Este domingo a partir de las 10.00 tendrá lugar una nueva edición de Organic Meeting Point. Sus impulsoras, Yamnia Calle Rodríguez, creadora y directora y Cristina Arencibia Sarmiento explican que es muy importante llevar una alimentación sana y consumir productos de kilómetro cero.

Yamnia Calle Rodríguez profundiza en esta entrevista en qué le llevó a organizar un evento de estas características que se ha convertido en referente como mercado ecológico.

¿Qué es Organic Meeting Point y cómo nace?

En cierto modo, parte de un modelo Bio Market urbano con raíces británicas, es una especie de mercado en el que se dan a conocer una serie de productos relacionados con una forma de vida sana y lo más allegada posible a ese mundo natural del que nos hemos ido distanciando. Organic Meeting Point nació en Las Palmas de Gran Canaria hace nueve años, tras haber sido plenamente consciente de la necesidad de transmitir a la sociedad la importancia de llevar una alimentación sana y de consumir productos ecológicos, lo más alejados posible de pesticidas y abonos sintéticos que ofrece la gran industria de la alimentación.

Conmigo se lanza a esta aventura mi socia Cristina Arencibia Sarmiento, otra persona luchadora y con experiencia en la organización de eventos, que al igual que yo, vive en la conciencia de que debemos abrir nuestras puertas hacia nuestra madre común; la naturaleza.

OMP se hizo por primera vez en la TAO Garden y también hemos realizado con gran éxito los domingos en el Muelle Deportivo, con motivo de la Regata ARC. Luego, hemos ido descubriendo diferentes localizaciones, como este domingo que lo realizaremos en el British Club, esta vez con acento británico, junto con la Casa de las Semillas.También hemos trabajado con el Cabildo de Gran Canaria, con Gran Canaria ecológica y jute mes de marzo nos hemos estrenado en Tenerife y ya tenemos previsto ir a otras islas del Archipiélago.

¿Desde cuándo tienes conciencia de llevar una alimentación sana?

He vivido en una familia donde la alimentación ha preocupado siempre. Mis padres nos enseñaron a diferenciar los productos que “te alimentan”, los que de verdad nutren tus células de los productos procesados, que sólo te llenan el estómago. Así que la conciencia de cuidar, la tengo desde siempre.

Comencé a estudiar y a investigar todo lo relacionado con los cultivos en masa, y descubrí cómo se realizan las cantidades ingentes de productos altamente venenosos que se utilizan para la producción, cómo se pone veneno en muchas frutas. A lo largo de años de estudios y visto que la alimentación es una industria en manos de personas que sólo piensan en beneficios económicos y no tienen ningún tipo de reparo en destruir al medioambiente ni en enfermar a las personas, empecé a estudiar la alternativa ecológica y a tomar conciencia de que debía transmitir este mensaje a cuanta más personas fuera posible.

¿Qué nos ofrece Organic Meeting Point?

Aparte de productos alimenticios, ofrecemos talleres de divulgación ecológica y sostenible, clases de Yoga, productos de limpieza corporal y del hogar. Para los más pequeños, que disfrutarán del Día del Padre y le podrán hacer un pequeño regalito sostenible, disponemos de talleres de semillas en colaboración con la Casa de las Semillas. Así, colaboramos con Anatura, Casa de las Semillas, con el propósito de crear un market diferente que nos acerque algo más a la Naturaleza y en plena ciudad.

¿Qué nos puedes decir de los mitos y leyendas respecto a la alimentación?

La proliferación de científicos en todos los ámbitos de nuestras vidas, de especialistas en todo, que sobre todo en los últimos años, y gracias (o no) a las redes sociales tenemos más acceso a todos ellos, pone sobre el escenario que hay tal variedad de opiniones, sobre todos los temas que lo que para uno es bueno, para el otro es malo, que los productos que para uno son la panacea, los otros te los hacen borrar de tu vida. Esto ocurre desde la salud hasta las cosas más insólitas pasando naturalmente por la alimentación como las batallas sobre aceite de oliva si o no, el azúcar, las dietas...

¿Es caro lo Bio?

Ahí también habría mucho que discutir, yo siempre pregunto a continuación si comer Bio es caro, pero ¿y perder tu salud? ¿Qué precio le pones a la salud? Eso para empezar. Y en segundo lugar, si vas a cualquier frutería de barrio podrás observar cómo cada vez hay menos diferencia de precio entre frutas y verduras sean ecológicas o no. Y cuando la hay, de verdad que no es tan enorme, como para dejarla atrás.

Es cierto que, sobre todo en España, siguen siendo notablemente más caros los productos ecológicos, aunque cada vez la diferencia de precios es menor, pero si miramos a otros países europeos, veremos que esta diferencia es casi insignificante y que los productos de agricultura ecológica o de formas alternativas de alimentación, se han reducido hasta el punto de que en muchos países son casi imperceptibles.

Has nombrado las fruterías de barrio, ¿qué importancia crees que tienen pueden tener en el marco de una alimentación sana?

Sería importante volver al pequeño comercio, porque de esta manera, no sólo se reparte la actividad comercial entre más personas, sino que además se potenciaría el desarrollo de la agricultura local. 

¿Y qué es kilómetro cero, del que tanto se habla?

Significa nutrirse de productos que hayan crecido en el lugar en el que resides, productos que no necesitan pasarse semanas en cámaras frigoríficas para llegar a su destino en buen estado, porque estos productos reciben además “dosis extras” de conservantes para mantenerse.

¿Qué dirías a personas que aún no se “han atrevido” con lo orgánico? ¿Cómo pueden empezar?

Lo primero es que analicen bien lo que llevan en la cesta de la compra ya que los supermercados nos ofrecen ingentes cantidades de atractivos productos, la mayoría de ellos destinados a complacer el gusto, productos cargados de azúcares, de colores llamativos, de tantas cosas que realmente son absolutamente innecesarias para nuestros organismos y no aportan nada nutricionalmente hablando. Yo propongo analizar muy bien al final de cada compra qué llevamos en el carro, y pensar, ¿esto lo necesito para estar bien nutrida? Y veremos que si el resultado es no, empiezas a eliminar estos productos. Luego sumas el resultado y te asombrarás de cuánto dinero ahorras.

Si limitamos nuestra cesta de la compra, como sucedía en épocas de nuestras madres y abuelas, a lo esencial para nutrirnos, podemos acudir a los productos orgánicos, si no queremos tanto, al menos a productos sanos, sin procesar. Esto no quiere decir que haya que erradicar por ejemplo todo lo dulce, o de vez en cuando un refresco (producto, por cierto, altamente inútil, porque es agua con ingentes cantidades de azúcar y colorantes artificiales, que sólo dañan tu organismo.).

Considero muy importante poner en la balanza dónde invertimos nuestros medios económicos, porque nuestro hígado, nuestros riñones o cualquier órgano interno no va a protestar si llevamos toda la temporada sólo dos pantalones, pero sí va a reaccionar mal y a enfermarse si les damos alimentos contaminados de pesticidas o productos procesados de los que no pueden extraer nutrientes, y su protesta ya sabemos hasta donde nos puede llevar.

El pasado domingo tuvo lugar en el marco del mundial de fútbol un sonoro empate entre España y Alemania del que se hizo eco el lunes hasta la prensa del país de nunca jamás. Sin embargo, poco se habló de que, en paralelo, un glorioso gol a puerta dejaba el listón de España en la cúspide, gracias a la jugada maestra de un equipo nacional que demostró todo su potencial. No lo hizo en un estadio, sino en El Estadio de primera división internacional de la Música: Viena.  

Hablamos del manejo de figuras redondas, que también se diseñan en la cabeza pero que se manejan con con las manos y no con los pies. Hablamos de una compleja creación musical, de un joven (en cuerpo será, porque su alma suena muy experimentada) compositor español, Alberto Carretero.  

El pasado domingo, mientras me parece que son doce señores representando a España se batían en duelo futbolístico contra Alemania, Alberto Carretero marcó en el Teatro Odeon de Viena un gol de oro con el  estreno absoluto de su ópera Renacer. Es su primera vídeo-ópera para voz, ensemble, electrónica y vídeo, con libreto de Francisco Deco, interpretada por espectacular Ensemble Phace dirigido por un no menos espectacular Nacho de Paz, acompañado por una indescriptiblemente bella traducción de la música a  imágenes, o visualización del proceso sonoro, o película psicodélica, o como pueda llamarse esta genialidad de Miguel Alonso (Cyan Animática) basado en pinturas de Juan Lacomba, y last but not least la voz. La voz y el arte de hacer uso de la misma, de la soprano Johanna Vargas (reverencia).

Alberto Carretero, que no conforme con ser compositor también es ingeniero, musicólogo y periodista, haciendo uso de sus pasiones y en una simbiosis única, nos explica con todo lujo de detalle como se origina la vida. Sí, sí. Todo eso que estudió en la carrera de biología nos lo muestra Carretero traducido en música, en sonidos, en imágenes, a través de la voz humana.

Con todos estos medios nos cuenta que el proceso vital no es uno, sino que son muchos. Que la vida fluye, se transforma. Que la vida tiene muchas frecuencias, que la vida es luz, oscuridad, pausa y movimiento. Que la vida se extingue en el preciso instante en el que comienza a renacer y nace con furia camino de un nuevo cambio e intenciones. Volver a nacer. Alberto Carretero lo muestra con tanta intensidad que consigue arrastrar a nuestras células a sintonizarse con este fabuloso viaje al interior de nosotros mismos, incitándonos a dejar caer las células muertas, a generar nueva vida, a vibrar en sintonía con la naturaleza que somos, con tanta intensidad, conocimiento y maestría nos muestra este  complejo proceso, que juraría que hasta pudimos percibir el aroma del renacer.

Pero Alberto Carretero no estaba solo para guiarnos a través del claroscuro mundo de la creación en todos los sentidos. Junto a él, y en primera línea de campo, estaba Nacho de Paz, dirigiendo con alta precisión y maestría al magnífico ensemble austríaco Phace, a la vez que nos daba en le misma entrega una clase magistral de dirección orquestal, mostrando cómo se gestiona la coordinación a golpe de muñeca, extensión de brazo, gesto corporal y miradas, incluso hasta de reojo a orquesta, cantante y vídeo, de tal manera que  hasta las imágenes le seguían sin rechistar.  

Phace estaba feliz de ser conducido con tanta firmeza y seguridad a través de tan compleja partitura, mientras que una impresionante Johanna Vargas exponía sin límites todo lo que la voz humana es capaz de expresar y de dar de sí. Brillo, opacidad, textura, ternura, color, horror, angustia, liberación, graves, agudos, gritos sordos, sonoros silencios, certificación de que no le falta a Johanna nada que no domine de la técnica vocal.  Impresionante, era lo menos que se escuchaba al finalizar este sobrecogedor viaje al centro de nosotros mismos.

Y por supuesto, Miguel Alonso que se manifestó en una espectacular obra de arte audiovisual para la cual debió haber escuchado a Alberto y su creación musical con la mayor atención posible, pues no faltó  movimiento, motivo pictórico, luz brillo ni color que no concordara además junto al expresivo y complejo texto de Francisco Deco.  

Esto sí que de verdad es coordinar entre todo un equipo de primera división una jugada maestra que dio como resultado el gol a puerta en la mejor portería que un equipo de artistas pueda desear, la ciudad de la música por excelencia, Viena, y en el marco de la primera liga de Festivales de música contemporánea, Wien Modern.  

Mi enhorabuena a todo el equipo, mi admiración a la creación de esta ópera mas futurista que contemporánea. Solo deseo que la obra con todo el elenco de artistas viaje de teatro en teatro, de ciudad en ciudad, y que muchas personas tengan la suerte de poder disfrutarla. También espero que la próxima vez que suceda un acontecimiento de este calibre con un equipo español de tanto talento, nuestro país, también hable de ello.  

Las Palmas de Gran Canaria acogerá los días 28 y 29 de octubre el esperado estreno de la Ópera Orfeo y Eurídice, de Christoph Willibald Gluck, el gran reformador de la ópera barroca, ya que en su día se atrevió a romper moldes y a concentrar la acción de la ópera en la expresión escénica. De esta manera, dejó atrás los recitativos acompañados por orquesta y eliminó el modelo Aria-da Capo. Silvia Saavedra-Edelmann, residente en Viena y directora de producción de Orfeo y Eurídice, además de productora, cantante de ópera, profesora y directora de +OPERA Gran Canaria, nos habla de esta pieza innovadora. La obra rompe con el (hasta el siglo XVIII) estilo dictado por las óperas serias de G. F. Händel en el que los compositores estaban sometidos al virtuosismo vocal de los castrati, adecuando de esta forma la escritura de las arias, los recitativos e incluso el libreto a las exigencias de los mismos. Con el estreno de la ópera Orfeo ed Eurídice en Viena el 5 de octubre de 1762, se rompió con esta herencia barroca y se sentaron las bases de la llamada “reforma operística gluckiana”.

Silvia Saavedra-Edelmann: “Tanto yo como todas las personas del equipo que trabajamos en este estreno en Gran canaria estamos muy ilusionados en ser los autores del estreno de esta magnífica ópera en una ciudad donde este género ha tenido siempre tanta presencia. Por mi parte, llevo mucho tiempo viviendo fuera, siempre dedicada a la música y, en concreto, a la expresión vocal y estoy emocionada de poder trabajar también en Canarias con profesionales de tanto nivel como Mariola Rodríguez y el Coro AINUR, Carmen Brito, que estrena dirección musical en un foso al frente de la Orquesta del Taller Lírico de Canarias, Irina Navarro Navarro con la producción, Carlos Santos con la escenografía e Ibán Negrín, con las luces y las proyecciones. Esto detrás de la escena, y sobre el escenario, estamos trabajando mano a mano el trío de voces protagonistas formado por los canarios Magdalena Padilla, interpretando a la joven Eurídice, David Batista como Orfeo, y a la novel Ana Marqués como Amore, quien debuta también en escena mientras realiza aún sus estudios de canto en la Universidad de Música y Artes escénicas de Viena. Pero aparte de todo este elenco no puedo dejar de nombrar, sin ser canario pero siendo un profesional de gran proyección, a Leonard Prinsloo, responsable de la dirección escénica”.

Silvia, ¿qué aporta de especial esta versión de 'Orfeo' aparte de su estreno en nuestra ciudad?

En esta versión canaria de la innovadora ópera, tenemos una adaptación escénica en la que se revisan los problemas y realidades de nuestra sociedad actual. Podría decirse que hemos trasladado a Orfeo y Eurídice al complicado mundo de la maraña tecnológica, hemos abandonado el mundo mitológico griego en el que se desarrolla la ópera y hemos adaptado el paraíso o el infierno a la versión actual de los mismos.

