Hay causa

El alineamiento 'irrupción digital + crisis económica + crisis social' de los últimos años ha provocado un seísmo de considerable escala en todos los sectores de producción cultural que sin duda transformará el viejo modelo en el que la cultura era pieza inherente al bienestar social.

La reducción del gasto por habitante en cultura del conjunto de la administración pública ha sido de un 20% solo durante los años 2010-2012. Mientras tanto, en este mismo período el gasto medio por persona en bienes y servicios culturales decreció en un 24,6% hasta una cifra que nos remonta a la dada en 2004.

El sector cultural se ha empobrecido, ha reducido su peso en la economía (del 3,1% del PIB en el 2005 al 2,5% en 2012, casi un 20% menos) y ha aumentado la polarización entre sus agentes.

Estas y otras muchas otras estadísticas explicarían la destrucción de tejido, empleo y capital humano que estamos conociendo; la incertidumbre productiva, el aumento de la desigualdad en el interior de la estructura cultural; la precarización límite para los profesionales de una economía de la cultura que la mayor parte de las veces es incompatible con una vida personal autónoma y con futuro.

Y mientras, la nave de la cultura en Euskadi está en llamas entrando a la atmósfera del nuevo planeta donde habitará el próximo ciclo y sus tripulantes sufren la aceleración de su gravedad preguntándose encogidos si caerán al mar o a la tierra, las políticas culturales de lo público parecen el Mayor Tom, flotando ingrávidas y alucinadas en el espacio exterior mientras cantan el Space Oddity de David Bowie.

En un tiempo que reclama especialmente la fuerza de la acción política, la actitud de la administración en su conjunto se resume en determinación cero, riesgo cero, peripecia cero, parafraseando a un conocido dramaturgo bilbaíno.

Realmente, hay causa y resulta totalmente apropiado el profuso trabajo de Geuk, fundamentalmente el de su equipo motor, que nos ha traído hasta aquí y que se sintetiza en la redacción y exposición pública del Plan de Medidas Urgentes para el sector cultural vasco.

Revisión de adjetivos

Tras dieciséis meses de actividad puede ser oportuno elaborar en común un juicio sobre aciertos y errores. Desde mi –cómoda- posición como observador repaso algunos de sus calificativos más importantes.

¿Geuk es integradora?

Hoy día, es claro que tiene una cierta pero discreta potencia representativa de la cultura vasca aunque apenas ha traspasado algunas capas en su proyección a la sociedad. Creo que cabe plantearse tres preguntas cualitativas.

¿Es realmente posible gestionar la disparidad de prácticas, personas físicas y jurídicas, necesidades y discursos de la asamblea sin un liderazgo aglutinador y sin una misión orientadora bien definida? Segunda pregunta: ¿Una llamada que quiere llegar urbi et orbe a toda la diversidad de agentes, no conseguirá finalmente que ninguno de ellos se dé por directamente concernido a comprometerse?

Tercera: ¿De verdad que todos los agentes deben de ser llamados? ¿Por qué? ¿Todos sufren de igual manera la situación? ¿Todos son parte de los problemas; todos parte de las soluciones?

¿Geuk es horizontal?

Las técnicas de debate utilizadas para los encuentros han sido incontestables en cuanto que procesos participativos abiertos e igualitarios; seguramente habrán sido muy excitantes para muchos asistentes, pero finalmente alejan a profesionales de opinión relevante que no encuentran ni espacio ni referencias inter-pares suficientes. Se desaprovecha así capital intelectual y los espacios de posible influencia que pudieran crear a su alrededor.

¿Geuk es propositiva?

Desde la primera y difusa intención de hacer una reflexión estratégica sobre la cultura vasca hasta la propuesta actual, centrada en un plan de emergencia para el sector, Geuk ha recorrido un proceso de depuración y precisión propositiva absolutamente acertado que creo debería continuar, pues en él radica, sin duda, una de sus mayores fortalezas.

¿Geuk es inclusiva?

Existe un problema medular en esta primera fase de Geuk: las tensiones entre ‘cultura vasca’ y ‘euskal kultura’, si la semántica forzada de los conceptos pudiera ser compartida para entendernos. Este problema trata sobre si somos una sola comunidad ciudadana que comparte el bilingüismo como un patrimonio común, independientemente de cómo lo practique, o dos comunidades culturales calificadas dualmente por el propio idioma –un idioma elegido frente al otro-, donde, para una, el euskera marcaría la frontera hacia una experiencia cultural euskaldun a la que no puede acceder por disfuncionalidad o desconocimiento del idioma; y para la otra, el castellano es una línea roja que no quiere traspasar por negación, rechazo o, simplemente, por desconexión con la cultura del castellano. Son dos concepciones que crean entre sí un círculo vicioso, una fricción mutua de derechos que refleja y, a la vez, alimenta la polaridad político-ideológica que sin duda existe en su interior. Por ello, cabe preguntarse con total franqueza si Geuk existe aún gracias a la voluntad y  a la convicción estratégica de sus promotores más activos de que la pluralidad es un fundamento básico para la plataforma o, por el contrario, simplemente se acepta coyunturalmente la convivencia como un mal menor, necesario ahora a fin de garantizar el éxito en esta fase de construcción de Geuk.

La respuesta a esta pregunta sobre la sinceridad inclusiva podría ser clave para la continuidad del grupo.

¿Geuk es activa?

El balance de la primera fase es provechoso, gracias a su equipo promotor, pero para ganar en capacidad de acción sería imprescindible fortalecer el grupo promotor incorporando nuevos efectivos. La pregunta surge inmediatamente: ¿Cuáles son elementos fuerza que pueden hacer tan atractiva Geuk como para comprometerse con ella? ¿Cuál es la bandera a seguir?

Coordenadas de futuro

Schopenhauer decía que no hay ningún viento favorable para el que no sabe a qué puerto se dirige. Continuar para ser… ¿qué? ¿Geuk podría pretender ser un grupo de presión, un círculo de observación que tiene capacidad de constituir opinión y un cierto margen de acción sobre las políticas culturales? Es una visión posible, pero ganar ese crédito exige condiciones, de las que apuntaré dos:

Geuk como laboratorio social.

Me he referido anteriormente al fenómeno de la alteridad cultural, una comunidad frente a otra, divididas ambas por sus propios idiomas.

La cohesión de una comunidad respetuosa de derechos es una virtud que se construye día a día, en cada ejercicio humano, en cada acto social. Vivir es intercambiar y esta es una de las razones por las cual la vida es especialmente creativa en las orillas, en los límites de ecosistemas diferentes. Pienso que Oteiza mostró la gran fertilidad de los espacios no-ocupados, de las zonas de contacto.

