Son jóvenes, tienen talento y lo más importante: ilusión. Y eso, mueve montañas, y lo saben, con la convicción de los que tienen algo que ofrecer de calidad, del que tiene algo que contar... Lo que no les da la experiencia lo suplen con la motivación de sentir que la necesidad de expresarse ante el público desde la base de una formación sólida y las ideas bien ordenadas; nada común dados los tiempos que corren. Así se presenta Paula Gómez, de mirada transparente y sonrisa franca que transmiten la candidez de quien es novel, pero que a la vez apunta maneras poco usuales, transitando por reflexiones perfectamente armadas, conceptos claros y argumentos contundentes que reclaman un espacio para comenzar una carrera artística bien dirigida; todo un ejemplo de dedicación y pasión por la música, cuestión que demostró en el concierto con el Adassa Trío de este domingo junto a los flautistas Anabel Rodrígue y Ayoze Tornero, cerrando así la primera edición del ciclo NOON Primavera y que volverá próximamente en su versión de otoño, en el Sala Teatro Timanfaya de Puerto de la Cruz.

Adassa Trío es un grupo de reciente creación pero con una actividad muy intensa, ¿qué les motivó a crear la formación? 

Nuestra principal motivación era hacer música para el público. Desgraciadamente, y más en tiempos de coronavirus, en el conservatorio no tenemos oportunidad de tocar para mucha gente, y teníamos esa inquietud de llegar a todo el mundo. Y tras hablar, comernos la cabeza, rebuscar ideas y pasarnos muchos días sentados hablando formamos Adassa, en formato de trío y de cuarteto. A día de hoy nuestra finalidad es tocar y que la gente se vaya contenta a casa porque han disfrutado de algo que les ha hecho sentir felices y que les haya robado una sonrisa, o alguna lágrima, como ya nos ha pasado.

Además son músicos nacidos en los años noventa, ¿qué cree que aporta su generación? ¿Cómo ha sido el proceso de elegir este camino musical? 

Nuestra finalidad es mostrar a los más jóvenes que se puede tener corta edad y tener una carrera profesional ligada al arte, y a los más mayores que hay cantera, que la música tiene futuro. Además, intentamos enseñar que la música clásica o culta, como la suelen llamar, no es aburrida, que se puede pasar un rato agradable escuchándola tengas la edad que tengas. Elegir dedicarnos a esto no ha sido complicado, todos crecimos con la flauta entre las manos y supimos al instante que queríamos centrar nuestras vidas en ella.

Las agrupaciones de flautas no son nada usuales, sin embargo siempre han existido en la música clásica, ¿qué piensa que ofrece Adassa Trío de diferente al género?

Adassa, también conformado por cuatro flautas en ocasiones, busca ofrecer algo más allá de la música clásica de Mozart, Beethoven o los compositores que ya se conocen. Adassa ofrece recitales sacros, incluye voz en canciones como Hallelujah de Leonard Cohen… Tenemos la suerte de contar con Ayoze Tornero en los arreglos, que plasma a la perfección todo lo que se nos ocurre y luego conmigo, que además de tocar la flauta, también canto. También pensamos en proyectos futuros, enfocados en música popular, folk, pop, boleros… Creemos que somos un grupo versátil que toca muchos palos.

Definen al proyecto Adassa como “lo que hace sonreír, sacrificio, altruismo y humanidad”; ¿a qué se refieren con esto? ¿Cuáles han sido las motivaciones para elegir esta idea tan sugerente? 

Adassa significa todo eso, y además, nosotros creemos representarlo. Anabel Rodríguez es la compañera que saca las sonrisas hasta en los momentos más tensos y complicados, porque es muy positiva. Somos un conjunto que se complementa a la perfección y siempre va hacia delante, somos amigos y también compañeros de profesión. Siempre estamos de acuerdo en todo, e incluso una mirada a veces nos basta para entendernos en todo.

Su repertorio va desde Mozart a Leornad Cohen, ¿cual es el criterio que siguen para elegir las piezas? 

