La Generalitat, a través de la Conselleria de Educación, Cultura y Universidades, promueve el mecenazgo cultural, científico y deportivo no profesional, a través de una nueva convocatoria de captación de proyectos con el objetivo de movilizar una mayor participación de empresas, entidades y ciudadanía en proyectos que generen valor para la Comunitat Valenciana.

Esta nueva etapa coincide con la renovación del Consell Assessor del Mecenatge (CASMEC) y con las recientes modificaciones normativas dirigidas a simplificar procedimientos, reducir cargas administrativas y ofrecer mayor seguridad jurídica a las entidades y personas promotoras de proyectos.

El plazo de presentación de solicitudes relacionadas con la declaración y comunicación de proyectos de interés social en los ámbitos cultural, científico y deportivo no profesional permanecerá abierto del 1 al 30 de septiembre.

Durante este periodo, la Conselleria realizará una acción específica de información y captación dirigida a entidades culturales, fundaciones y asociaciones, universidades y centros de investigación, administraciones públicas, profesionales y empresas culturales y entidades deportivas, con la finalidad de identificar iniciativas susceptibles de incorporarse al sistema valenciano de mecenazgo.

En esta nueva convocatoria de mecenazgo podrán participar, en los términos establecidos por la normativa, entidades sin ánimo de lucro, administraciones públicas valencianas, universidades y centros públicos de investigación, museos y archivos, así como determinadas empresas y profesionales de los ámbitos cultural, científico y deportivo no profesional.

De la norma a los proyectos

La normativa valenciana permite que personas y empresas realicen aportaciones altruistas a proyectos culturales, científicos y deportivos no profesionales. También contempla fórmulas como el micromecenazgo y la cesión temporal de bienes, y establece incentivos fiscales autonómicos en el IRPF para determinadas aportaciones realizadas por personas físicas.

La declaración de interés social constituye uno de los principales instrumentos del sistema, al permitir identificar aquellos proyectos que cumplen los requisitos establecidos legalmente y que pueden beneficiarse de las posibilidades asociadas al mecenazgo.

En este sentido, la Generalitat busca visibilizar el mecenazgo, facilitar su conocimiento y conectar progresivamente los proyectos con las personas, empresas y entidades dispuestas a contribuir a su desarrollo.

El mecenazgo como línea de actuación

Esta actuación constituye, además, el inicio de un proceso más amplio para reactivar la cultura del mecenazgo en la Comunitat Valenciana y fortalecer la colaboración entre Administración, sociedad civil y tejido empresarial.

La Generalitat trabajará durante los próximos meses en nuevas actuaciones de divulgación y promoción dirigidas especialmente al ámbito empresarial y a la ciudadanía. El objetivo es avanzar hacia una concepción del mecenazgo basada no solo en la aportación económica, sino también en la participación, el impacto y el legado.

Los tres últimos conciertos de 2026 de Serialparc —o los tres primeros del nuevo curso, según se mire— ya tienen fecha, lugar y cartel. En total serán siete grupos —cuatro de ellos, de la terrerta— que, a partir del domingo 18 de octubre y hasta el 20 de diciembre, defenderán sus propuestas en los parques de Orriols, Malilla y Central. Como siempre, la música empezará a sonar a partir de las 12 h y, al terminar, un DJ amenizará el tardeo de los que se hayan quedado con ganas de más.

La primera cita será el 18 de octubre, en el parque de Orriols, con Maestro Espada como cabeza de cartel, que se subirá al escenario tras las descargas de dos bandas valencianas: Animal Persona y L’Últim Europeu.

Los hermanos Víctor y Álex Hernández (Maestro Espada) han conseguido hacerse un hueco en el panorama nacional recuperando los cantes de la huerta murciana (malagueñas, parrandas, jotas, trillas…) y darles nueva vida mezclando sintetizadores y castañuelas, teclados y panderetas, guitarros y laúdes. Las reminiscencias de los Hermanos Cubero o Anabel Santiago son inevitables.

La siguiente jornada tendrá lugar en el parque de Malilla y contará con la presencia de Perro y los pegolinos Romàntic Dimoni, capitaneados por Carles Caselles, que vendrá a defender su último trabajo (Primer moviment). Por su parte, los murcianos Perro han demostrado que su regreso en 2024, tras un parón de varios años, tenía sentido. ¿Te acuerdas?, disco que salió ese año, evidenció que su fórmula de rock, punk y sabores tropicales seguía plenamente vigente.

El 20 de diciembre, en el parque Central se celebrará la tercera y última entrega de esta edición. Seventh Hell, la formación de metal y hard Rock que encabeza la vocalista Lory RoxX, ejercerán de teloneros de Ángel Stanich. El autodenominado cantautor lisérgico y enemigo de promoción y entrevistas, y que este mismo año ha publicado Por la hierba (su quinto LP), defenderá un repertorio con claras influencias de Dylan, Neil Young, Josele Santiago o Fernando Alfaro.

Cinco años de directos

Serialparc nació en 2021 de la mano de la agencia Districte con una idea poco habitual: convertir los parques y jardines de València en espacios culturales vivos. Además, introdujo en València una nueva forma de consumir música en directo: los domingos por la mañana, en una propuesta pensada para toda la familia (menores de edad no pagan).

El ciclo permite descubrir artistas y, al mismo tiempo, redescubrir barrios y espacios de València, con música al aire libre y puntos de encuentro entre públicos y generaciones diversas. Así, cuentan con un público muy ecléctico, de distintas generaciones, que suele ser fiel a sus propuestas, independientemente del cartel o de lugar en qué se celebre: Benicalap, Malilla, Orriols, Cabecera, Parc de l’Oest y Parc Central.

Després d’un temps dedicat a diverses propostes teatrals, escèniques i musicals, l’escriptora Irene Klein, que també és pianista i guionista, torna a la narrativa amb una història teixida entre dones en un escenari i una terra bellíssim, la Marina Alta, però que ha perdut, en gran mesura, la seua ànima i manera de ser, i mostra avui, segons com, un rostre lleig i sense pietat davant dels qui l’han habitada de sempre i no se’n volen marxar.

Irene Klein (València,1991) —autora del recull de contes Les absències (Edicions Bromera, 2024)— uns contes sobre els buits emocionals i físics que marquen per a sempre i ocupen un espai vital, s’enfronta ara a un tema que té precedents en la nostra literatura, però que ella entoma en una època més actual i amb una veu diferent, suau i ferma alhora.

En l’imaginari literari valencià compartit hi ha dos escriptors que han dut a la ficció la destrossa social, cultural i paisatgística de la comarca de la Marina: parle de Rafael Chirbes i Josep Colomer. Les històries de tots dos ens han deixat un testimoni del que anà passant per aquests pobles a partir dels anys seixanta. En ple segle XXI, quan aquest procés ha tocat el cim, quan ja és més que tard per a moltes coses i una volta enrere és gairebé inimaginable, Irene Klein —amb Altea com a escenari en aquesta ocasió— recupera el drama de l’espoli en una història tocada de crueltat, però també de tendresa i comprensió, on les veus de dones d’edats i inquietuds diferents conflueixen en unes dificultats compartides.

Teixida a través de quatre veus femenines, Matèria d’Altea és, sobretot, una història capaç de (re)crear una atmosfera potent i creïble, on els diàlegs hi compten molt i on les dificultats s’hi sumen, sense dramatismes, però sense treva. Joana, sa mare Neus, l’àvia Avel·lina —qui morirà durant la història i a partir de la seua mort tot prendrà un gir clau—, Manuela, l’amiga de l’àvia, Arantxa, la companya de feina de Joana i la jove allotjada al càmping on treballa Joana i que grava un documental sobre Carmelina Sánchez-Cutillas i l’Altea d’avui, tenen totes alguna cosa a fer i dir davant d’una Altea que s’ha rendit al negoci immobiliari i que expulsa la seua gent.

Cadascuna en el seu moment, totes elles entren en acció, amb les seues personalitat i angoixes pròpies, i configuren un univers femení on la força, les dificultats, les inseguretats i les febleses juguen un tira i arronsa constant.

En una mena d’homenatge a l’escriptora tan lligada a Altea i als paisatges que la van veure créixer i que ella convertí en literatura en Matèria de Bretanya, la novel·la de Klein dignifica també les vides de les dones que no es vencen i de la gent que desitja continuar vivint als carrers que els han vist nàixer i créixer, tot i que en ocasions no sempre ho aconsegueixen.

Matèria d’Altea és, doncs, una història personal i alhora una història social i col·lectiva: és el “drama” d’una família, però és el “drama” també d’una societat que, d’alguna manera, ha emmalaltit en una cursa frenètica cap a complaure la gent benestant amb tot el luxe i confort possible, peti qui peti.

Partint de la precarietat com a base, la història mostra les dificultats per a construir una vida agradable. Aquest és l’univers de les Kellys, les cambreres d’hotels que treballen a destall desfent-se l’esquena i la musculatura en temporada alta, i retrobant-se a l’atur quan no hi ha feina.

Hotels, càmpings, restaurants, petits negocis... És el modus vivendi d’una comarca i d’un poble que pren ara la veu en boca de Joana i Neus, veïnes d’Altea, la qual ha vist perdre dècada rere dècada un model de vida força diferent, més rural, vinculat a la pesca, menys ambiciós, però més equilibrat.

El desastre el coneixem, sí, però el desastre té noms i rostres, i encara que siguen inventats —al capdavall, això fa la ficció—, prenen una empenta singular i diferent quan els troben en forma d’història, com ara en Matèria d’Altea.

Jesús Císcar i jo hem vingut a Impresum, la impremta d’on ix l’Agenda Urbana cada mes i on fa vint anys tot va començar. Només entrar-hi percebem l’olor inconfusible de tinta i paper que contradiu les prediccions apocalíptiques sobre la desaparició del paper. Fa una calor que tomba de tos, i després de fer un tomb per la impremta i algunes fotos, conversem en una sala menuda i refrigerada. Parlem amb l’equip d’AU sobre el que fan i per què ho fan.

Se’ls nota en els rostres que estan contents i la satisfacció es transmet en les seues paraules: fa unes setmanes van donar una festa ací mateix per celebrar els seus primers vins anys, quan Daniel Matoses, el propietari d’Impresum, i el dissenyador Willie Kaminski van donar forma inicial al projecte, una idea que, com ells expliquen, seguia les passes de publicacions com Butxaca, l’Agenda Cultural de Barcelona.

