La Universitat de València (UV) ha celebrado este martes 20 de octubre por la tarde un sentido homenaje póstumo a Ramon Lapiedra i Civera (València, 1940; Vinaròs, 2026), quien fue rector de la institución entre 1984 y 1994 y que falleció el pasado 27 de julio. El acto se ha celebrado como una expresión de gratitud, de memoria y de reconocimiento colectivo a Ramon Lapiedra.

Todas las personalidades participantes en el acto celebrado en el Paraninfo del edificio histórico de La Nau han destacado el talante y la vertiente humana del rector homenajeado, con quien se asentaron los cimientos de la actual UV como una institución de enseñanza superior democrática, participativa y al servicio de la sociedad.

“Nos reunimos esta tarde para rendir homenaje a Ramon Lapiedra i Civera, rector de la Universitat de València, científico, intelectual y servidor público ejemplar, cuya trayectoria ha quedado profundamente vinculada a la historia de nuestra institución. La contribución de Ramon Lapiedra al progreso de la Universitat y de la sociedad y al desarrollo de la ciencia, constituye un legado que perdura y que continúa inspirándonos”, ha destacado Juan Luis Gandía, rector de la UV.

El homenaje, retransmitido por el canal de Youtube de la UV, ha consistido en una mesa presidida por Juan Luis Gandía en la cual han intervenido varias personas vinculadas a la institución, a Ramon Lapiedra o que se han formado en la UV. También han participado personas que han conocido la transformación de la institución desde la gestión, tanto externa como interna; se han proyectado un reportaje y un fotorreportaje que han mostrado la visión institucional y personal del rector homenajeado; y se ha guardado un minuto de silencio en su memoria acompañado de una interpretación musical.

En el acto también se ha entregado a Carme Vidal, pareja de Ramon Lapiedra, el libro de condolencias donde se recogen centenares de mensajes recibidos en la Universitat con palabras de agradecimiento y de pésame por la muerte de quien fuera rector entre 1984 y 1994, llegadas desde la institución académica y desde fuera de ella. 

Así, además de Juan Luis Gandía y Carme Vidal, en la mesa presidencial han estado Amalia Sanz Benlloch, directora general de Universidades de la Generalitat Valenciana; Isabel Morant, catedrática jubilada de Historia Moderna, medalla de la institución y primera mujer en ocupar un cargo como vicerrectora en la UV; Enric Valor, decano de la Facultad de Física; Joaquim Bosch, magistrado del Tribunal de Instancia de Valencia y vicerrector de estudiantes con Ramon Lapiedra; y M. José Aradilla, secretaria general de la UV.

“Destacaría su capacidad de dialogar, y también que tenía mucha mesura. Escuchaba y le gustaba que le dieran opiniones. Ramon no prometía nunca aquello que no podía hacer. Pero aquello que pensaba que podía hacerse, o estaba en el programa, lo defendía con firmeza. Era también el tiempo del feminismo. Cada vez había más mujeres, más jóvenes, que no habían tenido ninguna experiencia de gestión, y veníamos enseñadas. Ramon dejaba el camino para que se pudieron hacer cosas, aunque no teníamos leyes de igualdad”, ha recordado Isabel Morant.

“Hace 42 años en este mismo paraninfo un catedrático de física teórica tomaba posesión como rector. Hoy volvemos a este mismo lugar para recordar su contribución, en nombre mío y de la Generalitat. Ramon Lapiedra encabezó la transformación del Estudi General en una universidad moderna y democrática. Su universidad se debía al alumnado que llegaba a las aulas y a las familias que lo apoyaban”, ha destacado Amalia Sanz.

“El hombre que encarnó la transformación democrática de la universidad”, ha definido Joaquim Bosch a Ramon Lapiedra. “Hay que reivindicar su figura”, ha dicho. Por su parte, Enric Valor ha repasado las contribuciones de Ramon Lapiedra en física, y cómo algunos de sus planteamientos se han confirmado posteriormente.

El reportaje audiovisual ha mostrado la vertiente institucional y personal de Ramon Lapiedra, desde la perspectiva de las personas que le han sucedido como rectoras al frente de la UV, llegando hasta la actualidad (Pedro Ruiz Torres, Francisco Tomás Vert, Esteban Morcillo Sánchez, Maria Vicenta Mestre Escrivá i Juan Luis Gandía Cabedo), además de Carme Vidal.

En el homenaje –que se ha podido seguir desde el aula magna con una pantalla para las personas que no han podido acceder al paraninfo– también han participado personas que han conocido la transformación de la UV y que han sido testigos de su evolución. Así, Victoria García Esteve, directora del Servicio de Bibliotecas y Documentación de 1995 a 2003; Ignasi Casadesús, secretario ejecutivo de la Xarxa Vives d’Universitats; Miguel Ángel Sanchis, representante de la Real Sociedad Española de Física, de la cual Ramon Lapiedra formó parte; y Rosa Lapiedra, profesora del Departamento de Derecho internacional “Adolfo Miaja de la Muela” y sobrina del rector homenajeado.

“Más allá del rector, del investigador, de una persona reconocida y admirada, había un Ramon que era una persona muy próxima, muy familiar, muy pendiente de las personas que apreciaba. Podemos considerarnos muy afortunados de haber compartido muchas vivencias y muchos momentos con él. Ramon era una de esas personas en las cuales era muy fácil conversar, sabía absolutamente de todo y sabía escuchar. Siempre aprendías de él”, ha comentado Rosa Lapiedra.

Entre otras personas, al acto también han acudido Margarita Soler, presidenta del Consell Jurídic Consultiu; José María Lozano, presidente del Consell Valencià de Cultura; y representantes de los ayuntamientos de Valencia, Aras de los Olmos y Almenara, este último, lugar de nacimiento de Ramon Lapiedra y de donde es hijo predilecto desde 2023.

