Si buscamos en Google, por poner solo un ejemplo, “fotografía y mar” nos aparecerán de inmediato millones de imágenes 'bonitas' (en el sentido naif de la palabra) con toda una amplia gama de azules y turquesas, mares y playas con aguas transparentes, puestas de sol o amaneceres de ensueño, personajes con poses de revista, o veleros surcando un horizonte infinito, siempre perfectamente nivelado.

Si estas son nuestras expectativas a la hora de entrar en Los Molinos del Rio para asistir al particular mar que nos presenta Pilar Morales (Murcia, 1977) quedaremos profundamente decepcionados. Nada más lejos de la realidad. Afortunadamente, habría que añadir.

Lo que la fotógrafa murciana nos propone tiene más que ver con la experiencia y la primera persona, lo subjetivo, lo táctil, lo orgánico y lo palpable. Si es verdad, que hay fotografías tremendamente bellas, pero no al estilo del trabajo, por poner otro ejemplo, del japonés Hiroshi Sugimoto, que conformaba sus fotografías en perfecta simetría y balance del cielo y el mar. O como los maravillosos buceadores de Enric Gener, o los surfistas de Morgan Maassen, o las escenas marítimas de Mark Tipple o David Doubilet. Las fotografías de Pilar Morales son más instantáneas, e incluso (si se me permite) más informales y gamberras. Por momentos parecen el contrapunto perfecto a las escenas de playa del afamado Martin Parr, de Pérez Siquier, o de nuestro cartagenero Juan Manuel Díaz Burgos, pero desde la perspectiva contraria, desde el agua. No en vano la exposición se titula 'From inside Project' (Proyecto desde dentro).

La exposición discurre a lo largo de las paredes del maravilloso edificio principal de las Molinos del rio, toda ella atravesada por una línea horizontal azul que escenifica el horizonte del mar, la línea de flotación, en torno a la cual la artista sitúa cada una de las 36 imágenes que componen la exposición.

Las fotografías se presentan desnudas, salvo una cartela con un título bastante críptico, sin ningún texto acompañante que nos contextualice el lugar, el tiempo o el origen y desarrollo del proyecto. Y la verdad es que tampoco hace falta mucho más (incluso se podrían prescindir de los títulos llegado el caso), basta con dejarse llevar y sumergirse en las aguas que nos presenta su autora, y al poco cada uno las acaba haciendo suyas, convirtiéndolas en sus propios recuerdos, en su propia experiencia.

¿Quién no ha jugado a la pelota en la playa, se ha girado y vuelto del revés dejándose llevar por las olas, ha levantado un pie por encima del agua, ha abierto los ojos buceando, o ha espiado a sus vecinos con la boca abierta a ras del agua entonando para si la música de la película de Tiburón? Pues algo parecido a eso se puede volver a revivir con las fotografías de Pilar Morales. Pura experiencia.

Es cierto que la cosa no solo queda en este nivel. Como toda buena propuesta tiene múltiples capas, unas más accesibles que otras. Así, quien quiera puede dedicarse a limpiar bien el cristal de su gafapasta y ahondar un poco más. Y para muestra tan sólo dejo un par o tres de pistas: si se fijan, nada más iniciar, se darán cuenta que la exposición está subtitulada en chino (no sabemos muy bien porqué en este idioma, o por lo menos mi gafapasta no da pa´tanto). Un subtítulo que se podría traducir (según Google) como “el mar en mi corazón”. Afirmación que no resulta baladí; por otro lado, en la segunda parte de la exposición, justo al lado de la serie de 'Dark water' (que a mí personalmente me recuerdan al Mar Menor actual… Se non è vero è ben trovato...) nos encontramos una pequeña instalación con un espejo y la imagen de unos pies con aletas a nuestros pies. A partir de ahí, que cada cual se refleje como pueda. También, entre las dos secciones que divide la exposición, como nexo de unión, aparece el fragmento de un poema de Juan Ramón Jiménez “Nostaljia del mar nocturno soñado” , donde podemos leer, entre otros versos: “Se diría que es la tierra el camino del cuerpo, que el mar es el camino del alma.”

Pues eso, ahora que empieza a apretar el calor, no pierdan la oportunidad de adéntrense en Los Molinos del Río y dejen que su alma se sumerja en las aguas que nos propone Pilar Morales.

'From inside Project' puede verse hasta el 26 de julio en Los Molinos del Río de lunes a sábado de 10:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas.

Estamos de enhorabuena en Murcia. Se ha abierto la nueva temporada de exposiciones en la Sala Verónicas y lo hace por todo lo alto, congregando a dos de los más importantes artistas de la generación de los 80. Por un lado el cordobés Pepe Espaliú (1955-1993), y por otro Juan Muñoz (1953-2001), uno de nuestros artistas contemporáneos más (re)conocidos. Todo un evento, sin duda, que nadie se debería perder.

“Pepe Espaliú/Juan Muñoz. Correspondencias”, que así es como se denomina la nueva exposición, no se trata de una retrospectiva (se necesitarían cuarenta salas como Verónicas para tal empeño), ni siquiera de una exposición conjunta de los dos creadores, de hecho, aunque se admiraban mutuamente, nunca expusieron ni trabajaron conjuntamente. Se trata, por tanto, de un proyecto curatorial llevado a cabo por el comisario y crítico de arte Jesús Alcaide (Córdoba, 1977) en el cual realiza el ejercicio intelectual de relacionar, o de establecer correspondencias, entre estos dos artistas a través de las 15 obras expuestas para la ocasión. Y la verdad es que como tesis curatorial funciona, incluso resulta redonda, aunque no deja de ser un ejercicio subjetivo, personal y, a mi modo de ver, un tanto forzado. Pero todo esto pasa a ser secundario cuando uno entra en la sala Verónicas y se topa con la apabullante obra de estos dos gigantes.

Si bien es cierto que se necesita bien poco, sensibilidad básicamente, para disfrutar de las obras que se exponen, esta no resulta una exposición fácil para los que no estén familiarizados con la obra de estos artistas. Y tampoco es que el planteamiento expositivo lo ponga muy fácil. Y es que las obras se presentan así, desnudas, sin más, mezcladas y sin una mínima cartela que las identifique, cosa que se agradece. Aunque es cierto que existe un pequeño dossier disponible, conformado por tres folios grapados, donde uno puede formarse una mínima idea de la propuesta expositiva y de la localización de las piezas, pero poco más. Bueno, siempre se puede adquirir el catálogo de la exposición a un módico precio de 10 euros, donde, además de las correspondientes imágenes de las obras, se incluyen unos artículos escritos ex profeso por Juan Vicente Aliaga y Manuel Segade, así como el texto curatorial del comisario. En cualquier caso, olvídense de todo, déjense llevar y adéntrense en la Sala Verónicas para disfrutar de piezas verdaderamente únicas.

