Mientras los santos paseaban por las céntricas calles de Murcia, formando parte de la Magna Procesión, Miguel Ríos ponía a cantar a todo un teatro Romea repleto de seguidores del granadino. No cabía nadie más. La gira de su más reciente disco ‘El último vals’ llegaba a la capital murciana con el sexto concierto de este nuevo periplo en la carretera. Con puntualidad casi británica, la voz en off anunció que apagásemos nuestros dispositivos móviles, las alarmas de relojes y, en suma, todo aquello que pudiera perturbar la música y desarrollo del concierto que ya comenzaba. La banda Black Betty Boys compuesta por el guitarrista y productor José Nortes; Luis Prado, teclados, batería y coros; Jorge Ruiz, bajo, guitarra y coros y Samuel Terroso, batería, guitarra y coros se situó en el escenario comenzando a sonar los primeros acordes que ya predisponía al personal a animarse, mientras Nortes anunciaba: “Señoras y señores, Miguel Ríos”. La locura colectiva se desató y el viejo rockero apareció en el escenario del Romea. “Buenas noches, bienvenidos hijos del rock’n’roll…” 

Tras estos primeros aplausos, Miguel Ríos dio las gracias a su público por continuar siendo tan fieles. A renglón seguido señaló que “estamos casi a las puertas de la Navidad y aquí estáis celebrando ya la Semana Santa. Nos vamos a volver locos del todo, como esto siga así”, concluyó. Recordó, como ya adelantamos en la entrevista previa al concierto, que la primera vez que cantó en el teatro Romea fue en 1963 en unos festivales benéficos que organizaba el cura Paco, junto a Karina. La tira de años ya en sus comienzos en la música. Luego destacó que, aunque las heridas internas en su cuerpo se notan, se conserva bastante bien porque todavía tiene voz y pelo, compone canciones que en este último disco se ciñen a su estado actual y a describir realidades que todos vivimos. En definitiva, que estará en los escenarios ‘Mientras el cuerpo aguante’, con la que continuó su concierto. Prosiguió con una primera pieza de su reciente disco titulada ‘Oro irlandés’, preciosa balada folk que al presentarla tuvo que indicarle a Mariano (el encargado del telepronter) que no había cambiado la hoja del concierto de Vigo y estuvo a punto de decir “esta canción tiene aires de vuestros primos los irlandeses”. La carcajada fue general y le sirvió como un chiste-broma, para que el clímax fuese aún más familiar. 

Es obvio que Miguel Ríos posee legiones de seguidores en España, también en Murcia se demostró esa afirmación ya que el Romea estaba lleno de ellos. Así que, ya que habíamos entrado en el terreno de la balada, el cantante de Granada nos volvió a envolver en la titulada ‘No estás sola’, de su álbum de 1983. Con un medio tiempo musical, Miguel Ríos nos presentó otra canción de su reciente disco aparecido el pasado 7 de noviembre. En ‘Si pudiera parar el tiempo’, nos habla de su actual estado vital; de esas averías internas que se dan en su cuerpo, pero que de chapa y pintura luce genial para sus 81 años. Y vaya si lo demostró.

Llegados a este momento, Miguel fue desnudándose como ha hecho en otras ocasiones y relató que la canción que íbamos a escuchar, la grabó en su peor momento durante la década de los 60 del siglo XX. Estaba sin sello discográfico, sin bolos y los ánimos por los suelos. Nos aseguró que estuvo a punto de tirar la toalla. Se encontraba en Murcia; una tierra en la que cosechó amigos y en la que siempre se había sentido bien porque, “como decía mi madre granaínos y murcianos son primos hermanos”. Precisamente viajando de Murcia a su tierra agarró una guitarra y escribió ‘Vuelvo a Granada’. El público lo arropaba absolutamente y continuó, indicó, con una preciosa canción que fue la cara B de aquel sencillo, que le regaló Fernando Arbex, el compositor de muchas canciones del pop de aquellos años y batería de los no menos recordados Brincos. El tema se titula ‘El río’.

Entre temas del pasado y no tan antiguos en su trayectoria, el viejo rockero regresó a su nuevo disco para cantarnos (y contarnos en su letra) ‘No es la Tierra, estúpido. Eres tú’, en la que denuncia a los negacionistas del cambio climático que vivimos y al que según parece, los más poderosos, los que amasan el dinero se niegan a combatirlo. “Se ha celebrado en Brasil, señaló, la COP30 sobre la situación del Planeta y no se ha avanzado a pesar de que estamos casi tocando el punto sin retorno. No están dispuestos a luchar por la salvaguarda de nuestro ecosistema, para intentar dejar a los más jóvenes un lugar limpio en el que vivir. Claro, alguno de nosotros no lo veremos, pero esa es la realidad. Pues para todos estos negacionistas y quienes los apoyan está hecha esta canción”, concluyó.

‘Extraños en el escaparate’ fue el disco grande de Miguel Ríos, que apareció en el mercado en 1981 y en ese disco se incluía la canción con la que el rockero continuó desarrollando su concierto: ‘Año 2000’. De inmediato, Miguel dijo que pensaba que era de la generación de los hippies, pero resulta que también sabe que, además, es boomer; esa generación que nació tras la II Guerra Mundial y hasta 1964. “Bueno. Está bien”, destacó. Pero lo que también tenía claro es que pertenece a la ‘Generación límite’.

Se había llegado a la primera hora de concierto y Miguel Ríos -que se había referido en varios momentos, al diseño del escenario del Romea en pendiente y llevaba todo el cuidado para no lesionarse los gemelos- anunció que se retiraba unos minutos, pero, a cambio, nos dejaba con un excelente músico y cantante que podía mantener a la perfección todo un concierto. Se refería al pianista Luis Prado, quien agradeció a Miguel esa deferencia y nos anunció que nos deleitaba con una canción titulada ‘Estoy gordo’ que hizo, igualmente, las delicias de todos los presentes.

En 1984, Miguel Ríos sacó al mercado nacional otro de sus discos que fueron marcando su camino musical. Nos referimos a ‘La encrucijada’, donde se incluía otra preciosa balada (género que el de Granada domina muy bien) titulada ‘Todo a pulmón’, en la que describe que todo se lo ha ganado de esa manera, trabajando duro día a día y año tras año. Después de esa magia, Miguel Ríos nos presentó la pieza que da título a su reciente disco y gira: ‘El último vals’. Destacó que no era una despedida sino una canción en la que se habla sobre una historia de amor desgarrado.

Y para que el ánimo no decayera (que no se apreció en ningún momento), nos dijo que la siguiente canción era para que la cantáramos todos: ‘El blues del autobús’. Escrita por Víctor Manuel y el teclista, flautista y cantante del grupo holandés Focus, Thijs van Leer, que formó parte de aquella banda en 1982 que hizo posible el mítico ‘Rock’n’Ríos’. Como ya se conoce, la letra describe el deambular del músico que duerme cada día en una habitación de un hotel; que cada día es otro concierto más, donde el equipo suena diferente y se crea el misterio; bolo tras bolo, en el que queman su salud y duermen poco y mal. En suma, toda una vida en un autobús. Exitazo pleno. 

También recordó otra de sus creaciones utilizando los avances tecnológicos que han ido surgiendo, como los hologramas. Esto es, una imagen que se obtiene a partir de la holografía. Es la técnica que, haciendo uso de la iluminación mediante láseres, consigue generar imágenes coloridas en tres dimensiones. El láser permite la grabación microscópica de una película fotosensible. Cuando entre dos haces de luz se produce una interferencia, se puede reflectar la luz de uno de los haces en el objeto y al recibir otra desde una determinada perspectiva, proyecta la imagen tridimensional. Pues bien, en este intento de explicar (para los que no lo sepan o recuerden) qué es el holograma, Miguel hizo otra turné con el título de ese disco, ‘Miguel Ríos y las estrellas del rock latino’ en 2001, que supuso otra enorme novedad en conciertos de rock ya que en muchas de estas canciones lo hacía con la proyección holística de esas estrellas, que cobraban vida junto a Miguel en el escenario. Fue una experiencia muy novedosa por entonces. Una de esas canciones, a la que también invitó a los presentes que la cantaran con él, fue ‘Insurrección’, el éxito de Manolo García.

Y bueno, “ya que estábamos hablando de rock, señaló Ríos, vamos a tener rock’n’roll en el escenario”. La Black Betty Boys comenzó con otro indispensable del enorme repertorio del cantante de Granada, ‘Los viejos rockeros nunca mueren’, que dio título a su disco de 1979, fusionándolo con el ‘Rocanrol bumerang’, de 1980. Una pequeña pausa y la música continuó con ‘El rock de la cárcel’ que se fusionó con ‘Sábado en la noche’, un éxito del cantante argentino Moris compuesta en 1978. 

Hasta ahí, el concierto de este nuevo periplo de Miguel Ríos por los escenarios y la carretera, para cantar ‘El último vals’. Los cinco músicos saludaron a los presentes y abandonaron el escenario. Pero esto no podía finalizar de esta manera, por lo que todas esas almas demandaban más, unas canciones más. Miguel Ríos y su Black Betty Boys no se hicieron de rogar. Regresaron al escenario y el rockero afirmó que no esperaba menos de ellos. Risas, aplausos y otra pieza de este último trabajo discográfico: ‘En la rampa de salida’. Un canto a la vida, desde la experiencia de una larga vida.

Alguien gritó ‘Santa Lucía’ y Miguel contestó: “Te la canto, falta más. Para eso estamos aquí”. Dicho y cantada. Por cierto, una de las más bellas baladas que habla del amor de una chica invidente que recibe una llamada telefónica por error y la voz masculina del otro lado, se va enamorando de la voz de esa mujer hasta que él propone una cita en el parque, de la que nunca se conoció el final. La canción fue compuesta por el argentino llegado a España, Roque Narvaja, y la pieza fue estrenada por Miguel Ríos en 1980.

Luego de ello, se abrigó con un pañuelo palestino para “denunciar las miles de muertes, el genocidio, de Gaza sin olvidarse de Ucrania y otras contiendas que matan a personas”. Fue su ‘Oración’, una pieza solemne que incluyó en el 40º aniversario de ‘Rock’n’Ríos’, con letra de Luis García Montero y música de Raúl Alcover. Y tras esta oración, la culminación que llevó a Miguel Ríos, a finales de los años 60 del siglo XX, a la cúspide y ser conocido en medio mundo: ‘El himno a la alegría’. Final apoteósico y alegre, para dos horas de concierto ofrecido por este ‘viejo rockero’ de 81 años, que desea continuar en las carreteras y los escenarios mientras el cuerpo aguante. 

En resumen, Miguel Ríos no defraudó a sus seguidores con este nuevo periplo de conciertos por la geografía española. Será, como él nos adelantó, una larga gira que culminará en Hispanoamérica en 2026. Larga, pero al tiempo, tranquila, sin atropellos ni prisas por llegar. Es la historia viva del rock español, el faro que ha guiado a muchos otros de su tiempo o posteriores a su aparición. Un faro que sigue brillando con luz intensa y en una excelente dirección. Es Miguel Ríos.

El viejo rockero por excelencia en España es, sin duda, Miguel Ríos. Tuvo una despedida hace unos años atrás con ‘Bye, bye Ríos’, pero aquel tiempo posterior de descanso y reflexión le valió para crear nuevas canciones que se plasmaron en su disco ‘Un largo tiempo’ publicado en 2021. Antes de ello, el cantante granadino llevó a cabo otra gira, ‘Sinfónico Ríos’, en la que una selección de sus canciones fueron adaptadas a una gran orquesta sinfónica con la que recorrió, de nuevo, parte de la geografía española.

Tras ese tiempo de reflexiones, Miguel Ríos introdujo cambios en lo que iba a ser su futuro inmediato. Los grandes escenarios quedaron atrás para cambiarlos por un formato más reducido, en acústico, como se pudo comprobar durante su tournée sosegada a raíz de la publicación de ese disco de 2021. Un formato que fue muy enriquecedor para el rockero de Granada, que consciente de la edad que ya atesoraba plasmó los problemas de los más mayores, en las letras de sus nuevas y aceptadas canciones por sus seguidores. Entre aquellos conciertos más íntimos y los que ahora desarrolla por diversos teatros y auditorios de nuestra Piel de Toro, se coló un 40º aniversario: Rock’n’Ríos. En 2025 regresa a la carretera con más sosiego, pero con la misma energía. Esta noche del sábado, a partir de las 20:00 horas, podremos disfrutar de su concierto en el Teatro Romea.

¿Los escenarios son una adicción para ti?

Pues parece que sí (risas). ¿Sabes lo que ocurre? Que es una necesidad de compartir con el público las canciones y recibir tanta interactuación entre público y músico. La verdad es que esta nueva gira está resultando muy satisfactoria, tanto en este plano como en general.

¿Por qué ‘El último vals’? Has explicado que es una canción que da título a tu disco recién aparecido en el mercado, pero muchos lo han venido leyendo como tu despedida y parece que andaban equivocados.

No pretendo utilizar dos despedidas. Me despedí con ‘Bye, bye Ríos’ hace casi 16 años ya. Lo que sucedió entonces es que andaba muy desmotivado para crear nuevas canciones y eso me llevó a dejar los escenarios. Lo que ocurre es que, por medio, se cruzó el regreso de ‘El gusto es nuestro 20 años’ en 2016, con Víctor Manuel, Ana Belén y Serrat y bueno, tras ello me animé a crear nuevas canciones y continuar con la música y los escenarios, pero con una fórmula más reducida en cuanto a músicos. De todo aquello surgió ‘Un largo tiempo’ y aquel periplo de conciertos de 2021.

Hasta el momento, esta gira está resultando muy positiva en asistencia de seguidores. Pero comenzó con una polémica en las redes sociales, por tu apoyo a lo que sigue sucediendo en Gaza.

¿Sabes lo que sucede? Que yo no consumo Redes Sociales, entonces no doy pábulo a todo eso. Pero sí confirmo que estoy en la misma línea de muchos ciudadanos, que estamos espantados de que se esté matando, en el siglo XXI, a tanta gente en Gaza o en la guerra de Ucrania. Son situaciones que nos preocupan y espantan al tiempo. Y claro que hay que denunciarlo e intentar que esa situación acabe.

Una vez más, Miguel, queda cristalino que tu compromiso social y político sigue tan vivo, como lo ha estado desde tu juventud.

En mi juventud, se nos inculcaba en las casas que no debíamos hablar de política; vamos, no complicarnos la vida. Y yo, por entonces, estaba más en la música. Cuando grabé el ‘Himno a la Alegría’ y viajé por el mundo con él fue cuando tomé conciencia de la realidad. Aquel eslogan que creó Fraga de ‘España es diferente’ era cierto, pero al contrario o en sentido negativo en relación con otros países. En suma, que desde aquel momento mi compromiso social y político tomó cuerpo y la vida lo ha ido desarrollando.

Regresemos a la música que, al fin y a la postre, es tu vida. No puedo evitar pregustarte si ya estás recogiendo “saber”, para cuando finalice este nuevo periplo de conciertos. ¿Ya tienes nuevas ideas para seguir componiendo?

En estos momentos estoy más en esta gira, que pensando en componer. Estoy muy centrado en las canciones de este último disco, porque las voy puliendo y afinando cada día. Les cambio la letra, las estudio más detenidamente para que conforme avance la gira se vayan perfeccionando. Lo de componer, siempre hay momento para ello, pero ahora no me inquieta. Esta gira va a ser larga, porque seguirá en 2026; llegaremos al verano y haremos conciertos al aire libre. Y luego, nos daremos una vuelta por Latinoamérica, pero de manera sosegada.

Una vez más, Murcia vuelve a estar en tu recorrido y de las primeras en esta ocasión. Supongo que esta tierra te trae suerte y buenos recuerdos de tiempos pasados.

Desde hace muchos años. Recuerdo que la primera vez que actué en el Teatro Romea fue por 1963, en unos festivales benéficos que organizaba un sacerdote muy querido aquí. Fui, creo recordar por entonces, con Karina y otros grupos y cantantes. Y después de aquel concierto, me fui a conocer La Manga que tenía unas casetas de playa para cambiarte de ropa. La verdad es que Murcia siempre me ha dado mucho, sus gentes y su gastronomía; cómo olvidar el mítico Rincón de Pepe y a Raimundo, su Chef. Como llegaré con tiempo, me propongo pasear por la ciudad y volver a ese u otro restaurante de la ciudad, antes del concierto.

Y ¿después? ¿Seguirás hasta que el cuerpo aguante, como señalas en una de tus canciones?

Esa canción está incluida en esta gira. Pues sí. Me cuido mucho, para poder defender mis canciones y mis conciertos. Y mientras pueda voy a continuar con ello. Espero que el concierto del Romea sea un reencuentro con muchos amigos y seguidores de mi música. Los murcianos y granaínos somos hermanos, como decía mi madre.

Los compromisos de Miguel Ríos se reflejan en las letras de sus canciones y en este último disco, ‘El último vals’, se pueden encontrar por todas ellas. Valga, como ejemplos, la titulada ‘No es la tierra, estúpido. ¡Eres tú!’, cuya letra hace mención de los negacionistas del clima, los terraplanistas, los difusores de bulos. O ‘La buena orilla’, que habla de aquel cayuco que apareció en las costas de Brasil, con todos sus ocupantes muertos, al extraviarse en el Atlántico y en lugar de dirigirse a las Canarias aparecieron en el país carioca.

Es el auténtico Miguel Ríos. Sin conservantes ni colorantes, en estado puro. Con más años que cuando actuó por primera vez en el Teatro Romea de Murcia, pero con el mismo alma y espíritu de siempre. Más cultivados ambos, pero inquebrantables. Esta noche, a partir de las 20:00 horas, nos volverá a envolver en la magia de sus canciones. Gracias, Miguel.

La música es el lenguaje universal, el que une a todos los seres humanos y el que es comprendido y entendido por todos. Como en el lenguaje escrito y hablado de cada país, la música tiene sus académicos que velan por ese lenguaje al tiempo que van incorporando su Magisterio, según se va aceptando por las mayorías que lo asumen incondicionalmente. Después de más de 30 años en este lenguaje (creo que está por los 37 ya), sin duda Mónica Naranjo es una de nuestras académicas más prestigiosas. La primera experiencia fue en 1988 interpretando un éxito de Whitney Houston, a quien Mónica la tenía como su maestra. Y en 1992, Naranjo conoció a quien dos años más tarde se convirtió en su productor y compositor de parte de sus temas de éxito: Cristóbal Sánsano, que también fue su primer marido. Y desde entonces, el nombre de Mónica Naranjo es sello de absoluta calidad y éxito asegurado, como sucedió en la noche del pasado sábado 18 de octubre, en el ciclo que organiza Ibolele Producciones MURCIA ON.

La noche nos deparó un primer momento, más juvenil si se quiere, con la actuación del cantante canario Agoney; patrocinado de la propia Mónica Naranjo y que casi al final del concierto de la cantante, público y banda le cantarían “Cumpleaños feliz”, por sus 30 añitos. Agoney calentó el ambiente que, en lo meteorológico, se nos presentaba algo más fresco que en anteriores noches. 

La plaza de toros murciana se encontraba prácticamente repleta. Naturalmente, nos referimos a todos los palcos y tendidos habilitados para presenciar los diferentes espectáculos musicales, más buena parte del ruedo. Mónica Naranjo consiguió casi completar ese aforo. Tan solo una escasa calva en los tendidos más cercanos a las esquinas del escenario; el resto, un lleno absoluto. De todo el ciclo MURCIA ON ha sido el concierto en el que más público se ha apretujado, literalmente, en el ruedo del coso taurino. Quedaba nítido que la compositora y cantante de Figueras convoca y mucho.

El espectáculo, como la mayoría de los que se vienen celebrando en estos momentos, era una exposición de luz, colores y proyecciones de vídeos en el fondo del escenario a toda pantalla (abarca todo ese fondo escénico). Sonaron las primeras notas de la introducción, las luces se encendieron al tiempo que la primera proyección completaba el decorado. De pronto, desde la parte baja de esa proyección, aparecía Mónica Naranjo con su primer traje pantalón rojo y sus cabellos rubios cantando “Yo soñé que mi voz llegaba más allá / De aquel rincón donde siempre solía cantar / Y entregada al clamor, me bañaba de luz / En los brazos de la multitud… Abrazando una canción que le trajo ríos de / Fama / Fama / Que soñaba alcanzar”. El público, al unísono, ya cantaba con Mónica Naranjo. La unión de ambos, se hacía realidad.

En esta primera mezcla (medley, en inglés) después de ‘Fama’ continuó ‘Entender el amor’ porque, como reza su primera estrofa, solo con música y gente sube de tono el ambiente“. Vaya si subió; pero es que estuvo así los 150 minutos que duró su espectáculo, con una absoluta entrega de un público al que no se le vio desfallecer en ningún momento.

A su término, Mónica Naranjo se dirigió a ese público con un “Buenas noches, Murcia, y muchas gracias por venir. La última vez que estuve aquí era tiempo de COVID, de mascarillas, todos sentados y separados. Hoy, afortunadamente, volvemos a estar todos juntitos y disfrutando. Quiero que disfrutéis de estas dos horas, con un repertorio diseñado para vosotros”. Ni que decir tiene, que la ovación fue muy sonora y unánime. Sin pausa, las notas de ‘Doble corazón’ sonaron de inmediato y los coros del público volvieron a escucharse. Llegó el primer cambio de vestuario. Para ello, la banda, coristas y bailarines interpretaron ‘Usted’, ‘Todo mentira’ y ‘Diva’, en otro medley. Unas coristas Mey Green y Aránzazu Fernández que dejaron muestra inequívoca de su calidad vocal. Y junto con ellas, el no menos buen cantante Javier Simón que también dejaría constancia de su calidad más adelante. Una mezcla que coloreó el cuerpo de cuatro bailarines dirigidos por Marc Montojo, mientras que los músicos que acompañan a Mónica Naranjo son el pianista, teclista y director musical Miguel Ángel Collado. El guitarrista José Miguel Sánchez; el bajista y teclados Pablo Ruiz y Matt de Vallejo, en la batería y percusión electrónica.

‘Europa’ nos devolvió otro vestido rojo enfundado en Mónica Naranjo, con la que la cantante catalana describe, en metáfora, la transición de la gloria del Viejo Continente hacia la decadencia y soledad. Una Europa que ha vivido -y vive- guerras y cambios sociopolíticos. Una media balada que proyectaba al fondo, soldados avanzando, las tropas de Hitler desfilando, bombas cayendo en las ciudades y pueblos desde los grandes aviones y donde no se obvió el Holocausto. 

El tiempo de baladas continuó con otra mezcla de éxitos de Mónica Naranjo, a través de ‘Miedo’, ‘Para siempre’ o ‘Rezando en soledad’ para dejar un tiempo de respiro a los cuerpos de los presentes que, insistiré en varios momentos, no paraban de corear estas canciones. Tras ese breve sosiego musical, Naranjo retomó el ritmo con ‘Amor y lujo’, cuya letra nos describe el precio que deben pagar los famosos para mantener ese estatus. De ahí, a otro intermedio musical con ‘Medusa’, para cambiar el vestuario.