Els inicis d’AU

Ara fa dues dècades, Matoses i Kaminski van formar un combo perfecte: un impressor, una periodista, Virgínia, i un dissenyador: “al principi —explica Willie— teníem una petita redacció a Russafa, però a patir de la crisi de 2008 vam haver de començar a treballar des de casa i diria que vam ser pioners en el teletreballar. Era l’època dura de Rita Barberà i moments crítics per a la programació cultural de València, i en aquell context, de sobte, un dia es va presentar Sara amb pantaló curt i xancles, que buscava un lloc on fer pràctiques de periodisme, i després vingué Glòria” [conta Willie entre riures].

“De fet —comenta Sara seguint la broma— vam entrar de pràctiques i ens vam fer les ames” i Glòria afegeix “després de Sara vaig arribar jo i vaig començar a col·laborar-hi i mira que no tenia a penes experiència de treballar amb ordinadors”. I Willie insisteix en què són Sara i Glòria les que “duen avui la brúixola de la cultura a València”.

Vist així, el que en principi semblava una aposta arriscada, esdevingué aviat un bon equip i “l’aventura grossa” —remarca Willie— començà amb elles dues: “fou en aquell moment, gens fàcil encara, entre 2009 i 2010, en què ho professionalitzàrem tot i ens hi dedicàrem al 100 %”.

La filosofia del projecte

Asseguren que allò que defineix la seua línia editorial és la idea que una societat i, sobretot una ciutat, es conta a través de la cultural i darrere de la seua vida i programació cultural: “Volem contar i fer la història d’aquesta ciutat a través d’allò que passa dia a dia a la ciutat, artísticament i culturalment, i que la fa evolucionar”. “De fet —apunten— si compares la societat valenciana que reflecteixen els 40 primer números de la revista amb la que retraten els 40 següents números, veus com la manera diferent de ser i contar-se que té la ciutat sorgeix de forma quasi natural. ”Reflectim el que hi ha, sí, —matisa Sara Mut— però també la nostra visió sobre la cultura. Podríem dir que després de vint anys AU fins s’ha convertit en una mena de document de memòria cultural, un crònica cultural constant“.

Parlem sobre la influència dels diferents moments polítics en la programació cultural de tota ciutat, i en concret, el cas de València: “Les programacions culturals no són apolítiques i canvien amb el signe de qui governa, comenta Sara. A l’hora de programar, el fet de triar uns concerts, exposicions o obres davant d’uns altres és ja posicionar-se. En el nostre cas, els vuit anys de govern d’esquerres, tant a l’Ajuntament com a la Generalitat, han sigut com un oasi que ens ha permès no caure ara aquests darrers tres anys que duem amb el PP i Vox, si bé, tot plegat, hem acusat el canvi polític”. “Igual que ens ha ajudat molt comptar amb una vintena de col·laboradors que, de manera altruista, per simpatia pel projecte i interès per la cultura, hi col·laboren periòdicament”.

De què viuen i com

Els pregunte si els costa molt aconseguir publicitat: “No és fàcil —apunta Gloria, qui s’ocupa de captar i gestionar la publicitat— tenim clients de sempre, molt antics, que ens valoren i nosaltres valorem també molt el paper d’algunes institucions públiques que han confiat en nosaltres. A banda d’això, tractem també d’arribar als comerços petits i hi hem adaptat el preus per a ells, perquè volem donar-hi cabuda al major nombre possible d’anunciants”.

“També varia segons el moment de l’any —matisa Sara— quan més activitat cultural hi ha, més publicitat ens arriba. En maig i octubre sempre tenim una remuntada, i gener i febrer són mesos més complicats. Per sort comptem amb una cartera de clients fixos i ens hem guanyat una credibilitat perquè saben que el dia 1 de cada mes sempre està AU al carrer,”.

Des d’AU intenten donar veu a gran part de les propostes artístiques i creatives de la ciutat: “Valorem molt —insisteix Sara— poder dir que donem visibilitat a espectacles petits i curiositats que tenen importància, però que de vegades no tenen l’antelació suficient per a anunciar-se i sobreviure, però ho intentem. Intentem arribar a elles i cobrir-les, si bé ens marca també molt el fet de ser mensuals. Amb tot, tractem de seguir l’actualitat”. “De vegades quan un esdevenint que considerem important no té pressupost, l’anunciem igualment i després sempre se’n recorden de nosaltres i venen a buscar-nos quan les coses van millor” Una mena d’inversió de futur, els dic. “Exactament”. “Però ens agradaria deixar clar que les ressenyes no són el mateix que la publicitat. Les ressenyes de locals, de llibres, de menjars, les escrivim nosaltres o els nostres col·laboradors. No cobrem pel contingut d’una ressenya, només cobrem pels espais publicitaris”.

Arribar al major nombre de llocs, i en paper

Un dels punts forts d’AU és la distribució: cal deixar-ne exemplars en cada lloc on col·laboren amb ells, per a visibilitzar-los, i arribar al major nombre de barris de la ciutat, així que de manera sistemàtica i professional tenen una llista que els ha ajudat a anar prenent-li el pols a la ciutat. “Molt sovint veus clients i saludes i hem fet un poc de comunitat i notes que la gent espera AU cada principi de mes i que quan hi arriba és una alegria: que bé, que ja esteu ací, us estàvem esperant, ens diuen sovint, ahir just vingueren a buscar-la. I sí, hi ha gent que ens busca cada mes i a la Universitat de La Nau fins criden molts demanant-la [somriuen tots tres satisfets]. ”Tractem d’estar a la Universitat, a les botigues, als bars i restaurants, als teatres i si en algun lloc no hi som és, o perquè no ens hi volen o perquè ens han fet fora“, apunten.

Todos para uno y uno para todos, aquests tres “mosqueters” de la lletra impresa conflueixen quan arriba l’hora de la distribució, Siga a peu, en bicicleta, o en cotxe, segons la zona: “ens importa més que AU estiga a Benimaclet o a la Zaidia que al centre de València”, apunta Willie. “Tractem d’arribar al Cabanyal, a Russafa, a la zona d’El Cedro i Xúquer, al Centre Històric, al Carme i ara estem veien d’arribar a barris com Patraix”, constaten.

Des d’AU han apostat pel retorn al paper. la presència física, i per parlar als valencians: “tenim un codi més en clau local, pensant en la nostra gent, que no un enfocament per als visitants o el turisme, o com a molt, parlaríem d’un turisme més cultural, perquè sabem que AU pot interessar a qui ens visitat i per això la distribuïm també en les oficines de turisme. AU és una mena de brúixola cultural per als valencians”.

Enmig d’aquest brúixola, els demane com perceben ells el batec de la vida cultural a València, “Mal, —diuen tots tres alhora— tot està en precari i el govern actual està retallant molt en cultura, ara és la Mostra de Teatre d’Alcoi, abans esdeveniments tan bons com la Fira Babakamo, o les retallades a la Fira del llibre. Les institucions públiques valencianes —insisteixen— no mostren coneixement ni interès per la cultura i estan apagant focs sobre la marxa, com ha sigut el cas de Cinema Jove. En el sector de l’audiovisual, per exemple, estan molt cremats perquè la Generalita ha donat milions a Disney perquè vinga a gravar a la Ciutat de la Llum i ells a penes si hi sobreviuen. Hi ha tensió i malestar en el món de la cultura i les arts, i si va mal la cultura, nosaltres també anem malament.

El festival Sagunt a Escena, organitzat per la Conselleria d’Educació, Cultura i Universitats a través de l’Institut Valencià de Cultura (IVC), en col·laboració amb la Diputació de València i l’Ajuntament de Sagunt, conclou la programació escènica del Teatre Romà amb un concert de la cantaora de flamenc Estrella Morente.

L’artista granadina interpretarà una selecció de les cançons més representatives de la seua trajectòria, entre les quals destaca el tema principal de la pel·lícula Volver, de Pedro Almodóvar, el pròxim 22 d’agost a les 22:30 hores.

Funcions circenses

Per part seua, la secció ‘Off Romà’ presentarà dos espectacles de circ que combinen l’humor, la imaginació i el joc com a espais de trobada amb el públic.

La companyia valenciana El Cruce, formada per Rubén Río i Nicoletta Battaglia, posarà en escena la funció Kossha el divendres 21 d’agost en la Casa dels Berenguer. L’humor absurd, la música en directe i una depurada tècnica circense reivindicaran els espectacles ambulants de varietats.

El 22 d’agost, la Trócola Circ portarà a la Glorieta Juga, un muntatge que celebra la trobada intergeneracional i reivindica l’espai públic com a lloc de convivència, creativitat i esplai.

Inspirada en l’univers dels joguets i en les formes d’entreteniment anteriors a la dècada de 1990, l’obra convida a recordar i descobrir jocs, tradicions i costums que formen part del patrimoni cultural.

Juga és, a més, una crida a recuperar el carrer com a lloc de socialització per als xiquets i les xiquetes. La Trócola Circ, fundada en 2013, ha obtingut reconeixements per peces com Potted i Ludwigshafen.

La exposición permanente ‘La Colección del IVAM hasta hoy’ reúne más de 500 obras que configuran una lectura historiográfica de las principales corrientes artísticas de los siglos XX y XXI.

La muestra, que ocupa 1.500 metros cuadrados distribuidos en diez salas, incluye algunas piezas de autores fundamentales para entender el arte moderno y contemporáneo. Entre ellas figuran las creaciones de Valentina Kulagina, Marcel Duchamp, Alexander Calder, James Rosenquist y Cindy Sherman.

Constructivismo soviético

La primera sala de la exposición incluye un fotomontaje de la artista Valentina Kulagina. La obra combina fotografías, tipografía, diagonales, repeticiones y diferentes escalas para representar a mujeres trabajadoras en distintos ámbitos profesionales.

La pieza forma parte del conjunto de obras dedicadas al constructivismo soviético conservadas por el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), una de las vanguardias artísticas más importantes del siglo XX que, además, destacó por la presencia de mujeres artistas como Valentina Kulagina, Varvara Stepanova, Olga Rozanova o Natalia Pinus.

Ampliación del concepto de obra de arte

La muestra también incorpora la pieza ‘Disques optiques. Rotorelief’, realizada por Marcel Duchamp en 1935. La obra está formada por seis discos pintados con distintos motivos que, al girar sobre un tocadiscos, generan efectos ópticos basados en la percepción del movimiento.

Un móvil de Alexander Calder

Entre las esculturas presentes en la exposición se encuentra uno de los conocidos móviles de Alexander Calder, que revolucionaron la concepción tradicional de la escultura al introducir el movimiento real, el azar y el tiempo como elementos esenciales de la obra.

