Sencilla pero contundente comedia negra, puro humor visual, que arrasó en todos los festivales del mundo en la pasada temporada.

Cuando el espectador vea *Suiker* a continuación, seguro que disfrutará. Pero menos, mucho menos que si lo viera ante un gran auditorio. Fue una de las sensaciones del año anterior en todo festival en que se programaba, y ahora, por fin, puede verse por la red.

Es un corto de lo más sencillito, o al menos eso es lo que aparenta. Se suele catalogar como una comedia negra, y sin embargo es difícil imaginarse algo tan blanco y tan alegre. Y aunque su aspecto rebosa corrección y pulcritud centroeuropeas, acaba emergiendo un espíritu de lo más gamberro. Véase esta imagen de un forense, que descubre un extraño elemento en la boca de un cadáver, y que desencadena toda la historia.

El lector no puede ni imaginarse la cantidad de cortometrajes que pretenden llamarse comedias y que se hacen al cabo del año, y los poquísimos, pero poquísimos, que finalmente logran hacer gracia. Si en los festivales de cine suele haber pocas comedias no es porque los seleccionadores sean unos aburridos (bueno, a veces sí), sino porque, simplemente, no hay. Cuando aparece una buena comedia es como un soplo de aire fresco. Y eso es lo que ocurre con *Suiker*. A modo de aperitivo, veamos el trailer:

El planteamiento es ingenioso, pero terriblemente arriesgado. Podía haber dado pie a una colección de bromas chabacanas sin puñetera gracia. Una vez más, no hay historias vulgares, hay tratamientos vulgares. Y en ese sentido, el corto sortea esos peligros cuarteleros gracias a una serie de opciones estéticas que le dan carta de nobleza. Hablamos de:

Una perfecta coreografía del gag visual. Con toda probabilidad, el equipo del corto llevó a cabo innumerables ensayos para que todos los movimientos de los personajes funcionasen a las mil maravillas: la mejor manera de que la chica se cayese, la posición más adecuada cuando ya está muerta, la manera de subir y bajar el camisón...

Llegados a este punto, permítannos una pequeña digresión: Buster Keaton decía que, en un gag, debe verse al cómico de cuerpo entero, pues de lo contrario el espectador pensará que hay truco. Hoy en día, el gag ya no se hace así, pero siempre es de agradecer que tenga el menor montaje posible.

Y aunque aquí hay situaciones apoyadas en los cambios de plano (sobre todo la del camisón), en todo momento da la sensación de que el número de planos es el preciso, ni uno más ni uno menos, e incluso hay gags que suceden casi en un solo plano, como ese, soberbio, en el que el chico le cubre el pezón a la chica (aunque más bien parece que busca una excusa inconsciente para tocárselo), se apaga bruscamente la luz y el chico se asusta y, al encenderse la luz, la marca de su mano ensangrentada ha quedado estampada en el camisón de manera ciertamente comprometedora.

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En esta segunda parte, una obra extraordinaria.

Aunque ella haya sido una criminal...

, visión novedosa y revulsiva en torno a un hecho histórico: la Liberación de París en 1944, después de la ocupación nazi. Y por una vez, los nazis no son los malos.

Definitivamente, las obras más rotundas de Périot son dos cortometrajes que giran en torno a hechos históricos del pasado siglo. Hechos espantosos o conmovedores, pero en cualquier caso llenos de matices, y con una elaboración formal decididamente portentosa.

El primero de ellos ofrece una mirada insólita sobre el, en principio, glorioso día de la Liberación de París en agosto de 1944, tras años de ocupación por parte de los nazis: Eût-elle été criminelle..., o sea, Aunque ella haya sido una criminal... Pero, antes de empezar a hablar, veámoslo:

Eût-elle été criminelle... / Even If She Had Been A Criminal... (2006) from Jean-Gabriel Périot on Vimeo.

Después de una primera parte que recorre a velocidad de vértigo la historia de París durante la Segunda Guerra Mundial, llegamos al día de la Liberación, que siempre nos había sido presentada como una jornada memorable para el triunfo de la libertad y la democracia. Pero Périot, nada sospechoso de simpatía hacia el nazismo, muestra su cara oscura: la prepotencia, la impunidad, la extrema agresividad de los vencedores hacia mujeres sospechosas de haber tenido trato con oficiales nazis.