Ramon Lapiedra, además de rector, fue catedrático de Física Teórica de la Universitat de València, integrante del Consell Valencià de Cultura (1998-2011) y del Institut d’Estudis Catalans y presidente de la Plataforma Cívica Valencians pel Canvi. En 1993 fue investido doctor honoris causa por la Universitat Jaume I de Castelló, y en 1995 recibió la Medalla de la Universitat de València, además de ser hijo adoptivo de Sagunto (2020), medalla de la Xarxa Vives (2021), y también medalla de Honor de la Acadèmia Valenciana de la Llengua (2019).

El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) ha presentado su programación expositiva para el año 2027, integrada por doce muestras en el Centre Julio González, a las que se suman diferentes itinerancias y colaboraciones con museos y centros de arte nacionales e internacionales.

El programa incluye proyectos que aúnan ecología, patrimonio y nuevas formas de conocimiento. De esta forma, el museo abordará cuestiones como las relaciones entre los seres humanos y el entorno, la presencia y la recuperación de mujeres artistas, el desarrollo de investigaciones en el propio territorio y la atención a otras cosmovisiones y epistemologías.

Según ha explicado la directora del IVAM, Blanca de la Torre, la programación ofrece “una mirada plural sobre las transformaciones que atraviesan nuestro planeta y los desafíos que compartimos como sociedad; profundiza en las líneas estratégicas del proyecto museológico, con el patrimonio, la sostenibilidad y el territorio como ejes transversales”.

En 2027, el IVAM pondrá el foco en cuestiones como la interdependencia entre especies y las formas de habitar y cuidar el territorio con el trabajo en torno a las Islas Columbretes de la coreana Jane Jin Kaisen o la exposición del dúo formado por Ingela Ihrman y Josefin Arnell que conecta arte, investigación y ecología. En este apartado también se inscribe la muestra ‘Arquitecturas de emergencia’, que planteará “una reflexión sobre el refugio, la vulnerabilidad y la capacidad de imaginar otras formas de convivencia en un contexto de profundas transformaciones”.

La artista Ursula Biemann, con una extensa carrera desarrollada a partir de sus investigaciones de campo en Groenlandia o la Amazonia, será protagonista de una gran exposición en el mes de junio. “Es la primera retrospectiva de la artista en España”, ha comentado Blanca de la Torre.

La presencia de mujeres tendrá un peso muy significativo en la programación de 2027. Entre ellas figura la arquitecta y diseñadora Lilly Reich, pionera del comisariado de exposiciones, cuya aportación “ha permanecido durante décadas a la sombra de su colaborador Ludwig Mies van der Rohe”.

Colaboración con museos y centros de arte

Además, la directora del IVAM ha señalado que las exposiciones se construyen desde “una voluntad de colaboración y cooperación con otros museos y centros de arte”. Así, el museo colaborará con el Museum of Latin American Art de Los Ángeles (MOLAA), el Musée Regional d’art contemporain Occitanie (MRAC), el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), el Centre Pompidou de París, Es Baluard de Palma de Mallorca y Bólit, Centre D’Art Contemporani de Girona.

Artistas del contexto valenciano

La programación mantiene una atención especial a la creación vinculada al contexto valenciano. En este ámbito, la artista alicantina Rosana Antolí presentará una exposición concebida específicamente para el IVAM sobre el marjal. Asimismo, la coreana Jane Jin Kaisen está desarrollando una investigación sobre las Islas Columbretes, planteando así “una aproximación a la sostenibilidad entendida no solo como cuestión medioambiental, sino como práctica ética y cultural”.

El programa ‘Territorios en tránsito’, que pone en diálogo a artistas de la Comunitat Valenciana con creadores de otros contextos, tendrá su continuación con la exposición ‘Entre corrientes, tres respiraciones’. En este caso, unirá a Rosell Meseguer (Orihuela), Anna Estarriola (Girona) y Laia Ventayol (Baleares), para explorar las relaciones entre paisaje, infraestructuras, memoria y formas de vida.

Nuevos saberes y formas de conocimiento

Uno de los ejes de la programación será la aproximación a otras cosmovisiones y epistemologías. “La exposición de Edgar Calel será la primera muestra de un artista indígena en España”, ha anunciado Blanca de la Torre. La muestra acercará una práctica artística arraigada en la cultura maya kaqchikel en la que la espiritualidad, la relación con la tierra y la creación comunitaria son inseparables.

En esa voluntad de ampliar los saberes y las formas de conocimiento se inserta también el trabajo de Isabel y Alfredo Aquilizan, una pareja de artistas filipinos, acompañada por sus hijos -que componen la Fruitjuice Factori Studio-. “Han concebido para el IVAM una instalación inmersiva compuesta por casas de cartón, formando islas flotantes que llenarán la sala, desde el suelo hasta el techo, y que responden a la pregunta: ¿qué significa el hogar para ti?”.

Colección del IVAM

La colección propia también tendrá una presencia relevante en el programa expositivo de 2027. En este sentido, el museo dedicará una exposición a ‘La Montserrat’ de Julio González, coincidiendo con el 90 aniversario de la participación española en la Exposición Internacional de París de 1937. A ello se suma una exposición sobre la influencia de Goya en Ignacio Pinazo, que propondrá nuevas lecturas sobre la modernidad.

La programación concluirá con ‘La certidumbre del vuelo’, una exposición sobre la fascinación humana por el vuelo, trazando un recorrido que conecta la tecnología militar, el impulso poético y la representación simbólica de la paz a partir de la litografía ‘La colombe’ de Pablo Picasso.

Museo Anfibio

La directora del IVAM, Blanca de la Torre, ha afirmado que la programación para el ejercicio 2027 materializa el proyecto institucional de ‘Museo Anfibio’ como una institución “permeable y conectada con su entorno, capaz de transitar entre disciplinas, territorios y comunidades, y de abordar los retos contemporáneos desde una perspectiva transversal”.

Carme Cardona Bartual ha transitat per la novel·la fantàstica juvenil, la narració infantil, el drama amb tocs de thriller rural, com feu en La nova mestra (Edicions del Bullent), i ara la novel·la negra amb Les síl·labes del teu nom. En totes dues —si bé en escenaris i èpoques ben distintes—  Carmona conrea la narració d’intriga i crims, amb tot el que implica el gènere: personatges peculiars, diàlegs vius i dinàmics, misteri i tensió, la investigació policíaca i, per descomptat, el costat sòrdid de la vida.