En primer lugar, qué nos gusta tocar e interpretar, qué nos motiva, qué estamos aprendiendo. Al fin y al cabo, debemos explotar nuestros aprendizajes y conocimientos, los cuales se centran en la música clásica. Y en segundo lugar, y quizás el más importante, en el público. Es muy importante que conectemos con ellos, que canten con nosotros el estribillo de Hallelujah de Leonard Cohen es un momento emocionante en todos nuestros recitales sacros. Pensamos mucho en qué les puede gustar y animar a estar activos y atendernos al cien por cien.

¿Cuál es el mejor proceso para conectar con el público? 

Adaptarse a él, escucharlo. Parecerá simple, pero un aplauso te dice mucho sobre lo que el público quiere y lo que no. El contacto visual, dedicar una sonrisa, un gracias, hablarles, explicarles qué estamos haciendo. Cada vez que terminamos un concierto o audición, hablamos mucho sobre cómo sentimos al público, nos planteamos qué añadir o qué quitar, y muchas veces notamos la diferencia.

¿En qué trabaja actualmente el Adassa Trío? ¿Cuales son las perspectivas de futuro para los músicos que conforman el conjunto?

Adassa trabaja en este momento en el presente, en lo que ya hay, que es por ejemplo el concierto que brindaremos este domingo; en continuar también como cuarteto, ya que somos un grupo variable en ese aspecto; crear varios proyectos en los que estamos pensando y que ya van encaminados, haciendo repertorios tales como de Disney, música popular o boleros… Y lo que se nos vaya ocurriendo, somos tres cabezas llenas de ideas, estamos siempre con nuevos trabajos en mente, y por supuesto, el principal objetivo, seguir tocando juntos.

Los tiempos que corren no son nada sencillos para la sociedad en general, ¿cómo los vive un músico?

Ha sido un duro año en el que nuestro futuro se ha visto en la cuerda floja en muchos momentos. Ha faltado trabajo, no se han podido dar los conciertos que uno desea, y eso ha causado desilusión en ocasiones. Afortunadamente, viendo ya la luz del túnel, han comenzado a surgir propuestas, conciertos, intervenciones en actos, y con ellos esas ganas de seguir tocando, pensando e innovando. Ha sido complicado seguir adelante, pero se ha conseguido, y de aquí solo se puede seguir subiendo y ganando experiencias.

¿Cuáles siguen siendo los problemas para dar a conocer propuestas musicales como las que ustedes representan?

Ser joven es a veces un arma de doble filo porque muchas veces no te tienen en cuenta ni te toman en serio. Sumado a eso va que además hacemos, en líneas generales, música clásica, el género que a quien no se para a escucharlo con detenimiento, le aburre. Además, el mundo de la música en Canarias ya está muy establecido, hay personas muy conocidas a las que en ocasiones ves en muchos sitios y tú no ves tu hueco. Es complicado ser nuevo y que te vean, pero todos han pasado por ahí, y al final el tiempo es la mejor ayuda y el mejor maestro, seguir adelante es el único propósito, y nuestras metas las lograremos en base a él y a nuestras ganas y trabajo.

Al otro lado de la pantalla me atiende con cálida y amable sonrisa, porque así surgen siempre las conversaciones con Ciro Hernández, un músico y compositor con inquietudes y hambre cultural inusitadas, una bestia versada que sorprende a partes iguales por su inteligencia y por su sentido del humor. Siempre sereno, viaja por las preguntas con precisión, no divaga y responde presto a lo que se le requiere, demostrando la madurez de un experto en estas lides, con el aplomo que da la veteranía de tantos años en el mundo de la música, siempre al pie del atril, dispuesto a tocar almas con las distintas formaciones y estilos que maneja. Junto con César Martín hace equipo en Socos Dúo desde hace más de una década.

P. Socos Dúo regresa a la escena lagunera después de su última cita en 2016, ¿en qué anda el dúo en estos tiempos convulsos?

R. Pues estamos creando nuevamente. Después de esta pandemia y la revolución telemática desarrollada a través de las videoconferencias, decidimos emprender el vuelo con un nuevo disco desarrollado completamente desde el confinamiento, estando cada uno grabando y compartiendo ideas desde casa.