Nada más entrar uno se topa en la nave central con dos palanquines negros, compactos, férreos, e inaccesibles (Carrying IV y VII). Se trata replicas de esas sillas, o tronos, usadas básicamente en Oriente para trasportar en ellas a las personas importantes. Aunque en esta ocasión Pepe Espaliú los transforma en tronos inaccesibles y férreos, con apariencia de ataúdes, donde más que portar a gente de renombre parecen fabricados para trasportar residuos radiactivos. Apestados, en definitiva, ocultos y distanciados de los sanos, donde no se puedan ver ni tocar. Esa es la pretensión de Espaliú con estos cuerpos escultóricos opacos y herméticos, pretender hacer visible a los enfermos de sida que a principios de los 90 sufrían el rechazo y la demonización por los sectores más conservadores de la sociedad, e intentar elevarlos a una esfera de más dignidad.

Probablemente quienes recuerden a Espaliú pensaran en su famosa acción “Carrying” que abrió los telediarios de medio mundo y que llevó a cabo el 1 de Diciembre del 92, coincidiendo con día internacional del sida y la publicación de su mítico artículo en El País (“Retrato del artista desahuciado”) donde reconocía abiertamente su enfermedad. En “Carrying” el propio artista era portado en brazos por una larguísima cadena de personas, dispuestas de dos en dos simulando el popular juego de “la sillita de la reina”, sin dejarle pisar el suelo durante todo el trayecto, desde el Congreso de los Diputados hasta la entrada del Museo Reina Sofía. Visibilizando de esta manera, al más puro estilo de escultura social de Joseph Beuys, tanto la dolencia, como la necesidad de ahuyentar el miedo al sida, así como empatizar con sus víctimas. En palabras del propio Espaliú: “Los enfermos estamos en una paradoja, seguir en el mundo sin tocar el mundo, seguir caminando sin tocar la tierra”.

Si continuamos la visita, nada más girar la vista hacia la derecha, nos sorprende una deslumbrante instalación que ocupa todo el crucero de la iglesia de Verónicas. Se trata de una pieza consistente en tres grandiosas jaulas de hierro de cuyas bases, como si hubieran explosionado, se descuelgan en largos filamentos desparramándose por el suelo, entrecruzándose y fundiéndose entre sí, otorgando una hermosa continuidad material y simbólica. De nuevo aquí, Pepe Espaliú utiliza las jaulas como un recurso metafórico, de silencio y soledad descorazonadora, para incidir en el aprisionamiento y la reclusión que suponía para los enfermos de sida vivir con una enfermedad que se había relacionado interesada y malévolamente con comportamientos heterodoxos, y de la necesidad de escapar de ese rechazo y demonización. Así es el arte de Espaliú, repleto de metáforas y símbolos para interrogar a la sociedad, para hacerle ver lo que no quería ver y cuestionar la realidad. El arte como medio para el despertar de la conciencia.

Uno podría quedarse indefinidamente extasiado por el magnetismo de estas obras. Son “sobre(a)cogedoras” en el amplio sentido de la palabra. Son escuetas, limpias y sobrias, mínimas incluso. Son frías y gélidas, de hierro, pero cálidas y entrañables. No muestran nada y a la vez lo muestran todo. Donde la presencia se hace terriblemente patente a través de la propia ausencia. Y si a todo esto le sumamos la calidez, el refugio y el sacro silencio que ofrece la Sala Verónicas estas obras (y el resto) se elevan hasta la enésima potencia.

Por mi parte ya daría igual seguir con el recorrido. Llegados a este punto el resto de las obras pierden gran interés (aunque son excelentes una a una), hasta se podría decir, exagerando, que incluso llegan a molestar, en el sentido físico al menos. Y es una pena, porque son todas obras magnificas, pero tal aglomeración de piezas más que establecer un diálogo generan un murmullo molesto que complica la escucha.

Y es que el diálogo entre las obras de los dos artistas, aparte de forzado resulta claramente desigual. Las obras expuestas de Juan Muñoz son maravillosas pero ocupan un protagonismo menor y bastante periférico, lo que les hace perder gran parte de su brillo. A pesar de todo, merece la pena abstraerse e intentar disfrutar de todas ellas. Aunque si van buscando al Juan Muñoz de los tentensiesos, de los grupos de humanoides monocromáticos con rasgos asiáticos, de los enanos, de las bailarinas, de los espejos, las columnas, o de los suelos barrocos; mejor ahórrense el disgusto. Y es que como he dicho no se trata de una retrospectiva, ni una muestra de las obras más representativas, aunque se hace inevitable acusar las ausencias. En el caso de Espaliú serían sus máscaras, sus muletas, o sus cuerdas y nudos. Pero es lo que es.

Por el contrario, nos podemos congratular de la presencia de algunas piezas icónicas del primer Juan Muñoz como: sus balcones (London Balcony), sus pasamos (Pasa a mano), o sus ventadas cerradas (Two Windows).

Al igual que Espaliú, Muñoz trabaja en estas piezas “arquitectónicas” con la ausencia, con mostrarnos lo que no se ve más allá de lo es. Juan Muñoz entendía que la única manera de llegar representar el presente y la muerte es precisamente por su ausencia. A eso nos invita este artista con estas piezas, a imaginar quien se expone en sus balcones, la huella de esa mano que acaricia el pasamanos, o que se oculta tras esas ventanas compactas… Así que déjense llevar, en todos los sentidos, porque la escultura de Juan Muñoz es narrativa y teatral y hay que subirse el escenario para interpretarla.

