Nos encontramos en un cruce de caminos, y nos adentramos en el Valle Dorado. Lo hacemos de la mano de Sergio García y Lola Moral. Allí conocemos a sus habitantes: un niño que quería un perro y al que le regalaron un gato; un perro que no se sabe comunicar; una niña fantasma atrapada en el mundo y un presidente que no es como los demás, porque en realidad es un cazamonstruos. La casa de cada uno de estos personajes es un libro, y los cuatro libros habitan en una caja, un cofre que contiene estos cuatro álbumes ilustrados que edita Astronave y que ha escrito Lewis Trondheim.

“Sus mentes, que habían coincidido en épocas anteriores, vuelven a reunirse y cuando ellos se juntan siempre sale algo interesante y bueno”, nos cuenta Lola Moral refiriéndose a Lewis y a Sergio. “Siguiendo la estrategia que Sergio siempre adopta para contar historias, entrelazarlas, historias dentro de historias, pues surgió ”Cruce de Caminos en el Valle Dorado“, que es este libro tan bonito”.

“Siempre que trabajamos con Lewis Trondheim, la verdad es que nuestra intención es hacer algo experimental, y nace después de una reunión que tuvimos en Toronto, que es donde se parió esto. Se trata de una caja, básicamente, que es lo que va a encontrar el lector, que contiene cuatro libritos, y que en realidad son como cuatro visiones del mismo mundo. De hecho, la gracia está en que la portada de los cuatro libros coincide y conforman otra portada, la portada del propio libro”, comenta Sergio García.

“Para diferenciar cada una de las historias, cada una está tratada con una técnica distinta, tanto a nivel de dibujo como de color, sobre todo el color. Hay una que está hecha con un color tradicional, otra con bicromía, otra está tratada con tramas de puntos, tramas industriales, y otra con aguadas, básicamente. Y bueno, son, como digo, cuatro historias que están protagonizadas por cuatro personajes, pero que en realidad conforman un mismo universo y a su vez cada uno de los cuatro libros tiene un estilo y una temática diferente y un ritmo narrativo diferente”.

“Es una cosa así como muy poliédrica, pero muy sencilla de leer. Siempre que Lewis hace un guión, son guiones muy sencillos, muy divertidos, hilarantes, irónicos, cínicos y geniales”, sentencia Sergio.

“En realidad es un cofre, es como un tesoro que se mete dentro de un cofrecito y son cuatro historias, cuatro historias que son independientes, que se entrelazan y están contadas de una forma muy divertida y con un humor muy inteligente, dirigido a niños muy listos, a padres muy entregados”, asegura Lola Moral. “Digamos que es un producto muy especial, que se reúne dentro de un formato muy especial, con cuatro tipos de color diferentes, con cuatro estilos gráficos diferentes para cada historia, y aunque tú puedas coger un libro y leerlo de forma independiente, si los unes, hay una historia que recorre los cuatro libros y lo hace súper divertido y entretenido”.

“Un presidente distinto a los demás”, “Una vida perruna”, “La niña fantasma” y “El niño que no quería un gato” son los cuatro títulos que encontramos dentro de “Cruce de caminos en el Valle Dorado”. Para Sergio “son puntos de vista muy distintos. Uno de los temas que son como tabú es de la muerte, por ejemplo. Es como que no se puede matar a nadie en un cómic de niños y menos a la protagonista. Bueno, pues muere, la protagonista muere y de hecho forma parte de una de las historias, el fantasma de la protagonista. Entonces, son ese tipo de rupturas que tanto le gusta hacer a Lewis, porque la verdad es que el concepto narrativo es de él, naturalmente, como no podría ser de otra manera, es eso lo que realmente impacta”.

“O, por ejemplo, el librito del presidente a mí me gusta especialmente. Es como encontrarte de golpe un homenaje al cine de serie B. Creo que había una película por ahí que se llamaba ”Abraham Lincoln: cazador de vampiros“ o algo así, pues es algo parecido a eso. Aquí hay un presidente de Francia que enseguida te das cuenta de que está dotado de una serie de poderes, y va matando bichos por doquier. Son cosas que chocan muchísimo cuando lo lees, pero luego tiene todo una gran coherencia narrativa -asegura Sergio-. Yo creo que esa es la fuerza del libro. Queríamos que cada uno tuviera una identidad propia, que lo identificara con el personaje al que representa, con el niño, con el perro, con la niña fantasma, con el presidente, que son muy particulares, y de esa forma que se distinguieran de forma independiente, pero que al mismo tiempo tuvieran un nexo de unión entre ellos”.

“Uno de los libros se inspira en las tiras de The New Yorker, en blanco y negro; otro con tramas, otro con color tradicional... y creo que entre todos ellos forman un conjunto maravilloso, porque expresan lo que quieren, mandan un mensaje sobre cada personaje y al mismo tiempo forman un conjunto espléndido”, afirma Sergio. “Está todo hecho con el Procreate. Lo que pasa es que el dibujo va oscilando un poquito como concepción gráfica. Por ejemplo, el capítulo de la niña fantasma, conceptualmente responde, eso se me ocurrió a mí, a los chistes de The New Yorker, que tienen esa especie de imagen en blanco y negro, que es muy icónica, con un pequeño texto en la parte inferior. En lo relativo a narración, todo el libro tiene ese concepto. Entonces, es el libro el más espiritual de los cuatro y se prestaba mucho a trabajar con ese tipo de estética. Por ejemplo, la historia del perro está hecha toda con tramas industriales y eso le da un aspecto muy dinámico, muy vivo. Quedó muy fresca y muy espontánea, es probablemente la que más me gusta de las cuatro. Es que todas me gustan, cada una tiene su punto y la del Presidente es que es muy divertida. La verdad es que me lo pasé pipa destrozando monstruos, y no importaba que hubiera sangre, porque esa parte es bicromática y ahí se trabaja con una falsa bicromía, en cierto modo, o tricromía, y la gracia que tiene es que, claro, la sangre igual es naranja, es azul y entonces es muy divertido, tiene un punto muy simpático”.

La editorial almeriense Libre Albedrío cumple 10 años en el mundo de la edición del álbum ilustrado en nuestro país. Se trata de una pequeña editorial independiente e “intrépida” -como se califican- de libros ilustrados, algunos para la infancia y la mayoría para todos los públicos.

Está especializada en libro álbum “porque el arte forma parte de nuestra vida y la relación entre palabras e ilustración hacen de la comunicación un viaje fascinante, que desafía nuestra inteligencia, despierta la creatividad e invoca nuestro espíritu crítico”, aseguran. Y como la curiosidad forma parte del ADN de la editorial, han incorporado a su catálogo el sello Libre Albedrío Cómics.

En los libros de Libre Albedrío los lectores y lectoras “se van a encontrar ilustraciones maravillosas, un montón de talento de los autores, autoras, ilustradores e ilustradoras con los que hemos trabajado y se van a encontrar un montón de historias fascinantes que mezclan la palabra y la ilustración para contarnos cosas maravillosas”, nos cuenta Gema Sirvent, editora de Libre Albedrío. “Han sido 10 años difíciles en general, ha sido difícil ir abriendo camino a una editorial pequeña que partía de cero, desde el sur, que tampoco es fácil por el tema de las comunicaciones, y ha sido difícil encontrar un hueco en el mercado, porque es un mercado muy saturado, se publican muchísimas obras. Cada semana se publican muchísimas obras en nuestro país, de muchísima calidad, tenemos una gran literatura infantil ilustrada en España, y ha sido difícil encontrar ese hueco, ese nicho de mercado para que también tengamos un lugar en el panorama nacional e internacional. Han sido 10 años duros y a la vez bonitos”.

 Pero junto “a esas dificultades, las satisfacciones también han ido llegando. Ha habido momentos espectaculares, la primera vez que ganamos, por ejemplo, la mención en la Feria de Bolonia con 'Dos caminos'. Yo la primera vez que fui a la Feria del Libro de Bolonia me quedé impactada -continúa Gema-, y me decía, yo quiero formar parte de esto. Y a los pocos años, de repente, que te den una mención en esa feria, que es un referente a nivel internacional del mundo del libro ilustrado, pues fue algo asombroso. Y el recoger el premio, además con una obra de Guridi, que le tenemos muchísimo cariño, que es también un creador de aquí, de la tierra, fue como un momento estelar. Todos los premios, la gente que he ido conociendo, los autores, ilustradores e ilustradoras a las que admiro, y con los y las que ha sido una maravilla trabajar. Yo creo que me quedo con eso, con el trabajo día a día, con los creadores que hemos hecho estas obras tan maravillosas, y la verdad es que me siento orgullosa”.

Internacionalización y Premios

Después de esa mención en la Feria de Bolonia por el libro ‘Dos caminos’, otros libros de la editorial han recibido mención en esta feria de referencia, como 'Cinematográfico' y ‘Más mayor’; también de carácter internacional son los Premios White Ravens, en los que han destacado títulos de Libre Albedrío como 'Una historia diferente', 'Gardinella y el gran viaje' y 'Loba'. Varios títulos han tenido el reconocimiento de la Fundación Cuatrogatos, y también del Banco del Libro.