P. Además, vienen de hacer gira el año pasado en Colombia. ¿Cómo vivieron la experiencia?

R. Sobrecogedora. Presentar tu música a un nuevo público y ser recibida con ese calor, entusiasmo, es algo que por raro que parezca, no esperas [risas]. Además que Colombia es otro gran país lleno de música y cultura musical, por lo que agradeces ese acercamiento afectuoso a lo que uno pone sobre el escenario.

P. Han acudido a esta cita lagunera con su nuevo espectáculo, 'The Way'. ¿Qué nos podría contar de este proyecto?

R. 'Mantra' fue el primer paso hacia nuestro propio mundo interior, con nuestros propios temas, nuestras propias ideas. 'The Way' es una experimentación más profunda y versátil de ese mundo personal que cada uno desarrolla. No son temas trabajados conjuntamente sino más bien temas bastante desarrollados por cada uno y luego expuestos para que el otro de su pincelada, por lo que hay bastante personalidad personal sin perder el sello de Socos. Mientras que 'Mantra' era mucho más acústico, 'The Way' entra más en el mundo de las bases, la electrónica y la creación sintética. Simplemente para aportar un universo amplificado al nivel de ideas que surgen en nuestro interior.

P. Entonces, la inmersión en la parte electrónica habrá supuesto un salto sonoro en el sonido del dúo. ¿Qué cree que aporta esta nueva visión? Seguirá encontrando el público la identidad de la marimba y el violonchelo que tanto lo caracteriza?

R. Sin duda. Siempre hay una ideas fijas que rondan en nuestra cabeza y son comunes en todo lo que hacemos. Simplemente creamos con una paleta de color más amplia.

P. ¿En qué momento deciden empezar a componer sus propias piezas? ¿Cómo se organizan el trabajo usted y César Martín?

R. Cuando el camino se planteó seguir trabajando después del primer disco, que fue una recopilación de obras 'clásicas' que habíamos trabajado juntos más algún tema nuestro, el único camino posible era renovarse o morir. También la percepción que teníamos al presentar nuestras propias composiciones es que el público en general disfrutaba mucho más de nuestro esfuerzo sobre escena. Por lo que los indicios te iban señalando el camino.

P. Y siempre trabajan desde un concepto. ¿Cómo surgen esas reflexiones? ¿Qué temas les preocupan?

R. Pues hablando de las cosas que nos preocupan y de lo que nos hace reír. En definitiva, compartiendo conversaciones. Esto te lleva a pensar sobre las cosas que te importan y las que realmente mueven algo en ti y merecen un tema musical. Sobre los temas que nos preocupan suelen ser los que preocupan a la mayoría de los humanos: la vida, la naturaleza, nuestro estado anímico y personal, etc.

P. Esto contrasta bastante del trabajo usual de una formación musical. ¿Qué diferencias encuentra en el trabajo que desarrolla aquí con su labor en otros conjuntos?

R. Bueno, trabajamos con una mente muy abierta a todas las posibilidades. No nos cerramos a un solo camino. Nuestra forma de trabajar es la que suelen hacer muchas formaciones: trayendo temas musicales y creando conjuntamente la parte del compañero. También es hermoso encontrar nuevas formas de hacer sonar entre sí la marimba y el violonchelo. Ambos suenan muy bien conjuntamente y estamos siempre ampliando el lenguaje de sonoridades entre ellos.

P. En la agenda de Socos figuraba para este año La Habana, Cabo Verde… y no ha podido ser. ¿Cómo han vivido el confinamiento? ¿Se puede sacar algo positivo de todo esto?

R. Para el sector, para la cultura y muchos colegas esto ha sido un jarro de agua fría cuando parecía que empezábamos a andar. Pero hay que reconocer que también ha servido para reflexionar y pensar en dónde estamos y dónde queremos llegar. Muchas veces no tenemos el tiempo para ver con perspectiva y saber cual es el rumbo. Creo que la COVID-19 hizo esa aportación.

P. ¿Cómo se ha sentido en el escenario al reaparecer en esta nueva era COVID-19?

R. Pues como en casa [ríe]. Es nuestro medio natural. Donde somos nosotros mismos. Donde tenemos al genio y al diablo trabajando conjuntamente para disfrutar y hacer disfrutar a los que nos escuchan.

