Por allá por la década de los noventa, con Internet formando ya parte común de nuestras vidas, vimos como las relaciones a distancia se hacían más llevaderas e incluso, cómo surgían las nuevas “ciber-relaciones”. Hoy en día, cada vez más, somos nosotros los que formamos parte de las telecomunicaciones y sus tecnologías, determinando la manera en que nos relacionamos con los demás. Y seguro que alguna vez se ha preguntado: “¿Hasta dónde vamos a llegar?”...

Sinopsis: Theodore tiene un bonito trabajo, escribir cartas de amor para personas a las que ni siquiera conoce; pero él no tiene a quién escribirlas. Su vida cambia cuando entra en ella Samantha, una inteligencia artificial con quien entablará una relación que trascenderá los límites de la tecnología.

Escrita y dirigida por Spike Jonze (Donde viven los monstruos, Cómo ser John Malkovich) pasó casi sin pena ni gloria por nuestros cines esta historia que, si bien a priori podría parecer tediosa y “demasiado extraña”, sorprende gratamente al espectador que guste de guiones originales y que aprecie los pequeños detalles de la historia y visuales.

Y precisamente en el apartado visual es donde reside buena parte del mérito de esta película, con una infografía bastante convincente (visto como hemos llegado al siglo XXI, sin trajes plateados ni coches voladores), donde el eje central es la comunicación vía internet y nuestra relación con los aparatos que hacen uso de ella (ordenadores, teléfonos, consolas...).

Su director de fotografía, Hoyte van Hoytema (El topo, Interstellar) no defrauda en los planos elegidos, contribuyendo a la expresión de las distintas emociones que se intentan mostrar a través de tan extrañas situaciones y protagonistas, cuidando especialmente la iluminación y los colores que acompañan en cada momento.

Su elenco es relativamente corto, centrado en torno al personaje de Joaquin Phoenix (En la cuerda floja, I'm still here, Puro vicio...), quien parece haberle cogido el gustillo a los papeles ligeramente excéntricos, hombres que no son como el resto, sino que viven al margen del resto de la sociedad más convencional.

Junto a él (y sólo apreciable en la versión original), Scarlett Johansson (Lost in translation, Lucy, etc.) quien pone voz a Samantha, haciendo uso de sus dotes interpretativas más puras, ya que nunca la veremos. No obstante, su dobladora española hace un buen trabajo al respecto.

Además encontramos otros nombres conocidos como los de Rooney Mara (Efectos secundarios), Chris Pratt (Guardianes de la Galaxia) o Amy Adams (La gran estafa americana) entre otros, todos ellos personajes secundarios que desempeñan a la perfección su misión.

El aspecto musical corre a cargo de Arcade Fire, grupo canadiense de indie rock que crea para la ocasión una banda sonora de tintes ambientales realizada en base electrónica, enfatizando el aspecto tecnológico que rodea al film.

Una película de las que yo denomino “magnética”, porque uno comienza a verla por simple curiosidad y se queda clavado en el asiento enganchado por un extraño hipnotismo que hará que su cerebro quiera avanzar más en la historia. Si es usted un espectador de los que prefiere todo masticado y la comedia americana, esta película no es para usted. Si por el contrario es usted un “curioso”, le hipnotizará.

Desafortunadamente la oferta cinematográfica está en un momento pobre, triste y tedioso, salvo para aquellos que gusten del terror, remakes (“rehechuras” de películas realizadas años atrás) o comedias del absurdo (ya sean americanas o españolas). Pero comenzando la época estival siempre aparece algún estreno para niños que, en muchas ocasiones, incluso disfrutamos aún más los adultos...

Sinopsis: Toda la historia de su existencia los Minions han buscado y tenido un líder, generalmente de carácter no demasiado benevolente; y cuando no lo tienen hay que encontrar uno nuevo. Éste será el objetivo de Kevin, Stuart y Bob, pero no será tan fácil...

Dirigida por Kyle Balda y Pierre Coffin (Gru. Mi villano favorito -1 y 2-) llega esta simpática comedia animada enriquecida con guiños de guión a otros films y culturas, y de valores sobre los que reflexionar para toda la familia (compañerismo, amistad, liderazgo, sinceridad, generosidad...).

El guión, escrito por Brian Lynch (El gato con botas), es un canto a la valoración y respeto de la idiosincracia de cada uno dentro de la colectividad; donde cada uno es como es, y por eso funciona. A ello añadir la “construcción” de un idioma único que engloba elementos lingüísticos de medio mundo (inglés, español, alemán, italiano, coreano, chino...)., y que contagian la inocencia de estos seres e invita a incorporarla a la vida de cada uno. ¿A quién no se le escapa un “Para tú” o un “Banaaanaaa”?

La música juega además un papel bastante destacable como refuerzo al guión y a los diversos gags que lo conforman, trabajo de Heitor Pereira (Los pitufos, Gru 2. Mi villano favorito...), aportando una banda sonora que ambienta a la par que ilustra intenciones, pensamientos, situaciones y ubicaciones.

Si bien en España no solemos dar tanta importancia al elenco de dobladores que suelen conformar las películas de animación, cabe al menos mencionarlos junto a sus homónimos estadounidenses, donde el público sí que está acostumbrado a oír sus voces e identificarlas en los films; y donde incluso muchas veces los personajes son modelados o moldeados en base a quién será su alter ego sonoro.

Así, cabe mencionar a uno de los directores, Pierre Coffin como doblador de los Minions (y que no es doblado a ningún idioma). Y junto a él nombres tan conocidos como el de Sandra Bullock y Jon Hamm (Alejandra Jiménez y Quim Gutiérrez en España), Michael Keaton, Allison Janney, Steve Coogan o Steve Carell entre otros.

Una película para disfrutar tenga la edad que tenga, para no perder detalle y que no se le escape ciertos guiños o, simplemente, para disfrutar del aire acondicionado del cine pasando un rato agradable y saliendo con una entrañable sonrisa.

Una película que hay que ver para poder criticar, pero a la que (sinceramente) se le ha dado una excesiva publicidad, "bombo y platillo" para lo que resulta posteriormente ser.

¿Recuerda aquéllos dibujos animados en los que al enfrentarse los personajes a una duda le aparecían un angelito y un demonio en cada hombro? Seguramente a estas alturas de la vida ya se habrá dado cuenta de que, en esas situaciones, en el hombro no hay nadie. Pero ellos sí que están: en su cabeza...

Sinopsis: Un decadente actor que se hizo famoso por interpretar a un superhéroe decide dar un giro a su vida e intentar ganarse el reconocimiento de “actor” con una comprometida adaptación teatral de un cuento de Raymond Carver. Pero no sólo su carrera necesita ese giro.

Con guión original del mismo director (y otros) de esta película, llega esta historia que, si bien pudiera resultar un poco surrealista, no lo es tanto como sí la plasmación cinematográfica que se intenta hacer de ella, pecando quizás de excesiva teatralidad y dramatismo, que tornan lo que podría haber sido un excepcional trabajo en algo reiterativo, aburrido y hasta agotador.

El responsable de ello es Alejandro González Iñárritu (21 gramos, Biutiful, Babel), quien si bien hasta ahora nos sorprendía gratamente con historias que trascendían la mera apariencia reflejadas con un realismo naturalista, en esta ocasión cae en el exceso y sobrepasa los límites de la realidad, en aras de representar la atormentada mente de su protagonista. Sin duda, no debe haber sido un trabajo fácil, pero se pierde en él...