¿Cómo se escenifica esta actualización? 

Con una escenografía minimalista trabajada con proyección y muchas luces en un importante trabajo de Carlos Santos e Ibán Negrín, por su parte, Leonard Prinsloo, con quien trabajo en Viena desde hace ocho años, ha trabajado de forma “muy dinámica y con mucha energía con los jóvenes cantantes”, pudiendo obtener de ellos recursos líricos y escenográficos que hasta ellos desconocían de sí mismos. Por otra parte, hemos trabajado como solemos hacerlo en las óperas que hemos estrenado en Viena y como hicimos el año pasado en el Hotel Santa Catalina, trabajando con recursos mínimos. El planteamiento en escena es el de un alto nivel actoral, donde el vestuario y el maquillaje son mínimos, y confiamos al máximo en la capacidad artística de los cantantes, la responsable de la dramaturgia y asistente de la dirección escénica.

¿Y en lo musical?

En el sentido musical está respetada la partitura según el estreno de la opera en Viena en 1762. Pero hay que destacar que, además de estrenarse una ópera en nuestra ciudad, también se estrena en los escenarios la benjamina de esta producción, Ana Marqués. Estoy muy emocionada con esta versión de Orfeo, pues hablamos de un Cupido que no es de color rosa, que es más realista y que tiene las dos versiones, la buena y la mala. Es pícaro, travieso, divertido, es un amor con un cierto punto de maldad y además adaptado a nuestra sociedad actual y mostrando la adicción de las generaciones actuales a las nuevas tecnologías. En cuanto a mi carrera profesional, este rol se adapta perfectamente a mi voz y me gusta mucho porque es un papel no excesivamente largo pero sí muy profundo en cuanto a su mensaje. Yo llevo dos años estudiando en la Universidad de Música de Viena y estoy muy feliz de seguir desarrollando mi carrera en la capital de la música, pero más feliz aún de estar debutando con David Batista y Magdalena Padilla. 

Con estas declaraciones de la experta en producción musical Silvia Saavedra, la debutante Ana Marqués y un elenco de muy altos vuelos, solo nos queda destacar que ya quedan muy pocas entradas y que una vez más, queda constancia de que la cultura sigue siendo una importante piedra angular en el desarrollo de nuestra sociedad. 

Lugar: Musikverein Viena   

Riccardo Muti  

Wiener Philharmoniker  

Singverein der Gesellschaft der Musikfreunde in Wien, Damenchor 

Programa: Trois Nocturnes, Claude Debussy

Hector Berlioz 

Symphonie fantastique: Épisode de la vie d’un artiste, op. 14 

¿Qué sucedió en el Musikverein la noche del 23 de mayo que desde lo más lejos se avistaban llamaradas procedentes del escenario de la Sala Dorada? Sucedía que el Maestro Muti, en estado de gracia, ha multiplicado el valor de la Sinfonía fantástica haciendo de ella mas sinfonía de lo que ella es.  

Si Berlioz lo hubiera podido escuchar, le estaría eternamente agradecido por haber sentido cómo Muti componía lo que él verdaderamente hubiera deseado.  

La Sinfonía fantástica existía, Riccardo Muti, hablándole a su corazón, le dio la vida.  

Una vida que estoy segura no volveremos a sentir bajo ningún motivo ni bajo ninguna otra batuta. Y esto lo digo con plena convicción, porque si hasta ahora he sabido que Muti es único, esta noche lo ha rubricado. Y es único por lo que sabe y por cómo lo ofrece, porque Muti no lo da todo para lucirse él, sino para que se luzca la Música, que es lo que le importa.  

Muti no desperdicia ni un minuto en subirse a la arrogancia, los aprovecha todos y cada uno para transmitir al mundo entero el mensaje de la música y otros tantos mensajes que nos envía aprovechando el eterno silencio escondido entre nota y nota.  

Nuestro Muti no dirige la música, él se sienta en el podio a contarnos la música palabra a palabra. Por eso hoy ha transcendido a lo mas profundo de esta obra de Berlioz, para poner sobre el escenario lo mejor, todo lo que rara vez hemos podido descubrir, sentir, palpar cuando la hemos escuchado desde la superficie. El lunes fue la segunda vez que pude escuchar todos los misterios de esta bellísima obra.  

Y la Filarmónica de Viena sabe muy bien todo esto y cuando ve llegar al Maestro, sus músicos ponen sobre la mesa todo su auténtico nombre y apellido, sabedores los filarmónicos de que bajo la Batuta Muti, no hay lugar a otra cosa, sino a dar lo mejor de sí. Porque si bien ellos saben quiénes son y lo que su nombre significa en el universo sinfónico, muy bien saben también que con Muti se encuentran ante otro universo único al que se rinden sin más preguntas. La Filarmónica de Viena sabe que ante esta batuta sólo les queda guardar silencio para que suene solamente el  poder de la Música. 

Gracias Muti por el respeto, por la seriedad, por creer en ese mensaje que tanto necesitamos, por cuidar lo que es de todos. Por hacernos saber que si hay un obstáculo que impide el camino hacia la grandeza ese es la soberbia.  

Gracias por la energía, por la vitalidad, por darnos el ejemplo de que la verdadera juventud es una enorme fuerza que procede de nuestro interior y que nada tiene que ver con el tiempo que llevemos en el mundo.  

Gracias por haber hecho vibrar con gran intensidad la cuerda más sonora de la capital de la música. En este último concierto de los tres ofrecidos Muti fue solicitado de nuevo a escena por un público embriagado de Música verdadera, ¡que no dejó de aplaudir incluso cuando ya se había ido toda la orquesta y se había atenuado la luz cenital! Y Muti volvió a salir a saludar y, de nuevo, dejó un mensaje de humildad, esa humildad que envuelve sólo a quien de verdad se sabe Grande.

Tal y como leí una vez como comentario a uno de los conciertos de Riccardo Muti en Youtube:  “El Maestro Muti debería ser declarado patrimonio de la Humanidad”. No sé quién escribió algo tan bonito, pero desde Viena, a 23 de mayo de 2022, lo suscribo sin la menor duda. 

Presentación en el Café Gijón de Madrid de la “novela prosaica” Joaquín Bernal demando a su madre por haberle traído al mundo del autor canario Luis Melián Ruiz.

Hace apenas unas semanas se presentó en Madrid, en pleno punto vital de la literatura española, nada menos que en el emblemático Café Gijón, una nueva novela, o mejor dicho un nuevo libro, o mejor aún, un tratado de Cultura, o también una instrucción del derecho, ¡ah! y con toda seguridad una obra musical expresada con palabras en lugar de con notas. Bueno, dejémoslo en una obra de arte que todo lo engloba. 

Joaquín Bernal demandó a su madre por haberle traído al mundo. Sí, ese es el título de este tratado de la Cultura que tuvimos el placer de descubrir en el Café Gijón de Madrid. Interesante título, ¿Verdad? ¡Pues esperen a conocer su desarrollo y su contenido!

¡Pero antes de iniciar un paseo por este “pentateuco” literario, hablemos de su autor! 

Luis Melián Ruiz es un “Gran Canario” nacido en Las Palmas, donde vivió hasta los once años. A partir de entonces, en palabras del propio autor: “Mi vida ha discurrido entre diversos lugares: Barcelona, Girona, la carrera de Derecho en Las Palmas, Madrid, estudios en Canadá, y regreso a España para establecerme en Santiago de la Ribera, Murcia”

Allí crea y gestiona un precioso Hogar, “El Molino” (¿Sería este nombre en honor a Don Quijote?) en el que viven personas de gran madurez y experiencia vital que prefieren la atención, dedicación y el cariño de Luis Melián y su magnífico equipo a estar solas en sus casas. 

Pero la verdadera pasión de nuestro autor, aquello que día y noche le muerde su corazón pidiendo paso al mundo, es la escritura, bordar las palabras o al mas puro estilo de su tierra, calarlas sobre papel. 

Luis Melián inicia su andadura en los noventa, con la publicación de ensayos en medios especializados y artículos de opinión en prensa, así como la publicación de la obra “Dos historias y una felicidad inventada”, que incluye las novelas “El seductor de la calle sin nombre” y “La isla de Manitou”, que le llevan a ser finalista del “Premio Montblanc a la Cultura en Canarias – Literatura”, de 1993, premio instituido en 1990 con el fin de impulsar la obra de jóvenes valores nacidos o residentes en el archipiélago canario.-

A partir de entonces nuestro autor se lanza a la escritura en sus ratos libres creando dos nuevas novelas, una de ella la que nos ocupa, Joaquin Bernal y la denuncia contra su madre por haberle traído al mundo. 

Ante todo, enhorabuena por tu novela, un tratado de derecho, de filosofía, de historia, de religiones, de geografía, porque en ella has engarzado los diferentes temas en torno a la figura de un personaje y una inusual denuncia. ¿Cómo llegas a esta idea?

La novela es una “reflexión vital”, una reflexión sobre el hecho de nuestra gestación y de nuestro nacimiento. Parte de la base de que es un “acto unilateral” de la madre. En el “contrato” más importante de nuestra vida, el que genera nuestra propia existencia, el hijo o la hija no ha participado en la decisión. Y lo que define un contrato es, precisamente, el “acuerdo” entre dos partes, que en este caso no existe.

Pues sí, es cierto, pero parece una ecuación irresoluble, pues al no tener la posibilidad de preguntar a un ser que aún no existe si quiere existir, sólo queda la posibilidad de traerlo sin su consulta. ¡De lo contrario se produciría la extinción de la especie! (¡qué tampoco estaría tan mal!)

 Sí, en efecto, pero lo que quiero es dar voz a un sentimiento humano, a una realidad universal que está ahí. Joaquín Bernal tiene una misión: se hace eco de un sentimiento humano, el hecho del nacimiento involuntario. Sin perjuicio de que él quiere a su madre, la respeta y acepta sus cuidados y el amor que le profesa, se siente disconforme con esta situación de desigualdad, de vulneración de un derecho fundamental, el de elegir sobre su propio ser.

Este mensaje también hace una reflexión sobre la concepción y la responsabilidad de alumbrar un ser vivo. Si muchas personas denunciaran a su madre por haberlas concebido seguramente empezaría a reflexionarse mucho mas en serio antes de lanzarse a traer seres al mundo para darles luego una vida indeseable. 

Pero no es una novela que implique “reproche” o “culpa” hacia la figura de la madre. Joaquín Bernal vive en un mundo de comodidad donde nada le falta ni en lo material cotidiano ni en lo anímico. Pero aun así vive convencido de que debe transmitir al mundo esa reflexión vital. Esa es su “Misión”. 

La complejidad del personaje reside en que él ama a su madre, que como cada una de las madres de la historia ha sido, de la misma manera, hija de su madre. como Dice el psicoanalista francés Paul-Claude Racamier: “La madre del hijo es al mismo tiempo el hijo de su madre”.

 …Y la pregunta del millón. ¿Cuánto hay de Luis Melián en Joaquín Bernal? 

Todo. Sin duda alguna. Es un personaje que hace eco de mis reflexiones sobre mi concepción y mi nacimiento y, por tanto, sobre la concepción y el nacimiento de todos los seres humanos. 

Luis, habría tantas y tantas cosas que hablar y que decir de una novela tan llena de interés, de emoción, de cultura, de historia del derecho, que aborda temas tan fundamentales como el derecho a la vida, el reconocimiento de la identidad de un ser humano. Esta novela es la historia de todos y cada uno de los españoles de a pie representados en las magníficas tarde de radio y novela que retratas en tus páginas. Esta novela habla de costumbres religiosas y paganas y sus paralelismos, habla de las diferentes versiones del Arca de Noe. 

Pues sí. He ido tomando diferentes aspectos de la vida cotidiana de la época para situar al personaje en su contexto. He utilizado un espacio físico y un contexto temporal (años ochenta del pasado siglo) concretos como pretexto para contar una historia con vocación de universalidad. 

En los últimos años se ha producido un aumento del valor del “No-sufrimiento” en occidente y su supremacía sobre el valor dominante de la vida. De ese principio surge el “Derecho de no vivir”, que tiene una lógica simple: A partir del momento en el que el “No-sufrimiento” se convierte en valor primordial, el obligar a vivir se convierte en ilegitimo. La persona a la que se trae al mundo esta expuesta al riesgo de sufrir, lo que provoca un perjuicio.

Y sobre el fundamento anterior se asientan “El derecho a escoger la muerte” y “El derecho a no nacer”, reflejo de una tendencia internacional a brindar una consideración especial a las personas “por nacer”, particularmente frente a las nuevas tecnologías aplicadas a la vida humana. Por tanto, si al concebido se le atribuye la condición de persona será titular de derechos, entre otros el de demandar a su madre por haberle traído al mundo.   

Luis, tu obra es desconocida, pero a través de ella te reconozco como “Escritor Universal…”

Queridas personas, hasta que descubrí“ Joaquin Bernal demando a su madre por haberle traído al mundo”, tenía un concepto de “escritor universal”, que viene siendo lo mismo que todos entendemos, aquel cuya obra vuela más allá del tiempo y del espacio. Pero después de leer esta obra, creo que habría que añadir otro modelo de Universalidad, y es que  Luis Melián, sin ser conocido allende las fronteras, es también  un escritor Universal, pues de su mano y volando a través de la magia, sobrevolando  espacios y tiempos, nos muestra muchos y diferentes universos, los cuales engarza sutilmente  en un magnífico leitmotive, que utiliza para deslizarse sutilmente de un universo a otro, a “tempo” de 4/4 , al mas puro estilo Musorski y sus “Cuadros de una exposición”. Asimismo, y lo sé porque cuando acabas la novela no sabes si has leído un libro, has visto una película o has escuchado un magnífico concierto. O, lo más seguro, has hecho las tres cosas. 

Porque al cerrar la contraportada, tu retina sigue encandilada  por su vivo colorido perfectamente definido (nada de mezclar colores), su sentir cálido, novedoso (porque hay que tener arte para hacer entretenido un texto jurídico..), variopinto, al mas puro estilo “El Bosco” o García Marquez,. Y es que hablamos de realismo mágico porque, en una nueva versión, estamos ante una novela que es Surrealista y mágica a la vez, para que vean que las terminologías que definen los estilos artísticos tampoco pasan de moda. 

Por mi parte sólo me queda recomendar encarecidamente, y sin ningún lugar a dudas, esta magnífica caja de sorpresas. Les recomiendo, queridas personas, que se dejen llevar de la mano de este genio de la lámpara y sobrevuelen todos los universos:  El de la literatura, el de la música, el de la historia, el del derecho,  (que les aseguro que de la mano de Luis Melián es otra cosa), el de los tiempos, el  del universo y su creación, que define al ser humano como tal, el de la creatividad y creación artística. Todos. Déjense  llevar y descubran qué sucedió al final con esta inusual demanda que llevó a la madre de Joaquin Bernal por extraños derroteros. 