El IVAM cuenta con una de sus icónicas estructuras suspendidas, activadas por las corrientes de aire, que generan composiciones siempre cambiantes en las que el espacio y el entorno participan activamente.

El lenguaje del Pop Art

La obra ‘Blue Spark’, de James Rosenquist, representa una de las líneas fundamentales del Pop Art estadounidense. El artista desarrolló un lenguaje visual influido por su experiencia profesional como pintor de grandes soportes publicitarios.

A través de imágenes ampliadas, fragmentadas y descontextualizadas, Rosenquist trasladó a la creación artística recursos procedentes de la publicidad y la cultura visual contemporánea.

La construcción de la identidad

En el ámbito de la fotografía, la muestra alberga ‘Untitled, Film Still nº 6, Girl in black bra; white panties’, una de las series más conocidas de Cindy Sherman.

En estas fotografías, la artista utiliza su propio cuerpo para interpretar personajes inspirados en el lenguaje cinematográfico. Las obras plantean cuestiones relacionadas con la identidad, los estereotipos y la representación de las mujeres en la cultura visual contemporánea.

La pieza forma parte de los fondos fotográficos del centro valenciano, una colección pionera, ya que el IVAM fue uno de los primeros museos españoles en construir un fondo fotográfico de relevancia internacional.

El Palau de les Arts Reina Sofía estrenará cuatro nuevas producciones de ópera durante la temporada 2026-2027 con los montajes de ‘Carmen’, ‘Lohengrin’, ‘La clemenza di Tito’ y ‘Simon Boccanegra’, que se incorporarán a la programación de la Sala Principal.

Las nuevas producciones estarán dirigidas por cuatro de los ‘registas’ más reconocidos de la escena internacional: el estadounidense Ted Huffman y el sevillano Rafael R. Villalobos, dos de los valores con mayor proyección en la actualidad; y el italiano Damiano Michieletto y el barcelonés Àlex Ollé, artistas de referencia en los principales teatros del mundo.

El curso operístico de Les Arts se inaugurará el 2 de octubre con ‘Carmen’, de Georges Bizet, realizada en coproducción con el Grand Théâtre de Genève y dirigida escénicamente por Ted Huffman.

El director estadounidense regresa al teatro valenciano tras sus trabajos en ‘Les mamelles de Tirésias’, ‘Trouble in Tahiti’ y ‘L’incoronazione di Poppea’, producción supuso la primera nominación de Les Arts a un International Opera Award en la categoría de mejor producción.

Reconocido por la atención al trabajo actoral, el cuidado del detalle escénico y la fidelidad al texto y la partitura, Huffman compagina su actividad artística con la dirección del Festival de Aix-en-Provence, una de las citas de referencia de la lírica internacional.

Regreso de Wagner a la producción propia

El 10 de diciembre, Damiano Michiletto presenta ‘Lohengrin’, la primera nueva producción wagneriana de Les Arts desde 2009. El montaje se realiza en coproducción con el Teatro dell’Opera di Roma y La Fenice de Venecia.

El ‘regista’ veneciano es uno de los creadores más apreciado por el público valenciano desde su debut en Les Arts con ‘La scala di seta’, de Rossini. Desde entonces ha firmado títulos como ‘L’italiana in Algeri’, ‘L’elisir d’amore‘, ‘Il barbiere di Siviglia’, ‘La damnation de Faust’, ‘Il viaggio a Reims’, ‘Don Giovanni’ y ‘Salome’.

El creador italiano es conocido por la fuerza visual de sus propuestas y por sus lecturas contemporáneas de los grandes títulos del repertorio. En ‘Lohengrin’, plantea una lectura de fuerte carga simbólica e impactante concepción escénica, que sitúa el conflicto psicológico de los personajes por encima del componente legendario.

Rafael R. Villalobos y Àlex Ollé

La nueva producción de ‘La clemenza di Tito’, de Mozart, llegará el 21 de enero de 2027 en coproducción con el Teatro de la Maestranza de Sevilla y con la dirección escénica de Rafael R. Villalobos.

Será el segundo trabajo del director sevillano para Les Arts tras ‘Un ballo in maschera’, la coproducción internacional realizada junto a la Staatsoper Unter den Linden de Berlín. En esta ocasión, Villalobos traslada la acción a los estudios cinematográficos de Cinecittà en la década de 1940. Allí, los enfrentamientos entre estrellas y productores funcionan como metáfora de la manipulación del cine y del imaginario clásico subordinados a un discurso de grandeza imperial.

Por su parte. Àlex Ollé estrenará en febrero de 2027 su primer trabajo propio para Les Arts: ‘Simon Boccanegra’. El artista catalán, que ya había presentado en el edificio de Calatrava sus visiones de ‘Tristan und Isolde’, ‘Il trovatore’ y ‘Turandot, se adentra ahora en los conflictos y dilemas del ‘Dogo’ genovés en una de las obras más veneradas de Verdi.

Plazas operísticas de la talla de Londres, París, Milán o Berlín, se han rendido al lenguaje estético de Ollé, que combina la espectacularidad visual, en la que tecnología y arquitectura humana se ponen a disposición del drama, con una visión contemporánea que le permite trasponer acciones y tramas a espacios y periodos más reconocibles para el espectador.

Para Ollé, ‘Simon Boccanegra’ es un espejo roto del presente: sociedades fracturadas, poder agotado e instituciones incapaces de reconciliarse. Su escenografía funciona como una Torre de Babel deliberada, donde el vestuario cruza el siglo XIV con la situación política actual.

Las entradas para la temporada 2026-2027 se pueden adquirir a través de los diferentes canales de venta del teatro: taquillas, la línea telefónica 96 197 59 00 y la página web de Les Arts.

El festival Sagunt a Escena, organitzat per la Conselleria d’Educació, Cultura i Universitats a través de l’Institut Valencià de Cultura (IVC), en col·laboració amb la Diputació de València i l’Ajuntament de Sagunt, presenta l’espectacle ‘Terra de guapes’, amb el qual Sandra Monfort ret homenatge a la tradició musical valenciana.

La proposta planteja una aproximació lliure i actual al folklore valencià i traça un recorregut simbòlic per cançons populars dividit en quatre actes. La funció incorpora referències a les malaguenyes, els cants de batre, la dansa de La Moma, la Muixeranga d’Algemesí, el ball del vetlatori i el Misteri d’Elx.

Música, ‘performance’ i dansa en directe s’integren en escena per a explorar les manifestacions culturals que formen part de la tradició valenciana. Cantant, instrumentista i creadora multidisciplinària, Sandra Monfort s’ha nodrit dels arxius de la Fonoteca de materials de la Generalitat per a recuperar gravacions i repertoris tradicionals que dialoguen amb llenguatges contemporanis.

Després dels efectes de la dana, l’artista de Pedreguer va voler demostrar l’amor per les seues arrels. ‘Terra de guapes’ reunix cançons, balls, sons i ressons de les tradicions procedents de diferents punts de la geografia valenciana reinterpretats des de l’univers creatiu de l’autora.

La funció tindrà lloc el 15 d’agost, a les 22:30 hores, en el Teatre Romà de la localitat.

Un nàufrag a la deriva

D’altra banda, la programació de la secció ‘Off Romà’ inclou, també el dia 15 a les 20:00 hores, la representació de ‘Rob’, l’última creació de Teatre de l’Abast, en el Centre Cívic del Port de Sagunt.

Fundada en 2016 per Lucía Aibar, Victoria Mínguez i Ramón Ródenas, la companyia desenrotlla un llenguatge propi basat en la investigació del teatre físic en diàleg amb altres disciplines escèniques.

En l’obra, el gest i la manipulació de titelles s’unixen per a narrar la història d’un nàufrag que troba en la imaginació el seu propi bot salvavides.

L’equip artístic compta amb la participació de José Puchades (Putxa), integrant de Zero en Conducta, una de les companyies de referència del teatre d’objectes a escala nacional, que firma la coreografia junt amb Julieta Gascón.

‘Rob’ va rebre en 2025 el Premi Menkes al millor espectacle de dansa-teatre. A més, el seu protagonista, Ramon Ródenas, va obtindre el Premi de l’Associació d’Actors i Actrius del País Valencià (AAPV) a la millor interpretació masculina en 2020, i va ser candidat a millor actor en la XXIII edició dels Premis Max.

Es tracta d’una proposta per a tots els públics d’accés lliure inclosa en la programació ‘Off’ del festival, integrada totalment per companyies valencianes.

Hay obras que envejecen y otras que maduran. Hay textos que, cuatro siglos después de haber sido escritos, parecen estar esperando que alguien vuelva a abrirlos para descubrir que siguen hablando de nosotros. La dama boba, la comedia que Lope de Vega escribió en 1613, es uno de ellos. Esta versión dirigida por Josep Maria Mestres, no intenta recuperar el clásico como si de una pieza de museo se tratara, sino que aspira a demostrar que, bajo sus versos, sus enredos amorosos y sus personajes de comedia hay todavía una historia sorprendentemente contemporánea sobre el dinero, el deseo, las apariencias, los roles sociales y, sobre todo, sobre quién tiene derecho a etiquetarnos. Esta versión del clásico, adaptada por Xus de la Cruz, llega este jueves al Teatre Romà dentro de la programación de las 43 edición de Sagunt a Escena. Un montaje que se estrenó en fecha tan reciente como el pasado 28 de mayo en Madrid.

El punto de partida de La dama boba son Finea (Carolina Rubio) y Nise (Silvana Navas), dos hermanas muy diferentes. Nise es culta, ingeniosa y aficionada a la poesía; Finea, en cambio, siempre ha sido considerada la «boba» de la familia, aunque tiene algo más importante que la inteligencia: una enorme dote. Su padre, Otavio (Joaquín Notario), ha concertado su matrimonio con Liseo (Pablo Béjar), mientras que Laurencio (Carles Serrano), enamorado de Nise, empieza a interesarse por Finea cuando descubre que casarse con ella puede solucionar su situación económica. El amor y el dinero, una vez más, echándose los trastos.

Y ahí está una de las grandes virtudes de la versión de Xus de la Cruz: no pretende disimular que detrás de buena parte de los sentimientos de los personajes hay intereses muy concretos. Los hombres cortejan, se arrepienten, cambian de objetivo y vuelven a cambiarlo. Las mujeres, mientras, intentan abrirse camino en un sistema en el que buena parte de sus decisiones dependen de los que las rodean.