De regreso al escenario, Mónica Naranjo apareció envuelta en un precioso vestido negro con el que iba a ofrecernos otro de sus grandes éxitos: ‘Desátame’. Fue otra locura colectiva de una plaza que se venía abajo y cuyo público coreaba toda la letra de esta significativa canción. Tras ello, la cantante solicitó un aplauso para todo el Equipo Técnico del concierto, por su trabajo impagable de tener todo dispuesto en cada minuto del concierto. Como, por ejemplo, sacar a escena un piano de cola con el que Miguel Ángel Collado acompañaría a Mónica en ‘Empiezo a recordarte’ que, como ella indicó previamente, “es aquello de que te quiero tanto, tanto, que no puedo vivir contigo”. La reflexión se la dejo a ustedes.

Y preguntó después: “Yo no sé vosotros, pero nosotros vamos a continuar”. Como si el personal presente no tuviera ni ánimos ni ganas de seguir. Bueno, todo fue una efervescencia comunitaria del coso taurino que, cómo no, volvió a cantar ‘El amor coloca’ continuando con ‘Pantera en libertad’, que dedicó a todo el empoderamiento femenino presente, antes de hacer la última transición para cambiar de vestuario. Una transición que fue ejecutada, en esta ocasión, por la banda con protagonismo para los cuatro bailarines, que con una coreografía intensa dibujaron la música de ‘Horizons’.

Bueno, pues el espectáculo tenía que continuar y lo hizo con la sorpresa de ‘Venenosa’, la canción del dúo Nebulossa que triunfa este verano de 2025. Nebulossa, lo recordarán, ganaron el Benidorm Fest de 2024 y les valió para representar a España en el penúltimo Eurovisión con ‘Zorra’. A Mónica Naranjo le pidieron grabar la pieza con ellos y hacer un vídeo para ‘Venenosa’. Al terminar la pieza, Naranjo se despidió de ellos y les dio las gracias por participar en Murcia de su concierto. Otro medley conformado por ‘Temptations’, ‘Autómatas’ y ‘Hoy, no’ puso continuidad y nuevas sensaciones en ese público que ya, a esas alturas, hervía por todos lados y que era, sin duda alguna, el cimiento más sólido de una Mónica Naranjo que se mostraba absolutamente entregada desde el comienzo.

Dos temas más, ‘Por un like’ y, cómo no, ‘Sobreviviré’, del que indicó que la vida está para vivirla y no sobrevivirla, fueron las canciones que ponían el punto final a un concierto en el que, además de Mónica Naranjo y su banda, participó todo el público. Como era de esperar, aquello no podía finalizar de esa manera que, por otra parte, no lo era. Pero ya se conoce que el personal siempre pide un poco más a sus ídolos y, en esta ocasión, Mónica Naranjo no iba a ser menos y estaba previsto.

De nuevo, los bailarines fueron los protagonistas plásticos de la pieza musical ‘Make you rock’ para dar paso a la cantante de Figueras que, tras agradecer una vez más la asistencia y el apoyo incondicional que le mostraron esa noche tras muchos años, les regaló ‘Las campanas del amor’ y una última mezcla de éxitos como ‘No voy a llorar’, ‘Chicas malas’ y ‘Sacrificio’. Con ellas, ahora sí de manera definitiva, finalizaba su concierto, de regreso a Murcia, Mónica Naranjo. Una compositora y cantante muy querida por estas tierras y que ha significado, tras lo presenciado, un broche de platino para el ciclo MURCIA ON desarrollado desde el pasado mes de mayo hasta este octubre de 2025. 

Tan solo recordad que, finalmente, Raphael tuvo que suspender su concierto previsto para el pasado día 4 de octubre, por encontrarse en un proceso gripal del que ya parece recuperado. Concierto, el de Raphael, que ha sido fijado para el 23 de mayo de 2026. 

En suma, Mónica Naranjo arrasó en el MURCIA ON colocando un broche de platino y confesando al público murciano, que había hecho las paces con ella misma. Carismática y enorme cantante y artista que, sin duda, nos mostró una parte de su enorme potencial. Nosotros finalizamos con esta crónica, las dedicadas al MURCIA ON 2025. Ya se anuncian fechas y nombres para el siguiente, así que sigan atentos. Nuestra próxima cita será con la gira que ya ha iniciado el granadino Miguel Ríos: El último vals. Les daremos cuenta de sus opiniones musicales y personales el próximo día 15, antes del concierto y de su actuación en el teatro Romea. Gracias, siempre, por la atención que nos prestan y ya saben, no pierdan el hilo.

El compositor y cantante barcelonés Antonio Orozco logró triunfar en la plaza de toros, dentro del ciclo que organiza Ibolele Producciones MURCIA ON, alcanzando sumar casi diez mil espectadores que cantaron al unísono muchas de las 20 canciones que regaló durante su espectáculo: La gira 25 años. Orozco -que ha tenido una larga travesía del desierto, con la pérdida de dos de sus más queridas mujeres y algunos problemas de salud serios- derrochó fuerza y simpatía en una Murcia, según destacó el propio cantante, “que siempre ha sido para mí el principio de muchas de las cosas que me han ocurrido. Aquí tuve una agencia en la calle Libertad (hoy avenida de), al lado de unos grandes almacenes. Tengo muchos y muy buenos amigos murcianos y en mi corazón siempre hay un espacio para esta ciudad, a la que estaba deseando regresar”.

Las proyecciones de fondo se han convertido en las bases escénicas de todos los conciertos y Orozco hizo lo propio, con la proyección de una figura humana pequeña, que fue agrandándose en la oscuridad hasta adoptar el tamaño de su estatura y aparecer en persona desde esa sombra tras iluminar el escenario. Apoteósico el recibimiento que el público dispensó al cantante que sin más atacó el tema que da título a su más reciente disco: ‘El tiempo no es oro’. La pieza se fundió con ‘Que me queda’, en la que el público, animado por Orozco, había subido ya su participación a unos niveles máximos. Cantaban los estribillos y palmeaban el ritmo.

Cuando asistes a uno de estos conciertos y compruebas que los asistentes se entregan desde el primer momento, se puede concluir que esa unión músicos-público no es una casualidad sino una causalidad. Con Antonio Orozco esa causalidad se viene dando desde sus primeros pasos en el mundo de la música. Es un compositor que sabe llegar al corazón de las personas y sus conciertos son un derroche de energía mutua (musico-público) en los que, como ocurrió en la noche del pasado sábado, Orozco se mostró tal cual es, abierto, sincero y cercano, derrochando cariño y afecto hacia su público y siempre teniendo en su memoria los malos momentos para reforzar el renacer, como recordó a los presentes. ‘Ya lo sabes’ y una canción que, en esa noche, se convirtió en un eje central para Antonio Orozco, ‘Devuélveme la vida’, conformaron ese comienzo vibrante de dos horas que quedaron en la memoria colectiva de todos los asistentes. 

Ese grito -no sé muy bien si desesperado o esperanzador, o ambos a la vez, por los momentos tan difíciles que el cantante ha tenido que transcurrir en su vida- se lanzó en varios momentos. Sin duda, esta canción es la canción de la trayectoria musical de Orozco que, estoy convencido de ello, le ha hecho resurgir como Ave Fénix en esa bajada a los infiernos. Más adelante les detallaré sus palabras, a esas casi diez mil personas que llenaron el coso taurino de Murcia. En ‘El viaje’, el público volvió a cantar con su ídolo. Las proyecciones en ese momento nos mostraban uno de los instantes de escritura (en una vieja máquina) de su libro editado por Planeta y titulado ‘Inevitablemente, yo’. En él está todo el proceso que, de manera muy resumida, contaría al respetable minutos después. En su contraportada, se puede leer “Cuando tocas fondo, lo único que te queda es ir hacia arriba. Y la historia que cuento en este libro es la historia más increíble que he vivido: Empezar de cero… de verdad”.

Le seguiría ‘Te estaba esperando’ y tras ella, una canción detrás de la anterior. ‘Bebé’, ‘Lo inevitable’, ‘El problema fue la solución’ o ‘Despierta’. Probablemente, éste fue el momento más sosegado del concierto porque Antonio Orozco se dio cuenta de que los ánimos estaban relajados y preguntó “¿Qué pasa? Venga, arriba”. Sabe animar a su público y pasarlo de cero a 200 en segundos. ‘La revolución’ fue una perfecta herramienta para retomar el ánimo de un público que lejos de abandonar a su estrella, se disponían a caldear el ambiente una vez más.

Tras reconquistar a su público, Antonio Orozco continuó con ‘Te esperaré’ y lanzó al público que estaba más cercano a las vallas que marcaban la distancia con el escenario, su chaquetilla tres cuartos. Por cierto, que asistieron un buen número de menores con sus padres y se podía comprobar, a través de las pantallas laterales de vídeo, cómo todos disfrutaban del concierto. Aquí hubo un mínimo descanso, durante el que el cantante fue a camerinos a cambiarse de vestuario, la banda se retiró y quedó, solamente, un piano y su pianista.

Fue, también, el momento de sus confesiones al respetable. Sonaron los primeros compases de ‘Mi héroe’ y no se escuchaba la voz de Antonio Orozco; se había olvidado (los explicaría un poco después) el micrófono en camerinos y lo facilitó, rápidamente, una persona de su organización. Al finalizar la canción, el cantante relató la anécdota: “Les he dicho: No preocuparos, que me cambio de ropa en dos minutos. Y lo he hecho, pero, por primera vez, me he dejado el micrófono en el camerino. Bueno. Esta canción cuenta una historia triste. Es una historia, al tiempo, de resiliencia más bonita que he escuchado nunca. No es mi historia, sino la de muchas personas. Se la escribí -nunca doy a conocer nombres, pero hoy lo haré- a Susana, la madre de mi hijo. He sentido una conexión. Es la primera vez que olvido el micrófono. No sé si conocéis que hubo un tiempo en el que viví en Murcia, en la calle Libertad junto al Corte Inglés. Allí tuve una agencia e hice amigos que me ayudaron mucho y por esa razón quería regresar aquí”. Bueno, no hacía falta nada más; tan sólo, la coda de ‘Mi héroe’, para culminar este bello relato, desnudo y sin careta, de una gran persona como es Antonio Orozco. Su letra habla, entre otras cosas, de que “Callar tantos tormentos y desastres, y tú / otra vez cambiando lágrimas por bailes. / Se pueden llenar los siete mares de valientes / y nunca llegaría a parecerse / ni un cuarto del valor que tú sostienes. / Si mi amor, se puede / tener el sacrificio del más fuerte / y nunca llegaría a parecerse / ni a un cuarto del poder que está en tu mente. / Corazón, por siempre serás mi héroe”.

Y para reforzar todo este relato Antonio Orozco, ya con toda la banda, nos cantó ‘Estoy hecho de pedacitos de ti’. Su relato nos viene a indicar una emotividad que es característica de su música. No sólo habla de amor romántico, sino también de la gratitud y el reconocimiento de la influencia positiva que alguien puede tener en nuestra vida; en este caso concreto, nos habló de la que tuvo para la suya la madre de su hijo Jan. ‘Temblando’ puso continuidad a esta parte, digamos, más íntima del cantante que siguió con ‘Hoy será’, con la que retomó la fuerza rítmica que contagiaba a toda la plaza taurina. Con ‘Lo que tú quieras soy’, se daba por concluido este concierto de la gira ’25 años’ de Antonio Orozco. Mientras saludaban desde el frontal del escenario, el público demandaba más. Uno de sus músicos colaboró en una pequeña pantomima, que expresaba que no había tiempo para más agarrándolo del brazo y tirando de Orozco hacia camerinos. Pero el cantante se resistía y el público lo demandaba.

Finalmente, la banda volvió a tomar posiciones con sus instrumentos. Se proyectó un vídeo de una chica, en el que afirmaba que iría a Murcia al concierto de Orozco y si la subía al escenario a cantar, ya podría descansar y morir en paz. El cantante explicó que el vídeo se había convertido en un viral de las redes sociales y preguntó si Luna, el nombre de esa chica, se encontraba presente. Hubo unos instantes de tensión porque no acababa de aparecer. Antonio Orozco pidió que la iluminaran, lo que un cañón de luz potente hizo. Se encontraba en la grada alta, justo debajo de los palcos. El cantante pidió que la acercaran hasta el escenario y una vez allí habló con ella fuera de micrófono y la invitó a cantar, de nuevo el eje del concierto, ‘Devuélveme la vida’. Comenzaron ambos, pero casi de inmediato, Antonio Orozco dejó que fuera Luna quien cantara completa esta especie de himno. Lo hizo muy bien, como señaló el cantante después apostillando Luna que “tal vez me veáis en unos años por estos escenarios”.

Fue otro momento mágico del concierto del que, desafortunadamente, ni nosotros ni ningún otro medio de información oficial podemos ofrecer testimonio gráfico. Tal vez los cantantes y grupos que hacen sus giras cada año se deberían de replantear los permisos para tomar fotografías de sus conciertos. Está bien las fotos en foso de escenario en las dos o tres primeras canciones, pero después, se debería autorizar que ya desde el recinto del concierto se puedan recoger esos testimonios que engrandecen un concierto (no siempre se dan estas circunstancias) y el público que no ha asistido al mismo podría comprobar, por esas instantáneas, las grandezas que atesoran los conciertos en directo. Igual, hasta lograban llenar más de lo que lo hacen en algunos de ellos. Bueno, esto es una sugerencia personal que lanzo a todo el denominado “show business” de España.

Retomando lo que fue la recta final de este concierto de Antonio Orozco en MURCIA ON, el cantante y compositor prosiguió con su relato de los momentos bajos y su reinicio desde cero. “He estado fuera de cobertura, hasta que he logrado volver a comenzar. En este último disco, no hay ni una sola canción en la que no se hable de la mayoría de vosotros. Murcia siempre ha sido, para mí, el principio. Un buen amigo de aquí, Carlos, me facilitó el regreso y esta noche siento que se cierra un círculo. Ojalá que para Luna sea igual. Hoy es el mejor día de mi vida”, concluyó. La plaza se hundía de tanto aplauso y ovaciones. “¡Qué grande eres, Antonio!” pude escuchar a mis espaldas. Y sonó ‘Te juro que no hay un segundo que no piense en ti’, que para el disco grabó junto a Dani Martín que también tendrá gira el próximo año.

Luego relató que su hermano se había casado y estaba en viaje nupcial. Y pidió a los asistentes que encendieran la linterna de sus móviles, si todavía contaban con batería para ello. Solicitó que dejaran a oscuras el recinto, pero éste se iluminó con las casi diez mil luces pequeñitas. Fue mágico. A su organización pidió que grabaran con las cámaras el momento, al tiempo que gritaban “Felicidades, Laura y Pablo. Suerte, porque la vais a necesitar”. Demandó que todo se hiciera rítmicamente, porque luego su hermano le ataca diciéndole que su público no posee ritmo. Estuvo bien y todo quedó sincronizado; tal y como pidió Orozco.

Inevitablemente llegó el final, con ‘Entre sobras y sobras me faltas’, cuya parte final puso en pie a todo el público del recinto taurino, coreando y bailando al unísono como si se tratara de un solo grupo. Broche apoteósico, como el comienzo de esta actuación que llegó a las dos horas y cinco minutos. Al público se le veía más que satisfecho, exultante. Y la guinda. Aparecieron en la pantalla gigante del fondo de escenario, dos tartas con una vela cada una. En la primera, se podía ver 25 y en la de al lado 52. El artista barcelonés pidió ayuda para apagar esas velas. El primer número corresponde a los años que lleva Antonio Orozco en la música y motivo de esta gira 2025. La segunda cifra es la de su edad actual, que pronto sumará un año más. Por todo ello, muchas felicidades.

En resumen, la gira y el concierto de Antonio Orozco en el MURCIA ON no defraudó ni un ápice, como ya hemos relatado. Murcia siempre ha sido uno de sus talismanes y lo corroboró el pasado sábado en la plaza de toros de la ciudad del Segura. Una noche que ninguno de los que allí estuvieron olvidará jamás. La próxima cita es grandiosa. MURCIA ON recibe el 4 de octubre, a una de las leyendas vivas de la Música Pop Española. Miguel Rafael Martos Sánchez, más conocido como RAPHAEL, nos visita con su gira 2025 tras haber superado otro contratiempo de salud acaecido en diciembre del pasado 2024. A pesar de sus 82 años, Raphael sigue levantando pasiones allá donde sus conciertos llegan. A priori, se espera un lleno si, finalmente, mantiene su agenda de conciertos para octubre. Este viernes 26 de septiembre, Raphael suspendió en Zamora su actuación debido a un proceso gripal que ha hecho saltar las alarmas de su entorno, tras haber superado un linfoma cerebral en diciembre pasado. Hacemos votos por su recuperación. Será signo inequívoco de un mínimo contratiempo, para poder disfrutar de su espectáculo y presencia en el MURCIA ON. Hasta entonces, no pierdan el hilo.

Las personas llevamos el paso de los años de muy diferente manera. No somos ninguno igual al otro; si acaso, un parecido sería la definición más exacta del término. Valgan estas dos primeras líneas, para adentrarnos en el relato que pasamos a desarrollar. El pasado viernes en la noche, 19 de septiembre y ya pasada la Feria de la capital del Segura, el ciclo 'Murcia Río' nos acercó en el Murcia Parque la gira “40 Aniversario” del cantante, compositor y actor Coque Malla. No podemos hacer cábalas sobre cuánto personal hubiera asistido al concierto, si éste se hubiera celebrado en un gran recinto (plaza de toros o campo de fútbol), pero para el Murcia Parque la asistencia de unas 1.500 personas fue más que suficiente, para crear un calor humano que el propio Coque Malla agradeció por la cercanía de un público que hace llegar al músico sus sentimientos, de manera mucho más cercana.

El inicio fue con una mezcla de canciones de los años 60, al que siguió una proyección de otro mix visual, en el que aparecían algunas de las figuras de la música internacional como Frank Sinatra. Hasta aquí, se podría mal interpretar a tenor de lo que sonó con fuerza, a continuación. El primer rasgueo de la guitarra de Coque Malla -en el centro del escenario y al fondo-, con ‘Por las noches’ sirvió para gritar un “Buenas noches, Murcia. Bienvenidos”. Los asistentes ya mostraron sus inequívocas ganas de disfrutar al máximo de quien ha sido uno de sus ídolos musicales y así, ‘Sólo queda música’ se fundió con la primera pieza para ir consolidando esa unión público-músicos.

Aunque el recinto no era muy grande, se llenó totalmente. Sobre el fondo del escenario una pequeña pantalla (lo indicó así el propio Malla), en la que cada tema tenía su proyección alusiva. Al respecto, Coque Malla agradeció al respetable su asistencia nuevamente y, lo primero y destacado, fue solicitar un gran aplauso para su banda sin la que “yo no estaría haciendo esto. Ellos son los verdaderos protagonistas”. Después, volvió a preguntar cómo estaba el personal que contestó con un unánime “bien”. Dijo de Murcia Parque que era “un sitio muy bonito. Después de haber tocado durante todo el verano en recintos enormes donde las miradas se perdían teneros aquí, tan cerca, es muy de agradecer”. A continuación, el cantante hizo referencia a esa pequeña pantalla del fondo, pero sobre todo al autor de esos vídeos: El mallorquín Miquel Rayó. Y continuó reiterando sus gracias por venir al concierto, en el que “haré mis bailes y os cantaré mis canciones”, matizó.

La fiesta continuó con ‘Extraterrestre’, ‘La carta’, en la que apareció unos segundos su madre, la recordada actriz Amparo Valle, durante la grabación de esa pieza en la que declamaba “Debería estar ardiendo en el centro del incendio. Debería estar rodeada de seis leones hambrientos. Debería tener árbol que se parte con el rayo. Debería estar ardiendo”. Tal vez fue uno de los momentos más impactantes y emocionantes de este concierto aniversario. El público se divertía libremente, sin nada que lo impidiera y siguiendo, según qué canción del madrileño, las instrucciones que daba desde el escenario: “Ahora, todo el mundo, con los brazos de un lado hacia el otro”. La fiesta estaba saliendo tal y como la había pensado.

Malla fue desplegando con sutileza y medidas sensaciones la selección de sus canciones para este aniversario. Así llegó ‘Aunque estemos muertos’ y siguió con ‘¿Volverá?’, en la que presentó a la banda que hace posible, como él mismo indicó, esta gira 40 aniversario. Una banda conformada por Amable Rodríguez, guitarras; Héctor Rojo, bajo; David Lads, teclados, y el baterista Gabriel Marijuán. Luego de una brevísima pausa ‘Todo el mundo arde’, con ese ritmo pegajoso que no te dejaba estar quieto (¿y quién lo deseaba?) saliendo de una potente banda que vaya si realizó, y de qué magnífica manera, su trabajo.

Para volver a tomar el pulso del respetable, Coque Malla volvió a preguntar cómo estaban y el público respondió al instante que muy bien. Cómo no lo iban a estar, si la mayoría de ellos eran incondicionales del cantante. Así que atacó ‘La señal’ para continuar con el primer guiño a sus compañeros de Los Ronaldos: ‘No puedo vivir sin ti’, que compuso para el regreso del grupo en 2007.

Hace algún tiempo leí unas declaraciones de Malla en las que hablaba sobre la dureza de aquella ruptura de 1998, pero que las heridas que pudieron quedar ya habían quedado reparadas con aquel regreso de 2007 hasta 2008. Son muy buenos amigos y han tocado juntos, en algún momento de esta gira del 40 aniversario musical de Coque Malla.

Tras este primer guiño a sus compañeros-amigos, el cantante gastó uno de los momentos de humor de la gira que es cuando la banda se retira y se queja con “Ya se han ido otra vez. Todas las noches me hacen lo mismo. En fin, son músicos. Tienen que ir al camerino a beber, fumar… Me han dejado sólo con vosotros. Voy a aprovechar para contaros una historia. Por favor, ¿podéis bajar un poquito la luz? Así, gracias. Queda todo más íntimo porque lo que os voy a relatar, no todo han sido grandes conciertos, pabellones llenos y momentos maravillosos. Vivo una etapa que siguió a la de Los Ronaldos, tan difícil como interesante. Muchas noches tocando en muchos garitos, algunos muy pequeños y varios de ellos aquí, en Murcia, para 40 personas el día de mayor éxito. Y aunque pueda parecer triste estoy convencido de que fue en esos años y garitos, donde me convertí en cantante y el compositor que soy ahora. Así que le debo mucho a toda esa etapa, a esos garitos y aquellas 40 personas que, como yo, nunca tiraron la toalla. Para todo ese momento de mi vida, esta canción que surgió de aquellos días: ‘Berlín’”.