Les novel·les de Cardona, a més, venen envoltades de la seua capacitat literària de crear una atmosfera que acompanya el suspens, uns personatges atractius i humanitzats, i una visió crítica de la societat, la d’abans i la d’avui: “la crítica social és inherent a la novel·la negra, perquè acostuma a retratar el més fosc de la societat”, comenta l’autora.

Quan l’escriptora de Benaguasil va començar a guanyar premis —en du ja uns quants— feia anys que escrivia i compaginava l’escriptura amb la docència. De fet, és professora de valencià en un institut del Camp de Túria: “m’agrada molt ser professora, i estic molt a gust amb els meus adolescents. Saben que escric, però no és una cosa que jo diga molt. Tampoc els meus companys de feina coneixen la ”meua vida secreta“ [riu]. Amb tot, jo no ho veig com un treball A i un treball B, sinó que els done a tots dos la mateixa importància. La vessant literària no sé quant durarà, però dure el que dure, vull gaudir-la i estar-hi present. I encara que no publicara ja res més, continuaria escrivint”.  Assegura que ha escrit des de joveneta i que no sap viure sense escriure. Com deia Fuster: “I morir ha de ser deixar d’escriure”... “Tinc relats guardats de fa molts anys sobre bruixes que anaven a una escola, abans fins i tot del boom de Harry Potter”.

Hem quedat amb Carme Carmona als voltants del Mercat Central de València. Hi arriba puntual, Jesús i jo la veiem venir sense saber si és ella. Ens hem vist en una ocasió només fa quasi un any i avui no la reconec. Em demana Jesús si serà ella, dubte, finalment sí, és ella. Té un somriure bonic, una pell quasi de porcellana i els llavis pintats de roig. Du ulleres de muntura de pasta negres i uns cabells solts ondulats i pèl-rojos.Diria que l’envolta  una estètica que evoca les xiques “pin-up”, però amb un toc valencià: falda llarga i ampla amb estampat de lleopard, samarreta negra, ungles negres de manicura, i sabatilles d’espart negres amb floretes de colors i una travessa al costat. Tot modern, fi i ben combinat. Un aspecte suggeridor, alegre, de sensualitat innocent. El seu to de veu és baix, parla relaxadament, amb una dolçor que ho embolcalla tot. Costa imaginar-la —potser pels estereotips en què tots caiem— tramant aquestes històries on la crueltat i la vilesa humana s’ajunten de la mà.

És l’hora de berenar, l’ambient és tranquil, lleugerament assolellat, la ciutat es desperta de la sesta, els menuts fa poc que han eixit d’escola. És un bon moment per a un café i una conversa. Tanmateix, i  hipotèticament, és clar, qui sap on i com, no puc deixar de pensar que en algun lloc de la ciutat o algun poble dels voltants podria estar ocorrent un crim, una amenaça, un suborn, o qualsevol abús de poder imaginable. Al capdavall, aquest costat fosc, amarg, sòrdid, també és part de la vida,  hi està latent, i present, però només el veiem quan les notícies en parlen o quan algú el retrata, com ara Carme Carmona en Les síl·labes del teu nom, una novel·la negra que transcorre pels camins més obscurs del poder en la València contemporània, les enveges familiars, l’homofòbia, i que va seduir un jurat que hagué de triar entre 64 obres.

Li pregunte a Carme què li aporta la novel·la negra  i, per què sol triar el gènere del misteri? “Em ve des de xicoteta. És estrany, però he crescut amb El jovencito Frankenstein, La Bola de Cristal i la Família Monster, i sempre m’ha atret el gènere. Des de fa uns anys em crida molt l’atenció el True Crime, programes com ara Crims de Carles Porta o L’hora fosca a À Punt,  és un gènere de documental que cada vegada té més èxit. Hi ha un parell de sèries que m’agraden molt, com ara True detective, sobretot la temporada amb Jodie Foster, i Sharp Objects.

Per què serà? “Doncs en part perquè tots tenim un costat de morbositat i curiositat davant d’aquesta vessant fosca de la vida, i veure-la com a espectador o llegir-la com a lector és còmode perquè la contemples estant fora de perill”. “Sempre m’ha intrigat molt per què una persona pot arribar a realitzar determinats actes cruels, quin és el procés que la du fins allà i, sobretot, m’atreu molt la investigació al voltant de la psicologia de les persones”. “Un altre aspecte que em treballava al cap és quin preu estem disposats a pagar per a determinades coses en la vida”.

Així ho evoca també la detectiu protagonista de la història, Lola Desco, una dona alta, atlètica, rossa, amb poca traça, femenina quan vol, que du una vida desordenada i amb històries amoroses que no quallen: “Tant en la carrera de criminologia com en la meua trajectòria com a detectiva havia vist moltes coses, la gran majoria desagradables. Les persones vivien en una aparent placidesa que es podia trencar en qualsevol moment; era en aquest trencament, en el vessant més fosc i sinistre de la realitat, on treballàvem nosaltres. No sempre era fàcil”.

Les síl·labes del teu nom és una novel·la negra, molt ben travada i amb un ritme que a penes decau. El començament és ja capaç de clavar-nos de ple en la història. Tot plegat, un relat de personatges creïbles, amb febleses i contradiccions, “una àncora de normalitat en un món despietat”, dirà la veu narradora, fora dels estereotips que de vegades envolten el gènere, i amb tocs d’humor molt d’agrair, alguns ben valencians. Una València, a més, que fa d’escenari i de protagonista alhora. No de bades fa pensar en la petjada del mestre a casa nostra del gènere, Ferrant Torrent. Li pregunte a Carme si ningú no hi ha trobat un paral·lelisme, una semblança, amb Torrent. “Sí, algú m’ho ha dit, i m’omple d’alegria perquè per mi ell és un referent i l’he llegit des de fa anys”.