Pues bien, creo que Geuk es una zona de contacto entre diferentes sensibilidades y sistemas de pensamiento. Tengo la impresión de que Geuk tiene ya sentido aunque  solo fuera por su virtualidad como laboratorio social de cohesión y transversalidad. Frente a las inercias reduccionistas y aislacionistas que tan confortables nos resultan, el encuentro activo de diferentes sensibilidades es una oportunidad de seguir construyendo convivencia. Por no ser iluso, también puede fracasar y ser justo lo contrario. Mayakovski (creo) decía que quien se atreve, se arriesga a perder algo; quien no se atreve,  se arriesga a perderlo todo.

Geuk como laboratorio de ideas.

En el desarrollo de políticas culturales innovadoras que tendrán que procurarse los nuevos modelos posibles aún en proceso de definición, no sobran los espacios inter: intersectoriales, intergeneracionales, interprofesionales, inter… Y, sin embargo, serán muy importantes. Si los agentes creativos queremos ser influyentes en las políticas culturales deberemos de ser capaces de generar ideas con adn innovador: nuevas, inteligibles, aplicadas a la resolución de problemas concretos y viables. Y producir muchas, de las cuales algunas pocas serán excelentes.

La dialéctica de lo político siempre permanecerá, pero entre nuestros instrumentos de acción deberá encontrarse capital propositivo o se desactivará nuestra fuerza.

Si no lo hacemos nosotros, tampoco faltarán ideas: habrá fundaciones, consultorías, departamentos universitarios, agendas europeas, gabinetes especializados  o equipos políticos que las diseñarán. Cómo no, es probable que bastantes de ellas sean acertadas y participativas y algunas pocas, excelentes.

La pregunta es: los agentes creativos, ¿podemos permitirnos dejar que otros agentes desarrollen las ideas y quedarnos nosotros con las reivindicaciones?

*Pello Gutierrez, actuando como mirón cultural y miembro de Kultura Abierta.

En cualquier ciudad que se enorgullezca de serlo conviven espacios culturales institucionales y espacios alternativos. En Bilbao, a finales de los 80 la implantación de los centros cívicos convivía con locales ocupados ('gaztetxes') y si repasamos su historia nos encontraremos con que el primer centro cívico de Bilbao, el de Otxarkoaga , se construyó sobre unos locales municipales ocupados, después de alcanzar un acuerdo con la coordinadora de grupos del barrio.

Entre los años 1987 y 1992 se pactó un modelo de gestión compartida entre Ayuntamiento y asociaciones. Cogestión (centros cívicos) versus autogestión (gaztetxes). En el espacio sociocultural de los centros cívicos, convivían la capacidad de impulsar actividades de la iniciativa social y la capacidad de aportar recursos comunitarios de la institución. Hablo con conocimiento de causa, ya que además de vecino fui el director del centro cívico en aquellos años.

La pluralidad no suele ser la norma y lo fácil es construir espacios homogéneos para las diversas tribus, en el ámbito de lo político: 'herrikotabernas', 'elkartetxes', 'batzokis', casas del pueblo… y en el ámbito juvenil 'gaztetxes'. Un modelo intermedio entre la autogestión y la gestión directiva no era lo habitual, pero precisamente la diversidad fue nuestra fuerza. No fue fácil, pero rindió abundantes frutos.

A finales de los 80 con una sociedad tensionada y fraccionada por el terrorismo lo excepcional era abrir espacios de convivencia plural. Y aunque en su afán maniqueo algunos puedan pensar que espacio institucional equivale a control, y alternativo a libertad, o viceversa, la realidad como siempre es mucho más compleja. Es decir, podía haber 'gaztetxes' muy controlados y centros cívicos muy abiertos.

En 1988 se inauguró el centro cívico de Zurbaranbarri y tampoco estuvo exento de polémica. Era otro local ocupado por jóvenes del barrio y el concejal de turno tuvo que encajar fuertes críticas por la irrupción del ayuntamiento en la apacible vida local. La tensión duró hasta la inauguración cuando vieron que la política municipal era de integración y no de sustitución. De esa convivencia surgió el grupo de teatro Hortzmuga, uno de los más importantes de Bilbao.

En 1989 se inauguró el centro cívico de Buia, antigua escuela, que utilizaban la asociación de vecinos para sus reuniones y la iglesia para sus misas y así continuó durante mucho tiempo.

En 1992 se inaugura el centro cívico de La Bolsa en el Casco Viejo, en este caso su aparición se percibió como una amenaza para el 'gaztetxe' del mismo barrio. Se habló con ellos, se aceptó que no eran espacios excluyentes y si complementarios y durante un tiempo convivieron, hasta que ese mismo año fue desalojado con un gran despliegue policial. De nada habían servido los acuerdos alcanzados con el concejal de participación ciudadana, artífice también del acuerdo para la gestión de los locales de Uretamendi por parte del colectivo Gazte Leku de Rekalde.

A partir de 1993 la dinámica de tolerancia, convivencia de espacios públicos y alternativos, y el experimento de cogestión de los espacios públicos, da un giro radical. Los centros cívicos se van cerrando progresivamente a la participación y la cogestión solo es papel mojado. Incluso para marcar diferencias pasan a denominarse CMD (Centros Municipales de Distrito), su ámbito es el distrito y no el barrio y se pasa de una gestión integral de servicios a una gestión meramente administrativa y sectorializada . A final del siglo XX todavía son posibles algunos acuerdos en Deusto (Gazte Lokalak) y en Irala (casa de hiedra) con desiguales resultados pero también se realizan los desalojos de Santutxu y kukutxa 1 en Rekalde.

A comienzos del 2000 los déficits de locales municipales en Rekalde se complementan con las actividades del nuevo Kukutza. Durante una década no solo se toleran las actividades de Kukutza- era un local privado y no parece que había habido denuncia de los dueños-sino que el Ayuntamiento subvenciona el encuentro de malabares organizado por Koblakari grupo residente en el 'gaztetxe'.

Hasta aquí la historia de convivencia de espacios públicos y alternativos en Bilbao, subjetivamente resumida. Con este somero recorrido quiero expresar que en la tensión entre poderes públicos y contrapoderes sociales en la construcción sociocultural de la ciudad son más fructíferos los acuerdos que los desalojos. Las ciudades que mejor han entendido esto como Berlín, Ámsterdam etc. son referencia en el campo de las ciudades creativas.