No sé qué opinarán ustedes, pero el que suscribe piensa que cuando un artista se desnuda de esa manera ante el público es, sobre todo, buena gente y honesto en su trabajo. El público también lo reconoció así, con una cerrada ovación. Era el momento íntimo y más sencillo de un Coque Malla y su guitarra acústica. Su letra es toda una declaración de intenciones en aquellos días difíciles: “Hoy voy a empezar a construir / La casa donde estaré / Para toda la vida / Voy a recorrer esta ciudad / Voy a llegar hasta el mar / El mar me cura la herida / Y voy a saltar / Voy a nadar hasta otro lugar / Para toda la vida”. En este mismo clímax íntimo continuó con ‘Hasta el final’. Luego surgió ‘El último hombre’ que comenzó en solitario, pero pronto apareció de nuevo la banda enganchándose a la pieza y culminando otra de las canciones surgidas en estos años de garitos.

Y claro está, ¿cómo iba a faltar el primer gran éxito de 1988 de Los Ronaldos, con el que el grupo fue catapultado? Pues sí, se dejaron sonar las primeras notas y el personal pareció como que revivía: ‘Adiós papá’ (consíguenos un poco de dinero más). Una locura, oigan. Y ya no hubo pausas. Las canciones se enlazaban una con otra, porque era la recta final. Se escucharon y disfrutaron piezas como ‘Mucho mejor’, un pequeño homenaje a Los Rodríguez con quienes cantó en 1995 esa canción, y otro de sus éxitos en solitario: ‘Un lazo rojo, un agujero’, con la que daba por acabado el concierto de esta gira.

Lógicamente, todo concierto que se precie tiene un bis o dos, o los que se tercien según estén los ánimos. El público no se movía del lugar que ocupaba en el recinto esperando ese o esos bises. Coque Malla había ofrecido 76 minutos de su música y tan sólo utilizó un minuto y medio en cambiarse de camisa, para regresar con su banda al escenario y regalar dos nuevas canciones al público murciano que acudió a ver su espectáculo. Y llegaron con ‘El árbol’, que movió todavía más al respetable. Y antes de dejar sonar el último tema, Coque Malla pidió un último aplauso para la banda, todo el equipo técnico e insistió en que esta gira de su 40 aniversario tocaba a su final -ya que quedaban muy pocos conciertos- y que no volverían a la carretera hasta pasado 2027; así lo esperaba. La canción que bajó el telón en el Murcia Parque fue ‘Me dejó marchar’. Apoteósica ovación para un Coque Malla y su grupo que rebosaban felicidad por todos los poros de su piel.

En suma, otra buena noche de música que nos ha proporcionado Ibolele Producciones, en esta ocasión en el auditorio Murcia Parque, con la gira 40 aniversario en la música de Coque Malla. Un cantante, compositor y actor que durante 2026 se va a meter en el papel de Mack El Navaja, protagonista de la ‘Ópera de los 3 centavos’. Y para 2027, Malla anuncia otro gran proyecto del que todavía no puede adelantar nada, pero que también lo dejará fuera de las carreteras y de sus giras. Nuestra próxima cita con la música nos llevará de regreso al ciclo ‘Murcia On’ en la plaza de toros murciana, con el concierto que ofrecerá Antonio Orozco el próximo 27 de septiembre. Naturalmente, se lo detallaremos en estas mismas páginas digitales, así que no pierdan el hilo.

En una reciente entrevista breve que los Telediarios de TVE le hicieron a Carlos Santana éste aseguró: “Todo lo que hago viene de África. Ahí está la base de toda mi música”. Fue hace unos días, con motivo de su llegada a Madrid, para ofrecer dos conciertos en la capital de España. Tras ello, la gira ‘Oneness 2025’ continuó por Valencia y llegó al MURCIA ON, que organiza Ibolele Producciones. La expectación levantada, como se pueden imaginar, era enorme y Santana, creo, que no ha defraudado a pesar de su hospitalización de abril pasado en Texas por deshidratación, que le hace tocar sentado buena parte de sus conciertos. Si lo comparo con el Santana que vimos en Alicante, en agosto de 2018, sí aprecio un poco de merma en cuanto a lo físico, pero continúa siendo el Carlos Santana de siempre, con una digitación asombrosa para tener 78 años recién cumpliditos y conocedor de que en un escenario sobran las palabras; la protagonista es, como así ocurrió, la música.

Un gong llamó la atención de los casi 8.000 espectadores de la plaza de toros murciana, para indicarles que comenzaba el espectáculo. Un vídeo ‘Aurora borealis/Woodstock Chant’, nos mostraba cantos, bailes y costumbres de tribus africanas con sus bandas sonoras, mezclando escenas de aquella mítica actuación de un grupo nobel llamado Santana, en el Woodstock de 1969. Los que entonces éramos jóvenes, como el propio Carlos, recordamos su concierto adelantado en el orden del Woodstock de 1969. Aunque les pilló de sorpresa, su actuación en ese festival del 69 fue una de las revelaciones más destacadas del mismo. Aquel día nació la leyenda, que llega hasta estos días de 2025

El final del vídeo se fusionó con ‘Soul Sacrifice’, muy en la línea de las imágenes y sonidos que habíamos presenciado momentos antes en esa proyección. Fue un estallido general del público, que ya estaba a lo que había que estar: dispuestos a ver y disfrutar sin límites la música de este guitarrista chicano que desde muy niño emigró con sus padres a los Estados Unidos. Santana aparecía de blanco, sombrero a juego, enfundado en una sudadera en la que se podía apreciar (y estoy citando, basándome en lo que vi en las pantallas gigantes) la cara de John Coltraine, por la parte delantera. Y ya ahí, comenzaron las mínimas incursiones de otras piezas musicales que el guitarrista introduce, a modo de homenajes, en las creaciones propias de su amplísimo repertorio.

Los primeros 52 minutos fueron todo música, sin ninguna palabra. Se fusionó con ‘Jingo’ y ‘Evil Ways“ (en la que introdujo un trocito de ‘Do it again’ de Steely Dan), todas ellas de su primer álbum del 69. Continuó con una composición de Peter Green que cuando Santana la versionó para su segundo LP ‘Abraxas’, ya no existió otra que la sustituyera incluida la original de Green. Y la fusión continuó con todo el pack que así está dispuesto en ese segundo disco: ‘Gypsy Queen’ y ‘Oye cómo va’, de Tito Puente. Ahí, el público ya andaba bailando donde podía. En el ruedo -lleno totalmente-, en las gradas por pasillos o de pie desde el asiento de cada uno. El caso es que esa música de la memoria colectiva, se le mete a uno por todo el cuerpo y no te deja, ni quieres, estarte quieto. Es más, la deseas como el que necesita beber agua o tomar alimento; es, precisamente, ese alimento del alma que te impulsa para disfrutar al máximo. Era Santana en estado puro, con una banda de musicazos que, además, se comprenden a la perfección. Y así da un gusto tocar, divertirse y proyectar al público todas esas sensaciones que es la paga espiritual de quien ofrece lo mejor de él desde un escenario.

Como indico, sin mediar palabra, se dejó escuchar la guitarra española del comienzo de ‘María, María’, del álbum que le devolvió al primer plano musical en 1999 ‘Sobrenatural’, ‘Foo Foo’ coreando y acompañando el público “Todo el mundo con la mano arriba”. Y seguíamos sin oír hablar a Carlos Santana, porque de inmediato arrancaron las primeras notas del Hammond con ‘Everybody’s Everythings’ que abría la cara B de su tercer LP publicado en 1971, en el que Santana dejó el sólo a Tommy Anthony que estuvo genial. Fundido con el final de esa pieza, un dúo entre el bajista Benny Rietveld -que al igual que sus compañeros de grupo estuvo sobresaliente- y la esposa de Carlos y enorme baterista Cindy Blackman Santana, logrando acaparar toda la atención de esas casi ocho mil almas presentes olvidándonos, por un momento, de que era un concierto de Santana. Apoteosis final del público, en reconocimiento a estos dos genios en sus respectivos instrumentos.

Estábamos ya en el minuto 52 de concierto, cuando Carlos Santana se dirigió a los presentes dando las gracias y manifestando que deseaba ofrecernos la gratitud que guardaba dentro de su corazón. “Gracias por estar con nosotros. Juntos queremos completar una página de este libro, de esta historia. Porque ahorita, la cosa está un poco delicada. Rusia, China, Corea y el Middle East (Oriente Medio) quieren guerra nuclear. Es cosa seria y nosotros, juntos, tenemos la capacidad de cambiar la conciencia con alegría, con esperanza y con una vibración positiva”. Tras los aplausos y para calmar un poco el ambiente y acompañar su breve disertación sonaron las notas de ’Samba pa ti’ a la que unió con otra de sus inmortales baladas de su álbum de 1976 ‘Amigos’, titulada ‘Europa (Llanto de la Tierra, Sonrisa del Cielo)’, durante la que tuvo intercambio de fraseos con Tommy Anthony que deleitó al respetable. Tras los aplausos, los timbales de Karl Perazzo daban la entrada de ‘Incident At Neshabur’ (regreso al disco ‘Abraxas’), con una incursión (ya indiqué que hubo varias, a lo largo del concierto) de ‘Chin chin cheree’, de la banda sonora de la película Mary Poppins, finalizando con otra referencia a una pieza Beatle: ‘El loco de la colina’. Un final que se parece al original grabado en Abraxas, pero muy innovado con derivaciones ricas en matices inequívocamente Santana, que retoman el hilo conductor para que nadie se despiste.

No había descanso para nadie. Desde el órgano Hammond se escucharon las primeras notas de ‘Hope You're Feelign Better’ (Espero que te sientas mejor) a modo de deseo para el personal que no cesaba de bailar y disfrutar de la música, de Santana y sus músicos y de la noche que, en lo meteorológico, nos posibilitó un ratico de brisa fresca que nunca viene mal para estos calores murcianos. Era viernes, 1 de agosto, muchos de los presentes comenzaban sus vacaciones estivales; no había prisa alguna, la noche invitaba a disfrutar de lo que nos ofrecía Santana y su grupo desde el escenario, en la plaza de toros del coso de la Condomina. Así que, en esa exposición de la primera etapa del nacimiento como grupo a la del renacer como ave Fénix de 1999 con ‘Sobrenatural’, el guitarrista nos expuso su futuro con ‘Yale’ que abría, precisamente, ese disco del que se cumplen ahora 25 años de su publicación. A ella siguió ‘Put Yours Lights On’, tema más sosegado del mismo disco, para continuar con ‘Corazón Espinado’ en medio de la que insertó unos compases de ‘Guajira’, a modo de fusionar los comienzos con el presente. Finalmente, toda la plaza coreaba “Ah, ah, ah, corazón espinado. Cómo me duele el amor”, con la que brevemente, se despedía Carlos Santana.

En ese momento del concierto, de nuevo un vídeo que representaba la espiritualidad a la que se abrazó Santana hace años y en la que ha continuado. De hecho, la piedra frontal de sus sombreros es un signo que representa su nombre tomado en 1972 de Devadip, cuyo significado es “Lámpara o Luz de Dios” y aunque los tiempos en los que se abrazó a Sri Chinmoy ya forman parte de su historia personal, Carlos Santana ha mantenido esa espiritualidad. Cuando apareció de nuevo en el escenario, se dirigió al público indicando que “Hay que tener fe. Todo lo que pides de corazón, te lo da Dios. Hay que creer y lo que quiero es que todos ustedes tengan salud, capital (dinero), paz en su mente y alegría en su corazón. Es lo que yo quiero. Y si quieren fumar marihuana o tomar tequila, eso ya es cosa de ustedes”. Bueno, el público no saltó al escenario porque lo impedían la seguridad y las vallas que se interponían, pero lo hubieran hecho.

En esta segunda aparición, Carlos Santana nos iba a regalar un ratito más de su historia musical para que, como diría él, gozásemos un poquitico más. Primero fue con ‘Toussaint L’Overture’, con nuevo guiño a una pieza de George Harrison que se incluyó en el Doble Blanco de The Beatles: ‘While my guitar gently weeps’ (Mientras mi guitarra llora). Cuando la pieza llegó a su final, se inició un solo de batería de algo más de cuatro minutos, de Cindy Blackman Santana que provocó una enorme ovación del público. De inmediato, Carlos la presentó con su nombre y como su esposa. Tras ello, continuó con el resto del grupo Benny Rietveld, en el bajo. Karl Perazzo, percusión; Ray Greene, voz y trombón; Andy Vargas, voz y percusión; Tommy Anthony, guitarra rítmica y voz; David K. Mathews, Hammond y teclados; Paoli Mejías, percusión. Y creo, aunque no se ha podido confirmar, Michael Carabello, congas; otro superviviente de aquel Woodstock 69. Así lo presentó y, en consecuencia, no voy a dudar, aunque me pillara muy lejos para ver su cara. Para acabar las presentaciones, Karl Perazzo hizo los honores para Carlos Santana, que fue respondido con una enorme ovación. De inmediato, el final del concierto con ‘Smooth’, como broche a este 25 aniversario del disco ‘Sobrenatural’ y de la gira Oneness 2025 en su fase europea, saludando de nuevo al público y dejando sonar las últimas notas, sobre la proyección al fondo de su paloma blanca símbolo de la paz.

En resumen, oportunidad de oro para presenciar, disfrutar y comulgar con una parte de nuestra memoria colectiva propiciada por Carlos Santana y su grupo, que lejos de defraudar nos devolvió, a muchos de nosotros, una parte muy importante de juventud. Santana llegó, tocó como siempre lo ha hecho (parece que el tiempo no haya transcurrido por él. Por cierto, que mantiene una cara envidiable para tener 78 años recién cumplidos, ya que apenas tiene arrugas) y volvió a triunfar. Es parte de nuestras vivencias musicales más importantes de los últimos 56 años y continúa fortaleciéndonos el cuerpo y el alma. Ahí es nada. Disfruten del verano. Nuestra próxima cita será ya en septiembre, con el concierto que ofrecerá en el Murcia Parque Coque Maya, del que les contaremos todos los detalles y vivencias del personal. Hasta entonces, no pierdan el hilo.

Los norteamericanos ya tienen, sobradamente, demostrado que son los Maestros del Espectáculo. Lo hemos podido constatar a lo largo de siglo y cuarto. Conocen todos los entresijos (y el que no, lo inventan) para que un espectáculo no defraude. Y, exactamente eso, es lo que aconteció el pasado miércoles día 23 de los presentes, en la plaza de toros dentro del ciclo MURCIA ON, con el concierto que ofreció el cuatro veces ganador de un premio GRAMMY (los premios GRAMMY son concedidos por la Academia de la Grabación de los Estados Unidos, para reconocer los logros sobresalientes en la música y están considerados los más prestigiosos y significativos de la industria musical en los Estados Unidos, por lo que el espectáculo se llama con frecuencia la noche más grande de la música) Lionel Richie y su gira 2025 ‘Say Hello To The Hits’. Casi siete mil personas -muchas de ellas, de habla anglosajona residentes en diferentes puntos de nuestra Piel de Toro buena parte del año- se dieron cita en el coso taurino de La Condomina, para cantar, bailar o aplaudir a Lionel Richie. Sin duda, uno de los baladistas más populares de toda la música y en especial de la que nos llega desde Estados Unidos.

Con las primeras notas de ‘Hello’ aparecía en el escenario desde el que divisó, rápidamente, el fervor inequívoco con el que su público, este público presente, le recibía. E inició esta canción que, tan sólo a los 20 segundos de ello, ya coreó todo el recinto, al tiempo que cantaban el resto de la letra con Lionel. Fue una comunión músico-público inmediata. Al finalizar -y es curioso, porque así lo pronunció durante toda la noche- gritó “I love, Murcía” (“Te quiero, Murcía”). Por lo escuchado, o no entendió bien la pronunciación, Murcia, o de ahí no lo sacabas. Hasta hizo bromas con ello, pero fue simpático durante los casi cien minutos de concierto porque el personal lo aceptó sin más. Y la música continuó con ‘Runnin With The Night’, en un tempo más rítmico que puso a bailar a muchos de los presentes.

Lionel Richie iba hilando piezas lentas con algo más rápidas o de medio tempo, como ‘Easy’, que muy bien podía ser una balada vaquera, interpretada desde un piano gran cola blanco ubicado en la zona media del escenario. A esta pieza unió ‘My Love’ también desde el piano. En esta canción, Richie le pidió a su saxofonista que Murcia se merecía un solo más amplio y espectacular, así que repitió con un mayor énfasis y número de compases que el respetable supo premiar. Son trozos exitosos de su larga trayectoria en la música (de ahí, el nombre de esta gira), que se inició formalmente a mediados de los años 60 del siglo XX. Hacia 1968, Richie formaba parte de The Commodores un grupo de soul y funky que tenía cierto éxito en sus actuaciones y ese año, el sello discográfico Atlantic los contrató para grabar un disco; poco después, la Tamla Motown los ficharía para ser teloneros de The Jackson Five. Por entonces, Lionel Richie era el saxofonista y segunda voz principal del grupo comenzando a escribir temas lentos, baladas de fácil asimilación. Algunas de ellas las cantó en este concierto de Murcia. Por cierto, a pesar de que ha tenido una carrera en solitario, Richie nunca ha olvidado a sus compañeros de Commodores como lo demuestran las interpretaciones que continúa incluyendo en sus repertorios.

Un repertorio que siguió con ‘Penny Lover’, otra pieza de tempo medio que el público también cantaba (casi todas las que conformaron la actuación de Richie lo fueron por los asistentes) para continuar con ‘Se La’, de su álbum de 1986 a ritmo de reggae, donde todos cantaban “You know sometimes I sit / and wonder just how this world would be / If we hod all the people laughing / and everybody living in harmony. / We have to say - se la / se la - talking to the people - se la / se la / It's time you thought about it - se la / se la” (“A veces me siento / y me pregunto cómo sería este mundo / si todos estuvieran riendo / y viviendo en armonía. / Tenemos que decir – hazlo / hazlo - hablando con la gente – hazlo / hazlo / Es hora de que lo pienses – hazlo / hazlo”). Y enlazó con ‘Stuck On You’, de 1984 ya con el sello Motown. Otro de los iconos musicales del norteamericano que interpretó, como en otros casos, desde el piano y acompañado por el multitudinario coro que se encontraba en el coso taurino.

‘Sail On’ es una emotiva balada, en la que Lionel Richie habla de la despedida y la superación de una relación fallida, a través de un viaje emocional con final feliz. Por supuesto, el público continuaba cantando; en unos temas más que en otros, pero sin que se consiguiera silenciar esas voces corales del público. Continuó con otra canción a medio tempo titulada ‘You Are The Sun, You Are The Rain’ en la que, de nuevo, Richie nos habla de su inquebrantable compromiso con el amor. Ahora tocaba cambiar el ritmo del concierto, para que el personal volviera a bailar, disfrutar sin límites y por ello sonó ‘Brick House’. Una de las piezas para recordar aquellos días con The Commodores, donde el funk fluía a borbotones, libremente y sin fronteras. Fue una de las piezas más espectaculares, tanto en lo musical como en lo visual, de este concierto. Con fondos en movimiento adecuados, llamaradas en línea delante de ese fondo y una banda que dejaba cristalina su enorme calidad. Un éxito lanzado por Commodores en 1977 y que Richie incluye en su repertorio, como parte de la autoría de la pieza, pero que también deja constancia de su presencia en esa etapa inolvidable para el cantante. En su letra se deja ver, más allá de lo superficialidad que dibuja sobre la importancia de la mujer en el mundo del hombre, la capacidad de la mujer para ser poderosa y autónoma, como la que el ritmo de esta pieza. Fue, sin duda, uno de los momentos culminantes del concierto, con el que toda la plaza disfrutó como un enano. ¡Qué grande es el funky, Señor!

De regreso al piano, Lionel Richie nos interpretó una de las baladas, casi serenata, en la que se abre internamente en cuanto a vivencias personales: ‘Three Times A Lady’. Richie transmite la profundidad de sus emociones. La canción no sólo celebra el amor y la devoción, sino también un sentido de eternidad y compromiso inquebrantable. 'Three Times A Lady', en esencia, es una declaración de amor eterno y un reconocimiento a la influencia transformadora de la mujer.

El momento más Commodores fue el que contenía tres canciones inequívocamente de aquella etapa. Primero, otra pieza funky, ‘Fancy Dancer’, que puso las pilas al que las tenía con baja carga. Continuó con ‘Sweet Love’, para descansar rítmicamente ese momento, y culminar con ‘Lady You Bring Me Up’, que dejó hechos trizas a esas almas a las que, para esa altura del concierto, el cuerpo les bailaba solo.

Y otra balada más de las que compuso en la década de los 80 del pasado siglo XX: ‘Truly’. En ella, Lionel Richie defiende su gran capacidad para captar la esencia del amor romántico y una muestra inequívoca de su talento como cantautor. Enlazó con lo que sería el segundo disco sencillo más vendido en 1981, ‘Endless Love’, compuesta por Richie y grabada en formato dúo con la también cantante, entonces, de la Tamla Motown, Diana Ross, para la que tuvo recuerdos de aquellos días. La pieza se incluyó en la película del mismo título, aunque en el cine no tuvo tanto éxito como en las listas de ventas discográficas.

Como el lector habrá podido apreciar, Lionel Richie supo mantener siempre la atención de esas casi siete mil almas que acudieron a su concierto, mezclando muy bien las baladas lentas con las de medio tempo o las piezas más rítmicas, con el objetivo de que cada espectador no tuviera respiro para la apatía o aburrimiento. Y damos fe de que lo logró. Tras esas baladas, de nuevo el frenesí rítmico con ‘My Destiny’, que el público coreó y bailó, junto con otro trallazo como ‘Dancing On The Ceiling’. Música y baile: Un lenguaje universal, que une a los pueblos.

Para cambiar y descansar otro poco, mientras se secaba una y otra vez el sudor de su cara (la noche, en lo meteorológico, fue agobiante con el calor húmedo murciano), otro de los iconos musicales de Lionel Richie: ‘Save You, Save Me’. Un coro enorme cantó con Lionel esta especie de himno que, así lo entendí, significaba el final de su concierto oficial. Pero, siempre hay un pero, había más preparado. El público, puesto en pie y sin cesar de aplaudir y vitorear a Lionel Richie, le demandaba un poco más. El cantante y su banda no habían abandonado el escenario y contemplaban la escena con verdadera emoción (se veía en sus rostros) y agradecimiento, según expresó a continuación el cantante y compositor norteamericano. Primero, nos recordó lo que significó el componer junto al recordado Michael Jackson la canción ‘We Are The World’, que movió a todo el mundo en esa llamada de los artistas USA para ayudar a paliar la hambruna de África. Corrían los días de 1985 y en tan sólo una noche, la canción quedó compuesta. Se vendieron más de 20 millones de copias físicas del disco que primero fue un sencillo, para después integrarse en un álbum ambos dirigidos y producidos por Quincy Jones. Ni que decir tiene que la canción fue interpretada, de principio a fin, por todos los asistentes al concierto. Y tras ello, Richie se enfundó un chaqué negro con adornos bordados en rojo en su pechera, para culminar un concierto grandioso, con otra de las canciones inmortales de su amplísimo repertorio: ‘All Night Long’. Todos se divertían, bailaban y cantaban como una sola persona y los músicos, desde el escenario, disfrutaban al máximo con este público que se entregó desde el primer minuto. Un delirio final, que nos hizo bailar en el ruedo o las gradas.