Uno de los aspectos a destacar en el film es su fotografía, obra de Emmanuel Lubezki (Quemar después de leer, Hijos de los hombres...), quien realiza un gran trabajo con las sombras (y las pocas luces), que contribuyen a crear esa atmósfera oscura que rodea al “alma” del protagonista.

Respecto al elenco, sorprende en algunos casos por sacar registros de algunos de sus actores que hasta ahora no habíamos visto. Es el caso, por ejemplo, de Emma Stone (Criadas y señoras; Crazy, Stupid, Love), quien se sale de esa imagen de chica bien educada para ser una adolescente crecida sin interés alguno por la vida; o Zach Galifianakis (Resacón en Las Vegas, Salidos de cuentas), que sale del registro cómico-absurdo que hasta ahora le ha dado un nombre.

Pero el peso del film lo lleva Michael Keaton (Batman; Mis dobles, mi mujer y yo...), a quien el papel le va bien teniendo en cuenta su carrera (quasi podría decirse que lo eligieran por poder considerarse que fuera un film autobiográfico), pero que no le saca al personaje el jugo expresivo que debería en buena parte de sus situaciones.

Junto a ellos, otros nombres como los de Naomi Watts (Mulholland Dr., Promesas del este), en su línea insulsa habitual, o Edward Norton (El club de la lucha, Moonrise Kingdom), en un papel que ya ha quedado claro en varias ocasiones que interpreta muy bien, pero que no es por lo que cabría destacarle.

La banda sonora es, a mi parecer, quizás lo más desafortunado del film. Agobiante, reiterativa, y en ocasiones hasta molesta, es la “partitura” que el percusionista Antonio Sánchez desempeña por encargo de González Iñárritu, en aras de reflejar ese tormento mental del protagonista del film.

Una película que hay que ver para poder criticar, pero a la que (sinceramente) se le ha dado una excesiva publicidad, “bombo y platillo” para lo que resulta posteriormente ser. En la humilde opinión de una servidora, haciendo un gran esfuerzo para desentrañar su esencia, bastante aceptable; en conjunto, una decepción.

Todo tiene una fecha de nacimiento y otra de caducidad, y se podría afirmar que ninguna de las dos puede ser preestablecida; pero sí que podemos influir en ellas y en cómo ha de ser el período temporal que transcurre entre ambas. 

Sinopsis: Stephen es un joven y prometedor estudiante de doctorado de Física que un buen día conoce a la persona gracias a la cual algún día llegará a ser un científico de referencia mundial. Pero en medio del camino de la vida de ambos surge un inesperado “contratiempo”: a Stephen le es diagnosticada una extraña enfermedad degenerativa.“ 

Basada en el libro escrito por la mismísima Jane Hawking (“Travelling to Infinity: My life with Stephen”), y convertido en guión por Anthony McCarten (Death of a Superhero), se estrenaba hace bien poco esta sobrecogedora historia de amor de intensos tintes biográficos (y autobiográficos, por parte de la ex-señora Hawking), que incorpora también interesantes debates éticos, religiosos y morales o, dicho de otro modo, “discusiones” de la vida.

Pero ello no habría tenido tan espectacular resultado de no haber sido por su protagonista, Eddie Redmayne, y su director, James Marsh (The king, Agente doble), quien saca de sus actores interpretaciones profundas y convincentes y un montaje dinámico que hace que la, en principio, extensa duración del film no resulte así.

A ello contribuye el contar con una fotografía única, no sólo por el excelente trabajo que realiza con la luz (que otorga a las escenas gran naturalidad), sino por el trabajo de encuadres, puntos de vista y enfoques que elige para reflejar la aparición y desarrollo de la enfermedad del protagonista. El encargado de tal loable trabajo: Benoît Delhomme (El niño con el pijama a rayas, Shangai, One day (Siempre el mismo día)...).

Como adelantábamos hace unos instantes, gran mérito del resultado de este film se debe, sin duda alguna, a la brillante y excepcional interpretación de su protagonista, Eddie Redmayne (Los miserables, Mi semana con Marilyn...), quien realiza un encomiable trabajo de preparación física, psicológica y emocional para asimilar al personaje de Hawking y su difícil degeneración física, sumado a su “cinismo-humorístico” que caracteriza su carácter. Una joven promesa que estamos seguros que, viendo su enorme maduración interpretativa en tan poco tiempo, nos depara a un futuro “grande” de la interpretación masculina.

Junto a él, no podemos obviar la interpretación de su compañera, Felicity Jones( Cruce de destinos, Hysteria) quien, si bien defiende perfectamente su papel y hasta lo hace brillar en algunos momentos, no llega a la altura de la interpretación de su compañero.

Por supuesto, el elenco es bastante más numeroso (y también desempeñan óptimamente sus funciones) pero, seamos realista, la película es ellos dos.

A la cabeza del departamento musical encontramos a Jóhann Jóhannsson (Prisoners, I am here), quien se está caracterizando por ser un gran creador de atmósferas e intensificador de emociones, y del que podríamos considerar escuchando la banda sonora que ha creado para este film, un “seguidor” de Michael Nyman (El piano) o Alexandre Desplat (El discurso del rey, El árbol de la vida), musicalmente hablando. 

Una hermosa historia, reflejada con gran belleza, rociada con tintes de reflexión y sustentada sobre una gran interpretación, que no debería dejar de ver. Le enganchará, envolverá y dejará “suspendido” en la infinitud del espacio y el tiempo.

Cada acto del hoy tendrá una repercusión futura, y a veces parece que no somos conscientes de hasta qué punto pueden llegar. Y esas repercusiones siempre aparecen cuando queremos cambiar de vida. Cosas de Murphy...

Sinopsis: En su juventud David encontró una forma bastante “sencilla” de obtener un poco de dinero:donar semen. Lo que él no sabía es que llegaría a ser el padre biológico de una numerosa prole cuyo anonimato pronto desaparecerá...

Al parecer basada en una historia real nos llega esta comedia canadiense escrita por Martin Petit y Ken Scott, siendo además este último su director (y también del remake estadounidense del mismo film, Delivery Man, que protagonizara Vince Vaughn (Los becarios, Fred Claus...). Si bien no es que sea una película excepcional en su conjunto, sí que cabe destacar la correcta realización y forma de llevar esta historia.

Técnicamente no es meritoria ni de grandes reconocimientos ni de críticas negativas. Es, sencillamente correcta.

Y es que la base es el guión y el montaje que de él se realiza, alternando pequeños flashes-gags del pasado de su protagonista para justificar su situación actual. Su poder quizás reside en su capacidad para acercarnos una historia casi increíble, presentándola de forma verosímil, como algo que sucede o podría suceder, pero alternándolo con un componente más irreal basado en el excesivo optimismo con que se trata el tema y las situaciones que el personaje vive.

En elenco no podemos obviar el destacar a su protagonista Patrick Huard (Dos polis en apuros, Funkytown), actor cómico canadiense que se enfrenta a la transmisión de una dualidad personal, y que no siempre lo consigue exitosamente. Sin embargo, Antoine Bertrand (Borderline, Louis Cyr) sí que convence con su interpretación, a pesar de ser un secundario en la trama.