Mención aparte requiere la única pieza con representación de la figura humana, posiblemente una de sus obras más tardías (Broken noses carryng a bottle. 1999), donde se reconoce al instante al mejor Juan Muñoz. Una pieza maravillosa concebida como una confrontación constante de estabilidad y un equilibrio, de juego y de violencia. O como un relato violento que conduce desde una peana con edificios en llamas, hasta los pies donde dos figuras luchan a garrotazos al más puro estilo Goya. Una pena que se encuentre arrinconada y amenazada por las sombras y los tentáculos de las jaulas de Espaliú. Aunque, quien sabe, igual estos elementos de diálogo generan narrativas nuevas y más enriquecedoras, pero lamentablemente no sucedió en mi caso.

La muestra continua adentrándose en el coro bajo, tras la celosía que lo separa de la nave central. Allí, como escondidos, nos aguardan cuatro maravillosas piezas que, esta vez sí, materializan un evidente diálogo dos a dos. Un diálogo, eso sí, puramente formal (silla-silla, tortuga-tortuga), otra cosa sería hablar del fondo, del significado. En esa acogedora habitación, púrpura para la ocasión, de nuevo, el diálogo resulta claramente descompensado. Y no es que la escultura de la tortuga con su balcón adosado (Contemplación) o el grabado (Mobiliario XVII) de Juan Muñoz no sean magníficos, pero es que las sillas y, sobre todo, los caparazones de Espaliú son tan impresionantes que se hace imposible destacar ante ellos.

Una vez acabada la exposición, cuando uno abandona la Sala Verónicas y se enfrenta a la realidad, tiente la sensación que se ha dejado muchas cosas pendientes. Como si fuera incapaz de retener o de asimilar todo lo que allí se expone y subyace. Y es que son muchas obras para aclararse y muy pocas para contarlo todo. Demasiadas nueces para tan poco ruido.

“Pepe Espaliú / Juan Muñoz. Correspondencias”, permanecerá en la Sala Verónicas hasta el 5 de Enero del 2020, tiempo más que suficiente para no tener excusa en visitarla. Incluso en más de una ocasión. Porque esta es una de esas exposiciones poliédricas y llena a múltiples recovecos, como una de esas buenas películas en las que uno descubre algo nuevo en cada pase.

“¡Hay que joerse!”. Así, sin más. A voz en grito. Claro, conciso y contundente. Sin lugar a réplica. Tan sólo bastó una mirada fugaz. Desde la acera, sin la mínima intención de entrar, y apoyando la frente en el cristal, quizás para evitar algún reflejo molesto (cosa que dudo). El personaje en cuestión iba acompañado de dos menores (una niña de unos diez años y un crío más pequeño) que inmutables al juicio del padre (presunto) se quedaron pegados al cristal, embelesados, unos segundos más, justo el tiempo que tardó el progenitor (presunto) en reconducirlos de nuevo en su camino a alguna parte.

Así, sin medias tintas, a las puertas de la galería, se me presentó la primera crítica sobre el nuevo trabajo de Sergio Porlán (Lorca, 1983) que se expone en la Galería ArtNueve bajo el título: 'Posibilidad de liquen'.

Se podría decir aquello tan manido y políticamente correcto de que todas las opiniones son respetables, pero yo me niego. No, no hay porque respetar todas las opiniones, sí a las personas que las formulan (faltaría más), pero no a las opiniones infundadas, prejuiciosas, sin argumentos y adornadas de falacias y lugares comunes. Y es que hay personas con resortes muy sensibles que se disparan ante el mínimo olor o signo de arte contemporáneo con el que se cruzan.

Por supuesto, como en todo ámbito, hay arte contemporáneo pésimo, oportunista y lleno de esnobismo. Pero antes de juzgar, como mínimo, habría que escuchar al acusado. Entonces sí, una vez valorado y estudiado las pruebas, se puede respetar cualquier opinión. Incluso la variable personal: puede, o no puede gustar, sin más. O la variable del conocimiento: se puede, o no se puede entender. Aunque esta última siempre puede tener solución, otra cosa es que queramos aprender, y esa también es decisión legítima y respetable.

Haciendo oídos sordos a esta primera impresión recomiendo vivamente que se adentren sin prejuicios y sin miedo en la Galería ArtNueve (si no está abierto basta tocar el timbre de la puerta) donde serán bien acogidos tanto por la obra de Sergio Porlán, como por quienes la gestionan.

Al entrar uno ya siente la sensación de adentrarse en un espacio distinto, extraño, con una atmósfera pulcra y blanca, casi aséptica, que rezuma un halo futurista, pero a la vez cálido y familiar, como si estuviéramos en una tienda de Apple, o en el set de rodaje de un capítulo de 'Black Mirror'. A los que conozcan a Porlán de otros trabajos (Casa Fría, 2015) les resultará familiar este ambiente ambiguo y desconcertante. Su obra, no es una obra al uso de colgar y mirar, sino que se despliega por todo el espacio de la galería (incluso invadiendo la trastienda). Y es que no se trata de simples objetos (pinturas y esculturas) dispuestos sin más para su contemplación, sino de una instalación. De un mundo construido, artificioso y distanciado, que va más allá de la estética, y a la que el espectador debe enfrentarse, sumergirse, como si de un explorador recién aterrizado de otro tiempo y otro espacio se tratara. Porque esa es la primera sensación que encontramos; el habitar un terreno ajeno y distópico, pero a la vez cercano y siniestro.

Y es que a medida que nos adentramos empezamos a reconocer el gran conglomerado de objetos que componen todas las piezas. Son todo objetos encontrados, restos de chatarra, fragmentos desechados a los que Sergio Porlán les concede una nueva vida. Son piezas de vehículos, restos de neumáticos, fragmentos de porcelana, etc. Todos ellos mínimamente intervenidos con la exquisita y depurada factura que caracteriza a este artista. De hecho, uno se imagina al artista trabajando más en un laboratorio aséptico, con bata blanca y pinzas, que en un taller de forjado.

No se trata, como digo, de chatarra cruda y abstracta al estilo de John Chamberlain o Robert Rauschenberg. Ni siquiera al estilo más formal de Anthony Caro. Tampoco se trata, aunque nos pueda recordar, al 'objet trouvé' que manejaban los surrealistas. Las piezas de Porlán poseen una uniformidad, una leve patina blanquecina, que nos recuerda a una colonización de líquenes, y que les otorga una nueva dimensión, incluso una nueva vida, en el sentido literal. Porque pese a su origen frío e inanimado, los objetos parecen respirar, lo cual genera una tensión muy sugerente y siniestra. Por un lado despiertan ternura, pero al mismo tiempo generan miedo y repulsa.