Las imágenes que recopila Périot ofrecen una visión bastante terrible no de la Liberación de París, sino, una vez más, de la condición humana y su compulsión agresiva.

Al humillar a estas mujeres, rasurarlas, abofetearlas y exponerlas al escarnio general, vienen a nuestra memoria las imágenes del trato inhumano de los judíos por parte de los nazis. Con este acto brutal, los aliados demuestran que la barbarie no es patrimonio exclusivo del fascismo. En cuanto a los abanderados de la democracia se les da oportunidad, no dudan en reproducir los mismos comportamientos humillantes que emplearon sus verdugos nazis. Puede que no lleguen a los extremos a los que llegaron estos, pero lo que vemos no deja de inspirarnos repugnancia.

Y. una vez más, hay que reseñar la fabulosa armonía entre imágenes y música, con un empleo simplemente ejemplar de los materiales de archivo y de la célebre Marseillaise.

Los materiales de archivo. No es la primera vez que se concentra la narración de un hecho histórico que dura años, o décadas, en un montaje vertiginoso de imágenes, pero nunca, o casi nunca, se ha realizado de manera tan brillante.

Comenzando por la disposición de las imágenes: después de un inicio que deja claro que la historia va a girar en torno a la grandeur francesa, Eût-elle... equilibra a la perfección los planos que muestran el ascenso nazi, el estallido de la guerra, batallas y bombardeos, el Desembarco de Normandía y la Liberación de París, con un sentido del ritmo y de la progresión dramática que hace que parezca fácil lo muy difícil.

En la segunda parte, centrada en la Liberación, aparece un sorprendente artilugio narrativo. Périot muestra imágenes triunfales de la Liberación, pero esas imágenes son sólo fragmentos de la imagen completa. De este modo, Périot da a entender que las imágenes triunfales sólo son visiones parciales de un hecho histórico, la Liberación, en las que únicamente se muestra la parte más complaciente de la misma. Imágenes como la de un hombre de media barba que sonríe al espectador, unos parisinos haciendo la V de la Victoria, o este señor tan jubiloso:

De repente, la súbita aparición de una mujer con el cráneo rasurado, abofeteada con saña para gran satisfacción de la multitud, resulta estremecedora. Y a partir de ahí, Périot muestra las imágenes completas: el hombre de media barba sonríe junto a una mujer a la que están afeitando el pelo al cero, los parisinos que hacen la V de Victoria van detrás de otra mujer que tiene la cruz gamada pintarrajeada en su frente... En cuanto a la imagen del señor jubiloso, recordemos el plano completo en que aparecía...

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Fantasías más bien fálicas de la conductora de un tranvía, a lo largo de un trayecto lleno de hombres. Una obra obscena, divertida y juguetona de la célebre animadora checa Michaela Pavlátová.

Cuenta la leyenda que, en la época dorada del cine de animación infantil, algunos dibujantes clásicos aprovechaban las horas muertas para perpetrar versiones pornográficas, y nada pero nada candorosas, de sus personajes favoritos: Mickey, Pluto, Tom y Jerry, todos fornicando a lo loco con todos. Versiones que, cómo no, nunca traspasaron los pasillos de los grandes estudios. Con alguna excepción, como el desopilante Buried treasure de finales de los 20, cuya paternidad no está ni mucho menos reconocida por nadie.

Es lícito pensar que la misma reacción sanamente gamberra tuvo lugar en los estudios húngaros, checos o croatas, donde se hacían esos entrañables cortos con marionetas que ilustraban cuentos populares, unidos para siempre a la nostalgia infantil de los mayores de 40. Con toda probabilidad, los animadores se montarían camas redondas con Blancanieves, los enanitos y el príncipe, y otros escarceos por el estilo.

Ese espíritu revoltoso, y al fin y al cabo bastante ingenuo, es el que aparece en la obra reciente de la estupenda animadora checa Michaela Pavlátová (nominada al Oscar por su Reci, reci, reci, un corto algo envejecido pero aún lleno de encanto), y que en los últimos años se ha dedicado a construir un universo propio de fantasías sexuales femeninas, mostradas con todo lujo y delectación. Y sin que nunca falte ese sentido del humor checo, siempre sorna y siempre ternura, que recuerda a cineastas paisanos como Jiri Menzel o Milos Forman.