Este film tiene un elenco juvenil bastante amplio (dada la extensa prole del protagonista), de los cuales destacaremos a David Michäel y Sarah-Jeanne Labrosse, por la capacidad para convencer con sus personajes.

Musicalmente, si bien tampoco es excepcional, dar al menos a conocer el nombre de David Lafleche, cuya experiencia aún es corta, pero también cumple con su función dentro de la película sin gloria, pero sin pena.

Una película entretenida, interesante como historia y la forma de llevarla; y acompañada de una reflexión sobre el concepto de la paternidad y de cómo nuestros actos tienen unas consecuencias, que a nadie le viene mal realizar de vez en cuando...

Pocas veces el cine español ha resultado ser de mi agrado, pero últimamente parece ser que han decidido abandonar el “españolismo” para hacer cine de verdad, y esta película es muestra de ello...

Sinopsis: En un momento complejo ideológicamente en España (principios de los 80), donde buena parte de la nación sigue anclada en el pasado y otra parte avanza, dos policías ejemplo de esta situación son enviados a investigar la desaparición de dos jóvenes, en un marco nada fácil de desentrañar...

Este magnífico thriller escrito por Rafael Cobos y Alberto Rodríguez (Grupo 7), ha sido además dirigido por este último (El factor Pilgrim, Grupo 7), dando como resultado una película de excelente realización en todos los aspectos que se pueden evaluar en un film como éste: desde la dirección de actores, hasta la fotografía o el montaje.

No puede faltar la mención hacia Álex Catalán (No tengas miedo, La voz dormida, Habitación en Roma...), cuya fotografía además de belleza, contribuye de sobremanera junto a su iluminación a crear la atmósfera sobrecogedora que el film precisa.

Respecto al elenco debemos destacar la interpretación de Javier Gutiérrez (Un franco 14 pesetas, El penalti más largo del mundo...), capaz de crear una dualidad emocional en el espectador con su personaje, y la de un Raúl Arévalo (Los girasoles ciegos, Gordos, etc.) que (en mi humilde opinión) gana en profesionalidad y merecimiento con este tipo de papeles que se salen de la (ya “cansina”) comedia española.

Junto a ellos destacan nombres como el de Antonio de la Torres (Gordos, Caníbal...), como siempre único para dotar de credibilidad y naturalidad a su personaje; y otros relativamente nuevos en la gran pantalla como Jesús Castro (El niño), la nueva cara bonita de moda, y Nerea Barros (Rafael), de quien tengo la duda de que interprete a algún personaje, puesto que expresivamente es la misma dentro y fuera de la pantalla.

Musicalmente, Julio de la Rosa (Juan de los muertos, 7 Vírgenes...) realiza un trabajo excepcional y complementario al del departamento de fotografía, contribuyendo de sobremanera a crear una atmósfera que en ocasiones casi resultara irrespirable por la sutil tensión que va creando en el espectador.

Una película directa en sus imágenes y con una gran historia sabida llevar al ámbito visual.

Una película para todos los que hemos vivido años de descontento y constantes decepciones en el cine español, y que tengan un nivel de exigencia un poco superior al de los que gustan de la imagen española de las mujeres, el andalucismo y la comedia.

¿Se ha preguntado alguna vez cuál es el sentido de su existencia? ¿Qué le da sentido a su vida? El trabajo, el amor, la familia... Cuidado, quizás se esté perdiendo la vida buscándole un significado que quizás nunca encuentre... ¿No es mejor vivirla?

Sinopsis: Qohen Leth es un buen trabajador, comprometido y cumplidor, que lo único que desea de la “Dirección” es que le permita trabajar desde casa, ya que espera una llamada muy importante para él. Y su deseo se verá cumplido, pero a cambio deberá finalizar un complejo proyecto que determinará el significado de su existencia.

Esta historia escrita por Pat Rushin (profesor de Escritura Creativa en la Universidad de Florida) está inspirada en el libro de Eclesiastés conocido como “Profesor” o “Predicador”, en el cual se plantea la cuestión acerca del valor o importancia de la vida; y algunos autores la señalan como el fin de una trilogía que su director, Terry Gilliam (El rey pescador, Miedo y asco en Las Vegas, El imaginario del Doctor Parnassus...) habría iniciado con Brazil y continuado con Doce Monos.

Como es habitual en sus films, no es un guión masticado para simplemente visualizar, sino que hay ciertos mensajes o lecturas ocultas tras una quasi extravagante puesta en escena.

Buena parte del mérito de cualquier película de Gilliam hay siempre que atribuírselo a sus intérpretes, capaces de dar vida a personajes y situaciones a veces surrealistas, y ésta no es una excepción. Al frente del elenco y cargando el mayor peso interpretativo de la película encontramos a un exquisito Christoph Waltz (Malditos bastardos, Django desencadenado...), con un personaje que roza lo “asensorial” y de una compleja profundidad. Junto a él, Lucas Hedges (Moonrise Kingdom, Una vida en tres días), una interesante aportación profesional en el film; Mélanie Thierry (Largo Winch, Babylon) con un personaje ambiguo que defiende bastante bien; y David Thewlis (El nuevo mundo, Siete años en el Tíbet...), que se sale de su línea habitual pero otorgando la credibilidad necesaria para su personaje.

Con un peso un poco inferior, casi cameos, Tilda Swinton (Quemar después de leer, Flores rotas...), Matt Damon (Syriana, Elysium, etc.) o Ben Whishaw (El perfume, El atlas de las nubes...), entre otros, dan cierta presencia y toque de color a la película.

La dirección artística creo que es uno de los apartados a destacar en este film (más que otros como su fotografía), gran trabajo realizado por Adrian Curelea (Bunraku) a la hora de crear ese “mundo” en el que se refugia el protagonista y aquél otro del que huye.

La banda sonora es obra de de George Fenton (La parte de los ángeles, Hitch: especialista en ligues...), siendo una ecléctica recopilación de versiones, géneros y melodías que contribuyen de sobremanera a ambientar la extraña atmósfera que se respira en la película, algunos de ellos grandes temas que, bien utilizados, ganan más peso que en su simple interpretación.

Una película recomendada para valientes que no teman enfrentarse al autoanálisis a través de la interpretación y visión de un excéntrico director.

Estoy casi segura de que gran parte de nosotros podríamos describir lo que ha sido y es nuestra vida sólo con sabores: el sabor de un petit-suisse, el de una natilla, el de ese potaje que tanto odiábamos y con los años disfrutamos... Incluso más curiosa aún es la tendencia a recordar los sabores más agradables. Y es que los bocados dulces siempre pueden a los más amargos (y en la vida también...).

Sinopsis: Tras una “amarga” crítica por parte de un seguido bloggero y cansado de batallear el menú con el propietario del restaurante en el que trabaja, un chef decide reconectar con los sabores que le llevaron a la profesión, con su familia y consigo mismo...

Escrita y dirigida por Jon Favreau (Iron Man, Zathura: una aventura espacial...) nos llega esta comedia culinaria con tintes de “road movie” en la que sorprende su buena realización. Con una historia que no es nada excepcional, pero que llega al espectador, y una puesta en escena dinámica, el tiempo pasará rápido viéndola.