Li pregunte si té la sensació que amb aquesta darrera novel·la ha fet un pas més enllà. “D’alguna manera —apunta— és el resultat de tot el que he anat explorant en les novel·les anteriors: els secrets, la memòria, les relacions humanes, el territori i, sobretot, la part fosca que tots podem amagar darrere d'allò que els altres veuen de nosaltres. Les síl·labes del teu nom em va plantejar dos reptes importants: volia que la prostitució de què parlava fora classista, de luxe, per a donar-li el punt de les altres esferes, la doble moral. Ara en diuen escorts o xiques de companyia, xiques d’imatge, i això ha creat polèmica, perquè cap d’eixes paraules és la paraula puta o prostituta, i hi amaga una altra realitat. Normalment són xiques joves que conviden a festes per a entretindre futbolistes, famosos, polítics”.

“Un altre dels aspectes clau del llibre és la transsexualitat: dos dels personatges són transsexuals, i mostren el reflex d’una realitat que té dues cares. Sovint ignorem que el 80% dels transsexuals es dediquen a la prostitució perquè no els és fàcil trobar feina com a dona trans”.

I la novel·la mostra aquesta realitat: “Sí, Naomi Price no troba més remei que la prostitució de luxe i invertir tot el que guanya en el seu cos. I Daniela Col·lodi (Daniel, segons com), per sort, aconsegueix, amb ajuda de la protagonista assassinada, obrir un negoci propi i ser empresària”. Ella serà, de fet, qui contractarà els serveis de l’agència de detectius de Custodi, en un edifici reconeixible del centre de València, i on treballa Lola Desco.

Arribem al final de la conversa, i Carme em comenta que en ple procés creatiu va viure moments difícils: “En setze mesos vaig perdre, primer la mare, malalta de càncer, després el pare, i després un cosí que per mi era com un germà, i per això els he dedicat el llibre. Fou una etapa dura, i recorde que quan ma mare estava malalta em van demanar col·laborar amb el Podcast Cròniques Edetanes literaturitzant un crim real.  En les hores mortes de la sala d’espera prenia notes i anava escrivint, però em costava molt. Una sala d’espera oncològica és un forat negre”.

Cinco años. Se dice pronto, pero son los que lleva El perfume del tiempo rodando por los escenarios de toda España. Para celebrar esta efeméride, la obra escrita y dirigida por Chema Cardeña vuelve a sus orígenes, la Sala Russafa. Allí, desde este jueves 15 y hasta el domingo 1 de noviembre, podrá verse este thriller dramático que, el año de su estreno, se alzó, entre otros, con los premios a Mejor Espectáculo, Mejor Dirección y Mejor Actor en los Premis de les Arts Escèniques Valencianes.

El perfume del tiempo forma parte de la Trilogía de la Memoria, convertida finalmente en tetralogía debido a su éxito. La serie comenzó con Shakespeare en Berlín (2016), continuó con La invasión de los bárbaros (2020) y se cerró con Epílogo, estrenada este mismo año. En todas ellas, Cardeña mira hacia atrás en el tiempo para investigar las consecuencias de los fascismos en las vidas de personas anónimas, en diferentes épocas y lugares. Epílogo es la triste conclusión de que aquellos tiempos que parecían pasados se extienden por el mundo como una mancha de aceite.

El perfume del tiempo está interpretada por Juan Carlos Garés, Iria Márquez, Marisa Lahoz y Manu Valls (en alternancia con Vicent Pastor) e invita al espectador a viajar a Buenos Aires en 2010 para conocer a los Kessler, una familia aparentemente tranquila que se encuentra con una de las Abuelas de Plaza de Mayo. La obra aborda el shock social que sufrió Argentina cuando quedó probada la apropiación de más de 500 bebés por parte de la dictadura del general Videla, entre 1976 y 1983, para entregarlos a familias afines al régimen. A partir de ahí, se reconstruye la historia de un país que muy pocos quisieron mirar de frente y muchos prefirieron observar de perfil, y que algunos todavía hoy tratan de hacer olvidar.

“Hicimos las obras de esta tetralogía para recuperar la memoria. Pero, en vez de quedar como un testimonio del pasado, muchas veces pueden parecer un testimonio del presente, porque varias de las frases que se dicen en El perfume del tiempo resuenan hoy con una fuerza increíble”, explica Cardeña sobre la vigencia de un texto que habla de algo mucho más universal que lo vivido en Argentina. “Se muestra cómo la sociedad calla, cómo puede ignorar o hacer como que ignora las atrocidades que están ocurriendo a su alrededor en aras de lo que algunos llaman un bien común”, argumenta el autor.

Desde su estreno en València, El perfume del tiempo ha llenado más de un centenar de salas en toda España. Además de los premios de los Premis de les Arts Escèniques Valencianes, fue candidata a los Premios Max en la categoría de Mejor Autoría Teatral (2023), obtuvo el Premio del Público al Mejor Texto en el Festival TOC El Puig 2023 y, en el XXV Certamen Nacional Garnacha de La Rioja, consiguió el Premio a la Mejor Actriz de Reparto y el Segundo Premio al Mejor Espectáculo.

Para Arden, es especialmente significativo regresar al teatro en el que nació la obra en 2022, arropada por los audiovisuales de Fede Caraduje, que incluyen imágenes documentales inéditas en España. La puesta en escena también cuenta con el vestuario de María Poquet, la escenografía de Luis Crespo y el diseño de iluminación de Pablo Fernández.

Tres Anas paran los más pequeños

Por otra parte, los 17 días y 18 de octubre, la formación balear Teatre de la Sargantana presenta en esta misma sala Hannah dels tres països, una pieza cuyas tres protagonistas comparten nombre, pero difieren en el país de origen. Desde Siria, Brasil y Rumanía, las tres se encuentran empezando una nueva vida en una gran ciudad. La búsqueda de oportunidades, el exilio y otras motivaciones para el fenómeno migratorio se introducen con total naturalidad en una trama que fluye como un juego, teniendo muy presente que los niños y niñas son permeables a los temas de conversación de su entorno. Con tono optimista, se habla de la importancia que tienen todas las culturas y de los beneficios de entrar en contacto con la diversidad, evitando los prejuicios.