La última pieza de Michaela Pavlátová es una pequeña delicia producida en Francia llamada Tram, que comenzó su triunfal carrera ganando el Cristal de Annecy, es decir, el gran premio de cortometraje del Festival de Cine de Animación más importante de Europa. En este sentido, tengo que decir que el premio me parece un poco exagerado. Tram me gusta, pienso que es un trabajo bastante agradable, pero en ningún caso le otorgaría el status de corto de animación del año. En cualquier caso, no tengo ninguna duda de que Tram merece verse, y perseguirse.

Tram sucede en un día gris cualquiera de una ciudad gris cualquiera. La protagonista es una conductora de tranvía de generosas tetas y más generosa fantasía, que inicia su jornada. En el trayecto sólo se suben hombres, todos ellos circunspectos, repetidos, leyendo el mismo periódico (en el mundo de Pavlátová no hay lugar para portátiles ni smartphones). El caso es que, en mitad de la rutina laboral, la imaginación sexual de la conductora se despierta y, finalmente, se dispara. De modo que todo se transforma: las palancas de cambio, los botones del vehículo, la ranura para clickar los billetes... Algo que ya se adivina en el trailer:

TRAM TRAILER from Sacrebleu Productions on Vimeo.

Tram es un pequeño concierto en corto que surge en la cabecita de la conductora. La repetición incesante de los mismos gestos mecánicos de todos los días se convierte, poco a poco, en música, y finalmente en sexo. La melodía retozona, como de trenecito de juguete, va dejando paso a un simpático desfile de penes y vaginas en plena acción, siempre muy bien orquestado y perfectamente integrado con sabrosos gags visuales, hasta desembocar en una apoteosis de largas y erectas palancas de cambio y húmedas ranuras clickando sin tregua, al estruendo del gran final de El carnaval de los animales de Saint-Säens.

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Primera parte de este recorrido por la obra de un clásico moderno: Jean-Gabriel Périot. Comenzamos con

, o el fin del mundo al revés. Ideal para esta semana que supone el fin, esperemos que ahora sí, de las profecías apocalípticas.

Menos es más. El gran cine también puede hacerse con un simple puñado de recortes, fotos, materiales de archivo. Ahí está A story for the Modlins. O una pieza soberbia que desgranaremos como se merece en próximas entradas: El pabellón alemán.

Y por supuesto, el caso que nos ocupa, que no se centra en un cortometraje en particular, sino en la obra global del francés Jean-Gabriel Périot. Uno de los cortometrajistas que, en los últimos años, más y mejor ha logrado despertar en los aficionados el sentimiento esencial de ver cine: la fascinación.

Afortunadamente, buena parte de la obra de Périot puede verse por la red, concretamente toda su obra hasta 2010. Llegados a este punto, podemos hacer dos cosas. Una. Que el espectador navegue por su cuenta, sin indicaciones de ningún tipo, por la página de Périot. Para ello, no tiene más que ir a películas, cortometrajes, y hacer clic en cualquier título hasta 2010. Unos son mejores que otros, pero garantizamos que va a ser todo un descubrimiento.

Dos. Permitir que este modesto artículo les inicie en el universo del francés, mostrándoles únicamente tres de sus mejores trabajos, y a partir de ello ustedes deciden si siguen o no viajando. Si es así, no perdamos más tiempo e internémonos, sin más dilación, en el cine intrigante de Jean-Gabriel Périot. Esta semana, y para que el viaje sea ascendente, comenzamos con la obra menos soberbia de las tres.

Undo

Todos sabemos que el cortometraje es terreno propicio para los experimentos narrativos. Pues bien, hay muchos, pero muchos cortos que utilizan el siguiente artefacto: comenzar por el final de la historia y terminar por el principio, en la misma línea que, pongamos por caso, The curious case of Benjamin Button (El curioso caso de Benjamin Button) o Memento. Y, de todos estos cortos, algunos optan por un camino muy particular: el corto no sólo está narrado al revés, sino que la imagen misma va al revés.