P. ¿Qué valoración le merece la situación actual de la cultura? ¿Superaremos esta crisis?

R. Siempre superaremos las crisis. De una manera u otra. La situación para la cultura es dramática. Todo el sector agoniza. Pero ojalá esto haya servido para hacer entender a la gente lo importante que es la música para nuestro día a día.

Canarias no se corta. Lejos de las grandes capitales mundiales, de las vanguardias más exclusivas que albergan esos centros de la cultura, emergen en medio del Atlántico creadores de diferentes estilos y naturaleza. De entre todos surgen un puñado de transgresores que han sabido hacer la lectura de su tiempo, conjugando tecnología, creatividad, letras irreverentes o los sonidos más folclóricos, en un mestizaje de músicas que van más allá de lo que está en el mercado. Efectivamente, ellos no suenan en las principales emisoras de radio, pero no por ello dejan de hacer ruido, quizás para contrarrestar, como en una metáfora de lo que esta sociedad de pan y circo demanda.

Y pese al mainstream, aun con todo, continúan componiendo, mezclando sonoridades de ayer y hoy al tiempo que aprovechan las ventajas del mundo virtual para propagar su trabajo. Son las suertes del siglo XXI, donde internet y sus redes sociales son la autopista idónea para hacer llegar lo que aquí se produce y que ya va contando con reconocimiento social en forma de premios y giras internacionales. Además, Canarias dispone de festivales (no se los pierdan) de reconocido prestigio que cada vez hacen notar que otras músicas son posibles: Keroxen, NUMACircuit, FMAC…

Así llega la nueva playlist, con una pequeña muestra de lo que se hace por aquí más allá del merengue y la folía. Pase y escuche, abra bien la oreja y despegue, el programa que va a escuchar es de altos vuelos, luego no diga que no se lo advertí.

1. Alien de GAF: el extraterrestre te atrapa desde el primer beat, ¿lo sientes bien dentro? Ese bajo...

2. El eléctrico romance de Lev Termen y la Diva del Éter de Pumuky: sombrías sensaciones envueltas en sutileza, no te fíes, no son la típica banda.

3. Kleen de Tupperwear: arrolladora electrónica, envolvente paradigma de lo inesperado, el misterio y el trance, todo llega.

4. Japoneses Dermoestética de Japoneses Dos: irreverencia y genialidad a partes iguales, no sabes si los quieres o los detestas, la cuestión es que no puedes parar de escucharlos. El disco se llama Rajoy, já.

5. True Love Story de Ruin Man: deliciosamente sórdidos con ciertos puntos decadentes, para degustar despacio, lento, como un buen tabaco...

6. Amaro de Juan Fierro: paisaje electrónico, ritmo y fluctuación, secuencias en un espacio para transitar, y subir bien alto, y viajar...

7. Me lo se de Brutalizzed Kids: radicalmente interesante, bestialemente abrasador, una fuerza descomunal.

8. Tírate (sácalo o escúpelo) de Cumbia Ebria: catarsis en forma de movimiento. Hay ocasiones en las que es mejor sacarlo todo afuera.

9. Read my lips-Ale Acosta Rmx de Fuel Fandango: el buen saber hacer de Alejandro Acosta, un conejero que triunfa por todo el mundo con este potente proyecto.

10. Keep it de Jorganes: enigmática atracción hacia lo desconocido, sugerente y embriagador. Se bebe solo.

11. Oymyakon de Bel Bee Bee: un recorrido por diferentes mundos de la mano de una voz lúcida y profunda.

En los ochenta y los noventa, los sueños tenían seis cuerdas y trastes, y había que cantarlos. La necesidad de expresar lo que se vivía hizo florecer generaciones de creadores que paseaban de local en local con sus canciones. Se cantaba en español, no hacía falta cantar en inglés para tener un buen tema. Habían heredado la fuerza que dieron, entre otros, la Nueva Trova y muchos de los que se comprometieron con los movimientos sociales a un lado y otro del charco. Entre cintas de casete y vinilos de sus referencias, forjaron un sentimiento que luego se transformó en un estallido de creatividad de muchos de los músicos que empezaban a desarrollar su actividad en la última década del pasado siglo XX, y que diera sus últimos coletazos durante la primera década del XXI.