Queridas personas,  pasen y lean, tomen notas y guárdenlas porque Luis Melián estará próximamente en Las Palmas para contarnos en primera persona los pormenores de esta bellísima e inusual historia. 

El libro se puede adquirir a través de editoresonline.es

Cambio de mes, cambio de estación, cambio de escenario.

Dicen que los cambios suelen ser para bien, y este cambio de estación lo ha confirmado, por lo menos en Las Palmas de Gran Canaria, en donde hemos tenido la fortuna de disfrutar de un maravilloso espectáculo de exquisita calidad, gracias a la iniciativa de la “casa” Barceló, de trasladar a la isla un nuevo festival de música, Santa Catalina Classic, puesto de largo este viernes, 2 de julio, en el privilegiado entorno de los jardines que preceden al recién renovado y emblemático Hotel Santa Catalina.

Sorprendente inauguración nada menos que de la mano de la prestigiosa Mahler Chamber Orchestra y Gustavo Dudamel, “joven promesa” de la batuta convertido ya en “cumplo con lo prometido”, por todos conocido dentro y fuera del ámbito musical, sobre todo por ser el director más joven que ha dirigido a la Filarmónica de Viena, en 2017, en el prestigioso Concierto de Año Nuevo, que cada año reúne en directo ante la televisiones de medio mundo a más de 60 millones de personas, duro reto para un joven director que sacó pecho en el templo de la Música, poniendo sobre el podio todos sus conocimientos, pero sobre todo, algo fundamental que le acompaña desde su primer golpe de batuta: ¡la pasión y el respeto por la música, por el arte, y por el público!

Y con estos elementos, indispensables también para alcanzar la grandeza como persona, llegó Gustavo Dudamel a Canarias, dispuesto a entregar toda su seriedad al público en la inauguración de este recién nacido Festival en la Ciudad de Las Palmas de Gran Canaria: ¡Santa Catalina Classic!

Rodeados de naturaleza, arte y cultura asistimos a un espectáculo único de la mano de otro icono musical, la Mahler Chamber Ochestra, como verán Gustavo por partida doble, gran casualidad de nombres que rubricaban de antemano el inequívoco éxito de este concierto.

Venciendo todos los inconvenientes de un concierto al aire libre, por la dureza acústica que ello representa, gracias a la combinación de un espectacular equipo de sonido, un escenario estratégicamente situado, y la indudable calidad de orquesta y director, pudimos vivir una inolvidable noche, llena de música, de emoción por esta nueva vida, de calidad, y de grandes obras sinfónicas, de ilustres apellidos, Mendelsohn y el inmortal Ludwig van Beethoven, quien nos acompañó en el viaje de los sentidos, con su Heróica.

Además, en el Parque Doramas se puso una pantalla para que la gente pudiera también asistir al concierto por esa vía.

Y como todo lo bueno también llega a su fin, pero en Barceló no están muy de acuerdo, porque la fiesta continuaba, una vez finalizado este maravilloso espectáculo, fuimos dejando con cierta pena pero llenos de energía, de buena vibración, ese entorno tan bonito, con el deseo de que pronto volvamos a vivir la vida por la que tanto hemos luchado, tal y como la merecemos.

La noche continuó rodeada de cultura, cenando o departiendo en el emblemático edificio de Miguel Martín Fernández-de la Torre. Muchas fueron las personas provenientes de otras latitudes que decidieron pasar un maravilloso fin de semana en nuestra ciudad, atraídos por el calor de las Artes. ¿Hay algo más significativo para expresar el significado del tan mencionado binomio Turismo-Cultura?

Por último quiero destacar y expresar la opinión generalizada de los muchos asistentes al evento, entre los cuales quiero destacar a dos muy conocidos y habituales en el mundo cultural, como nuestro querido e indispensable Jerónimo Saavedra y nuestra incansable luchadora Nardy Barrios, sobre la espectacular organización del evento, que suplió con excelencia los inconvenientes propios de un imaginado auditorio al aire libre, gracias a un personal que, con exquisita educación y maneras, nos guió a todos hasta nuestros elegantes asientos, sillas visiblemente numeradas. Cabe decir que da gusto sentirse mimado hasta el último detalle, incluida la bonita bolsa que nos esperaba en cada asiento, con su botella de agua, desinfectante de manos, una libreta y los programas de mano. Este conjunto de calidad, detalle y profesionalidad nos permitió viajar a otras esferas y disfrutar de una mágica noche bajo y junto a las estrellas, sin duda, el sello de la casa.

Gracias a Barceló por haber elegido esta ciudad y nuestro querido Hotel para ser escenario de un nuevo y magnífico evento cultural. ¡Larga Vida!

Isabel Costes es una de las primeras directoras de orquesta de España. Estudió con Manuel Galduf en Valencia y continuó sus estudios en Siena, con los directores Franco Ferrara y Carlo Maria Giulini (dos grandes de los grandes de la dirección orquestal), y a su regreso realizó un postgrado con Antoni Ros Marbá, y luego su amplia carrera internacional. Hoy es artista AIM (America Iber Música) 

Isabel Costes, que nunca ha detenido su imaginación ni su voluntad de trabajo, es autora de muchas creaciones. La que más nos suena es la Orquesta Sinfónica del Atlántico, su gran caballo de batalla, el que, a base de cabalgarlo, ha conseguido no sólo su perfecta doma, sino también que le haya dado descendencia, en la sección joven de la orquesta del Atlántico. 

Pero el tema que hoy nos ocupa es otro algo diferente, la zarzuela, y no está en Madrid, como podría pensarse casi de modo automático. No, Isabel Costes ha trasladado la zarzuela a un precioso y entrañable rincón de la isla de Gran Canaria, a Valleseco, y desde ahí, la proyecta para el mundo. 

Isabel, cuéntanos, ¿cómo se te ocurrió elegir un lugar tan original para presentar algo tan distinto de lo habitual en nuestro entorno como la zarzuela?

Comenzó discretamente hace ya ocho años, a partir de una propuesta que le hicimos al alcalde de Valleseco, Dámaso Arencibia. Le interesó y empezamos poquito a poco, muy humildemente. Primero fue un certamen regional; al año siguiente pasó a ser convocatoria nacional, y hace tres años dimos el salto a certamen internacional, único en el mundo dedicado exclusivamente al género de la zarzuela. El año pasado -2019- a raíz de la creación de la organización internacional Zarzuela por el Mundo, presidida por Marcello Pérez, el lema de Zarzuela por el Mundo es “Más Zarzuela y de calidad”. La organización cuenta con el apoyo expreso de Mundo Cuervo (Tequila- México) y de la Fundación Beckmann. El maestro Plácido Domingo ostenta la presidencia de honor. Y allí nos tienes a nosotros, al Certamen de Zarzuela de Valleseco invitados en México y codeándonos con los grandes del mundo de la zarzuela, cantantes, productores, directores de teatros…. Te cuento esto porque a partir de ese momento, el certamen fue apoyado de manera decidida por Zarzuela por el Mundo.  

¿Cuántos países del mundo han estado representados este octubre en Valleseco entre personas del jurado y cantantes?

Además de Canarias y diferentes comunidades de España, Valencia, Madrid, Barcelona, Málaga, Ciudad Real, se han presentado a la primera fase aspirantes de Brasil, Chile, México, Estados Unidos, Uruguay, Noruega, Alemania, Holanda. De todos ellos han accedido a la segunda fase-semifinal 24 cantantes. Cada año hacemos una llamada general al mundo de la lírica y cada año el eco de la llamada alcanza mayores dimensiones y nos contactan personas de más y más países, es muy emotivo ver como un género musical que en España ha sido denostado a lo largo de la historia, cuenta con una gran aceptación en todo el mundo. 

Aparte del concurso, ¿qué otras actividades componen este certamen?

Pues destacar también que, desde la pasada edición, los dos días siguientes al certamen llevamos a cabo una jornadas de Master Class, impartidas por algunos de los miembros del jurado y a las que los concursantes tienen acceso gratuito. Es la oportunidad de poder reflexionar sobre aquello que ha acontecido en el concurso y recibir por parte de los profesores un feedback.

En ocho años ya de proyecto, ¿qué ramificaciones ha dado esta maravillosa semilla?

En ocho años de certamen nos ha dado tiempo a parir más cosas en torno al género: el Festival de Zarzuela y Música Española de La Palma, del que este pasado mes de agosto llevamos a cabo la sexta edición. Al amparo de esta edición inauguramos un nuevo proyecto, Zarzuela Estudio, la primera Zarzuela Estudio que ha empezado en La Palma, pero tendrá un carácter itinerante en diferentes lugares del mundo de habla latina. Al hilo de esta Zarzuela Estudio, han participado ocho jóvenes cantantes, todos ellos becados y elegidos expresamente por el profesorado. Así, han tenido la oportunidad de trabajar una semana con la mezzosoprano internacional Nancy Fabiola Herrera, con el barítono Augusto Brito, cantante de gran trayectoria y profesor del CSMC; con los repertoristas Ricardo Francia y Miguel Huerta; con la actriz y directora de escena Guacimara Correa y conmigo. Al finalizar la semana, se ofrecieron dos conciertos en los que mostraron todo aquello que se trabajó durante la semana de curso.

Incansable ante la pandemia, dinos, aparte del Certamen de Zarzuela de Valleseco, ¿en qué otros proyectos has invertido tus conocimientos, tus capacidades y tu energía? 

(Rie) bueno, la COVID-19 pudo en el sentido que, como a muchos colegas, se aplazaron o cancelaron conciertos que formaban parte de una gira por Latinoamérica. Comenzaba con conciertos en Brasil, seguía Uruguay continuaba con Master Class en la Universidad Tres de Febrero de Buenos Aires (Argentina) y de allí a México. Pero, hay que hacer práctica de resiliencia y convertir las dificultades en oportunidades. Así durante la COVID-19, en el plano internacional, he formado parte como ponente del Seminario internacional de Introducción a la Dirección orquestal, con centro en Argentina y que han ofrecido a casi cien alumnos de diferentes partes del mundo, a través de las redes. He seguido impartiendo seminarios online, y recientemente he sido requerida por la Universidad Autónoma de Zacatecas para trabajar con los alumnos de la Unidad Académica de Artes.  También asumí la responsabilidad de coordinar Europa junto con mi colega Andrea Botelho en el III Simposio Internacional Woman Conductors, celebrado la tercera semana del pasado septiembre, al que se inscribieron 986 directoras de 38 países del mundo, entre ellas Simone Young, Joann Falletta, y Claire Gibault.

De mujeres directoras mejor ni hablarle, ¿me equivoco?

Pues no, no esperen que Isabel hable de tópicos porque no tiene tiempo para ello: porque no existen mujeres y hombres directores existen profesionales que se lo toman en serio como en cualquier otra profesión y viven para ella, y para quienes el sexo es irrelevante. Difícil lo tenían las féminas a inicios del pasado siglo, claro ejemplo de ellos, Antonia Louisa Brico -Róterdam 26 de junio de 1902- quien fue la primera mujer en dirigir la Filarmónica de Berlín, en un momento en que era impensable que una agrupación exclusivamente masculina fuese dirigida por una mujer. (Véase la película La Directora, que cuenta su vida) o la maestra Dolores Marco, en España, que fue la primera mujer en dirigir zarzuela, aparte de una amplia trayectoria como maestra internacional pero absolutamente desconocida y denostada y a la que España aún le debe reconocimiento. Pero ya en el siglo XXI es incompresible seguir adelante con estos tópicos, que solo consiguen cercenar la creatividad, creo firmemente que “las limitaciones se las pone uno mismo”. Abogo por la igualdad de oportunidades, oportunidades que deben tener quienes posean capacidad y excelencia, sea mujer u hombre. 

Y ya que estamos con el género, hablemos de este otro, mal llamado, género chico...

No sorprendemos a nadie si afirmamos que la Zarzuela, ese género nuestro, ha sido denostado en nuestro país. Sin ningún conocimiento se la ha denominado como género chico, como si con esta denominación estuviéramos tratando de un género menor. No, se denomina género chico a aquellas zarzuelas de un solo acto, por tanto de menor duración que la zarzuela grande con dos o tres actos. A principios del siglo XX la zarzuela perdió popularidad frente a la ópera, ésta era para las clases altas, aquella para el pueblo llano. Cuestión de moda o “postureo” como diríamos hoy. La zarzuela tiene una dificultad añadida a la ópera y es el dominio no solo de la voz cantada sino también de la voz hablada. Es tremendamente difícil, estar con un monólogo o un diálogo y a continuación empezar a cantar… otra emisión, otra proyección, en fin. Gran dificultad. En ningún caso la zarzuela está en inferioridad a la ópera. Hay óperas buenas y malas, muy malas y zarzuelas buenas y malas, muy malas. Compositores como Vives, Moreno Torroba, Chapí, Giménez, Barbieri… y tantos otros nos han dejado célebres páginas que en un momento se convirtieron en el hilo musical de la vida de nuestros mayores. Debemos poner en valor la Zarzuela, ¿cómo? Atendiendo a la máxima de Zarzuela por el Mundo: más zarzuela y, sobre todo, de calidad. Tenemos grandes voces, magníficos intérpretes, grandes aficionados y más de 8.000 zarzuelas que esperan pacientemente a ser revividas.

El problema entonces no es de calidad ni de cantidad, sino de promoción. Entiendo que España no sabe o no quiere cultivar sus bienes preciados, como hacen otros países con sus creaciones artísticas. En mi opinión, Isabel, eso lo demuestra el simple hecho de que, por ejemplo, raro sea el oído en el mundo que no reconozca el dulce sonar de El Murciélago (Johann Strauss II (hijo) 1874) la famosa sol fa sol la sol fa mi re mi fa mi re do mi sol la laaaaaa…

(Ríe) sí, sí famosisima. Y por ejemplo, el bellísimo intermezzo de Maestro Giménez de la Boda de Luis Alonso mi mi mi mi mi si do re si do, mi mi mi re do si la sol…

Que en mi opinión es igual de bello pero no tiene ese asiento universal. ¿Es que encuentras alguna diferencia de calidad artística? 

En absoluto, cada una en su género tiene sus dificultades, sus aciertos. En fin, es una cuestión de ese complejo que tenemos y que nos hace pensar que todo lo de fuera es mejor. O aún más, es producto de la tradicional desidia española a la hora de promover y dar lustre a sus productos de calidad. Hay que ser conscientes de los grandes compositores españoles y de sus magníficas y complejas composiciones. En el resto del mundo lo tienen claro. 