En la carta que elaboré en 2011 junto con Pello Gutierrez (asesor y gestor cultural procedente del barrio de Rekalde) después de una visita al 'gaztetxe' de Kukutza expresamos nuestra petición para que se buscasen formulas de acuerdo para preservar algunas de las actividades que allí se desarrollaban y que coincidían con la línea programática Fabricas de Creación, impulsada por el Gobierno vasco de Patxi López, del cual yo era director de Promoción cultural. Muchas voces cualificadas del ámbito de la universidad y la cultura demandaron el acuerdo y una solución no traumática.

No fue posible, se aplicó la estricta legalidad y se desalojó el inmueble por orden del juez.

En Bilbao no fue posible lo que si fue posible en Gernika. La antigua fábrica de armas Astra pasó a ser una fábrica de cultura.

Desde el departamento de Cultura del Gobierno vasco aplicamos lo mejor de las experiencias de participación y creación cultural. Nuestro modelo (entre centro cívico y 'gaztetxe' solíamos decir) fraguó en Gernika. Fue fruto de un triple acuerdo: del Gobierno, que financió la reforma del inmueble, del ayuntamiento, que compró y cedió el local y de la coordinadora de jóvenes, que tras diversas ocupaciones y actividades culturales lo había salvado de la piqueta y le había dado vida. Tampoco fue fácil conseguir el acuerdo de tan variados actores, pero ahí está funcionando y animando la vida cultural de Gernika y comarca.

A decir verdad en Bilbao y en las mismas fechas también se logró un acuerdo entre Ayuntamiento, Gobierno y asociaciones locales para implantar varias fábricas de creación en la península de Zorrozaurre, pero esta historia tiene sus singularidades y merece un capítulo aparte.

Por último diré que no voy a entrar en los incidentes del desalojo de Kukutza. Sin duda hubo excesos, los 140.000 euros en destrozos, contabilizados por el Consistorio y los heridos en los incidentes no eran necesarios para atajar el desacuerdo, estaban de sobra. Pero yo no estaba allí para poder opinar. Estos días se juzga a los jóvenes detenidos y yo solo puedo juzgar genéricamente su aportación positiva en el campo cultural.

Tampoco puedo decir que yo no haya roto nunca un plato, lo que sí puedo decir es que muchos jóvenes comienzan siendo antisistema para acabar participando en la vida comunitaria, mejorando nuestra sociedad y contribuyendo a una convivencia enriquecedora. Pero si el sistema se empeña en mantenerlos a raya y fuera siguen siéndolo hasta muy tarde.

Nunca ha habido demasiadas dudas sobre que el Museo Guggenheim Bilbao, antes que una institución cultural es un instrumento desarrollista, una marca tan global como localista, un emblema comercial, paradigma de una de las últimas mutaciones de la sociedad de mercado: el capitalismo cognitivo. También nos resulta cada vez menos extraño que una institución financiada principalmente con fondos públicos y cuyos fines también deberían serlo, opere bajo formas y lógicas corporativas neoliberales y neocoloniales.

Pero aunque todas lo sepamos, el Guggenheim (en connivencia institucional) siempre ha puesto mucho celo en que esto se note lo menos posible, promoviendo su imagen como joya de la corona de la milagrosa transformación urbanística y económica (y por ende social) de Bilbao (y por ende de Euskadi). Por eso, podría parecer también normal que el Museo apenas cuente con departamento curatorial, pero que en cambio si posea una importante maquinaria al servicio del marketing y un potente brazo jurídico. Una manera de producir y proteger su legitimidad hegemonica, que esta no sea cuestionada.

A pesar de todo, en ocasiones, escándalos en la gestión o pequeños (grandes) gestos artísticos -desde un arte que aun resiste débilmente a su total instrumentalización y genera, ya no sabemos si anticuerpos o virus-, ponen en jaque a la institución, cuestionando, si no su legitimidad, si sus fundamentos éticos y morales. Y es en estos casos -en los ligados al propio arte- cuando la institución se desenmascara y muestra a las claras lo que es. Un lobo con piel de cordero, una fiera depredadora del propio arte, un soberbio instrumento de softpower que sólo tolera un arte domesticado (del que no importa tanto el contenido como que esté sometido a su lógica, dentro de sus límites, de su control), mero maquillaje chic consensual. Una máquina de guerra simbólica, dispuesta a descargar su fuego real sobre aquello que pretenda desvelar su simulacro.

El último caso que ha puesto en funcionamiento el brazo legalmente armado del Guggenheim Bilbao ha sido la obra de Paul McCarthy y Mike Bouchet, 'Offensive'. Una lona publicitaria de 2.000 metros cuadrados que, a modo de 'spin off' de la exposición de los artistas en Portikus de Frankfurt, ocupaba un emplazamiento principal en plena Gran Vía bilbaína. Una gran imagen invertida del Museo, representando un buque; pero no uno de esos mercantes antaño construidos en Abandoibarra y que supuestamente inspiraron a Gehry, sino un acorazado. Una metáfora sobre los intereses ocultos, políticos y económicos, que cada vez más (¿no siempre ha sido así?) sustentan y atraviesan el sistema del arte. Algo que ha molestado al Museo, quizá por considerarlo una dañina parodia, quizá por mostrar de manera excesivamente hiperrealista su reverso tenebroso.

Hoy, por efecto de la censura-legal corporativa, la lona ya no está. Visto lo visto, probablemente el Museo hubiese preferido dejar pasar el tema o manejarlo de forma más diplomática para evitar la amplificación comunicativa de la noticia a nivel internacional. Pero eso nos da lo mismo, es sólo un signo más de su torpeza (una torpeza que al menos abre fisuras). Lo que nos interesa es el arma de defensa-ataque que habitualmente utiliza el Guggenheim contra lo que le incomoda: la Ley de Protección Intelectual (LPI) y un posible abuso de derecho (o ejercicio antisocial del mismo). Así, la Fundación Guggenheim ha registrado el edificio como marca. Un subterfugio con el que pretende (parece que por ahora con éxito) no verse afectada por las excepciones que contempla la LPI, y más concretamente por su Artículo 35.2: Las obras situadas permanentemente en parques, calles, plazas u otras vías públicas pueden ser reproducidas, distribuidas y comunicadas libremente por medio de pinturas, dibujos, fotografías y procedimientos audiovisuales (y que también afecta al exterior de los edificios).