El director de fotografía, Kramer Morgenthau (Fracture, Thor: el mundo oscuro...), nos mete directamente en el interior de las cocina, de una manera que lo único que nos falta es oler lo que allí se cuece.

Pero más excepcional aún resulta su montaje, en especial la relación que se establece con el ámbito de las redes sociales y la manera de reflejarlo en pantalla y compartirlo con el espectador. Magistral.

El elenco se encuentra encabezado por el propio director de la película Jon Favreau (El lobo de Wall Street, Iron Man...), destacando por la credibilidad que otorga a su personaje, y acompañado por John Leguizamo (Moulin Rouge, John Wick, etc.), en su línea de “amigo de”, que tras tantos años interpretándola bien consigue. Junto a ellos otros nombres como los de Sofía Vergara (Modern Family), Scarlett Johansson (Lucy, Lost in translation...), Bobby Cannavale (Blue Jasmine, Lovelace...) dando buena y correcta presencia en sus respectivos pequeños papeles, y los cameos de Dustin Hoffman (Rainman, Tootsie, etc.) y Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes, Iron Man...), quienes le ponen la guinda al pastel.

Musicalmente la película no se queda atrás, con una selección y utilización de sonidos latinos y de Nueva Orleans por parte del departamento musical de la misma (considerada como de “Varios Autores”) que contribuye notablemente a ambientar y dotar de dinamismo a la historia.

No es una película excepcional, pero sí que merece la pena verla y desconectar de la rutina para poder reconectar con uno mismo. Si después de verla no le apetece probar algún sabor nuevo en su vida, es que continúa usted alienado...

PD: No deje de ver los créditos, toda una lección para algunos “actores-directores” que creen saberlo todo. Éste deja claro que no, y se enorgullece de ello. “Chapeau” por su humildad y por el cocinero.

“Mary Poppins” es, posiblemente, una de las películas más entrañables y atemporales que pueda habernos dado el siglo XX. La disfrutaron nuestros padres, la soñamos nosotros, sorprende a nuestros hijos, y enganchará también a nuestros nietos. Pero detrás de toda gran historia hay alguien que la imagina y la comparte. ¿Se ha preguntado alguna vez quién o quiénes estuvieron detrás de ésta?

Sinopsis: Un afamado y soñador productor lleva más de una década intentando convencer a una escritora de que le permita llevar a la gran pantalla su novela, pero la señorita Travers no confía en el criterio del señor Disney para hacerlo... Ésta es la “historia tras la historia” de “Mary Poppins”.

“Valiente” es el adjetivo que creo que primeramente se merece el director de esta película, John Lee Hancock (El Álamo - La leyenda, Un sueño posible), por llevar a cabo tan digna y respetuosamente el guión escrito por Kelly Marcel( Cincuenta sombras de Grey) y Sue Smith (Peaches), contando con un elenco al que a cualquier intimidaría dirigir. Sin duda, un gran trabajo en el conjunto de todos los aspectos que componen una película.

El guión, por su parte, resulta en su idea base original, distinto a lo que últimamente estamos acostumbrados a ver; y a ello debemos sumar una, aunque sencilla, bastante buena construcción de los personajes, a quienes podemos conocer con muy pocos datos. Ciertamente trabajan con un elemento del que una servidora (sinceramente) disfruta: hacer que el espectador deduzca y vaya uniendo piezas sueltas para sacar conclusiones cuyo desenlace se vislumbrará casi al final de la trama.

La fotografía de John Schwartzman (Pearl Harbor, Ahora o nunca...) es impecable, tanto en los encuadres que elige para expresar la intensidad de cada escena o de la interpretación de los actores, como en la luz que envuelve cada momento o emoción, llena de contrastes de gran intensidad expresiva.

Al frente del elenco encontramos a Emma Thompson (Mucho ruido y pocas nueces, Love Actually, La niñera mágica...) y a Tom Hanks (Náufrago, La terminal, El atlas de las nubes...) ambos elegantes, sublimes, creíbles (especialmente ella)... Sencillamente, magníficos.

Y junto a ellos un, casi sutil, pero excepcional Paul Giamatti (Entre copas, Los idus de marzo); unos simpáticos B.J. Novak (En algún lugar de la memoria) y Jason Schwartzman (El gran hotel Budapest), y un sorprendentemente mejorado (interpretativamente hablando) Colin Farrell (El imaginario del Dr. Parnasus, El nuevo mundo).Y, por último, hacer una breve mención a la jovencísima Annie Rose Buckcley, quien a pesar de su corta experiencia hace un buen trabajo con su personaje.

La banda sonora que acompaña esta adorable historia ambientada a principio de los sesenta corre de la mano de Thomas Newman (Wall-E, American Beauty, Camino a la perdición...), ambientando a la perfección y con la elegancia que en la película se respira cada instante y, sobre todo, cada emoción. Increíble el trabajo que realiza para el “proceso de creación” de la música de “Mary Poppins” (con el talento y buen hacer de los actores que interpretan a los hermanos Sherman).

Una película que se comienza viendo con curiosidad y cuya historia le atrapará y llegará hasta lo más profundo de su ser, hasta dar con ese niño que un día jugando al escondite se ocultó tan bien que al ir creciendo nos olvidamos de buscar.

Qué difícil me resulta escribir este tipo de críticas, porque generalmente intento ser lo más objetiva posible, pero en ocasiones resulta complicado... Sin embargo, y atendiendo a los comentarios de algunos de mis seguidores, he de hacerlo.

Sinopsis: La “anteriormente conocida como Grace Kelly” vio realizado el sueño de muchas niñas de casarse con un príncipe, pasando a ser Grace de Mónaco. Pero la vida de, ya no una princesa, sino de una extranjera en una corte europea no ha sido nunca tarea fácil...

Olivier Dahan (La vida en rosa, Un gran equipo) dirige esta “historia” escrita por Arash Amel (El último testigo) que poco se ajusta a la realidad, y que muy a pesar de la Casa Grimaldi (y de buena parte de los espectadores) finalmente consiguió ver la luz. Arriesgada apuesta la de los productores la de lanzar un falso biopic sobre tal admirada personalidad, y más aún la de un director como Dahan de dirigir dicho guión. Su trabajo, en términos generales, podríamos considerarlo como bien realizado, teniendo en cuenta las limitaciones del guión y de la capacidad interpretativa de parte de su elenco.

Más valdría la pena directamente citar a su director de fotografía, Eric Gautier (Diarios de motocicleta, El Capital), con un gran trabajo de la luz y de creación de ambientes y atmósferas, sin los cuales la principal protagonista no significaría prácticamente nada.

Y adentrándonos en este aspecto, decepcionante la elección de la responsable del cásting para interpretar a la elegantísima y carismática Grace Kelly. Nicole Kidman (Australia, Las mujeres perfectas...) poco se acerca a su personaje, que sumado a su limitada capacidad interpretativa, llega a convertir a Kelly en una mujer anodina y empalagosa.

Por otra parte, creo que Tim Roth (Pulp Fiction, Reservoir Dogs...) tampoco es el actor más acertado para interpretar al príncipe Rainiero, pero al menos intenta acercarse a lo que fue dicho personaje.

Pero también hay aspectos positivos a destacar en la elección del reparto de esta película: casi todos los secundarios. En ellos vemos buenas interpretaciones, personajes creíbles y asumidos por parte de los actores, pero (tristemente) con una presencia menos perceptible de lo que debiera haber sido. ¿Algunos de sus nombres? Paz Vega (como Maria Callas), Geraldine Somerville (como la princesa Antoinette), entre otros...

