Gustavo Alemán (Murcia 1977) es un entusiasta de la fotografía y uno de los agentes más activos en este campo en nuestra región. Fotógrafo, galerista, comisario, docente, Gustavo ha hecho casi de todo en el campo de la imagen.

Actualmente coordina el ciclo PANORAMA del Cendeac que busca dar visibilidad a los fotógrafos murcianos y además participa e impulsa muchos otros proyectos.

Por decirlo a bote pronto, en la fotografía lo has hecho todo. Si se suele decir de alguien que es cocinero antes de fraile, tú has sido todo: desde  el que cultiva la verdura en el campo hasta el comensal que la disfruta en un restaurante. Más que preguntar sobre lo que haces uno se sorprende pensando si hay algo que no hayas hecho. Además de fotógrafo, galerista, editor, comisario, visionador, promotor de mil ideas utópicas... ¿te queda algo por hacer? Ahora mismo estás colaborando con el CENDEAC en dos proyectos diferentes, impulsando HANGAR y coordinando el ciclo PANORAMA. Me gustaría comenzar, antes de hablar de esos proyectos, preguntándote de dónde viene esta pasión por la imagen.

Tengo la sensación de que mi trayectoria es de esas cosas que parece bastante más lustrosa de lejos de lo que en realidad es. Todos esos pequeños hitos que mencionas son ciertos, y es para mí un privilegio haber podido estar tanto tiempo desarrollando actividades en torno a la fotografía, pero creo que el que hayan sido tan variadas dice sobre todo algunas cosas de mi carácter (no todas ellas positivas) y de lo precario de este mundo de la cultura en el que nos movemos. 

Yo llego a la fotografía de una manera completamente accidental. Siempre he estado fascinado por el cine y llegó un momento en que quise estudiar alguna cosa en Murcia que tuviera alguna relación. Pero no con ningún verdadero interés profesional sino por el deseo de aprender más y de sentirme más cerca de las cosas que amaba. Resultó que los estudios que elegí (el grado de Imagen) no tenían casi nada que ver con la imagen en movimiento y sí mucho que ver con la fotografía. Yo no soy de los de cámara de fotos por la comunión y mi relación con la misma hasta ese momento era básicamente de fotos de viaje y de eventos familiares. Pero quedé inmediatamente fascinado y de alguna manera difusa intuí ya desde el principio que todo eso de la fotografía era una herramienta poderosa para transmitir todo tipo de cosas. Aunque yo tardé mucho en saber qué es lo que quería transmitir yo. Eso, hace algo más de quince años, fue el principio del camino para mí.

Siempre digo, aunque no creo que sea una idea enteramente original, que la fotografía es un refugio de almas perdidas. Es una actividad misteriosa, muy sencilla pero capaz de una enorme profundidad y con muchos elementos que enganchan. Yo soy una más de esas almas perdidas atraídas a ese lugar tan extraño y familiar a la vez.

Es interesante que la mayor parte de ese camino del que hablas lo hayas recorrido en un tiempo de vacas flacas... incluso ni de vacas, sino de cabras. Tras una época de una enorme actividad fotográfica con hitos como la enorme de exposición “Fotografía en la Región de Murcia” que comisarió Díaz Burgos, los diferentes Fotoencuentros, la actividad del tristemente cerrado Cehiform, el Centro histórico fotográfico de la región de Murcia o plataformas como Mestizo, todo se viene abajo con el meteorito de la crisis. Tus proyectos como la galería Gatos de Marte o actualmente la editorial Fuego Books surgen, sin embargo, como milagros al margen de ayudas públicas. En este sentido eres un rara avis porque siempre has apostado tus propios recursos en tus proyectos. Mirando hacia atrás qué balance haces de aquel momento boyante de las políticas culturales en el campo de la fotografía y qué piensas que ha quedado, qué bases desde las que construir.