Este episodio nos recuerda otro sucedido en el 2000, que paso más desapercibido pero que probablemente es más certero en evidenciar los pliegues del Guggenheim, no tanto de la obra arquitectónica como de su modelo y su efecto. Se trata de la obra 'Pasta Bilbao', un macarrón elaborado en por el artista y pizzero Fausto Grossi, que como bien se explica en Souvenir Porvenir 'surgió del encuentro fortuito entre un edificio construido con la intención de convertirse en souvenir y un artista produciendo un objeto souvenir, en un momento en el que el valor inmaterial de una marca de un museo semipúblico-semiprivado dejaba de ser inmaterial'. Una obra para ser cocinada que se vendía en paquetes con una etiqueta en la que se leía, 'Cuestión de pasta'. El Guggenheim amenazó al artista con denunciarle y consiguió que la pasta saliese de circulación.

Es curioso que el Museo no haya hecho lo mismo con esos chabacanos souvenirs bola de nieve del Museo que, desde por ejemplo las estanterías de la tienda del Aeropuerto de Loiu, sí podríamos decir perpetran un atentado de orden estético y devalúan la marca.

Pero no nos dejemos despistar por la estética. Porque de lo que aquí se trata es de dos cuestiones fundamentales. Por una parte, el derecho a crear: con actitudes como la que el Guggenheim promueve, Monet no habría podido pintar su serie sobre la Catedral de Rouen, Duchamp, en vez de haber creado el ready-made habría sido perseguido por plagio, y el apropiacionismo o la remezcla serían prácticas, sin lugar a dudas, fuera de la ley. Y por otra parte, el derecho al uso y disfrute del espacio público (y de los bienes comunes en general) frente a su mercantilización, llegándose ya incluso a la privatización del paisaje y de la mirada subjetiva proyectada sobre él.

Para terminar, un advertencia: no nos engañemos. Todo esto no significa necesariamente que el Guggenheim sea una institución especialmente perversa. Simplemente es un síntoma más de por donde va el mundo. Desde el Museo nos dirán que ellos no tienen la culpa, que no han hecho más que ceñirse a las leyes. Y es verdad, la culpa no es suya, porque como cantaban Def Con Dos 'La culpa de todo la tiene Yoko Ono'.

Quizá este incidente con el acorazado de Paul McCarthy y Mike Bouchet pueda servirnos como acicate simbólico para pasar de buscar culpables a, desde el arte, desde la cultura, desde la sociedad civil, activar nuevas formas de reclamar nuestros derechos. Defenderlos y ensancharlos.

Ludwig Wittgenstein citado por David Ruiz

El viernes 7 de febrero acudí a la invitación de Kultiba y Tenzing a la jornada 'Cultumetría: Aproximación al retorno económico y social de la cultura' en el BCAM-Basque Center for Applied Mathematics en Bilbao.

En la sala, muchas profesionales de la práctica y la gestión cultural y otros seres afines. Dispuestas a aproximarnos a la econometría para medir el impacto de la inversión realizada en cultura. Interesadas en comprender cómo el ámbito cultural puede aprovechar este análisis cuantitativo en la búsqueda de un mejor posicionamiento en el acceso a los recursos.

Las ponencias ilustraron perspectivas diversas: Pau Russel y la medición como tarea necesaria que no debe sustituir el debate social, sino aumentarlo, sofisticarlo cualitativamente; David Rúiz y la alerta sobre los riesgos y sesgos de la econometría y la necesidad de ampliar sus límites y dimensiones (quedo pendiente de echar un ojo a su blog); Andoni Garaizar y Álvaro Fierro y la búsqueda de 'proxys' para medir lo que resulta difícil de medir; y Mercedes González de Celis y la incorporación de la cultura a la estrategia de desarrollo humano local como eje transversal. Probablemente todo previsible, pero volviendo a citar a David Ruiz: 'la filosofía es la problematización de lo obvio', así que, buen caldo de cultivo para la reflexión.

Y es que no podemos pasar de puntillas sobre la tendencia de medir y cuantificar (también) en lo cultural en este tiempo neoliberal. Una práctica de la que ya no parece haber escapatoria, que tras engañosos parabienes, nos somete a su lógica y nos convierte principalmente en factor de una abstracta (o quizá no tanto) cuenta de resultados.

Porque aunque suena muy bien eso 'socializar los medios de medición para que los datos nos hagan libres' que decía Pau Russel (desde ColaBoraBora estamos alineadas con la producción de estándares libres y abiertos, la transparencia o el 'open data'), la utopía debemos construirla no desde la ingenuidad, sino desde la tensa consciencia, estando alertas a la contra o en la guerrilla desde dentro; sabiendo que medir, contar, casi siempre beneficia a quien tiene el poder y quiere mantener su dominio. Pensar que ahora la ciudadanía dispone de más datos y por tanto de más oportunidades para construir juicio y alternativas, sin ser desdeñable, puede resultar peligrosamente simplista. Y desde luego, es subestimar a Google, a Coca Cola, a la CIA, al sistema y todas sus ramificaciones, hasta encarnarse en nosotras mismas como (in)conscientes pequeños nodos generadores de datos y mediciones.

Y es que medir sirve sobre todo para controlar, modelizar, generar patrones de conducta. Medir es una herramienta para aprehender y tomar decisiones. Una forma conveniente para el modelo socio-político cuantitativo en que estamos insertas, donde lo que importa es el volumen de negocio y maximizar el rendimiento. Por eso el empeño cada vez más asfixiante por medir la dimensión económica de la cultura (¿al servicio de quién se pone la cultumetría? ¿quién la paga?). Una dimensión económica además malentendida o mejor, malintencionada, alejada de la idea primigenia de administrar la casa o poner los medios para satisfacer las necesidades humanas. Una dimensión economicista-monetarista, utilitarista e instrumentalizadora, cortoplazista, ideológicamnete reduccionista, orgullosa de su incultura, o peor incluso, consciente del poder transformador de la cultura y por tanto, desactivadora de su dimensión crítica.

Por eso, bajo mi punto de vista, la opción hoy debería ser rebelarnos frente a cualquier medición. Porque si la práctica artística es ante todo un ejercicio exploratorio e impredecible, en vez de medir, lo que se debería incentivar es el merodear, juguetear, vislumbrar. La lucha, antes que por ser mejor medidas, debería estar por defender la posibilidad de vivir plenamente, de manera inconmensurable.

Pero vivimos tiempos mediocremente pragmáticos y como mucho, ilusamente, nos autoengañaremos (con subterfugios como mejorar las políticas públicas, la asignación de recursos...), trataremos de resignificar la econometría, de acercarla a nuestros fines, del mismo modo que infructuosamente tratamos de hacerlo con el emprendizaje, la creatividad, la participación o la innovación.