¿Crees Isabel que conseguiremos borrar algún día la denominación para la zarzuela de género chico en contraposición a la ópera que, por cierto, no se dio en llamar género grande, y más ahora que estamos borrando las líneas que diferencian los géneros? 

 En eso estamos y estoy convencida de que también lo conseguiremos.

Nadie lo cree, pero la Cultura sitúa lugares en el mapa. Mira si no los grandes festivales de música clásica cómo han dado nombre a Lucerna, Salzburgo, Aix en Provence… ¡y ahora empieza a escucharse Valleseco!

Pues sí, entre miembros del jurado y participantes han llegado hasta Gran Canaria desde otras latitudes y venciendo las restricciones de esta “normalidad transitoria” la muy reconocida cantante Nancy Fabiola Herrera, el productor y responsable de zarzuela por el mundo Marcelo Pérez, y la directora de orquesta Nathalie Marin; el reputado artista mexicano Polo Falcón, conocido en México como el “hombre zarzuela”. Aparte de voces procedentes de varios países, el certamen ha adquirido mucho peso en estos ocho años y se ha situado entre los más reconocidos de la lírica internacional, a la vez que sitúa a la zarzuela en el lugar que le corresponde y que con dificultad se le está cediendo. También quiero añadir que convierte a Valleseco en un lugar de referencia en cuanto al género se refiere. 

Por último, ¿la Cultura es segura? 

Mira, lo que es seguro es que sin Cultura no tenemos seguridad, seguridad de que nuestras sociedades sigan avanzando; lo que es seguro es no cejar en el empeño y trabajar mucho para ello. Lo seguro es trabajar, proyectar, crear. La Cultura es una incansable batalla. Y sobre todo da mucha seguridad, porque la Cultura es vida.

En una velada enmarcada dentro del Festival paralelo del Festival de Música de Canarias, tuvo lugar la semana pasada un encuentro cargado de saber, historia, de música y de cultura en el recién renovado y reinaugurado hotel Santa Catalina, de Las Palmas de Gran Canaria. En primer lugar, el ya histórico y aclamado pianista y director asiduo de esta tierra Christoph Eschenbach y de nuestra enciclopedia viviente Jerónimo Saavedra (alias La Wikivedra) hablaron al público de los momentos más destacados de la vida artística de Eschenbach y de la cercanía de su octogésimo aniversario, que celebrará próximamente en Viena junto a la afamada orquesta de dicha capital.

También preguntó Saavedra al maestro su opinión por la cancelación del concierto de Charles Dutoit para dirigir un concierto de la temporada de la Filarmónica de Gran Canaria, ya que aunque se aducen razones técnicas e, incluso, querer contar con una figura femenina para la ocasión por la cercanía del Día de la mujer, se sabe que Charles Dutoit se encuentra en el ojo de la polémica por diversas acusaciones de acoso sexual, y que por esta razón su reciente presencia en París fue tachada por los músicos de “puñalada trapera”.

Cabe decir que después de esta interesante charla en la que el maestro, caballero y señor (este sí que lo es y los conozco a los dos) Eschenbach se esforzó en hablar en español, cosa que incluso llegó a ser protestada porque no se le entendía siempre muy bien del todo, llegó un entrañable concierto, de mano de la Ensemble Cimandevilla, una formación clásica de quinteto de cuerdas, complementada con bandoneón y percusión, que interpretó de forma magistral los aspectos camerísticos de la música del argentino Astor Piazzolla (1921-1992).

El programa fue especialmente seleccionado para las actividades paralelas del XXXVI Festival de Música de Canarias, centrándose en la relación entre el jazz y la música clásica, sin dejar de lado los aspectos más característicos del tango. La verdad es que cuando empiezas a escuchar a este Ensemble de la Filarmónica de Gran Canaria no puede por menos que venirte a la cabeza aquello de “para muestra un botón”, porque cuando oyes la calidad, la afinación y el manejo técnico, aparte de la capacidad de transmitir la música de ese pequeño grupo, entiendes por qué nuestra orquesta suena luego como suena cuando salen todos a escena.

Fue un magnífico concierto con una selección de obras muy acertada en un salón tan abarrotado que hubo que poner sillas adicionales a las más de cien que ya lo ocupaban, y así y todo mucha gente quedó de pie o sentada por los diferentes espacios posibles. Un gustazo, además, ver la cantidad de niños y jóvenes atentos a la música y a las explicaciones del magnífico interprete y orador bandoneonista argentino Santiago Cimandevilla.

Enhorabuena también al resto de los artistas, por todos conocidos, Sergio Marrero (violín), Pablo Guijarro (violín), José Alvarado (viola), Carlos Rivero (cello), Román Mosler (contrabajo) y Francisco Navarro -nuestro Paquito forever- (percusión). Enhorabuena por supuesto a Jorge Perdigón, por la magnifica iniciativa de continuar ampliando el eco de este buque insignia de la Cultura de las Islas Canarias. Y el fin de semana, despedida de esta edición a cargo de la Orquesta de París.

Pasado unos días, los necesarios para digerir una espléndida noche de música y calidad, como fue la del pasado jueves en el Festival Internacional de Música de Canarias, sólo me llama la atención centrarme en el brío y potencial que puso de manifiesto la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria (OFGC), que extendió su brillante contenido en todo su esplendor y, según me contaron, la siguiente noche en el Auditorio De Santa Cruz fue aún mejor.

La OFGC encandiló a la audiencia y fue magistralmente liderada por una de las ya legendarias batutas: la del Maestro Eliahu Inbal, quien demostró que nunca se cansará de ser un gran director y que su profundo sentido del respeto y dedicación a la música ofrecen los mejores resultados, (por cierto, recordarle al Maestro que no es la primera vez que dirige en el Festival de Canarias, lo hizo una vez con la Orquesta de Israel y otra con la de Frankfurt, quizá estaba confundido porque entonces no fue en el Auditorio Alfredo Kraus).

Inbal, as del volante, se sentía tan emocionado como nosotros manejando este “alta gama” y así lo manifestó en su camerino cuando Mariana Abacioaie, concertino de la OFGC, se dirigió a felicitarle por el magnífico concierto, “Gracias a ustedes”, dijo, “que han sabido captar la esencia de esta obra, de la música y plasmarla con una gran interpretación”.

La magnífica velada del pasado jueves arrancó con la violoncelista Amanda Forsyth, quien ofreció la ahora tan preciada, pero en principio tan denostada, Suite para Violoncelo y orquesta op 47 de A. Bruckner Kol Nidrei.

Dos grandes pilotos pusieron los motores en marcha durante la noche, paseándonos por el romanticismo alemán con el concierto para violín n.º 1 en sol menor, op. 26, compuesto por Max Bruch entre 1864 y 1866 que, después de varias revisiones, le dio forma final en 1868. Fue un concierto de endiablada interpretación magistralmente puesto en escena por el también legendario violinista Zuckermann, en estrecha coordinación con el Maestro Ihnbal y la Filarmónica de Gran Canaria. Estuvo muy inspirado el Maestro Zuckerman y mostró la versión más humana de su interpretación, se le notaba cómodo con la orquesta.

Un gran honor y un placer que nuestra orquesta haya podido salir a escena en compañía de estos dos legendarios nombres de la música, que nos brindaron una de esas noches épicas, en las que hace máximo honor a su altura y calidad. La magistral interpretación de un concierto consiste en transportarnos desde el presente a lo tiempos pretéritos que siguen teniendo repercusión hoy.

Interpretar es darlo todo, es poner todo lo que eres capaz de hacer como individuo al servicio de un proyecto común y así fue la noche del pasado jueves en el Auditorio Alfredo Kraus. Y, por los ecos provenientes desde la isla hermana, también lo hicieron en el Adán Martín; nuestra orquesta sonó llena de garra, de vital ilusión, de energía, de ganas de seguir vibrando, mostrándonos con toda nitidez los claroscuros y el colorido propio de la estética de la época a la que nos transportaron.

Y no crean ustedes que esto es debido a las obras que se interpretaron, pues no es tarea fácil entender a mister Bruckner por mucho que la cuarta sea las mas conocida, y el tercer movimiento lo tengamos todos registrado en algún lugar de nuestro disco duro. Aún con eso, Bruckner es difícil de digerir y mantener la atención durante toda la obra, depende en un alto grado de la forma en la que se nos presente. Y esta vez, nos fue presentada de forma magistral y en perfecta comunión orquesta-Maestro; a pesar de que algunas voces apuntaban, por ejemplo, que estaban mas conformes con la lectura de otros directores, pero esa noche también había sido impactante.

De cualquier manera, hemos tenido el placer de escuchar una magistral interpretación de dos obras icono de la historia de la música, tal y como saben contarlas las mejores batutas cuando dan con una agrupación de primer nivel dispuesta a darlo todo y a mostrar como funcionan las orquestas profesionales de alta gama.

A ver, rebobinando: Requiem de Fauré en la Iglesia de San Francisco de AsísRequiem .

La verdad es que no sabe una por dónde empezar, si por la emoción que te produce, saber que vas a escuchar uno de los Requiem más bonitos y delicados de nuestro legado cultural, por la que te produce el saber que el elenco seleccionado significa garantía de calidad, si hablar del lugar del encuentro y su precioso entorno, o la emoción de constatar que “a la gente” SÍ le gusta la música de calidad, que “la gente” sí va a “este tipo” de conciertos, que la música llamada en su generalidad Clásica, lo cual es en realidad un periodo histórico determinado, sí despierta interés y lo vivimos anoche en una Iglesia de San Francisco ,que pudo haberse desbordado de no haber sido por la profesional intervención de los responsables del acto por mantener el aforo establecido en dicha iglesia y evitar cualquier tipo de incidente.

Mucha gente acudió a la llamada del Requiem de Fauré, magnífica obra litúrgica que se aleja de la oscuridad propia de este tipo de composiciones, para centrarse en la luz que se supone más allá de estas fronteras. Este Requiem está considerado uno de los más bonitos y emotivos de su estilo, así como la obra maestra del autor, quien nos cuenta que su obra nace después de haber tocado el órgano en muchos servicios funerarios y, pensando que conocía ya demasiado bien las partituras de otros compositores, decidió que quería salirse de lo convencional: “En cuanto a mi Requiem, tal vez haya tenido el instinto de salir de lo convencional. ¡He estado acompañando los servicios funerarios en el órgano durante tanto tiempo! Estoy en un aprieto. Quería hacer otra cosa”.*

Se dice que para tal ocasión estuvo “inspirado” en el fallecimiento de sus padres, pero en sus propias palabras: “Mi Requiem ha sido escrito sin ninguna causa particular ... ¡por placer, me atrevo a decir! Ha sido interpretado por primera vez en la Madeleine, con motivo del funeral de cualquier feligrés”.**

También se dice que la belleza de su Requiem radica en que no se centra en el terror o el miedo a la muerte, sino en la belleza que existe tras ella, razón por la cual Fauré prescinde de los momentos “terroríficos” propios de los Requiems tales como el Dies Irae  (La ira del Señor), que, la verdad, apunto a título personal, no pega nada esa ira con el carácter del Señor pacífico y bondadoso que siempre se nos ha mostrado. A este tenor, de nuevo en palabras del compositor: “Mi Requiem... se ha dicho que no expresa el miedo a la muerte, algunos le han llamado Canción de cuna de la muerte. Pero es así como yo la siento: como una feliz liberación, un anhelo de felicidad del más allá, más que como un pasaje doloroso”.*

Esperemos que Fauré tenga razón, pero de momento nosotros abandonamos la Iglesia de San Francisco con la impresión que él nos quiso transmitir la de haber alcanzado la luz, la sensación de felicidad del más allá pero en la Tierra. Así quedamos, como flotando en el espacio infinito gracias a la música y a su soberbia interpretación de la mano protagonista del Coro de cámara Ainur, interesante conocer el origen de su nombre, este coro, por el cual siento, por cierto, una especial debilidad, es uno de los mejores coros de territorio nacional y esto no es Chauvinismo sino realidad, si no, miren.

El coro Ainur nos mostró anoche el porqué acompañado por un ensemble de la cada vez más presente y potente Orquesta Sinfónica de Las Palmas, dirigida por otro gran hacedor y conocedor de las entrañas de la música, nuestro querido José Manuel Brito y con la excelente participación de los solistas Tania Lorenzo, soprano, y Fernando Campero, tenor.

Gran elenco de nombres de la tierra que dejaron claro lo alto que está nuestro listón a todos los niveles. A quienes quieran escuchar esta obra y apreciar la calidad de los nuestros, recordarles que aún tienen varias oportunidades durante el recorrido de la obra por las islas de Lanzarote, el 24 de enero, Fuerteventura, el 25 de enero, La Gomera el 31 de enero, y La Palma, el 1 de febrero. ¡No se lo pierdan! Así tendrán el valor añadido de un entorno diferente y el contribuir además a la causa “turismo local”.

*Entrevista con Louis Aguettant, el 12 de julio de1902, publicada en Comœdia el 3 - 9 mars 1954.

**Gabriel Fauré - Correspondance présentée et annotée par Jean-Michel Nectoux, collection Harmoniques, 2 Flammarion, Paris 1980. 363 p.75

***Fauré, collection Solfèges, Paris 1972 et 1995 (1re édition)(2e 3 ) 256 p 74-75

Sí, vaya si se derriten en nuestros oídos. Así, como un bálsamo tibio, iban adentrándose los primeros acordes, hasta los últimos, como un M&M, pero en este caso las M pertenecen a Mozart y a Mitsuko y se puede añadir otra, la de Mahler. Y esas notas, tan bien engarzadas por el Maestro, van adentrándose en nosotros, y apoderándose de un espacio que sin duda les pertenece, nuestro ADN, porque de esta música también estamos conformados, porque nuestro hoy, es la suma de todos los acontecimientos que nos han hecho llegar hasta donde estamos, porque lo han definido muchos “ayeres” de toda índole, sociales, políticos, económicos, y uno muy muy importante y determinante, el cultural, en el que hay una sustancial parte de la herencia artística de W.A. Mozart.

Sentados expectantes en el Alfredo Kraus, supimos desde el primer acorde que nos esperaba una gran noche. Nos lo dijo aquel aroma a Mozart, que emanaba sutil del conjunto orquesta-intérprete, aquél ocre colorido, distintivo de una época en la que la música marcó un antes y un después; nos lo dijo la sutileza interpretativa de unas manos expertas, llenas a su vez de fuerza y de controlada pasión. Y así fue, Mitsuko Uchida nos trajo a casa una inolvidable noche vienesa, de esas en las que Mozart se movía vivaz, entre salones imperiales y noches de billar a la luz de las velas; la pianista nos puso sobre el escenario (ella por exigencias del guión, de espaldas al público, como castigada, y mirando al Atlántico) una noche de recreación de ese momento vital en la evolución de la música occidental, de ese momento crucial de la Europa que comenzaba a forjarse como tal, gracias al cultivo de las mentes, labor en la cual se había empeñado hacia décadas la gran señora del siglo XVIII, mujer de la que poco se habla para sus 40 años de Regencia: Maria Theresia de Austria.