Además, en Canarias este movimiento se conjugó de manera especial, marcado por un ansia de despertar, de crear y compartir la experiencia vital. Tradición y vanguardia dieron lugar a artistas de incalculable valor. En aquel entonces supieron rescatar una identidad propia que luego se pudiera trasladar a las composiciones. Es así como logran tener una sonoridad peculiar, que luego traspasaría fronteras, llegando a cautivar otros públicos más allá del archipiélago.

Pero eran otros tiempos. Hoy, invadidos por el fenómeno cover, padecemos la falta de autores que vayan más allá de la manida versión; veces por falta de iniciativa, veces porque el mercado está contaminado de lo que funciona, de lo comercial, creando un vacío de oportunidades para el que empieza con ilusión.

Hay quien dice que los cantautores no volverán, quién sabe... Yo prefiero pensar que no están de moda pero que aún continúan entre versos, acordes y melodías. Sirva la playlist de este mes para recordarlos a todos ellos, a los que estaban y a los que continúan, a los que siempre estarán.

1) Arena entre las manos de Fabiola Socas: una obertura emocionante, un plan para soñar, para no perder las ganas de vivir: “Y siempre andamos al borde de vivir las cosas que más deseamos”.

2) Cálida mecánica de Fermín Romero: escuchar al grancanario es como sentirse en casa, una voz cercana a la que abrazarse para perderse entre acordes y versos: “Luego lo estético empezó a ser mágico y bailo entre sábanas de un mar lunático”.

3) Anhelante de Luisa Machado: intensa y peculiar, la voz de la lagunera es una de las más emblemáticas del panorama canario. Sus creaciones no dejan indiferentes: “Aunque mi vida se torne errante te juro que anhelante esperaré por ti”.

4) Que me ha dado tanto de Rogelio Botanz: energía vital para revivir. Una revisión de la clásica canción de Violeta Parra: “Hay días en que la vida se da toda de una vez”.

5) Para hoy de Arístides Moreno: denuncia social, existencialismo y una sonrisa en perfecta combinación: “Caigo al universo de besos y flores, de vino divino, bodega interior”.

6) Amores de farmacia de Luis Quintana: historias cotidianas, una visión poética del día a día, de la autenticidad de lo común, complicidad y humor: “La vida, como noria, siempre hace volver”.

7) Devuélveme la luna de Agustín Ramos: versos a dúo para viajar entre metáforas, belleza en forma de guitarra, chelo y voces, la naturalidad de los sonidos: “Que largas son sin tu mano las calles de La Laguna”.

8) Siete puertas de Pedro Guerra: la nostalgia recogida en una canción, esperanza de lo que es, de lo que fue y de lo que probablemente no volverá a ser: “La estrecha inmensidad de las ciudades, la marca que nos dejan las verdades”.

9) Flores nuevas de Andrés Molina: sentimientos que solo la música sabe expresar, hay cosas que son simplemente perfectas: “Será por tu niñez / que tengo tan adentro / donde me habitan / árboles tiernos, /flores, risas”.

10) Luna de los despiertos de Luis Morera: tradición y vanguardia en una voz irrepetible: “Luna que me transportas y que me elevas por los perfiles secos de África, quiero sentirme como tu piel de arena y la sonrisa abierta del Sahara”.

11) Rap a duras penas de Taller Canario: del folclore al rap, un ejercicio de creación con altas dosis de sátira y crítica social: “Porque es una pena que una cosa que no es boba, la coge un tipo y la convierte en moda”.

12) Elena de Jesús Garriga: cuando no hay edulcorantes no hay trampa ni cartón, así de sencillo, así de simple: “Morir es acampar en la desidia de ser objeto de un cobarde y sus mentiras”.

13) Mundo de papel de Marta Solís: la intimidad de un universo personal, un viaje al interior con sabor a celulosa: “Ojalá pudieras perdonar, pasarte de trinchera, contarme que te quedas”.