Así que, si vamos a medir (si nos van a medir), definamos y compartamos primero las preguntas, los retos, el marco y unos indicadores y metodologías de medición a su medida. Midamos otras dimensiones (con una mirada multidimensional), sin que el dinero sea el patrón de medida principal, incorporando a la ecuación otros muchos capitales implicados. Y pensemos también sobre si para cambiar lo que medimos, no habría que cambiar cómo medimos y qué indicadores utilizamos.

El viernes llevado por un afán constructivo, en el círculo de sillas para el debate, pedía a la econometría un algoritmo más complejo, capaz de cruzar datos objetivos con percepciones subjetivas. Pero un matemático allí presente me persuadió de que eso no era posible y que en caso de serlo, probablemente tampoco sería deseable. Y es que ciertamente ¿queremos contribuir mínimamente al desarrollo de semejante algoritmo? ¿para quién? ¿para qué? ¿para alimentar el emergente nicho de mercado del 'big data'? ¿para ser más productivos y eficientes? ¿para someternos a sus medidas?

En esta dicotomía entre rebelarse contra toda medida o pensar sobre cómo medir de forma más justa, quizá la posibilidad sea problematizar las mediciones. Prestar más atención a los decimales, tender a infinito, hacerse el número primo, ser incógnita o calcular mal... En esta línea, termino tergiversando la frase que cierra el texto introductorio a estas jornadas en la web del BCAM: 'Medir el impacto económico como fin cultural en si mismo (desde la forma, la estética, el metalenguaje), en vez de como medio para conseguir otros objetivos'.

Tras la gestión de los socialistas vascos, los nacionalistas se han aplicado al ejercicio de hacer olvidar la misma por la vía de borrar las huellas de una gestión aperturista e integradora de la diversidad cultural del país, y por la de aplicar un silencio y una inacción que nos exima a todos de cualquier atisbo de balance. ¿Qué puede decirse si nada se sabe? Últimamente, demasiados gobiernos apuestan por 'dar la espalda a la tormenta' de la crisis y pasar por la misma sin romper un huevo. Así nos va.

Huellas y hechos que ahí están o hasta hace poco estaban gozando de prometedora salud, como las Fábricas de Creación, el Bono Cultura, Kulturklik (portal vasco de la cultura), Antzerkia Bultzatuz, Liburuklik (la biblioteca histórica digital), la red de cines Zineuskadi, los nuevos Gure Artea, Zinema streaming, Urdaibaiarte, Zinemira, el primer Plan de Fomento de la Lectura, el anteproyecto de Documentación y Archivos, el Archivo Histórico listo para inaugurar y esperando durante un año…

Todas sin excepción han sufrido un parón y un abandono inexplicable, sin que hasta la fecha se haya escuchado ninguna explicación coherente ni se hayan atisbado nuevas líneas de trabajo alternativas.

Este viernes 20 de diciembre se aprobarán en el Parlamento los presupuestos de la Comunidad Autónoma Vasca. Unos presupuestos de mínimos para la cultura, que es ya 'la tercera viceconsejería' de un macrodepartamento. Es la oportunidad para que 2014 no sea otro año en blanco, un año muerto, mientras la crisis sigue royendo y acabando con nuestro tejido cultural.

Quizás lo de menos sea que toda la 'renovada' gestión nacionalista en cultura se limite a gestos típicamente sectarios, de eliminar ayudas a los que no son 'de los nuestros'. Son guiños a su propia clientela, acostumbrada de siempre a ese lenguaje. Esperemos que el maquillaje presupuestario que el 'partido guía' ha hecho con los socialistas limite a la nada tanta miseria de espíritu. Aunque, por desgracia, ni unos ni otros han demostrado visión para situar el empleo cultural y creativo en el marco de su pacto estructural, siendo una de las claras ausencias del mismo y, al contrario, una de las claras estrategias de la Europa 2020. Alguien no lee.

Lo importante es volver a apostar por salvar el sector. Y hacerlo con el concurso de todos sus agentes y la decisión firme y visible del Ejecutivo. Hasta el primer trimestre de 2014 no está previsto que se reúna por vez primera el organismo que los integra: el Consejo Vasco de la Cultura. Singular es, con ese calendario, que el nuevo Plan (Kultura Auzolanean. Kulturaren Euskal Plana 2014 – 2015) pretenda ser estratégico, cuando a sí mismo se concede ni siquiera dos años de trayectoria futura.

Ante semejante panorama de inacción, no vemos en el presupuesto para 2014 ni una sola medida de emergencia que trate de evitar lo que ya es un inminente derrumbe de muchos de los sectores de la industria cultural vasca. Las medidas paliativas tomadas en el mandato anterior (programa Kultura Bultzatuz, Bono Cultura…) para incentivar el consumo y frenar el deterioro del tejido cultural vasco dieron como resultado el que muestra la última Estadística de Artes e Industrias Culturales 2011 o la Estadística 2012 del MEC: una situación difícil pero resistente que hacía que el resto de la industria cultural española mirase con sana envidia el panorama vasco.

En 2014, después de esta prolongada sequía, el paradigma digital, los recortes estatales, la subida del IVA cultural y la reducción del gasto privado en cultura fruto de un difícil contexto socioeconómico provocan que ni los cuidados paliativos sean suficientes. Sin querer dramatizar, la cultura en general y la vasca en particular está en una clara situación de emergencia. Por eso es totalmente necesario elaborar un plan de medidas urgentes para el sector, acompañado de un presupuesto extraordinario no inferior a los diez millones de euros. Una cifra que no supone ni el 10% del incremento presupuestario conseguido gracias a los pactos PNV-PSE.

Es urgente un plan que incida en la reconversión del sector, en el apoyo a los creadores, en la consolidación de redes, en la facilitación del acceso de la ciudadanía a la cultura y sus creaciones y que aborde nuevas vías de financiación para una cultura regeneradora e inclusiva que debe ser entendida como un bien común e imprescindible para la sociedad democrática.

Por el contrario, si no se toman medidas extraordinarias y urgentes, veremos cómo irán cerrando -ya han comenzado a hacerlo- bibliotecas, museos, teatros, salas de cine, de música, librerías, festivales y demás proyectos de la diversidad de nuestra vida cultural Veremos quebrar productoras de cine, compañías de teatro, editoriales, discográficas, empresas técnicas, estudios de comunicación… Veremos a nuestros creadores, escritores, músicos, intérpretes, artistas y profesionales abandonar un sector que sufre ya uno de los más altos niveles de desempleo y precariedad laboral.

Y así, por no dar el valor suficiente que merece la cultura, perderemos los valores que identifican y enriquecen la pluralidad de nuestra sociedad. Todavía estamos a tiempo. ¡Pónganse a trabajar!