Para bien o para mal yo empecé a involucrarme en el mundo de la fotografía cuando muchas de las cosas que mencionas ya habían sucedido o estaban llegando a su fin. Creo, desde una visión un tanto ingenua quizá, que las épocas de vacas gordas no son especialmente provechosas para la cultura. No es que quiera ensalzar la precariedad y el buscarse la vida, pero sí que tengo la sensación de que en esas épocas se apuesta mayoritariamente por un arte y una cultura que refuerza los valores de la clase dirigente del momento, que en cierto modo “compra” una legitimidad social y cultural con dinero público. A eso se le une que la fotografía es, en gran medida, una actividad muy conservadora, en la que muchas veces se apuesta por reforzar lo que ya sabemos o mostrarnos lo que conocemos de una forma estética, recurriendo con frecuencia a una mirada nostálgica al pasado. Al final todo depende, y hay muchos enfoques posibles, de cual crea cada uno que es la función del arte y la cultura. Yo estoy lejísimos de ser un experto en la materia, y tampoco estoy seguro cual es la mejor manera, pero creo que idealmente las instituciones públicas deberían también acoger manifestaciones artísticas de índole crítica y reflexiva y no solo las basadas en entretener al público o contarles de una nueva manera lo que ya conocen.

Esos tiempos de apoyo institucional dejaron, no obstante, un poso que aprovecharon personas individuales como Mónica Lozano y su asociación Cienojos, que durante años tuvieron una magnífica labor de difusión de la fotografía en la Región. La sensación que me queda, más allá de tesituras políticas o económicas, es que la iniciativa personal es fundamental para poner en marcha toda esta clase de estructuras pero no es suficiente. Todas las iniciativas en las que una persona tira del carro creo que deben tomar medidas para evitar su desaparición cuando el cansancio, el desgaste u otras circunstancias vitales hagan dar un paso al lado a dicha persona. Pienso con frecuencia en esto, y creo que compartir la carga y redistribuir la ilusión entre más personas es la única manera de seguir adelante.

Gatos de Marte, nuestra pequeña galería de Arte (2009-2012) y Fuego Books son iniciativas minúsculas y deficitarias, puestas en marcha con más entusiasmo que conocimientos y dependientes en gran medida de un apoyo familiar que, por supuesto, no puede ser ilimitado. Parten ambas de la idea de que ha de existir un público interesado en la cultura que esté dispuesto a consumir fotografía. Pero no es fácil llegar a él si de hecho existe, y la tarea de crearlo es una en la que se avanza muy lentamente. Creo que todo suma y que en cada charla que montamos en la que vienen veinticinco personas, el enfoque correcto es fijarse en esas personas que han acudido a, con suerte, aprender algo o llevarse algo nuevo en que pensar a casa, y no en las incontables que podrían haber acudido y han elegido otra cosa.

Ahora mismo estás involucrado en varios proyectos en colaboración con el CENDEAC pero me gustaría que me hablaras especialmente  de dos que creo que tienen esa filosofía de construir poco a poco: por una parte el proyecto HANGAR que acaba de nacer y la convocatoria PANORAMA que se realiza por segundo año.