En el apartado musical tampoco encontramos mucho que destacarle a Christopher Gunning (La vida en rose), con una banda sonora que acompaña, pero no ayuda a la inmersión del espectador en la historia o los escenarios.

Para cada concepto existe su contrario, y hemos de conocer ambos para poder adecuarlos a los diversos contextos. Así, esta película podría ayudarle a formar criterio, porque por cada buen film que nos encontramos existe otro que no lo es (como en este caso). No espere nada más de ella...

A un tal “Murphy” le encanta jugarnos malas pasadas de vez en cuando con su famosa “legislación”; pero quizás es que debe ser así. A lo mejor es “Murphy” el encargado de conducir nuestros destinos y todo pasa por algo...

Sinopsis: La noche de fin de año parece ser el momento ideal para llevar a cabo una tarea tan difícil como la de un suicidio, pero no sólo para Martin (Pierce Brosnan). Lo que comenzó siendo una decisión individualista terminará por ser un trabajo de grupo...

Basada en la novela de Nick Hornby (A long way down), nos llega esta comedia negra británica sobre el suicidio, las drogas, la depresión y la promiscuidad, pero desde el punto de vista de sus protagonistas, sin llegar a caer en excesivos dramatismos ni culebrones. No podía ser de otra manera, teniendo en cuenta que el encargado de su realización ha sido Pascal Chaumeil (Los seductores, Llévame a la luna), comenzando a hacerse un nombre en este tipo de producciones.

La fotografía de Ben Davis (Guardianes de la galaxia, Crimen organizado), si bien en esta ocasión no es que destaque de sobremanera, sí que nos regala interesantes puntos de vista de cámara en algunos momentos, que subrayan la emotividad de la escena y/o de sus protagonistas.

Pero, al margen de la novela original que da fundamento a esta película, merece ser vista por su coral elenco. Pierce Brosnan (El secreto de Thomas Crown, El escritor...) no decepciona en la línea que ha elegido en esta última decada, con papeles de una mayor introspección y menos belleza exterior (aunque aún la conserve y le valga de mucho). Excepcional y entrañable, como siempre, la interpretación de Toni Collete (La boda de Muriel, En sus zapatos), compartiendo el peso femenino con su antagonista Imogen Poots (Un hombre solitario, Need for speed), bastante convincente en el papel que le toca desempeñar. Y por último, un cada vez más solicitado Aaron Paul (Breaking Bad, Exodus), que intenta “desencasillarse” de ese papel de chico duro que ha dado a conocer su nombre.

La banda sonora corre de la mano de Dario Marianelli (Todos están bien, V de Vendetta, La pesca del salmón de Yemen...), optando por una ecléctica mezcla de estilos, géneros e intensidades que acompañan adecuadamente a los personajes en el tiempo y situaciones, pero siempre primando el tono subyacente base de la película.

Una interesante reflexión sobre cómo nos enfrentamos a nuestras vicisitudes, sobre la soledad y la amistad. Una buena opción para disfrutar de una historia diferente que bien podría ser (con ciertos tintes satíricos) la de cualquiera de nosotros extrapolada a las inquietudes de cada uno.

En los últimos años (e incluso décadas) se han estrenado numerosas producciones que se clasificaron como “ciencia-ficción”, si bien la mayor parte de ellas se correspondían más con lo segundo que con lo primero, y otras incluso ni eso... Menos mal que algo ha cambiado.

Sinopsis: La Tierra está avocada a su destrucción, y la raza humana a la extinción. Por ello, la NASA no cesa en sus intentos de encontrar otro planeta en el que poder continuar con la vida de nuestra especie, sea como sea, y esté donde esté. Pero el viaje de búsqueda probablemente sea sólo de ida. ¿Algún voluntario para encontrarlo y valiente para salvarnos?

Inspirado en el trabajo del físico teórico Kip Thorne, los hermanos Jonathan y Christopher Nolan (Origen, El truco final - El prestigio) son los escritores de esta espectacular historia en la que cabe destacar el gran trabajo de unión entre ciencia y ficción, en la que el cerebro se activa ante las hipótesis y paradigmas técnicos que centran el eje del film.

Christopher Nolan (Memento, Batman Begins...), además, es el director de la misma, al que cabe felicitar por la verosimilitud y realismo con que trata ciertos aspectos técnicos y visuales de la misión, así como consigue la credibilidad de los actores que la protagonizan.

Por supuesto, esto no sería así sin la estrecha colaboración con su director de fotografía, Hoyte Van Hoytema (Déjame entrar, El topo, The fighter), cuya esencia radica en buena parte en el gran trabajo que es capaz de hacer con la oscuridad (y, por tanto, con la luz).

Respecto al elenco, éste se encuentra encabezado por Matthew McConaughey (Dallas buyers club, El lobo de Wall Street...), actor que en los últimos tiempos nos sorprende con una mayor capacidad expresiva e interpretativa en sus papeles, dejando de ser una “cara bonita” para asumir papeles acordes a su edad y que requieren de un trabajo mayor.

Junto a él Anne Hathaway (Los miserables, Amor y otras drogas), también muy bien en su papel, creíble, pero con la misma expresividad que en sus últimas películas, resultando en ocasiones un tanto anodina y poco sorprendente, y pareciendo que su maduración interpretativa se hubiera estancado; y Jessica Chastain (La hora más oscura, El árbol de la vida), a quien se le aprecia cierta mejora expresiva, aunque también un poco estancada en cierto tipo de personajes.

Y junto a ellos, un reparto variado (tanto en calidades interpretativas como en fama y edad), en el que encontramos a grandes de la interpretación como Michael Caine, John Lithgow o Cassey Affleck, con mayor o menos fortuna en su interpretación, o a menos conocidos como la joven Mackenzie Foy (Expediente Warren), que da una lección en convencimiento expresivo a más de uno...

La música corre de las manos de Hans Zimmer (Origen, Gladiator, Sherlock Holmes, etc.), a quien por fin vemos crear de nuevo, acompañando a la película con una partitura que comparte el equilibrio ideal con la historia: entre lo inquietante y lo intrigante, el misterio, el “ritmo del espacio” y las sensaciones humanas tanto en la nada como en la Tierra. Espectacular, sencillamente.

Y llegados a este punto no quisiera finalizar sin hacer una meritoria mención al departamento de sonido de la película, que cuidan cada detalle del mismo, pero especialmente del silencio.

Sin duda, una película que pasará a los anales de la historia cinematográfica de la ciencia-ficción, junto con otra grande a la que claramente homenajea: “2001, una odisea en el espacio”. Suficiente para no encontrar un motivo para no recomendarla...

Prometía ser una gran trilogía, pues la historia que narra el libro homónimo aúna muchos valores y es una gran epopeya; pero lastimeramente sucumbió a los intereses económicos de unos pocos...

Sinopsis: Tras despertar a Smaug, la ambición de poder de Thorin alcanza límites insospechados que parecieran no tener otro freno que el enfrentamiento con elfos y hombres. Por otro lado, Sauron ha enviado legiones de orcos y trasgos a arrasar todo ser viviente en la Tierra Media, lo cual hará que los ejércitos del bien aúnen fuerzas para vencer a la oscuridad...