Son yuxtaposiciones de materiales que se alejan de su concepto productivo original para constituir nuevas máquinas, nuevos especímenes, que nos adentran en lo simbólico. Seres que nos alumbran a otro mundo, a otra posibilidad de ser, sin perder de vista las cicatrices que dejan al descubierto una manera pretérita de vivir intensamente. Se trata de esa posibilidad de ser liquen que reivindica Sergio Porlán.

Quizás, si atendemos a las características intrínsecas de los líquenes podremos comprender algo mejor esta atmósfera que genera la obra de Sergio Porlán: Los líquenes son asociaciones simbióticas entre un alga y un hongo. Son organismos de crecimiento muy lento, pero con capacidad para asentarse en los más diversos sustratos inertes u orgánicos, pero a su vez son altamente vulnerables a las variaciones ambientales. De hecho esta característica de vulnerabilidad los confiere como muy buenos bioindicadores de la pureza del aire, ya que en la mayoría de los casos, su extinción se debe a contaminantes gaseosos, principalmente a aquellos que emanan de los automóviles por combustión.

Atendiendo a todo esto, podríamos sugerir que 'Posibilidad de liquen' plantea una alternativa a un mundo devastado e irresoluble. A una nueva posibilidad de generar vida sobre los desechos de un pasado desenfrenado. Una nueva colonización que requiere de un proceso lento y frágil en unas condiciones óptimas, que sean a su vez: estables y duraderas.

La visita por la instalación no se limita a la sala principal, sino que se prolonga por 'trastienda' de la Galería (no se la pierdan) donde las piezas adquieren un nuevo color. La primera pieza que nos recibe es una desconcertante pieza color burdeos que rezuma una especie de mechón pelirrojo, para a continuación, encontrarnos con una mesa acristalada donde cuidadosamente se hayan dispuestos distintos fragmentos encontrados de porcelana asalmonada. Al observarlos detenidamente uno intuye que 'reviven' por la gracia de les ha otorgado Sergio Porlán, casi como lo haría un cangrejo ermitaño para ubicar su nueva casa.

Y para finalizar, no se vayan sin visitar al fondo de la trastienda, tras una enorme cortina negra, 'la habitación con escamas'. Una obra realizada específicamente para la ocasión (site-specific), donde Sergio Porlán invierte los términos y permite al espectador ser acogido por su obra. Una experiencia única, en todos los sentidos (solo se puede visitar de uno en uno), que se asemeja a lo que sería adentrarse en una geoda gigante recubierta de infinitos cristales brillantes. Un espacio, íntimo, al reguardo de la vista, que permite resarcirse (confieso que yo lo hice) de esa necesidad imperiosa de tocar que tanto generan las obras de Sergio Porlán.

Toda una experiencia, insisto.

¿Qué más se puede pedir?.

¡Hay que joerse!.

'Posibilidad de liquen' se puede visitar en Galería ArtNueve (Dr. Tapia Sanz,1) hasta el 30 de noviembre de 2019. De Lunes a Viernes: de 11 a 14 h y de 18 a 20h. Sábados: de 11 a 14h.

Los que crecimos en la edad analógica recordamos con un extraño regusto lo que suponía  la espera del revelado de las fotografías a la vuelta de las vacaciones. Setiembre, por aquella época, convertía a las tiendas de fotos en algo parecido a lo que ocurre con las administraciones de lotería en Diciembre; colas interminables de adeptos a la espera de obtener un papel impreso lleno de ilusión. Aunque, al contrario de la lotería, con las fotos del verano no había que esperar hasta el 22 de diciembre para desilusionarse, bastaba un par de días para abrir el sobre con las 24 instantáneas (36 para los más potentados) para comprobar que cualquier parecido con lo imaginado era pura coincidencia.

Y es que no basta con una buena cámara para hacer una buena fotografía, al igual que escribir con una  Montblanc no garantiza un buen poema. Sobre todo hay que tener buen ojo. Un ojo que sepa mirar. Y algo de técnica, y muchas fotos a las espaldas. Y de eso (aunque supongo que también dispondrá de una buena cámara) a José Luis Vidal Coy no le falta. Por eso asistir a una de sus exposiciones para contemplar las fotos de sus viajes nada tiene que ver con los tediosos maratones que convocaba algún amigo a la vuelta de vacaciones. Eran tiempos en los que las fotos se ordenaban detalladamente en álbumes o se proyectaban en diapositivas sobre el gotelé del salón, y aquello tampoco ayudaba. Pero no, ese no es el caso de Vidal Coy, sus fotografías de viajes nunca resultan tediosas y, rara vez, decepcionan.

Después de mostrarnos recientemente sus refrescantes imágenes de glaciares (Yelo) ahora Vidal Coy nos muestra, a la vuelta de vacaciones, en la Sala Cultural del Corte Inglés, una selección de treinta fotografías bajo el nombre de: `El color de la medina´. Efectivamente, son todas ellas fotos en color, muy espectacular y saturado, como deben ser las medinas de las siete ciudades (todas ellas en Marruecos) por las que Vidal Coy se ha paseado durante años.

Por supuesto, que nadie espere encontrarse con las fotografías de un turista, más bien son las fotos de un flâneur perdido. Las de un paseante callejero que vaga por las calles, sin rumbo, sin objetivo, abierto a todas las vicisitudes y las impresiones que le salen al paso; ya sea una librería improvisada, una reunión espontánea a la puerta de la casa, o la aparición de una espontánea anciana que se cruza en su camino. Vidal Coy deja a un lado la visión más exótica de la vida de estas medinas y se adueña de lo cotidiano e intrascendente, como si hacer la foto fuera una consecuencia, no el objetivo. Viendo sus fotos uno lo imagina caminando días y días, sin rumbo fijo, perdiéndose entre las callejuelas más recónditas y deshabitadas. Lástima que no se puedan oler y escuchar todo lo que emanan, aunque afinando un poco se pueden llegar a intuir el olor a especias y a yerbabuena, o el murmullo de las conversaciones en la calle.

