,maldita sea, y qué tres discos nos legaron. El primero Hunted By the Snake del año 90, el segundo editado por Munster en 1992, Flock Colibri Oil, y especialmente el tercero y a la postre último, Moor Room, que seleccionamos como el planazo de hoy. Editado por Radiation en 1994, un año antes de que el grupo se separe, combina las ganas de experimentación con estructuras más clásicas, y uno todavía se sorprende de escuchar una música tan arriesgada y fuera de toda moda a lo que se hacía en España. ¿Las influencias de fuera? Sonic Youth, Spacemen 3, o el rock pantanoso australiano. Sirva esto como homenaje a una de las bandas más especiales y malditas que tuvimos por aquí.

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El Sr. Sanabria ha dedicado su Planazo a otros personajes al margen de la ley, villanos como nuestros dirigentes europeos y como tantos otros.

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Cerramos la semana con El Planazo del Señor Sanabria que se calzará las zapatillas de baloncesto para ofrecernos el mejor triple doble de las ondas.

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Para superar el fin de una relación, el Señor Sanabria viene cargado con un disco, un libro y una peli, un Planazo que lo cura todo.

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De vuelta a la carnicería, tras un breve pero purificador permiso carcelario; otra vez a sentirse acosado por un carcelero psicopático en una sucia celda. ¿Exagero? Posiblemente, soy proclive a la hipérbole, pero es que precisamente ese es el tema del Planazo de hoy, obras concebidas o desarrolladas en prisión.

Vamos con nuestra recomendación literaria carcelaria. Ustedes estarán de acuerdo en que cuando uno está en la cárcel lo que le sobra es tiempo, así que haces pesas o escribes. Algunas de las obras cumbre de la historia de la literatura fueron escritas fueron escritas en un celda, desde Los Viajes de Marco Polo a Santa María de las Flores de Jean Genet, pasando por De Profundis de Oscar Wilde o El Quijote. Hoy nos detenemos en En el Vientre de la Bestia, de Jack Abbott, publicado en 1981y publicado en España un año más tarde por Martínez Roca. La historia de este libro es curiosa; cuando Norman Mailer (el enfant terrible de las letras yankees) estaba escribiendo la Canción del Verdugo recibió una carta de un reo de una cárcel de Utah, el cual le espetaba que nunca iba a poder escribir sobre la vida en prisión de manera creíble porque nunca había estado dentro; de manera que se ofreció desinteresadamente a explicarle los entresijos del asunto. A Mailer le fascinó tanto el estilo escribiendo de Abbott como lo que le contaba; la rutina en prisión, la filosofía de vida, los trapicheos con drogas, o las negociaciones para obtener sexo. Desde luego, leyendo a Abbott uno se sorprende de que no tuviese ningún tipo de educación salvo la que se había procurado él mismo mediante las lecturas en prisión; su prosa es sorprendentemente lúcida y poderosa, y sus reflexiones son atinadísimas. Abbott escribió más de mil cartas a Mailer, que posteriormente movió hilos para que fuesen publicadas e inició una campaña para lograr su liberación, cosa que consiguió en 1981. Pero, ¡ay!, a las pocas semanas de lograr la libertad, el bueno de Jack Abbott acuchilló a un camarero en el pecho, y de vuelta a la trena, donde se suicidó en el 2002. Y es que la vida real y los libros a veces no son lo mismo. Aún así lectura recomendabilísima.

¿Quieres saber cómo cometer un asesinato? Así se hace: los dos están solos en su celda. Conseguiste un cuchillo (con doble filo) y lo tienes apretado contra una de tus piernas, para que él no lo vea. El enemigo está sonriendo y charlando sobre algo. Piensa que eres tonto y se confía. Entonces ves el blanco: un punto alrededor del tercer botón de su camisa. Mientras hablas y sonríes con tranquilidad, mueves tu pie izquierdo hasta cruzarlo detrás de su cuerpo. Una luz lo apunta, al tiempo que mueves tu hombro derecho hacia adelante y el mundo se da la vuelta. Acabas de hundirle el cuchillo en el medio del pecho. Jack Abbott. En el Vientre de la Bestia.

Proseguimos con el Planazo fílmico penitenciario. De todos es sabido que existe un género de películas carcelarias, y aquí, como casi siempre, hay unas pocas flores en un auténtico lodazal. Dentro de las buenas, dudaba entre dos; una era El Expreso de Medianoche, de Alan Parker, pero la sola idea de hablar de esta película tan decididamente malrollera, me ponía los pelos de punta. Así que elegí una que da un poco menos de mal rollo; El Hombre de Alcatraz (Bird Man Of Alcatraz), dirigida por John Frankenheimer en 1962 y protagonizada por Burt Lancaster (que con el tiempo creo que se ha convertido en uno de mis actores favoritos). La historia es sorprendente; Robert Stroud es un tipo que va pasando de prisión en prisión (por unos cuantos asesinatos, vaya, no os penséis que es un angelito) hasta que acaba condenado a la horca en la prisión de Alcatraz. Allí su vida da un giro cuando encuentra un gorrión herido en el patio y lo empieza a cuidar; progresivamente se va interesando por el tema cuidando a más pájaros y acaba convirtiéndose en un ornitólogo de fama mundial. Los simbolismos son clarísimos, el pájaro representando la libertad y el hombre encerrado en una prisión, pero hay mucho más; la lucha por la dignidad de un tipo que se resiste a acatar las normas de la cárcel, y el orgullo y la voluntad por no enloquecer y lograr un propósito. Además todo encaja fílmicamente; la dirección de Frankenheimer (que tiene mucha morralla filmada, pero algunas obras maestras) y la fotografía en un blanco y negro empastado, con esa factura tan televisiva de los filmes sesenteros. Un planazo patibulario emocionante.

Para cerrar propongo un Planazo musiquero en la trena; y aquí voy a tirar de tópico porque escuchar esto es necesario para cualquier buen ciudadano. Incluido Rodrigo Rato. Grabar dentro de la cárcel no es sencillo, si ya es complicado encontrar un buen bajista en la vida real, imagínate en el talego. Pero a veces la magia viene de fuera. En 1968 (vaya añito disquero, eh) Johnny Cash llevaba unos años de capa caída, mucho barbitúrico y pocos éxitos en las listas. Un par de años antes había actuado en la penitenciaría de Folsom, en California, y de ahí sacó la idea de grabar un directo en dicha prisión. Se lo comunicó a su management y discográfica (CBS) que no lo veían muy claro, pero Johnny Cash hacía lo que le salía de sus huevos toreros, y el concierto salió adelante. La banda que lo acompañaba era la crema, los Tennessee Three, su mujer June Carter y a la guitarra ni más ni menos que Carl Perkins, el del Cadillac. La comunión entre banda y público (formada por reclusos y funcionarios) fue total, y el resultado es un disco en directo cuasi perfecto, con un repertorio que tira para atrás, un Cash sobrenatural y momentos de gallina de piel, como la interpretación del clasicote Folsom Prison Blues que podéis disfrutar pinchando abajo.

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