La isla es principio y fin, espacio acotado. Afuera solo mar y dudas, un azul que inunda la esperanza limitando el movimiento, la posibilidad, el ansia… Sin embargo hay quien rompe la barrera no sin esfuerzo de por medio. Son personas capaces de ir más allá de las dificultades, de marcar la diferencia. En Canarias conocemos esta realidad isleña de primera mano, convivimos con ella y la hacemos bandera, no por hacer apología de una nación como creen algunos, sino por entender que nuestra naturaleza marca nuestro carácter, lo que somos, alisio y volcán…

Así es como algunos artistas de este archipiélago constante, contra todo pronóstico, han logrado vencer el espacio catapultándose a un panorama mundial cada vez más complejo y difícil. El mundo de la música, por supuesto, no es una excepción, y en clave de etiqueta clásica, quizás los menos conocidos, hay un buen puñado de ejemplos que han logrado traspasar la frontera del océano y se han hecho hueco en un panorama internacional copado de muchísima competencia y alto nivel.

En este sentido, vivimos una época dorada, donde muchos músicos de nuestra tierra se pasean por los escenarios del mundo entero sin los complejos que aún arrastramos aquí. Y no solo en este estilo, sino en muchos otros. Por ello, la playlist de este mes viene con algunos ejemplos que ilustran esta cuestión, pero se quedan fuera muchos más que están consiguiendo grandes logros. Ojo, no se despisten, que vale la pena escucharlos. La pena es que muchos se preocupen más por la presencia de destacados solistas y orquestas internacionales, sin recordar a los nuestros, que andan fuera y que, tal vez, valdría la pena verlos más frecuentemente por nuestros escenarios.

1. Messa di gloria: Laudamus de Rossini e interpretado por la voz solista de la soprano Carmen Acosta: sutileza, matices y la elegancia de una voz dotada para dar a la pieza la espiritualidad necesaria… Hay momentos que son de recogimiento, de paz interior.

2. Choros Nº 1 para guitarra de Heitor Villa-Lobos e interpretado a la guitarra por Carlos Oramas: magia y sabor, ritmos y melodías que transportan hasta las raíces de un Brasil cargado de influencias y que sabiamente ha sabido recoger el grancanario en su grabación.

3. Goyescas: Los requiebros de Enrique Granados e interpretado por el pianista Javier Negrín: la obra de Goya cobra vida en la música del compositor catalán, los ambientes que muestran su pintura quedan reflejados por la exquisita interpretación del tinerfeño, que logra una limpieza inusitada, una atmósfera delicada y profunda…

4. Los pescadores de perlas, acto 1: Je crois entendre encore de Georges Bizet e interpretado por la voz solista del tenor Celso Albelo: belleza y emoción en una de las grandes voces del panorama internacional, un directo para embriagarse de amores nocturnos, de dulces sueños cautivadores.

5. Fantasy Pieces, Op. 43: IV. Allegro molto vivace de Johannes Brahms, con la presencia del clarinetista canario Maximiliano Martín: compleja sencillez, lograda estética y un cuidado trabajo de la música de cámara, donde el dúo de clarinete y piano forman un corpus único y bien engrasado.

6. Medea in Corinto: Aria: Sommi Dei, Che I Giuramenti de Johann Simon Mayr e interpretado por la voz solista de la soprano Davinia Rodríguez: fuerza y pasión, garra, tesón… La grancanaria desgrana la partitura de una manera descomunal, con la energía y sensibilidad que requiere el personaje de Medea.

7. Sonata para violín nº 1 en re mayor, Op.51: Lento de Joaquín Turina, con la presencia de la violinista canaria Eva León: sublime interpretación y muestra de virtuosismo y emotividad. Un viaje por estados de ánimo, por paisajes sonoros comunes a todos los mortales...

8. No por amor, no por tristeza de Antón García Abril, con la presencia de la mezzosoprano canaria Nancy Fabiola Herrera: intensidad narrativa conducida por una voz capaz de transmitir la profundidad del desasosiego, de la tristeza de lo que fue y no volverá.

9. Sonata para clarinete, Op. 46: Moderato de Salvador Brotons, con la presencia del clarinetista canario Cristo Barrios: respirar, coger aire y salir a mirar el mundo con otra mirada, con otra presencia. Esencia y exquisitez.

10. Iberia: El Polo de Isaac Albéniz e interpretado por el pianista tinerfeño Guillermo González: el maestro en una de las grabaciones para la historia, sutileza, pasión y la voluntad descomunal de interpretar una de las grandes suites del repertorio pianístico.