HANGAR es una de las cosas ms inciertas pero estimulantes que he contribuido a poner en marcha. Creo que hace falta un poco de contexto: durante años, en Murcia, las diferentes iniciativas fotográficas han consistido principalmente en traer autores de fuera a que nos contasen sus proyectos exitosos. Estas charlas y conferencias siempre funcionan bien, pues suelen recurrir a nombres conocidos con una gran trayectoria. En el último par de años, el colectivo al que pertenezco, underphoto (formado por Agus Bres, Pepa González, Pascual Martínez, Vincent Sáez y yo mismo), ha intentado matizar un poco esa fórmula. Mediante el ciclo de charlas Full Frame hemos traído a Murcia a autores más jóvenes, con propuestas más contemporáneas y el énfasis no ha sido tanto celebrar sus éxitos sino aprender de su proceso creativo, proyectos fallidos incluidos. Nos parecía que este enfoque podría ser más útil a la hora de estimular a la gente que empieza o que intenta armar su lenguaje fotográfico. Pero finalmente nuestra visión es limitada, tenemos como todo el mundo nuestras filias y nuestras fobias y en el fondo es un poco reduccionista que la actividad fotográfica en un sitio como Murcia se limite a lo que unos señores (y una señora, la gran Pepa González) decidan programar con la complicidad de una institución pública. Creemos que es necesario que esa actividad conviva con otras y que, aunque sea más difícil de poner en marcha, mas que decidir nosotros sobre qué actividades fotográficas se podría trabajar, lo que es más sano y más pone cimientos para el futuro es preguntarle a las personas interesadas qué les apetecería construir y, aprovechando nuestra experiencia, ayudarles a llevarlo a cabo de la manera más horizontal posible. Este “pasar el micro” antes de que la fatiga, el desgaste o cualquier otra circunstancia nos haga apartarnos nos parece la mejor manera.

Mi compañero de underphoto Agus Bres y yo mismo contemplamos HANGAR como un grupo de trabajo que acoja en su seno otros pequeños grupo cuyos objetivos, modo de trabajar y funcionamiento decidirán sus propios miembros, y a los que nosotros como coordinadores apoyaremos en cuanto necesiten. Lo sencillo en todo esto sería decidir nosotros qué temas son los interesantes, sobre que asuntos trabajar, pero nos parece que lo razonable es dejar que los integrantes de HANGAR pasen de espectadores a protagonistas. Esto causa una lógica zozobra, porque no estamos acostumbrados a que nos pregunten nuestra opinión ni nos den carta blanca pero, con la lógica lentitud de un proceso así, esperamos construir muchas cosas.

Respecto a PANORAMA, parte de una filosofía similar. Aunque agrupar a los artistas y creadores mediante criterios geográficos o generacionales siempre tiene sus peligros, creemos que montar un pequeño ciclo de charlas en las que se dé la oportunidad a artistas visuales que usan la fotografía en nuestro entorno de compartir su trabajo con el público de Murcia es un empujón que puede ayudarles a ellos y a personas en su situación. Al final, la fotografía es una actividad en la que caben casi todos los tipos de acercamientos y temáticas. Un ciclo como PANORAMA pretende celebrar la vitalidad de esa actividad y propiciar su crecimiento y la publicación de pequeñas fichas resumen con los trabajos seleccionados el año pasado y la posibilidad de recopilar todos los proyectos este año en un libro creemos que es un muy buen reclamo. El año pasado recibimos más de 70 propuestas, con la alegría añadida de que más del 50% eran de mujeres. Esperamos que en esta edición, en la que Agus Bres y Aíta Salinas, dos de los seleccionados el año pasado, se incorporan al jurado de selección, superemos esas cifras.

Para terminar me gustaría que, como si pudieras pedir un deseo al genio de la lámpara, me contaras qué te gustaría que ocurriera en la fotografía en Murcia en un horizonte de unos cinco años.

Creo que imaginar un escenario muy concreto es una de las maneras más seguras de equivocarse pero allá vamos. En cinco años me gustaría que personas que hasta ahora se han mantenido en silencio como espectadores de nuestras charlas o directamente en su casa estuvieran capitaneando iniciativas que no se limitasen a ser una version low-cost de lo hecho en otros sitios sino actividades inspiradoras, novedosas y que contribuyeran no solo al crecimiento  de la fotografía a nuestro alrededor sino, puestos a soñar, a construir una sociedad más justa, más crítica y con ideas nuevas.