Toques de clown, máscaras, teatro de objetos y otros recursos escénicos conviven en un estimulante cuento de viajes firmado y dirigido por Pere Fullana al que dan vida Núria Fiol, Alba Flor y Patricia Morales. El resultado es una propuesta que recrea desde lo constructivo una realidad que no solo ocupa titulares, también se encuentra en las aulas, en los barrios y en las familias.

El Teatro Off de Valencia acoge del 16 al 18 de octubre Contra Ana, de la compañía La Contraria, una propuesta escénica que aborda los trastornos de la conducta alimentaria (TCA) desde una perspectiva íntima y social. La obra, reconocida con el Premio Max 2025 al Mejor Espectáculo Revelación, llega a la cartelera valenciana con una historia que trasciende lo personal para poner sobre la mesa cuestiones como la identidad, la presión social y la responsabilidad colectiva en el desarrollo y mantenimiento de estos trastornos.

Escrita a partir de la experiencia real de su autora, Alma García, Contra Ana es una autoficción donde se explora la compleja relación entre la identidad y la enfermedad, la percepción del propio cuerpo y los factores sociales que pueden influir en la aparición y perpetuación de un TCA.

Lejos de limitarse a contar una experiencia individual, Contra Ana transforma el testimonio en una reflexión compartida. La propuesta invita al público a cuestionar los modelos y las exigencias sociales que condicionan nuestra relación con el cuerpo, así como los discursos y silencios que rodean a los trastornos alimentarios. Una mirada valiente que busca generar diálogo, despertar conciencia y acercar al espectador a una realidad que continúa siendo necesario visibilizar.

En este sentido, la pieza de La Contraria destaca también por su potencial educativo. Su temática la convierte en una propuesta especialmente relevante para centros de Secundaria y Bachillerato, donde el teatro puede funcionar como una herramienta para abordar cuestiones relacionadas con la salud mental, la identidad, la autoestima y la presión social. La experiencia escénica ofrece así la oportunidad de abrir conversaciones necesarias entre jóvenes, docentes y espectadores, utilizando las artes escénicas como vehículo de sensibilización y reflexión.

Con esta propuesta, Teatro Off reafirma su compromiso con una programación escénica diversa, capaz de entretener, emocionar y acercar al público a historias que merecen ser escuchadas. Entradas ya disponibles en la web offvalencia.com.

Hay novelas que se organizan alrededor de lo que ocurre, y otras —más raras, más difíciles— que encuentran su centro en lo que se retira, en lo que apenas se deja entrever. Dentro de aquellos años (Piel de Zapa, 2026), de Miguel Herráez, pertenece con claridad a este segundo linaje: el de las narraciones que no buscan imponerse por la contundencia de sus hechos sino por la densidad de su atmósfera, por la forma en que el tiempo, la memoria y la experiencia se pliegan sobre sí mismos hasta volverse casi indecidibles.

Desde sus primeras páginas, la novela parece inscribirse en una tradición de la rememoración: un narrador que vuelve —no importa tanto si físicamente o a través del recuerdo— a un territorio afectivo que ha quedado suspendido en el pasado. Sin embargo, lo que podría haber sido una mera novela de evocación se transforma, a medida que avanza, en una indagación más compleja sobre la naturaleza misma de la memoria. Herráez no trabaja con recuerdos nítidos ni con reconstrucciones lineales; por el contrario, su prosa se despliega en zonas de penumbra, en escenas que parecen incompletas, como si algo esencial hubiese quedado siempre fuera de campo.

Uno de los mayores aciertos de la novela radica precisamente en esa economía de la explicitación. Herráez confía en la potencia de la elipsis, en la capacidad del lector para habitar los silencios. Hay diálogos que se interrumpen antes de tiempo, gestos que no terminan de aclararse, situaciones cuya resolución nunca llega a formularse del todo. Lejos de generar frustración, este procedimiento construye una tensión sostenida, una suerte de inquietud que acompaña la lectura incluso en sus pasajes más calmos.

En este sentido, Dentro de aquellos años dialoga con una tradición que podría ir de ciertos relatos de Chéjov hasta la narrativa más contemporánea de corte minimalista, donde lo decisivo no es el acontecimiento sino la vibración que deja en quienes lo atraviesan. Pero Miguel Herráez no se limita a reproducir un modelo: hay en su escritura una voluntad de espesor, una búsqueda por dotar a cada escena de una densidad sensorial que la vuelva casi palpable. Los espacios —casas, calles, habitaciones— no funcionan como meros escenarios, sino como depósitos de tiempo, como superficies donde se inscriben las huellas de lo vivido.

Otro aspecto destacable es el trabajo con la temporalidad. La novela no avanza de manera lineal; más bien, se despliega en capas, como si el presente y el pasado coexistieran en un mismo plano narrativo. Esta superposición genera un efecto de inestabilidad: lo que creemos recordar se ve constantemente alterado por nuevas inflexiones, por detalles que aparecen tardíamente y reconfiguran lo ya leído. En ese movimiento, la memoria deja de ser un archivo fiable para convertirse en un territorio en disputa, atravesado por olvidos, deformaciones y, en algunos casos, por una voluntad tácita de no saber.

Si hay un tema que recorre la novela de manera persistente es el de los vínculos: familiares, amorosos, amistosos. Pero Herráez evita cualquier tentación de psicologismo explícito. Los personajes no se definen por lo que dicen de sí mismos sino por sus acciones mínimas, por sus vacilaciones, por aquello que callan. Hay en ellos una fragilidad que nunca se enuncia pero que se percibe en cada gesto. Esa contención emocional —que podría leerse como una herencia de cierta narrativa realista— es también lo que permite que, en determinados momentos, la novela alcance zonas de una intensidad inesperada.