Mitsuko Uchida, que parece haber estado al lado de Mozart mientras este escribía sus conciertos para piano, nos lo ha contado todo, a tal punto de detalle, que mas que haber escuchado un concierto, pareció que estábamos paseando dentro de una película. Llevada por Mozart, nos hizo caminar las frías noches vienesas de aquél invierno de 1785 en el que Mozart conjugaba la composición de su concierto para piano Nr. 22 con la creación de Las Bodas de Fígaro. Pero nada se notó del frío invierno, pues nos mostró lo cálido y acogedor que puede resultar un espacio a la tenue luz de unas velas, junto a la compañía del genio creador, del músico revoltoso y contestatario. Uchida nos quiso transportar en el tiempo y al lugar para mostrarnos en primera instancia la contemporaneidad del siglo XVIII; para ello, nos cogió de la mano y nos hizo caminar por los pequeños callejones que circundan la Stephan’s Dom, nos dijo quienes dominaban entonces la escena cultural y nos explicó que sonaba así, que los instrumentos eran otros, las flautas eran de madera, que las orquestas con menos personas profundizaban en el sonido y la sonoridad de forma especifica para aportar volumen y voluptuosidad. Y de vez en cuando, se acordaba de que había dejado a la Mahler Chamber acompañándola en su paseo sobre el escenario. Entonces nos dejaba allí, contemplando la creación contemporánea del siglo XVIII para regresar al XXI y dirigirse a la Mahler Chamber casi “pro forma”, porque la Mahler también supo darnos a conocer la arquitectura Mozartiana, la estética del momento, el desarrollo orquestal, la práctica del instrumento a la antigua. Increíble su interpretación, compuesta por músicos de diferentes países, de diferentes idiomas y formas de pensar, de distintas filosofías de vida, pero dejando claro que el lenguaje de la Música se coloca por encima de todas las diferencias y que será siempre imprescindible si queremos seguir avanzando.

Y así, transitando entre el XVIII y el XXI, Mitsuko Uchida nos relató magistralmente los dos maravillosos conciertos para piano de Mozart, el número 13 y el número 22. Ambos preciosas piezas de gran valor, que yo invito desde aqui a volver a escuchar, en cualquiera de las tantas versiones que podemos encontrar en la googleteca.

Escuchen bien esos conciertos para que descubran cuánto hay de Bach en ellos y como Mozart bebía de las melodías tradicionales, de los ritmos populares, de la estética que le rodeaba, pero escuchen también cuánto de ellos hay en Beethoven, en Brahms, en el post-clacisismo. Para decubrirlo, les invito a escuchar de nuevo el concierto número 22 de Mozart, interpretado por justamente Uchido, y que pongan atención a partir del minuto 4.38 y hasta el minuto 5 de esta versión:

Y escuchen ahora ese final de la quinta de Beethoven, quien tanto admiraba al genio de Salzburgo. Bueno, yo se que es difícil pasar por la Quinta y no quedarse en ella, pero hagamos un sacrificio y vayamos directamente al minuto previo al momento, al minuto 28, de esta versión dirigida por Daniel Barenboim en los BBC Proms.

Y ahí encontraremos la melodía que Mozart puso en su concierto 22. Otro ejemplo de cómo se inspiraban los compositores en ideas de admirados maestros lo tenemos en el concierto de piano nr. 13, por ejemplo, en el tercer movimiento, en esta otra versión de Uchida.

Escuchen desde el minuto 39 al 42, lo que puede ser el origen o la inspiración de esta maravillosa Canción de Cuna de Johannes Brahms

Regresando al Alfredo Kraus, y al entorno del Festival de Música, cabe añadir que la misma orquesta que nos paseó por el estilo contemporáneo del siglo XVIII, nos quiso luego pasear por el contemporáneo del siglo XXI, de la mano del ya reconocido compositor bávaro Jörg Widmann, descrito por The Guardian como “el anarquista musical que imprime fuertes dosis de pura alegría” . Así que, de la mano de Widmann, hicimos las transición de contemporáneo a contemporáneo y toso porque no lo entiendo, o eso creo.

Y así fue, la obra de Widmann estuvo muy bien acompañada por las diferentes tonalidades de cujún cujún que se pueden dar entre mas de mil personas diferentes. Por suerte, la mayoría sabe poner oídos para atender y entender lo contemporáneo también de nuestro siglo, que curiosamente cuesta mas digerir que lo contemporáneo de tres siglos atrás (una explicación a ello parece ser que se encuentra en los entresijos de la neurociencia). El caso es que la obra de Widmann no fue tan abrupta como alguno podría esperarse de un compositor de 44 años, parece mas bien que esté buscando nuevos horizontes, estudiando lenguajes mas comprensibles, jugando también con la puesta en escena, preciosa en esta caso, dejando sólo una tenue luz cenital, que dejaba observar como las olas se iban acerando al escenario atraídas por esas melodía difícil de descifrar, pero de alegre belleza.

Y así, transitando de siglo en siglo, concluyó una magnífica velada, en la que, después de aquel abrupto tropezón que le dejó vagando por los aires respirando incertidumbre por desinterés y desconocimiento, el Festival ha tenido la suerte de caer en manos delicadas y sobre todo conocedoras de las entrañas de la música y del proyecto, que lo viven con pasión, y que están dispuestas a seguir adelante en la línea original, pero adaptándolo con mucha maña a las nuevas fórmulas y demandas sociales. El Festival gana y ganamos todos. ¡Hasta Mozart nos confesó, antes de que abandonáramos junto a Uchida la Domgasse, que respiraba aliviado!

La exquisita degustación tuvo lugar el miércoles pasado en el Paraninfo de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria a iniciativa de Pedro Schlueter, presidente de la Sociedad Filarmónica de Las Palmas, quien muy acertadamente eligió como “concierto de final de año” este delicioso menú.

Barrios Orquestados puso sobre el escenario del acogedor auditorio del Paraninfo de la Universidad, con mantel de seda y ofreciendo una selección de exquisitos platos, que la vida con música es más, con música es mejor; que las sociedades con música avanzan a mejores marchas, que la Cultura es tan necesaria para el desarrollo de la persona y por tanto de los conjuntos que conformamos, como el oxígeno que respiramos; que la Cultura es nuestra mejor arma de construcción masiva; que la música, con su consonancia, hace que todos los engranajes funcionen a la perfección; que si nos formamos, nos culturizamos, nos educamos, ya hemos aprendido muchísimas cosas, por ejemplo, que tenemos que cuidar nuestro entorno, que no podemos destruir la casa que nos cobija, que nadie es mejor que nadie porque su alma esté revestida de un traje más claro o más oscuro; que nadie es mejor que nadie porque eligió nacer aquí en lugar de allí; que nadie es más listo que nadie, sino que cada uno es más listo en aquello en lo que la naturaleza le ha capacitado a hacer, hemos aprendido que la historia es una gran maestra y no deberíamos dejar de escucharla, es tanto y tanto lo que se aprende tan “sólo” por culturizarnos, que por eso la labor que realiza José Manuel Brito al frente de un equipazo de profesores y colaboradores para hacer llegar la música y la cultura a cada rincón del tejido social canario es de alto voltaje, tiene tanto valor, que casi no podemos darle número.

Y este gran valor repercute positivamente también en la economía, a pesar de que cuesta reconocerlo y que por eso se siga tratando como “subvención” o “aportación”, en lugar de como “inversión”, la liquidez capital en lo más importante de una sociedad. Las sociedades se enriquecen gracias a la Cultura, somos ricos gracias a la cultura y no tenemos cultura porque somos ricos.

Y aparte de toda esta información transmitida al público por una gran cantidad de jóvenes provenientes de al menos tres de la islas del archipiélago canario, aprendimos también cómo se les enseña a manejar los instrumentos tan difíciles de dominar, cómo aprenden de memoria todas las partituras; cómo manejan los ritmos, cantados, tocados o bailados; cómo han aprendido a trabajar en coordinación conscientes de que cada pulso en necesario para el buen latir de un corazón.

Brito y Barrios Orquestados nos llevaron de paseo por medio mundo y a través de la historia, ofreciéndonos pequeños fragmentos de grandes obras de la literatura musical, nos narraron bellas historias de otras culturas, nos contaron detalles desconocidos de célebres músicos, pero sobre todo supieron transmitir la esencia de la Música, sobre todo destilaron musicalidad, pasión, saber, sonido, afinación, alegría, emoción; nuestros jóvenes de barrios orquestados, encandilaron a un público que salió del recinto lleno de entusiasmo, de agradecimiento y algunos incluso con el deseo de contribuir a este magnífico proyecto.

Este miércoles, también volvimos a comprobar que el corazón no engaña, que cada nota, cada palabra producida sólo desde el virtuosismo o del deseo de exhibicionismo, cae al foso según atraviesa la luz cenital, pero que las notas que emanan desde la pasión, desde el amor incondicional, traspasan sin dificultad todas las fronteras, incluso las más inaccesibles de la condición humana, aquellas que nosotros mismos hemos inventado.

Enhorabuena a B&BO y a todo su magnífico equipo de incansables luchadores y enhorabuena a la Sociedad Filarmónica por dar cabida y escenario a nuestros jóvenes Maestros.

Sin entrar al detalle de qué grupos tocan así, y otros no tanto, de qué calidad vocal, instrumental, de conjunto, qué magnífica organización, qué público entregado y respetuoso, qué brava alguna “Leona” que nunca nos deja y no ceja en su empeño de traer la cultura a esta ciudad, y qué bien que otra luchadora se sumó y recuperó el evento que desde hace tiempo nos pertenece es un “más” en esta ciudad, quitando todo eso, de lo que ya hablaremos en profundidad, si el “jefe” de esta casa me deja, el WOMAD 2019 no podía haber caído en mejor momento y deberíamos de sacarle justamente este año el mayor partido posible, le mejor partido que tenemos que sacarle, mas allá de pasar un fin de semana inolvidable al ritmo y al son de la buena Música.

El WOMAD ha venido este año a decirnos, que el mundo solo tiene las fronteras que cada uno en su mente quiera colocarle, que existen fronteras políticas, sí, pero esas no delimitan fronteras humanas.

El Womad nos está recordando que la diversidad no solo no hace daño, sino que es necesaria para la creación, para el nacimiento de criaturas maravillosas como las que pudimos escuchar anoche, músicas creadas por holandeses, inspiradas en ritmos turcos o etíopes, interpretadas en una ciudad políticamente española, y territorialmente africana. Eso hace la diversidad, nos dice que el talento humano para la creación está por encima de todas las barreras dibujadas a golpe de bolígrafo sobre un mapa del mundo.

El Womad nos está contando que nuestras mentes y nuestros corazones, hechos todos exactamente del mismo material, tienen la libertad de volar todo lo alto que se propongan, si no caen en las trampas de las falsas fronteras.

El Womad nos recuerda que la cuestión consiste, en que nadie nace completo, nadie lleva de todo, pero que tenemos ojos, oídos, para ver y escuchar y capacidad intelectual para aprender, y que tenemos un conocimiento que si se llena de Educación y de Cultura nos abre la mente y el espíritu y si nos abre la mente y el espíritu alcanzamos a entender que este planeta es de todos y que todos tenemos cosas interesantes que contar, que cada Cultura es rica y enriquecedora, vívala quien la viva, y que de la diversidad salen las mejores creaciones, y no solo en el plano intelectual, por todos es sabido lo que ocurre a nivel fisiológico cuando la raza humana no se diversifica y se limita a reproducirse solamente entre miembros de comunidad reducidas, esto indica mas que nada que el humano debe moverse, abrazar al planeta física e intelectualmente, que debe dar paso y cabida a la diversidad, porque la naturaleza no es lo mismo en el Polo Norte que en el Sahara, los humanos que allí habitan tampoco lo son, pero comparten el denominador común de ser personas, y ese lo compartimos todos todos todos sin excepción.

Valga el Womad este año para recordarnos que la diversidad en buena, la diversidad es necesaria, la diversidad hace crecer al hombre, porque si hay diversidad se da por hecho que hay respeto al otro y si hay respeto al otro, se da por hecho que hay buena convivencia, y si hay buena convivencia se da por hecho que funcionan las sociedades, y si funcionan las sociedades no tenemos que tener miedo a nada, y si no tenemos miedo a nada, no nos afectan mensajes de quienes amparándose en el miedo quieren hacernos acudir temblorosos a las urnas, señalando con el dedo a personas desconocidas, solo porque son distintas y no solo de raza, también de forma de ser y de pensar y si no vamos temblorosos a las urnas, quienes juegan con el miedo para poder apoltronarse no lo conseguirán, digámosle que miren el Womad, que vayan al Womad; que se dejen arrastrar por la música, por el sentido común, que no pasa nada, que el humano puede convivir en la la pluralidad y la diversidad y que esto además nos hace ser mejores personas, en el mundo entero.

Gracias por traer a la ciudad un trocito de mundo. El Womad continúa hoy acompañándonos en el camino a la urnas, bailemos, cantemos, entre tanto votemos, con conciencia universal, de esto modo podremos garantizar mejor la continuidad de sociedades pacificas y democráticas.

El pasado sábado, 14 de septiembre, arrancaba en el Teatro Cuyás la XXVII temporada de la Zarzuela de Canarias con la obra La del manojo de rosas, un sainete lírico en dos actos, con música del Maestro Pablo Sorozábal y libreto de Francisco Ramos Castro y Anselmo C.Carreño, cargado de amor y humor a partes iguales gracias a sus ingeniosos textos.

En la obra, señera del repertorio español, se dibuja una estampa social del momento, para pasar luego de puntillas sobre cada uno de los aspectos que la componen: la sociedad de clases, la situación política, social y económica, y cómo los seres humanos se relacionan con todos estos aspectos con los que les toca convivir. 

Los actuales responsables de este Festival de Zarzuela, que se encuentra a las puertas de celebrar su XXX aniversario, trabajan poniendo todo el amor del mundo por la Zarzuela, por la música, por el teatro, por la cultura, por el cuidado y perpetuación del patrimonio y establecen también una enorme dosis de humor y empeño que conjugan a su vez con un presupuesto tan pequeño como grande es la pasión que invierten para dejar el listón muy alto.