En resumen, noche para el espectáculo, la diversión, el amor, la nostalgia en pequeñas dosis y, sobre todo, las ganas de vivir la vida de esas casi siete mil personas que acudieron a la llamada de Lionel Richie, con su gira ‘Say Hello To The Hits’ que desarrolla en este año 2025. La próxima cita que este espacio tiene en el MURCIA ON será el próximo 1 de agosto, con un auténtico líder de la fusión entre rock y ritmos latinos. Les hablamos de Carlos Santana y su banda. Uno de los conciertos de esta programación, que más expectación ha levantado entre las legiones de seguidores con que cuenta el guitarrista. Naturalmente que se lo contaremos, con toda clase de detalles. No pierdan el hilo.

En 2014, Escocia -que estaba integrada en el Reino Unido- celebró su Referéndum de Independencia que perdió por una diferencia del 10,6 por ciento. Hubo algunos comentarios y especulaciones sobre ese resultado que fue claro, pero no se pudo evitar el comentario sobre que el MI5 y otras fuerzas e intereses de la Gran Bretaña habían “intervenido” para que Escocia siguiera integrada en el Reino Unido. Pues bien, este recordatorio del intento que se celebró en 2014 tuvo una reminiscencia el pasado sábado, 19 de julio de 2025, durante el concierto que los escoceses de Simple Minds celebraron, dentro del ciclo MURCIA ON, en la plaza de toros de La Condomina. Banderas escocesas y vestimentas masculinas de tartán (alguno decorado con cuero, sin perder el tejido propio escocés de la clásica falda o kilt) y su sporran (una especie de zurrón o riñonera), que imprimían aún más ambiente entre el público que llenaba las gradas puestas a la venta, además del personal congregado en el ruedo taurino. En total, casi 6.000 personas se habían dado cita (la mayoría entre los 50 y 60 años o unos poco más) para presenciar el concierto que ofrecieron sus compatriotas de Simple Minds.

A las 21 horas y 32 minutos, se iniciaba el estallido escocés de esta actuación del grupo, con las primeras notas de ‘Waterfront’; una pieza muy potente perteneciente a su álbum de 1983 titulado ‘Sparkle in the rain’ que ya puso a toda la plaza a tono, con un público saltando, acompañando con palmas acompasadas y coreando el estribillo. Las banderas escocesas ondearon en el aire (escaso, por cierto) que había en el ruedo y gradas. Todo era, desde el primer minuto, muy escocés. Tras dar las “Gracias, Murcia” por parte del líder y cantante Jim Kerr, pidió que todo el mundo siguiera acompañando las canciones del grupo. Así que sonó la pieza de 1985 que dio título a ese disco grande: ‘Once upon a time’. Los asistentes se movían por el ruedo de la plaza, en sus lugares de los tendidos puestos en pie… El ir y venir de tanques cerveceros era constante en todas las barras disponibles. Lo fue entonces y antes, en los bares de la zona aledaña al coso taurino. El reinante calor murciano tan sofocante no dejaba mucha más elección. Ya en el recinto, la música también contribuía a ir refrescando las gargantas, para seguir coreando piezas como ‘Gittering prize’ (1982), ‘Oh jungleland’ (1985) o ‘Let there be love’ que el público, como si fuera un solo coro al unísono, acompañaba a sus ídolos musicales. Todo era fiesta, el buen rollo reinaba y las cervezas se agotaban una y otra vez.

La trayectoria de Simple Minds sólo tuvo un descanso de 1992 a 1994. Fue una parada, tal vez, necesaria para reiniciar las ideas y el rumbo de algunas decisiones. Pero tuvo también sus frutos, como lo demuestran los 20 álbumes publicados, además de sencillos, vídeos o colaboraciones en cine y televisión. Los años 80 del siglo XX fue una etapa musical muy rica, en la que grupos como The Cure, Depeche Mode, The Smiths, Joy Division, Duran Duran, Pet Shot Boys y muchos más -sin olvidarnos de formaciones como The Police o Iron Maiden- compitiendo, además, con los consolidados Queen y con terreno amplio para seguir innovando. Fue el caso de las guitarras experimentales de Charlie Burchill que, hasta ese momento, se distribuían por cada una de las piezas que conformaban el repertorio de Simple Minds hasta ser, digamos, la principal voz musical del grupo que sustituía a la sección de teclados y bajo, protagonistas hasta entonces. En suma, decisiones que durante ese tiempo de reflexión dotaron a Simple Minds de nuevos potenciales provocando revisiones de todo lo publicado.

Las canciones de su amplio repertorio se iban sucediendo, como ‘Love song’ (pieza potente y muy activa), ‘I wihs you where here’, del año 1985, en la que Kerr aprovechó para comprobar si el personal andaba despistado o bajo de forma con un “Murcia”, que fue respondido al momento por esas casi 6.000 personas que contemplaban el espectáculo. Le seguiría una pieza un tanto más relajada, ‘Someone somewhere’ (con coros y palmas del público incluidas), a la que seguirían ‘Belfast child’ de corte muy influenciado por el folklore y con una introducción de magnífica factura del guitarrista Charlie Burchill, que fue uno de los escasos temas sosegados de la hora y media de concierto. Tras los primeros cinco minutos, otra reminiscencia de la música celta: Los tambores que hacía sonar, contundentemente, la baterista Cherisse Osei, de pie, para abarcar mejor todo su amplio set percusivo y retomar la línea del comienzo para finalizar. Grandiosa esta segunda parte de la pieza, que el respetable supo premiar.

Llegados a este punto del concierto, el grupo atacó ‘Theme for great cities“; una pieza instrumental larga, que dio tiempo a Kerr para cambiarse de camiseta y camisa ya que el calor reinante en Murcia era intenso. Fue, entonces, cuando la baterista Cherisse Osei cobró el protagonismo con un espectacular solo certificando con ello, el motivo de que sea considerada en Gran Bretaña una de las mejores en su especialidad. Además, sirvió como preámbulo para presentar a la banda integrada, además de Osei, por Jim Kerr, cantante y fundador; Charlie Burchill, el otro fundador que queda y guitarra solista; Ged Grimes, bajo y coros; Sarah Brown, coros y voz; Gordy Goudie, guitarra rítmica y percusión y, por último, pero no menos importante, Erik Ljunggren, teclados. Y sin más, sonaron las notas de otro potente tema titulado ‘Promise You A Miracle’, que reiteró la entrega de un público que necesitaba la música de Simple Minds. El baile, los coros y las palmas continuaban formando parte de esta gran banda escocesa, que enfilaba ya la recta final de su concierto en el MURCIA ON 2025.

Una recta final que llegó con ‘All the things she said’, otra canción exitosa de 1985 (fue la década en la que más éxitos lograron) pero con una puesta al día a la publicada aquel año. Continuaron con ‘See the lights’, en la que el público ya invadía parte de los espacios de paso en las gradas bailando y aplaudiendo, para llegar al final del concierto con ‘Don't you forget about me’, que alargó debido a que el personal no cesaba de corear el estribillo, saltando y acompañando con palmas. En esta interactuación, Kerr fue solicitando que bajaran la intensidad del coro hasta casi hacerlo callar, mientras el se arrodillaba y tumbaba hacia atrás arrancando, de menos a más, con el estribillo hasta que el respetable volvió a coger combo. Bueno, una fusión total entre músicos y público que dejaba fe notarial del potencial que Simple Minds despliega en sus conciertos. Mientras esperábamos el comienzo de esta actuación escuché, en el corrillo de fotógrafos, que hay músicos que ya no dan la talla por la edad y pérdida notoria de facultades. Uno de ellos señaló que “mientras cumplan en el escenario, la edad no importa”. Y lleva toda la razón. Simple Minds son parte de esa razón viva.

Jim Kerr dio las gracias porque este público volviera, una vez más, a arroparles y acudir a su concierto en esta plaza de toros murciana. Los asistentes no cesaban de vitorearlos, de aplaudirlos y de, cómo no, pedir un poco más. Menos de un minuto tardaron en regresar al escenario, para regalarnos un primer bis cantado por Sarah Brown: ‘Book of brilliant things’. Una excelente voz la de Sarah, que supo expresar el reconocimiento del público. Y otra pieza imprescindible del repertorio, ‘Alive and kicking’ con la que, ahora sí, Simple Minds finalizaban su paso, una vez más, por la plaza taurina de Murcia.

En suma, un concierto que tuvo fuerza y dinamismo desde el primer tema y que convocó a casi seis mil personas (muchas de ellas escocesas y británicas, que pasan buena parte del año en nuestra región), con el que disfrutaron al máximo sin descartar otros tiempos en los que fueron más jóvenes.

La próxima cita será este miércoles, 23 de julio, con otra leyenda de la música del rhytm & blues: Lionel Ritchie. Un concierto que es esperado con gran expectación por los aficionados a este género, que también cuenta con un buen número de adeptos. Naturalmente, se lo contaremos en estas mismas páginas digitales así que, por favor, no pierdan el hilo.

La calificación de un concierto, en ocasiones, te plantea disyuntivas. Me explico. El pasado jueves en la noche, el ciclo MURCIA ON que programa Ibolele Producciones había preparado una noche de auténtico rock. Su protagonista eran los suecos de Europe, uno de los grupos punteros del género en nuestro viejo continente y fuera de él. Como teloneros, los murcianos de Hitten estuvieron muy a la altura de lo que después nos dejarían Europe. Y aquí es donde se plantea la disyuntiva (mi vecino de butaca, así me lo expresó). Qué es más conveniente ¿dejar al personal con unas pocas ganas de más o, por el contrario, reventarlos hasta que les salga tu música por todo su cuerpo? Mi vecino tenía la sensación de que el concierto de Europe le había sabido a poco. Otros, en cambio, salían satisfechos con la hora y quince minutos que dejaron en la plaza de toros murciana. Pero vayamos por partes.

La noche -y el cartel- prometían. Quedaba cristalino que era un espacio absoluto para el hard-rock o el rock-metal y, en consecuencia, allí no cabían los que dudaban, los tibios o los amantes del pop. Aquello iba a ser un trallazo detrás de otro, así que lo mejor para todos era no tropezarnos con algún siniestro personaje que no tuviera una birra (cerveza) en la mano, que no llevara sus cadenas y anillos de calavera o que fuera un muro, mientras escuchaba esa música. Desentonaba y las miradas iban a resultar tan hirientes, que él solito se apartaría en un rincón o se marcharía. Aquello no dejaba lugar a la duda: Era rock auténtico, con toda su enorme carga de metal.

Para ir calentando motores (nunca mejor expresada la palabra, ya que muchos de ellos acudieron a esta cita en sus motocicletas), se contó con los murcianos de Hitten. Un grupo formado en 2011 por Alex Panza, voz. Dani Meseguer y Johnny Lorca en las guitarras. Willy Medina, en la batería y su compañero de sección rítmica, Satán, en el bajo eléctrico. El quinteto apareció en el escenario a las ocho de la tarde, para ir calentando al público que todavía no finalizaba de llegar, aunque ya se contaba con unos cinco mil aproximadamente. Su concierto fue subiendo la temperatura humana, con los temas que conforman sus discos de estudio. Piezas que para sus seguidores murcianos son sobradamente conocidas y cantadas con el grupo que supo, en todo momento, cómo mantener la atención y el clímax propicio hasta la llegada de Europe.

Tras su hora y cinco minutos de actuación, una pausa para dejar que acabaran de llegar el resto de los aficionados convocados por la inequívoca llamada de Europe. Y allí estaban los algo más de nueve mil seguidores, que esta formación sueca ha sabido ganarse desde que nacieran en 1979. Con una puntualidad muy british, Europe comenzó su concierto con una introducción un poco más alargada, del inicio de su primera pieza titulada ‘On broken wings’ que sonaba mientras se proyectaba como un encendido paulatino de luces. Aclamación unánime al aparecer sus miembros en el escenario, un saludo de su cantante y uno de sus fundadores, Joey Tempest, exclamando “Buenas noches, Murcia”. Bueno, para que dijese nada. Ese saludo y el ritmo de esta primera pieza hicieron el resto, para que todo el mundo (incluidos los situados en las gradas de la plaza taurina) comenzara a saltar y bailar.

Y fundida con esa, la titulada ‘Rock the night’, que incrementaba el fuego hasta el nivel 6 de un máximo de 10. Los asistentes bailaban donde fuera; si era en el ruedo, pues en el ruedo que había más espacio. Que, en la localidad de tendido pues se movía uno ahí mismo, aunque no existiera más de medio metro cuadrado. El caso era disfrutar con la música de los ídolos, a los que todos ellos han seguido desde la década de los 80 del pasado siglo XX y ahora, tras su regreso en 2003 hasta hoy. Después llegarían ‘Walk the earth’, que daba título a su disco grande de 2017, y ‘Scream of anger’, de regreso al resumen de sus éxitos hasta el año 2000.

La meteorología en Murcia no da tregua. El calor era sofocante y si a ello le unías que no parabas de moverte, pues el resultado era un río de gente yendo y viniendo de las diferentes barras de cerveza o refrescos distribuidas tanto por el ruedo, como por el interior de las gradas. El caso era no dejar de hidratarnos, porque la sofocante temperatura húmeda murciana no dejaba otra opción. Bueno, ni ella ni el ejercicio que cada cual hacía moviéndose al compás de cada una de las canciones, que desde el escenario Europe nos lanzaba como por ejemplo ‘Sing of times’.

Con estudiada medida y mejor humor y empatía, ya lo indicaba al comienzo, Tempest vigilaba que no nos despistáramos ni decayera nuestro ánimo. Un ejemplo fue, antes de ‘Hold your head up’, lo que nos dijo desde su micrófono: “Acho, estamos de puta madre”, con acento, pero se entendió a la perfección. Se lo comían. Seguramente, sus colegas murcianos de Hitten les escribieron, en camerinos, algunas frases al uso murciano. Era lo lógico de pensar. El concierto estaba transcurriendo en un ambiente idóneo, con los éxitos del grupo sueco sonando, uno tras otro, con un público entregado y contento, tanto como lo estaban los que se encargan de las barras de bar. Seguramente (y estuve observando desde mi privilegiada posición en la contrabarrera del tendido) gastaron más de 30 barriles de ‘Agua de Espinardo’ (cerveza, vamos) antes, durante y posterior al concierto. Seguro; o un número mayor. Joey Tempest pidió a los presentes que acompañaran con palmas el estribillo de esta ‘Hold your head up’’ y ya se sabe el dicho: “No me toques las palmas…” Pues eso, dicho y hecho. A este público, como a otros en esta tierra murciana, no hace falta que les digas vamos; nosotros solos avanzamos sin que nadie nos diga nada. Para culminar esta primera parte del concierto había que calmar un poquito el cuerpo, darle un pequeño respiro y para ello sonó una preciosa canción del repertorio Europe titulada ‘Carrie’.

Tras este pequeño sosiego, de nuevo a la batalla con un tema que dio título a su álbum de 2015: ‘War of kings“. Es su disco más contundente de estos últimos tiempos. Y es que Europe mantiene una continua batalla musical, para no perder combo dentro del hard-rock. Reza así su estribillo: ”En esa noche bajo el furioso cielo del norte / Las semillas de la leyenda yacen / Hinchadas casi para un hombre / Comenzó la Guerra de los Reyes.“ Seguirían con ‘Stromwind’, otro de sus recordados éxitos en el que el público volvió a acompañar con sus palmas, para seguir con ‘Open your heart’, acompañándose Joey Tempest de guitarra acústica y cuya letra describe la incertidumbre y espera de un chico por una chica, que no acaba de decidirse a la que pide que abra su corazón y le hable.

Aunque es rock, muchas de las letras de Europe hablan de amor, de esa chica que a veces está y otras se ausenta. Como en ‘More than meets the eyes’, a la que siguió ‘Last Look at Eden’ retándonos a que miremos por última vez al Edén. Para ‘Ready or nort’, Tempest tomó de nuevo la guitarra (ahora eléctrica) con la que acompañó al resto de la banda. Una banda que presentó durante la pieza ‘Superstitious’, incluyendo el estribillo de ‘No, woman no cry’. Europe se rehízo en 2003 y desde entonces está conformado por el cantante Joey Tempest, el bajista John Leven (son los dos únicos que quedan del año 1979), el guitarrista John Terry Norum, el teclista Mic Michaell e Ian Haugland, a la batería. Con esta canción finalizaban su concierto los suecos de Europe, dando las gracias a todos los asistentes. Pero el público no estaba por la labor de dejarlo ahí. Solicitaban más y sonaba el ya manido coro de “Oé, oé, oé, oé”. No tuvieron que insistir mucho.

Regresaron al escenario. Primero el batería, que golpeó sus toms varias veces a modo de llamada para sus compañeros. Era el comienzo de otra pieza indispensable de su amplio repertorio: ‘Cherokee’. Bueno, bueno. No saben cómo agradecieron sus fans aquel primer bis o regalo, como deseen llamarlo. La fiesta continuó y las cervezas se fueron apurando, sobre todo aquellas que todavía llenaban buena parte del vaso (por cierto, que te avisaban en la barra que no perdieras ese vaso porque te cobraban un euro por él y era reutilizable). Fundida con ésta, el buque insignia de los éxitos logrados por Europe en la década de los 80 del siglo XX: ‘The Final Countdown’. El delirio extremo. El personal ya saltó de sus asientos en las gradas buscando más espacio (unas escaleras de piedra, un pasillo amplio de separación), para bailar a tope ese himno de este grupo nacido en Suecia a finales de los 70. Fue un final apoteósico y que, en cierta manera, todos esperábamos.

En resumen, noche rockera donde las haya con mucho metal a cargo de los teloneros murcianos de Hitten, para dejar paso a Europe y culminar una noche muy caliente. Tanto que llegó a hervir la plaza de toros murciana. La próxima cita nos llega el día 19 de este mes, con otra formación que se creó en Escocia: Simple Minds. Se lo contaremos, con pelos y señales, desde estas páginas. No pierdan el hilo.

MURCIA ON ha sido el ciclo desde el que el cantante Miguel Bosé ha iniciado su gira española 2025. Durante un mes, según relató el propio Bosé, recorrerán nuestra Piel de Toro de Norte a Sur, de Este a Oeste llevando su renacer artístico. Lo que Miguel Bosé mostró el sábado en la plaza de toros de Murcia fue el retorno de alguien a quien muchos ya habían matado artísticamente. Antes de los problemas de salud que lo apartaron de los escenarios -a los que se sumaron los sentimentales y personales, en los que no entraremos-, Bosé era uno de nuestros artistas más solicitados por todo el mundo; especialmente en Latinoamérica, donde es muy querido como lo demuestran los llenos de sus conciertos. Miguel Bosé se ha estado planteando muchas cosas, él mismo dejó algunas pinceladas durante su concierto por más de dos horas de duración. En su regreso, el cantante y bailarín dijo que esta gira por España es como retomar un viaje que fue interrumpido y que ahora, reanuda su marcha con nuevas fuerzas y atesorando muchas sorpresas.

El comienzo fue con una cuidada introducción, en la que uno a uno los músicos de su banda entraban al escenario descendiendo unas escaleras hasta que aparece en escena él. El estallido de los más de diez mil espectadores llegados desde diversos puntos de la región murciana y de provincias vecinas fue unánime. Lo tenían, de nuevo, sobre un escenario con vestimenta blanca (toda la banda, también) y sin zapatos sólo con calcetines de igual color. Una vez en el escenario, las notas de ‘Mirarte’ comenzaron a sonar. Toda la escenografía era igual que años atrás, pero ahora cambiaron las luces del fondo por las proyecciones de vídeos que creaban un clímax perfecto para cada canción. Ese es Miguel Bosé. Un profesional donde los haya, un currante auténtico del mundo del espectáculo, que sabe lo que quiere y cómo desea plasmarlo sobre un escenario. Ahí se aprecian horas y horas de trabajo, de ensayos, de repetir una y otra vez cada paso hasta que quede perfecto.

Las canciones se encadenaban entre sí. Terminaba una y sonaba ‘Duende’. Los fans bailaban y coreaban esas canciones desde el primer momento. Las sillas de la pista o el ruedo de la plaza taurina se quedaban solas, porque sus ocupantes bailaban puestos en pie. Y otra canción, con aires griegos, que lleva el título de su también novela: ‘El hijo del capitán Trueno’. Bosé bailaba en ella junto a sus compañeros de espectáculo; se recogía su largo abrigo blanco, como si de una toga griega se tratara para no tropezar mientras marcaba los pasos de baile y en el fondo, las imágenes completaban todo el cuadro. Un espectáculo en toda regla. Para culminar esta primera selección, ‘Nena’: “Nena... luna serena / Todo es posible... menos tu / Nena... ámbar y arena / Boca insaciable solo tu...”

Hasta ese momento, ni una palabra, aunque sí había gestos y miradas. Fue entonces, cuando Miguel Bosé se dirigió a los presentes con un “Buenas noches, Murcia y bienvenidos. Aquí se inicia la gira española de 2025”. Se habría hundido el techo, si lo hubiera habido. “Vamos, esta noche, a retomar el viaje en los recuerdos; el lugar en el que lo dejamos hace años. ¿Cuántos?, preguntó. Pues diez años ya y reabrimos con las sorpresas que fueron atrapadas en su origen, en algunas de las canciones que ya son vuestras y forman parte de vuestra banda sonora. No se asusten, porque se van a sentir más jóvenes otra vez; alguno de ustedes, se va a ver con más cabello. No se asusten, eso es bueno y es lo que produce el pasado cuando recorre el presente; tiene sus efectos. Hemos comenzado por tierra, hemos continuado por mar y, ahora, seguimos por aire. Arrancamos”.