Pero Finea no se limita a cambiar de pretendiente. Cambia ella misma. Ese es el verdadero corazón de la obra. Laurencio comienza a cortejarla por interés y, a través de sus palabras, consigue despertar en ella algo que estaba dormido: la capacidad de pensar, de expresarse y de comprender el mundo que la rodea. El amor funciona así como una especie de educación sentimental e intelectual. La muchacha a la que todos consideran tonta empieza a descubrir que quizá el problema nunca estuvo en su inteligencia, sino en la mirada de quienes la juzgaban.

Un elenco de lujo

Y aquí aparece el trabajo de Xus de la Cruz, responsable de la versión. Formada en Dramaturgia y Dirección de Escena en la RESAD y con un máster en Estudios Feministas y de Género, ha sabido conjugar ambos ámbitos en montajes como Carta de ajuste, en el que abordaba la presión social y los modelos familiares que perpetúan los roles patriarcales.

Al frente del montaje está Josep Maria Mestres, director de larga trayectoria que en junio de 2026 fue elegido nuevo director artístico del Teatre Nacional de Catalunya. No es un recién llegado al teatro, precisamente: ha dirigido más de sesenta espectáculos. Su trayectoria incluye títulos tan diversos como Kràmpack, Dakota, La senyoreta Júlia, Los Gondra, L’herència, El padre o La cortesía de España.

Por lo que respecta al elenco, destaca la presencia de actores jóvenes, pero de solida trayectoria, que muchos reconocerán de haberlos visto en televisión. No en vano, los principales papeles participaron en series El secreto de puente viejo (Rubio, Navas o Serrano) o Las chicas del cable (Pablo Béjar, Víctor de la Fuent), lo que no significa que no cuenten también con una dilatada y reconocida trayectoria teatral.

La crítica ha destacado de esta versión de La dama boba que funciona mejor cuando deja hablar a Lope y confía en sus actores. El verso sigue teniendo una extraordinaria capacidad para producir humor, deseo y conflicto sin necesidad de demasiados adornos. En definitiva, no trata a Lope como un autor al que haya que actualizar porque esté muerto, sino como un dramaturgo que todavía tiene cosas que decir. La confortable ignorancia, los roles impuestos, la conveniencia económica disfrazada de amor y la posibilidad de que una persona cambie cuando alguien deja de verla como los demás la han definido siguen siendo asuntos perfectamente reconocibles.

Cuatro siglos después, Finea sigue teniendo que demostrar que no es tonta. La diferencia es que ahora el público puede preguntarse algo todavía más interesante: ¿quién decidió que lo era?

El Palau de les Arts Reina Sofía consolida los ‘Viernes de Danza’ en su temporada 2026-2027 con una oferta que atiende a la diversidad y riqueza de esta disciplina artística. El ciclo incluye propuestas que abarcan desde la recuperación de piezas históricas de la danza española hasta el gran repertorio clásico, pasando por la vanguardia flamenca, el hip-hop, el jazz y la creación contemporánea.

Les Ballets Espagnols de ‘La Argentina’ abrirá la programación de danza en Les Arts con dos sesiones, los días 23 y 24 de octubre, en la Sala Principal. Tras agotar las localidades en anteriores ediciones, la Compañía Antonio Najarro regresa con un nuevo homenaje a Antonia Mercé, ‘La Argentina’, figura pionera en la renovación, proyección y consolidación escénica de la danza española.

Najarro pone en escena dos títulos estrenados por la artista en París, ‘Juerga’, de Julián Bautista, y ‘Triana’, de Isaac Albéniz, a los que se unen varias piezas coreográficas de su repertorio, a partir de los figurines y decorados originales conservados de la época.

El espectáculo, que contará con la participación de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, consiste en una producción de Les Arts junto con la Fundación Juan March, el Teatro de la Maestranza de Sevilla, el Auditorio de Tenerife y el Festival de Granada, con la colaboración del Ballet Nacional de España.

Flamenco e influencias contemporáneas

El 4 de diciembre, el Teatre Martín i Soler acogerá ‘La Leona’, de Olga Pericet, Premio Nacional de Danza 2018. La coreógrafa y bailaora cordobesa se sumerge en los orígenes del cuerpo flamenco a través de un diálogo libre entre lo animal y lo instrumental, tomando como punto de partida la guitarra de Antonio de Torres conocida como ‘La Leona’, considerada el primer prototipo de guitarra española.

Acompañada por cinco músicos, Pericet propone un recorrido por la esencia del flamenco en el que alternan la rondeña, la bambera, la rumba, el fandango o la farruca. Estrenada en la Bienal de Sevilla de 2022, la pieza ha sido presentada posteriormente en ciudades como París y Londres y ofrece una aproximación femenina y ancestral al baile flamenco.

El 12 de febrero de 2027, este mismo escenario albergará ‘Le murmure des songes’, de Kader Attou y su Compagnie Accrorap. Referente internacional de la danza hip-hop, el coreógrafo invita al público a adentrarse en el universo de su infancia.

En escena, Attou presenta cuatro intérpretes que conducen al espectador por un recorrido poblado de criaturas imposibles a través de una coreografía que funde el ‘breakdance’, la danza contemporánea y momentos de delicadeza circense, entrelazados por la fuerza de la música, la ilustración y el videoarte.

‘Estela’, la nueva producción de Les Arts

En su apoyo a la creación valenciana, Les Arts encomienda a la emergente Alba Castillo su nueva producción de danza de la temporada: ‘Estela’. Su paso por la Compañía Nacional de Danza con Nacho Duato y el Ballett Theater Basel han forjado los inicios de la creadora, que cuenta con numerosas colaboraciones con compañías como el Scapino Ballet de Rotterdam, el Philadelphia Ballet o la Opéra National du Rhin.

Las coreografías de Castillo combinan dinámicas de grupo complejas con una fuerte impronta individual y movimientos que desprenden una energía arrolladora. ‘Estela’, producida por Les Arts en colaboración con Dansa València, se representará en el Teatre Martín i Soler los días 16 y 17 de abril.

Regresos de Marcos Morau y Antonio Ruz

La Sala Principal acogerá los días 7 y 8 de mayo de 2027 el regreso de La Veronal de Marcos Morau, que desde su debut en 2021 se ha convertido en una de las compañías imprescindibles en la programación de Les Arts. En esta ocasión, el coreógrafo valenciano y Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes presenta su más reciente trabajo, ‘La mort i la primavera’, cuyo estreno en la Bienal de Venecia causó sensación de público y crítica.

Inspirada en la novela póstuma de Mercè Rodoreda, la pieza, con música original en directo de Maria Arnal, construye una alegoría sobre el ciclo de creación y destrucción, la libertad creativa y la resistencia.

Tras la acogida de ‘La noche de San Juan’ la pasada temporada, la compañía del coreógrafo cordobés y Premio Nacional de Danza Antonio Ruz presentará ‘Norma’ el 28 de mayo, en el Teatre Martín i Soler.

La obra plantea una reflexión sobre el cuerpo como territorio simbólico a través de un ritual escénico que contrapone lo normativo y lo diferente, lo cotidiano y lo extraño. Una pieza de danza contemporánea que indaga en los mecanismos de inclusión y exclusión a partir del cuerpo y el movimiento.

‘El lago de los cines’ como punto final

Les Arts cierra su programación con ‘El lago de los cisnes’, símbolo atemporal de la danza, cuya combinación de virtuosismo técnico, profundidad dramática y música de Chaikovski lo han convertido en una de las obras más apreciadas de la cultura occidental.

La Sala Principal acogerá cuatro representaciones del balé, del 24 al 27 de junio de 2027, en la versión del Aalto Ballett de Essen con coreografía de Ben Van Cauwenbergh y el acompañamiento musical de la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

Las entradas para la programación de danza 2026-2027 pueden adquirirse a través de los diferentes canales de venta del teatro: taquillas, la línea telefónica 96 197 59 00 y la web de Les Arts. Asimismo, para los aficionados al género, Les Arts comercializa un abono exclusivo que reúne todos los espectáculos del ciclo.

Lo que comenzó como un encuentro casual se ha convertido en una de las obra más singulares -y exitosas- que se han subido a un escenario en mucho tiempo. Todo empezó cuando el joven Juan Cruz se cruzó con la dramaturga Chela de Ferrari y le confesó que su sueño era convertirse en actor. El encuentro tuvo lugar en el teatro donde Juan era acomodador y su problema para subirse a las tablas no era su falta de experiencia o su juventud, sino que tenía síndrome de Down. Hoy es la estrella de la compañía Teatro La Plaza y protagonista de Hamlet, una versión recontralibre, una versión del clásico de Shakespeare.

Poca broma. La obra que llega este martes al Teatro Romano de Sagunto (22:30 h), dentro de la 43ª edición de Sagunt a Escena, se ha representado incluso en el Barbican Centre, sede de la Royal Shakespeare Company. The Telegraph y The Stage le dieron cinco estrellas sobre cinco; The Guardian ‘solo’ cuatro. En Pekín, Nueva York, Bruselas, Madrid, Berlín, Sao Paulo, París o Hong Kong, donde también se ha representado, la recepción de la crítica fue muy similar. Hasta al Festival de Teatro de Edimburgo han llevado su propuesta y han puesto en pie al público.

La obra ha conseguido incluso superar la prueba más difícil: tras más de un año de preparación, y poco después del estreno en Lima, la Covid-19 obligó a suspender la incipiente gira que iban a emprender. Para sorpresa de nadie, tras la pandemia, las ofertas no solo seguían en pie, sino que iban sumando nuevas invitaciones. Desde entonces, no ha parado de girar y los 8 actores (y otros tantos miembros de la compañía) se han convertido en una verdadera familia, hasta el punto de que dos de sus actores han contraído matrimonio. El fenómeno de Hamet, una versión recontralibre va a más y La Plaza ya ha recibido propuestas para una segunda producción.

La propuesta escénica parte del célebre ‘ser o no ser’ de Shakespeare para reflexionar sobre la vida de las personas con síndrome de Down en nuestra sociedad. El montaje reúne a siete intérpretes con síndrome de Down y a una actriz con discapacidad intelectual. Así, el original dialoga con la propia vida y experiencia de los actores y actrices para montar una obra que se pregunta por el valor y sentido que se les da a estas personas en un mundo donde la eficiencia, la capacidad de producción y los modelos inalcanzables de consumo y belleza funcionan como paradigmas.

Actividad de mediación en torno a ‘Hamlet’

El Institut Valencià de Cultura complementa la programación artística de Sagunt a Escena con iniciativas de mediación cultural dirigidas a favorecer la participación de distintos colectivos y lograr que la oferta teatral sea inclusiva y accesible.