Y otra de las recompensas es ver los títulos de la editorial publicados en otros idiomas, entre ellos, alemán, coreano, chino, japonés, holandés y macedonio. “La verdad es que es una emoción muy grande cuando ves tus títulos editados en otros idiomas, porque nacen desde lo pequeño, nacen desde lo íntimo, lo personal, los trabajamos de forma muy artesanal. Tú tienes siempre en mente el público al que te quieres dirigir, y cuando ves que traspasan esas fronteras, y que van mucho más allá de lo que tú te podías imaginar, es una sensación de orgullo”. “No es una sorpresa -afirma Gema Sirvent-, porque yo confío mucho en el talento de la gente con la que trabajo, pero sí de orgullo de pensar que gracias a haber ido a ferias internacionales, a todo el esfuerzo que hemos hecho por poner en valor estas obras y por darles relevancia más allá de nuestras fronteras, ese trabajo ha dado sus frutos y ha llegado a otros países”.

 “Es muy emocionante cuando te escriben y te dan las gracias lectores de lugares que no te podías imaginar, y es a la vez surrealista, porque no te puedes imaginar el que lleguen tan lejos. Es como un viaje que emprenden, es ese niño que has dejado marchar y que te da esas sorpresas de lo lejos ha llegado y lo orgullosa que estoy de ese libro, de esa obra”.

La editorial almeriense cumple 10, deja atrás la infancia y empieza a adentrarse en la adolescencia. “Es verdad, ahora hay que madurar un poco; lo primero ha sido todo sorpresa, todo nuevo, todo investigar también e ir probando cosas. Nos gusta mucho experimentar con el formato libro álbum, ver hasta dónde podemos llegar para contar las historias. Y ahora creo que nos toca pararnos un poquito, madurar y asentar nuestro catálogo. Estamos muy enfocados en la narración visual, tenemos una colección de cine, me gusta mucho mi colección de cine, es algo muy personal. Es una de las cosas que más me gusta del mundo aparte de los libros y de la ilustración, el cine y el mezclar estas dos artes me parece fascinante, y todavía quiero explorar mucho más por ese lado. Y seguir abriendo camino en el mundo internacional. La próxima parada es la Feria del Libro de Guadalajara (México). Este año vamos con stand propio, y poquito a poco queremos ir abriendo camino a nuestras obras en otros mercados”.

“Demonio de chico, ¿no acabaré por aprender nunca? ¡Con la de faenas que me ha hecho y aún no estoy prevenida!”. Así habla la tía Polly sobre Tom Sawyer en las primeras líneas del libro. Ese espíritu de Tom es el que ha buscado el ilustrador almeriense Antonio Lorente en su versión del clásico, que edita Edelvives. “En el personaje, a la hora de crearlo, quería mostrar un Tom guapo, que tuviese mucha belleza, un atractivo así de primeras, pero sobre todo muy libre. Muy macarra también, un punto muy macarrilla, pero con mucha dulzura. Porque así es Tom Sawyer. Tom es como un niño muy travieso, muy malo, pero luego se gana a su tía en cuanto le dice dos palabras. Entonces quería crear eso, como una belleza escondida, como un lobo con piel de corderito. Aparentemente un niño muy angelical, muy bueno, pero luego dentro lleva un aventurero y un macarrilla, como digo yo”.

La idea de traer a la actualidad esta historia surge de hacer los clásicos actuales, dejar a los nuevos lectores a estos personajes. “Yo no lo había leído, la novela -nos confiesa Antonio-. De joven no la leí. Entonces me la leí, y me encantó, que eso es muy importante, hacer algo que te encante. Me gustó muchísimo y así empezamos”. Para todo el proceso de documentación e investigación, lo primero que hizo el ilustrador almeriense fue recurrir al cine. “Vi la película antigua, la primera, en blanco y negro, un Tom Sawyer muy auténtico, la ambientación era muy buena. Cuando me leí el libro, que lo tenía muy fresco, vi esta película, la primera, que era muy muy fiel a la realidad, e intenté de ahí pillar un poco de ambientación, ropa, todo el tema de vestimenta, y luego leyendo muchísimo, documentándome”.

Después de Peter Pan, de Ana de las Tejas Verdes, “en este libro he intentado hacer algo completamente diferente al resto. Es un libro muy cinematográfico. De los más personales, si no el más personal que tengo hasta el momento; de hecho salimos mi padre, mi hermano y yo dentro de la novela. He querido darle un toque muy cinematográfico, como casi de película. Influencia de Tarantino y del cine western”.

Guiños personales

En este nuevo clásico de Lorente los retratos siguen siendo protagonistas, con esa mirada que se fija y cautiva al lector. “El retrato es mi fuerte, y yo sé que con el retrato se expresa muchísimo. Pero cada vez intento que el paisaje sea un personaje más dentro de la novela. Por eso el tipo de aves que salen, el tipo de vegetación, todo el tema del Misisipi, toda la vegetación que crece alrededor del río, está muy estudiado. Intento que el paisaje sea un personaje más dentro de la obra”.

Entre las ilustraciones del libro, para Antonio Lorente siempre hay una favorita. “La primera ilustración, que son las dos miradas enfrentadas de Tom Sawyer y el niño nuevo que aparece en el pueblo, esa me encantó. Cuando la llevé a color y vi ese cine western de 'te miro, me miras', las dos miradas enfrentadas, en una sola página; era algo que nunca había hecho. Esa me gusta muchísimo. Y luego el retrato de mi padre, mi hermano y yo, que como es tan personal, el poder ser actores dentro de la obra de Mark Twain…”.

En el libro, nos cuenta Antonio, encontraremos muchos guiños que espera que la gente termine localizando. De momento, nos cuenta que en este Tom Sawyer se ha colado Ana de las Tejas Verdes, así que, lectores, a buscar… 

En todo proceso se terminan aprendiendo cosas, y en este último trabajo de Lorente nos asegura que ha puesto mucho de sí mismo. “He aprendido sobre todo a sentarme, ser paciente; hay veces que las cosas no salen a la primera. He aprendido a no desesperar, en este libro me ha pasado eso. Es un libro muy completo, con muchísimas ilustraciones. He tenido tiempo, pero tiene tanto trabajo, que se acercaba la fecha y me agobiaba. He aprendido a sacar paciencia, yo diría, de Tom Sawyer”.

Antonio, de gira por varias provincias de Andalucía, ya trabaja en su nuevo álbum ilustrado que será... otro clásico.

La edición de 'Peter Pan' de Edelvives con ilustraciones de Antonio Lorente es de esos libros que, cuando los tienes entre las manos, acaricias. Es un placer ir pasando sus páginas e ir descubriendo las singulares y trabajadas ilustraciones del almeriense, que empleó un año completo en dar forma a este proyecto. En este libro, Lorente ilustra las dos historias de James M. Barrie, Peter Pan en los jardines de Kensington y Peter Pan y Wendy.

“Era una apuesta. Que me propusieran ilustrar Peter Pan... lo disfruté muchísimo y fue un trabajo muy fructífero. Descubrí una novela buenísima que no me había leído -confiesa-. Me encantó, la disfruté, y ni siquiera pensé en cómo ilustrarla. Ya en la segunda lectura empecé a llevarla a mi mundo, y a pensar cómo podía romper con la imagen clásica que tenemos de Peter”. Y Antonio lo ha hecho. “Quería acabar con los clichés, y eso era al mismo tiempo un reto y un riesgo. Decidí arriesgarme, y creo que mi Peter Pan es muy real, como un hippie, muy andrógino”.

Inspiración real

Lo primero que nos sorprendió al pasar sus páginas fue encontrarnos con una ilustración de Peter Pan sentado en la rama de un árbol, y enseguida se nos fueron los ojos a los pendientes que luce en su oreja. Es un Peter Pan moderno, podríamos decir, pero fiel al espíritu del personaje.

Nos cuenta que “el primer paso era romper con todo. Ni Wendy tenía que ser rubia y con el camisón azul, ni Peter como lo conocemos... Para los personajes, Peter y Wendy eran mis sobrinos, tienen la misma edad, y mi otra sobrina, con 14 años, que ya ha perdido esa inocencia..., así que tenía a los personajes en casa”. Campanilla fue uno de los personajes que más le costó. “Le di varias vueltas, porque había algo que no terminaba de encontrar... Y un día viajando en el metro, en una publicidad, encontré la inspiración”.

“Pintor de almas”

 Muy característico en el trabajo de Antonio Lorente es la mirada y la expresividad de sus personajes: “Siempre intento que mis personajes cuenten más a través de sus ojos. Una vez me dijeron ”eres un pintor de almas“, y me encantó eso. A veces no se habla de algunas cosas que sí se ven en el rostro de los personajes, aunque no aparezcan en el texto. Siempre hago mucho énfasis en el brillo de los ojos de mis personajes”. Este aspecto no deja indiferente a nadie, y seguro que cada lector encontrará en este libro esa mirada que le cautiva, que le atrapa, y ya no olvida. A mí me pasó con una de las chicas piel roja, Trigidia.

El ilustrador almeriense suele trabajar estos proyectos en digital, pero aún así no abandona otra de sus pasiones: ilustrar pensando en la exposición de sus trabajos en galerías. “Cuando trabajo con pinceles me gusta muchísimo. No pienso en nada y disfruto mucho. Es más laborioso, pero sé lo que tengo que hacer para que la gente lo disfrute de cerca, acercándose a la obra para ver los detalles, que es lo que hago yo cuando me acerco a un cuadro. En digital es más rápido, te permite otras posibilidades, descubres cosas además también con el error. Pero no me gusta despegarme de los pinceles”.