Pues en ese arranque, las canciones continuaron sucediéndose una a otra. Primero ‘Aire soy’, ‘Bambú’, ‘Este mundo va’, ‘Sereno’, ‘Solo sí’, ‘Hacer por hacer’ o ‘Como un lobo’. La banda sonaba como un reloj suizo, limpia y potente. Y el personal bailaba las piezas más rítmicas, mientras descansaba en sus sillas durante las canciones de tempo lento o medio tempo. Llegaba otro momento para pulsar el ánimo de los asistentes y comprobó que seguía intacto. Tras ello, Miguel Bosé indicó que “esta canción que vamos a interpretar a continuación, la escribí cuando comenzó la guerra de Yugoslavia. Pensé, erróneamente, que una canción sobre la guerra acabaría con ella. Y desde aquellos principios de los 90, cada vez nos vemos metidos en más guerras, más conflictos”. El cantante preguntó si queríamos la paz o la victoria. Y aclaró: “La paz llega con la victoria, lógicamente, pero la victoria llega a cambio de humillar, al contrario. Vamos a pedirles a los políticos, que nos devuelvan el derecho universal a vivir en paz. Luchemos por mantenerla”. Y cantó ‘Nada particular’. Con los últimos acordes de esta oda a la paz, Miguel Bosé desaparecía de la escena quedando ésta a oscuras. Mientras sonaban unos acordes de fondo, se preparaba un atrezo espectacular que al iluminar de nuevo el escenario, se podía ver al cantante vestido de rojo, en lo más alto de las escaleras y de su abrigo nacía una extensísima tela roja, con adornos de rosas rojas sobre esa tela. Asemejaba un campo de rosas espectacular, que ocupaba casi medio escenario de alto en bajo. Ya he comentado que asistíamos no sólo al concierto de Miguel Bosé, sino a un espectáculo de mucha calidad.

Al finalizar ‘Olvídame tú’, se desprendió del abrigo y quedó con su nueva vestimenta en rojo, incluidos los calcetines en igual color, así como el micrófono y el pie de micro. La banda, por el contrario, siguió todo el concierto de blanco. Y la música continuó con ese homenaje que escribiera hace años a ‘Sevilla’. Llegados a ese momento del concierto ocurrió una anécdota graciosa, de la que el propio Bosé se sonrió. Nos habló de si los presentes nos acordábamos de nuestro primer beso (se entiende que, de amor, cuando fuimos más jóvenes). Bueno, tras dar unas cuantas explicaciones uno de sus coristas le hizo una seña, se acercó a él y con, insisto, una amplia sonrisa dijo: “No os lo vais a creer, pero me he adelantado cuatro canciones. Así que todo esto que os he dicho borradlo, lo dejáis para más adelante cuando yo os lo diga. Es lo que pasa, que cuando te emocionas por regresar a Murcia, con este fresquito que hace aquí y se me ha ido la olla”. Las risas no se hicieron esperar y, lógicamente, Miguel estaba excusado y perdonado. Entonces nos aconsejó que “no tratéis de llenar el hueco que deja alguien querido, porque no es bueno. Dejadle su espacio y tan sólo recordar los buenos momentos”. Y acto seguido cantó ‘Amiga’, dedicada a la gran Cecilia con quien Bosé tuvo una gran amistad y falleció, a los 27 años, en un accidente de coche.

Luego continuó con ‘Creo en ti’ y ‘Partisano’, en la que de nuevo referencia la guerra y la paz. Con otro “¿Qué tal, Murcia?”, el cantante seguía tomando el pulso de los más de diez mil asistentes a su concierto. Y preguntó si recordábamos lo del beso, a lo que contestamos que sí. No obstante, no acababa de creer que muchos de los presentes se acordaran del primer beso, pero Miguel Bosé quería regalar en esa noche un beso a todos y cada uno de los presentes, como agradecimiento por asistir a su espectáculo. Así que sonó ‘Y puede que’. De nuevo, Miguel Bosé desaparecía del escenario con los últimos acordes de la canción. Y la banda, también dejó el escenario. ¿Se ha acabado ya? Pensaron muchos. Pero no; al parecer era una parte más del espectáculo. Unos acordes pregrabados sirvieron para que, nuevamente, fueran apareciendo los componentes de la banda, cuyos nombres e instrumento se proyectaba en el fondo del escenario. Primero, el baterista Pepe Damián; siguió el teclista Paco Casatañeda. Después le siguieron los guitarristas Luis Rey y Sajith Regalado. Luego los tres cantantes del coro masculino: Carlos Izaga, Ivan Ortega y Edeer Velásquez. El turno para el bajista y director musical, Mikel Irazoki y, por último, Miguel Bosé que, de nuevo, cambiaba de vestuario. Ahora era amarillo piolín, para encarar la recta final del concierto. Con temas que, como indicó al comienzo de todo, están en la banda sonora de cada uno de sus seguidores tales como ‘Morena mía’, ‘Si tú no vuelves’ o ‘Amante bandido’, con la que finalizaba, oficialmente, su concierto inicial en Murcia de su gira española 2025.

Todo el público de la plaza se puso en pie, aplaudiendo sin cesar y gritando “Viva” y “Guapo”. Querían más, al día siguiente (que ya pasaban dos minutos del nuevo día) no había que madrugar y necesitaban más Miguel Bosé. Y los clásicos “Oé, oé, oé, oé” comenzaron a corearse. Bosé y su banda sonreían y se notaba claramente la complicidad. Así que dieron un poquito más. Pero primero reiteró su agradecimiento. Luego recordó que hace muchos años atrás escribió una carta que se multiplicó en el aire. “Desde entonces, dijo, esa carta se ha quedado en el corazón de muchos. Esta noche, esa carta vuelvo a escribirla para todos vosotros por tantos y tantos años de lealtad y cariño. Gracias, Murcia. Yo siempre te amaré”. Y cantó ‘Te amaré’. “Te amaré, te amaré / A golpe de recuerdo / Te amaré, te amaré / Hasta el último momento / A pesar de todo siempre / Te amaré”. Los asistentes, puestos en pie, corearon esta ya histórica canción de un Miguel Bosé que fue creciéndose con el transcurso del concierto y dando todo lo mejor que atesora como artista y persona. Se sentaron todos a lo ancho del escenario, sobre los escalones, para finalizar con alegría; la que proporciona una pieza como ‘Don Diablo’. Pero este público se mostraba casi insaciable. Era sábado, no había prisa (para ellos, claro). Y Miguel fue generoso, a pesar de que el cansancio de dos horas y 16 minutos, en un ambiente tan caluroso en lo meteorológico (el otro, lo comprobó desde que apareció por primera vez en el escenario) ya hacía acto de presencia en su cara, Bosé dejó un último recuerdo para el corazón de esas más de diez mil almas y dijo: “Que sepáis que todo lo que esta noche he hecho aquí, lo he hecho por ti, Murcia”. La plaza de toros se vino abajo (imaginariamente, claro). ‘Por ti’ puso un broche de platino para un concierto que duró, tal vez, algo más de lo calculado, pero hubo magia, embrujo y tanto fans como artista se dieron un gran abrazo.

Miguel Bosé ha regresado a los escenarios y durante los próximos 30 días recorrerá casi todo el país; de Norte a Sur, de Este a Oeste para retomar ese viaje interrumpido durante algún tiempo ya olvidado. Bosé ha renacido como ave Fénix y está otra vez aquí, con un espectáculo de primerísima calidad. Como desde siempre nos ha dado. Gracias.

Y a todos los seguidores de estas crónicas, no pierdan el hilo porque nuestra próxima cita será con uno de los grupos europeos más punteros que ha dado el rock. Se trata de Europe, que visitan el Murcia ON programado y producido por Ibolele. Se lo contaremos con toda clase de detalles.

La vida nunca es fácil, aunque uno venga de buena cuna (de familia rica, que no es el caso). Su padre era inspector de Policía y él salió, digamos, rebelde en cuanto a esa disciplina habitual en la España de los años 50 y en adelante del pasado siglo XX. Ya desde sus catorce años se mostró como un escritor de poemas; el propio Sabina ha contado que cuando el colegio de Carmelitas convocaba el concurso de la Inmaculada, él les escribía a las niñas los poemas para que concursaran.

Su premio a sus excelentes notas de bachillerato fue una guitarra que pidió a su padre, en lugar del reloj de pulsera que su primogénito pretendía regalarle. Tuvo su grupo musical en Úbeda, que abandonó cuando se matriculó en Granada de Filología Románica. Pero sus inquietudes eran la de muchos universitarios de los años 60 en tiempos del gobierno de Franco: Combatirlo y luchar por la libertad. Tuvo que exiliarse a Londres por espacio de siete años, hasta que Franco falleció y el entonces cónsul Fernando Morán le proporcionara un pasaporte legal para regresar a España.

Y allá, por 1977, Joaquín Sabina comienza a subsistir (como hizo en Londres) pero ya en busca de su meta: Lograr un contrato discográfico y comenzar su camino como músico y compositor. Así surgió ‘Inventario’, su primer disco que contenía buena parte de los poemas escritos durante su estancia en Londres. Pero aquello -y con los cambios sociales y musicales que se avecinaban- sirvió a Sabina para darse cuenta de que tenía que cambiar de hombre honesto a un empedernido canalla, un agnóstico. En suma, un personaje absolutamente contrario a la mayoría de lo que podíamos contemplar en nuestras ciudades, que caló y fue aceptado por una mayoría. Así llegó el tiempo de La Mandrágora con Javier Krahe y Alberto Pérez. Lo ficha CBS publicando su segundo disco ‘Malas compañías’ y ahí, precisamente, arranca una trayectoria ascendente que llega hasta esta gira de 2025 en la que, insiste Sabina, dice adiós definitivamente a los grandes escenarios.

El primero de los dos conciertos que Joaquín Sabina ofrece en esta su despedida, se iniciaba con la proyección de ‘El último vals’; un vídeo en el que hace un compendio-homenaje a las personas con las que ha tenido contacto en su vida. Un vídeo realizado por Fernando León de Aranoa. Dibuja lo que predice que será su futuro más inmediato, si haces un seguimiento de su letra. Pero a Sabina, como a otras muchas figuras de la música, no será fácil olvidarlo. Es más, las personas que pensamos que ese retiro sea cierto al cien por cien, casi somos legión. Pero vayamos con lo que fue este concierto en Murcia.

Con las últimas notas de ese vídeo apareció, por la izquierda del escenario, Joaquín Sabina ataviado con camiseta negra, chaqueta ligera azul marino, vaqueros y un sombrero tipo Panamá, blanco. Sombrero que quitó de su cabeza para saludar a las 15.000 personas que llenaban la plaza de toros murciana, que lo acogieron con muchísimo más calor humano del que se registraba en lo meteorológico (y era alto, a esas horas). Tras ello, la banda atacó ‘Lágrimas de Mármol’ y con esos primeros compases, Sabina ya comenzó a mostrar su empatía con su público, con sus incondicionales. Allí no había cabida para los curiosos (aunque alguno habría); solo los muy fans podían corear sus letras y les aseguro que la selección tocaba diferentes etapas de su trayectoria.

Tras ello, Joaquín Sabina relató que la gira anterior pensaba que sería la última, ya que fue muy larga. Pero tras un mes de tranquilidad en su casa pensó que debía volver para devolver a su público, parte de lo mucho que le habían regalado durante sus más de 50 años musicales. Y ahora, sí. Ahora va en serio. Dicho lo cual, ‘Lo niego todo’ fue un relato ¿futurista? Sí, futurista. Porque así reza parte de su letra: ‘Ni ángel con alas negras / Ni profeta del vicio / Ni héroe en las barricadas /Ni ocupa, ni esquirol / Ni rey de los suburbios / Ni flor del precipicio / Ni cantante de orquesta / Ni el Dylan español / La leyenda del suicida / Y la del bala perdida / La del santo beodo / Si me cuentas mi vida / Lo niego todo’. Hay dudas en la atmósfera.

Siguió con ‘Mentiras Piadosas’ (más dudas, si cabe), prosiguió con ‘Ahora qué’ e informándonos de que había rescatado algunas viejas canciones que se habían quedado fuera de repertorio del escenario en el tiempo, como ‘Calle Melancolía’, ’19 días y 500 noches’ y rematar con ‘¿Quién me ha robado el mes de abril?’. La plaza entera coreaba estas canciones que son parte de su memoria, de su vida. Pero en esta primera noche, curiosamente, había una horquilla de edad muy amplia; desde los 30/40, hasta los 60/70. Y Sabina, sentado, presidiendo y disfrutando de su público al que piropeaba con “Olé. Qué maravilla de público, Murcia” cuando coreaban sus canciones.

‘Más de cien mentiras’ fue aprovechada por el ubetense, para presentar a su banda. Una banda que le ha acompañado en sus últimos años y conformada por el guitarrista vasco Jaime Asúa, el ‘ruiseñor de la púa’ que cumplía años; “una voz de Andalucía, con un oído exquisito y su desgarro perfuma mi canción. Marita Barro”; “la mejor bajista de Buenos Aires. Con su swing y su compás, las cuatro cuerdas del alma toca Laura Gómez Palma”. “Tenemos en las baquetas a un poeta del charston y los tambores, que cura mis desamores. El señor Pedro Barceló”. “Más joven que los demás vino a traernos alegrías siendo el último en llegar y el primero en cualquier farra. Con su arte y maestría, el adagio y el allegro ma non troppo a la guitarra, Borja Montenegro”. “Baturro y cachirulero de Egea de los Caballeros, con las teclas y los vientos se merece un monumento. Para presentarlo baste decir que es aragonés y se viste por los pies, con su falda de escocés. El gran Josemi Sagaste”. “Con las cuerdas, el teclado y su gran voz por delante, tan dotado que dirige esta mi banda y con 20 más que manda. Desde que era un estudiante llega donde yo no llego, Antonio García de Diego”. Como pueden comprobar, poeta hasta para presentar a su banda.

Más adelante, Joaquín Sabina explicó que cuando compone siempre ha tenido dos obsesiones que se cumplen en esta gira: “¿Cómo quedaría la canción que estaba creando, en la voz de una chica? Y la segunda, cuando compuse un rock bien acelerado, si se la escucharía cantar alguna vez a un buen rocker. Las dos, se cumplen en esta gira”. Con ello, les estaba pasando el protagonismo a Marita Barro, quien interpretaría, magistralmente, ‘Camas vacías’, un ritmo de ranchera con mucha fuerza, y ese rock rápido titulado ‘Pacto entre caballeros’ que interpretó Jaime Asúa. Ambas interpretaciones fueron aprovechadas por Sabina, para tomarse un respiro y cambiar su chaqueta y sobrero blanco, por una camisa verde de lunares negros y el clásico bombín negro.

Otra selección de las muchas canciones de la trayectoria del compositor, cantante, escritor y dibujante se esparcieron por todo el coso taurino como ‘Donde habita el olvido’, ‘Peces de ciudad’, para la siguiente Sabina pidió a Marita Barro que le sustituyera que tenía que salir y Marita cantó ‘Y si amanece por fin’, con un público que continuaba entregado y apoyando con sus coros las letras de un Sabina que aparecía, casi al final de la pieza, para explicar después que “es lo que tienen los golpes de calor y esta noche, en Murcia hace mucho calor. Gracias”. El concierto continuó con otra creación del propio Sabina interpretada entre él y Marita titulada ‘Una canción para la Magdalena’. Luego explicó que tuvo la fortuna de conocer a Chavela Vargas quien, paseando por Madrid, le dijo que su vida era la del bulevar de los sueños rotos. Joaquín Sabina escribió y se la cantó en vida ‘Por el bulevar de los sueños rotos’. De nuevo reclamó a Marita Barro para que primeramente cantara esa copla (una de las muchas que escuchaba en su casa junto a su madre, en la radio) titulada ‘Y sin embargo te quiero’, en un cristalino homenaje a ese relato español, que luego continuó, como si de una sola se tratara, con la que él compuso titulada ‘Y sin embargo’.

Les estoy relatando un concierto de casi dos horas de duración, en un miércoles en la noche (casi en mitad de semana laboral), en el que esas 15.000 personas lejos de estar pensando en que hay que trabajar al día siguiente querían más Sabina. Y el cantautor continuó con ‘Noches de boda’ para culminar con ‘Y nos dieron la diez’, con la que, oficialmente, finalizaba el concierto de esta gira de despedida que pasaba por Murcia. Todo el público de la plaza, puesto en pie, gritaba “Bravo” y pedían un poco más con el clásico canto de “Oé, oé, oé, oé”, al que Sabina y su banda correspondieron con dos piezas más. Primero, ‘La canción más hermosa del mundo’ cantada por Antonio García de Diego de manera perfecta y al que Sabina dio las gracias. A continuación, dijo “Hasta aquí, el hola. Ahora, más breve, el adiós”. Y sonaron las notas de ‘Tan joven y tan viejo’; toda una declaración de intenciones, de describir, tal vez, un estado de ánimo para el momento presente -y futuro-, de un Joaquín Sabina trovador, canalla, socarrón, pero sobre todo, poeta y persona. “Así que, de momento, nada de adiós muchachos / Me duermo en los entierros de mi generación / Cada noche me invento / Todavía me emborracho / Tan joven y tan viejo, like a Rolling Stone”. Con un “Hasta siempre, Murcia”, concluía una noche única, irrepetible e imborrable para todos y cada uno de los 15.000 asistentes a esta despedida. ¿Será cierta? Solo Sabina lo sabe.

Nuestra próxima cita es con Miguel Bosé, que después de mucho tiempo fuera de los escenarios, creando polémica con algunas de sus afirmaciones a raíz de la pandemia y fuera de ella, nos explicó el motivo de su forzada retirada. Una afección dental que le dejó sin voz. El tiempo ha transcurrido felizmente bien, ya que Bosé está de nuevo en los escenarios y, según algunas críticas, con buenos resultados. Lo veremos y se lo contaremos aquí. Así que, por favor, no pierdan el hilo.

MURCIA ON es un amplio ciclo musical de conciertos, que ha tomado una importancia de primer orden en la región murciana. Bajo la batuta de Ibolele Producciones, la programación que vienen ofreciendo desde hace unos años ha ido cobrando importancia entre los muchos y variados aficionados, que acuden cada año -y a cada uno de los conciertos diseñados- con verdadera emoción. Lo hacen porque tienen la oportunidad, muchos de ellos, de volver a ver en directo a esos nombres que fueron sus ídolos en un momento de sus vidas. Y en la noche del pasado 20 de junio del año en curso, este fenómeno volvió a repetirse con la llegada de un nombre indispensable del rock británico, que llegó a la música para interpretar con la guitarra o los teclados desde su trabajo como ingeniero de sonido. Nos referimos a Alan Parsons y su, ahora, Live Project tras la separación de quien fuera su amigo, mánager y compañero en este viaje hasta 1990; momento en el que Eric Woolfson y Alan Parsons deciden imprimir el punto final a su aventura, para continuar cada cual por su camino. Fue todo de buen rollo. Tal es así que Woolfson autorizó a Parsons a que siguiera utilizando el nombre artístico de The Alan Parsons Project, con colaboraciones puntuales, todavía, entre ambos.

Las horas previas al concierto -y por lo que se podía presenciar- auguraban que podríamos estar casi en familia. Pero nada más lejos de la realidad. Los seguidores de Parsons tienen, tenemos, ya edades avanzadas. Es decir, que en los 70 y 80 andábamos muchos por la treintena de años o algo más jóvenes, pero nunca nos hemos olvidado de esos músicos que nos hicieron soñar, bailar, enamorarnos y vivir intensamente su música. Así que faltando poco menos de una hora para que el Proyecto de Alan Parsons apareciera en el escenario, esos ‘viejos aficionados’ comenzaron a llegar casi al unísono, como si de un enorme pelotón de hormigas se tratara cuando tocan arrebato para buscar el sustento, en este caso el musical.

Con puntualidad británica (nunca mejor expresado), la banda de Alan Parsons fue apareciendo en el escenario a los sones de ‘Sirius’ como introducción. El último en hacerlo fue el propio Parsons, con paso lento por su edad física (la mental la tiene puesta al día, sin ninguna duda), saludando y colocándose en el centrado y alto pedestal a modo de puesto de mando, desde el que vigilaba y dominaba en todo momento todo lo que iba sucediendo. La acogida fue apoteósica, con un público que se mostraba absolutamente dispuesto a disfrutar de su música y del mejor ambiente reinante. Sin mediar palabra, el grupo comenzó a tocar las primeras notas de ‘Standing On Higher Ground’, con el que comenzaba la locura de hora y cuarenta minutos de espectáculo.

Tras ello, Parsons dio la bienvenida, las buenas noches y las gracias por acudir a su cita. Las gradas de la plaza de toros y las sillas distribuidas en el ruedo eran toda una misma afición. Público de 50 años hacia arriba, con pequeñas islas de personal más joven. Pero todos, unidos, coreaban los temas de este músico británico que supo atrapar a muchos de nosotros en el pasado, con piezas como ‘Don’t Answer Me’, ‘Psychobabble’, ‘Time’ o ‘Breakdown’ con las que Alan Parsons fue dibujando una trayectoria sonora al más puro estilo británico (no había lugar a dudas) y en las que, si ponías atención, se podían detectar las diversas ¿influencias?, yo me inclino por el poso dejado, tras haber trabajado con Beatles, Pink Floyd, John Miles o Al Stewart entre otros muchos, en su memoria. No olvidemos nunca que Alan Parsons comenzó trabajando en la BBC allá por la década de los 60 del siglo XX, que continuó en los Estudios de la EMI y dentro del sello, el mítico Abbey Road en donde como ingeniero de sonido participó en ese álbum y en ‘Let It Be’ del cuarteto de Liverpool, hasta que conoció a Eric Woolfson y nació The Alan Parsons Project.

Los aproximadamente 10.000 espectadores que asistíamos a este Live Tour 2025 en el coso taurino de la Condomina nos mostrábamos absolutamente frescos y preparados, para disfrutar con Parsons y su grupo. Por cierto -y ello no es de extrañar, a tenor de sus grabaciones y giras anteriores-, qué banda tan espectacular arropa a este londinense de 76 años (en diciembre cumplirá los 77) que despliega una enorme profesionalidad y creatividad envidiables.

Parsons fue mezclando piezas rítmicas con otras de medio tempo o baladas más lentas logrando mantener, siempre, ese clímax necesario en todo buen concierto que se precie, para no perder ni un solo espectador. Así que sonaron ‘Old and Wise’, ‘I Wouldn’t Wan To Be Like You’ (primer trallazo de ventas en 1977, dentro de su segundo álbum ‘I Robot’), ‘La Sagrada Familia’ (que corean en español), ‘Let’s Talk About Me’ o ‘Dammed If I Do’, que dejó al personal al borde de un ataque de histerismo colectivo. ¡Qué bien sonaba esa banda, por Dios! Y, cómo no, que sonido tan perfecto y cuidado. Era una auténtica maravilla; mucho más para quienes han sido seguidores incondicionales de Alan Parsons. Pero si no lo has sido, el concierto no te defraudaba porque todo estaba muy cuidado. Tan sólo, unos pequeños problemas que tuvo el cantante P.J. Olsson con sus auriculares, un cable de guitarra que fallaba y que la mayoría no detectó (bravo por los técnicos de escenario y su rapidez e intuición) y la que peor parte se llevó: La realización y transmisión televisiva que se bloqueó y hubo que reiniciar, para que volviese la imagen. Por lo demás -estas cosas pueden y, de hecho, suceden durante un concierto-, el espectáculo que nos ofrecieron The Alan Parsons Live Project fue redondo, como el anillo de la plaza de toros murciana.