Por ello, conectada con la representación de Hamlet, el certamen ha organizado una actividad de mediación para ampliar su vinculación con colectivos locales diversos. En este sentido, ha ofrecido los días 1, 5 y 10 de agosto el taller Un lugar para danzar, a cargo de los coreógrafos y bailarines Ana Lola Cosín Torada y Lucas García.

En el taller han participado los socios de InsProject, asociación saguntina que trabaja con personas con discapacidad. Un total de 14 participantes ha podido practicar el movimiento a través de técnicas y herramientas accesibles en la Casa de Cultura de Puerto de Sagunto.

El festival Sagunt a Escena, organizado por la Conselleria de Educación, Cultura y Universidades a través del Institut Valencià de Cultura (IVC), en colaboración con la Diputación de Valencia y el Ayuntamiento de Sagunto, acoge el martes 11 de agosto la representación de ‘Hamlet, una versión recontralibre’, de la compañía Teatro La Plaza, dirigida por Chela de Ferrari.

La propuesta parte del célebre ‘ser o no ser’ de Shakespeare para reflexionar sobre la vida de las personas con síndrome de Down en nuestra sociedad. La función llega al Teatro Romano de Sagunto gracias a la colaboración del área de teatros de la Diputación de Valencia.

El montaje reúne a siete intérpretes con síndrome de Down y a una actriz con discapacidad intelectual. De este modo, el original dialoga con la propia vida y experiencia de los actores y actrices para montar una obra que se pregunta por el valor y sentido que se les da a estas personas en un mundo donde la eficiencia, la capacidad de producción y los modelos inalcanzables de consumo y belleza funcionan como paradigmas.

Desde su estreno en 2019, ‘Hamlet’ ha conseguido girar por teatros de todo el mundo, así como reconocimientos como el premio del público de la Mostra Internacional de Teatro de Ribadavia en 2022.

Teatro La Plaza abrió sus puertas en 2002 como espacio de creación para investigar e interpretar la realidad y construir un punto de vista crítico en diálogo con la comunidad.

Actividad de mediación en torno a ‘Hamlet’

El Institut Valencià de Cultura complementa la programación artística de Sagunt a Escena con iniciativas de mediación cultural dirigidas a favorecer la participación de distintos colectivos y lograr que la oferta teatral sea inclusiva y accesible.

Por ello, conectada con la representación de ‘Hamlet’, el certamen ha organizado una actividad de mediación para ampliar su vinculación con colectivos locales diversos. En este sentido, ha ofrecido los días 1, 5 y 10 de agosto el taller ‘Un lugar para danzar’, a cargo de los coreógrafos y bailarines Ana Lola Cosín Torada y Lucas García.

En el taller han participado los socios de InsProject, asociación saguntina que trabaja con personas con discapacidad. Un total de 14 participantes ha podido practicar el movimiento a través de técnicas y herramientas accesibles en la Casa de Cultura de Puerto de Sagunto.

La actividad concluirá el 11 de agosto con la asistencia del grupo a la representación de ‘Hamlet’ en el Teatro Romano.

Sin duda, una hermosa historia de amor. De amor al cine, sí, pero no por eso menos hermosa o amorosa. El encuentro, océano Atlántico mediante, entre un mítico director de cine independiente de los 90 y un aficionado que solo quería volver a ver en pantalla grande una película que descubrió en la XIV Mostra de València, hace ahora 32 años. Los protagonistas son el norteamericano Steven Starr y el cinéfilo valenciano Dani Gascó, programador del ciclo Embriagados de Humor, que comenzará el próximo 31 de julio en el CCCC e incluye 27 comedias de todo el continente americano. Ambos mantendrán ese día una charla a propósito de la película Joey Breaker, que inaugurará el ciclo.

Gascó descubrió la película siendo un joven aficionado, y la guardó en un lugar muy especial de su memoria. Y allí permaneció hasta la madrugada del 8 de julio de 2016. Demasiado calor para dormir, así que, tras horas viendo teletecho, le viene a la cabeza Joey Breaker (1993) y se dedica a rebuscar entres sus fichas. Así descubre que uno de los protagonistas es Richard Edson (exbatería de Sonic Youth y uno de los protagonistas de Extraños en el paraíso, la película que lanzó a Jim Jarmusch), y el reparto incluye a Gina Gherson (la diva de Showgirls) y, nada menos, que a un jovencísimo Philip Seymour Hoffman.

No es amor, lo que Gascó siente se llama obsesión. El siguiente paso es intentar conectar con Steven Starr, no en Tinder (que entonces ni existía) sino en Facebook. “Vi Joey Breaker hace muchos años. Recuerdo una trama muy humana, unos personajes auténticos y unos escenarios que me resultaron atractivos. Tuve la sensación de que el autor sabía muy bien de lo que hablaba, que había mucho conocimiento y cariño en todo lo que vi en aquella película”, le escribe. La respuesta no tardó ni cinco minutos en llegar: “Muchas gracias, Daniel. La película no se está proyectando en estos momentos. Si eso ocurriera, te aviso. ¡Qué buena memoria tienes!”. No es difícil imaginarse la cara de sorpresa del realizador al ver que alguien, del otro lado del charco, se interesaba por la única película que dirigió.

En 2019 Dani Gascó empieza a organizar ciclos de comedia en el CCCC, primero con el título de ¿De qué nos reímos en Europa? Y luego, desde 2023, como Embriagados de humor (América y la comedia). Es el momento de ir más allá en la relación y le propone a Starr proyectar la película en el claustro del Centre del Carmen. El problema: la única copia disponible es de pésima calidad, “un telecinado infecto que hizo para comercializarla en VHS y nunca osaría mostrarlo en público”, explica Gascó a ElDiario.es. Pero hay esperanza: El negativo está en la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. “Llevo años pensando en hacer la transferencia. ¡Qué oportuno por tu parte!”, dice el director.

Durante ese proceso de seducción, Dani descubre muchas cosas sobre Steven Starr. Como Joey Breaker, Steven trabajó en una agencia de talentos, y posteriormente dirigió el Departamento de Cine de Nueva York. Entre sus clientes se encontraban cineastas como Ang Lee y artistas como Andy Warhol, Ziggy Marley o Tim Robbins. Años atrás, 1977, teniendo solo 20 años consigue que Bob Marley visite la universidad donde estudia, Wisconsin-Madison. “Viví, básicamente, una experiencia muy luminosa durante una conversación que mantuvimos a solas, lo que me ha permitido pasar los últimos 45 años en contacto con su familia. Bob activó mi interés por la justicia social”, explica. Más adelante, Steven dará el papel de camarera y estudiante de enfermería jamaicana que enamora a Joey Breaker a una de sus hijas, Cedella Marley.

Joey Breaker se lanzó con el siguiente eslogan: “Hay cosas más importantes en la vida que hacer un trato”. Pero finalmente esta es la historia de un trato. Hacer un doble subtitulado, en inglés y castellano, mientras se prepara una copia digital. Lo primero lo realizó Dani en colaboración estrecha con el cineasta; luego Steven le enviaba el siguiente fotograma restaurado. Así, Joey Breaker volverá a la vida el viernes, 31 de julio, en el CCCC. Y maravillosa sorpresa, el propio cineasta viajará desde Los Ángeles (pagándose él tanto el viaje como la estancia) para inaugurar por todo lo alto el tercer ciclo de Embriagados de humor (América y la comedia) y mantener una conversación con Dani a las 21:30h en el claustro gótico, media hora antes de su proyección.

Embriagados de Humor

Joey Breaker será la primera de las 27 películas que se proyectarán en el ciclo Embriagados de Humor, y que se prolongará del 31 de julio al domingo 30 de agosto, fecha para la que se ha programado la cinta colombiana Un poeta, de Simón Mesa. Entre una y otra, la selección de Dani Gascó propone un viaje en el que la mayoría de títulos son norteamericanos, pero con parada y fonda en Canadá, México, Perú, Colombia, Brasil, Chile o Argentina. Las proyecciones comenzarán a las 22 h y la entrada es libre y gratuita hasta completar el aforo.

De las producciones made in USA destaca prácticamente toda la lista, con clásicos como El hombre mosca (1923), de Harold Lloyd; El pelele no tiene suerte (1941), con W.C Fields; o Mr. Belvedere estudiante (1949). Tampoco hay que olvidar otras más recientes como Las cosas cambian (1988), dirigida por David Mamet; Dim sum: a little bit of heart (1985), de Wayne Wang; la versión de Frank Oz de La pequeña tienda de los horrores (1986); Juegos de amor en la universidad (1985), de Rob Reiner y con un jovencísimo John Cusak; El cielo, proximamente... (1991) del maestro Albert Brooks; Nola Darling (1986), la ópera prima de Spike Lee; o la casi olvidada Corazón Verde (1971), una de las cuatro películas que rodó Elaine May y con un Walter Matthau en estado de gracia, por citar solo algunas.

Por lo que respecta al resto de propuestas, cabe estar muy atentos, por ejemplo, a El artista (2008), de los argentinos Mariano Cohn y Gastón Duprat; el clásico del cine mexicano Mátenme porque me muero (1951), una adaptación de Ismael Rodríguez del clásico de Jardiel Poncela; la cubana Demasiado miedo a la vida / Plaff, de Juan Carlos Tabio; o Doble discurso (2023), del argentino Hermán Guerschuny. En todo caso, tampoco es mala idea ir al CCCC sin ni siquiera haber mirado la programación y dejarse seducir por la propuesta que haya planteado Dani Gascó para luchar esa noche contra la canícula a golpe de comedia.

LaDemo nace de la necesidad de recuperar espacios presenciales donde el debate, la cultura y la música sirvan como punto de encuentro para la juventud. La organización reunirá a jóvenes con ideas diversas para conversar sobre cuestiones como las nuevas formas de participación democrática o la soberanía tecnológica. El propósito es crear un entorno donde fomentar el diálogo lejos de la polarización y los algoritmos que traspasan a diario la pantalla, inundando nuestra vida y condicionando la conversación pública, de manera que dejan un espacio ínfimo para el intercambio real de ideas.

La playa de Cullera acogerá el evento el próximo 5 de septiembre en el recinto Medusa Beach Club con un aforo de 4.000 personas. El proyecto pionero toma como referencia festivales internacionales como South by Southwest, que se celebra en Austin, Texas, y combina cultura, innovación y entretenimiento.

Los socios de elDiario.es que compren la entrada del festival con el código de promoción tendrán un regalo exclusivo. Se les comunicará cómo recogerlo en el correo de confirmación. El precio de la entrada, disponible por ocho euros en la plataforma DICE, irá destinado a la ONG SOMLLAR, dedicada a la atención integral de niños, niñas, adolescentes y jóvenes en riesgo de exclusión social.