Su Peter Pan acaba de empezar a volar, y aún así ya le preguntamos por sus trabajos futuros. Está ya manos a la obra con nuevos proyectos, de los que no puede decir mucho. Lo que sí nos cuenta es que le encantaría hacer La historia interminable. “Al final lo haré. Pero hay muchos proyectos interesantes, a los que les podría dar un giro diferente. Me gusta mucho también El diario de Ana Frank”.

Cuatro horas intensas de dibujo, de ilustración, creando. Detrás de la actividad 'Creadores a Sueldo' que organiza erranT espacio cowork, un espacio de coworking en el centro de Granada, está el trabajo de ilustradoras e ilustradores que durante esas horas ponen su trabajo, su arte, a disposición de una buena causa. Ellos dibujan en directo y sus creaciones se pueden adquirir por el precio simbólico mínimo de 5 euros cada ilustración. Todo el dinero que se consigue recaudar es para una asociación u organización, en esta edición de 2019, para Granadown, la Asociación de Síndrome de Down de Granada.

“Para Granadown un evento solidario como el que se realizará el 4 de mayo supone que las personas con Síndrome de Down tengan más visibilidad en los eventos que se realizan en nuestra ciudad, en esta ocasión, para la Noche en Blanco, ayudando así a que se consiga una mayor inclusión en la sociedad”, señala Pilar López, presidenta de Granadown. “También valoramos mucho el aporte económico que se obtenga con esta actividad y que repercutirá totalmente en Granadown. Queremos agradecer a todos los implicados en este evento su solidaridad”.

Es la tercera edición de esta actividad, que tradicionalmente se viene celebrando coincidiendo con la Noche en Blanco de Granada (este año, el sábado 4 de mayo). 40, sí, 40 ilustradores e ilustradoras, en dos turnos, demostrando todo su talento ante los ojos de un público que disfruta viendo crear y que, además, tiene la oportunidad de llevarse un original al mismo tiempo que aporta un granito de arena a la Asociación Granadown.

“Creadores a sueldo es una gran oportunidad para conocer a los artistas de primera mano en un contexto solidario. La iniciativa ha hecho que artistas y el público se conozcan de forma más cercana gracias a un espacio multidisciplinar como es erranT, y así romper la barrera que muchas veces nos separa: las redes sociales”, indica Iru Expósito, una de las ilustradoras participantes. Chari Nogales es otra de las ilustradoras que repite participación. “Es una experiencia enriquecedora, tanto por el contacto con la gente que acude, como por conocer a nuevos ilustradores de Granada. El ambiente que se crea es increíble y yo, personalmente me lo paso genial siempre”.

Granada, epicentro ilustrador

“Se trata de una actividad que tiene un doble objetivo”, señala uno de los responsables de este espacio de coworking. “Por un lado tiene un fin social, el de echar una mano, modesta, a una asociación u organización. Este año es Granadown. Anteriormente fueron el Banco de Alimentos y AUPA, la Asociación de Madres y Padres de Niños Oncológicos de Granada. Y por otro, un fin cultural, el de dar a conocer el trabajo y el talento, enorme, de las ilustradoras y los ilustradores, la mayoría residentes en Granada”.

En la última edición de Creadores a Sueldo participaron también alrededor de 40 ilustradores, una muestra muy rica de técnicas y estilos, de la acuarela al lápiz de color, del cómic a la ilustración infantil... Se realizaron unas 350 ilustraciones y se recaudaron cerca de 2.000 euros. Pasaron por el espacio de coworking unas 500 personas en las cuatro horas que dura la actividad.

En la organización del evento están también implicada La Madriguera, una tienda ubicada en la calle Cruz del barrio granadino de La Magdalena, a pocos pasos de erranT, y en la que la ilustración es protagonista; y el blog de ilustración Un Periodista en el Bolsillo (premio al mejor blog de Cultura y Tendencias en España en 2012).

“Nos encanta formar parte de esta iniciativa -señalan Clara y Jesús, responsables de La Madriguera-. Cualquier actividad que se haga para ayudar a gente que lo necesita siempre es poca. Creadores a Sueldo es algo muy especial. El ambiente es único porque muy pocas veces tienes la oportunidad de ver a un dibujante en acción. Eso es lo que se respira, ya que ves a la gente que podría estar allí horas viendo cómo dibujan. Todo el mundo pone de su parte: los ilustradores que, desinteresadamente, no paran ni un segundo; Un Periodista en el Bolsillo y la gente de espacio erranT que se encargan de que todo salga bien; y los visitantes, que no dejan de ir de un lado a otro pidiendo más dibujos. Pasas un buen rato, colaboras, y puedes llegar a casa con una pequeña obra de arte”.

En esta edición participan: José A. Bautista (JAB), Laura Vanitas, Nouchine Motebassem, Chari Nogales, Enrique Bonet, Pedro Vigil, Antonio Uve, Miguel Ángel Lacal, Nanen García-Contreras, Javier Martín Caba, Gabriel Gómez, Paco Anguita, El Bute, Carol Jiménez, Sergio García, Lola Moral, Rocío Sánchez Alcaide, Joaquín López Cruces, Ana López Jiménez, Ana Campos, Francis Porcel, José Antonio Fiestas, Adribel, Ramón Gardón, Iru Expósito, María Fornieles, Nono Granero, Juanjo Megías, Olalla Ruiz, Manuel Vaca, Pepepampapa, Nicolás Castell, Rosa Olea, Rubén Garrido, Maribel Conejero, Miguel Garzía, Espe Campos, Jacob Portillo, Beatriz Martín, Elenoide Art, Marina Pérez, Ramón Carlos Válor y León Palomares.

La actividad se desarrolla entre las 18.30 y las 22.30 horas del sábado 4 de mayo, en erranT espacio cowork, en la calle Cruz de la capital granadina. Precisamente esta empresa ha obtenido recientemente un accésit de Responsabilidad Social Corporativa en los Premios AJE Granada 2019.

Para quien no lo conozca, el Centro José Guerrero se encuentra en pleno centro de Granada, en una estrecha calle que conecta culturas, conecta la Catedral y la Capilla Real con las aún más estrechas calles de la Alcaicería. Entre tanta historia, un edificio moderno, que ahora encierra muchas historias. En sus paredes, en sus salas, los dibujantes Max y Sergio García han desparramado sus trazos, sus líneas, sus personajes y su narración. Han dado vida, junto a Ana Merino y sus poemas, a la exposición 'Viñetas desbordadas', que se puede visitar hasta el 24 de marzo de 2019.

En el Centro hay una primera sala en la que podemos disfrutar de los trabajos previos de estos artistas, el camino que han recorrido hasta llegar aquí. En esa sala hacemos un corro, al que se suma también Paco Baena, comisario de la exposición. “Nos hemos entregado en cuerpo y alma”, asegura Max. “Lo que yo he hecho en particular es como un destilado de todo lo que vengo haciendo desde hace un montón de años. He estado muchos años dando pasos en muchas direcciones, y este es un paso más, más bien una zancada grande en mi dirección”. “Ha sido desarrollar todo lo que venía haciendo ya para el mercado americano, pero en un formato que nos ha permitido realmente desarrollarlo” continúa Sergio García. “En el periódico The New York Times) estamos constreñidos al formato de la página, pero aquí, de golpe, tener 36 metros lineales, da mucho morbo, y haces algo expandido. Aquí soy, igual que Max, yo mismo, pero a la enésima potencia”.

Ana Merino es la tercera parte de esta exposición. Ella hace una interpretación teórica y poética de este proyecto. “En mi caso es el disfrute de la oportunidad maravillosa de verles crear. Ver a dos grandes creadores enfrentarse al espacio del museo, y construir su universo desbordándose. Ha sido una experiencia maravillosa. Y luego sedimentar eso que he observado, tan magnífico, de la voz de los creadores, y transmitir pequeñas iluminaciones a través de poemas. Yo he sido esa espectadora silenciosa que luego ha evocado la maravilla de verles en ese proceso”.

“Lo que estábamos buscando era otra forma de entender el espacio, no era convertirlo en un espacio expositivo de cómics, de obra hecha, sino cómo interpretan ese nuevo espacio -comenta Ana-. Yo creo que el cómic tiene una textura maravillosa sobre las paredes, va encontrando nuevas historias”. Allá por 2016, Paco Baena ya andaba con esta idea en la cabeza: “Yo he sido lector de cómics desde niño, he mantenido la afición, y echaba en falta así como otras artes se habían apropiado del museo, o de los centros de arte contemporáneo, el mundo del cómic no. Y entonces sentía ese déficit y siempre he tenido esa idea”.

Max presenta 'La línea', un proyecto compuesto por tres historias, dos de ellas se desarrollan en las paredes del Centro. 'Vida de Ubrut, encargado de mantenimiento' es la primera historia. Ubrut es el responsable de mantener la línea, que parte de la planta baja y sube por las escaleras hasta la primera sala del museo, donde esta primera historia dialoga con la segunda: 'Vladimir & Estragón'. “He trabajado en la distancia, sí, pero la distancia de hoy en día no es la de antes. Estábamos comunicados por mail, y no te puedes ni imaginar la cantidad de correos que nos hemos estado cruzando para esto, es una cosa abrumadora. Este contacto permanente ha permitido que hubiera un toma y daca, que hubiera un diálogo muy fértil entre los cuatro, y ha permitido también hacer cosas como, por ejemplo, la conexión que hay en el momento en el que termina mi historia y empieza la de Sergio. Ha permitido que cada uno trabajara sabiendo lo que estaba haciendo el otro, lo cual convierte la lectura conjunta en un juego muy especial y muy complementario”.