Bueno. Y llegó la recta final de este espectáculo. Dejaron sonar ‘Day After Day’, continuaron con ‘The One In Paradise’, ‘Can’t Take It With You’ y ‘Prime Time’. Y aquí, queridos lectores, fue donde Alan Parsons acabó por conquistar a los presentes. Porque cuando la pieza llegaba al final, Tom Brooks atacó desde su piano (él solo) la ya inmortal “Mediterráneo” de Joan Manuel Serrat. Les aseguro que esos diez mil espectadores que llenaban el recinto hubieran querido abrazar físicamente al grupo que lidera Alan Parsons. Fue el homenaje de estos músicos al público español, que siempre ha acogido de manera destacada las creaciones del londinense Parsons. Naturalmente, cuando finalizó ‘Mediterráneo’, Brooks y el resto de la banda retomaron la coda final de ‘Prime Time’ dejando literalmente derretidos a todos los presentes.

Había que rematar esa faena, utilizando el argot taurino. Primero, Parsons fue presentando a su grupo conformado, además de por él, por P.J. Olsson en la voz, Tom Brooks en los teclados, Guy Erez en la guitarra de bajo, Jeff Kollman en guitarra y voz, Danny Thompson en la batería, Todd Cooper en el saxo, percusión y voz y Dan Tracey en guitarra y voz. Después comenzaron a sonar las notas del tema que más éxito de ventas ha logrado Alan Parsons: ‘Eye In The Sky’. El público, que ya se había puesto en pie con las piezas anteriores, bailaba y cantaba la letra con el Live Project. Todos unidos, por la música, por una canción que ya forma parte de la memoria colectiva de muchos, pero especialmente, de los seguidores de Alan Parsons. Cuando sonó el último acorde, Parsons dio las gracias y reiteró las buenas noches. Pero justo detrás de donde me encontraba, una voz gritó: “No te vayas, Alan. Una más, por favor”. Él continuaba en su puesto de mando contemplando las ganas de seguir disfrutando de esas diez mil almas, que coreaban al unísono “Otra, otra, otra” mezclándose con el famoso “Oé, Oé, Oé…” No podía ni debía fallarles.

Así que volvió a su silla, se enfundó su guitarra y comenzaron a sonar las notas de una de las canciones de su primer álbum titulada ‘(The System Of) Doctor Tarr and Professor Fether’, que provocó un hervidero entre el público y casi sin hacer pausa, la guinda del concierto con ‘Games People Play’, éxito de su álbum de 1980, que dejaba noqueado a todo un público que flotaba, sobre la arena y gradas de la plaza de toros murciana.

En definitiva, Alan Parsons y su Live Project vinieron para hacer disfrutar a sus seguidores y doy fe de que lo lograron sobradamente. Otro éxito de la programación del ciclo MURCIA ON, que ya nos deja esperando los conciertos que ofrecerá, en este mismo recinto los días 25 y 27 de este junio, Joaquín Sabina. Sin duda, una de las voces más personales y carismáticas de la música española de los últimos 50 años. Se lo contaremos, naturalmente, desde estas mismas páginas digitales. No pierdan el hilo.

El Proyecto de Alan Parsons echa a andar en 1975, pero su historia comienza un poco antes, cuando Parsons conoció a Eric Woolfson en los estudios Abbey Road, en Londres. Eran los días de 1974 y Parsons trabajaba en ellos como ingeniero asistente en los dos últimos discos de The Beatles. También fue el ingeniero de sonido del mítico ‘The Dark Side Of The Moon’ (La Cara Oculta de la Luna) del grupo Pink Floyd publicado en 1973.

Por su parte, Eric Woolfson era músico de sesión por aquellos tiempos y trabajaba en un disco grande conceptual, basado en la obra literaria de Edgar Allan Poe. El caso es que por esas vueltas que da la vida, Woolfson se convirtió en al mánager de Alan Parsons consiguiéndole contratos para producción de grupos y cantantes como Pilot, Cockney Rebel, The Hollies, John Miles o Al Stewart (‘El Año del Gato’), entre otros.

Trabajar para otros cuando eres compositor, músico, ingeniero de sonido y productor conlleva que vivas, en algunos momentos, la frustración de acomodarte a algunos de esos músicos que interfieren la idea de producción que Parsons tenía en mente. Dos cabezas calientes como la de Parsons y Woolfson son un verdadero hervidero de ideas. De ese hervidero nació la idea de crear un disco cuya base fuera el desarrollo de la industria del cine, pero desde el punto de vista del productor musical. Dicho y hecho. Woolfson retomó aquel proyecto de la obra de Allan Poe y lo combinó con el talento de Parsons. El resultado fue su primer trabajo como Allan Parsons Project: ‘Tales of Mystery and Imagination’. Publicado en 1976, el disco fue un éxito comercial, se colocó en el Top 40 de la lista Billboard y el tema ‘The Raven’, cantado por Leonard Whiting (recuerden que han sido siempre, en esta etapa, músicos de estudio u otros grupos) junto al instrumental ‘A Dream Within A Dream’ (con narración de Orson Welles) fueron dos piezas destacadas de aquel primer álbum, que los llevó a firmar contrato con el sello Arista Records.

Su popularidad creció en Estados Unidos, Hispanoamérica y gran parte del continente europeo, pero no así en el Reino Unido. Varias piezas de éxito lograron entrar en la lista Billboard Hot 100. En 1990, tras comprobar que sus grabaciones ya no lograban tanto éxito como antaño, la formación decidió poner punto final. Eso y que tanto Parsons como Woolfson se veían más como compositores que como músicos de grandes giras.

Ambos siguieron caminos en solitario. Mientras Parsons siguió con giras en las que participaban muchos de los músicos de estudio, Woolfson prefirió dedicarse a los musicales con una clara influencia del Alan Parsons Project. Eric Woolfson falleció en el año 2009 como consecuencia de un cáncer, pero su legado ha quedado patente en la Historia del Rock y el Pop.

La actual banda, Alan Parsons Live Project, viene funcionando desde 1993 y con el permiso de Woolfson para que así fuera. Parsons ejerce de músico y cantante llevando a cabo, en todos estos años hasta hoy, diversas giras con este proyecto que presentan nuevas creaciones y recuerdan aquellas otras que les catapultaron al éxito y reconocimiento.

También la fórmula de ‘álbum conceptual’ continúa vigente. Es decir, que los discos comienzan con una pieza instrumental que se fusiona con el segundo tema, se incluye otra pieza instrumental en la que antes era la cara B del vinilo grande. El final de este tipo ‘conceptual’, siempre lo hace con una canción poderosa y enérgica o, si es de tempo lento, melancólica.

Si no hay cambios de última hora, The Alan Parsons Live Project visitará el ciclo ‘Murcia On’, en la plaza de toros de la Condomina, con su líder al frente tocando guitarras, teclados y voz, además de P.J. Olsson en la voz, Tom Brooks en los teclados, Guy Erez en la guitarra de bajo, Jeff Kollman en guitarra y voz, Danny Thompson en la batería, Todd Cooper en el saxo, percusión y voz, Dan Tracey en guitarra y voz y Tyson Montgomery Leonard con su violín.

La cita es el próximo viernes 20 de junio, a partir de las 21:30 horas. Si no puedes presenciar el concierto, no pierdas este hilo porque te lo contaremos al detalle. Y si acudes a verlo en directo, también recordarás momentos del mismo.

El ciclo musical MURCIA ON, que organiza Ibolele Producciones, está desarrollando en este 2025 una programación que ha acaparado el interés general del público musical, tanto el de la Región de Murcia, como el de otras comunidades autónomas vecinas. Desde este mayo (próximo a finalizar) hasta el próximo mes de octubre, muchos y variados nombres de la música actual y asentada en el tiempo nos van a proporcionar la ocasión de poder verlos en directo. Uno de esos nombres es el de Elmer Figueroa Arce más conocido como Chayanne. El compositor, cantante, bailarín y actor portorriqueño inició el pasado año, 2024, su gira internacional 'Bailemos otra vez' que, ahora, pisa suelo europeo desplegando por diferentes escenarios de España este espectáculo de primer orden, que no tiene que envidiar a ninguno de los que otras grandes estrellas internacionales puedan presentar.

Con una puntualidad británica, 21:30 horas, y un coso de La Condomina repleto (la parte de escenario que se come casi medio tendido, la gana buena parte del ruedo de la plaza taurina), la banda que acompaña a Chayanne dejó sonar las primeras notas de 'Bailemos otra vez', con las que desde el centro del escenario apareció elevándose el protagonista de la noche. Un escenario dispuesto en U abierta con tres niveles, en el que veías a la izquierda y sobre el superior de ellos a la sección rítmica (bajo y batería), la parte central quedaba para el cantante y bailarines, a la derecha de ese nivel se ubicaba uno de los guitarras y el percusionista, para continuar en el siguiente nivel hacia abajo e izquierda, con el teclista y director musical y otro de los guitarristas principales y, finalmente, en ese segundo nivel, el coro de tres voces (dos femeninas y una masculina). En el último nivel, el más cercano al público, Chayanne desarrolló buena parte de su espectáculo acompañado de un cuerpo de baile conformado por cuatro parejas.

En esta primera bienvenida musical, el repertorio se iniciaba con una fusión de 'Bailemos otra vez', 'Salomé' y 'Boom Boom', que ya desató desde el comienzo el frenesí de un público que, sin duda, se mostraba absolutamente dispuesto a disfrutar del concierto, de su ídolo y de la noche veraniega que la meteorología dejó implantada a modo de no aguar la fiesta.

Tras este primer aldabonazo musical, Chayanne dejó sonar su primera pieza de medio tempo titulada 'El centro de mi corazón', durante la cual se elevó por medio de una plataforma al efecto en el centro mismo del escenario. Sin apenas descanso y mientras la plataforma descendía, el portorriqueño atacó 'Provócame', otro de sus éxitos aclamados por su público universal que coreaba con él la letra de esta canción, mientras el cuerpo de baile completaba la escena con un Chayanne ya muy bailarín. La banda sonaba perfecta y sin descanso atacaron las notas de otra melodía para no parar de moverse: 'Caprichosa'.

Habían transcurrido ya 18 minutos de concierto, cuando Chayanne hizo la primera intervención a su público diciéndole “Buenas noches, mi gente. Es un placer estar esta noche en Murcia, después de tantos años sin vernos y disfrutarnos”. La plaza se venía abajo, en una muestra inequívoca de cariño correspondido. “Todo se ha hecho con mucho cariño” dijo el cantante, que prosiguió: “Como siempre digo, esta noche ustedes mandan y yo obedezco”. Bueno, para qué dijo eso. Aquello se hundió, definitivamente, porque los asistentes clamaron su admiración y respeto hacia un cantante que, desde los diez años como recordaría más adelante, se ha cultivado poco a poco, con mucho trabajo, hasta llegar a convertirse en una gran figura internacional de la canción latinoamericana.

Y sonaron las primeras notas de otra bella canción titulada 'Cuidarte el alma', que fusionó con 'Atado a tu amor'. El amor es una constante en las canciones y letras de Chayanne. Tal vez por ello desprende tanto cariño, que es correspondido por su público. Bueno y tras un ratito de sosiego (estas mezclas de ritmo y baladas fueron una constante de su concierto) llegó el momento para volver a bailar, con 'La clave' (instrumento fundamental en los ritmos caribeños y la llamada música latina), que fusionó con 'Baila, baila' en la que Chayanne volvió a demostrar que se mantiene muy en forma bailando al ritmo de su cuerpo de baile. Por cierto, un detalle que todavía no les había contado. En la pata izquierda de su pantalón, a modo de cartuchera para ubicar el revólver, Chayanne tiene un bolsillo exterior en el que encaja, perfectamente, su micrófono inalámbrico. Años atrás, sobre todo en la década de los 90, lo podíamos ver con un micrófono-auricular. Ahora, con el paso del tiempo -y tal vez, porque suda mucho durante sus actuaciones- ha cambiado el modelo por uno de mano que guarda, como indicamos, en su bolsillo de la pata izquierda del pantalón cuando tiene que bailar.

El público se mantenía de pie, incluso en los tendidos de la plaza de toros, bailando y disfrutando al máximo con las canciones de su ídolo. Solamente había momentos para descansar cuando, como a continuación haría Chayanne, regresaba a las baladas, a las melodías de tempo medio como 'Tú te vas'. Tras ella, el portorriqueño hizo otra alocución para indicar que “no doy nada por hecho. ¡Qué placer cantar con ustedes! Parece mi primera vez en Murcia. Empecé con diez años y han pasado 20… (el público respondía ”no“) treinta… ¿Treinta y cinco?”, preguntó. El respetable contestó: “¡Cuarenta!” Chayanne estuvo rápido: “No hay edad con tanta energía y ustedes me la dan. Escucho lo que dicen, porque tengo micrófonos distribuidos por ahí (señalando en todas direcciones), pero quiero saber lo que están pensando. Son muchos discos; canciones más conocidas y otras no tanto, pero van cargadas de amor. Ahí vienen ahora, se las dedico”. Bueno, bueno. La locura de más de doce mil personas que, más o menos, son las que asistían a esta gira 'Bailemos otra vez' llegada a Murcia.

A renglón seguido sonaron las notas de 'Yo te amo' (nuevo momento para las baladas) que continuó con 'Volver a nacer' y 'Tu pirata soy yo', para continuar 'Completamente enamorados'. Tal vez, uno de los momentos más románticos de la noche, acompañado de las linternas de los miles de móviles del público. Y sin tregua alguna, cambió a las piezas para bailar como 'Palo bonito' y 'Este ritmo se baila así'. Miraras por donde miraras, la plaza de toros entera bailaba al ritmo de Chayanne, que dirigía a los de la izquierda y derecha del escenario; las gradas hervían no había nadie sentado, todos bailaban hasta casi agotarse, en el concierto número 71 de esta, también, larga gira. La banda fundió con 'Fiesta en América', para que Chayanne los presentara uno a uno, incluidos el personal de luces, sonido y aunque no los nombrase porque eran numerosos, a todos los que trabajan en esta gira para quienes el portorriqueño agradeció su esfuerzo y profesionalidad.

Con esta música, Chayanne abandonaba el escenario para cambiar el vestuario y, en cierta manera, dividir el espectáculo en dos partes. Los siguientes cincuenta minutos de show iban a dejarnos otra selección de las muchas canciones que Chayanne ha grabado en sus discos y que, según él mismo aseguró mientras preparaba esta gira internacional que comenzó en 2024 y acabará en este 2025, la mayoría de las canciones han sido escogidas por los propios fans del cantante. Con “Si nos quedara poco tiempo”, se iniciaba la segunda parte de 'Bailemos otra vez', con un Chayanne apareciendo, de nuevo por el centro del escenario, pero ahora en el nivel medio y con nuevo chaleco largo en tono achampanado, mientras en las pantallas del fondo de escenario, en tonos rojos, aparecían relojes y en el centro uno grande cuyas manecillas corrían hacia atrás. Una puesta en escena -así fue en todo el espectáculo- muy cuidada en los detalles.

Nueva pausa en la que Chayanne se dirigió al respetable para señalar que “el trabajo me ha llevado por todo el mundo y en esas giras, me han hecho pensar y mencionar siempre a mi familia; a mis abuelos, mis padres, abrazarlos… Es muy importante cuidar a la familia”, señalaba el cantante. “Les mando un beso a las abuelitas, ¿cuántas hay esta noche aquí?” Contestaron unas mil voces. “Y ¿cuántas mamás hay esta noche aquí?” En esta ocasión, un poco más de medio aforo gritaron al unísono. Faltaba muy poco para que se lo comieran, de no ser porque la infraestructura del escenario no dejaba al público acercarse a Chayanne. Y entonces sonó 'Te amo y punto', que dedicó a todos los presentes.

Aplausos y vítores para toda la banda que acompaña al portorriqueño, que continuó con 'Humanos a Marte' y enlazando con 'Como tú y yo' en la misma línea musical nítidamente latina. Y había que subir el ritmo otra vez, así que sonó 'Madre Tierra (Oye)', otro de los bombazos musicales que han aparecido en estos cuarenta años musicales de Chayanne, con el que definitivamente el público quedó deshecho. El cantante repetía las gracias por haber venido a su concierto, por ser tan fieles y les aseguró que “cada vez que escuchan una de mis canciones soy yo, que se las canto a su lado. Y ahora, uno de mis clásicos que todavía sigue sonando con fuerza”. Se trataba de 'Dejaría todo'. Con este clásico finalizaba el concierto oficial. Pero ya se conoce que todo concierto que se precie debe tener su bis, su añadido. Y Chayanne no se hizo de rogar. El público coreaba “¡Torero!, ¡Torero!”.

Pues nada. Las notas de 'Tiempo de Vals' sonaron y Chayanne apareció en el escenario con chaqueta en tono magenta para derrochar, todavía, otros 15 minutos largos de bises. Tras esta primera pieza el cantante preguntó si seguían. Pues naturalmente que sí; el público no estaba dispuesto a marcharse aún. Ni entonces ni dos horas después que hubiera dado Chayanne de más espectáculo. Así que continuó con 'Bailando Bachata', otro clásico de su amplísimo repertorio, que daba más gasolina a esas doce mil almas. Una pieza que aprovechó para sacar a una de las miles de mujeres que asistían al concierto y bailarse con ella un trocito de la canción, hacerse unos 'selfies', más un pequeño vídeo que grabó uno de los bailarines en el móvil de la improvisada protagonista, mientras la chica bailaba con Chayanne. Un recuerdo imborrable, para esta fan incondicional. La 'faena' de Chayanne finalizó en todo lo alto. En una plaza de toros, no podía faltar otro de sus grandes clásicos: 'Torero'. Coreada, de principio a fin, por todo el público. Con su final musical, el cantante de Puerto Rico finalizaba su concierto de la gira 'Bailemos otra vez', en Murcia.

En suma, Chayanne hace tiempo que está en la cúspide de su trayectoria musical, pero, como él mismo subraya siempre, con los pies en la tierra. 'Bailemos otra vez' es, sin duda alguna, un grandísimo espectáculo a la altura del mejor 'showbusiness' norteamericano o europeo que puedas presenciar este año. Tardó unos 14 años en regresar a España, pero Chayanne lo ha hecho para volver a triunfar. Gracias por todo lo que nos has dado y nos das.

El cantante portorriqueño Chayanne regresa a España, tras más de diez años sin hacerlo. Su gira mundial 'Bailemos otra vez' -iniciada en 2024- toca a su fin este 2025 con visitas, entre otros países, a España. Una de las primeras plazas será la que conforma la programación de Murcia On, el sábado 24 de mayo próximo, en la plaza de toros de la capital murciana.

El cantante, bailarín y actor se ha mostrado muy contento con poder traer su gira mundial a España; un país que adora y en el que Chayanne ha logrado muchos éxitos. Su ausencia duraba ya 14 años, por lo que sus miles de seguidores ya están acogiendo con enorme éxito y ganas sus conciertos. Dentro de las nueve ciudades previstas de nuestra Piel de Toro, sus fans ya han podido disfrutar de su espectáculo en A Coruña, Bilbao y Valencia (en ésta última será este 22 de mayo) antes de llegar a la capital del Segura.

Elmer Figueroa Arce más conocido como Chayanne nació en San Lorenzo, de Puerto Rico, hace 56 años. Sus primeros pasos musicales fueron con el grupo Los Chicos, con quienes estuvo hasta 1983. Ese año abandona la formación e inicia su carrera musical en solitario viajando hasta Méjico, desde donde proyecta su trayectoria. En 1984 lanza su primer disco en solitario titulado 'Chayanne es mi nombre', que tuvo gran repercusión en las emisoras de radio y del que sobresalieron dos éxitos: 'Chayanne es mi nombre' y 'De dos en dos'.

En 1986 aparecerá su segundo álbum titulado 'Sangre latina', que tuvo una mayor repercusión en los mercados del continente americano. Pero no sería hasta 1987, cuando el sello CBS lo ficha (hoy SONY Music) y lanza su disco 'Chayanne 87', con el que se dio a conocer en toda Latinoamérica. A partir de ahí, el nombre y, sobre todo, las canciones y el estilo del portorriqueño calaron en lo más profundo de sus seguidores. Los conciertos de Chayanne eran todo un espectáculo de música, danza y diversión al son de canciones que su público coreaba como 'Vuelve, Jana' o 'Una foto para dos'.

Desde entonces, la trayectoria de Chayanne se expandió por todo el Planeta y sus éxitos son internacionalmente conocidos y cantados.

En total, se conoce que ha grabado 23 álbumes tanto de estudio como recopilatorios o en directo. También ha participado, como protagonista o coprotagonista, en diez telenovelas y cuatro películas (dos de ellas, como actor de doblaje). Sus giras siempre han contado con llenos en sus conciertos y no es la primera ocasión en la que Chayanne las celebra durante dos años, como es el caso de 'Bailemos otra vez'.

Los murcianos y visitantes que se acerquen hasta el Murcia On 2025 podrán ver todo el gran espectáculo que despliega Chayanne este sábado 24 de mayo, en la Plaza de Toros de la ciudad murciana, a partir de las 21:30 horas. Se lo contaremos, en estas páginas. No pierdan el hilo.

La XXVI edición de Jazz San Javier fue presentada por la consejera de Cultura, el alcalde de la población marmenorense y su director y concejal de Cultura, Carmen María Conesa, José Miguel Luengo y David Martínez, respectivamente. El vestíbulo del auditorio regional Víctor Villegas fue el marco para dar a conocer los nombres de los músicos que conforman esta nueva cita con la música de jazz y sus géneros colaterales.

Habrá para la ocasión varios de los más jóvenes talentos que despuntan en la actualidad en ese recambio generacional que se produce cada año. Pero también tendremos unos escasos nombres de las grandes figuras que todavía mantienen su actividad. ¿Qué significa ello? Para mi percepción es que, sin abandonar su dignidad y calidad, Jazz San Javier está perdiendo aquellas ediciones en las que los grandes nombres del género pasearon su música por el auditorio del Parque Almansa, en las que tampoco faltaron los más noveles (algunos de ellos). Ahora han cambiado el orden; los noveles toman el protagonismo y algunos (escasos) de los grandes nombres del género vienen o regresan al viejo escenario de un festival que ha conocido grandes programaciones, como indico, en anteriores ocasiones. Pero aun así y repasando la programación de este 2024, les puedo asegurar que se arrepentirán si se pierden alguna jornada de las 13 noches en las que se distribuyen sus 17 conciertos de esta XXVI edición.

“Es un festival único, que se transforma en un reclamo de los más importantes que la Región de Murcia posee a través de la música”, según destacó la consejera de Cultura del Gobierno murciano, Carmen María Conesa, quien subrayó que “es uno de nuestros festivales punteros, en un canto a lo mejor del ser humano”. Conesa dio a conocer que su departamento ha librado para este año un millón de euros para Festivales Región de Murcia, de los que 180.000 se destinan a Jazz San Javier.