Las notas iniciales fueron interpretadas por la Orquesta Sinfónica de Las Palmas y su actual Director, Rafael Sanchez Araña, un artista de la batuta y un especialista en acompañar sutilmente las distintas voces en escena desde el foso. Mucho ímpetu y carácter debe tener, aunque su apariencia diga lo contrario, porque la orquesta le sigue indiscutiblemente, acatando todas las indicaciones que el joven director, con sutileza y firmeza a partes iguales, les hace llegar. 

Después de una elegante introducción musical, comienza el desfile de protagonistas de La del manojo de rosas, y Estefanía Perdomo, la protagonista, la primera que sale a brindar sus preciosas y melodiosas frases, en esta caso, interpreta a una Ascensión espléndida, firme, decidida, con una voz límpida ya de sobra conocida, pero que no por ello deja nunca de sorprender.

Perdomo, tan involucrada en el papel como si hubiese nacido en el mismo Chamberí, repartía pasión y calidad a partes iguales junto a Alicia Ramos, que estuvo espléndida en la voz, la interpretación y la puesta en escena como Clarita. José Luis Gago, en el papel de Espasa, provocó las carcajadas de los allí presentes, esforzándose, sin que se notara, para que cada palabra de su texto llegara con la mayor nitidez posible.

Pero todos lo dieron todo; Fernando Campos, en el doble papel de Joaquín señorito Joaquín obrero; Capó, un camarero que subrayó el tono humorístico de la obra; los padres de Joaquín… Brindaron lo mejor de sí mismos a una escena muy lograda con muy pocos medios, gracias al conocimiento y dedicación de Raúl Vázquez y de Carlos Santos, y detrás escondida, la ineludible maestría de Laura Navarro.

El equipo supo hacer llegar al público la importancia que tiene mantener viva la llama de la cultura y del teatro. A la salida, se pudo observar cómo todos los asistentes salían felices y con  ganas de volver al siguiente título, y sobre todo, con esperanza de que con la treintena, el Festival de Zarzuela reciba un mayor apoyo y obtenga la importancia que le corresponde, tanto por la forma como por los contenidos. 

Al encontrarse en el camino, le habló Verdi a Brahms de lo que había vivido y experimentado en estas latitudes, le explicó lo agradable que es interrumpir el invierno para, en pocas horas, estar tomando el sol en la terraza del Auditorio, pero le resultó sobre todo, curiosa y muy interesante la importancia que la Cultura tiene en las sociedades. De manera que Canarias, situada geográficamente en África, en realidad es Europa, vive y piensa como Europa. Así, la cercanía física con el imponente continente africano se convertía en un abismo solo por la cultura.

Así, concluyeron que están en lo cierto en lo que se refiere a la importancia que tiene para los pueblos la cultura de la que bebe y con la que se alimenta. Y es que la Cultura ha definido civilizaciones enteras y, en nuestro caso, la cultura ha construido una civilización “sostenible”. Ahí entendieron nuestros dos invitados su misión como participes de esta edificación. De este modo llegó Brahms a Canarias, entusiasmado, con claros objetivos, y sabiendo además que iba a ser leído e interpretado por la flamante y mas antigua Orquesta Estatal de Hamburgo y su actual director titular Kent Nagano, quien era el must del Festival de Canarias.

Así las cosas, con un auditorio lleno hasta la bandera para escuchar esta pléyade, tan necesaria para la supervivencia de nuestra sociedad democrática como el aire que respiramos, arrancó un concierto que nos dejó a todos en estado de gracia. Brahms, tan educado, dejó que su admirado Wolfgang abriera la noche con la apertura de La Flauta Mágica, cuya rítmica pasión desvelaba a modo de trailer el contenido de los dos siguientes actos de este Singspiel. Tiene lugar en lo mas profundo del bosque y de las tinieblas de las cuales emerge en un momento dado la Reina de la noche, con su famosísima aria, la cual sitúa a la protagonista en la cima de la oscuridad incandescente, danzando de puntillas sobre las notas mas agudas de su espectro vocal.

Y todo esto sin perder de vista Viena! Violin Konzert. Con Brahms entre nosotros, sonó su concierto para violín, su maravilloso concierto para violín, espectacular concierto para violín, a estas alturas me pregunto, ¿qué es lo que debe hacer click en la mente del humano para que, teniendo estas joyas a su altura, no sepa aprovcharlas? Pues la jovencísima alemana Veronika Eberle llenó el Auditorio de Brahms, de nuestro querido y necesario Brahms, y nos enganchó con su concierto tan bien interiorizado. No voy a decir que su actuación fue espectacular, que lo fue, porque ya solo el hecho de tocar este concierto implica ser un talento y ser estudioso, pilares tan importantes como las dos ruedas de las bicicletas.

Así sonó Brahms, límpido, impecable, interpretado en alemán, lengua materna de obra e intérprete, dirigido por un profesional de primera línea que supo dar todo el protagonismo a la joven violinista, y creanme que lo remarco porque no siempre este es el caso. Fue así, como siempre a tempo y sin perder el aliento, a pesar de lo complejo de la partitura, pudimos disfrutar de esta gran obra de arte, la cual curiosamente, fue rechazada en sus inicios debido a su gran virtuosismo.

Fue criticada por sus contemporáneos, atribuyéndosele al reputadísimo Director de orquesta Hans von Büllow la máxima: “el concierto no está escrito para violín sino en contra de él. Al tiempo, el violinista Henryk Wieniawski tildaba el concierto de ”intocable“ y el mismo Pablo de Sarasate, aunque gran admirador de Brahms, rechazaba tocarlo porque en el segundo movimiento, sobre todo al inicio del éste, la voz cantante la lleva el Oboe. ”Me niego a estar allí de pie, violín en mano mientras el oboe toca la única melodía del adagio“, sentenció.

Brahms había escrito: “la frase la canta el oboe, la repite el oboe... y la vuelve a cantar el oboe y todos nos morimos de ganas de escuchar el tañido del violín y el alma se abre a su peculiar textura y cuando, ¡por fin!, el solista recoge la frase y medita sobre ella lentamente, el oído y el corazón la reciben de par en par porque han sido preparados, como preparan los besos los amantes sabios”. No me diga que esto no es romanticismo en estado puro.

Después de saber lo que Brahms quiso expresar, escúchelo de nuevo y enamórese de la frase. Finalmente, la historia y todo violinista que vino detrás dio la razón a Brahms y su concierto de violín pasó a formar parte de nuestro legado. Cuatro movimientos de los cuales no sabrías decidir con cual quedarte, porque son los cuatro rítmicos, melódicos, armónicos, consonantes, enérgicos, clásicos, muy clásicos. Muy Beethoven, pero sin olvidar a Mozart ni a Haydn, ni a su momento, ese era Brahms. Así compuso cada movimiento, único, diferente, emulando quizá aquellos paisajes que le inspiraban, por los cuales le gustaba pasear con su típica estampa de las manos a la espalda.

Brahms leyó por primera vez su sinfonía, a dos pianos, junto a Ignaz Brüll, pianista austriaco, ante sus amigos, entre los cuales se encontraban Clara Schumann, su Eterna amiga y Max Kalbeck su biógrafo, quienes respondieron a la lectura mas bien con rechazo. El entonces influyente crítico musical Eduard Hanslick dijo algo parecido a “en todo el movimiento me he sentido como si dos horribles apasionados me hubiesen estado apaleando” (imagínese, como para fiarse uno de los críticos musicales). Pero finalmente recibió buenas noticias desde Berlín de su amigo Joseph Joachim.

También cosechó La cuarta grandes éxitos en una gira internacional dirigida por Büllow. Y aunque en Viena, en un principio hubo escepticismo, finalmente se interpretó poco antes de que el compositor cogiera rumbo a la eternidad, encontrándose él mismo en la sala. Allí recibió una apoteósica acogida y Brahms supo, antes de irse, que su mensaje había calado. El mensaje de la música nos cuenta que, traspasando ciertas esferas, el arte vive liberado, el arte no tiene géneros, el arte no tiene edades, (aunque las edades si tengan artes), que el arte no entiende de religiones (aunque las religiones si tengan artes). Que el arte proviene de un sublime “mas allá”, que atravesando al humano se hace tangible para quedar suspendido en la eternidad. Y a partir de ahí, como sólido cimiento de nuestro hábitat cultural que es, nos pertenece y su arrullo nos evoca aquella calma infinita en la que nadábamos antes de cruzar la frontera hacia el aire.

Es por eso, que le aconsejo hacer uso de este patrimonio, para por ejemplo, ayudarse a sobrellevar aquellos días de desasosiego. Acuda a él en esos momentos en los que nos sentimos tan perdidos como Tamino cuando despierta en medio del bosque. De verdad, pruébelo, siempre, pero mas en esos momentos. Escuche a Brahms a Beethoven, a Rachmaninov, acuda a esta medicina alternativa (que por lo pronto no se va a prohibir) y deje de lado los tranquilizantes químicos, porque Brahms le va a hablar a su corazón, a su subconsciente atrapado. Brahms le va a tranquilizar, a reconducir al pulso correcto. De verdad, no desperdiciemos este, nuestro magnífico legado de múltiples beneficios y sin efectos adversos.

El archipiélago Canario ha sido uno de los lugares del mundo privilegiados en este mes de enero, con la visita de ilustres mentes. Referencias de la civilización, sobre todo Europea, que hoy conocemos. La Europa en la que sigue vigente un sistema democrático y un sinfín de cosas más producto todas ellas del incesante trabajo de formación y cultivo de una innumerable cantidad de personas que se decantó por el desarrollo artístico, cultural e intelectual como forma casi única de salir de las oscuridad cavernaria que nace indefectiblemente pegada al ser humano. Por cierto, que a quien no le guste Europa, que los hay, les invito a darse una vuelta por el mundo y cuando regrese nos diga de nuevo su opinión.

Pero volviendo a nuestros ilustres visitantes, contar que hemos tenido el placer de recibir las mentes de Giuseppe Verdi y de Johannes Brahms, en las dos capitales Canarias. Mentes leídas e interpretadas por la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria y la de Hamburgo respectivamente. Si usted, señora o señor, supiera la importancia (y necesidad) que estos dos nombres tienen en su vida actual habría corrido a los auditorios Adán Martin y o Alfredo Kraus, o al Palacio de Congresos de Fuerteventura (caso Brahms), llevando consigo a su ascendencia, pero sobre todo, a su descendencia, así como a las personas más importantes de su vida para que ninguno de ellos se perdiera la ocasión de conocer de cerca a tan ilustres y significativos antepasados.

Porque Giuseppe Verdi y Brahms y Beethoven y Modigliani y Galdós y Mozart y un largo etcétera de nombres conocidos o ‘sonantes’ del mundo del intelecto y de las artes tienen mucho más que ver en la vida que hoy vivimos, que lo que usted y yo -y no digamos los de la generación wifi-podamos imaginarnos. Por tanto, no saben lo que se perdieron quienes por desconocimiento de la visita o por saberlo pero obviarlo no acudieron al encuentro de estos forjadores de nuestro actual mapa genético.

Requiem de Verdi. ¿Pero es el mismo Verdi de Rigoletto? ¡sí, exacto! Verdi el de Rigoletto, la Donna e mobile; el de Aida; el de La Traviata y su famoso brindis por no hablar del Va pensiero de Nabucco. ¿Ve cómo su obra le pertenece? Pues sí. Verdi, aparte de esas y otras muchas maravillosas óperas, escribió también un Requiem. En realidad una Missa da Requiem, compuesta en 1873; siglo XIX. En este año retoma Verdi la idea de componer un Requiem por la muerte de querido amigo el poeta Alessandro Manzoni, importante figura del movimiento nacionalista italiano (Risorgimiento) del cual también formaba parte Verdi. De tal forma que los italianos aprovechaban sus loas de Viva Verdi al compositor para reivindicar al mismo tiempo su apoyo al Rey de Italia: ¡Viva Vittorio Emmanuelle Re de Italiani!

Dicho esto, al decir retoma me refiero a que Verdi previamente había participado en una especie de Requiem colectivo escrito a la muerte de Gioachino Rossini. ¡Sí! Rossini. Otro de los ilustres de cuyas obras usted sabrá cantar como poco el Figaro, Figaro, Fiiiiigaroooooo de su ópera El barbero de Sevilla. Pero si escucha la obertura de su ópera La Gazza ladra verá que también le resulta conocida, y eso por no hablar del final de la Obertura de Guillermo Tell. Pues ese es Rossini al que entre todos sus coetáneos le compusieron un Requiem que por múltiples razones no llegó a ser representado a su muerte y del que Verdi asumió escribir el final Libera me. Ante esta situación, Verdi recoge su parte del Requiem a Rossini y completa el suyo propio: la Messa da Requiem a Manzoni interpretada por primera vez el 22 de mayo 1874 en la iglesia de San Marcos en Milán. Justo al año de la muerte del poeta y siendo Verdi ya famoso por su ópera Aida. Un compositor que la dirige recibiendo a partes iguales alabanzas y críticas como, por ejemplo, denominar al Requiem “ópera disfrazada con hábitos eclesiásticos”.

Y por cierto, habiendo topado ya con la iglesia en una época en la que las mujeres aún no podían cantar en los espacios religiosos. Algo a lo que Verdi se oponía, así que escribe una carta abierta en el diario italiano Gazzetta Piemontese el 22 de noviembre de 1868:“Se io fossi nelle buone grazie del Santo Padre, lo pregherei a voler permettere, almeno per questa sola volta, che le donne prendessero parte all'esecuzione di questa musica, ma non essendolo, converrá trovar persona piu di me idonea ad ottenere l’intento” (Si yo me encontrara en buena sintonía con el Santo Padre (entonces Pio IX) le rogaría que permitiera, al menos por esta vez, que las mujeres puedan tomar parte en la ejecución de esta música, pero como no lo estoy, será conveniente encontrar a la persona idónea para conseguir el intento). 

Y debió encontrarla porque cantaron dos sopranos: Teresa Stolz y María Waldmann. Pues es a este Verdi, artista y revolucionario, a quien tuvimos el placer y el honor de recibir y escuchar hace dos domingos en Las Palmas y en Santa Cruz. Y es tanto lo que se podría decir de esta magnánima obra de arte. De su grandes contrastes fulgurante brillo y “ténebre” oscuridad (valga la redundancia). Es tanto, que si usted escucha algo de ese Requiem, cosa que le aconsejo encarecidamente, se va a dar cuenta enseguida de su grandeza; de su complejidad en las estructuras; de lo sublime y profundo de su mensaje. Además así, sin entrar en grandes observaciones sobre rítmicas, líneas melódicas, ni orquestaciones, se dará cuenta también de que esa obra es completamente distinta a las famosas óperas de Verdi.