Treinta fotografías muy bien hechas, con gusto, equilibradas, llenas de color, que nos permiten imaginarnos paseando por las calles de las medinas más importantes de Marruecos. Fotografías que, como digo, no decepcionan, aunque tampoco sorprenden, sobre todo para aquellos que, en su mayoría sino todas, ya las pudimos contemplar en el 2016 en los Molinos del Río con ocasión del festival Murcia Tres Culturas, o posteriormente en 2018, en El Museo Siyâsa de Cieza. Incluso en aquellas ocasiones la exposición iba acompañada de un magnifico texto de Bernabé López García (Catedrático de Estudios Árabes e Islámicos de la Universidad Autónoma de Madrid) que complementaba perfectamente a las fotografías y que se echa en falta en esta ocasión.

En cualquier caso, quien no tuviera la oportunidad de visitar las anteriores exposiciones esta es una magnífica ocasión para resarcirse. Y para aquellos que ya las disfrutamos, nunca está de más repetir un buen plato, aunque estamos ansiosos que Vidal Coy vuelva a la cocina y nos deleite con un nuevo menú.

*'El color de la medina', estará expuesta hasta el 25 de Setiembre en la Sala de Ámbito Cultural El Corte Inglés (Gran Vía Salzillo, primera planta) en horario comercial de 10:00 a 22:00h

Justo cuando se empezaron a notar los primeros calores en la ciudad y empezaron a desfilar por las calles los primeros pies libres de calcetines la Galería Chys programa en su espacio para exposiciones temporales el último proyecto refrescante del periodista y fotógrafo murciano J. L. Vidal Coy (Murcia, 1954). `YELO´, así se titula, tal cual, como se pronuncia, no sé si por un origen panocho, pero todo el mundo lo entiende y, si no, basta con echar un somero vistazo desde la puerta para saber con lo que uno se va a encontrar: puro yelo. Yelo cien por cien natural, eso sí, sin artificios ni aditivos, en todas sus formas y colores, deslumbrantes y sublimes en su mayoría.

Si hasta ahora Vidal Coy nos tenía acostumbrados a seguirlo en blanco y negro tras `Los detectives salvajes´ de Bolaño o por el abigarramiento, los colores y la multitud del mercado de La Fama con su `Zoco III Milenio´, en esta ocasión con `Yelo´ se nos muestra como un nómada romántico y sereno que se haya sublimado ante la imponente naturaleza que lo contempla. Porque esa es la sensación que confieren las ocho fotografías de gran tamaño (70x140) que centran la exposición; son ellas las que nos contemplan.

Yelo se presenta como un proyecto abierto, sin concluir, constituido por una miscelánea de imágenes heterogéneas procedentes de distintos lugares (Argentina, Chile, Iowa e Islandia principalmente) y tomadas en momentos distintos, unificadas por sola presencia del hielo (o Yelo, según se quiera), y eso, en cierto modo, queda de manifiesto. Sólo la magnitud del Perito Moreno ya merecería una serie para él sólo, o con la delicadeza de los paisajes de Islandia (Jökusárlón) se podría llenar una galería entera, eso sí en formato grande, porque la magnitud de estos paisajes pierde con los formatos pequeños, sobre todo cuando se contraponen con los de gran tamaño. No siempre cuanto más grande mejor, pero en este caso es acertado. Lo mismo sucede en esta ocasión con menos es más.

Por favor, antes de abandonar la sala no pierdan la oportunidad de contemplar una carpeta situada en un pedestal a la entrada (justo en el lado opuesto donde se especifican los precios de las obras) con 38 fotografías en papel (como las de toda la vida) que acaban de complementar la exposición. Si bien es verdad que son de tamaño reducido y no tienen la luminosidad, la saturación y el brillo que proporcionan los vinilos bajo metacrilato de las obras colgadas en la sala, sí poseen la textura, los colores y el buen gusto de las fotografías a las que nos tiene acostumbrado Vidal Coy.

La exposición `YELO´ de José Luis Vidal Coy se puede ver en la Galería Chys (Trapería, 11) hasta el 30 de Mayo de lunes a viernes de 10,30h a 13,30h y de 17h a 20,30h.

Dos fotografías de dimensiones considerables (Montones) nos reciben a la entrada del espacio 5 del Centro Párraga. Se trata de dos fotografías con sendos montículos en medio de la nada, pequeñas acumulaciones de tierra: uno de arena, el otro de grava. Dos montículos artificiales, ajenos al paisaje, retazos de una presencia humana, visiblemente colonizados por unos yerbajos agrestes que con el paso del tiempo los han ido sometiendo a una lenta transformación para, posiblemente con el paso del tiempo, asimilarlos o reintegrarlos en el paisaje.

No se puede decir que son dos fotografías bonitas, ni tan siquiera artísticas desde un punto de vista formal o compositivo, pero sin duda nos atraen. Son dos naturalezas muertas, o al menos eso inspiran, a pesar de la dispersa naturaleza silvestre. No son ruinas porque nada se ha construido, aunque lo sugieren. No las podemos reconocer, aunque nos son familiares, muy familiares. ¿De qué se trata?. Aparentemente de nada importante; son tan sólo dos montones de tierra. ¿Entonces que hacen en un espacio expositivo?, nos preguntamos. Pues basta con echar un vistazo a nuestro alrededor para descubrir que esos montones de arena y grava son los símbolos que sintetizan la propuesta de Jorge Yeregui: “Acta de Replanteo. Performatividad y paisaje”, comisariada por David Armengol.

La arena y la grava son “el pan y el vino”, “el cuerpo y alma”, del corpus fundacional de la obra que se nos presenta. Los dos elementos, junto con el agua, para la génesis del hormigón: El cuerpo del delito. Pues si disponemos del cuerpo, ahora tan sólo falta detallar el delito; y de eso se encarga Jorge Yeregui. Un interesante artista (arquitecto de formación) que reflexiona en sus trabajos sobre la idea y la experiencia del llamado “tercer paisaje”. Un concepto, este del “tercer paisaje”, acuñado por el paisajista, jardinero y entomólogo francés Gilles Clément (Manifiesto del Tercer Paisaje, 2007), que viene a redefinir a esos espacios urbanizables pero no urbanizados, desnaturalizados pero invadidos y reconquistados por una insospechada y resistente naturaleza. Un paisaje que no es natural (primer paisaje), ni puede ser considerado urbano (segundo paisaje). Un nuevo paisaje impregnado de una “neorruina postmoderna” cuya presencia, desgraciadamente, ya forma parte de nuestro imaginario colectivo.