José Miguel Luengo, alcalde de San Javier, destacó que la presente edición del festival jazzístico vuelve a los diferentes enclaves del municipio, para que los ciudadanos se encuentren con esta música. También señaló que el nuevo Teatro de Invierno (a escasos metros del auditorio de verano, marco del festival) tendrá en esta edición uno de los más destacado conciertos. Luengo apuntó, finalmente, que “San Javier vuelve a ser la capital cultural del Mar Menor” y espera y desea que todos los aficionados y ciudadanos que acuden a su llamada, no se vean defraudados.

Para entrar en materia, esto es desmenuzar esas trece noches de conciertos, el director de Jazz San Javier (y concejal de Cultura del municipio), David Martínez, citó el lema 'Más de medio siglo jazzeando', para concretar que la XXVI edición se celebrará del 28 de junio al 22 de julio próximos. Serán un total de 17 conciertos distribuidos en 13 noches y, como ya adelantó su alcalde, por primera vez se celebrará un concierto en el Teatro de Invierno. Los abonos costarán 129 euros para presenciar todos los conciertos salvo el de Diana Krall, que será la encargada de clausurar esta edición. David Martínez también señaló que, en los primeros días de mayo próximo, se pondrán a la venta, así como la celebración de una jornada para el estreno del documental '25 años de pasión y ritmo', que ha elaborado la productora audiovisual Sipnosis Vugucela, bajo la dirección de Jaime de Castro y con guion y realización de Pepe Pardo. En ese mismo acto, se dará a conocer el Premio Anual del Festival a Toda una Vida dedicada a esta música.

Nombres que regresan

Anna Luna, la compositora y cantante catalana, abrirá la jornada del 29 de junio para presentarnos su reciente disco titulado 'Argentina besa el Mediterráneo', acompañada por el pianista Jaume Vilaseca que será el director del sexteto de músicos que giran con Luna.

Otro de los nombres que regresa en esta edición es Bill Charlap, el pianista que ha recreado muchas de las piezas estándar del libreto jazzístico. Su participación en muchas de las grabaciones que han llevado a cabo un gran número de los grandes del género le han propiciado su finura y gran fama, pero tal vez su mayor éxito lo ha logrado con su formación en trio, como se le podrá ver en el Teatro de Invierno el 3 de julio.

Javier Colina y la voz de Alana Sinkëy también regresan a Jazz San Javier -juntos en esta ocasión-, para participar en el homenaje a Bebo Valdés que encabeza su nieto 'Cucurucho' Valdés el día 5 de julio. Esa misma noche y tras la música cubana, otra oportunidad en el auditorio del Parque Almansa para recibir por segunda ocasión, a una de las más sólidas voces del soul residente en Ámsterdam. Nos referimos a Steffen Morrison. Sin duda, jornada de contrastes auténticos a cuál de ellos más atractivo.

Para el día 11 de julio, San Javier ha preparado un concierto para no perdérselo. El que van a protagonizar tres auténticas leyendas: Lee Ritenour & Dave Grusin, con la participación especial del pianista y cantante carioca afincado en Estados Unidos Ivan Lins. Con la suma del armonicista Gregoire Maret, nos regalarán el espectáculo que han titulado 'Brasil' World Tour.

El sábado 13 de julio será de doble concierto. El segundo de ellos tendrá como protagonistas a Russell Malone y Cyrus Chestnut Quartet. Chestnut repite en San Javier, con una invitada especial: Ekep Nkwelle. Otro de los conciertos que prometen y mucho, para los aficionados denominados 'pata negra' del género.

Por último, en este apartado de los que repiten, el día 20 en su segunda parte Jazz San Javier ha producido 'San Javier a Paco de Lucía'; el homenaje al recuerdo del Maestro de la guitarra flamenca, con dos músicos que son ya como de la casa: Niño Josele y Antonio Serrano. El grupo lo completan José Heredia (piano), Kike Terrón (percusión y set de batería), Yarel Hernández (bajo) y Nino de los Reyes (baile).

Nuevos en este escenario

El desfile de los nombres que visitan Jazz San Javier por primera vez se inicia el día de la apertura de la XXVI edición que, inusualmente en esta ocasión, se llevará a cabo fuera del marco habitual siendo el primero de los tres conciertos en la calle. Se trata del australiano Adrian Cunningham and His Old School Jazz Band cuyo ritmo, elegancia y swing se podrá disfrutar en la Plaza de España de San Javier.

El día 29 de junio y tras el concierto de Anna Luna, el pianista cubano Roberto Fonseca desplegará su espectáculo 'La Gran Diversión', en el que recrea el ambiente del Cabane Cubaine; mítico cabaret parisino de Montmartre de los años 30, en el que se bailaban aquellos clásicos temas de la dorada época cubana.

El sábado 6 de julio será el espacio para uno de los cantantes más aclamados en los últimos años en los escenarios del mundo: Gregory Porter. Con su disco 'Liquid Spirit' editado en 2013, logró el Grammy al Mejor Álbum Vocal de Jazz. En tan sólo 15 años, Gregory Porter ha alcanzado los primeros peldaños del género recreándose en piezas del Songbook americano, entre las que destacan las que llevaron al éxito sus tres cantantes favoritos: Nat King Cole, Donny Hathaway y Stevie Wonder. Una noche prometedora y, posiblemente, para no olvidar.

El viernes 12 de julio es la fecha reservada para uno de los conciertos de esta edición que, seguramente, más expectación ha levantado. Se trata del que va a protagonizar el grupo Calexico. Los norteamericanos nos ofrecerán su décimo álbum de estudio titulado 'El Mirador', con esa mezcla de sonidos fronterizos que confluyen en Arizona como puedan ser el tejano, post-rock, indie folk y rock, americana, jazz fusión, rock latino o country alternativo. Algunos lo han calificado como si estuvieras escuchando una banda sonora de un 'espagueti western'. Creo que aquellos que no conocen a este grupo, lo mejor es que asistan al concierto y saquen sus propias conclusiones. El espectáculo y buen rollo están garantizados.

Para el día 13 de julio está prevista la actuación de uno de nuestros jóvenes valores del jazz: El trompetista Joan Mar Sauqué y su Quinteto, del que formará parte la pianista y cantante norteamericana Champian Fulton, como invitada especial. A pesar de la juventud de Sauqué, la noche promete darnos otro de los excelentes conciertos de jazz que aparecen en cada nueva edición.

Ya lo hemos citado. La segunda parte de esta jornada del 13 de julio estará dedicada al proyecto que desarrollan Russell Malone y Cyrus Chestnut Quartet, con la invitada especial Ekep Nkwelle. Malone y Nkwelle nos visitan por primera vez y su propuesta es una puesta en escena de primer orden, donde el swing embriagador que desarrollan puede dejarnos fuera de combate rápidamente. La maestría de Malone y Chestnut se unen a la vanguardia y juventud de la voz de Ekep Nkwelle, que el año pasado fue becada por el propio Wynton Marsalis. En suma, una noche de dobles satisfacciones la que nos espera.

El domingo 14 de julio viajaremos hasta el Puerto Tomás Maestre de La Manga del Mar Menor, para disfrutar con otro concierto magnífico que ofrecerá la cantante norteamericana afincada en Alemania, Carole Alston. Una dilatada trayectoria en la música de jazz o en musicales como 'Jesucristo Superstar', o 'West Side Story' a los que une una buen número de discos publicados, nos da una idea inequívoca del concierto que deleitará a los asistentes en La Manga.

El miércoles 17 tendrá lugr el último de los conciertos fuera del marco habitual de Jazz San Javier. Será en la Explanada Barnuevo, de Santiago de la Ribera, con la formación Steam Brass Band. Nueve músicos de diferentes trayectorias que aúnan sus talentos para hacernos disfrutar del swing y en un ambiente absolutamente enloquecido.

El viernes 19, nos llega un concierto curioso en cuanto a la fusión que practica el cantante cubano Cimafunk. Sus 35 años de vida han transcurrido muy alocados y siempre experimentando, de manera autóctona, hasta lograr hacerse con un estilo propio y atrevido. La fusión del jazz, el funk, el blues y la rumba logran un singular concierto que no deja indiferente a quien lo disfruta.

El sábado 20 de julio -y antes del concierto homenaje a Paco de Lucía-, Jazz San Javier nos trae en esta edición a una voz que, aunque el éxito le ha llegado a una edad madura, nos ha dejado una impresionante tarjeta de visita durante su participación en el programa de TVE Cover Night. Nos referimos a José Luis Jaén. ¿Recuerdan su versión tan original de 'Puro teatro' llevada al éxito por la recordada cantante cubana La Lupe? Me atrevo a aventurar que será un sobresaliente prólogo al homenaje que Jazz San Javier ha preparado, a continuación, para Paco de Lucía. Al tiempo.

Y el broche de la XXVI edición de esta cita musical, lo pondrá la pianista y cantante canadiense Diana Krall, el lunes 22 de julio. Una fecha un tanto aventurada ya que muchos de los aficionados que acuden cada día a presenciar los conciertos tienen que combinarlos con un madrugón laboral al día siguiente (martes). Pero también es cierto y está demostrado que, para Jazz San Javier, no hay nada imposible y hemos asistido a llenos en jornadas entre semana. Diana Krall es la primera vez que visita el festival y lo hace para protagonizar la clausura de este año.

En definitiva y como han podido comprobar, los grandes nombres del género se han reducido a favor de los que son menos grandes o están en sus inicios. El cartel no va a defraudar; estamos seguros de ello, pero también lo es que en relación con otras ediciones que precedieron a éstas últimas, los atractivos van en caída. Menos mal que no baja la calidad y hay que ir confiando, como lo demuestran, en las nuevas generaciones. Es ley de vida. Estén atentos y no pierdan el hilo.

El cartel de la XXVI edición del Festival de Jazz de San Javier “expresa al máximo, el sentimiento y la pasión que proporciona la música reflejada en la imagen de un contrabajista mientras interpreta una pieza y que traslada a cada uno de los aficionados y espectadores de ese concierto”. Con estas palabras ha descrito el alcalde del municipio, José Miguel Luengo, el cartel realizado por Nacho Rodríguez, de Casaú Estudio, quienes repiten su participación tras el éxito obtenido con el del pasado año 2023, que logró el premio al Mejor cartel en los Premios Nacionales de Diseño Gráfico Anuaria y cuyo trofeo entregó al Ayuntamiento.

Su alcalde, José Miguel Luengo, ha destacado que en San Javier la cultura se escribe con mayúsculas para, a renglón seguido, concretar que el festival de jazz del municipio es una de las joyas de la corona de esta oferta que suman a la de sol y playa. Luengo ha dejado una afirmación cristalina en torno a Jazz San Javier: “Hemos traspasado el ecuador de los 25 años; estoy convencido de que llegaremos al medio siglo, como también lo hizo en su momento la oferta de teatro, música y danza”. Finalmente, José Miguel Luengo ha dado las gracias a los vecinos de la población por su aporte a esta parcela de la cultura, a los funcionarios municipales que gestionan cada año lo que ha calificado como un producto de su oferta del que todos los san javiereños se sienten muy orgullosos. También dio las gracias a los patrocinadores que ayudan, también, a poder posibilitar la cultura y la educación.

El concejal de Cultura y director de ambos festivales, David Martínez, ha comenzado su intervención con el lema que acompaña al cartel 2024: “Más de un cuarto de siglo jazzeando”. Martínez ha señalado que la XXVI edición va a estar dedicada a aquellos músicos que de manera directa o indirecta han tenido relación con Jazz San Javier o con esta música. Nombres ya para el recuerdo como Joao Donato, Leny Andradre, Carol Sloane, Dean Brown, David Crosby, Ahmal Jamal y Tony Bennett. Los conciertos se celebrarán entre el 28 de junio y el 22 de julio próximos, en los que los fines de semana de esa horquilla tendrán un gran protagonismo.

David Martínez ha dado a conocer el avance de esta próxima XXVI edición. Seis conciertos que ya nos dan una idea bastante aproximada de lo que será el total de este Jazz San Javier. Diana Krall, pianista y cantante, es la primera de las artistas que van a estar en esta cita que se suma a esos nombres que, hasta ahora, se resistían al festival. Otro de los que estarán en esta edición será la banda de tex-mex de Tucson, Arizona, Calexico; uno de los conciertos más potentes que reserva el cartel de la presente edición del Festival.

La música de Cuba regresará a esta edición, con las creaciones y ejecuciones del compositor y pianista Roberto Fonseca, que ha sido un puntal de la renovación de la música de su país. También regresa a Jazz San Javier el cantante de soul nacido en Surinam y que reside actualmente en Amsterdam, Steffen Morrison; uno de los más interesantes referentes del nuevo soul en la Unión Europea.

Este avance del XXVI Jazz San Javier se completa con el quinteto del trompetista y compositor catalán Joan Mar Sauqué que invita a la pianista y vocalista de jazz, Champian Fulton. Finalmente, se incluye la producción propia, al cumplirse los diez años del fallecimiento del universal guitarrista flamenco, con este homenaje que se ha titulado 'San Javier a Paco de Lucía', en el que igualmente se adelantan dos nombres de músicos que formaron en su elenco: el guitarrista flamenco Niño Josele junto al armonicista, Antonio Serrano. El piano y la guitarra son los instrumentos destacados de esta edición, cuya programación completa se dará a conocer tras Semana Santa.

El acto fue cerrado por el director general de Competitividad y Calidad Turística, Patricio Sánchez, que ha destacado a San Javier como uno de los referentes de ese añadido cultural al turismo tradicional de sol y playa. Al tiempo, Sánchez ha mostrado el apoyo incondicional del Gobierno regional al festival y demás activos culturales que posee San Javier.

Desde estas páginas, como venimos haciendo desde hace unos años atrás, les tendremos actualizados de todo el desarrollo de esta nueva celebración de Jazz San Javier. No pierdan el hilo.

Es el rockero más importante del género en España. Sigue siendo un innovador, a pesar de que “ha palmado”, como indica, mucha pasta en algunos de esos proyectos. Pero con cada uno ha ido curtiéndose, aprendiendo y avanzando en esa carretera sinuosa y escabrosa en la que se ha movido como ha podido y salvando, siempre, todos los escollos. Los días 5 y 6 de marzo de 1982 dejó el entonces Pabellón de Deportes del Real Madrid hirviendo. No cabíamos ninguno más en ambos días porque todos, absolutamente todos, queríamos ser partícipes de aquellos momentos de la Historia más reciente de este país. Una España que renacía a la democracia, tras 40 años del régimen del General Francisco Franco. Y él, como de costumbre, no nos falló. Nos dio un auténtico espectáculo de rock y amor (así tituló mucho antes, una de sus giras). Tenía cristalino en su mente cómo quería y debía hacerlo y lo hizo. Volvió a llenarnos nuestras cabezas de rock, al tiempo que removía conciencias para que despertáramos y fuésemos conscientes del nuevo tiempo que llegaba. Miguel Ríos, un chaval de Granada que con 16 años se empeñó en marcharse a Madrid y convertirse en un cantante de rock’n’roll pasó a ser, con el “Rock and Ríos”, el más importante de todos los que ha parido nuestra Piel de Toro (aunque no son buenos tiempos para la lidia), además del que más discos grandes ha vendido en España de ese concierto: 450.000.

Y este viernes, 29 de septiembre de 2023, el 'Rock and Ríos' regresa a la plaza de toros de Murcia (nos tocaba ya en su programación), no para recordarnos aquellos días, que también, sino para que seamos conscientes de un tiempo y otro; de una banda y otra; de cómo era España y cómo está ahora. Y sin duda, la música de Miguel Ríos es una de las máquinas del tiempo que nos puede ayudar en esa comparación. Pero, además, estos 40 años transcurridos de un concierto a otro, nos está demostrando que, en efecto, “Los Viejos Rockeros Nunca Mueren”.

¿Ha sido largo el camino o, cuando menos, tortuoso en este recorrido del 82 a 2023?

'The long and winding road', que cantaban Los Beatles. Ha sido largo, pero me alegro. Lo contrario sería que mi despedida, aquel 'Bye Bye Ríos', había ganado, o que había palmado. Ninguna de las dos cosas ha pasado y estoy contento. Lo que parece cierto es que necesito el escenario. Claro que en estas cuatro décadas han sucedido cambios significativos, en la vida y en la música. Parece que de las proyecciones de la canción ‘Año 2000’, nos ha tocado la parte chunga. Todo se retrotrae y se endurece con la vuelta de la ultraderecha en España y en el mundo. Las desigualdades crecen, la injusticia es inmune, las guerras se cronifican en su itinerancia de sangre, el deterioro del planeta traspasa todas las líneas rojas, y la cultura ha perdido influencia en la sociedad actual de los mercaderes del usar y tirar. Pero hay gente que siempre dirá no, no, no.

Ahora tienes otra banda diferente en esta gira. De aquella del 82, algunos se han quedado en el camino y otros vinieron solamente al estreno en el Wizink. Aquella del 82 era lo más, porque cada noche de aquel verano nos hacían disfrutar introduciendo variantes en los mismos temas. Ahora es otra tan buena como aquella y quienes ya han vivido este “Rock and Ríos” con 40 años más, no quedan descontentos. Los tiempos cambian, pero ¿no afecta tanto a la música, a este álbum tuyo?

Las peculiaridades de esta gira de celebración del 40 aniversario de ‘Rock&Ríos, un concierto por semana, hacían imposible la reunión de la banda original, que sí estuvo en el Wizink Center. Cuando me ofrecieron volver a la carretera, quise hacerlo con una banda más joven y con músicos de contrastada maestría. Ese chute de sangre más joven se acerca a la energía de la banda del 82, lo que devuelve a las canciones a su estado original. Es como si los temas tuvieran un corazón nuevo. En cuanto a la permanencia emocional de las canciones de ese disco se puede entender, porque aquel ‘Rock&Ríos’, se convirtió en la banda sonora de uno de los momentos históricos de este país, la constatación política de que Franco había muerto.

Tras la “bienvenida” decías en aquellos días de marzo de 1982 que nos invitabas a dar un paseo “entre la utopía y la realidad”. ¿Estamos igual 40 años después? ¿Seguimos paseándonos entre la utopía y la realidad?

No, ahora paseamos entre la utopía y la proyección del desastre que es la distopía. En los años ochenta, cuando triunfaba el ‘Rock&Ríos’ se estaban preparando las políticas neocon de Reagan y Margaret Thatcher, que son las que han prosperado apoyadas por los grandes poderes fácticos los mismos que, en la sombra, favorecen impunes, las políticas más retrogradas e injustas.

¿Hemos encontrado el sueño, al salir de la generación límite?

Desde que mis coetáneos al poner en valor en el mapa de la humanidad, un nuevo segmento llamado libertad. El rock and roll y su filosofía de ruptura con el mundo del padre, estableció una nueva cultura que, como era tan diferente a la oficial llamamos contracultura. Desde entonces las nuevas generaciones de jóvenes han estado viviendo al límite del sistema, usados como el saco de los golpes, dependiendo de donde se nace y la clase social. El sueño solo vendrá con un cambio de sistema, y para llegar a eso tendremos que pasar por muchas pesadillas. 

La crispación, los insultos, la corrupción, el “todo vale” … ¿Hay que continuar -tal vez ahora mismo- con más ahínco a la búsqueda de la luz?

La búsqueda de la luz no es otra cosa que la búsqueda de la evolución. Lo cantaba mi admirado Eddie Vedder: ‘Do the Evolution, baby’. Mientras no entendamos que el ser humano necesita adecuarse a las reglas del tiempo en que vive, aprendiendo las reglas de ese tiempo, olvidando las reglas del patriarcado y aceptando que no somos el centro del Universo.

Oye, Miguel. Cuando “Bye, bye Ríos” declaraste que no deseabas hacer más grandes giras y ahora, de nuevo estás en la carretera con el “Rock and Ríos 40 años”. Supongo que como sabes más por perro que por viejo, ya no vives en un autobús, los equipos suenan mucho mejor y duermes algo más. Parecerá obvio ya que has regresado a una gran gira, pero ¿merece la pena?

Hasta ahora, claro que merece la pena. Es un show honesto, espectacular y de celebración, que significa mucho para nosotros y para la gente que viene a vernos en un número muy estimable, sabiendo la oferta tan grande con la que nos codeamos. Pero decidí tragarme mi fallida despedida porque, entre otras cosas, volvía a ‘El gusto es nuestro’ una gira en la que era imprescindible, si queríamos ser fieles a lo que hicimos 20 años antes. Para ‘Rock&Ríos’ me estoy preparando de forma muy profesional.

Cuando Hispavox comienza a lanzarte con piezas como “El río”, “Vuelvo a Granada”, “El Himno a la Alegría” y contemplas cómo has ido evolucionando paso a paso, proyecto a proyecto hasta llegar a tu gira en acústico del pasado año, uno debe de haber llevado a cabo muchas reflexiones y ganar una experiencia verdaderamente envidiable. ¿Y ahora, qué más?

Durante la época de Phillips y Sonoplay estuve algo perdido. Sabía que quería cantar rock and roll, pero las compañías no me dejaban y yo tenía que comer. Fue con el éxito de ‘Himno a la alegría’ y el dinero que entró, con la experiencia californiana y aquel inesperado montón de pasta, que descubrí que lo invertiría en resistir hasta poder hacer la música que me apasionaba. Con ese bagaje, y muchos intentos conseguí encontrar mi voz. Ese impulso nunca me ha abandonado. ‘Un largo tiempo’ me permitió ir cerrando el círculo, empecé cantando a la juventud, y ahora se empieza a cerrar escribiendo sobre la senectud. Siempre en busca de una historia que hacer canción. Ahora, como siempre, a esperar… 

Sigues siendo una persona muy curiosa. Te siguen interesando mucho las nuevas generaciones y, sobre todo, en lo que a música se refiere. En este tu concierto de Murcia, que sepamos, has invitado a un magnífico guitarrista de la tierra llamado Santiago Campillo que fue, junto a Carlos Tarque, Otero, Uribe y Pascual Saura fundador de MClan. Con Tarque ya has compartido escenario en varias ocasiones (una de ellas, en el Wizink precisamente con este “Rock and Ríos 40”), pero con Campillo creo que va a ser la primera ocasión. ¿O no?

Por Tarque siento debilidad y gran aprecio por el trabajo de MClan, incluyendo los discos en que aparece Santi. Una de las cosas que más me motivan para hacer esta reentré, es compartir escenario con artistas de diferentes edades y estilos. Gente que está en sus ciudades y que tienen el día libre en sus carreras y quieren compartir una canción de ‘Rock&Ríos’. A los invitados, los suele buscar y llamar Carlos Narea, que es el director artístico de la gira. Para mí es apasionante cantar esos temas con gente que no había nacido cuando hice el disco.

Bueno. Y cuando todo esto finalice, cuando se apague el último foco del “Rock and Ríos 40”, ¿qué vendrá además de un descanso? Porque tu cabeza no para. ¿Tal vez otra entrega literaria? Sé que te gusta mucho escribir.