Y en este último grupo, uno de los más logrados es Undo, o sea, Deshacer:

En apariencia, todo en Undo es alentador. Las Torres Gemelas se reconstruyen solas, las bombas desexplotan, la policía desreprime, la gente desconsume, los animales sacrificados vuelven a pastar en los campos, y el hombre deja la tierra tal y como la encontró desde el principio...

Pero, en realidad, todo es inquietante. Porque el hecho de mostrarlo todo al revés no crea un sentimiento de esperanza, sino que deja al descubierto un proceso que ha llevado al planeta al borde del colapso, y cuyo motor, claramente destructivo, ha sido la naturaleza psicótica de la condición humana.

Cuando vemos que un policía des-sacude a un manifestante, ese hecho no nos proporciona alivio, sino que remarca la brutalidad no ya del policía, sino del ser humano en toda su extensión. Cuando Adán y Eva son readmitidos en el Edén, no sentimos que hayamos recuperado el paraíso perdido. Revivimos el momento en que lo perdimos para siempre.

No se trata, pues, de decir al espectador “qué bonito sería que diéramos marcha atrás”, sino que, al ver las cosas al revés, descubrimos que la ferocidad humana es fruto de una compulsión, de un proceso depredador imparable. De hecho, el proceso finaliza con las mismas imágenes cósmicas con las que empezó: la creación sólo puede acabar con la destrucción.

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Arrebatadora crónica familiar. Un cineasta mexicano pretende averiguar por qué dos de sus tíos aparecen literalmente tachados en todas las fotografías que conserva su abuela.

A la hora de escribir sobre este precioso cortometraje, me encuentro con dos posibilidades. Puedo contar el argumento de principio a fin, de modo que el lector quede cautivado por una historia que difícilmente puede dejar indiferente. O puedo contar lo preciso, dejándole con la miel en los labios, provocándole un deseo manifiesto de descubrir, por sí mismo, las claves de este secreto familiar.

Me decido por la segunda opción. Me parece más sugerente, aunque sé que también tiene sus contras. Porque, aunque esta obra deliciosa ha podido ser admirada en Cannes, Huesca, Alcine o Morelia, probablemente queden escasas oportunidades de volver a verla en un tiempo próximo. Ojalá que estas líneas animen a alguien a programar el corto en su festival, o darnos la oportunidad de verlo en una plataforma de la red, o en algún programa de televisión.

Aunque Los tachados es una producción sueca, el cortometraje está dirigido por un mexicano, y la acción transcurre íntegramente en México, ya que el director, también protagonista y guía, viaja de Suecia a su país natal para reencontrarse con su familia. Así que tiene más sentido verlo como un corto latinoamericano, si bien el alcance de su historia es universal. La familia retratada podría ser la suya o la mía.

El título español hace referencia a un enigma en torno a la abuela del director. Esta tuvo cinco hijos, pero dos de ellos aparecen literalmente tachados en todas las fotografías que esta posee.

La abuela es, dicen, una mujer de mucho carácter, y nadie se ha atrevido a preguntarle el porqué de ese extraño tabú. Pero su nieto Roberto, cineasta, tiene una relación muy especial con ella, y en sus dos semanas de estancia en México está resuelto a desentrañar el misterio.

A partir de aquí, se desarrolla una investigación documental, casi a la manera de un “thriller”. El corto se estructura a partir de tres visitas que hace Roberto Duarte a su abuela. En la primera, Roberto hace preguntas tibias. En la segunda, intenta descubrir con su cámara alguna foto en la que los dos hijos no aparezcan tachados, pero aún no se atreve a hacer las preguntas cruciales. En la tercera, Roberto se dispone a romper el silencio de su abuela de una vez por todas, con la cámara oculta en un rincón.

Uno de sus mayores atractivos es que el propio director es un miembro de la familia. Y eso convierte a Los tachados en un documental realizado con una deliciosa mezcla de atrevimiento y pudor. Atrevimiento, porque el cineasta descubre al público las lacras ocultas de su propia prole. Y pudor... El pudor es mucho más interesante.

Roberto va descubriendo que pisa terreno pantanoso, que hurga en viejas heridas, que está jugueteando con los sentimientos de su abuela. Eso hace que se interrogue continuamente sobre la conveniencia de llegar al final de este documental. Así que graba a las personas y las cosas con extremo cuidado, con planos distantes, procurando no herir a los suyos, y a veces decide no mostrar algunos materiales que ha rodado. Todo ello dota al corto de un sentimiento quebradizo, una emoción insospechada.