Se trata de esos lugares a medio construir, residuales, periféricos y abandonados. De esas ruinas de sueños incumplidos, testigos acusadores de la especulación inmobiliaria. Se trata de todos esos proyectos urbanísticos reducidos a desoladores esqueletos de ladrillo y hormigón. A esos descampados vacíos, delimitados por lindes de alambre y perímetros de bordillos interminables. A esos espacios que debían acoger construcciones que probablemente ya nunca se llegarán a materializar.

El título de la exposición “Acta de replanteo” hace referencia al documento oficial que se firma por las partes implicadas en la construcción de un proyecto (arquitecto, promotor y constructor) con el objeto trasladar fielmente al terreno las dimensiones y formas indicadas en los planos que integran la documentación técnica de la obra. El día siguiente a la firma de dicha acta se considera el inicio del plazo de ejecución de la obra o, lo que es lo mismo, el día de inicio de la trasformación urbanística del lugar. Una transformación que en el mejor de los casos concluirá con la ejecución de la obra, aunque desgraciadamente muy a menudo ese final nunca llega. En este caso, Jorge Yeregui utiliza paradójicamente este referente al documento legal para realizar su propio “replanteo” de una forma inversa; es decir, trasladar a los documentos (fotografías, videos, performance) las dimensiones, las formas y las experiencias

que integran el nuevo paisaje malogrado. De ahí su subtítulo: “performatividad y paisaje”.

Yaregui en Lindes, una obra reticular de fotografías que ocupa la mayor parte de la sala, nos muestra una cartografía personal de alguno de estos nuevos paisajes. Para ello el artista, autoimponiéndose unas normas arbitrarias más propias de la performance que de la fotografía, toma como referencia el vallado provisional que limita y acota estos territorios, mostrándonos así el desolador paisaje que lo circunda.

La muestra se complementa con varias instalaciones de video: cuatro videos monocanal (Líneas maestras) que documentan la acción performativa del artista recorriendo esos bordillos y aceras abandonados en estos parajes; dos vídeos con cámara fija de dos edificios “totémicos” abandonados a medio construir (Alzados) como símbolo de esas nuevas “neorruinas” no habitadas; y una proyección de vídeo (Impasse) que muestra la “convivencia pasiva entre el desamparo y la realidad” que rodean este tipo de nuevos paisajes.

En una de las esquinas, destaca una fotografía de gran formato asentada en el suelo (sin título aparente) con la imagen de una precaria escalera de hormigón que asciende un pequeño montículo agreste. Una auténtica ruina generada posiblemente por los únicos habitantes de este nuevo paisaje y que en cierto modo puede simbolizar la precariedad y la improvisación de esos proyectos urbanísticos tan representativos del boom inmobiliario.

Finalmente la muestra incorpora un par de mesas con documentación de la obra y una publicación en formato periódico con una serie fotografías de pilares de obra. Una publicación evidentemente no editada para la ocasión, ni para ser expuesta en vitrinas, sino más bien para llevársela a casa (como se hizo en La Tabacalera en Madrid).

A diferencia de lo que en un principio pueda sugerir, la propuesta de Yeregui no se debe entender como una visión crítica de estos espacios, tampoco, por supuesto, se puede considerar como una reivindicación o una apología de estos territorios, nada más lejos de la realidad. Pero tampoco pretende documentarlos o cartografiarlos al estilo exquisito de la vieja escuela de Düsseldorf, que tanto ha influenciado en la fotografía arquitectónica y urbana.

Yeregui, lo que hace más bien, es presentarnos estos paisajes, ejercer de notario, hacerlos visibles, recorrerlos y experimentarlos por nosotros y para nosotros. En cierto modo con sus acciones, y su experimentación, Yeregui hace una relectura del land art de estos nuevos paisajes (pero una relectura más cercana a la obra performativa de Richard Long o Hamish Fulton, que a las grandilocuentes transformaciones de Robert Smithson o Michael Heizer).

Con sus acciones, sus videos y sus fotografías Jorge Yeregui nos convierte así en espectadores de la evolución de estos nuevos espacios inhabitados e inhabitables donde la propia naturaleza los hace evolucionar. Y en cierto modo, siguiendo la visión de Clément, se nos alienta a aceptar este tercer paisaje como una potencia o, si se prefiere, una realidad todavía en tránsito de realización. Otra cosa muy distinta es en que se acabará materializando.

Para concluir, simplemente me gustaría constatar que Jorge Yeregui (re)trata con “triple acepción” en el Centro Párraga una interesante visión de estos neopaisajes que pueblan nuestro territorio y nuestro imaginario urbanístico reciente. Bien sea “tratando” el tema desde una muy acertada visión artística y en cierta medida poética; o “retratando”, ya que básicamente Yeregui, a parte de un investigador, se considera fotógrafo, y como tal “retrata” acertadamente una realidad para mostrarla ante nosotros.

Y por último, apuntar que es la misma exposición que mostró el año pasado La Tabacalera de Madrid. Y no es que importe que exposiciones tan interesantes como esta se repitan en nuestra ciudad. Pero en lugar de especificarlo, se le ha apostillado un nuevo subtítulo (en Madrid se denominaba solo “Acta de replanteo”) y se la hace pasar por nueva. En cualquier caso da igual: incluso para los que la disfrutamos en Madrid, es toda una alegría volver a repetir experiencia.

Una sala vacía, oscura, donde tan sólo despuntan tres pequeñas luces amarillentas que marcan un pasillo central de escalones. A ambos lados, cinco filas de butacas de cine rojas, deshabitadas, vacías, inertes. A pesar de los tonos cálidos de las butacas, una atmósfera gélida impregna toda la sala. ¿Qué ocurre?, nos preguntamos. ¿El espectáculo está a punto de empezar?, ¿el espectáculo acaba de terminar?, ¿o simplemente el espectáculo está delante de nosotros?. Efectivamente, no hay duda, el espectáculo cuelga ante nosotros, suspendido en el tiempo, en las paredes verdes botella (pintadas para la ocasión) del Espacio 2 del Centro Párraga.

Esta escena, es tan sólo un ejemplo de las magníficas propuestas que nos muestra el pintor Gonzalo Sicre (Cadiz, 1967), afincado en Cartagena desde hace años, en su nueva exposición titulada “Escenografías sin escena”.

Trece obras de distinto formato conforman esta nueva presencia de Sicre en Murcia, todas ellas sin cartela -ni falta que les hace-, con un mismo hilo conductor: el sello inconfundible de Sicre. Esos espacios desiertos, un tanto desangelados y melancólicos, suspendidos en el tiempo, sin presencia de la figura humana, pero sí con una persistente impronta fantasmal.