A lo largo de la jornada se desarrollarán todo tipo de actividades como conciertos, podcasts en directo, humor y experiencias interactivas en torno a las cuestiones principales sobre las que gira la iniciativa, con invitados como Ignatius Farray, El Orden Mundial —el medio de análisis internacional de referencia en español— y WATIF TV, el matinal liderado por el periodista Emilio Doménech, que ejercerá como anfitrión del evento.

Junto a ellos participarán otros creadores de contenido del panorama valenciano, expertos en tecnología, periodistas especializados en redes y desinformación y artistas musicales que la organización anunciará próximamente. La jornada se alargará por la noche con sesiones de pinchadiscos, transformando el recinto en un festival musical donde celebrar la pluralidad de las ideas de una forma más lúdica. Como resume Pepe Borrás, codirector del evento, en declaraciones a elDiario.es: “en mi cabeza yo me imaginaba que la noche termina con alguien de derechas bailando con alguien de izquierdas”.

LaDemo no pretende ser un congreso político al uso, sino un espacio de encuentro donde la reflexión conviva con el humor, la música y las actividades participativas, tratando temas que en primera instancia pueden resultar complejos y poco accesibles. Sin embargo, mediante el enfoque con el que se plantea el encuentro, resultará más fácil bajar a tierra todas estas cuestiones clave para entender la realidad actual en la que nos vemos inmersos a diario.

El festival se organiza en varias líneas temáticas para debatir sin filtros sobre tecnología, políticas públicas, redes sociales y los vínculos humanos del mañana. La programación incluirá un podcast sobre salud mental y su relación con la tecnología, así como la soledad no deseada; un estand sobre DemocraZia con Z y un mural colectivo para conocer las opiniones, necesidades y propuestas de la juventud.

Entre las propuestas también habrá actividades en las piscinas del recinto con Ignatius o juegos como “Adivina el algoritmo”, donde se pinchará la pantalla del teléfono móvil de alguno de los participantes para adivinar el perfil de la persona según los contenidos que aparecen en su pestaña de explorar, una actividad que Borrás resalta: “Es una manera muy interesante de reflejar esta problemática, ya que nuestra vida ahora mismo pasa mucho por lo digital y está muy metida en cajitas. El algoritmo dice quién eres mejor que tú mismo dices quién eres”.

Dentro de la programación, LaDemo integra “El Encuentro” València y cuenta con el apoyo del Consejo de la Juventud de España, el Comisionado para la Celebración de los 50 años de España en Libertad, el Consell Valencià de la Joventut dentro del proyecto DemocraZia con Z, el Ayuntamiento de Cullera y la Universitat de València.

Una basca sufocant multiplicava anit el dolor que transmeten algunes cançons de Belle and Sebastian. Sota una meteorologia que dificultava la respiració, les diverses manifestacions del dolor primermundista ameraven els cossos dels fans. I això que la multitud congregada en La Marina ja fa trenta anys que va descobrir el catàleg de confessions de Stuart Murdoch i companyia. Anit ens hi vam tornar a veure reflectits cadascú a la seua manera.

La immensa majoria del públic recitava sense esforç les lletres de les cançons del segon disc de la banda (If You’re Feeling Sinister), interpretat sencer i en ordre al primer acte del concert. L’excessiva limitació de volum a la qual han estat sotmesos els instruments restà una miqueta d’esplendor a temes com “Me and the Major”, que al disc permet gaudir de l’harmònica amb tot el protagonisme que mereix, o la cançó que dóna títol al treball, “If You’re Feeling Sinister”. Els matisos subtils dels teclats es dissolien sense solució per part dels tècnics. Però els creients complementàvem allò que no ens arribava de l’escenari amb els nostres records sonors.

El més important és que Stuart segueix narrant-nos les seues culpes pels seus desamors escocesos i captant magnèticament la nostra atenció valenciana. Seran coses de dur trenta anys volent integrar-nos en el primer món de la música alternativa! Per això, no calia que Stuart demanara al trompetista que traduïra al castellà la seua petició de perdó a la destinatària de“The Boy Done Wrong Again”: ell fou el culpable del que va passar, ens diu tres dècades després.

La seua fragilitat i precisió rítmica, complementades amb una veu tan personal i afinada, el converteixen en un frontman impossible però indiscutible. De fet, quan al segon acte va cedir la veu principal al guitarra Stevie Jackson en “To Be Myself Completely”, la connexió davallà automàticament. La comunió amb el públic tornà just després amb els èxits assegurats de “The Boy with the Arab Strap” o “I Didn’t See It Coming”.

Per últim, a quasi qualsevol altre li penjaríem el cartell de populista per les seues crítiques a Trump i els seus elogis al poble nord-americà, però ell sonà ferit i innocent alhora. Ferit com tots els que hem sentit en algun moment les confessions rítmiques amagades davall d’aquella portada roja i, després, davall d'aquella verda ferruginosa meravellosa.

El Palau de la Música de València celebra este año su 40.º aniversario con una programación titulada “40 anys de la millor música”, que incluye cerca de sesenta conciertos. Durante el acto de avance de las novedades de la temporada 2026-2027, presidido por la alcaldesa de València, María José Catalá, se ha anunciado la renovación del director de la Orquesta de València, Alexander Liebreich.

La alcaldesa, María José Catalá, ha destacado sobre la gestión del Palau de la Música: “En solo tres años el presupuesto ha crecido un 52%, hasta los 23,57 millones de euros; la plantilla de la Orquesta Municipal ha aumentado un 14%; y, por último, la respuesta del público ha sido extraordinaria. En 2025 hemos alcanzado el mayor registro de la serie histórica, con casi 230.000 personas asistentes. Y entre el 1 de enero y el 13 de mayo de este año ya rozamos la cifra de los 100.000”.

En este sentido, Catalá ha señalado: “La reapertura del Palau en 2023 no ha supuesto simplemente recuperar un edificio. Ha significado iniciar una etapa de crecimiento institucional; de mejora de la plantilla, con la dotación de mayor estabilidad laboral; de crecimiento de público; y de mayor proyección nacional e internacional del organismo”.

Por último, la primera edila ha concluido: “El 40.º aniversario del Palau de la Música nos ofrece la oportunidad de reconocer todo lo que ha significado para distintas generaciones de valencianos y valencianas, así como de recordar a los grandes artistas, orquestas y directores que han pisado estas tablas”.

45 conciertos de abono y 6 extraordinarios

Durante la temporada 2026-2027, el maestro Alexander Liebreich dirigirá en abono siete conciertos. Rinaldo Alessandrini y Christian Vásquez serán los directores principal invitado y asociado, respectivamente. Helmut Lachenmann será el compositor residente, mientras que los artistas residentes serán el trompetista Pacho Flores y el contrabajista Edicson Ruíz.

Como celebración de la efeméride del 40.º aniversario, el 25 de abril de 2027, la Orquesta de València y Alexander Liebreich interpretarán Till Eulenspiegel, de Strauss, el Concierto para piano n.º 2, de Chopin, con Kevin Chen, y La mer, de Debussy.

En la temporada 2026-2027 del Palau de la Música de València, destaca, en concierto extraordinario, el debut de la legendaria Bayreuth Festival Orchestra, dirigida por Pablo Heras-Casado. Ya en abono, volverá la Royal Concertgebouw Orchestra, con Klaus Mäkelä, que debutará, y la violinista Lisa Batiashvili (6-02). Otra de las grandes formaciones será la London Philharmonic Orchestra, con la violinista Julia Fischer y el violonchelista Daniel Müller Schott, dirigidos por Edward Gardner (30-10). También volverá Daniellle Gatti, con la Staatskapelle Dresden, que interpretará la integral sinfónica de Beethoven (12, 13, 15 y 16-05). La Orquesta Filarmónica Checa, dirigida por Semyon Bychkov y con el pianista Behzod Abduraimov (15-11), también estará presente esta temporada.

Otras grandes formaciones serán la Orquesta Filarmónica de Helsinki, dirigida por Jukka-Pekka Saraste, con la violinista Minami Yoshida (9-02); MusicAeterna, dirigida por Teodor Currentzis (30-05); y la Orquesta Sinfónica SWR Stuttgart, con François-Xavier Roth y la violinista Isabelle Faust (11-11).

La programación contará también con la Gustav Mahler Jugendorchester, con Cristian Macelaru y la chelista Julia Hagen (12-11). Asimismo, los aficionados y aficionadas a la música podrán disfrutar de formaciones internacionales como la Orpheus Chamber Orchestra, con el saxofonista Branford Marsalis (06-03) y la English Chamber Orchestra, con Roberto Forés y el oboísta Ramón Ortega.

La Orquesta Filarmónica Nacional de Hungría, dirigida por Martin Rajna (06-04), visitará el Palau con el pianista Dezső Ránki. Tampoco faltará la Orquesta Nacional de España, dirigida por David Afkham, con el violinista Frank Peter Zimmermann (23 y 24-10). Además, volverán Jordi Savall, con Le Concert des Nations (7-04), y llegará la Orquesta Sinfónica de Navarra, con el violonchelista Johannes Moser y el director Perry So (20-05).

También habrá espacio para grandes recitales de piano en la Sala Iturbi. Este año, a la tradicional cita de Grigory Sokolov (27-02), se sumará una constelación de pianistas como Javier Perianes (1-12), Boris Giltburg (15-12 y 12-01), Daniil Trifonov (15-01), Yuja Wang (2-02) y Hélène Grimaud (25-05).

La Orquesta de València y su titular, Alexander Liebreich, abordarán con una mezzosoprano de lujo como Elīna Garanča y el tenor Michael Weinius fragmentos de Parsifal, de Wagner (20-11). También destaca el Réquiem de Fauré, con el prestigioso Chor des Bayerischen Rundfunk (2-04). Asimismo, Rinaldo Alessandrini y el Cor de la Generalitat Valenciana interpretarán a Bach (6-11) y, por su parte, William Christie y el Coro de Les Arts Florissants harán lo propio con Las estaciones de Haydn (28-05). Capella de Ministrers y Carles Magraner ofrecerán Acis y Galatea de Haendel (29-04), así como Gabrieli Consort & Players, con Paul McCreesh, harán las delicias de los melómanos con la ópera The Fairy Queen de Purcell (14-02).