Todos estos procedimientos narrativos funcionan con eficacia. La apuesta por la ambigüedad hace que la indeterminación sea una manera de afirmación narrativa. Del mismo modo, hay momentos en los que la recurrencia de ciertos procedimientos —la elipsis, el corte abrupto, la sugerencia— tiende a reformular el ritmo del relato envuelto en una atmósfera en la que los límites aparecen difusos. Son estrategias que forman parte de una poética que asume el riesgo de no cerrar, de no ofrecer garantías.

En última instancia, lo que Dentro de aquellos años propone es una experiencia de lectura que exige una cierta disposición: la de aceptar que no todo será dicho, que la verdad de los hechos —si es que existe— permanecerá siempre desplazada. A cambio, la novela ofrece algo más difícil de lograr: una forma de resonancia. Cuando se llega al final, no quedan certezas ni conclusiones firmes, pero sí una sensación persistente, como si algo de esa materia difusa —hecha de recuerdos, silencios y pérdidas— hubiese encontrado un modo de alojarse en el lector.

En un panorama literario donde a menudo se privilegia la claridad o la eficacia narrativa, la novela de Miguel Herráez se destaca por su apuesta a lo incierto, a lo tenue, a lo que apenas se deja nombrar. Y es en esa zona —inestable, esquiva— donde encuentra su mayor fuerza.

La Fundación Bancaja acoge en su sede de València la exposición 'Ximo Michavila. Centenario (1926-2026)', la mayor antológica organizada hasta la fecha sobre el pintor valenciano. La muestra conmemora los cien años de su nacimiento a través de un recorrido exhaustivo por seis décadas de trayectoria pictórica, una labor que sitúa al artista como uno de los referentes clave del arte contemporáneo español. En la presentación de la muestra han participado el presidente de la entidad, Rafael Alcón; el comisario de la exposición, Juan Manuel Bonet, quien ha asegurado que en esta exhibición nos encontramos ante “un Michavila total”; y la hija del creador, Carmen Michavila.

Durante el acto, Bonet ha calificado a Michavila como “el pintor que amaba su oficio, que amaba los pinceles”, al tiempo que ha subrayado la necesidad de reivindicar su figura y proyectarla fuera de la Comunitat Valenciana. Por su parte, Carmen Michavila ha calificado el montaje como “una aventura” sin precedentes en la trayectoria expositiva de su padre y ha destacado el valor terapéutico de la creación artística al señalar que “el arte cura la salud del alma”, junto con el deseo de que la muestra adquiera carácter itinerante en el futuro.

El conjunto de la exposición abarca un centenar de obras fechadas entre 1951 y 2004, procedentes de más de cincuenta prestadores, entre los que figuran la propia familia del pintor, la colección de la Fundación Bancaja, colecciones particulares y de instituciones públicas, como el Museo de Bellas Artes de Valencia, la Universitat de València o las diputaciones provinciales de Alicante, Castellón y Valencia. La propuesta permite contemplar por primera vez piezas inéditas como Llac nocturno (ca. 1980), Alborada (2004) o R+A2:C7-646 (1982). Además de la producción sobre lienzo, la exhibición rescata más de ochenta documentos del archivo personal del artista custodiado por el Archivo General y Fotográfico de la Diputación de Valencia, con materiales gráficos, correspondencia y diseños que atestiguan su decisiva aportación como escenógrafo al Teatro Español Universitario (TEU) bajo la dirección de Antonio Díaz Zamora.

Nacido en L'Alcora en 1926 en el seno de una familia de tradición docente y cultural, la infancia de Michavila quedó marcada por la Guerra Civil tras sufrir heridas graves y perder a su abuela durante un bombardeo en 1937. Formado inicialmente como maestro y posteriormente en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, amplió sus conocimientos en Madrid, Segovia y Roma. A lo largo de su carrera compaginó la docencia con una activa militancia en los grupos más significativos de la vanguardia valenciana, tales como Los Siete, el Grupo Parpalló, el Movimiento Artístico del Mediterráneo y Antes del Arte. Su evolución estética transitó desde un academicismo inicial y una figuración geometrizante en los años cincuenta hacia una geometría de corte lírico y emocional entre las décadas de 1960 y 1970, etapa en la que se erigió en uno de los principales exponentes del constructivismo en España.

A partir de 1978, tras una profunda crisis creadora, el artista inició la fase más prolongada de su producción con el ciclo El Llac, dedicado a l'Albufera de Valencia. En estas obras, inscritas dentro de un impresionismo abstracto a medio camino entre la figuración y la abstracción, Michavila captó la luz, la vegetación y la fragilidad del ecosistema natural mediante el uso de apuntes del natural y fotografías propias. Al respecto, mientras Bonet explicaba que, a pesar de no ser ecologista, en sus pinturas se muestra una visión del deterioro que sufre el lago valenciano, Carmen Michavila sí que ha querido reivindicar que en su obra sobre l'Albufera también hay “algo de denuncia”.

En sus últimos años, la pasión por la música —cultivada desde su juventud tras su paso por la Coral Polifónica Valentina y su asistencia a los Encuentros de Pamplona en 1972— derivó en el ciclo Contrapunto, una serie de composiciones abstractas de gran intensidad cromática concebidas como tributo a figuras esenciales de la música contemporánea como John Cage, Kurt Weill, Arnold Schönberg o Pierre Schaeffer.

La vertiente monumental del creador también ocupa un espacio de relevancia en el montaje a través de una producción audiovisual basada en las fotografías de Juan Peiró, que documenta su extensa labor como muralista en edificios públicos, templos religiosos e instalaciones sanitarias mediante el uso de la cerámica, las vidrieras o el acero inoxidable. La propuesta expositiva se completa con la publicación de un catálogo monográfico con textos del comisario, del artista José María Yturralde y de Carmen Michavila, así como con un programa de mediación cultural que incluye visitas guiadas y talleres didácticos. La muestra, permanecerá abierta en la sede de la Fundación Bancaja en València desde el 7 de octubre de 2026 haste el 14 de febrero de 2027.

El artista valenciano Manuel Boix ha fallecido a los 84 años en su localidad natal de l'Alcúdia, según informaron fuentes cercanas a la familia. Pionero en la introducción del nuevo realismo en España desde la década de 1960, el creador será despedido por sus allegados en un acto íntimo tras una vida dedicada plenamente a la creación artística y a su compromiso social.

Galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1980, Boix desarrolló una prolífica trayectoria caracterizada por la versatilidad de su obra. Su producción abarcó diversas disciplinas como la pintura, la escultura, la ilustración de libros, la obra gráfica y la cartelería, combinando con frecuencia la revisión de episodios históricos con una lectura renovada del contexto literario y humano.

Su pérdida coincide con el reciente fallecimiento del también creador Artur Heras, con quien mantuvo una estrecha colaboración junto al artista Rafael Armengol. A pesar de no constituir un colectivo formal, este grupo de pintores impulsó emblemáticos proyectos conjuntos y exposiciones compartidas que marcaron un hito en las artes plásticas valencianas.

La Associació Valenciana d’Empreses d’Arts Escèniques (Avetid) reclama a la Generalitat Valenciana y a la Diputació de València una respuesta institucional urgente ante el cierre indefinido del Teatre Principal de València anunciado ayer. Así lo ha transmitido en una carta enviada al propio president autonómico, Juanfran Pérez Llorca, y a su homólogo provincial, Vicente Mompó, a quienes pide una reunión de trabajo que responda a las graves consecuencias que supone para el sector.

En la carta, Avetid comparte que “la seguridad de las personas debe prevalecer en cualquier circunstancia”, y valora positivamente que se esté estudiando alternativas para reprogramar las obras previstas por parte del Institut Valencià de Cultura (IVC) y de Escalante, pero pide que la respuesta institucional vaya más allá de minimizar el impacto inmediato de este cierre.

Apoyo mientras se mantenga cerrado

La asociación advierte que este cierre, que podría prolongarse varios años según lo anunciado, plantea un problema de carácter estructural para el sector en toda la Comunitat Valenciana, y exige definir ya un modelo de apoyo que garantice la continuidad de la actividad, el empleo y el tejido profesional: “El sector escénico se encontraba ya en una situación delicada por la inestabilidad política y la precariedad, como hemos ido reclamando, y este cierre agrava la situación. Instamos a la administración local, provincial y autonómica a coordinarse para diseñar y ejecutar una hoja de ruta que ponga la política cultural escénica en el centro y que propicie a mantener estructuras dignas para el público y las empresas”.

En este sentido, ha recordado que el Teatre Principal no solo es un edificio, es uno de los espacios escénicos más destacados a nivel estatal, “un equipamiento fundamental para la programación -actual y a futuro-, creación, exhibición y proyección” de miles de profesionales, por lo que “esta situación excepcional también requiere una respuesta institucional excepcional”.

La Junta ha pedido una reunión urgente en los próximos días para abordar las consecuencias, así como información, transparencia y coordinación entre las diferentes administraciones y paralelamente con el propio sector. “Las entidades valencianas que tienen competencias en materia de Cultura tienen que ser capaces de trabajar de forma conjunta y coordinada. Es necesario actuar con la máxima agilidad para que las obras comiencen cuanto antes y València recupere un espacio escénico fundamental”, señala.

La Diputación de Valencia cerrará el Teatro Principal el tiempo necesario para acometer una reforma integral de sus instalaciones. Lo ha anunciado este martes el presidente, Vicent Mompó, quien ha admitido ante los medios que ha sido “una decisión muy difícil que tomamos desde la responsabilidad, a raíz de un informe pericial que determina que la situación es lo suficientemente grave y puede afectar a la seguridad de las personas”.

El informe encargado por la corporación provincial no refleja un riesgo de colapso inminente en el ámbito estructural, pero presenta graves deficiencias funcionales, normativas y de conservación, desde la instalación eléctrica al sistema de evacuación, la accesibilidad, los equipamientos obsoletos, protección contra incendios, desprendimientos, fisuraciones y el deterioro del escenario, la platea y los palcos. “Una administración responsable no espera a que exista un peligro inminente para actuar; actúa cuando los técnicos le dicen que debe hacerlo”, ha añadido Mompó.

El máximo responsable provincial, acompañado por la diputada de Patrimonio, Paz Carceller, el jefe de servicio de Proyectos Técnicos, Evaristo Carlos López, y el jefe de la Asesoría Jurídica, Jorge Llavona, ha insistido en que la obligación del equipo de gobierno que dirige “es actuar con responsabilidad y no asumir un riesgo innecesario para los espectadores, los trabajadores, los artistas, las compañías y cualquier persona que entre en el edificio”. “La cultura es una prioridad, pero la seguridad es una obligación”, han coincidido Mompó y Carceller.

Cronología de los informes

La diputada Paz Carceller ha repasado la cronología de los hechos, desde que en 2024 la Diputación decidió encargarse de nuevo del mantenimiento del teatro a consecuencia de la falta de revisiones por parte de la Generalitat. “Durante años, no se habían hecho las correspondientes OCA, y por eso decidimos recuperar la gestión del inmueble, para abordar las necesidades del edificio en conservación y cumplimiento reglamentario”, ha explicado la responsable de Patrimonio.

Las primeras inspecciones acreditadas que realiza la Diputación advierten de distintas deficiencias que, en ese momento, no impedían mantener la programación del teatro. A finales de febrero de 2024, la vicepresidenta segunda, Reme Mazzolari, mantiene una reunión con los responsables de Cultura del Consell para abordar la necesaria rehabilitación del centro. Es una primera toma de contacto que vino sucedida por distintos informes OCA a través de los cuales se trataba de averiguar el estado real de las instalaciones para decidir cómo proceder.

“Los análisis advertían de que determinadas patologías podían agravarse con el paso del tiempo, y aunque los sucesivos informes que se han ido realizando apuntaban problemas que se iban resolviendo con actuaciones puntuales, la persistencia de las carencias identificadas en el plan director encargado la pasada legislatura nos han llevado a pedir un diagnóstico global y actualizado, una inspección pericial mucho más amplia cuyo resultado conocimos este lunes”, ha relatado Paz Carceller.