Pese a que su obra evidencia un claro desinterés por la narrativa (ni siquiera conocemos un título) en favor de los aspectos más puramente formales, compositivos y luminosos de la pintura, no por eso la priva, paradójicamente, de una imaginativa y enigmática narración. Eso sí, una narración que debe aportar el espectador, que cual “detective privado” debe juntar todas las pruebas y huellas que va dejando Sicre en sus lienzos para completar la historia: ¿Qué acaba de pasar?, ¿Qué va a suceder?. Es por esto que no se trata únicamente pintura, sino más bien de fragmentos, fotogramas, apuntes, recuerdos o huellas de espacios melancólicos, cercanos, comunes y muy representativos de la vida moderna.

Otro de los signos de identidad más representativos de este artista, junto con reducida paleta cromática, es el soberbio tratamiento cálido que ejerce sobre la luz, reforzando la carga de misterio y enigma que desprenden todas sus composiciones. Sicre, explota de forma magistral los matices que ofrecen las lámparas y las bombillas que aparecen en sus cuadros, consiguiendo forzar una atmosfera de soledad y melancolía penetrante y vaporosa.

Por otro lado, el mobiliario (las butacas de cine, las cortinas, las pareces) y los objetos presentes en las escenas están desprovistos de detalles, en favor de una simplificación de las formas, con el fin de facilitar superficies lisas en las que poder recortar más dramáticamente los contrastes de luces y sombras. Algo, todo esto, muy deudor del más puro estilo Hopper. No en vano, Sicre es un gran admirador del genial pintor americano (como ya nos demostró en el 97 con su viaje- proyecto “Cape Cod - Cabo de Palos : tras las huellas de Hopper”, junto con su amigo y colega Angel Charris).

En definitiva, “Escenografías sin escena” es sin duda una muestra del más puro Sicre. Aunque si bien atendiendo al título y a la reseña de la exposición, donde reza: “interiores vacíos donde se produce un espectáculo”. Uno, a priori, piensa en una exposición genuina, inédita, donde Sicre nos muestre esos maravillosos espacios llenos de enigmas que tanto nos hacen gozar, pero esta vez llevados a las salas de espectáculos. Sin embargo, lamentablemente, cuando uno recorre la exposición en busca de estos espacios de espectáculos, solo se topa con cinco o seis obras (la mayoría de pequeño formato) que si pudieran cumplir con la propuesta curatorial.

El resto son obras ya conocidas, no realizadas para la ocasión, y donde Sicre nos muestra de nuevo sus famosos interiores de salones o habitaciones de hotel. Algo que para los que acudíamos con la expectativa de un encuentro con enigmáticas salas de espectáculo, nos hace temblar un poco el corpus de la muestra.

Todo esto no quita para ensalzar, proclamar a viva voz y celebrar con entusiasmo esta nueva oportunidad de poder volver a saborear la magnífica obra de Gonzalo Sicre, que sin duda es uno de los más interesante y reconocidos pintores figurativos del panorama actual. ¡No se la pierdan, por favor!

“Escenografías sin escena” se puede visitar hasta el 17 de diciembre de lunes a viernes de 9h a 20h Centro Párraga, Espacio .

El pasado viernes se inauguró en Vergel, una tienda de ropa con vocación de galería, la primera exposición de Andrés Sierra, un polifacético artista madrileño y arquitecto de formación. “Elegí Arquitectura por presiones familiares, porque era lo más parecido a Bellas Artes que pude encontrar”, comenta el artista el día de su inaguración.

Sierra compagina sus trabajos de arquitectura -“es en parte lo que me da de comer”- con sus magistrales dotes artística, principalmente en el terreno de la ilustración y como director creativo de su propia firma de moda HOSOI.

Vergel Espacio es un nuevo concepto de tienda situada en el barrio del Carmen de Murcia donde se maridan con exquisito gusto moda, complementos, artesanía y objetos de arte en su máxima expresión. Una iniciativa personal de Alberto Sánchez, gerente del local, que ha conseguido abrir un pequeño espacio al panorama cultural murciano dando luz tanto a artistas locales como foráneos, como es el caso del propio Andrés Sierra. “Es la primera vez que vengo a Murcia. Alberto contactó conmigo y me convenció para montar esta exposición”, señala Sierra.

Cada mes el espacio actúa como pequeña galería expositiva y entre los artistas que han expuesto en sus paredes se encuentran Fran Munyoz, Espinaca Explosiva, El Dibujo, Rubén Espín y Electric Collage.

Andrés Sierra se presenta en Murcia con una serie realizada para la ocasión titulada: “Pan, pijo y habas”. “El título me lo sugirió Alberto, y sinceramente hoy todavía no sé muy bien que significa, pero me pareció muy interesante”. “Pan, pijo y habas” es una expresión muy de la huerta, utilizada para contestar sarcásticamente a la pregunta diaria de qué hay para comer, algo así como `No preguntes tanto y come´. Y eso es lo que nos parece decir Andrés Sierra con sus ilustraciones: ¡No preguntes tanto y mira! “En mis ilustraciones no hay que mirar más allá. Son lo que son”, añade Sierra.

La serie de ilustraciones gira en torno a una de las obsesiones y constantes en la obra de Andrés Sierra: el desnudo masculino, el sexo y las relaciones homosexuales. Y de nuevo, sin sorprendernos, pero tampoco sin defraudarnos, nos muestra una docena de ilustraciones potentes, cargadas de fuerza, pero a la vez delicadas, limpias, silentes, de trazo seguro y cerrado, toda una marca de autor.

Y de nuevo en blanco y negro; sin color, pero tampoco lo necesitan. Son ilustraciones monocromas, blancas, trasparentes, pero con una calidez y unas florituras en las que el color no sólo es prescindible, sino que se intuye y se imagina. “Es extraño, porque de pequeño siempre pintaba con color, pero ahora no me sale… debe ser porque soy un poco daltónico”, dice Andrés entre risas.

En definitiva, una estupenda oportunidad de degustar y adquirir a un módico precio las ilustraciones originales de este artista muy a tener en cuenta. Esperemos que esto sea el inicio de una hermosa amistad con nuestra ciudad y también se puedan disfrutar sus famosos volcanes, sus islas, sus hombres barbudos, sus placas tectónicas, sus vírgenes, sus edificios en llamas o sus genuinos retratos. “Es curioso, pero a pesar de todo lo que he hecho, todavía me siguen preguntando por mi retrato de Manuela Carmena”, apunta el artista madrileño.