Nuevamente regresa Peter Jackson (Trilogía de El Señor de los Anillos, King Kong) con la supuesta adaptación cinematográfica del libro de J.R.R. Tolkien “El Hobbit”, y digo supuesta porque, a veces para completar a veces para incomprensiblemente adornar dicha historia, incluye también episodios de otra obra literaria del autor, “El Silmarillion”.

Desafortunadamente, en esta ocasión la jugada no le salió tan bien al director puesto que, además de ciertos desdichados aspectos de dicha adaptación, tampoco es merecedor del título de “buen director” en este film (título que quizás podríamos otorgar en cualquier caso al de efectos especiales o al de edición). ¿Cómo es posible que hiciera tan buen trabajo con los actores y actrices en su trilogía anterior, y en ésta diera la sensación de no haber trabajado lo suficiente con ellos?

Respecto al elenco, si bien partimos de la inexperiencia cinematográfica de la mayor parte de ellos (y dejando aparte a Sir Ian McKellen (X-Men, El código Da Vinci)), resultan en general poco convincentes. Podemos atisbar algún indicio de mejoría interpretativa en Luke Evans (Furia de Titanes, Los tres mosqueteros) y en Ken Stott (La guerra de Charlie Wilson, Casanova), al contrario que Richard Armitage (Capitán América: el primer vengador), quien en algunos momentos resulta un tanto “sobreactuado”.

Incluso musicalmente la trilogía ha ido a peor. Lo que comenzó siendo una banda sonora original excepcional, tanto en las canciones como en la música que acompaña a cada escena, en este caso apenas transmite la emoción que los momentos más trascendentales de la película requieren, faltando fuerza (un poco más de percusión y viento metal no habría estado nada mal, señor Shore). No olvidemos que se trata del mismo compositor de la trilogía de El Señor de los Anillos, Howard Shore (El aviador, The Game...), aquél que hiciera al espectador ponerse más que tenso en la batalla en el Abismo de Helm (“Las dos torres”).

Así que ya sabe, si quiere ver la adaptación cinematográfica de “El Hobbit”, no olvide leerse primero también “El Silmarillion”, y déjelo así... Sin duda, en esta trilogía la película no se acerca a lo que transmite el libro.

Por otro lado, para formar parte de la historia del cine, para bien y/o para mal, y entenderla hay que verla, porque como toda epopeya vivirá más allá de nuestro tiempo... gracias a J.R.R. Tolkien, claro está.

Sinopsis: El día de su centenario cumpleaños el alcalde y la comitiva local se encuentran con una fiesta sin aquél al que habíase de homenajear: Allan ha desaparecido. Tras una larga vida llena de personas y experiencias, no puede resignarse a esperar visitas en una residencia. Él siempre ha vivido en libertad, y así debe seguir siendo...

Basada en la novela homónima del escritor sueco Jonas Jonasson, el guionista y director Felix Herngren (Adult Behavior, Every other week -me disculpo por citar los títulos en inglés, pero creo que será más fácil de identificar para el lector que los originales en sueco-) nos trae esta extraña y sorprendente historia acerca del significado del concepto “estar vivo”.

La película sorprende primeramente por la excentricidad de su guión, pero también incorpora elementos a los que no estamos -desafortunadamente- demasiado acostumbrados (gracias al cine norteamericano), como es un aspecto naturalista de la imagen, con una luz aparentemente ausente de focos, con encuadres que se corresponden con los planos de la visión humana o un granulado y movimientos de cámara “imperfectos” (característicos del cine que realizan algunos directores europeos con Lars von Trier (Melancholia, Nymphomaniac...) o Niels Arden Oplev (trilogía de Millenium, la original, no la “versión” estadounidense).

Ciertamente, en este tipo de historias resulta imprescindible contar con actores capaces de llevar a la “realidad” papeles tan heterogéneos y extraños como los que aquí aparecen. El complejo hacer del protagonista recae sobre Robert Gustafsson (Lust, Alfred...); acompañado de un gran Iwar Wiklander (Las huellas imborrables, Alfred), muy creíble en su peculiar papel, y del pobre David Wiberg (Sound of Noise), al que toca lidiar con los anteriores. El elenco incluye otros tantos nombres, que si bien cumplen muy bien con sus personajes, tampoco resultan excepcionalmente destacables como los tres protagonistas de la trama.

La música viene de la mano de Matti Bye (Elkland, y un sinfín de cortos...), destacando por su ironía y acompañamiento a los quasi esperpénticos momentos que en este film encontraremos.

Una película con lectura moral y reflexión personal que le desconcertará con su sutil (y a veces no tanto) humor y las referencias que a los principales hitos de la historia del siglo XX se hacen en tono de comedia irónica. Una explosión de naturalidad es esta película.

Si usted es de los que se empeñan en complicar las cosas, y decide ver este film, plantéese lo siguiente: “¿es que no tiene dinamita”?...

Entre las “desaparecidas” encontramos títulos como “Million Dollar Arm” (Dir. Craig Gillespie), acerca del fichaje de un jugador hindú de cricket para que juegue en la liga mayor de béisbol; o X-Men: días del futuro pasado (Dir. Bryan Singer), para los amantes de la saga de estos héroes mutantes y los efectos especiales.

Centrándonos en las que más probablemente encontremos “por algún lado”, comenzaremos por “Así nos va” (Dir. Rob Reiner), comedia romántica protagonizada por Michael Douglas y Diane Keaton, de la que podemos esperar lo habitual en estos casos: grandes actores disfrutando de una “relajada” madurez, sin decepcionar interpretativamente pero sin esperar de ella un gran guión.

En la línea de los grandes nombres llega a los cines “El Juez” (Dir. David Dobkin), con Robert Duvall y Robert Downey Jr al frente (acompañados de otros nombres como Billy Bob Thornton o Vincent D'Onofrio), drama personal y familiar donde, a través de la investigación de un crimen, se pondrán a prueba las relaciones paternofiliales y la duda sobre quien no lo espera. Destacable: Downey Jr. al lago de un “gran” y en un registro poco habitual en él.

Sonado (propagandísticamente hablando) ha sido también el estreno de “Relatos Salvajes” (Dir. Damián Szifrón) basada en una serie de televisión creada y producida por Steven Spielberg en los años ochenta (“Cuentos asombrosos”). Consiste en seis “capítulos” en los que en clave de humor, drama o violencia, se reflexiona sobre los límites del ser humano ante determinadas situaciones y circunstancias. ¿Sus protagonistas? Nombres como Liliana Ackerman, Juan Pablo Colombo, Ricardo Darín, Darío Grandinetti o Leonardo Sbaraglia.

Y por último un estreno para toda la familia, “Boxtrolls” (Dir. Graham Annable y Anthony Stacchi), película de “animación stop motion” (esto es, preparar cada movimiento de las figuras, fotografiarlo/filmarlo, recolocar las mismas, y repetir el proceso una y otra vez...), en la que la reflexión acerca de la sociedad, sus prejuicios, etiquetas y prioridades.

Así pues, como podemos ver en esta “fiesta” no hay motivos para fuegos artificiales, cantos, globos, confetis... ni siquiera para una tarta; pero si tiene “antojo” de cotufas y otras “chuches” a un precio menos doloroso que el resto del año, aquí tiene algunas opciones para salir de la rutina y darse una escapadita a la “sala oscura”.