El Requiem es una obra sublime de momentos espectaculares en los que Verdi nos muestra, por ejemplo, la Ira del Señor (Dies Irae) -parece mentira, un hombre tan bueno- haciendo participe a todos los actores necesarios y centrándose en un golpe de timbal que nos hace contener la respiración, que asusta. Luego pasa a arrullarnos con un magnífico pianissimo de coro. Esto antes y después de pasajes y paisajes sublimes, delicados, provenientes de los más profundo de su conciencia. Esta gran obra que muestra la intensa luz y las profundas sombras, que recomiendo escuche si no todo de una vez sí por partes, fue genuinamente interpretada en nuestra casa por un sinfín de personas. Bajo las luces un coro magistral proveniente de Lituania; cuatro solistas de bandera, una orquesta a la que queremos indefectiblemente (la Filarmónica de Gran Canaria) y un Director, Karel Mark Chichon, que se entregó a la compleja obra dándolo todo de sí con el máximo respeto a la partitura y, seguramente, sabiéndose bajo la atenta mirada de Giuseppe que me da, andaba escondido allá por algún palco.

Difícil labor pero conseguida la de poner en escena y conjugar toda esta variedad de matices, de pensamientos religiosos laicamente concebidos. Esta variedad de personas, coro, solistas… Las estupendas Kristin Lewis y Marianna Pizzolato, el esperado Bryn Terfel y nuestro Celso Albelo. Y con el mismo fervor y entrega profesional, en la sombra del Auditorio, el Director del Festival y un profesional equipo técnico: el equipo del Auditorio. Todos responsables de lo que allí sucedía. Y todos apostados allí hasta el final, conteniendo el aliento al tiempo que se entregaban incondicionalmente a su parcela de responsabilidad para que esta maravilla fuera posible. Así poco a poco se encendió la pasión con la que culminó esta obra que aún resuena en las cotas de nuestras islas. Y ese sonar se une al de otras latitudes en las que ha sido interpretada por otras personas. Y así hasta el infinito. Y le puedo decir que esta onda expansiva existirá para siempre también en usted. Porque aunque usted no lo sepa, la herencia de Verdi se encuentra impresa en su ADN. Igual que se encuentra el último rasgo de su físico, que según su madre, proviene de su tatarabuelo.

El fin de semana pasado fue un ‘finde’ especial para las capitales canarias, pero la inmensa mayoría de los poquísimos habitantes de las islas no tuvo la suerte (unos porque lo ignoraban y otros porque lo ignoraron) de descubrirlo. El ‘finde’ pasado, estuvo por aquí de visita un importante testigo de nuestra civilización contemporánea, y cuando digo Civilización me refiero exactamente a eso, al hecho de ser (aún) civilizados.

Estuvo por Canarias, la sombra Verdi. Sí, exacto. Verdi, el de la Traviata. El del Brindis tan famoso imposible de no tararear (cosa que seguramente esté haciendo usted ahora mismo). Pues Verdi, aparte de esa maravillosa ópera, también escribió un Requiem, que como todos sabemos es una misa de difuntos. Y lo hizo, además, siendo él medio ateo, fíjense! Pues si usted escucha algo de ese Requiem, cosa que le aconsejo encarecidamente, se va a dar cuenta enseguida así a pelo y sin entrar en rítmicas, en líneas melódicas, ni orquestaciones ni nada, de que esa obra nada tiene que ver, sigamos el ejemplo mencionado, con la famosa Traviata.

Es una obra sublime, de luces y sombras, con momentos espectaculares en los que Verdi nos muestra por ejemplo la Ira del Señor –DiesIrae- (parece mentira, ¡un hombre tan bueno!) haciendo participe a todos los actores y a golpe de un timbal que nos hace contener la respiración y que de verdad asusta. Y en nuestro caso particular, ahí estuvo nuestro querido Paquito, en conjunción con la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, dándolo todo para dejar claro lo que significa un señor “airado”. Pero aparte de esto Verdi nos ofrece, en la misma obra, pasajes y paisajes sublimes y delicados provenientes de lo más profundo de su conciencia.

Difícil poner en escena toda esta variedad de matices cuando tienes, además, que manejar un coro, espectacular por cierto el que nos acompañó en esta ocasión, una orquesta y unos solistas que lo tienen difícil en medio de tal cantidad de instrumentos.

Pero yo no voy a contarle ahora a usted todo el elenco, porque si estuvo ese día en el Auditorio ya sabe de que le hablo y si no, y además no está puesto en el mundo de la Música y el Arte de toda la vida, el decirle los nombres le puede resultar tan poco interesante como me pueda resultar a mi que me reciten la alineación del equipo de fútbol visitante; ni el local.

Pero sí le puedo decir es que la herencia de Verdi se encuentra impresa en su ADN. Igual que el último rasgo de su físico, ese el cual su madre atribuye a su tatarabuelo. Y es que hay algo fundamental que se nos está escapando a golpe de confundir cultura con cualquier cosa: de confundir cultura con “masas”. ¡Cultura con esa falsa creencia de que en un par de semanas eres cantante! Cultura con un “bestseller”. Pero eso no es cultura. Cultura es cultivar y cultivar es profundizar; trabajar, labrar. Y eso es lo que hicieron nuestros antepasados, y a ellos les debemos lo que hoy somos.

Europa ha sido forjada en un porcentaje muy elevado por esos hombres y mujeres (ellas pasando de por si desapercibidas ex-profeso). Esos nombres que hoy le son desconocidos, (Como para usted su tatarabuelo, al que nunca ha visto) pero que han dejado una profunda huella en nuestro presente (como Verdi y un sinfín de ellos más). Es por eso, por lo que usted, sus hijos y todos deberíamos de ir al Auditorio (espacio público que, por cierto, también le pertenece porque sepa que usted, como contribuyente, contribuye a que este espacio esté en pié). Y debería saber que la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria (de la cuál es usted también tan partícipe de su existencia como lo es de la del Auditorio) está aquí y no es por lujo. Es por necesidad. Es para recordarle/nos que esta sociedad aún razonable, cómoda, democrática, limpia, tranquila, justa, capaz (aún) de pensar, (por mucho que nos quejemos de ella) ES y ESTÁ (grande la Lengua española) gracias a todas esas grandes mujeres y a todos esos grandes hombres. Grandes artistas que se empeñaron en trabajar para dejar la estela de un mundo mejor. Y lo consiguieron. Y esa herencia nos pertenece (como los genes heredados del ya entrañable tatarabuelo). Y no debemos olvidarlos. No debemos obviarlos, por mucho que algunos/as (lenguaje inclusivo para lo bueno y lo malo) se empeñen.

No pueden arrebatarnos nuestra herencia, sobre todo, porque demostrado está que las sociedades sin Cultura, sin Educación, sin formación y, en fin, sin memoria son sociedades inhóspitas, de reacciones incalculables, en donde el diálogo ya no es una herramienta. ¡Y ojo! Querer llevar a nuestras civilizaciones a ese punto porque una masa inculta es más fácil de manejar ya que no piensa. Describe la famosa frase bíblica que seguro reflejó Verdi en su Requiem que “en el pecado llevas la penitencia”. El pecado de conducir a las sociedades a la ignorancia. Y eso ya sabemos que penitencia conlleva. Así que le pido que contribuyamos todos a seguir por el camino de la Cultura, que éste al menos ha dado buenos resultados. Mire el programa del Festival www.festivaldecanarias.com y no deje de asistir a ese su Auditorio; a los conciertos de este SU festival, -del que usted también es partícipe-; a conocer de cerca a ese su tatarabuelo que tan buena herencia le ha dejado y que si tiene la oportunidad de conocer.

Y con ellos llegó la esperanza de un mundo mejor en el campo de la dirección músico orquestal. David Afkham y Antonio Méndez nos lo contaron en el Alfredo Kraus, mientras exponían con sumo cuidado y respeto, pasando incluso de puntillas sobre ciertos pasajes comprometedores, la grandeza de las obras que se comprometieron a dirigir y digerir (importante acto, que no siempre es el caso).

Abrió el paso al 35 aniversario, Antonio Méndez, que se estrenó en el Festival de Música de Canarias, dejándonos una mágica noche inaugural de mano de Richard Strauss y su magnífica Ariadna de Naxos, en versión concierto que supo conducir de forma seria, profesional y elegante esta joven batuta. Méndez es el actual titular de la Sinfónica de Tenerife, agrupación que en versión reducida para la ocasión respondió con brío, brillo y calidad a la lectura precisa y profesional de este novel director, quién demostró sobradamente el arte de cómo hacer brillar a una estrella.

Destacaron asimismo las impecables voces de los solistas elegidos para la ocasión, elenco de gran altura y reconocimiento internacional. La americana Brenda Rae, “incansable soprano de oro” según The Times, interpretó con gran maestría a Zerbinetta, por lo que consiguió arrancar al público un apasionado aplauso tras su magnífica muestra de virtuosismo vocal, antes de que acabara la representación. Asimismo brillaron Ricarda Merbeth, Ariadna, Roberto Sacca, Bacchus y el resto del elenco.  Hay que destacar con especial pasión, aparte de por su profesionalidad y calidad por ser de los nuestros aunque entregados al mundo, a Manuel Gómez Ruiz, Elisandra Melián, Juan Antonio Sanabria, y al benjamín, palmero, Anelio Gibran. Todos ellos dieron el pistoletazo de salida a esta 35 edición del Festival de Canarias, marcando así la gran altura del listón.

Y después de la ópera, el Alfredo Kraus vivió el tercer concierto del Festival con un director igualmente serio, preparado, culto, forjado según la tradicional escuela italiana, y, me parece a mí, heredero de los grandes Maestros de los que ya desgraciadamente van quedando menos. Una orquesta alemana de gran profesionalidad (la Filarmónica de Cámara de Bremen), que se autofinancia, lo cual la hace aún más valedora de reconocimiento, y por supuesto, una gran solista de altura en todos los aspectos que consiguió llenar absolutamente todo el espacio con su brillante y vibrante sonido; la indiscutible Sabine Meyer. Estas son las cosas que nos hacer recuperar la fe en el futuro de la Música, la Cultura, y casi hasta en la Humanidad.

El director David Afkham es tan respetuoso con su trabajo que, junto a una orquesta que reflejó límpidamente la seriedad y el respeto que infunde este joven de alma centenaria, llevó a Beethoven por los caminos que el compositor hubiera deseado. Y cuando se habla de seriedad parece que hablamos de persona que no sonríe; o que no hace chistes; ni se relaciona. No señor, no! Ser serio es lo que hace Afkham. Es llamar a las obras por su nombre; es leer e indagar en las partituras; llegar hasta lo más profundo de sus entrañas; no cantarlas superficialmente y de forma frívola con el fin de que el respetable las encuentre amenas y divertidas. Ser serios es interpretar y modular. Es mostrarnos que en la música también hay paletas de infinitos matices. Que la música no se limita a dos colores: piano o forte. Que la música es una narración, en la que se habla a través de los sonidos, que la música es declamación. Afkham y Méndez nos han dado una lección. Hemos redescubierto al pintor con la infinita gama de colores a su disposición para utilizarlos según la voluntad de quien escribió la obra, porque ningún museo expone repintado a Da Vinci, ni a Monet, ni a El Greco, para que la gente los vea modernos y sienta que puede gustarles.

Así las cosas, el conjunto Meyer, Afkham y Bremen explicó con impecable certeza quién es Beethoven; que Mozart es Mozart y que su indiscutible genialidad abarca desde las sublimes melodías del archifamoso Adagio (popularizado por la película Memorias de África) de su concierto para clarinete (magistralmente interpretado y conducido por la gran por Sabine Meyer), hasta la compleja fuga del cuarto movimiento Molto allegro de su última sinfonía, apodada Júpiter, señalada por Sir George Grove como la mejor obra orquestal que precedió a la revolución francesa y en cuyo cuarto movimiento Mozart se adelanta a su época sin perder su rúbrica. Y Afkham, incluso en este cuarto movimiento con tantas posibilidades de convertirse en una gran fanfarria de fuegos de artificio, supo controlar el mensaje de la música, llevando el Molto allegro por el camino de la elegancia, de la sobriedad y en diálogo con la orquesta.

Como colofón, Afkham y Bremen nos hacen entrega de un bis, intimista, relajado, meditativo, que es dónde de verdad se refleja el significado de hacer música mostrándonos a Schubert en estado puro, con el entreacto previo al tercer acto de su ópera Rosamunda. Bis profesional, lejos de aquellos que ahora están de moda, los de bombo y platillo interpretados con el fin de  caldear el ambiente y querer levantar el entusiasmo del público a golpe de volumen, ritmos fáciles y melodías pegadizas. Pues no, siguiendo en la línea de la elegancia, tuvimos el placer de escuchar Música, y esa fue la rúbrica de una segunda magnífica noche.

Candelaria Rodríguez-Afonso; Musicóloga y Gestora Cultural.

El Auditorio Alfredo Kraus supo este lunes por la noche lo que significa hacer Música desde el corazón. Desde la incandescencia de la juventud y desde esa inocencia ajena aún a disputas, a salarios, a que silla ocupas, a dimes y diretes, y a todas esas cosas propias de la edad adulta y la necesidad de comer.

Con un Auditorio lleno hasta la bandera y el precedente de una magnífica première la noche anterior en Santa Cruz de Tenerife, recibió Las Palmas a esta novel formación, compuesta por músicos de todas las islas del archipiélago y por algunos refuerzos de otras jóvenes orquestas de España, las cuales recibirán en próximas ediciones a los músicos de la, tras casi tres años de gestación, recién nacida JOCAN, Joven Orquesta de Canarias.

Empezó este esperado concierto con una obra del compositor y Académico de Bellas Artes de Canarias Emilio Coello Cabrera, artista de intensa labor musical dentro y fuera de nuestros territorios. Para la ocasión Emilio Coello compuso una Obertura Canaria, la cual como tal, dejó sentir el sabor de las melodías por todos conocidas, dando la sensación de que los jóvenes músicos se sintieran como en casa en la interpretación de esa música que conocen desde la cuna, una obra grata al oído y muy bien hilada que nos puso en antecedentes dejando ya traslucir la calidad y potencia de esta agrupación de jóvenes.

A continuación una reducida orquesta, con una sección de cuerdas compacta y muy bien afinada, interpretó junto a Iván Martin el Rondó para piano y orquesta KV 382, de W. A. Mozart, quien hubiera estado encantado de sentir su obra interpretada por quienes están acostumbrados a dormir arrullados por las olas. Un rondó fluido, alegre, y suavemente rítmico que dió a esta bellísima partitura el incontestable sabor y energía que mana de estas latitudes.