La Freiburger Barockorchester, el Collegium Vocale Gent y la soprano Julie Fuchs, dirigidos por Pablo Heras Casado, interpretarán la cantata La morte di Didone de Rossini (09-12). También volverá la Amsterdam Baroque Orchestra and Choir, con Ton Koopman, para interpretar el Oratorio de Navidad, de Bach (17-12). La programación también contará con la Orquesta Sinfónica de Düsseldorf, con Adam Fischer y Catriona Morison, con la tercera de Mahler (20-10). Por su parte, Cappella Mediterranea y la Escolanía de la Virgen de los Desamparados, dirigidas por Leonardo García Alarcón, interpretarán el tradicional oratorio La pasión según San Mateo, de Bach (23-03).

Cabe destacar que la Orquesta de València tendrá como directores invitados a las siguientes personalidades: Pinchas Steinberg, Eliahu Inbal, William Christie, Marc Albrecht, Leonard Slatkin, Christophe Rousset, Shiyeon Sung, Chloé Van Soeterstède, Timur Zangiev, Pablo Rus Broseta, Pablo González y Jaime Martín. Como solistas contará con el violonchelista Pablo Ferrández; las violinistas Alexandra Conunova, Clara-Jumi Kang, Diana Tishchenko; los pianistas Silver-Garburg piano duo, Denis Kozukhin, Kevin Chen, Martín García García y Andrey Gugnin; el clarinete de Andreas Ottensamer; el organista Juan de la Rubia; el Trio Gaspard y el percusionista Alexej Gerassimez.

El acto de presentación de esta variada y completa programación, que ha tenido lugar hoy, ha contado con la asistencia del presidente del Palau de la Música y concejal de Acción Cultural, Patrimonio y Recursos Culturales, José Luis Moreno; del director del Palau de la Música, Vicent Llimerá; de la subdirectora del Palau de la Música, Nieves Pascual; del director musical de la Orquesta de València, Alexander Liebreich; del músico Pacho Flores; y de representantes de instituciones y asociaciones del ámbito cultural y musical valenciano.

Carles Alberola (Alzira, 1964), és actor, director i dramaturg. Durant la dècada del 1980 actuà en diverses companyies valencianes i va impartir moltes classes de teatre. A partir de 1989 agafà la directa i ja no ha parat: l'escriptura de teatre, la direcció teatral, la interpretació i, molt en especial, la creació d’una companyia el 1994, Albena Teatre, de la qual és director encara avui.

La dècada dels noranta fou molt intensa per a Alberola, estrenà 14 comèdies, de les quals en va dirigir tretze i en va interpretar sis, i el 1999 inicià una nova etapa, unida, en part, a la producció audiovisual. Foren anys molt productius durant els quals li arribaren l‘èxit i el reconeixement de la crítica i del públic.

Amb l'obra Besos Albena va aconseguir un gran èxit a Madrid i a Barcelona, i avui són molts els muntatges seus que han deixat una empremta inesborrable en nosaltres: Mandíbula afilada, Besos o el musical Tic Tac, entre altres. Parlem amb Carles Alberola un dilluns feiner al carrer Serrans, mentre professors, xiquets que fan excursions de finals de curs i turistes encuriosits, aprofiten les hores de la fresca. Teatre, la vida és pur teatre, i els carres de la ciutat uns escenaris dignes de ser observats.

Carles, fa uns dies vam coincidir en l’obra Original Greek. Durant la funció em va cridar l’atenció que a l’escenari no hi hagués res i que els actors ens passejaren per tots els decorats i ens feren viatjar només amb ajuda del text i l’actuació. Com es fa això?

Una de les màximes del teatre és no poder recrear-ho tot, però tindre la capacitat de suggerir, la qual cosa està en la pròpia convenció del teatre. En el teatre clàssic no es recreaven els espais i el públic percebia on estava a través del llenguatge i la tipologia dels personatges. Això, de fet, et fa ésser un espectador actiu perquè és l’obra i l’escenari que hom imagina i projecta des de l’altra banda, des de la butaca. I comença la funció de dues maneres diferents: des de dalt de l’escenari i des de baix.

Mandíbula afilada (1997) ha arribat a les aules i als estudis de Batxillerat, com un text clàssic. N’està content?

És l’obra meua més representada per tot arreu, també a l’estranger. És un text molt narratiu que parla de l’amor no correspost, un tema que ens apropa a un amor etern i que té pervivència. Ara, amb motiu de l’arribada del text a les aules, l’hem reestrenada i està anant molt bé, i veiem els xics i xiques que riuen, s’hi projecten i ho passen bé. De tant en tant vaig als centres i xarre amb ells del teatre i del que jo faig. És bonic, tot plegat, perquè no és habitual tornar a muntar espectacles tants anys després, i és interessant retrobar-te amb l’autor que eres fa 30 anys. De vegades molts espectacles, tot i haver anat bé, es queden al calaix després d’un temps.

On es troba més a gust, damunt o darrere de l’escenari?

De menut deia que volia ser director de cine i ha anat com ha anat. M’agrada tot el que faig, i va per èpoques, ara estic escrivint, però també tinc alguns bolos, i sé que vindran èpoques més fortes d’actor. Tot és compaginar i està bé així. En el passat ha estat una sort poder fer classes i he disfrutat d’elles, m’agradava molt i m’ho passe molt bé encara quan vaig a parlar als instituts. Per mi tot és emocionant: tant quan estàs sol escrivint, com quan estic en companyia amb els assajos o representant davant del públic. Actuar, per a mi, és una mica com celebrar el teu aniversari.

Quina és la clau de l’èxit per a una funció?

Et diré que si tens bons actors tot és més fàcil. Els que fan que les coses passen i les paraules tinguen un sentit són els actors, però també molt important una bona producció. I en el teatre tot culmina davant del públic, damunt de l’escenari.

Creu que tot autor de teatre hauria de dirigir les seues obres encara alguna vegada?

No és necessari dirigir, però dona certs avantatges. També hi ha intèrprets que han passat a dirigir també, i t’ajuda amb els tempos. Els coneixements escènics poden ajudar, però no són imprescindibles.

Vostè ha tingut també molta experiència en televisió i amb l’audiovisual, com anà aquella època?

Aquella fou una segona etapa, quan arrancà la televisió. Fou un salt i mantinguérem el teatre i projectes audiovisuals. I després vingué una tercera època en què teníem teatre, televisió, cinema i musicals en marxa, com fou Tic Tac, el musical, que rebé el Premi Max al millor musical.

I una quarta època, ara?

Sí, també intensa, amb diversos espectacles, tres en gira. Mantenim un ritme prou fort i donades les circumstàncies en què es mou el teatre valencià, has d’estar produint i en tot poses el cor i l’ànima, perquè d’ajudes, n’hi ha poques. Nosaltres, a Albena, som un equip de treball familiar, el meu soci, Toni Benavent i jo, els fundadors i gent que treballa des de fa 30 anys amb nosaltres. Alguns fins i tot repeteixen [diu Alberola amb un somriure]. Quan estàvem fent televisió vam arribar a treballar amb dues-centes persones de manera continuada. En teatre solem tenir entre 20 i 30 persones. Al llarg dels anys he treballat amb molt gent, també amb gent jove. De jove ets un volcà en erupció, tens moltes coses a contar i vols llançar-te sense pensar en què passarà i descobreixes moltes coses, i així fou amb la dècada d’Albena Teatre.

Com ho té el teatre en valencià, ara per ara?

Molt complicat perquè no hi ha una aposta decidida per ell. Com es manté aleshores? Amb diversificació de les feines i alternant amb altres feines vinculades al món escènic o eixint fora. En el nostre cas, de vegades estrenem en valencià i fem la versió en castellà per eixir fora, i en alguns casos pot ser que no trobes finançament ací i siga a la inversa. L’audiovisual ens va donar una seguida durant molts anys, però ara està bastant aturat. I clar, em dic que si no haguera nascut a un món on es parla en valencià, aquestes coses no me les plantejaria. Però fer teatre en valencià per mi és com respirar, i per això no deixe de fer-ho.

El meta teatre és una parada difícil d’evitar?

Estem tant de temps submergits en el nostre univers que potser és inevitable. Passem molt de temps dins del món de la ficció i te n’adones com a través d’eixe món pots explicar moltes coses que tenen a veure amb la vida dels espectadors. Quan he treballat en obres que parlen del teatre he tractat de fer metàfores on la gent es pogués veure reflectida. Parlar d’allò que coneix l’espectador.

Aquesta tardor podrem llegir un llibre que recull la història d’Albena Teatre. Com ha estat això?

És un projecte de Bromera i l’ha escrit l’historiador Francesc Martínez Gallego, qui ha fet un treball molt bo, resseguint una trajectòria contextualitzada amb allò que anava succeint al País Valencià i a l’estat espanyol alhora que Albena naixia i creixia.

Parlem de més trenta anys. No dona una mica de vertigen?

Sí, i quan fas un llibre com aquest et retrobes amb molt de material antic i et sorprens amb les fotos... És com una mena de viatge interior cap a tu mateix. Vols tindre l’esperança que el que has fet ha estat bé i ha tingut un sentit, tot, teatre, sèries, musicals i això, el que hem dut a escena, et diria que és la cinquena part de tots els projectes que hem pensat. Però no està malament, em dic, si hem aconseguit traure endavant la cinquena part dels projectes que hem ideat. Sempre dic que el millor espectacle no està escrit. El millor està per vindre, perquè el que sempre hem necessitat tant Toni Benavent com jo per continuar endavant és, no només la voluntat, sinó també la capacitat de renovar la il·lusió.

El segon disc del grup valencià Mans de destral i els oratges canviants amplia els horitzons sonors del seu debut: huit cançons inclassificables, arrelades al territori i governades per unes lletres que combinen poesia, ironia i crítica social.

Hi ha grups que troben un estil i s’hi instal·len. Mans de Destral i els Oratges Canviants, en canvi, prefereixen deixar-se portar pels corrents. Aixopluc, el seu segon treball, que s’acaba d’estrenar, conté huit peces i confirma una manera de fer música difícil d’encabir en una sola etiqueta. Rock, cançó d’autor, indie, psicodèlia, impuls ballable i ecos mediterranis conviuen amb naturalitat.

El grup ja havia mostrat aquesta voluntat fronterera en el seu primer disc homònim, un debut autoeditat que va obtindre tres reconeixements als Premis Ovidi de 2019: nominació a millor disc d’artista revelació, nominació a millor disc de cançó d’autor i premi a la millor lletra per 'Ombres en la pluja'. Aquella cançó ja avançava una de les grans virtuts de la banda: convertir el paisatge valencià en metàfora personal i col·lectiva.