La línea de Max sube el segundo tramo de escaleras del museo, y a la mitad, llega a una parada del metro de Nueva York, donde un músico está sentado. Es el primer personaje de las historias de Sergio García para esta exposición. Aquí arranca su narración multilineal, que discurre por la cotidianidad de sus seis protagonistas, dividida en doce paneles murales que se corresponden con las doce horas del día. Con el Libro del Amduat del Valle de los Reyes como referente, Sergio construye un plano de ciudad continuo del que surgen todas las tramas urbanas, a modo de mapa.

“Yo conocía el trabajo de Max. Me gustaba especialmente el Tríptico de los encantados, una obra suya que me dejó completamente 'flasheado', y entonces desde el principio sabíamos que iba a usar esa estrategia de la línea, que era una línea recorrida, era algo más teatral -comenta Sergio-. Entonces decidí yo también asumir ese discurso, que no tiene nada que ver, por ejemplo, con lo que hago para el mercado americano”.

“Hay un elenco de personajes aquí que están contando cosas, que nos están transmitiendo sensaciones, emociones, problemáticas, y de pronto el visitante se va a volver a casa con los bolsillos llenos de historias y va a estar paseando y va a ir descubriendo que se están comunicando los personajes a uno y otro lado de la sala”, señala Ana Merino.

El reto

Sergio García: “El mayor reto en mi caso ha sido trabajar con los formatos, porque yo lo he hecho todo en un formato, en el iPad. Claro, si tú lo haces todo en papel, lo puedes ir posicionando y te haces una idea de cómo va a ir quedando. Pero en realidad era todo un poco abstracto. Yo trabajaba sabiendo que cada formato tenía al menos dos metros ochenta, dos metros noventa, por un metro y medio, pero al final nunca sabes cómo va a quedar en sala. Incluso si luego va a encajar. Ha habido ajustes de última hora, porque las dimensiones son muy grandes para un dibujante de cómic. Los dos partimos de formatos que son A4, como mucho A3, y de pronto enfrentarnos a 36 metros, así de golpe, es raro”.

Max: “En mi caso la dificultad era pasar del 2D, que yo he practicado siempre, es decir, pasar del papel al espacio. Yo no quería pasar del papel a la pared, simplemente, sino del papel al espacio. Yo creo que ese era el reto, al volumen que hay. Y andaba perdido hasta que me di cuenta de que no hacía falta que fuera el dibujo, que podía ser el guión el que cruzara el espacio”.

Los primeros visitantes

Por supuesto los primeros visitantes de esta muestra fueron sus protagonistas. “Yo me he emocionado, porque de pronto les he visto aquí, les he reconocido”, asegura Ana Merino. “Hemos estado hablando de ellos, hemos estado viendo pequeños bocetos, pero la obra terminada está aquí. A mí me ha desbordado la emoción, estoy enamorada de toda la exposición. Es emoción, una profunda emoción”. Para Paco, “al ser una obra proyectada para esto, teníamos siempre la duda de si saldría. Y realmente la producción de todo ese universo que han estado creando, la traslación a la sala, ha sido perfecta”.

“Al verlo montado comprendes que sólo se puede ver ahí, en sala -toma la palabra Sergio-. Lo que te da pena ahora es que dentro de poco se quite. Se podrá hacer después alguna pequeña recreación, pero no es lo mismo. Hay que verlo en la sala. Y es eso, esa sensación envolvente, que entras y te encuentras rodeado de dibujos que te están contando cosas. Es como estar en un útero gráfico, es una cosa extrañísima, a mí no me había pasado nunca, la verdad, y me ha pasado con esta exposición”. “Nosotros estamos acostumbrados a trabajar en pequeños formatos, porque es para imprimir, en periódicos, revistas, libros... -relata ahora Max-. Entonces trabajamos a un formato ligeramente mayor, pero solo ligeramente mayor que el producto impreso. El miedo es, cuando agigantas una obra, que pierda sentido, que flojee, que haga aguas por todas partes, y entonces ese era mi miedo también. Curiosamente, mi primer pensamiento cuando lo vi fue: ¡qué barbaridad! Y es la misma palabra que se me ha ocurrido esta mañana visitando la Alhambra. Vamos de barbaridades...”. Todos ríen.

¿La primera vez?

“Yo he investigado y no he encontrado exactamente esto. Ha habido algunos pasos en esta dirección, se ha invitado a algunos dibujantes a que intervengan, por ejemplo, en la colección de un determinado museo. Pero son eso, comentarios, acentos, viñetas, siempre normalmente en función de... Esto de, de repente, dejarles el museo a ellos para que desplieguen ahí su mundo, a los dibujantes de cómic, yo no lo conozco”, nos comenta Paco Baena al preguntarle por la singularidad de esta exposición.

Entonces Sergio puntualiza: “Los egipcios ya lo hacían”. Y Ana responde: “Sí, pero marcados por una fe, aquí es la fe del artista, y eso es importante, que el artista sea el pequeño dios”. Y Max remata: “El dios es el lenguaje del cómic. Nosotros somos sus siervos”. Todos, volvemos a reír, antes de comprobar, en persona, todo lo que nos han contado que vamos a encontrar en las paredes del Centro José Guerrero, en Granada.

Echamos la vista atrás, al año 2015, en el que Paula Bonet publicaba el libro '813. Truffaut', con el objetivo de hacer un homenaje a la filmografía y a la figura del cineasta francés. Las ilustraciones de este libro se pueden ver en la muestra que acoge el Centro Cultural Gran Capitán en Granada, y que nos enseñan una etapa del trabajo de esta ilustradora.

Entramos con Paula a la sala de exposiciones, y nos colocamos junto a uno de los trabajos que se exponen en gran formato, apartados de las miradas de los personajes de Truffaut que dan vida a esta muestra. Nuestra conversación empieza mirando atrás, a esas ilustraciones de hace unos años, pero pronto volvemos al presente y repasamos sus últimos libros y, sobre todo, su visión actual de los caminos que está tomando su trabajo.

“Siempre da mucho miedo mirar hacia atrás. Y normalmente ya no te identificas con el tipo de imagen que trabajabas. En este caso, formalmente me veo lejos de este tipo de dibujo, que es un dibujo que hace ya mucho tiempo que no hago, pero sigo abrazándolo. Es un libro que para mí es muy importante; fue también el inicio de querer huir de ese preciosismo que podría cargarse el contenido, que podría ser un obstáculo para que el contenido de mis proyectos editoriales llegase al público. Fui muy consciente de la necesidad de que ninguna de las imágenes de este libro funcionase o pudiera funcionar de manera individual. Para mí '813. Truffaut', si tuviera que resumirlo en una sola imagen, sería incapaz de hacerlo. De hecho me costó muchísimo trabajar la portada del libro”.

“Este proyecto lo trabajé básicamente con grafito y acuarela. Trabajaba mucho la parte de grafito, de la búsqueda de volúmenes, la línea sensible, y la acuarela quedaba más en un lugar anecdótico. El libro tiene cuatro partes. Son dos bloques, pero visualmente son cuatro partes: una en blanco y negro, una en azul, una en rojos y una en amarillos, y el color simplemente tenía como objetivo identificarse con cada una de las películas que trataba cada una de las partes del libro. Entonces la parte cromática es muy sencilla”, nos cuenta Paula.

“A mí me interesa mucho el formato libro, porque me permite narrar con imagen y con palabra, y durante mucho tiempo he necesitado de las dos disciplinas para contar lo que quería contar. Pero ahora estoy en un momento en el que la palabra se está yendo hacia un lado, y la imagen hacia el otro. Y esto para mí es muy gratificante porque estoy volviendo a esos lugares en los que la imagen tenía autonomía absoluta, y esos lugares, para mí, personalmente, son la pintura al óleo y el grabado. El grabado al agua fuerte, la algrafía, que es una técnica que estoy ahora mismo trabajando y experimentando, y que me está dando muchísimo placer, porque básicamente se trabaja con manchas. Es una técnica que es muy parecida a la litografía pero se trabaja sobre planchas de aluminio, y en esas estoy”.

Nombrar el mundo en femenino

“Mi último proyecto editorial ya es un díptico, físicamente son dos libros, en uno se contiene la imagen y en el otro se encierra la escritura. Y ahora mismo estoy trabajando en dos exposiciones: una que trata la belleza en Baudelaire, y que se centrará también en la pintura al óleo y el grabado, y una que veremos en el año 2020, a finales, en Valencia, en La Nau, que sigue la línea de mi trabajo de los últimos dos años; este trabajo con un punto de vista más reivindicativo, porque yo creo que cualquier trabajo de cualquier autor que habita un contexto es hijo de ese contexto, y se vincula con él, pero en este caso sí que siento la necesidad de nombrar el mundo en femenino, y esta exposición va muy dirigida a ese lugar, hacia la necesidad de poner imagen en las exposiciones y poner palabra en los proyectos editoriales sobre lo femenino, que también es universal, igual que lo masculino, que también es sujeto, igual que el sujeto masculino”.