Es de noche y paseo por La Laguna con los hombros encogidos. El frío húmedo de este febrero invernal recorre mis huesos de los pies a la cabeza. Al pasar por la plaza Dr. Régulo Pérez me fijo en El Búho, o más bien en lo que queda de aquel emblemático local lagunero. Hoy anuncian un grupo de versiones rockeras en directo, un cover más. Echo un vistazo hacia dentro con cierta nostalgia y no puedo evitar pensar en aquel templo de la música convertido hoy en bar de copas, un recuerdo de un pasado cargado de creatividad que no volverá. Cuántas noches de jazz con lo mejor del panorama canario del momento…

Y pese a todo el jazz en Canarias sigue vivo contra viento y marea, con destacados músicos que hacen de este territorio una potencia en lo que a este estilo se refiere. Tampoco es de extrañar: el jazz en las islas es una historia de ida y vuelta. Nuestros antepasados estuvieron en Luisiana allá por el siglo XVIII e influyeron en los albores del género. El rebote del fenómeno nos llegó en el siglo XX, con la llegada de las grabaciones del momento que rápidamente motivaron las mentes efervescentes de los creativos canarios, dando lugar a solistas y grupos que comenzaron a destacar en el panorama nacional e internacional.

La playlist de este mes hace un recorrido por las figuras más significativas del jazz de hoy y ayer, una pequeña muestra de lo que se continúa haciendo en las islas y por las que un puñado de músicos continúa peleando (entre otras luchas, porque haya una enseñanza reglada de calidad). Una recomendación: no dejen de acudir al Festival Internacional Canarias Jazz & más Heineken y, sobre todo, al Canarias Jazz Showroom, donde podrán palpar de primera mano la magia de nuestros mejores intérpretes. Larga vida al swing.

1. Gracias de Martín Leiton: suave seducción musical, un profundo agradecimiento para los oídos y la mente…

2. Songó Pa’ Heliena de Atcheré: latin jazz fresco y de calidad, sabor y sello de identidad de una de las bandas míticas de nuestro archipiélago.

3. Minor Things de Yul Ballesteros: la complejidad y el misterio del guitarrista grancanario, ganas de empaparse de cada nota.

4. Song for Gary de Polo Ortí: un tema que pasará a la historia y que, entre sus múltiples versiones, destaca esta a dúo entre el pianista tinerfeño y el desaparecido timplista José Antonio Ramos. Sensibilidad en cada fraseo, magia y pureza.

5. J. C. de Jose Carlos Machado: el saxo de Kike Perdomo, la batería de Churchill, el piano de Augusto Báez, el bajo del propio Machado… Emoción y declaración de intenciones.

6. Baile del Vivo de Gato Gótico: sonido ochentero de altos vuelos, fusión entre folclore y vanguardias, “mordido por los años y la distancia” que reza el verso del tema.

7. Suite Macabra: Swing Frenetique, Allegro Misterioso de David Quevedo: amplios diálogos entre piano y el saxo, un deleite de virtuosismo y saber hacer.

8. Theme from Johnny Staccato de Elmer Bernstein interpretado por la Big Band de Canarias: swing en estado puro que traslada a los años 60, al aire sofisticado de la época de clubes y detectives privados de esta mítica serie.

9. Night In Tunisia interpretado por E&A: mano a mano entre la voz de Esther Alfonso y el piano de Augusto Báez, garra y determinación en una gran interpretación de este clásico tema de Dizzy Gillespie.

10. Palabras por Javier Infante y José Alberto Medina: el título como antagónico, pues lo que no alcanzan a decir las palabras lo logra la música. Pieza cargada de delicadeza y paz, un remanso donde respirar.

11. How… de Cavendish: expresividad y groove con influencias del funk, soul… un tema con el que flotar.

12. All In de Diego Barber y Hugo Cipres: determinación con tintes experimentales, una apuesta muy personal del lanzaroteño que seguro no dejará indiferente.

Arranca el mes de enero y con él regresa el Festival de Música de Canarias, una de las citas ineludibles del año. Desde el 7 de enero hasta el 4 de febrero, más de 600 músicos pasearán por los casi 50 escenarios repartidos en todas las islas, incluida La Graciosa. Se trata de una cita cultural de enormes proporciones y ya celebra su trigésimo tercera edición, ahí es nada.