*Los tachados* es una película, pero también es una profunda experiencia vital. Duarte no graba el documental, lo vive. Al finalizar la grabación, sabe más de sí mismo y de su entorno.

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New York es la mejor ciudad del mundo. ¿Dónde puedes estar paranoico y bien tan seguido?

Da igual que algunos hayan detestado buena parte de sus últimas películas, cuando llega un estreno de Woody Allen las colas vuelven a formarse en los cines de manera ineluctable. Tal vez sea porque su cine rebosa, por encima de cualquier otra consideración, amor a las personas. “Hay que confiar en las personas”, decía Mariel Hemingway a Allen en el bellísimo final de Manhattan.

Cualquier nuevo título de este judío universal se recibe como un acontecimiento. Así que tal vez sea el momento de rescatar del olvido alguna que otra joya más o menos diminuta, escondida en los recovecos de su, por fortuna, extensa filmografía.

Podríamos empezar con Men of crisis: The Harvey Wallinger story, un falso documental de 25 minutos que data de 1971, en torno a trasuntos de Nixon y Kissinger, con la participación de, entre otras, Diane Keaton, y que en su momento no llegó a emitirse, como relata este intrigante trailer.

Al principio, los films de Allen eran más una sucesión de sketches que un conjunto orgánico, de modo que no andaba muy lejos la concentración dramática del género corto, o algún derivado, como las películas de episodios. Este último es el caso de la célebre Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo (y nunca se atrevió a preguntar), una película poco satisfactoria, a veces directamente tonta, pero que, cuando menos, encierra un episodio tan simpático como el de Gene Wilder enamorándose de una oveja, o tan genial y tan fotocopiado como la epopeya de un ejército de espermatozoides neoyorkinos en pos de un óvulo.

No habrá otra incursión similar hasta 1989, cuando Allen se incorpore a la película colectiva Historias de Nueva York, al lado de Scorsese y Coppola. Un episodio enormemente divertido, Oedipus Wrecks, en el que Allen se solaza con la desaparición de su meticona madre en mitad de un truco de magia, hasta que se materializa la peor de sus pesadillas: el gigantesco rostro de la madre aparece en el cielo del Town afeándole la conducta al pobre Woody delante de todos los neoyorkinos.

Y la última aportación de Allen al formato corto, prácticamente desconocida en España, es una pieza de poco más de 2 minutos realizada para un espectáculo / macroconcierto celebrado en New York el año 2001, imagino que justo después del atentado a las Torres Gemelas: The Concert for New York City, en el que también intervinieron cineastas como Scorsese, Spike Lee, Kevin Smith y hasta Jerry Seinfeld.

La pieza de Allen se tituló Sounds from a Town I love (Sonidos de una ciudad que amo). Pero no seré yo quien la comente y la muestre, ya que, esta semana, el prestigioso escritor de cine (y de muchas otras cosas) Hilario J. Rodríguez comienza a publicar diversos artículos sobre cortometrajes de toda la historia en la Videoteca de nuestra revista Cortosfera (imagínense cortos de Truffaut, Mizoguchi, Jarmusch…), y su primer artículo gira en torno a esta preciosa miniatura de Allen.

Sólo adelantaré que, como siempre, Allen se revela como un maestro del diálogo. Que en la pieza pueden reconocer a Griffin Dunne (el protagonista de After hours), Tony Roberts (habitual de Allen en su etapa Annie Hall) y hasta Michael Emerson (sí, el Ben Linus de Lost). Y que Sounds no es, en absoluto, una obra maestra, pero rezuma ese amor a las personas que aún sigue cautivándonos. El amor a nuestra debilidad, ignorancia de los propios límites, falta de sentido de la realidad, desorientación. A la fragilidad humana. Woody Allen, sin duda, nos ha ayudado a vivir.

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Hay otros cortos que tratan sobre la precariedad laboral, pero están en este.