Ese último proyecto editorial al que se refiere Paula Bonet es 'Roedores. Cuerpo de embarazada sin embrión' y en él tiene mucho peso lo que nos cuenta sobre poner palabra a lo femenino. “Roedores es un libro que surge después de 'La sed'. 'La sed' es un libro que surge en el momento en el que publico 'The End' y '813', y en el que me doy cuenta de que esta igualdad de género que se me había prometido desde pequeña era mentira, y que vivimos un contexto que todavía está hecho a vuestra medida, a la medida del hombre, y que todavía las mujeres tenemos muchísimos obstáculos”, nos dice Paula en un rinconcito de la muestra que se puede visitar en Granada. “La sed para mí es el despertar, el ostión, el necesitar buscar referentes femeninos, el saber que existen, el indignarte y dolerte porque ves que, a pesar de que han existido, y que en su contexto fueron valorados, fueron premiados, mujeres, escritoras, pintoras, que vivieron de su trabajo artístico, cosa que es muy difícil, y por tanto siendo mujer todavía más, y que lamentablemente no han llegado a nosotras. Es como si las mujeres estuviéramos todo el tiempo partiendo desde el mismo lugar, porque la historia nos borra”.

“Entonces 'La sed' yo la veo como si fuera la parte teórica, y 'Roedores' es la puesta en práctica de todo lo aprendido durante esos años -continúa explicando Paula-, desde que publico 'Qué hacer cuando en la pantalla aparece The End', y se me derrumban todas las construcciones que pensaba que eran estables y reales. 'Roedores' parte de una experiencia personal. No por ello es un libro en el que yo palpite todo el tiempo y sea protagonista; es un libro que intenta justamente que el yo desaparezca y nombrar al máximo número de mujeres posibles. Es un libro que surge en el momento en el que yo sufro un segundo aborto espontáneo, seguido, en un año aproximadamente, y me doy cuenta de que cuando me sucedió por primera vez, formé parte de ese silencio colectivo, de no querer nombrar una realidad tan habitual como es el de las pérdidas gestacionales.

Romper el silencio

Me di cuenta la segunda vez básicamente porque vi que tenía herramientas para gestionarlo, y esas herramientas las tenía por haberlo vivido una primera vez, y por tanto por haber tenido la experiencia. Y entonces caí en que todos estos años yo estaba defendiendo el trabajo de mujeres como Anne Sexton por el hecho de nombrar lo femenino, de poner tabús sobre la mesa, y me dí cuenta de que yo había tenido la posibilidad de poner ese tabú sobre la mesa y no lo había hecho. Y que entonces estaba siendo partícipe de ese silencio y, por otro lado, muy incoherente con mi discurso. Por eso la segunda vez que lo experimenté, que lo sufrí, que me sucedió, sentí esa necesidad urgente de comunicarlo, de ponerlo sobre la mesa“.

Y 'Roedores' es simplemente eso, “un libro muy pequeño, es un libro díptico, que por una parte tiene un acordeón, un animalario ilustrado, que es un libro que yo pensaba mientras lo hacía que era un libro infantil, que le estaba pintando a mi hija, y que ahora en la distancia veo que para nada es un libro infantil, que es un libro de una gama cromática muy apagada, es un libro con unos trazos muy agresivos, y finalmente lo que es es un autorretrato inconsciente de una mujer que está aterrorizada, que acaba de sufrir una pérdida gestacional, que está embarazada y que tiene todo el miedo del mundo a que vuelva a suceder lo mismo. La segunda parte de 'Roedores. Cuerpo de embarazada sin embrión' es un destilado de los diarios que estuve escribiendo desde antes del primer embarazo”.

Nuevo libro

Y, este año 2019 verá la luz un nuevo proyecto editorial, del que hasta ahora se sabía poquito. “Estábamos siendo muy prudentes, no estábamos mostrando imágenes, porque es un proyecto que es importante, se trata de 'El año del pensamiento mágico' de Joan Didion en su versión ilustrada. El viernes pasado (11 de enero) falleció mi editor, Claudio, y bueno, el jueves cerramos el libro -nos confiesa Paula Bonet-. El jueves ya lo dejamos preparado y el viernes Claudio ya desapareció. Han sido unos días dolorosos y caóticos. Y todo lo que habíamos estado protegiendo... acabamos publicando dos de las imágenes, porque justamente es un libro que habla del duelo, ¿no? Es un libro que parte de un duelo muy doloroso de Joan Didion, que es el duelo por la muerte de su marido, que muere de manera inmediata, por un derrame cerebral, que es lo mismo que le sucedió a Claudio. Este es el libro que publicaremos en mayo, me hace muchísima ilusión, ya me hacía muchísima ilusión haber podido trabajar en él porque admiro muchísimo a Didion y porque admiro mucho a Claudio, y para mí era un regalo gigante poder trabajar con esta mujer y al lado de este gran editor. Así que es un libro que contiene dibujos, que contiene grabados, que contiene pinturas, y que espero que no decepcione a mucha gente”.

De momento, y mientras esperamos a este nuevo libro de Paula Bonet, podemos disfrutar en Granada de su exposición sobre '813. Truffaut', que se puede visitar hasta el 10 de febrero en el Centro Cultural Gran Capitán del Ayuntamiento de Granada, y organizada por Alliance Française de Granada y Contemporánea Art.

'Presentes' es la historia de un amor que paraliza, amordaza y destruye ante un mundo espectador que lo contempla, un mundo que mira a otro lado y calla. Cuenta una historia demasiado vigente en nuestra realidad. Trata de “Él” y de “Ella”. “Él”, que primero ruega, luego pide, después exige y, al final, ordena. “Ella”, que lo ama más que a ella misma, le deja hacer hasta que ya no es “Ella”, hasta que “Ella” ya no es. La editorial Avenauta está detrás de este álbum ilustrado, cuyos autores son Margarita del Mazo y Miguel Cerro. Una historia que se empezó a fraguar hace bastante tiempo.

“Escribí este texto hace casi diez años y lo hice por la impotencia de no poder hacer mucho más para detener este horror que es la violencia de género”, nos cuenta Margarita del Mazo. “Quería contar esta historia en un álbum ilustrado porque tengo fe ciega en el poder que tiene la imagen cuando dialoga con el texto, y creo que es el mejor medio para llegar al público lector, incluso al que no es tan lector, como puede ser el caso de los adolescentes. No les ocurre a todos, pero en ese período de la vida, a veces, nos alejamos de la lectura aunque luego acabamos regresando a ella. Es muy importante que este libro llegue a ese público. Tenemos que partir de abajo, de nuestros niños y niñas, de nuestros jóvenes, para conseguir que, en el futuro, sean adultos empáticos y asertivos”.

“Cuando escribí 'Presentes' -continúa Margarita-, quería que ilustrase una mujer. Nadie mejor que una mujer para ponerse en el pellejo de otra mujer. Pero cambié de idea. Los hombres deben estar con nosotras y a nuestro lado en este tema. Creo que acerté de lleno cuando se la mandé a Miguel Cerro. Esta lacra nos afecta a todos. Para acabar con ella tenemos que educar en la igualdad, la empatía y el respeto al otro, sin olvidar lo más importante, el amor a uno mismo”.

Sutileza

“La historia de Margarita es una maravilla”, afirma el ilustrador Miguel Cerro. “Todavía le digo que el suyo sí que fue un regalo. Es muy triste tener que decir que este tipo de libros son necesarios, pero bueno, si hace falta educar y demostrar que el maltrato no está bien y que hay que erradicarlo desde las bases, desde la educación, ahí estaremos. Cuando te llegan a las manos textos de esa calidad no puedes decir que no, hay muy pocas palabras, pero dicen tanto... no falta ni sobra nada, creo que entre Margarita, los editores y yo hemos hecho un buen equipo y ha quedado un libro redondo”.

En las páginas de este álbum encontramos la historia de una mujer, como muchas, que se fía y confía en aquél al que ama. “Que se entrega en cuerpo y alma porque cuando amamos todos somos generosos, pero yo diría que las mujeres lo somos en exceso -asegura Margarita-. Él, poco a poco, va cambiándola, la transforma hasta convertirla en algo que no es, hasta que nadie la reconoce, ni tan siquiera ella misma. Él comienza rogando y pidiendo para acabar ordenando. Ella creyó en él desde el principio. Resulta imposible imaginar que alguien que te ama te quiera hacer daño. Si amas, cuidas, admiras, veneras, comprendes, apoyas y aceptas al otro como es. Lo contrario no es amor”.

“La idea siempre fue hacerlo todo desde la sutileza y con el contraste de que fuera la historia triste que es, pero desde la belleza. Hablar de la violencia de género nunca es agradable y menos aún en un libro para jóvenes. Siempre se tuvo en mente hacer algo sutil y huir de lo fácil: sangre, violencia... obligarle a una mujer a vestirse de determinada manera y decirle qué se puede y qué no se puede poner, lo podemos considerar violencia de género o maltrato psicológico y de alguna manera reflejamos todo esto pero a nuestra manera de contarlo, como una obra de teatro y todo muy sutil -relata Miguel-. Hemos querido hacer un libro para pararse a leerlo y ver las ilustraciones, que no haya prisa en acabarlo, que se fijen bien en los detalles”.