Si bien es cierto que el número de producciones que las principales salas nos ofrecerán los días 27, 28 y 29 de Octubre es amplio, no puedo decir lo mismo de lo que se ofrece. Así, partiendo de lo que se espera que se estrene hasta el viernes previo, y aventurándonos a esperar que algunas de las que están actualmente en cartelera continuarán hasta tales fechas, le expongo algunas referencias para que usted mismo decida qué ver o no...

Posiblemente, parte de las salas estén ocupadas con producciones españolas, intentando hacer taquilla a costa del atenuado “dolor” que produce pagar por algunas de ellas, como es el caso de “Torrente 5: Operación Eurovegas” (Dir. Santiago Segura), de la que podremos esperar más de lo mismo, pero con algún nuevo “amigo” del director (como Alec Baldwin).

En una línea un poco más seria, nos encontramos con dos producciones españolas de tintes policiales, como son “La isla mínima” (Dir. Alberto Rodríguez), sobre dos detectives que intentan atrapar a un asesino en serie, o “El Niño” (Dir. Daniel Monzón), film que se adentra en el tráfico de drogas en el Estrecho de Gibraltar. De ambas cabe esperar cierta madurez interpretativa en algunos de sus actores e historias que suelen gustar al público, pero no dejan de ser “copias” de lo ya hecho y/o de aquello a lo que durante tantos años nos ha tenido acostumbrados el cine norteamericano.

Por otro lado, en lo que al cine extranjero se refiere, tampoco llega gran cosa del cine norteamericano. Por un lado nos encontramos con “Drácula: la leyenda jamás contada” (Dir. Gary Shoe), que siguiendo la estela de “Maléfica” y alguna más, tiene por intención “compadecernos” y entender por qué el conocido “chupasangre” llega a ser lo que es.

Y hablando de fantasmagorías, otro sonado estreno será el protagonizado por Denzel Washington, “The Equalizer” (Dir. Antoine Fuqua), sobre un ex-agente de la CIA que, tras haber cambiado a una vida tranquila, ha de volver a las andadas para volver a impartir justicia para salvar a un joven que está en manos de la mafia rusa.

Y siguiendo en la línea de “grandes” intérpretes y “originales” historias, nos encontramos con “Perdida” (Dir. David Fincher), que teniendo en cuenta a su director, podría haber sido interesante de no haber sido por la presencia de Ben Affleck para protagonizar una película sobre la desaparición de su esposa, de la cual lo acusan (“curiosa” similitud la que comparte con la película francesa “No se lo digas a nadie” (2006)...).

Si a lo expuesto le añadimos otros títulos como los de “Las tortugas ninja”, “Vamos de polis” o “Annabelle”, nos damos cuenta de que no sólo existe crisis económica, sino que la de los guionistas norteamericanos de hace unos años hizo más daño del que creemos...

No obstante, si a usted le gusta este tipo de cine, o no le importa o le sobra el dinero, quizás alguna de ellas pueda interesarle.

Para todos los demás, en la próxima entrega de este artículo podrán encontrar algunas propuestas con “algo” a valorar y por lo que quizás sí valga la pena pagar menos de tres euros.

¿Se ha preguntado alguna vez cuál es el sentido de su existencia? ¿Qué le da sentido a su vida? El trabajo, el amor, la familia... Cuidado, quizás se esté perdiendo la vida buscándole un significado que quizás nunca encuentre... ¿No es mejor vivirla?

Sinopsis: Qohen Leth es un buen trabajador, comprometido y cumplidor, que lo único que desea de la “Dirección” es que le permita trabajar desde casa, ya que espera una llamada muy importante para él. Y su deseo se verá cumplido, pero a cambio deberá finalizar un complejo proyecto que determinará el significado de su existencia.

Esta historia escrita por Pat Rushin (profesor de Escritura Creativa en la Universidad de Florida) está inspirada en el libro de Eclesiastés conocido como “Profesor” o “Predicador”, en el cual se plantea la cuestión acerca del valor o importancia de la vida; y algunos autores la señalan como el fin de una trilogía que su director, Terry Gilliam (El rey pescador, Miedo y asco en Las Vegas, El imaginario del Doctor Parnassus...) habría iniciado con Brazil y continuado con Doce Monos.

Como es habitual en sus films, no es un guión masticado para simplemente visualizar, sino que hay ciertos mensajes o lecturas ocultas tras una quasi extravagante puesta en escena.

Buena parte del mérito de cualquier película de Gilliam hay siempre que atribuírselo a sus intérpretes, capaces de dar vida a personajes y situaciones a veces surrealistas, y ésta no es una excepción. Al frente del elenco y cargando el mayor peso interpretativo de la película encontramos a un exquisito Christoph Waltz (Malditos bastardos, Django desencadenado...), con un personaje que roza lo “asensorial” y de una compleja profundidad. Junto a él, Lucas Hedges (Moonrise Kingdom, Una vida en tres días), una interesante aportación profesional en el film; Mélanie Thierry (Largo Winch, Babylon) con un personaje ambiguo que defiende bastante bien; y David Thewlis (El nuevo mundo, Siete años en el Tíbet...), que se sale de su línea habitual pero otorgando la credibilidad necesaria para su personaje.

Con un peso un poco inferior, casi cameos, Tilda Swinton (Quemar después de leer, Flores rotas...), Matt Damon (Syriana, Elysium, etc.) o Ben Whishaw (El perfume, El atlas de las nubes...), entre otros, dan cierta presencia y toque de color a la película.

La dirección artística creo que es uno de los apartados a destacar en este film (más que otros como su fotografía), gran trabajo realizado por Adrian Curelea (Bunraku) a la hora de crear ese “mundo” en el que se refugia el protagonista y aquél otro del que huye.

La banda sonora es obra de de George Fenton (La parte de los ángeles, Hitch: especialista en ligues...), siendo una ecléctica recopilación de versiones, géneros y melodías que contribuyen de sobremanera a ambientar la extraña atmósfera que se respira en la película, algunos de ellos grandes temas que, bien utilizados, ganan más peso que en su simple interpretación.

Una película recomendada para valientes que no teman enfrentarse al autoanálisis a través de la interpretación y visión de un excéntrico director.

La intuición es una cualidad difícil de entender y, sobre todo, de evitar. Y cuando a ella se suma la esperanza, deriva en una determinación sin límites en pro de alcanzar el objetivo presentido. ¿Hasta dónde llegaría por encontrar aquello que más desea cuando su intuición le “asegura” que existe?

Sinopsis: Tras intentar conseguir su “billete” de vuelta al mundo civil por medios poco ortodoxos, cinco soldados franceses son condenados a la primera línea de trincheras en plena I Guerra Mundial a una muerte segura. Y éste parece haber sido el final para todos ellos. Pero Mathilde se niega a aceptar tal realidad, pues su intuición le dice que su amado Manech no ha muerto, y está dispuesta a encontrarlo cueste lo que cueste...