El Ramón que solo quería ser actor, para nacer fue a ponerse en la cola de una de las más inhóspitas taquillas posibles, la Euskadi de los cincuenta agrisada por la contaminación industrial y el franquismo; amordazada por la censura y el maltrato al pensamiento y al cultivo de cualquier sensibilidad estética que no encajara en sus rígidas hormas; sin escuelas de teatro, ni estructuras teatrales, ni apenas una tradición a la que seguir. Bilbao era una ciudad de barrios para morir, clamaban las asociaciones ciudadanas de aquel tiempo, y en este contexto espectáculos como “Vivir por Bilbao” y los demás producidos por ‘Cómicos de la Legua’ adquirían pleno sentido como farsa política comprometida con los movimientos sociales y emancipadores de su tiempo.

Después comenzó la transición democrática. Llegaba el momento de cambiar de vestuario. El teatro del activismo antifranquista debía de encontrar su nuevo papel en la nueva sociedad en cambio. Todo estaba por hacer y el teatro independiente debía de construirse a sí mismo como profesión y actividad económica, como conciencia crítica de su tiempo, como arte escénico. Poco a poco entran en juego las políticas institucionales centradas durante mucho tiempo en apertura de salas municipales y subvenciones de mera supervivencia. Durante años, eclosionan los grupos de teatro basados en profesionales multifuncionales autoexplotados: actores y actrices guionistas – sastres – utileros – escenógrafos – administrativos – productores – diplomáticos – estibadores – electricistas en salas - conductores de furgonetas con sobrepeso a las tres de la madrugada de vuelta a casa bajo la lluvia antes de descargar los bártulos para que nadie robe el equipo de sonido.

El Ramón que solo quería ser actor comparte este ciclo intenso y vitalista mientras lidera Karraka, una de las compañías referenciales de una generación que ha edificado el teatro vasco de nuestros días, en sus éxitos y sus fracasos, siempre en su voluntad tenaz por crear una realidad posible a partir de casi nada.

Luego llegó el camino personal de crecimiento en hondura interpretativa, en oficio, en popularidad. Es ya un largo camino que tiene posada en Madrid, como el de otros muchos intérpretes vascos a los que el país no puede contener o no quiere aceptar, cada quien sabrá qué le corresponde, aunque en este caso muy probablemente por algo de ambas posibilidades y, desde luego, sin sensación alguna de pérdida para la creación del país por parte de los gestores públicos responsables de su desarrollo escénico. El caso es que el Ramón que solo quería ser actor se convierte por momentos, sin pretenderlo de ninguna manera, en el retrato del actor bilbaíno, de provincias en la capital del reino, en una suerte de símbolo de la profesión que busca obligadamente en Madrid aquellas oportunidades que su suelo no le ofrece.

El cine y la televisión caracterizan durante un buen período su actividad. La popularidad es un fenómeno desconocido al que acostumbrarse según los ciclos que la televisión marca. Mientras se adapta, lamenta que tras ya casi una vida de pisar escenarios la gente le salude por la calle con el nombre de su último personaje televisivo mientras esté en antena. Se ve en la obligación de aferrarse a su ADN escénico y defender la elevación de la interpretación teatral, promoviendo tenazmente proyecto tras proyecto, entre viajes, inseguridad económica y teléfonos que no siempre suenan.

Es un tiempo muy prolijo que va completando un extenso e interesantísimo currículo en el que el teatro es seña principal de identidad: El Ramón que solo quería ser actor no es premio nacional de interpretación, es Premio Nacional de Teatro, como una reivindicación del viejo arte total, de una forma de vida, de un modo característico de entregarse a la vocación que no se extingue.

Completa así una serie de reconocimientos que el propio oficio le ha entregado por la posibilidad de haber sido entre decenas de otros personajes, Max Estrella, D. Quijote, Próspero o el próximo Montenegro de “Las Comedias Bárbaras” de Valle Inclán en el CDN.

Quien examine su trayectoria reconocerá los méritos artísticos y profesionales del premiado. Pero el destino persistente no dejará de perseguirle y el Ramón que solo quería ser actor verá ahora cómo hay toda una generación extendida de cómicos y teatreros, actores y actrices de casta, resabiados a fuerza de noches de oficio, intoxicados de personajes disparatados y atormentados por demasiado lúcidos; camerinos fríos y veladas inolvidables; surgidos de las oscuridades del régimen del bajito sanguinario; una generación que ha recorrido la distancia entre la candileja y la robótica escénica, que ha sobrevivido a base de emoción a la cultura de masas, el protagonismo de las industrias culturales e internet; cómo hay, en fin, una generación protagonista del discurrir de los últimos cuarenta años del teatro que se sentirá apelada, de alguna manera partícipe de este premio y reivindicada merecidamente gracias a él.

Y el Ramón que solo quería ser actor se verá irremediablemente obligado a compartir el premio con esa generación. Ahora que sobran los motivos para ser premiado por él mismo, sólo por actor. Quizás no le importe tanto. Al fin y al cabo es el mismo que, tras cuarenta y cinco años de trayectoria, vuelve a los orígenes, al Bilbao de barrio olvidado y degradado, y con no pocos esfuerzos y estrecheces lidera el espacio teatral Pabellón 6.

Ramón Barea, hombre íntegro de teatro: ¡Mucha mierda!

*Pello Gutiérrez es teatrero, promotor y observador de políticas culturales, actuando en esta ocasión de vocero de Kultura Abierta, satisfecha por este premio.

Llegó la crisis, como la plaga bíblica, después de los años de bonanza, y todo empezó a desmoronarse. Camino lleva este proceso de generar situación de derribo en el sector como siga por la senda lastimera y poco solidaria.

Octubre suele ser mes de datos en el sector del libro ya que es cuando se hacen públicas las cifras de comercio interior; las que hemos conocido en estos días sitúan al sector del libro en el 2012 a niveles del 2001 ó 2002 en lo que a facturación se refiere.

Y así, mientras ellos venden menos, los lectores, en ese mismo período de tiempo, parecen aumentar. Si en el 2001 se hablaba de un 54% de población lectora de libros, en el 2012 la cifra sube hasta un 63%.

Parece, por lo tanto, que hábito y consumo no tienen por qué ir siempre de la mano y que los lectores que aumentan pueden seguir disfrutando del libro aunque la industria venda menos.

Ante este proceso el sector en su conjunto ha tenido una clara tendencia al autismo con diversas manifestaciones de negación y rechazo de la realidad.