Me gustaría que hubiera una fotografía para todos los públicos y una escena alternativa e independiente, que se lanzaran más publicaciones, pequeñas y grandes, que se escribieran más blogs, o canales de Youtube o cualquier cosa que inventemos en el futuro. Que haya más exposiciones de fotografía, en salas públicas, privadas y en espacios novedosos. Que volviera a haber un festival en Murcia que tuviera repercusión en la ciudad y que combinase lo lúdico, lo crítico, la mirada a los logros del pasado pero también una especial atención a las nuevas visiones. Que no haya una visión monolítica ni única sino un debate con muchas voces distintas y diversas en el que todo pudiera caber. Que esa chica que ahora está en el instituto y quiere contar cosas encuentre en la fotografía una manera valiosa de relacionarse con el mundo.

La fotografía es una actividad muchas veces silenciosa y solitaria, y nos asalta la duda con frecuencia. Quiero que no nos sintamos tan solos en este camino a no sé bien todavía donde. Ojalá mucha gente se una a nosotros en esto.

Hasta el 10 de Marzo podrá verse en el MURAM Museo Regional de Arte Moderno la exposición “Noche transfigurada” del artista Paco Ñíguez (Cartagena 1959). Licenciado en Bellas Artes por la Facultad San Carlos de Valencia, tras finalizar sus estudios conjuga su actividad artística con la docencia y desde 2007 imparte docencia como profesor asociado en la Facultad de Bellas Artes de Murcia.

Esta exposición es una oportunidad excelente de contemplar la obra de un pintor realmente singular cuya obra, alejada del ruido de las modas, está llena de misterio acentuado por la presencia silenciosa de la figura humana en espacios indeterminados. “Noche transfigurada” nos permite redescubrir a un artista que tal vez no haya tenido la visibilidad que sin duda su trabajo merece.

Tu exposición en el MURAM recoge tus últimos trabajos, pero también pueden verse algunas obras anteriores lo que permite apreciar la coherencia de toda tu trayectoria ¿Cómo te planteaste este proyecto?, ¿Qué es “Noche transfigurada”?

La exposición está compuesta por cuarenta y cuatro obras de las que aproximadamente dos terceras partes son recientes e inéditas, y el resto, una selección de obras ya expuestas anteriormente. Esto permite mostrar la continuidad respecto a la temática y, por otra parte, ver algunas diferencias formales y técnicas en los últimos trabajos. Puede apreciarse por ejemplo, un mayor recorrido cromático, más experimentación en el manejo de la materia y un lenguaje formal más abierto.

Se incluye también en esta producción última, una serie de dibujos, algunos de gran formato, realizados con procedimientos secos. El dibujo me permite ampliar el discurso, su carácter inmediato hace que todo fluya de otra manera; supone una dimensión distinta, el tratamiento de otras opciones expresivas.

Respecto a la temática, como he dicho antes, no hay diferencias notables con respecto a trabajos anteriores. Básicamente se muestra la figura humana en un entorno indeterminado y a la vez poético y misterioso. Son habitantes de mi mundo, invenciones salidas de mi conciencia, de mi memoria y del archivo mental de mi experiencia. Procuro que todo se manifieste de una forma natural a la hora de pintar; trato de no pensar, intento caminar sin identidad hacia lo desconocido.

El título, “Noche Transfigurada” tiene un sentido metafórico y no hace alusión a la temática particular de las obras sino al propio acto de la creación, a la capacidad del arte, también del pensamiento, de plantear hipótesis sobre la verdad. ¿De dónde venimos, quiénes somos, a dónde vamos? Sabemos que no hay respuesta, que la verdad es inalcanzable, pero también sabemos, que el solo esfuerzo de tratar de comprender nos hace alcanzar un estado de existencia extraordinario.

En los textos que los críticos han escrito sobre ti hay una serie de palabras que aparecen con frecuencia y que creo que definen bien tu obra: silencio, misterio, quietud, melancolía, tiempo detenido… pero hay algo de lo que me parece que no se ha hablado con suficiente amplitud: del papel esencial que en tus trabajos tiene el rostro y especialmente la mirada. De hecho en la exposición hay una pieza fantástica que se titula “mirada infinita” y otra “El ojo viviente”… ¿Qué importancia tiene en tus pinturas esa mirada que nos mira?