Set anys després, Aixopluc no repeteix la fórmula, sinó que eixampla el camp de joc. La banda es comporta com una colla de surfistes dels estils: passa d’un clima musical a un altre sense perdre la identitat. La unitat del disc no prové d’una sonoritat homogènia, sinó d’una mateixa mirada crítica, juganera i molt conscient del territori des d’on parla.

'Welcome to Babilònia' obri el disc amb una radiografia de la societat contemporània: vanitat, consum, ego, pantalles i mentides fabricades. Però, entre aquest paisatge distòpic, la cançó encara busca les escletxes on és possible resistir. És una declaració de principis i una mostra dels nous horitzons sonors del grup.

Les lletres poètiques continuen sent el centre de gravetat. En 'Deih', un astronauta sense rumb travessa galàxies i ferralla espacial mentre intenta recordar cap on volia anar. L’univers exterior es converteix així en paisatge mental, i la nau rovellada en metàfora d’una vida a la deriva.

'Ribera Baixa' situa el disc en l’altre extrem del mapa. L’Estany, l’Albufera, els arrossars, les séquies i la Muntanyeta dels Sants construeixen una geografia viscuda. Territori i arrels no apareixen com un decorat folklòric, sinó com una manera d’explicar la identitat i la memòria.

També 'València' mira la ciutat des de la tradició i el present. La Moma, la Sibil·la, els nanos, els gegants, la Degolla, Isabel de Villena i Ausiàs March són convocats per recuperar simbòlicament una ciutat desfigurada pel turisme, la pèrdua de veïnat i l’oblit.

Però Aixopluc també sap riure. 'Ulleres de sol' converteix el glamour, la gomina i les màquines de fum en una comèdia pop, mentre que 'Deixa’m estar' transforma la saturació mental en una fugida cap a la pista de ball. L’eufòria no resol els problemes, però permet suspendre’ls durant uns minuts.

'A little time a day' ofereix un inventari àcid de les formes modernes d’autodestrucció, i 'Ais!', adaptació d’un text d’Ovidi Montllor, connecta el disc amb la tradició de la cançó crítica valenciana.

Aixopluc és, en definitiva, un refugi des d’on observar millor la tempesta. Mans de Destral i els Oratges Canviants han fet un disc que pensa, balla, recorda i ironitza. Després d’un debut premiat per la força de les paraules, el grup conserva la seua ambició literària i obri finestres cap a nous paisatges musicals.

La Diputació de València i la Fundació Sonora han presentat este dijous Territori Simfònic, una iniciativa cultural que connecta les comarques valencianes a través de la música i el patrimoni. La vicepresidenta primera, Natàlia Enguix, i els responsables de Sonora, Toni Revert i Lluís Muñoz, han donat a conéixer la programació per a enguany, amb sis concerts de l'Orquestra Simfònica Caixa Ontinyent en espais emblemàtics de Benimodo, Aielo de Malferit, Utiel, Enguera, Sueca i Oliva, tots ells amb entrada lliure.

La vicepresidenta Enguix ha assenyalat, durant l'acte al Palau dels Scala, que les polítiques de desenvolupament “es construïxen generant oportunitats, activant els recursos propis dels municipis i creant xarxes que connecten les nostres comarques, i no sols amb infraestructures físiques”. En esta línia, “la cultura és una de les ferramentes que podem posar al servici del territori, com fem amb este projecte de música i patrimoni al costat de la Fundació Sonora”.

La gira de l'Orquestra Simfònica Caixa Ontinyent arrancarà el dissabte 25 de juliol a l'auditori del Parc Sant Felip de Benimodo (23.00h). ‘Essència de Buenos Aires’, amb la direcció artística de Roberto Turlo, és un vibrant concert simfònic que fusiona tango clàssic i orquestra, un espectacle itinerant que, a més de Benimodo, arribarà a la Plaça Palau d'Aielo de Malferit (dimecres 29 de juliol, 23.00h); el Teatre Rambal d'Utiel (dissabte 19 de setembre, 20.00h); la Casa de Cultura d'Enguera (diumenge 20 de setembre, 18.00h); el Molí Pasiego de Sueca (dissabte 26 de setembre, 20.00h); i la Casa de Cultura d'Oliva (divendres 3 d'octubre, 19.00h).

En paraules de Natàlia Enguix, el projecte subvencionat per la Diputació “vertebra la província, descentralitza l'accés a la cultura, promociona el talent jove i convertix el nostre patrimoni en un espai viu”. Els escenaris no són casuals. Antics palaus, edificis monumentals, convents, teatres, patrimoni històric que al costat d'espais a l'aire lliure es transformen en llocs d'encontre entre la música i la ciutadania. “Territori Simfònic és part d'una estratègia més àmplia que impulsem des de la Diputació, junt amb festivals com el Nómade, el Bobal i el Xocorroc, la Mostra de Vins dels Alforins o els bons comerç, iniciatives que aprofiten els valors diferencials de cada comarca per a atraure visitants i crear noves oportunitats”, ha explicat Enguix.

Fundació Sonora

En un acte que ha comptat amb la presència d'alcaldes i regidors dels municipis que acolliran la gira, Natàlia Enguix ha donat pas als responsables de Fundació Sonora, nascuda per a assumir la gestió de l'Orquestra Simfònica d'Ontinyent i impulsar el talent musical a la comarca. El president de Sonora, Toni Revert, ha manifestat que mantindre una orquestra en un municipi d'interior “és un projecte complex i apassionant, per això hem donat este pas al capdavant per a crear una estructura més sòlida, estable i amb capacitat per a créixer i generar iniciatives musicals singulars i de qualitat al nostre territori”.

Territori Simfònic és l'exemple d'iniciativa singular que busca impulsar la Fundació Sonora, en este cas subvencionada per la Diputació. “La gira permetrà a la nostra orquestra eixir de la seua zona de confort, que és el Teatre Echegaray d'Ontinyent, per a enfrontar-se al públic d'altres pobles i comarques amb un repertori diferent”, explica el vicepresident de Sonora, Lluís Muñoz, qui destaca el concepte 'Learning by doing' (aprendre fent) com a essència d'una orquestra que aposta fermament per la formació.

Els responsables de la Fundació Sonora i la vicepresidenta Natàlia Enguix han coincidit en el potencial d'una iniciativa que es basa en “la simbiosi absoluta entre la música i el nostre patrimoni monumental”. Per part seua, l'alcalde de Benimodo, Paco Teruel, el d'Aielo de Malferit, Cristian Verdú, i la regidora de Sueca Sari Sáez han agraït que la Diputació i Sonora porten Territori Simfònic a estos pobles que aposten fermament per la cultura.

Repertori arriscat

La música és el fil conductor del projecte junt amb el patrimoni. Música simfònica, com la que han interpretat al pati del Palau dels Scala Guillermo Úbeda i Víctor Coll, dos joves talentosos que han posat en valor el potencial formatiu de l'orquestra d'Ontinyent: “vaig començar amb el violoncel als nou anys, i l'orquestra ha sigut un trampolí per a conéixer a grans músics europeus, i en el meu cas estudiar tres anys a París”, ha relatat Guillermo.

El chelo i el violí de Guillermo i Víctor han acompanyat la veu de Graciela Di Palma, una de les solistes que formarà part de la gira per les comarques valencianes de l'Orquestra Caixa Ontinyent. Graciela és acadèmica de l'Acadèmia Valenciana del Tango, i entre els seus treballs es troba el disc ‘Piazzolla en mi piel’, en homenatge a un dels músics més importants del segle XX. El director d'orquestra i compositor argentí serà un dels protagonistes del repertori que interpretarà l'orquestra, baix la direcció artística de Roberto Turlo.

‘Essència de Buenos Aires’ proposa al públic un viatge inoblidable a través de l'evolució del tango amb obres de Carlos Gardel -el primer que li va posar lletra al gènere-, Richard Galliano, Daniel Perera o Astor Piazzolla, un dels majors exponents del tango en el món. “Un repertori diferent, arriscat, que comptarà amb un elenc internacional de luxe per a acompanyar a l'orquestra, entre el qual destaca el virtuosisme del pianista italià Fabrizio Mocata, nominat als Latin Grammy, el bandoneonista uruguaià Leonel Gasso i la veu de la cantant italo-argentina Graciela Di Palma”, apunten els responsables de Fundació Sonora.

El compte enrere per a la XIV edició del Certamen de Teatre Amateur Vila de Canet, per a companyies que utilitzen el valencià com a llengua vehicular, ha començat. L'Ajuntament de la localitat i el Grup de Teatre El Molinet ja han obert el termini d'inscripció —que es prolongarà fins al 26 de juliol— per a un esdeveniment que se celebrarà, a l'auditori municipal de la localitat, entre el 25 d'octubre i el 22 de novembre, a les 19.30 horas.

Segons va explicar Pere Antoni, alcalde de Canet, “per a nosaltres és un orgull poder col·laborar amb El Molinet en l'organització d'aquest festival que, cada any, va sumant més i més espectadors i al qual es presenten cada vegada més companyies. Apostar per la cultura és apostar pel futur, i la satisfacció és doble quan el valencià, la nostra llengua, té un protagonisme tan destacat”.

Per a participar, tal com expliquen les bases que poden consultar-se al web de l'ajuntament, cal enviar una sèrie de documents (historial del grup, llibret complet de l'obra, enllaç per a visualitzar la representació, sinopsi, repartiment, fitxa tècnica…) perquè el jurat puga seleccionar cinc companyies d'entre totes les candidates. La durada mínima de la representació serà de 60 minuts.

Premis i reconeixements

El jurat atorgarà diversos premis, entre els quals destaca el Premi Vila de Canet a la millor obra, dotat amb 300 euros i un trofeu. També es reconeixeran les millors interpretacions masculines i femenines, tant principals com de repartiment, la millor direcció i la millor escenografia i vestuari. A més, el públic assistent votarà per a concedir el Premi del Públic. La cerimònia de lliurament de premis serà el 28 de novembre, i cada grup haurà d'enviar, com a mínim, dos representants.

Cada grup seleccionat rebrà una compensació econòmica de 800 euros per la seua participació.

Podran participar en el certamen tots els grups de teatre amateur que presenten obres en valencià. L'organització seleccionarà cinc grups entre els sol·licitants, basant-se en la documentació presentada i les característiques teatrals de cada companyia. A més, s'establirà una llista de grups de reserva.

La documentació requerida s'ha d'enviar per correu electrònic, abans del 26 de juliol de 2026, a grupdeteatreelmolinet@hotmail.com.