La primera, y quizás más torpe, ha sido dar la espalda al resto de sectores culturales ante la subida del IVA. El sector del libro ha vivido feliz en su 'nirvana' del 4% sin realizar ninguna muestra de solidaridad más allá de la callada por respuesta ante la subida que han sufrido otros sectores en sus carnes. Eso sí, han seguido desgañitándose por la aplicación del 21% en lo relativo a la comercialización, que no venta, del libro electrónico sin dejar nunca claro ante los lectores que en ese mundo digital ellos nunca venden un contenido sino que graciosamente, al parecer, se lo 'alquilan' al lector. Es también curiosa en esta línea la propia denominación en el Ministerio de la 'Dirección General de Política e Industrias Culturales y del Libro' como si el sector del libro se situara ya con claridad fuera de la cultura. Y no falta razón en ello cuando, según las cifras de 2012, la literatura, el libro infantil y el ensayo humanista no suponen ni el 40% de la cifra de negocio.

La segunda torpeza ha sido ante sus propios clientes o lectores que cada vez se mueven con más comodidad en los nuevos entornos digitales. En general, casi todo el sector ha tendido a 'poner puertas al campo' penalizando al lector habitual con sistemas DRM o similares de falsa protección, porque son fáciles de saltar, y que lo que tienden es a provocar es una lastimera experiencia para el lector habitual. Pablo Defendini escribía hace poco que “la mejor manera de combatir la piratería es ofrecer una mejor experiencia de usuario”.

La tercera, que lleva ya tiempo instalada, es el propio autismo interno en la estructura organizacional del sector. En el mundo de la cultura, sobre todo en el libro, la música y el audiovisual, la entrada de lo digital ha hecho que toda la cadena de valor se trastoque, se diluya en gran parte y se convierta en más líquida, provocando además en el sector del libro un cierto mestizaje de funciones y papeles que casi recuerdan a los primeros tiempos posteriores a la imprenta donde en muchas ocasiones librero, impresor y editor eran la misma persona. Ahora, tanto por el fenómeno digital como por las políticas de concentración empresarial, este fenómeno se agudiza. Pensemos, por ejemplo, en Elkar que controla toda la cadena de valor aquí en Euskadi o en el Grupo Planeta en el Estado por poner sólo dos ejemplos. Frente a ello, la estructura sectorial sigue manteniendo estancos a libreros, editores y distribuidores con el añadido de que su estructura asociativa en un mundo global sigue falsamente pegada al terruño más por motivos de subvención que por razones empresariales. ¡Todo un despropósito!

Hay más que abordaremos en próximas ocasiones.

El sector está desnortado y quizás debería hacer caso y ver lo que pasa en otros ámbitos. José María Izquierdo ha afirmado recientemente, refiriéndose al sector de la prensa, que “quizás sería bueno dedicar menos tiempo a hablar del modelo de negocio y más de contenidos” que es lo que buscan los lectores.

El contenido y no la pela es lo que da valor y referencia a un sector en el ámbito de la cultura. En esta línea me atrevo a proponer algunas recetas:

No conviene olvidar lo que Antonio Basanta ya dijo en el Congreso de Libreros del año 2002: “Durante demasiado tiempo el sector del libro en España ha vivido de cara al producto y casi de espaldas al lector”. (Antonio Basanta, Director General de la Fundación Germán Sánchez Ruipérez; Congreso de Libreros Ourense 2002)

Ahora, además, los datos y la situación parecen confirmarlo.

*Txetxu Barandiaran trabaja como consultor con pequeñas empresas e instituciones en el sector del libro y la cultura y escribe en el blog 'Cambiando de tercio'.

Los cuadernillos de prensa especializados en la cultura veraniega se hacen eco de las programaciones al tiempo que hacen balance de la ocupación hotelera durante las fiestas, del coste de la renovación de los jardines públicos y especulan sobre las toneladas de lomo con pimiento que han podido ser injeridas en bocadillo, entre otros asuntos notables. Pasión por la contabilidad.

Este año, al parecer, las cuentas en lo artístico han sido satisfactorias a juzgar por los titulares que se han ido publicando. “Con sus competidores en horas bajas –decían los papeles-, el festival se posiciona en la cumbre como una renovada forma de ocio con un potente impacto económico”. Hablaban de un festival, para el caso, cualquier festival. Ni los críticos de plantilla ni los becarios encargados de llenar páginas han sido parcos en adjetivos. Ha habido públicos entregados, actuaciones vibrantes, conciertos soberbios, inolvidables noches, broches de oro, cierres mágicos, records de asistencia, grandes sabores de boca e incluso algún artista que “se metió al público en el bolsillo dándole a este lo que quería: pura vitalidad y hedonismo”. Todo esto “a pesar de la reducción de presupuestos y caída de patrocinadores”. Vamos, el milagro de los panes y los peces, pero en peña musical. Como decía uno de ellos: “la demanda y las sinergias del festival (otro festival) deberían hacer reflexionar a las instituciones sobre el riesgo de seguir afectando con los recortes la notable relación entre subvenciones, imagen, turismo y rentabilidad social”. Visto así, parece inapelable. Solo que es una lógica cuantitativa que no es la mejor vara de medir el interés artístico. No expresa cuánto hay de 'revival' de viejas glorias, de acudir a lo que echen, de rutina en las crónicas y en los programas.

No está claro si se habla de cultura, de espectáculo, de turismo, de ocio o de negocio, de todo o de nada. Quizás no sea sino una diversión necesaria, una catarsis nutriente, un vivir el cálido verano entre paréntesis, pero sin querer aguar la fiesta, hay quien está interesado en que la temporada se extienda a todo el año. Es lo que Vargas Llosa, ese buen escritor conservador, llama la 'Civilización del Espectáculo' y con mayor enjundia y menos elitismo, Castoriadis denominaba el 'Ascenso de la Insignificancia'.

II. Otoño. Se va el verano y el otoño acecha como un Pedro Navaja -matón de esquina- cualquiera y todo está donde lo dejamos. Hay nudos gordianos que no se desenredan solos. Ya lo dice la canción: “si naciste pa´martillo del cielo te caen los clavos”.