Basada en la novela homónima de Sébastien Japrisot, Jean-Pierre Jeunet (Delicatessen, Amelie, El extraordinario viaje de T.S. Spivet) nos trae esta historia de tintes románticos en la que la base está en el “trayecto” más que en el destino final. Para ello, resulta fundamental el trabajo realizado con el guión, con unos diálogos que esconden brillantes juegos de palabras que confieren a la trama cierto halo de relajación frente al “dramatismo” o la tensión al que a veces conduce; y que requieren de un espectador activo, que se deje introducir en la investigación y dilucidar los avances de la misma.

Muy buen trabajo el realizado también por su director de fotografía, Bruno Delbonnel (Amelie, Sombras tenebrosas), tanto por los encuadres y puntos de vista de cámaras elegidos en muchas de las tomas, como especialmente por la iluminación que le aporta y que le confiere al film un tono sepia fotográfico que acentúa los componentes histórico y románticos de la trama.

El elenco, en cambio, si bien cumple a la perfección con la historia, no resulta especialmente destacable. Su protagonista, Audrey Tautou (Amelie; Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel) peca de falta de expresividad en su personaje, resultando monótona y aburrida.

De resto, cabría destacar las interpretaciones de Dominique Pinon (Micmacs, El extraordinario viaje de T.S. Spivet) y Chantal Neuwirth (Madeleine, Un gran equipo), quienes sí que interpretan con credibilidad a sus respectivos personajes; y a Marion Cotillard (Origen, La vida en rosa), por su calidad interpretativa y expresiva (frente a la “insensibilidad” de la protagonista).

En el apartado musical Angelo Badalamenti (La playa, Wicker man) no decepciona, con una banda sonora caracterizada por una profunda emotividad, propiciando el sentimiento o la sensación adecuados en cada momento.

Una película que terminará por impedir al espectador levantarse del asiento, y enganchándole por sus diálogos hasta involucrarle en la investigación elucubrando acerca de hacia qué derroteros se encamina la investigación. No apta para mentes holgazanas o indolentes a las artes visuales.

A veces las circunstancias (especialmente las económicas) nos obligan a cambiar nuestra forma de vida. La primera reacción es en muchos casos ocultar la nueva realidad, quizás por vergüenza o quizás por orgullo, dificultando su asimilación. Pero hay algo positivo en todo ello: se aprende a valorar y disfrutar hasta los más mínimos detalles...

Sinopsis: La vida de Jasmine acaba de dar un vuelco: de llevar una vida de glamour y dinero a no tener ni lo segundo ni casa. Por ello decide ir a “visitar” a su hermana a San Francisco quien, aún no teniendo grandes riquezas, vive mejor que su frustrada hermana.

Escrita y dirigida por Woody Allen (Medianoche en París, Manhattan... y un largo etcétera) llega esta crítica mordaz al estilo de vida de la alta sociedad (ya sea la norteamericana o se extrapole también a la europea), con la correspondiente lectura moral que la industria le requiere. No obstante, no deja de ser una película suya con sus característicos personajes histriónicos incluidos.

En la dirección fotográfica curiosamente encontramos a un español, Javier Aguirresarobe (Los otros, Vicky Cristina Barcelona...), cuyo mérito es su capacidad para dotar a las imágenes de naturalismo, tanto por los encuadres que elige como por su iluminación.

Pero, además de por su director y la historia, si por algo destaca esta película es por sus intérpretes. El elenco se encuentra encabezado por una espléndida Cate Blanchett (El aviador, El señor de los anillos...) de quien, a pesar de su buena capacidad de convicción, pocas veces se puede decir que haya dado auténtica vida y credibilidad a su personaje como en esta ocasión ha hecho.

Junto a ella cabría destacar a Sally Hawkins (Crimen organizado, Jane Eyre...) con un personaje tampoco fácil de interpretar pero al que le otorga el grado de realismo que precisa.

Y en un “segundo” plano encontramos a Bobby Cannavale (¿Bailamos?, Win win (ganamos todos) ) quien no resulta especialmente excepcional pero cumple bien con su trabajo, y un “nuevo habitual” de las películas de Allen, Alec Baldwin (A Roma con amor, No es tan fácil...), en una nueva línea de actuación en la que está encajando bastante bien (teniendo en cuenta sus limitaciones interpretativas) como hombre maduro y acorde a la edad que tiene.

Curiosamente la película no cuenta con un director musical, lo cual da que pensar que el mismo Allen se encargó de seleccionar los temas o canciones que se han utilizado en el film, más aún teniendo en cuenta que pertenecen a los ámbitos del jazz, swing, blues... Y de eso él entiende bastante (tal y como queda patente en la utilización que hace de ellos en el film).

Una película de hoy, real como la vida misma (aunque muchos y muchas lo oculten) y entretenida. Una buena opción para ver disfrutando de una buena copa de vino y de la vida, tal cual nos haya tocado...

Nos pasamos nuestra existencia soñando despiertos en vez de vivirla; y no es sino ante determinadas circunstancias que reaccionamos y despertamos de verdad. Es entonces cuando la aventura de vivir comienza...

Sinopsis: Walter ha tenido grandes y sorprendentes experiencias románticas, heroicas, emocionantes... en su imaginación. Pero ante el inminente fin de su trabajo en la edición impresa de la revista “Life” se ve repentinamente envuelto en un viaje de búsqueda que nunca olvidará...

Basada en el relato de James Thurber, ésta es la segunda adaptación que se hace de dicha historia (la primera se realizó en 1947). Sin embargo, si bien aquélla es más literal a la historia, la brillantez de esta versión radica en su adaptación al mundo actual, a sus temores y riesgos. Dicha tarea ha corrido de la mano del guionista Steve Conrad (En busca de la felicidad, El hombre del tiempo), dando como resultado una historia increíble que no deja indiferente.

El encargado de llevarla a cabo ha sido el mismísimo Ben Stiller (Un loco a domicilio, Zoolander, Tropic Thunder... por citar algunos de sus trabajos como director), consiguiendo una película diferente, dinámica y profunda, con un montaje exquisito. A ello contribuye en gran medida la belleza visual de sus imágenes, cuyo responsable es el director de fotografía Stuart Dryburgh (El piano, El velo pintado, El diario de Bridget Jones), especialmente por la elección de determinados puntos de vista y encuadres que magnifican las escenas.

Respecto al elenco, si bien es sencillo, es más que idóneo. Su protagonista es, por supuesto, Ben Stiller (El efecto cero, Zoolander...), quien se sale de sus papeles cómicos habituales para dar vida a un hombre “real”, con cierta intensidad interpretativa a la que no estamos acostumbrados en él. Junto a él, Kristen Wiig (Paul, Casi perfecta), en su línea de dulzura habitual; actores y personajes desconocidos sin los cuales la película no sería lo que es, y personajes puntuales como los de Shirley McLaine (El apartamento, Irma la dulce, El Día de San Valentín...), Kathryn Hahn (Revolutionary Road, Sácame del paraíso), Adam Scott (A.C.O.D., El aviador), o un brevísimo pero gran Sean Penn (Mistyc River, 21 Grams...).

Musicalmente tampoco decepciona, con una interesante y ecléctica compilación de temas que, junto con la música incidental creada para el film, dan a la trama el dinamismo y emotividad que en cada momento precisa; trabajo de Theodore Shapiro (Tropic Thunder, Hope Springs, Un gran año).

Una producción hermosa, trepidante, emotiva, cuyo efecto se queda dentro de uno sin saber exactamente por qué. Una película que no se olvida, y aún así se quiere volver a ver.