Me gusta el silencio de los iconos ortodoxos. Resulta fascinante esa apariencia de ingenua complejidad que es capaz de transportarnos a un espacio sin tiempo, donde uno se siente más cerca de la idea de “verdad”. Es como, si de una forma inconsciente, se dispusiera un orden o se acertara una clave que condensara todo lo disperso y desconocido.

La mirada de los personajes que aparecen en estos iconos, generalmente condenados a la quietud y a la simetría más estricta, es transmisora de una experiencia superior, de un estado de conciencia absoluto. El rostro se libera de sus rasgos más humanos y se convierte en algo eterno y universal, en símbolo de permanencia y, al mismo tiempo, de continuidad.

Al margen de estas reflexiones y de otras muchas que se puedan hacer sobre el sentido de la mirada en la historia de la pintura, en mi caso, la mirada, es algo recurrente que se me impone de forma natural. Para mí un cuadro, en primera instancia, es un espejo, un soporte para la reflexión y el conocimiento, y una vez resuelta esta fase, pasa a ser una ventana o una puerta abierta a la curiosidad del espectador, que puede entrar y participar de mi experiencia. Yo me encuentro siempre en los personajes que pinto, sus miradas son la mía propia que, de alguna manera está invitando a la contemplación.

Hablas de permanencia, de continuidad y esto me hace recordar los maravillosos retratos de las momias de El Fayum que tanta relación tienen con tu trabajo, que, como has dicho en alguna ocasión hablando de la importancia de la memoria, es un intento de superar el tiempo, de crear un espacio no sometido a él. ¿No hay en el fondo de tu trabajo una fuerte carga elegiaca, melancólica? ¿No son estos rostros en cierto modo instantes robados a la muerte?

Es verdad que siento fascinación por los retratos de El Fayum; considero que son un auténtico conjuro, seres devueltos a la vida que nos miran con la serenidad del que ha estado al otro lado. Para mí constituyen un paradigma de lo que debe ser el arte y de la función que debe desempeñar: situarnos lo más cerca posible de la verdad y paliar de alguna manera la incertidumbre que nos abruma y nos limita. No es el único ejemplo, sin duda la historia del arte está plagada de obras con una dimensión casi sobrenatural que estimula nuestra capacidad de acceder al gran misterio que es la vida.

En cuanto a la melancolía que mencionas en tu pregunta, es cierto que la hay en mi obra, pero además me atrevería a decir que no hay verdadero arte sin melancolía. Tal como yo la concibo, es un sentimiento generador y activo, pese a lo que se pueda pensar. La melancolía no es tristeza; yo la siento como un vacío, como una carencia ancestral instalada en lo más profundo que te hace sentir incompleto en todo momento. El arte es una forma de tratar de llenar ese vacío. Cuántas obras literarias, musicales, pictóricas, profundamente melancólicas nos hacen sentir reparados, aliviados; no es tristeza lo que sentimos sino, más bien, que ese artificio de precisión, sea verso, pasaje musical o imagen, logra hacernos sentir en plenitud por un instante. Nada hecho desde la tristeza tiene ese poder, es la diferencia…

Finalmente querría saber si crees que tu trabajo ha tenido en estos años el eco que sin duda ninguna merece. Me da la sensación de que eres en cierta medida un artista secreto, tal vez por lo atemporal de tu obra tan ajena a modas.