“He visto desparecer grandes mujeres”

“He visto desaparecer grandes mujeres como desaparece la protagonista de esta historia. Mujeres maravillosas a las que han ido cambiando, manipulando, amedrentando y anulando poco a poco. Mujeres grandes que acabaron sintiéndose diminutas -afirma Margarita del Mazo-. Mujeres que volaron libres y, de apoco, se dejaron convertir en inmóviles estatuas. Mujeres antes vivas que, ahora, están en esta vida sin vivirse. Mujeres que estuvieron llenas de palabras y risas que enmudecieron. Mujeres soñadoras cuyos sueños que se rompieron con las frases, gestos y hechos de uno o varios cobardes. Mujeres que mueren cada día y no solo físicamente. Mujeres que olvidan su vida para vivir la vida de otros y por otros. Quiero gritar y contar todo esto hasta que no haya necesidad de volver a gritarlo ni a contarlo”.

“Quería hablar del maltrato. Pero más que del maltrato físico, del psicológico. Ese que no se ve, el que no deja heridas visibles. Ese me da mucho miedo porque nadie ve lo que está ocurriendo y cuando lo vemos, a veces, ya es demasiado tarde. Y quería hablar de este tipo de maltrato porque hay un porcentaje demasiado alto de mujeres en el mundo que lo sufren. Y me indigna que este tipo de violencia machista aún se vea arropado por la sociedad. Me aterra pensar que podamos acabar normalizando este horror. Sé que no es un libro fácil porque no cuenta una historia fácil. Busca tocar al lector, busca que siga pensando en la historia después de la historia, que sienta lo que ”Ella“ siente aunque el texto apenas la mencione. Busca que, después de leerlo, nadie guarde silencio ante cualquier tipo de maltrato. Es necesario que hablemos de ello porque aquello que no se habla parece que no esté sucediendo y no es así”.

“Miguel Cerro es un gigante”, afirma tajante Margarita. “Se enamoró inmediatamente de la historia tanto como yo de su trabajo. El tema le sedujo desde el principio. Es una gran persona. Trabajó con rapidez y profesionalidad y todas sus aportaciones, que fueron muchas, embellecieron el proyecto. Escribí la historia pensando en pájaros pero él enseguida la vio con seres humanos. Trabajar con Miguel ha sido muy fácil. Hemos hablado mucho y eso siempre lo agradece el álbum. Me enamoró con cada una de las imágenes que iba creando. 'Presentes' es un álbum bellísimo y lleno de detalles. Nadie lo hubiera hecho mejor”.

Álbum ilustrado para jóvenes

“La principal diferencia es que la gran mayoría de libros o proyectos que tengo publicados son para infantil y este libro es para juvenil-adulto, hay muchas cosas en el lenguaje de la ilustración que se tienen que cambiar, soy muy feliz haciendo infantil, pero este tipo de retos me encantan por su dificultad y lo delicado e importante del tema”, nos cuenta Miguel. “Las expresiones de los protagonistas o la proporción de sus cuerpos son menos exageradas, la paleta de color cambia y se adapta a lo que estamos contando en cada momento como un recurso más de la comunicación y la expresión. Todo esto, sin perder la personalidad ni el estilo que llevo ofreciendo todo este tiempo”.

Y es que los personajes de Miguel son singulares, son de Miguel, y una de esas singularidades nos lleva a fijarnos en los ojos de los personajes y su disposición en el rostro... “Bueno... es un poco seña de identidad en mi trabajo y es con lo que me he dado a conocer, aunque es cierto que no a todo el mundo le gusta, hay editores que me han dicho que si no lo quito, no me dan el trabajo y otros que como lo quite, me quitan el trabajo. A mí me gusta y prefiero que estén los ojos así, al igual que a veces fuerzo y deformo las perspectivas de objetos o cosas. Desde la editorial no hubo ningún problema en que esto fuera así y por esto se mantuvo, me dejaron trabajar libremente.

“¿Por qué los pongo así? Pues la verdad es que hace años, buscando un estilo personal y diferenciador, me dio por ponerlos así, soy fan de la obra de Picasso y quise coger este recurso, aunque no he inventado nada, no es tan habitual y llama la atención, sobre todo a los más pequeños que se preguntan ”si en ese lado de la cara tiene los dos ojos, ¿qué hay en el otro lado de la cara?“. Luego mi trabajo fue evolucionando y este detalle ya no era tan destacable como otros, pero si me dejan, lo sigo usando, es como una firma”.

¿Qué se entiende por ser una mujer elegante? Una mujer distinguida, dotada de gracia, culta, discreta y con estilo. Pero existen otros tipos de elegancia, y no solo aquellos establecidos por los convencionalismos sociales. Para la ilustradora Sol Díaz, “una mujer elegante es dueña y soberana de su cuerpo”; “una mujer elegante cubre sus temores con pelo”; “una mujer elegante dialoga con su parte oscura para iluminarse”.

En estas viñetas repletas de humor, sarcasmo e ironía, la autora chilena Sol Díaz despliega muchas respuestas a esta pregunta, reflejando diversos tipos de mujer elegante: salvaje, libre, insegura o de paso firma. “Ese otro tipo de elegancia es ese misterio que llevamos todos dentro, donde nunca somos tan libres, ni tan conservadores, elaboramos discursos hacia afuera, pero guardamos pequeñas encrucijadas por dentro. Busco entrar en ese lugar de sentimientos prohibidos, vergüenzas, historias que no contamos, secretos, recuerdos, deseos, que se mezclan con peinados de peluquería, uñas perfectamente pintadas, cuerpos castos e impolutos”, nos cuenta Sol. “Me gusta jugar con las contradicciones que veo en mí y en todas las mujeres. Me interesa encontrar a esa mujer real y libre que vive en ese interior oscuro de cada intento de perfección que tanto construimos para caer bien, agradar y aparentar”.

Cuando le preguntamos a Sol por qué tipo de mujer elegante se considera ella, entre risas nos dice que “La peor. Creo que soy una mujer elegante muy contradictoria: a veces me creo muy libre y valiente y al rato me visitan unas voces con ideas de señora, con miedos y vergüenzas... Pero no me complico, juego con esa contradicción, me causa curiosidad, me gusta saber que hay varias partes de mí, muchas que aún ni conozco”.

Estas mujeres elegantes de Sol Díaz empezaron a aparecer en uno de sus cuadernos, en “una croquera muy elegante, pequeña y con papeles fabrianos texturados, ¡muy elegante! (risas), que me regaló una amiga. La miré y me dije ”tengo que hacer puros dibujos elegantes en ella“. Y así empecé a jugar con un lápiz muy delgado y comenzaron a aparecer estas mujeres de peinados elevados, cuellos largos, tacones y secretos. Este libro son todos dibujos sacados directamente de esa croquera, sin edición. Quise siempre mantener ese primer impulso de las primeras rayas, sin pretensiones”.

Avenauta: ilustración arriesgada

Detrás de la edición española de '¿Cómo ser una mujer elegante?' está Avenauta, una nueva editorial nacida en Sevilla, de la mano de Bárbara y Guillermo, que ya tienen una trayectoria con el álbum ilustrado infantil con Tres Tigres Tristes. “Desde que empezamos en este mundillo de la ilustración y sus creadores, hemos visto pasar ante nuestro ojos proyectos de libros ilustrados orientados a un lector experimentado, con cierto bagaje visual, y no queríamos dejar escapar la oportunidad de publicarlos. El objetivo sigue siendo el de crear libros visualmente bellos, pero esta vez apostamos por temáticas y estilos gráficos más arriesgados, orientadas a un público adulto”.

Si la primera vida de estas mujeres elegantes fue en el cuaderno de Sol, la segunda fue en un blog. “Me gusta hacer blogs porque de alguna forma puedo ver mi trabajo más de lejos, veo las viñetas o los dibujos cómo se van desarrollando y eso me da una mejor idea de lo que busco en ellos. Por eso siempre que creo un personaje o una historia, generalmente la subo a un blog. Así también la comparto con la gente y la pueden ver más personas, entre ellos editores a los cuales les podría interesar”. Y del blog, al libro. “La idea del libro nuevo editado ahora en España por Avenauta no salió en una reunión física, sino en un email, donde me decían que habían visto mi trabajo y me invitaban a ser parte de este proyecto”.

Cansadas de aparentar

A través de las noticias Sol, desde Chile, está al tanto de los casos de violencia machista que siguen produciéndose en España, y también de las movilizaciones de mujeres desde el pasado 8 de marzo.

¿Cómo crees que ayuda a esa reivindicación tu trabajo? “Sí, he visto las noticias y me parece terrible por su puesto. Aquí en Chile vivimos situaciones muy parecidas y ya creo que en el mundo entero. Uf, hay que hacer tanto y nos falta mucho como sociedad.... Estamos en un proceso, muy poderoso, que ya se inició pero se viene un camino largo por delante. Yo creo que mi trabajo habla desde un lugar bien íntimo, desde un sentir, desde las emociones, preguntas y mundos internos que habito como mujer y desde ahí, inevitablemente, se reflejan las miradas de muchas mujeres, chilenas, argentinas, peruanas, españolas, mexicanas y me imagino que ¡muchas más! Vivimos todas los mismos miedos, inseguridades, buscamos las mismas libertades, las mismas verdades, estamos cansadas ya de aparentar, queremos ser. Creo que al hablar desde ese interior conectamos con una voz inconsciente y colectiva y desde ahí podemos abrir pequeñas ventanas donde más voces resuenen y eso ayude a reflexionar y tomar más conciencia, a darnos valor para plantarnos firmes en este camino que se nos viene”.