Analizar un cortometraje como El empleo es una tarea absurda. Este corto espanta los análisis a manotazos, resulta imposible atrapar en un escrito racional toda la sorna, la piedad, la emoción que transmite en unos pocos minutos, a lo largo de un desarrollo prodigioso en el que no se sabe qué admirar más:

La desarmante sencillez de los elementos en juego: un hombre se dirige a su rutina habitual, con una pequeña variación que convierte esa rutina en una experiencia aterradoramente verosímil.

La perfecta dosificación de unos gags antológicos. Imposible destacar ninguno.

El agradable eco de los dibujos de Quino, esos que hablaban del ser humano como una criatura francamente insignificante.

La sensación de que los planos son los justos en todo momento, en número, tamaño, composición y planificación. A este respecto, no se pueden planificar mejor escenas como la del ascensor y, sobre todo, la del desayuno: atención a lo que se ve, cómo se ve y la panorámica con la que se muestra el resto del escenario. De Buster Keaton a la Muchachada, todos habrían aplaudido.

La aridez del escenario, con esas paredes desnudas y manchadas, y los colores pálidos, suaves, que otorgan una tristeza tierna al conjunto. Y aquí aprovechamos para señalar que, una vez que hayan visto el corto, pueden acceder al making-of, para entender su elaboración con más detalle.

La concepción de los personajes, con esos rostros alargados, como huevos duros, que han acabado siendo todos iguales, y esos ojitos diminutos, que parecen incapaces de ver gran cosa.

La inexistencia de música, sólo un sonido persistente de fondo en los edificios, como un aparato de aire acondicionado que alguien se olvidó de apagar.

El cuidado de los detalles: el ruido del despertador, sin duda el más barato y tristón del mercado; la ridícula tostadita que desayuna el personaje (y que tiene la única nota de color cálido de todo el corto: la mermelada de la tostadita, que es como un puntito); las rayas en los pantalones de los hombres taxi...

Y su indiscutible oportunidad. Ahora que España está como está, y que comienza a verse reflejada en la Argentina que estalló hace diez años, el corto de Grasso tiene el valor de una alucinación premonitoria.

Todas ellas notas absolutamente incapaces de contener la magia irresistible que desprende este corto, uno de los mejores jamás filmados no sólo sobre el trabajo, sino también sobre la obediencia ciega a un estado invisible.

Vean El empleo. Y hágannos caso: véanlo en silencio.

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Óscar de Julián, editor jefe de Cortosfera.es

• Ahora que conocemos con detalle la historia de los Modlin, es el momento de recorrer, de principio a fin, la fascinante propuesta de Oksman. Y si aún no has podido ver el corto, este viernes se proyecta en L'Alternativa de Barcelona

La brillante apertura de A story for the Modlins merece ser descrita con todo detalle. Todo comienza así:

Logo Paramount 1968

Es el logo que precede a los créditos de la célebre Rosemary's baby (La semilla del diablo) de Polanski, que se acercan parsimoniosamente al célebre edificio Bramford con la maravillosa nana compuesta por Krzystof Komeda. Así, el corto apela a la memoria colectiva de una película de marcado carácter maligno, y marca las reglas del juego.

Súbitamente, la película de Polanski comienza a pasar a cámara rápida. Una cámara que muestra, a toda velocidad, los momentos más significativos del film, mientras la voz en inglés nos narra, en líneas generales, el intrigante argumento de Rosemary's baby. Oksman no lo puede dejar más claro: a partir de ahora, todo lo que veamos puede estar manipulado a placer.

Por fin, la imagen se detiene en la famosa escena final: Rosemary se acerca al bebé, y... Es el momento de ceder el paso a las imágenes. Atentos al trailer de los Modlin:

La imagen de Elmer en Rosemary da pie a una transición tan sencilla como soberbia. En el momento en que la voz cuenta que Elmer emigró a España, Oksman pasa, sin solución de continuidad, al mural de las fotos y documentos encontrados en la basura. A partir de ahí, la voz inicia la historia de los Modlin que ya conocemos, punteada por una sucesión de fotografías y otros materiales que componen un relato a veces sugestivo, a veces descacharrante.

Este relato se alterna con algún que otro regreso a las imágenes de Rosemary... Y de repente, aparece una imagen memorable, similar a la que se ve en mitad del trailer. Oksman vuelve a la cámara lenta y cierra sobre el plano del fotógrafo oriental y, detrás, Elmer Modlin. En ese contexto de satanismo, la imagen ralentizada del fotógrafo bajando el objetivo, y tras él, Modlin subiendo y bajando, muy lentamente, la mirada, como pensando... resulta realmente perturbadora. En ese plano, Oksman ha conseguido filmar al diablo.