El Ministerio de Cultura, que ya no es ni ministerio, se asemeja cada vez más a una comisaría de barrio con su tópico reparto de roles. El jefe Wert atiza garrotazos mientras su segundo, Lasalle, dice que hará lo posible por parar las hemorragias. Si no hay, como se rumorea, cambios en la jefatura, alguna vez tendrán que acometer la prometida Ley de Mecenazgo. Hay quienes, por agarrarse a alguna tabla salvadora, confían mucho en que los incentivos fiscales muevan a las empresas a la filantropía cultural. De momento, a simple vista, no se ve la voluntad, sin olvidar que nada es gratis. Si la cultura deja de ser, aún menos, asunto público, las relaciones entre cultura y empresa pueden llegar a ser insólitas. Recuerdo el catálogo de una exposición de arte patrocinada por una empresa de taxis en la que la misma se manifestaba “al servicio de esa movilidad que conjuga la circulación de ideas, el movimiento de las creaciones y el desplazamiento de los hombres”. En suma, “el taxi, como la obra de arte, participando en la transformación de sí y del entorno”.

Otra ley que espera es la de Propiedad Intelectual cuyo anteproyecto elimina definitivamente el canon digital. La SGAE ya la ha calificado de “estafa, demagógica e intervencionista”. Quizás el cabreo también tenga que ver con que se propone un mayor control de las actividades de las entidades de gestión de derechos. Mentar la soga en casa del ahorcado.

Por aquí, el gobierno tras un arranque que dejó a la intemperie de subvenciones a un buen puñado de asociaciones presuntamente poco adictas, ni va ni viene, ni fu ni fa. Al que le llueven los clavos es al alcalde de San Sebastián. La Comisión de Control y Asesoramiento de Capitales Europeas de la Cultura le acaba de atizar un varapalo de cuidado. Critican la falta de liderazgo, injerencia política, errores en la gestión, en la estructura de personal y en la financiación. Se duda de la capacidad práctica para transformar buenas intenciones en acciones concretas. No parece que sea lo mismo predicar que dar trigo. Es difícil si solo se mira y oye a los cercanos. Mal asunto, porque esta partida la jugamos todos y el tiempo va pasando. 'As time goes by', suena en Casablanca, pero en la capitalidad cultural más vale acertar a la primera porque no hay un “tócala otra vez, Sam”. Pasado el 2016, ojalá que podamos decir: ¡Siempre nos quedará Donostia!

No hay duda que el mundo de la política tiene una doble pulsión hacia la cultura. Cuando se acercan las elecciones, persigue a las llamadas personalidades de la cultura para que aporten un poco de 'glamour' a sus propuestas, mientras que durante el tempo en que controlan el poder se limitan a apoyar aquellas actividades que proporcionan un cierto prestigio social. El actual Gobierno vasco participa también de ese sentimiento de ningunear la cultura, sobre todo la que no puede controlar. Ya empezó enseñando el colmillo al degradar el Departamento de Cultura a una viceconsejería colgada del departamento de Educación. Continuó, de una forma coherente, rebajando el gasto por encima de la media. Y, por supuesto, no le ha fallado el pulso a la hora de retirar subvenciones a aquellas asociaciones o actividades culturales que no consideraba suficientemente vascas.

Uno de los hechos diferenciales del Gobierno anterior fue su política cultural, de la que ahí van algunas muestras: el impulso de lo digital, especialmente en el terreno del euskera; una pluralidad desconocida en anteriores gobiernos; el fomento del consumo cultural con la creación del bono cultura; el apoyo al club de consumo Kulturtik; desarrollo efectivo de Etxepare; impulso de Ezcenika como escuela nacional vasca de artes escénicas; ayudas a los creadores creando infraestructuras de tamaño racional, como el programa de fábricas de creación. Al tiempo, llevó a cabo una política de contención de gasto con aquellos agentes culturales que han actuado como vampiros del presupuesto del Departamento de Cultura, empezando por el Guggenheim, cortando las exigencias de la familia Chillida, parando el desarrollo de infraestructuras faraónicas, como la Tabakalera donostiarra, o reduciendo el aporte a asociaciones como la ABAO que, aunque han desarrollado durante años un buen trabajo, deben adaptarse a los condicionamientos de una situación de crisis. Ni que decir tiene que el nuevo Gobierno pasa de todo esto.

Hace unos días se ha presentado el acuerdo entre el PSE y el PNV. No hay duda de que cualquier acuerdo entre partidos cuenta de salida con la simpatía de la población, y más aún cuando estamos metidos en una situación convulsa en la que los partidos buscan más meterse con el vecino que hacer propuestas constructivas. Así que, bienvenido sea.

No quiero entrar en el análisis de lo que es su contenido principal, centrado en la promoción del empleo y la reactivación de la economía, aunque me parece curioso que en el pacto se sigan defendiendo proyectos como el del puerto de Pasajes de reputada falta de rentabilidad. Pero sí quiero señalar que en el pacto no hay referencias al mundo de la cultura, un hecho que me parece especialmente grave.

¿No es posible pactar unos mínimos de consenso en política cultural? ¿Se trata de que el PNV no quiere pactar nada en el terreno de la cultura? ¿O es que al PSE no le parecen importantes los temas culturales? ¿O bien que, dado que los montos asignados al sector cultura (dejemos aparte a la EITB) son relativamente pequeños, su importancia tampoco es grande? ¿O es que se deja intencionadamente algo fuera del pacto para poder tener materia de discusión en el debate de presupuestos?

No tengo respuesta para estas preguntas, pues muchas veces no resultan evidentes las intenciones de los políticos. Sí tengo claro, sin embargo, la importancia de impulsar un sector cultural alejado de dependencias políticas y que pueda estabilizarse económicamente. Una característica de los anteriores gobiernos del PNV (recuerdo especialmente la etapa 'ibarretxiana') fue su sectarismo en el apoyo a los creadores y a la difusión de la cultura. El Gobierno del PSE corrigió en alguna medida esta deriva, aunque mucha gente piensa que lo hizo con demasiada timidez.

Hay quien piensa que si “uno no quiere, dos nunca se arreglan”. No niego la certeza de esta frase, pero también creo en aquello de que “el que la sigue la consigue”. También hay gentes en el mundo nacionalista que no desean fracturas sociales y a las que les asusta el talibanismo 'bildutarra'.

Buena parte del futuro de Euskadi se juega en el terreno de la cultura. Es necesario el fortalecimiento de una cultura pluralista que rompa trincheras, que elimine las tendencias localistas y aislacionistas. Pensemos en lo que ocurre en Cataluña, donde los posicionamientos culturales han sido una fuerza importante en la deriva de parte de la sociedad catalana hacia el independentismo.

'Primun vivere deinde philosophare' parece que es el criterio de muchos políticos que pretenden, seguramente con sinceridad, superar la crisis en la que estamos inmersos. Pero en momentos de crisis es cuando hay que pensar más, es cuando se mueven más rápidamente los paradigmas sociales. Para bien y para mal. Apoyar la cultura no es un gasto, es una inversión.