El humor es una de las herramientas de Sol para luchar contra los convencionalismos. “A mí me parece una herramienta fundamental. El humor tiene esa gran cualidad de mostrarnos una realidad muchas veces dolorosa de tal manera que nos llegamos a reír de lo incómodo que nos pone. El humor nos incomoda, produce quiebros; eso es siempre importante para generar cambios, para cuestionarse a uno mismo, para reflexionar acerca de lo que somos y lo que sentimos. Siempre pasa como algo muy ligero, tonto y simple pero es muy poderoso”.

A Sol le gusta mucho el lápiz, las líneas. “También las manchas del grafito y mucho la acuarela. Generalmente trabajo formatos pequeños. Mis ilustraciones creo que siempre buscan la simpleza, me gusta que se hable con poco, sin ruidos, sin pretensiones. Me gustan mucho los bocetos, el movimiento, el error. Creo que para hablar de forma honesta hay que dibujar sin querer lucirse, sin planificaciones. Siempre me ha interesado decir algo con el dibujo, no tanto el dibujo por la técnica, y en eso me gusta jugar con diferentes estilos y materiales a los diferentes libros e historias que hago, me gusta cambiar. A veces una historia requiere de detalles, a veces simplemente de líneas”.

Las mujeres elegantes de Sol Díaz surgen de una idea, que ella anota, “en el celular (en las notas) o en croqueras o papeles, lo que tenga más a mano. A veces estoy dibujando otras cosas y se me ocurre algo y lo anoto al ladito. Después la retomo y la dibujo. Luego la escaneo y la paso al blog. Otras veces se me ocurre la imagen y luego la vuelvo a mirar, a veces días después, y le escribo algo. Intento siempre que el texto no sea evidentemente conectado con la imagen, trato de no decirlo todo, que quede un espacio abierto, una pregunta”.

El retrato es un campo en el que se ha especializado la ilustradora de La Carolina (Jaén) Mercedes deBellard. Los suyos se han visto en publicaciones extranjeras como 'The Guardian' o 'Variety', y aquí en España en la revista 'Cinemanía', para la que ha realizado ya dos portadas y cinco ilustraciones interiores. “Es una experiencia muy guay. Saber que el dibujo que estás haciendo va a ser portada ya mola, pero si encima es para una revista que te gusta y habla sobre cine mola mucho más”, nos cuenta.

“Supongo que cuando te encargan un retrato el objetivo primordial es que haya un parecido. A partir de ahí, ya empieza la parte más creativa, qué ropa le vas a poner, los fondos, la gama de color, elementos añadidos... Todo depende del fin que vaya a tener ese retrato y el carácter que quiera desprender”, dice cuando le preguntamos por lo que busca sacar de un personaje cuando lleva a cabo su retrato.

El mundo del cine y la televisión es un campo en el que se siente a gusto. Muchas de sus ilustraciones van en esta línea. “Me siento muy cómoda, sí. Supongo que todo empezó cuando hice unas ilustraciones para un artículo sobre directores de cine. A partir de ellas empezaron a llamarme para hacer más retratos sobre el mundo del cine. No es que yo hubiese decidido encaminarme por allí, fue más cuestión de suerte o pura casualidad. Pero estoy encantada con ello”.

Acostumbrado a ver su trabajo en el formato de revista o en la pantalla del ordenador, fue toda una sorpresa, una grata sorpresa, ver sus ilustraciones en pantalla gigante en la plaza de Callao, en Madrid. “Fue increíble. Hasta que no fui a verlo en persona no me lo creía. Ver tus dibujos tan grandes en ese lugar tan importante de Madrid, y que la gente se parase a verlos fue alucinante”, afirma.

La relación entre su trabajo y las pantallas no se queda aquí. Uno de sus grandes trabajos ha sido para Movistar TV. “Fue la primera vez que uno de mis dibujos pudo verse en televisión. Fue la campaña para la nueva temporada de 'Twin Peaks' de David Lynch, que estrenaba Movistar. Fue una campaña bastante grande. Había piezas que iban a ser animadas para un spot para televisión. Otras que iban para mupis y merchandising. Movistar se quedó muy contento con la campaña, tanto es así que mandaron varias piezas a los premios SOL de publicidad y quedamos finalistas”.

Retratos le quedan aún muchos por hacer. Hay “muchísimos” personajes que le gustaría dibujar. “No sabría por cual empezar, hay tanta gente a la que admiro y a la que me encantaría retratar con muchísimo cariño...”. Esa admiración se traduce también en una mayor dificultad a la hora de abordar  algunos personajes. “Supongo que los que más me cuestan son a los que más aprecio les tengo, y a los que la gente quiere más. Tiene una dosis de presión extra dibujar a un gran profesional tan querido por todo el mundo, como por ejemplo Steven Spielberg, que encima va en portada. Alguien a quien todo el mundo conoce y respeta; esos son los más difíciles para mí”.

Además del mundo del cine y la televisión, Mercedes ha trabajado para algunas grandes marcas comerciales, como El Corte Inglés o Coca Cola. En 2017 realizó la campaña de la óptica de 'El Corte Inglés'. “Fue un trabajo muy bonito donde me dieron total libertad y confianza. Este año me han vuelto a llamar para la campaña de primavera. Con Coca Cola hicimos un trabajo bastante grande. Dibujé todas las ilustraciones para un vídeo animado sobre la historia de Coca Cola que iba a exponerse en su museo”.

La ilustradora jienense normalmente trabaja todo en digital. A veces combina un dibujo a lápiz con el acabado digital. Pero confiesa que se siente más cómoda trabajando sobre soporte digital. Y se muere de ganas por ilustrar un álbum infantil o una novela juvenil. “He experimentado con un estilo más infantil, que me encanta, y que estoy deseando volver a retomar en cuanto pueda. Me encantaría poder realizar algún proyecto más enfocado a un público infantil o más joven”.

Cuando le preguntamos si ahora es lo que quería ser cuando optó por la ilustración nos cuenta que ella quería dedicarse a dibujar, “así que supongo que sí. Lo que no me imaginaba es que iba a tener la oportunidad de dibujar en revistas, periódicos y en campañas tan relevantes. Eso ha sido una gran alegría y una sorpresa para mí”.

Para Mercedes la asignatura pendiente en este mundo de la ilustración es el tema económico. “Y hablo dentro de España. Creo que habría que concienciar más tanto a los clientes como a nosotros mismos, los ilustradores, de negociar unos precios dignos por nuestro trabajo. Muchas veces me he encontrado con presupuestos escandalosamente bajos para grandes trabajos. Cuando aceptamos estas condiciones estamos perjudicando y menospreciando nuestra propia profesión. Creo que es muy importante que seamos justos con nosotros mismos, con nuestro trabajo y con nuestros compañeros de profesión”.

“Buscamos proyectos con una característica que no siempre es fácil de conseguir: libros disfrutables por lectores de cualquier edad. Consiguiendo esa premisa, se trata a los lectores de corta edad con el respeto que se merecen”. Esta es la búsqueda de Guillermo Pérez y Bárbara Centorbi, los dos están detrás de la editorial sevillana Tres Tigres Tristes, especializada en literatura infantil.

Clara Canela está al frente de Canica Books, editorial malagueña: “los cuentos infantiles nunca me parecieron solo para niños, sino que personas de cualquier edad podían disfrutarlos. Me pareció un reto el poder editar y poner en manos de los lectores textos ilustrados que no dejasen indiferentes a grandes y pequeños”. Así lo lleva haciendo desde 2014.

Ese mismo año nació la editorial almeriense Libre Albedrío, que dirige Gema Sirvent: “el público infantil es el mejor público. El más sincero y el más abierto a nuevas propuestas. Estamos especializados en álbum ilustrado, es un medio fantástico para contar historias a todos los públicos, pero son los niños los primeros en aventurarse a entrar en estas propuestas que estimulan su imaginación y en las que se les trata como lectores inteligentes”.

Tres Tigres Tristes

El gato de la abuela, de la autora argentina Josefina Schargorodsky, es el último título editado por Tres Tigres Tristes, “una historia que parte de una premisa fantástica como es el devenir en la vida cotidiana de la abuela del título y su gato de siete metros. Posee esa característica que solo un álbum ilustrado puede conseguir: que la imagen se convierta en una metáfora, y que esta metáfora sea interpretable según la experiencia de cada lector, sea cual sea su edad”, aseguran Bárbara y Guillermo. Hasta el momento ha publicado 35 títulos, incluyendo álbumes ilustrados, libros de actividades, así como formatos especiales como los Cuentos por correo, libros-juego como ¿Qué hace un hombre con una sardina en la cabeza? y varios libros en formato acordeón. “Ambos estamos convencidos de que el libro ilustrado es una herramienta artística muy potente para contar historias, y que la ilustración está atravesando un momento privilegiado en España. En concreto, la capacidad lúdica que posee el álbum ilustrado para sugerir y transmitir ideas es prácticamente inagotable cuando texto e imagen se fusionan adecuadamente”.