No obstante, esta edición se ha visto envuelta por la polémica, con diferentes voces que han clamado al cielo al no ver representada la tradición de contratar orquestas de renombre internacional y sí hacerse una apuesta decidida por otros formatos menos notorios que pudieran tener interés para el público, sobre todo para el que no se acerca al festival y puede que este año encuentre un motivo para hacerlo.

La playlist de este mes viene dedicada a dos hitos históricos que se van a dar después de más de 30 años de festival. Por un lado, será la primera vez que la Orquesta Sinfónica de Tenerife y la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria toquen juntas, en esta ocasión para interpretar el Gurre Lieder de Schönberg, junto al Coro Filarmónico Eslovaco y al Coro Ópera de Tenerife. Y por otro lado, será la primera vez en la historia del festival en la que se podrá escuchar a las bandas municipales de Santa Cruz de Tenerife y de Las Palmas de Gran Canaria, lo que sin duda demuestra el marcado carácter canario que Nino Díaz, coordinador del Festival, quiere imprimirle a esta nueva etapa. Además de la decidida apuesta por la música para bandas, fuera prejuicios.

1. Guarapo de Juan José Falcón Sanabria, interpretada por la Sinfónica de Tenerife, carácter y belleza. Un mapa sonoro que ilustró de manera magistral la película Guarapo, de los hermanos Ríos.

2. La Tempranica, obertura, de Gerónimo Giménez, interpretada por la Sinfónica de Tenerife, pieza que abre esta famosa zarzuela. Misterio y evocadoras frases sobre amores imposibles.

3. Introducción a los choros, para guitarra y orquesta, de Heitor Villa-Lobos, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria y el guitarrista canario Carlos Oramas. Sueños tropicales con ambientes de gran belleza, deleite y tranquilidad, un bálsamo para dejarse llevar.

4. Danzas del ballet ‘Estancia’, Op.8: I. Los trabajadores agrícolas, de Alberto Ginastera, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria. Fuerza rítmica, contrastes y energía vital. Hay ocasiones en las que el cuerpo no se puede mantener en la butaca...

5. Poenitentiacite (poema sinfónico), del canario José Manuel Encinoso Fernández interpretada por la Banda Municipal de Santa Cruz de Tenerife. Ecléctica y visceral, un viaje a la reflexión más profunda, a descubrir lo que agita y ahoga.

6. Momentos Idílicos, del canario Ángel Fernando Curbelo Jorge, interpretada por la Banda Municipal de Santa Cruz de Tenerife. Reposo, tiempos para respirar y volver a ver la luz. No todo está perdido, a veces es cuestión de salir a bailar.

7. 4 Impromptus, Op. 90, D.899: nº 3 en Sol Bemol, de Franz Schubert, arreglo para banda interpretado por la Banda Municipal de Música de Las Palmas de Gran Canaria. Transparente belleza casi onírica, un regalo para los sentidos.

8. Danzas fantásticas, Op.22: III. Orgía, de Joaquín Turina, arreglo para banda interpretado por la Banda Municipal de Música de Las Palmas de Gran Canaria. Derroche de energía y potencia en contraste con pasajes pintorescos, capaces de evocar escenas tiernas, pueriles…

El valor de la música original, en un momento en que las versiones de otros copan el panorama de las salas de conciertos, vive sus horas más bajas. Socialmente no despierta el interés de la audiencia, ni se aprecia la importancia que representa este patrimonio intangible para nuestra tierra, más acostumbrada a folclores malentendidos. Es pues necesario ensalzar la creatividad musical en Canarias, rica en cantidad y calidad, reconocida más allá de nuestras fronteras y que navega por diferentes estilos y propuestas, con compositores de diferentes disciplinas con un punto en común: idéntico territorio.

La playlist de este mes te trae una breve muestra de algunos de los principales creadores del archipiélago, transitando en géneros tan diversos como el jazz, la electrónica o las bandas sonoras para cine. Acérquese a escuchar a estos fenómenos: abra la oreja, disfrute y consuma música.