La exposición puede visitarse hasta el 30 de Noviembre de 10h a 14h y de 17h a 20:30h en Vergel Espacio.

El entonces alcalde de la localidad y actual presidente de la Región de Murcia, Pedro Antonio Sánchez, está siendo investigado por indicios de delitos de malversación, fraude y falsedad documental en el `caso Auditorio´

El entonces alcalde de la localidad y actual presidente de la Región de Murcia, Pedro Antonio Sánchez, está siendo investigado por indicios de delitos de malversación, fraude y falsedad documental en el `caso Auditorio´.

Lo que iba a ser un complejo cultural de 10.000m2 con una inversión de seis millones de € procedente de la comunidad en la localidad murciana de Puerto Lumbreras se recepcionó en 2011 con tan solo el 60% de la obra terminado.

El auto de la jueza de Lorca Consuelo Andreo, que ha remitido la investigación al Tribunal Superior de Justicia de Murcia (TSJM) al estar Sánchez aforado, señala que no hubo control o justificación alguna de los gastos de la obra, ni se acreditó que los fondos recibidos fueran empleados en su totalidad en el proyecto.

El concierto en el Teatro Romea, como presentó la propia Martirio, estaba pensado “para reír y llorar”. Un concierto, como dijo, con su gracia y su deje de Huelva: “directo al corazón”, dedicado para “los que se están separando, para los que están a punto de arreglarlo, para los que estén deprimíos, para las que estén jartas, pa tos…, y pa los que estén enamoraos, por supuesto”. Y sí, no se equivocó. Yo, al igual que todo el público que abarrotaba el teatro, reímos y lloramos, y, sobre todo, pasamos un ratico muy bueno en compañía de La Martirio.

En esta ocasión Martirio se presentó en Murcia arropada por un trío de músicos de corte puramente jazzístico formado por un batería, Guillermo McGuill, habitual en las formaciones Chano Domínguez, y que entre otros ha colaborado con Chick Corea o con el añorado Paco de Lucía; al contrabajo estaba Negrón, un gran bajista (no sólo en estatura) y habitual en formaciones de boleros cubanos; y al piano, el gran Jesús Lavilla, un fijo en las formaciones de Martirio que por momentos nos hizo recordar al Chano Domínguez que tanto influenció en la carrera y en la discografía de Martirio.

Sólo tres músicos, ¡pero que músicos!, que arroparon y llenaron el escenario con un extraordinario despliegue de armonías y virtuosismo. Aunque si he de ser sincero, personalmente eché de menos la majestuosa guitarra de Raúl Fernández, el hijo de Martirio, que habitualmente la acompaña y que posiblemente hubiera roto en algún pasaje del concierto el marcado toque jazzístico de la velada, aportando esa pizquita más de “jaleo” que tan bien casa con el repertorio de Martirio.

Tras una breve presentación instrumental de los músicos, apareció Martirio, cómo no, luciendo una peineta (en esta ocasión bastante recatada y discreta, en comparación con los rompedores diseños a los que nos tenía acostumbrados en sus inicios) y sus gafas de sol oscuras que tanto la caracterizan.

Arrancó por todo lo alto con “Estoy mala” y “Madurito Interesante”, dos de sus temas icónicos de los ochenta con los que se metió al público en el bolsillo y no nos soltó hasta dos horas más tarde. Y es que fue desde la primera estrofa que todos los que estábamos allí presentes nos dimos cuenta que no se trataba de un concierto al uso. Martirio no sólo cantó, y muy bien, sino que también interpretó, teatralizó, bailó, e incluso se salió con algún que otro monólogo, al estilo del mejor club de la comedia, que nos hizo reír a carcajadas. Todo con una sencillez y una cercanía, como es ella, como son las grandes, que nos hizo sentir como si estuviéramos en el salón de su casa.

Pero si grande fue el comienzo, lo que vino después no estuvo a la zaga. Siguió con una espectacular versión de “Ojos Verdes”, con la que nos encogió el corazón, sobre todo cuando a mitad de canción se quitó cuidadosamente las gafas mostrándonos por primera vez su rostro limpio, un momento de desnudez que sobrecogió a todo el teatro.

También hubo momentos de homenaje y nostalgia para Carlos Cano con “María la Portuguesa”; y para Compay Segundo (de quien dijo con guasa: “ha sido el único hombre que con 90 años que me ha puesto”) con “Es mejor vivir asi”; o para la mujer que ella más ha admirado, la gran Chavela Vargas con temas como “Quisiera amarte menos” o “Si te contara”, esta última en una versión escalofriante acompañada únicamente de una forma magistral por el contrabajo del Negrón, al que precedió una introducción desternillante, estilo monólogo, para ponernos en situación. Sin duda, uno de los momentos mágicos del concierto.

Otros de los momentos cumbre fue la divertidísima interpretación de “Mi marido”, donde sin duda la teatralización de la letra superó con creces a la voz y la música, que ya es difícil, e hizo llenar el graderío de carcajadas. Tampoco podemos olvidar todas las demás, como o su popular versión del tango “Volver” o “Tatuaje”, o incluso una versión de “Noche de bodas” de Joaquín Sabina, etc, etc.

Y para finalizar el concierto se dejó una de las perlas más preciadas; una surrealista versión en spanglish con swing de jazz de “La bien paga”, (“Pay so well”), todo un derroche de poderío e ingenio que acabó por poner en pie al público en un apoteósico aplauso.

Todavía con los aplausos en el graderío se arrancó antes de abandonar el escenario con su versión de los clásicos tanguillos del barbero o “Compuesta y sin novio”, interpretada en clave ragtime por la banda, que fue rabiosamente aplaudida por el público antes de despedirla.

Pero afortunadamente no todo acabó ahí, volvieron a salir al escenario y nos regalaron un bis que no podía faltar: las famosísimas “Sevillanas de los Bloques”, que hizo arrancarse al público con las palmas. Ya no se podía pedir más.

“Sed felices cariños míos”, dijo Martirio para despedirse. Sin duda que fuimos felices durante dos magnificas horas de concierto. Gracias Martirio. Por 30 años más.