Para después de la pausa, y tras estas dos bellísimas interpretaciones, esperábamos todos con gran entusiasmo la sinfonía del Nuevo Mundo, archiconocida pero no por ello de menos valor, como de vez en cuando se pretende. Y no deja de ser complicado interpretar obras cuyas melodías mas conocidas están mas o menos en los oídos de todos. Pero para esta agrupación de jóvenes ávidos de hacer Música, de interpretar, de dar todo lo que saben, ya vimos que no hay obstáculos y así, nos regalaron una magnífica sinfonía, magistralmente conducidos por unas conocidas “eternamente jóvenes” manos, guiadas por un corazón Experto, Víctor Pablo Pérez, que se diluyó entre ellos y era indistintamente todos y cada uno o era el mismo Dvorak gritando o susurrando a ese gran meteoro cargado de luz cuál era en cada movimiento el mensaje de la Música.

El segundo movimiento consiguió lo que parece que ya no está de moda, llevar a la orquesta a unos increíbles pianos, y no sólo eso, una vez allí aún modulaba a pianísimo, y volvía al piano como si no fuera esto ardua labor, y la JOCAN le seguía y realizaba aquellos pianos como si llevara toda la vida en ello. Lástima que este gran logro se viera machacado por un “sonido” ajeno a la partitura, la cuál podíamos haber rebautizado como “Largo para tos y orquesta”.

Pero bueno! con el ímpetu y la emoción se superó esta pequeña improvisación y pudimos disfrutar de un sonoro “molto Vivace” afinado y compacto y un último movimiento “Allegro con Fuoco” muy oportuno para la ocasión, tal es la definición del ambiente que se creó anoche en nuestra esplendida sala. Fuego y alegría, vítores, bravos, emoción, aplauso, y un público entusiasmado, que no era el habitual en este tipo de actuaciones, que aplaudió cargado de emoción ante la magnífica interpretación realizada por una formación que dio una talla muy profesional a pesar de haber comenzado hace pocos meses con el trabajo conjunto, después de los casi tres años dedicados al montaje, pruebas de admisión y múltiples tareas que conllevan la creación de una orquesta sinfónica. Así que ante la calurosa respuesta del público, nuestros jóvenes nos regalaron el bellísimo villancico canario LO DIVINO adaptado a la formación sinfónica.

Y como nos parecía poco y seguían los aplausos y las alegrías y las emociones y no olvidemos que era este un “Concierto de Año Nuevo” ,nuestra Joven Orquesta volvió a sus instrumentos y sin haber perdido un ápice de energía, siguieron adelante con una rítmica y simpática marcha Radetzky, que logró hacer regresar a la sala a los pocos que ya la habían abandonado, todos aplaudimos al ritmo de la marcha Radetzky siguiendo las indicaciones de Victor Pablo, que debe tener el don de la ubicuidad porque tan pronto estaba hablándole al oído a los violines como se dirigía a los vientos o se giraba para explicar al público cuando y como debían de aplaudir. Así concluyó una magnífica, muy grata y sorprendente velada que dejó ver entre otras muchas cosas, la calidad de nuestros músicos; el infinito valor del puro deseo de interpretar; lo que dan de si unas manos expertas y sobre todo que la música es un lenguaje universal que atrapa los corazones, no hay música clásica, ni esta es casposa (como muchos pretenden) hay obras de arte que son para siempre y por algo han pasado la criba de los siglos. Mi mas enérgica y entrañable Enhorabuena a nuestros Jóvenes artistas, muchas gracias por la emoción. Larga vida a la JOCAN!!!!!!

No sé si es por ese nombre, que resulta tan original, no se si el nombre viene dado por lo cercano que desde la Isla Bonita nos resultan nuestros compañeros de Galaxia, el caso es que en ese pequeño espacio se procedió a rubricar el pasado fin de semana, en la Isla de La Palma, el documento que acredita Canarias como Archipiélago Afortunado. Y sí, es una gran fortuna haber podido ser hechizados por una producción artística de tan altos vuelos como reducidos medios.

Un precioso teatro; manantiales de voces límpidas y firmes; una orquesta compacta llena de Músicos; un coro vivo; una escenografía rotunda e invisible; un apasionado corazón, una obra Maestra y un público conocedor, fueron los elementos con los que se cerró el Círculo Mágico.

Si habremos oído y vivído óperas, si hay teatros del mundo señalados como punteros a estos efectos, pues pocas veces una representación dejó tan buen sabor de alma como lo hizo esta representación de D. Giovanni, La Òpera, en la isla de La Palma el pasado viernes 3 y domingo 5 de junio, en el marco del Festival de Música de la Isla de la Palma.

Magia es la palabra que mejor define el sentir de aquella memorable noche, en la cual, acurrucados por una acústica inmejorable, arrancaron los acordes de una obra de arte, de La Ópera D. Giovanni, que como también dijeron muchos otros, entre ellos Wagner es “la ópera de las óperas” o Kierkegaard “the first born of his Kingdom”. Pues en esta noche mágica, D. Giovanni nos trae hasta la Palma procedente de la Sevilla del XVII, las últimas 24 horas de la vida de D. Juan, el libertino no arrepentido.

La orquesta de Minsk, residente de nuestro recién nacido Festival, nos tomó inmediatamente de la mano para llevarnos a sentir y vivir en primera persona aquella trama drama sólo “giocosso” para Don Juan, advirtiéndonos según sonó el escalofriante acorde de Re menor, que ese principio era ya el final, y que estábamos en Sevilla pero que oiríamos hablar Vienés. ¿Cómo?, preguntariáse alguno extrañado; pues gracias al Genio, padre de esta Maravilla, Mozart! Mozart!! quien todo lo puede! Y así, gracias a la destreza de estos músicos que dominan a nivel lengua materna el idioma Mozartiano y a su Director que no dejó suelto ni un solo cabo, tanto así que hasta el propio comendador, figura mandataria por excelencia se rendía ante sus miradas. Y a la par que indicaba a la orquesta si debía emplear el “hochdeutsch” cuando hablaba la nobleza o el “dialecto” vienés si hablaban los citadinos, no perdía de “oído” la potencia sonora de aquellos manantiales de voces femeninas, que emulando a los de la isla, fluían alternativamente o en grupo, en la misma forma que los naturales de la tierra, voces límpidas y cristalinas, afinadas hasta la perfección, todas ellas mujeres señaladas por el ojo del bribón! Nuestra Yolanda, Yolanda Auyanet, infatigable en su lucha por descubrir, a la vez que “recuperar” ,el amor del traidor, bordó a una Doña Elvira, procedente de Burgos engañada pero no “pobrecita” y lo bordó no sólo a nivel vocal, también a nivel interpretativo. Cambiaba de registro dramático con la misma destreza con la que nos cantaba su rabia o su amor, haciendo uso de su cultivada, profesional maravillosa y torrencial voz! Al igual que Yolanda, Doña Anna, nos dejó atónitos con su capacidad de describir a dos bandas a la mujer herida, vilipendiada, y por otro lado llevada a la orfandad de la forma mas insensata posible.

Eva Mei, inmensa, es la segunda vez que la escucho en este teatro, con el mismo resultado, es adictiva, con su voz firme, potente y torrencial, que además supo unirse a Doña Elvira para rescatar de las garras del tirano a Zerlina, Ekaterina Sadovnikova, una joven “citadina” próxima a romper su recién estrenado matrimonio por un capricho del libertino, Zerlina, junto a sus compañeras de drama, víctimas todas, del pecado masculino, nos dio también un soberbio ejemplo de cómo deben manar las voces, de cómo se modulan y de cómo se domina un registro nota por nota, desde la primera hasta la última de la que eres capaz. Estas soberbias mujeres, el Ying, recrearon en el interior de aquel teatro convertido en Sevilla-Viena, el aroma y frescor propio de los entornos naturales bendecidos por la belleza de los manantiales.

Y a su lado o frente a ellas la parte masculina, el Yang, la otra cara, como toda la ópera, también los personajes divididos en dos. Un Leoporello, servil y rebelde, pícaro con casi corazón que nos reflejaba la otra cara de su “amo” haciendo uso también de una enorme teatralidad y dominio de la voz, puesto en escena por Maurizio Lo Piccolo, Masetto, un jovencito furioso con Don Giovanni que supo cantar y expresar la rabia, los celos y el perdón de forma paralela, y a quien le auguramos un gran futuro y lo esperamos con orgullo porque además es hijo de esta tierra, Anelio Gibrán, del cuál se comentaba a posteriori..si esto es empezando…..Don Ottavio, Roberto Saccá, más pendiente de su amor por Doña Anna y por tanto el suyo propio, que del drama que ella estaba viviendo y que supo cantar mas que teatralizar su papel de noble constricto. Personajes estos masculinos casi neutros, en contrapartida a los dos protagonistas, Don Juan y el Convidado de piedra, Don Juan y su víctima mortal, casi seguro casualmente, pues no era éste un asesino de cuerpos masculinos sino de Almas femeninas. El comendador, en voz de Ernesto Morillo, daba miedo, pero sobre todo en su magistral aparición final.

Así, de la mano de estos dos incandescentes personajes, y ahondando de nuevo en la dualidad, nos adentramos en otros senderos de la Isla, pasamos del frescor del agua, al fuego de los volcanes, atravesando la vía, la erupción de la pasión masculina por la mujer: “Es MI hija, o pues yo la quiero para MI”. La lucha de titanes, el desgarro, el grito sordo, la baja y rotunda voz de ese comendador que apareció en escena por un lateral inesperado, iluminado tal cual estuviera en el mas allá, para anunciarnos con esa potente voz, que no dejó de rozar ni un solo milímetro del Circo de Marte, que Don Juan tenía la elección, pedir perdón por sus pecados o marcharse con él a perpetuarse y purgar en otros mundos. Y este nuestro Don Juan, magníficamente resucitado gracias a Paolo Gavanelli eligió la que también según mi opinión fue la mejor decisión, Pentiti: ¡NO!, y Don Juan Gabanelli (ante tal magna interpretación imposible separarles, que durante toda la obra se mueve como único personaje que lo tiene permitido, en ambos campos, pasando del ying al yang, del volcán al arroyo, del verde al rojo intenso, en su grito final se mantiene tan hierático y firme en sus convicciones como hierática y firme era la estatua del comendador.

El NO desgarrador de Agnelli nos cortó a todos las respiración, ¿es inmoral ser consecuente?, o ¿es inmoral lo que los demás creen que lo es?? Nuestro D. Juan no se lo planteó, Mozart tampoco y con ese NO se reveló contra lo que ya se había revelado a lo largo de su vida, empezando por su propio padre. Y Agnelli no pudo interpretar mejor a ese personaje a la vez odioso y odiable, querido y detestable amable y rabioso, sincero y mentiroso, vulgar y noble, que sabía beber de las fuentes de la inocencia del pueblo y saborear el vino de primera calidad de la nobleza a la que pertenecía, se paseaba en ambos espacios sabiendo sacar partido de cada uno de ellos. Agnelli consiguió que las mujeres que estábamos presentes en la sala tuviésemos ganas de subir al escenario a ayudar a Donna Anna a acabar con este inmisericorde rufián que a la vez nos hizo saber que sus risas y su ¡NO! estaban haciendo vibrar cada rincón de la isla.

Y todo esto en el teatro circo de Marte, la Magia, apostada con todos nosotros, con una escena tan firme y rotunda como inexistente, fielmente reproducida por un nobel en la materia, pero gran conocedor de La Ópera, de esta ésta y de otras tantas miles que mantiene en su retina y su imparable cerebro y conocedor del Arte, de la Cultura y de su imperativa y necesaria presencia para seguir adelante o de su extinción para volver a un pasado incierto. Ya que era difícil escenificar esta ópera, se tomó la decisión de hacerla en versión concierto, ante esto, Jerónimo Saavedra, padrino del Festival, que no podía imaginar a estos grandes “Cantactores” sentados delante de la magnifica orquesta con una partitura en las manos, decidió lanzarse al ruedo escénico y dar vida y movimiento a los mismos a través de una escenografía imaginaria pero detallada, al cabo todos sabíamos por donde pasaba la línea divisoria de esta obra dual. A la izquierda del público, la nobleza, el mundo antiguo, a la derecha el pueblo, el mundo moderno, el mundo que venía, cada uno con vestimentas sencillas, de uso diario pero distinguidas, el noble de negro y ellas modificando incluso sus atuendos, el pueblo, alegre, relajado, sin mas pretensiones que poder vivir dignamente sin ser avasallados (hay que ver como pasa el tiempo sin parecer que pase) vestidos de vaqueros y camisas blancas, y sin modificar atuendo. Don Giovanni, ora noble ora campesino, se transformaba según exigencia de sus apetitos, cualquier cosa es válida para conseguir sus objetivos, por eso Jerónimo Saavedra le permitió atravesar a piacere la delgada e invisible línea roja que delimitaba perfectamente el espacio de cada uno.

Esa escena tan sencilla pero que nos situó en lugar, hora y tiempo, realizada de mano de alguien que, por cierto, no se dijo “Director” sino “coordinador” de escena, consciente de que cada cosa lleva su tiempo, su estudio y su trabajo, lo que le hace por tanto Amateur y no diletante (ya sabemos que hay por ejemplo musicólogos que lo son porque han escrito una cosita en un medio, o… porque sí) fue acompañada por una iluminación fantástica situándonos en el parque, en el salón de Don Giovanni, en el patio de Donna Anna o haciéndonos descender al mas allá de donde procedía el comendador.

De esta manera pudimos realizar un viaje magnífico a través del espacio y el tiempo, estando a la vez en África, en Europa y en Marte, ¿no es esto más que tricontinentalidad? Además de haber olido y sentido dos siglos pasados que nos aclaran muchos porqués del presente, razón ésta por la cual no deberíamos nunca dar la espalda a quienes nos dejaron señalado el camino.

Impresionante obra, propia de cualquier teatro europeo de primer orden, excelente actuación conjunta sin olvidar la de la fuerza tractora de Jorge Perdigón, Director del Festival, que con igual Maestría ha sabido situar a La Palma en el mejor de los escenarios. Así se cerró el círculo Mágico! Fuera quedaron de forma voluntaria representantes políticos de instituciones como el Gobierno de Canarias, partícipes económicos en pequeña medida de este magnífico referente cultural, que continúa aún hasta el 18 de Junio.

Desde Aquí recomiendo a quienes no hayan asistido, que lo hagan, que aprovechen esta gran ocasión de poder disfrutar en un teatro de magnificas condiciones de artistas de excepción. Siempre vale la pena moverse a la Isla Bonita, pero de aquí, al día 18 aún más.