No suelo hacer este tipo de balances, pero creo que el carácter de mi obra no tiene nada que ver con que tenga más o menos eco. Como sabes llevo muchos años dedicándome a la docencia, también he formado una familia; este hecho que a priori parece que pueda mermar una carrera artística, en mi caso, me ha dado el equilibrio necesario para seguir pintando; quizás renunciando a una mayor producción o a un currículum más abultado, pero, en definitiva, qué es lo más importante; no se puede vivir constantemente en la metafísica, uno debe rendir su tributo a la realidad. Por tanto, yo no cambiaría nada. Mi familia es lo más importante, sin duda, y mi trabajo en el instituto me ha permitido mantener mi independencia a la hora de crear. De todas formas, aunque a intervalos, no he dejado de pintar nunca, porque amo la pintura y la considero necesaria, no sólo para mí, sino como dije ya en una ocasión, para que el mundo no enferme; al fin y al cabo, el arte y la cultura es lo mejor que queda de nosotros en nuestro paso por la vida.

Gelen Jeleton, nombre artístico de María Ángeles Alcántara Sánchez (Murcia, 1975), es tal vez una de las artistas murcianas con una trayectoria más consolidada: Desde 1999, integra el equipo Jeleton junto con Jesús Arpal Moya; un grupo colaborativo que inició su trabajo en Barcelona.

Ha sido invitada a diversos foros artísticos y académicos a presentar su trabajo, entre ellos, a los programas de radio enREDadas-mex y República Engendro, así como los seminarios de Cultura Visual y Género coordinados por Rían Lozano y Nina Höechtl en la Universidad Nacional Autónoma de México. En la actualidad está preparando proyectos para el MACBA de Barcelona y para el Centro Párraga de Murcia. Este viernes impartirá en el CENDEAC un taller de collage histórico cuyas plazas se han agotado hace semanas.

Vas a impartir en el CENDEAC un taller sobre lo que has llamado “Collage histórico”. En todo tu trabajo el archivo y la memoria parecen estar en el centro de tus preocupaciones, así como el hacer visibles las voces silenciadas de las mujeres. ¿Cómo puede hacerse otra historia? ¿Es posible construir una narrativa diferente?

Puede contarse otra historia, la que no ha sido contada o registrada, que no es que no haya sido, sino que no se ha transmitido por los ejes de comunicación masivos, la que no ha sido archivada.

Y puede hacerse otra historia teniendo en cuenta los criterios de selección, ser conscientes de lo que entra y lo que no entra en el archivo. Es tan importante lo que entra como lo que no entra para definir un archivo, nos habla de lo que representa y significa. Que son posibles otras historias está pasando, cuántas veces nos han dicho que no incluían mujeres artistas -por ejemplo en los libros de Historia del Arte- porque no había, y ahora aparecen libros, monografías y exposiciones con ellas.

El problema de la historia está ahora mismo en el centro del debate político... Temas como la memoria histórica o el resurgir de una cierta historia como sostén de nacionalismos e identidades. Es evidente que leer el pasado de una determinada manera es construir un presente diferente. Como artista ¿Eres consciente de esa carga política que encierra tu trabajo? Entiendo que tu propuesta de imaginar nuevas historias, de jugar con la historia encierra una apuesta por hacer, por construir modelos sociales diferentes…

Sí soy consciente de su potencial y fuerza, y de su implicación política por eso lo estudio y a la hora de hacer el taller soy muy cuidadosa con las historias que vamos a trabajar.

Lo que planteo es un juego propositivo, sus referentes están en la ciencia ficción y el género “what if/qué hubiera sido si…” pero cuando decidí atreverme a hacer este taller de collage histórico fue al releer el texto de “Una habitación propia” de Virginia Woolf, cuando pone el ejemplo de qué hubiera pasado si Shakespeare hubiera tenido una hermana que se hubiera querido dedicar al teatro como él, y le puso nombre y todo Judith Shakespeare.

Los resultados del taller de collage suelen ser poéticos y señalan partes de la historia como emblemas o alegorías sub-representadas, como un poema de Adrienne Rich a Marie Curie, sugerentes y complicadas a la vez, no inocentes, para desarrollar o contar historias que consideremos no han sido contadas o contadas lo suficiente.