Volvemos a los Modlin. Tanto el tono como el contenido de la narración recuerdan continuamente a la obra maestra de Polanski: desasosegadora, pero no por ello falta de humor. Polaco, pero humor. En muchos aspectos, Elmer y Margaret se asemejan a los entrometidos vecinos de Rosemary, Roman y Minnie Castevet.

Los Castevet en Rosemary's babyRosemary's baby

Con esas prácticas de una especie de yoga un punto turbio, con esa obsesión por el Apocalipsis, la familia Modlin (siempre novelada, no lo olvidemos) nos parece tan inquietante como ridícula, y nos recuerda que los adoradores del diablo de Rosemary eran, al fin y al cabo, una panda de capullos que intentaban animar su aburrida existencia con un ritual más bien absurdo, que le destrozaba la vida a una pobre mujer, presa fácil de la soledad urbana.

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Óscar de Julián, editor jefe de Cortosfera.es

La extraordinaria historia fabulada por Sergio Oksman a partir de los documentos y fotos que pertenecieron a una familia ya desaparecida, y que el fotógrafo y diseñador Paco Gómez se encontró en la basura

Hay historias que nacen predestinadas a crear fascinación. Eso es lo que ha ocurrido con el relato de la extravagante familia Modlin, dada a conocer al gran público a través de un descubrimiento tan fortuito como novelesco. Fue hace unos años cuando el joven fotógrafo, ingeniero y diseñador Paco Gómez se encontró con toda una colección de fotos y documentos tirados en la basura de la calle madrileña del Pez. Material sentimental que había pertenecido a una familia cuyos escasos miembros (el padre, Elmer; la madre, Margaret; y el hijo, Nelson) ya habían fallecido.

Fotos y documentos que incitaban a ir mucho más allá: con ayuda de otros colaboradores, Paco Gómez comenzó a recopilar datos, atar cables, llegar al fondo de las peculiaridades de los Modlin, y se encontró con todo un universo familiar tan excéntrico como profundamente inquietante. Siguiendo la máxima hitchcockiana, por un lado tiene gracia, pero por otro, maldita la gracia que tiene.

Para conocer la historia a grandes rasgos, nada mejor que lo explique el propio Gómez. Mucha atención a esta entrevista que concedió a La Sexta.

La historia se prestaba para lo mejor y para lo peor, y existía la desagradable posibilidad de que el fascinante legado de los Modlin cayera en manos poco recomendables... Afortunadamente, los acontecimientos posteriores demostraron que Paco Gómez no sólo quería contar una buena historia, sino contarla bien. Véase, a ese respecto, el proyecto completo que publicó en la web del colectivo No Photo.

Pero Gómez dio un paso más. Desistió de realizar él mismo el documental y traspasó sus poderes no al mejor de los documentalistas de este país, sino algo mejor: al más adecuado.

El brasileño afincado en España Sergio Oksman, responsable de trabajos para televisión, largometrajes y, al menos, uno de los más intrigantes cortometrajes de la década pasada, Notes on the other. Un cortometraje que reseñaremos más adelante como se merece. Por el momento, sólo diremos que era un trabajo fascinante que partía de una investigación documental tradicional para desembocar no ya en la ficción, sino directamente en la fantasía. Justo lo que necesitaban los Modlin: una invención en toda regla a partir de fotos y documentos reales.

El documental resultante es un cortometraje de 25 minutos llamado A story for the Modlins, que a estas alturas ya ha ganado el Primer Premio de nada menos que DocumentaMadrid (no el Nacional, sino el Internacional), Huesca, Karlovy Vary, Vila do Conde, Varsovia o New Orleans y, en esta última semana, el segundo premio de Alcine. Emplazamos a los interesados a seguir su rastro en L'Alternativa de Barcelona; en buena parte de los próximos festivales de cortometraje de cierto prestigio (no todos, esto ni es ni debe ser una dictadura del gusto); y en los diversos medios de la red, donde a buen seguro se creará, en poco tiempo, un fenomeno viral.

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