Queridos Andrés y Goio, me gustaría saber a dónde irán mis pasos. Creo que por un tiempo me dedicaré a trabajar para mi Fundación para la Solidaridad y el Rock. Es una idea de algunos miembros más jóvenes de mi familia en la búsqueda de preservar mi legado y, a la vez, trabajar para devolver a la sociedad parte de lo mucho que me ha dado en mi vida.

Muchas gracias, Miguel. Es como lo ven; sin filtros ni maquillaje. Tal cual. Un chico de Granada que un buen día enfiló para Madrid en busca de su destino. Se hizo adulto, trabajó muy duro, se cayó muchas veces, pero volvió a levantarse y forjar una vida dedicada a la música de rock. Aunque como baladista siempre ha sido también muy bueno o haciendo sus incursiones en terrenos jazzísticos, durante su etapa con la Big Band Ríos (1998). Y toda esa enorme trayectoria realizada a pulmón, como señala otra de las grandes baladas grabada en 1984, aunque su autor es un buen amigo de la Argentina -y mejor músico- llamado Alejandro Lerner. En su letra, se podría condensar buena parte de la vida de Miguel Ríos, que regresa a los grandes escenarios con esta gira titulada “Rock and Ríos y Cía. 40 Años Después”. La cita, en la noche de este viernes 29 de septiembre, en la Plaza de Toros de Murcia. Estuve en 1982 en Madrid y regresaré en esta ocasión. No puedo, ni debo, faltar a la cita con quien para mí es como mi hermano.

La clausura del XXV Jazz San Javier ha tenido una noche de auténtica fiesta musical, con el soul que nos proporcionó la banda que lidera el guitarrista Anthony Paule Soul Orchestra que contaba, para la ocasión, con dos cantantes que se distribuyeron en dos partes. La primera, con la voz potente de Terrie Odabi; una poderosa y muy expresiva voz que supo captar toda la atención de un público ávido de divertirse y escuchar la música de blues que les proporcionaba esta formación norteamericana. En la segunda parte, Theo Huff nos recordó voces del soul míticas como Otis Redding, Arthur Conley o Wilson Picket, además de subir a bailar al escenario a cuatro chicas (una era de su staff), que culminó el magnetismo de la banda con algún despistado que pudiera presenciar el espectáculo. Dos partes diferenciadas pero con nexo común: el blues y el soul. Les contamos detalles.

Esta potente banda que lidera el guitarrista norteamericano Anthony Paule y denominada Soul Orchestra se creó en 2007 y desde entonces, se ha convertido en una imprescindible del soul, blues y rhythm and blues tradicionales de las décadas 60 y 70 del pasado siglo XX. El grupo llegaba a Jazz San Javier para ser los encargados de clausurar la XXV edición. Está conformado, además de por Paule en la guitarra, Tony Lufrano, órgano Hammond y teclados; Kevin Hayes, batería (zurdo y muy contundente); el bajista Endre Tarczy; Derek James en el trombón; Charles McNeal se encarga del saxo tenor y el joven trompetista Ethan Pires. Junto a ellos, dos voces increíbles que definieron el sonido de esta gran banda. La de la recientemente premiada Terrie Odabi, que llevó el peso de la primera parte del concierto, para tomar el relevo en la segunda mitad el cantante de Chicago Theo Huff; una de las más importantes voces del género en estos momentos, que nos recuerda a parte de las diez grandes voces del soul, blues y rhythm and blues del momento.

Hechas las presentaciones, la Anthony Paule Soul Orchestra nos dejó, para ir calentando motores, su 'Soul Time' seguido de 'The Willie Walk', que provocó los primeros bailes del aforo. A continuación, Paule anunció a Terrie Odabi quien sonando ya 'Breaking Up Somebody's Home', lanzó su fuerza vocal arropada por la potencia de la banda. Aplausos nítidos y masivos del auditorio para esta cantante y la banda de Paule. Terrie presentó 'Live My Life', un blues muy alegre que puso a los más bailongos a moverse en el famoso foso del auditorio. Para calmar un poco el ritmo tomado desde el comienzo, una balada titulada 'After Awhile' que sonó como los ángeles en el cielo.

La humedad reinante en la noche del pasado domingo en San Javier provocaba que todos, músicos y público, anduviéramos con nuestras vestimentas empapadas. Si a ello le unías que no parabas de moverte con los temas de la Soul Orchestra de Anthony Paule y la voz de Terrie Odabi, la cosa ya tenía una realidad más acusada (me refiero al sudor, claro). La cantante y alguno de los músicos comentaba esta circunstancia meteorológica, aunque ello no impedía que continuaran (ya saben: el show debe continuar) con su concierto. Después de este descanso para sosegarnos un poco, Anthony Paule presentó a los componentes de la banda para seguir con 'Why Am I Treated So Bad'; una pieza de ritmo medio con la que, seguro, pretendían ir recuperando de nuevo el ritmo del comienzo. Luego continuaron con 'Hate Take A Holiday' y de nuevo, otro blues lento, pero con mucha fuerza, donde la sección de metal hacía estragos secundados por la guitarra de Paule. La guinda era la también potente voz de Terrie, que era coreada por el Hammond de Tony Lufrano. Para que se hagan una idea. Sitúense en una clásica película americana de los años 60, en un baile lento de fin de curso de jóvenes de entre 15 a 17 años; una pareja de ellos, acaramelados, bailando ese blues lento… ¿Lo tienen? Pues ese era el clímax de 'You're Gonna Make Me Cry'.

La primera parte estaba cerca de finalizar. Y el sofocante calor meteorológico apretaba más de la cuenta. Así es que, sin parar, la banda inició 'Love Trumps Hate', que fue presentado sobre su fondo musical por Terrie Odabi, antes de cantar su letra que viene a desarrollar lo que indica su título: Que el amor triunfa sobre el odio. 'Something Got A Hold' supuso la participación coral del auditorio dirigida por Terrie que preguntaba: “¿Estáis preparados?” Obviamente la respuesta era afirmativa y, en consecuencia, todo fue sobre ruedas. Y llegó el final, con 'Gentrification Blues', en el que hubo un pequeño duelo entre el trombón de Derek James y la trompeta de Ethan Pires; la veteranía contra la juventud. Así finalizaba esta primera parte del concierto de clausura del XXV Jazz San Javier, a cargo de la Anthony Paule Soul Orchestra con la voz de la cantante Terrie Odabi.

La segunda parte se inició, igualmente, con 'Soul Time' para enlazar con 'Menphis Train', que cantó el propio Anthony Paule con los coros de sus compañeros de banda. Tras ello, el guitarrista y líder del grupo anunciaba la presencia del cantante de Chicago Theo Huff, que inició su concierto con 'Who’s Making Love', un viejo éxito del soul que interpretó, entonces, Johnnie Taylor. Un excelente comienzo para Theo Huff en esta segunda parte del concierto que nos ofrecían la Orquesta Soul de Anthony Paule. Llegaría 'If I Could Turn Back The Hands Of Time', otro éxito del soul conocido de Tyrone Davis que animó más el cotarro. Luego le siguió un éxito del propio Theo Huff titulado 'Just Enuff Rope', con un ritmo inequívocamente soul que nos hacía volar nuestra imaginación por los años jóvenes de los 60.

Otro éxito que lo fue de Clarence Carter, 'Slip Away', siguió desglosando este concierto de Theo Huff con la Orquesta Soul de Anthony Paule. Entonces, Theo le dijo a la banda que atacaran 'Soul Swing' y puso a bailar a varias damas que se agolpaban en el foso (una de ellas era del staff de Theo); las subió al escenario y fue dándole a cada una de ellas su espacio para bailar la melodía que sonaba. Implicando al público femenino, para que nadie pudiera sentirse desplazado. Continuó con un éxito de Johnny Taylor titulado 'Last Two Dollars' y finalizó su concierto con 'Try A Little Tenderness', una preciosa canción de soul compuesta por el trío Harry Woods, James Campbell y Reginald Connelly que elevó a éxito de ventas el tristemente desaparecido Rey del Soul Otis Redding, a los 26 años en un accidente aéreo. A pesar de su juventud, Redding ya había logrado el máximo estrellato y los aficionados sabíamos, por aquellos días, que podía haber dado muchísimo más de lo que ya entonces conocimos. Excelente interpretación y tributo al que fuera Rey, por parte de Theo Huff y la Soul Orquesta de Anthony Paule con este broche de brillantes. El público pedía más (extraño, pero cierto, aunque fuese domingo en la noche ya entrados en la primera hora de la madrugada del lunes) y la banda lo concedió, con 'Love and Hapiness', éxito de Al Green en 1972, que vino a colocar el colofón -fuegos artificiales incluidos-, a esta XXV edición de Jazz San Javier.

En suma, noche festiva, potente en lo musical y muy divertida para los aficionados que acudieron a esta clausura del XXV Jazz San Javier que ha dado un nivel bastante en la línea de sus predecesoras. Habría que destacar que los conciertos en calles y plazas públicas (fuera del auditorio Almansa, sede oficial) van incrementando la calidad artística y las asistencias de público lo que es una magnífica señal. También a destacar, la fidelidad del número de abonados a esta cita y los registros de las noches que lo han conformado que, teniendo una fuerte competencia en este 2023 en conciertos de otras características, se han mantenido en una media de tres cuartos del aforo, con la excepción de la noche de The Waterboys que hubo un lleno total.

Nos llegan ondas preocupantes, no obstante, que no nos gustan ni presagian un futuro cierto. No hemos podido contrastar esos corrillos negativos con quien puede confirmar o negar la veracidad de esos preocupantes presagios, pero sería un grave error el que se tuviera en cartera disminuir un potencial tremendo que ha logrado un reconocimiento nacional de manera oficial (Interés Turístico Nacional); otro a nivel internacional, de músicos y crítica especializada. Por último, un buque insignia para San Javier, que lo ha colocado en el mapa mundial gracias a este festival que aporta, y mucho, a sus habitantes y comercios del municipio. Estaremos atentos y en nuestra disposición está el acudir a la fuente fidedigna para aclarar el horizonte. Gracias por la atención que siempre prestan a estas crónicas, este año muy reducidas por motivos que no vienen al caso. Y hacemos votos por una continuidad y, si cabe, mayor potencialidad del Festival de Jazz de San Javier. Muchas gracias y feliz verano. Por favor, nunca pierdan este hilo.

Muchos de los asistentes a la antepenúltima jornada del XXV Jazz San Javier, no habíamos podido escuchar en directo a ese nuevo valor del jazz vocal, aunque sí en disco o vídeo. Pero no es igual. Cuando escuchas a un músico en directo es cuando descubres su auténtica valía. Y eso es lo que sucedió en la noche de este viernes, 21 de julio, en el auditorio Parque Almansa de esta población junto al Mar Menor. Samara Joy ha ido más allá de lo que hizo César: Llegó, vio, venció y persuadió a ese auditorio.

Hay quien ha escrito que Ella Fitzgerald vive en su cuerpo y, tal vez, no le falte razón porque su timbre vocal, su técnica de modulación o su dominio en las piezas lentas, medias o rápidas es absoluto. Sin duda ha sido la revelación de la presente edición.

Antes de que ella apareciera en el escenario, le precedió el pianista danés Niels Lan Doky y su trío. Ha regresado para dejarnos otro de sus conciertos románticos, en una demostración más de un magisterio que va creciendo con los años. Lan Doky -lo indiqué en una ocasión- es uno de los pianistas europeos más importantes de los últimos, ahora ya, 50 años. Añadiré que después de lo presenciado en esta visita, Niels Lan Doky es un músico con todas las letras, delicado y de gran talento creativo muy difícil de superar en su circunscripción. Una muestra de esta afirmación fue su concierto en el XXV Jazz San Javier, con un trío que acompañó sin molestar al pianista.

Los detalles

Habrán leído que durante todas las ediciones del Festival de Jazz de San Javier se trata de lograr jornadas que contengan contrastes en los conciertos, pero sin alejarnos de la base y dando cabida a sus movimientos colaterales. Pero igualmente, me habrán leído que dentro de esas jornadas San Javier programa las que son puramente jazz. Pues eso es lo que ha sucedido en la del viernes 21. Una primera parte, a cargo del pianista Niels Lan Doky y su trío, conformado por los hermanos Dall; Tobías, en el contrabajo y Nikolaj en la batería. Su acompañamiento estaba ahí, pero sobre todo el de batería, no molestaba e, incluso, había momentos en los que apenas se notaba su presencia. El gran Tete Montoliu siempre lo dijo: “Un baterista tiene que acompañar, no molestar”.

Nikolaj añade un plus a ese no molestar: Se descalza para tocar el bombo y el charles o hi-hat. El concierto se inició con una interpretación de Niels Lan al piano, en su creación 'Where The Ocean Meeb The Story' al que siguió de inmediato 'Sent From Heaven', otra de sus creaciones (todas las de la noche lo fueron) repletas de un lirismo y libertad que te hacen el momento muy placentero e inolvidable. Sus compañeros de trío, los hermanos Dall, son el complemento perfecto para este creador e intérprete.

Los aficionados mostraron su entusiasmo al finalizar estas dos piezas. Pude ver entre todos ellos a varios músicos regionales y se les veía con cara de asombro y felicidad al tiempo. Pero Niels Lan Doky no les daba tregua; apenas unos pocos aplausos y de nuevo la música. En esta ocasión 'Just Do It', también de su edición japonesa de este 2023 del álbum 'Yesterday’s Future' como los dos anteriores. Una composición cuya línea sonora te sugiere un viaje, tal vez, a tierras lejanas como Japón. Como sucediera en 'Sent From Heaven', Doky dejó espacio a los hermanos Dall; primero a Tobías que expreso un discurso fluido desde su contrabajo y acompañándolo Nikolaj con sutiles toques en la batería. Pero todo, en una expresión armónica y sin estridencias.

Nueva pausa para recordar a los compañeros de escenario y recordar las piezas que se habían escuchado y anunciar la siguiente -que tuvo una introducción de piano- 'Farewell Song', igualmente perteneciente al disco que les referí anteriormente. Y apenas unos aplausos a su término, para continuar con 'That’s It', este ya un tema publicado en 2017 en su disco 'Improvisation Of Life', en el que hay una parte de bop nítida, pero sin perder su identidad. Casi todos los músicos tienen un referente o varios; sin duda, el de Niels Lan Doky, al menos uno, ha sido el recordado Bill Evans, un pianista que destacó por su forma de componer y estar con su trío en los escenarios.

Este disfrute para el cuerpo, para la mente (especialmente, ya digo, la de los varios músicos que asistían a esta clase magistral del pianista danés), nos adentró en un círculo magnético y delicado del que no deseábamos marcharnos. Lan Doky ejecuta de una manera sencilla y sin malabarismos ni estridencias, que parece muy fácil lo que nos deja ver y escuchar. Pero no es así; en sus diferentes evoluciones que hemos podido seguir por las visitas que ha realizado a Jazz San Javier, se comprueba una evolución al alza que culmina con una maestría absoluta. Hecha la pausa correspondiente, se dirigió de nuevo a los presentes para indicar el tema que había sonado y presentar un primer tema, 'Hope', además de una de las piezas que se ha repetido en varios de sus discos: 'Misty Dawn'. Luego, sin pausa, un medley conformado por 'December', esta última, otro solo de piano delicioso, 'High Up North' y finalizar con 'World Peace'. De nuevo, espacio para Tobías Dall en su contrabajo mientras Nikolaj acariciaba con las escobillas su batería. Ambas sonaron continuas salvo un breve aplauso entre ambas con el que el auditorio iba premiando cada una de las creaciones que escuchaban.

Un auditorio entusiasmado con Niels Lan Doky aplaudía respetuosamente al trío danés que tuvieron el recuerdo de las piezas que habían escuchado. A renglón seguido, el pianista les presentó una composición rítmica y optimista, inmersa en un jazz fluido y si se quiere más ortodoxo con el que nos llega desde Estados Unidos bajo el título de 'Free At Last'. Con ese título, 'Libre al fin', el pianista se expresó tal cual reza esta escueta declaración de intenciones. El final llegó, con otra de sus creaciones titulada 'Rough Edges', sin anunciar, con la que el trío se despedía de un auditorio puesto en pie y aplaudiendo insistentemente esta primera clase de jazz que los presentes asimilábamos, en la noche del pasado viernes 21 de julio. Tanto se insistió por parte del público, que el trío regreso al escenario para regalarnos una pieza más: 'The Miracle Of You'. Con ella, su puso el colofón a esta nueva participación del trío del pianista danés Niels Lan Doky y los hermanos Tobía Nilolaj Dall. Lo menos que podemos indicarles es nuestra gran admiración y respeto por este músico y compañeros de escenario, que han vuelto a impartir un máster de cómo interpretar y estar en un escenario. Les recomiendo, si no lo han hecho ya, que escuchen su discografía. Es alimento para nuestros espíritus.

La segunda parte se presentaba con una enorme expectación, ya que la mayoría de los allí asistentes habíamos escuchado grabaciones de su protagonista y presenciado los vídeos que encontramos en internet. Pero no habíamos tenido la oportunidad de verla en directo que es donde un músico se desnuda y ofrece su auténtica dimensión. Una breve introducción del trío que la acompañaba sirvió para que Samara Joy apareciera con las primeras notas de 'If You Never Fall in Love with Me' y dejara asombrados a los presentes. Al terminar, aplausos unánimes y caras de sorpresa de la mayoría de los presentes, ante lo que acababan de ver y escuchar; una voz de apenas 23 años, con un dominio impecable de las escalas vocales, del desarrollo de una canción en los terrenos del jazz y con un trío igualmente joven de músicos, que nada más dar las gracias e iniciar el siguiente tema fue presentando uno a uno. Mientras sonaba la introducción de 'No More Blues', Samara presentaba a Luther Allison, al piano; Michael Migliore, en el contrabajo; y el baterista Evan Sherman. Con estos compañeros (me parecían colegas de la escuela en la que todos se han graduado), Samara presentó un clásico del bossa nova y del nunca olvidado Antonio Carlos Jobim, con letra de Vinicius de Moraes: 'Chega de Saudade'. Una versión más jazzística, sin perder la esencia del bossa.

El público casi no se movía, para no perder detalle alguno sobre las enormes capacidades de este nuevo valor del jazz vocal que es Samara Joy. Bueno, de ella ni de sus compañeros de escenario. El pianista Luther Allison daba la sensación, a pesar de su visible juventud, que llevaba toda la vida por los escenarios tocando con diferentes músicos. No digamos sus compañeros, el contrabajista Michael Migliore y Evan Sherman, con la batería.

Cuando puedan ver la emisión de este concierto en TV recuerden mis apuntes y ya me dirán. Otra característica de Samara Joy es su enorme simpatía y su sencillez como persona. Presentaba las canciones a la manera de la vieja escuela de grandes divas, con los primeros acordes o notas de cada una. Ahora tocaba el turno para 'Now and Then', una balada preciosa en la que amplió sus muestras de dominio de técnicas y con una voz que, en este caso, acariciaba nuestros oídos y almas.

Por las reacciones del público -y la nuestras personales-, Samanta Joy nos había conquistado y engrosábamos, creo, su lista de incondicionales. Estábamos asistiendo al nacimiento de la próxima diva del jazz o a mí me lo parecía. Para ir consolidando esas percepciones, para ganarse el afecto y la repetición de volver a Jazz San Javier en el futuro, Samara interpretó una creación incluida en su disco de 2022 'Linger Awhile', grabado y publicado por Verve Records; nada más y nada menos. Bueno, pues a seguir disfrutando con 'Nostalgia', de otro viejo músico de jazz: Fats Navarro. Y continuó con una pieza bop titulada 'Tight', que enervó a todo bicho viviente. Luego reiteró su simpatía y gracia natural, mientras la caja de la batería insistía en el comienzo de 'Beware My Heart'. Y remata esta serie, con otro estándar del género surgido de una de las mentes más inquietantes que ha tenido: El contrabajista Charlie Mingus. Una partitura que ha sido versionada por más grandes del jazz, al que Samara infringe su estilo sin olvidarse del sonido que la vio crecer en el Bronx: 'Reincarnation of a Lovebird'. ¡Qué dominio de los registros altos, sin desafinar ni estridencias! Demasiado calor humano, señor. Definitivamente, nos ha conquistado.

En 2022 la ficha el respetadísimo sello Verve (cuántos nombres históricos han grabado para él), con el que publica 'Linger Awhile'; otro estándar del Libro Americano de Canciones que fue creado por Harry Owens y Vincent Rose, un bop irrefrenable, con una interpretación sin ánimo de crear una versión novedosa y respetando las maneras de cómo cantaban antes voces como Billy Holiday, Sarah Vaughan o Carmen McRae. Y apareció un tema de Thelonious Monk titulado 'Worry Later', con dos minutos de introducción a capella antes de atacar rítmicamente la pieza. Y enlazándola con 'Guess Who I Saw today', una balada romántica y que hizo las delicias de muchos, para enlazar con un tema de Stevie Wonder titulado 'Lately', del que tan sólo interpretó las dos últimas estrofas para este medley. Como si de una revolución (y lo era, vaya si lo era) fuera, todo el auditorio saltó de sus butacas y puesto en pie ovacionaban sin cesar a Samara Joy; ovación de dos minutos, en los que la joven cantante no cesaba de dar las gracias una y otra vez. Fue grandioso. Y aún tuvo un poquito más, con una pieza de 1946 que por entonces llevó al éxito Louis Jordan titulada 'Buzz me'.

El público no cesaba de aplaudir y Samara y sus compañeros habían abandonado el escenario. De pronto, se asomó tímidamente por una esquina como indicando “¿todavía queréis más?”. Y salieron los cuatro. Tras reiterar las gracias y preguntar de nuevo, decididamente y con una sonrisa enorme atacaron 'Stardust' con la que, ahora sí, finalizaba su paso por Jazz San Javier.

En resumen, una noche de jazz memorable; la mejor de la presente edición en toda la extensión del término. Un primer magisterio que sigue creciendo, con el pianista danés Niels Lan Doky y su trío que dejaron nítido cómo se puede interpretar jazz de manera elegante, romántica y con la fuerza que ciertos momentos precisan para ensalzarlo.

Después, Jazz San Javier descubrió a una futura Diva del género, que como ella misma indica “a pesar de haberme graduado, esto acaba de comenzar y quiero seguir aprendiendo y creciendo”. Una voz, la de Samara Joy, que canta como las mejores predecesoras que ha tenido esta música, adoptando sus maneras de interpretar y estar sobre un escenario, enseñando a todos que ese estilo no pasa nunca de moda. Se puede abordar de diferentes maneras, pero lo esencial permanece y Samara Joy lo demuestra con una maestría asombrosa, a pesar de su juventud. Tenemos cantante y estrella para muchos años. Y esto, se acaba un año más. Les contaremos el cierre que el XXV Jazz San Javier ha preparado. No pierdan el hilo.