Siempre están a la búsqueda de proyectos distintos, frescos, “que exploren nuevos territorios y que plasmen la personalidad de los autores a los que admiramos. Si además el libro es visualmente bello, y la trama te engancha, esta búsqueda se torna apasionante”. Además acaban de embarcarse en un nuevo proyecto, una nueva editorial, Avenauta. “El objetivo sigue siendo el de crear libros visualmente bellos, pero esta vez apostaremos por temáticas y estilos gráficos más arriesgados, orientadas a un público adulto. No nos ceñiremos exclusivamente al álbum ilustrado, sino que publicaremos desde libros de relatos ilustrados hasta el cómic”.

Canica Books

15 álbumes ilustrados han visto la luz con el sello de Canica Books. “Siempre sentí una pasión por la ilustración y su valor como lenguaje propio en la transmisión de historias”, afirma Clara. Un álbum ilustrado “me parece algo único por el maravilloso juego que se produce entre texto e imagen. También me parecen muy especiales los niveles de comprensión de la historia: en mi opinión, un buen álbum ilustrado es el que cada vez que lo lees descubres elementos nuevos”.

Por una mosca de nada, de Gracia Iglesias e ilustrado por Ana Gómez, es el último título que ha visto la luz con la editorial malagueña, una historia acumulativa muy divertida de cómo una mosca provocó un tremendo lío. “Siempre buscamos una historia con mensaje, que llegue al corazón, que no deje al lector igual que antes de leerla. Y con un componente humorístico importante”.

Editorial Libre Albedrío

Gema acaba de recoger la mención especial recibida por el álbum ilustrado Dos caminos con el ilustrador Guridi en los 'Bologna Ragazzi Awards 2018', en la Feria del Libro Infantil de Bolonia, una de las citas de referencia mundial en este sector. A la editorial le da vida junto a Vicente Cruz. “A los niños no les vale cualquier cosa, son los primeros que valoran las propuestas de calidad, tanto literaria como visual. Es fundamental en su formación lectora que se les trate con respeto y que puedan tener a su disposición libros que verdaderamente conecten con sus inquietudes y sensibilidad. Su formación lectora comienza a una edad muy temprana y es fundamental que desde muy pequeños empiecen a formarse un criterio propio. Por eso nos encanta trabajar para ellos”, asegura Gema.

“El álbum ilustrado es para mí la forma más completa de transmitir sensaciones, emociones auténticas a la hora de contar una historia. Un lector de álbum ilustrado vive el libro como si fuera un viaje, como una experiencia vital. Como toda obra de arte, las personas que participan en ella dejan un pedacito de sí mismas, y esto creo que es lo que nos diferencia a todos, que son obras extremadamente personales. Y es precisamente eso lo que buscamos en Libre Albedrío”.

Sobre el futuro

¿Qué hay que fomentar o promover dentro del mundo el libro infantil? “Compartir un libro ya sea en la escuela o en la biblioteca nos parece que es un paso muy importante, pero es esencial transmitir de adultos a niños, en familia, la pasión tanto por el continente como por el contenido de un libro. Continente en cuanto al libro como un objeto lleno de belleza, y en cuanto a contenido como una experiencia que puede compartirse, como pueda ser salir a jugar o emprender un viaje”, afirman en Tres Tigres Tristes.

Clara, la editora de Canica Books, defiende que hay que impulsar “más historias divertidas, entretenidas, para pasar un buen rato y que puedan ser compartidas entre padres e hijos. También diferentes tipos de ilustración, que fomenten la riqueza cultural del lenguaje visual”. Y Gema tiene muy claro que hay que fomentar el álbum ilustrado tanto en el ámbito familiar como en las escuelas, en los planes de fomento a la lectura. El álbum todavía no se conoce demasiado fuera del mundo de los profesionales que nos dedicamos a esto, y creo que las posibilidades de este formato para contar historias son innumerables, tanto para niños como para jóvenes y adultos. Es la forma ideal para entrar en el mundo de la literatura y no querer salir nunca“.

En la silueta de un lobo transcurre la historia de 'Caperucita Roja'. En la de un cadáver, la de 'Cuerpos del delito', y en una gran rama de espino, la de 'La Bella Durmiente'. Tres libros editados por Dibbuks en los que el granadino Sergio García desarrolla sus contenedores de historias. Unos contenedores de historias que viajan de Granada a EEUU de la mano de The New York Times.

“Cuando haces una cosa que tiene cierto carácter marginal dentro del mundo editorial, como es nuestro caso, pues entonces es muy difícil llegar a la gente. Y The New York Times nos da esa posibilidad. Son 1.450.000 lectores. Nosotros publicamos en la 'Book review', que es su revista literaria, que se edita como un suplemento. Lo mejor de todo es que me dejan carta blanca, me dan libertad. Respetan muchísimo al dibujante”, asegura Sergio García.

Concretamente trabaja en una sección que se llama 'Graphic Review', una sección dentro de la revista en la que se invita a dibujantes de cierto prestigio, como Art Spiegelman o Eleanor Davis, a los que invitan a hacer una revisión literaria de un libro. “Empezaron pidiéndome algo de mi infancia, pero que fuera un libro antiguo, no un libro contemporáneo. Entonces empecé con 'Rip Van Winkle', y realicé una ilustración conceptual. Luego vi que la gente dibujaba cómic y me dije, aquí yo puedo aprovechar. Y empecé a lanzarles propuestas, y han ido prosperando”. Después llegó su versión de 'Moby Dick', que mide dos metros por sesenta y tres centímetros, y está dividida en tres paneles.

Con 'Alicia en el país de las maravillas' ha ido más allá. Es circular, mide un metro y veintiséis centímetros de diámetro. La historia se desarrolla en un reloj inverso, empieza a contar a partir de las seis y no de las doce, y con sentido de lectura contrario al de las agujas del reloj. “Te da mucho prestigio a nivel profesional. Trabajar para The New York Times me abre una perspectiva nueva, en la que yo creía que no podía trabajar, el mundo del periodismo. No pensé jamás que pudiera ser accesible para mí, y me permite hacer cosas realmente muy interesantes. Y sobre todo plantearme la narración de una forma muy distinta, mucho más agresiva”.

Desbordando el libro

Sergio García es también profesor en la Universidad de Granada. “Dentro de la labor investigadora, hay muchas formas de investigar. En mi caso yo investigo dibujando. Es un hecho que se aleja un poco del rigor académico, pero que yo lo defiendo a capa y espada. Creo que el dibujante debe investigar dibujando. Y en mi campo yo creo que ética y moralmente, yo me veo obligado, y a parte porque me gusta, a desarrollar mi lenguaje, que nunca ha sido ni el lenguaje del cómic ni el de la ilustración, siempre ha tenido una suerte de campo híbrido entre los dos, que es el que me ha interesado, y por eso es tan difícil de catalogar nuestro trabajo”.

Con 'La Bella Durmiente', su publicación más reciente, “se sigue la tradición editorial de hacer segundas partes, y básicamente es la continuación de lo que ya se inició con Caperucita Roja -asegura Sergio García-. Lo que se quería era revisitar los cuentos infantiles y darle un punto de vista distinto a través de los textos de Lola Moral (su mujer, que trabaja con él en estas dos revisiones de los clásicos). Y sobre todo trabajar con el concepto de los contenedores de historias. Otra de mis obsesiones a nivel de investigación en el mundo de la narración gráfica, es intentar desbordar la forma de encuadernación tradicional, y cómo se presenta la información gráfica a los lectores en forma de libro. Entonces, desbordar el formato libro y trabajar en formatos alternativos”.

Donde empezó todo: 'Perdidos en Nueva York'

En una visita al Metropolitan de Nueva York, mientras preparaba el libro 'Perdidos en Nueva York' (que sería su primera incursión en el mercado de EE.UU.), vio en una exposición sobre indios americanos cómo reflejaban en las pieles la memoria de la tribu. “Todo esto tenía mucho que ver con lo que estaba haciendo en ese momento, pero conceptualmente lo vi claro ahí. Y a partir de ahí ha sido uno de los pilares de la narración. El primero fue la narración multilineal, con 'Los tres caminos', luego fue el formato expandido, con 'Mono y lobo', que fue cuando por primera vez desbordamos los límites de la página, y se vino a complementar con este tercer pilar que es el de los contenedores de historias”, asegura Sergio García.

'Perdidos en Nueva York' ('Lost in NYC'), con Nadja Spiegelman como guionista, “me permitió trabajar diferentes niveles de lenguaje gráfico y narrativo. Un nivel de cómic convencional, un nivel de ilustración también y otro de infografía, esquemática, como se aplica en el periodismo. Entonces podías dibujar un corte de la ciudad de Nueva York, y ver las diferentes capas del metro, dibujar el Empire State como si fuera un efecto de rayos X con los ascensores subiendo... Toda una serie de cosas que, en cierto modo, fueron las que me abrieron las puertas del mercado norteamericano, porque fue un libro muy experimental, que ha funcionado muy bien y ha recibido muchísimos premios”.

En la Biblioteca del Congreso de los EE.UU. todos los años hacen una reunión anual de todos los Estados, y cada uno aporta un libro. En 2016 el estado de Nueva York seleccionó 'Perdidos en Nueva York' para representar a su estado. “Eso fue un gran honor. Fue seleccionado también por la Society of Illustrators of New York para su exposición anual. Tras esa exposición, no sé si a raíz de ella, me llamaron de The New York Times para trabajar”.