Otras de las técnicas del collage histórico de las metodologías que hemos desarrollado es la máquina del tiempo y así juntar determinados personajes históricos en un mismo espacio tiempo, como si en multiversos nos desplazáramos (como la imagen del cartel del evento).

Estos días se ha hecho viral un vídeo de una chica que baila en medio de las manifestaciones de los chalecos amarillos rodeada del humo de las hogueras. Esto me ha recordado tu trabajo en el que el cuerpo y la reivindicación van acompañados de una cierta actitud rebelde y anti solemne. ¿No hay en tu trabajo con Jesús en el equipo Jeleton un fondo de juego, de humor como motor creativo y arma política?

Sí que usamos el humor mucho y puede que le demos muchas veces a las cosas una pátina antisolemne, pero lo hacemos muy seriamente. Quiero decir que pensamos mucho a lo que le ponemos humor y desde donde.

Ahora no recuerdo qué dibujo me comentas pero justo los que recuerdo que tienen fuego son bastante duros y de poca broma como el del “Finocchio” del proyecto “Historia Política de las Flores” que se podrá ver próximamente en el Centro Párraga en junio de este año que viene (lo digo con tiempo para que guarden la fecha).

No sé si bailaría en esas condiciones del vídeo viral que me comentas pero llevándome la cita a otro lado a la adjudicada a Emma Goldman de “si no puedo bailar no es mi revolución” estoy muy de acuerdo.

Querría también que me hablases de tu faceta de coleccionista, de archivera, y en qué medida tu colección de fanzines es importante en el resto de tus trabajos.

Mi trabajo como archivera está relacionado íntimamente con mi recorrido artístico en Jeleton, no hubiera sido uno sin el otro y aún siguen relacionados, necesitados y vinculados. Con Jeleton ya habíamos trabajado el sistema de archivo/academia/biblioteca/museo/mausoleo pero en 2011 decido que quiero hacer la tesis y me apunto a los cursos de doctorado con lo que comenzó siendo “Archivo DIY, música y dibujo en iniciativas autogestionadas y sus ediciones” y que terminaría siendo mi proyecto de tesis “Una Archiva del DIY (Do It Yourself): autoedición y autogestión en un fanzinoteca feminista-queer” presentada en 2016. Ahora me toca transmutarla a libro y espero que sea para abril de 2019 en la exposición que preparo para el Centro de Documentación del MACBA.

Y lo que me hace más ilusión y me siento involucrada en el grupo de investigación in-dependiente: “Fanzinotecas: método y resultado. El fanzine como herramienta emancipadora” y la creación del “Archivo: La Presa” sobre edición de publicaciones autoeditadas y su archivo en cárceles de mujeres, un proyecto que comencé en Ciudad de México con el grupo de investigación “Mujeres en espiral” con los fanzines “Leelatu” que reúne todo aquello de potencial y de herramienta emancipadora que veo en el fanzine.

Para terminar ¿Cómo ves el panorama del arte en nuestra región y en especial el de las artistas? ¿Crees que se apoya suficientemente su visibilidad?

Yo llevo años viviendo en Murcia pero voy y vengo mucho porque me sale más trabajo fuera que aquí, y como yo muchas artistas de cuarenta y tantos años, algunas que directamente viven fuera (y no es por gusto). Hace años que quiero montar con apoyo institucional por lo de la visibilidad y reconocimiento un encuentro artístico que nos reuniera a todas tipo unas jornadas con seminarios, charlas, talleres, porque hay artistas murcianas muy interesantes haciendo unos trabajos increíbles que no han sido expuestos ni apoyados en Murcia. Pero he de decir que justo este año sí que estoy viendo cambios, estoy viendo exposiciones de algunas de ellas y apoyo (en el listado de becas) así que tengo fe en que esto va a cambiar y espero se mantenga.