En palabras de la diputada, “no quisimos quedarnos en saber que había deficiencias, sino en conocer hasta dónde llegaban, y esas conclusiones del peritaje que se realizó en agosto son las que ayer conocimos y nos llevan a actuar desde la responsabilidad. Si en 2024 cuando recuperamos el mantenimiento del teatro hubiéramos tenido las conclusiones que tenemos hoy lo habríamos cerrado de inmediato, pero este diagnóstico del peritaje integral no es el de los informes técnicos que teníamos entonces”.

Un Principal seguro y accesible

El presidente Mompó ha querido mirar al futuro. “No quiero quedarme solo en el cierre que hoy debemos anunciar por responsabilidad. Este no es un punto y final sino el inicio de una nueva etapa. Desde hoy mismo empezamos a trabajar para volver a abrir las puertas del Principal lo antes posible, para devolver a Valencia y la provincia el gran teatro que merece, un espacio accesible, funcional y seguro para las personas, preparado para las necesidades culturales del siglo XXI”.

La Diputación empieza a trabajar en todo lo necesario para hacer realidad el nuevo teatro. La redacción del proyecto, las autorizaciones, las licencias, la planificación y la tramitación necesaria para ejecutar las obras con la mayor rapidez posible. Pero Vicent Mompó lanza un mensaje al resto de administraciones que tienen competencias en materia cultural y participan de la actividad del teatro para que se impliquen en un proyecto valorado en 50 millones de euros: “el Principal es demasiado importante para Valencia como para que su futuro dependa de una única institución”.

El presidente de la Diputación comunicó anoche a los responsables de la Generalitat Valenciana el resultado del informe pericial y la decisión de cerrar el teatro de la calle de las Barcas. Ambas instituciones han acordado trabajar conjuntamente la reprogramación de las funciones del Principal en otros espacios de la ciudad. En cuanto a los trabajadores del teatro, podrán acceder al edificio para realizar labores de desmontaje mientras la diputada de Personal, la vicepresidenta Mazzolari, gestiona su recolocación en la institución.

La Generalitat, a través de la Conselleria de Educación, Cultura y Universidades, promueve el mecenazgo cultural, científico y deportivo no profesional, a través de una nueva convocatoria de captación de proyectos con el objetivo de movilizar una mayor participación de empresas, entidades y ciudadanía en proyectos que generen valor para la Comunitat Valenciana.

Esta nueva etapa coincide con la renovación del Consell Assessor del Mecenatge (CASMEC) y con las recientes modificaciones normativas dirigidas a simplificar procedimientos, reducir cargas administrativas y ofrecer mayor seguridad jurídica a las entidades y personas promotoras de proyectos.

El plazo de presentación de solicitudes relacionadas con la declaración y comunicación de proyectos de interés social en los ámbitos cultural, científico y deportivo no profesional permanecerá abierto del 1 al 30 de septiembre.

Durante este periodo, la Conselleria realizará una acción específica de información y captación dirigida a entidades culturales, fundaciones y asociaciones, universidades y centros de investigación, administraciones públicas, profesionales y empresas culturales y entidades deportivas, con la finalidad de identificar iniciativas susceptibles de incorporarse al sistema valenciano de mecenazgo.

En esta nueva convocatoria de mecenazgo podrán participar, en los términos establecidos por la normativa, entidades sin ánimo de lucro, administraciones públicas valencianas, universidades y centros públicos de investigación, museos y archivos, así como determinadas empresas y profesionales de los ámbitos cultural, científico y deportivo no profesional.

De la norma a los proyectos

La normativa valenciana permite que personas y empresas realicen aportaciones altruistas a proyectos culturales, científicos y deportivos no profesionales. También contempla fórmulas como el micromecenazgo y la cesión temporal de bienes, y establece incentivos fiscales autonómicos en el IRPF para determinadas aportaciones realizadas por personas físicas.

La declaración de interés social constituye uno de los principales instrumentos del sistema, al permitir identificar aquellos proyectos que cumplen los requisitos establecidos legalmente y que pueden beneficiarse de las posibilidades asociadas al mecenazgo.

En este sentido, la Generalitat busca visibilizar el mecenazgo, facilitar su conocimiento y conectar progresivamente los proyectos con las personas, empresas y entidades dispuestas a contribuir a su desarrollo.

El mecenazgo como línea de actuación

Esta actuación constituye, además, el inicio de un proceso más amplio para reactivar la cultura del mecenazgo en la Comunitat Valenciana y fortalecer la colaboración entre Administración, sociedad civil y tejido empresarial.

La Generalitat trabajará durante los próximos meses en nuevas actuaciones de divulgación y promoción dirigidas especialmente al ámbito empresarial y a la ciudadanía. El objetivo es avanzar hacia una concepción del mecenazgo basada no solo en la aportación económica, sino también en la participación, el impacto y el legado.

Los tres últimos conciertos de 2026 de Serialparc —o los tres primeros del nuevo curso, según se mire— ya tienen fecha, lugar y cartel. En total serán siete grupos —cuatro de ellos, de la terrerta— que, a partir del domingo 18 de octubre y hasta el 20 de diciembre, defenderán sus propuestas en los parques de Orriols, Malilla y Central. Como siempre, la música empezará a sonar a partir de las 12 h y, al terminar, un DJ amenizará el tardeo de los que se hayan quedado con ganas de más.

La primera cita será el 18 de octubre, en el parque de Orriols, con Maestro Espada como cabeza de cartel, que se subirá al escenario tras las descargas de dos bandas valencianas: Animal Persona y L’Últim Europeu.

Los hermanos Víctor y Álex Hernández (Maestro Espada) han conseguido hacerse un hueco en el panorama nacional recuperando los cantes de la huerta murciana (malagueñas, parrandas, jotas, trillas…) y darles nueva vida mezclando sintetizadores y castañuelas, teclados y panderetas, guitarros y laúdes. Las reminiscencias de los Hermanos Cubero o Anabel Santiago son inevitables.

La siguiente jornada tendrá lugar en el parque de Malilla y contará con la presencia de Perro y los pegolinos Romàntic Dimoni, capitaneados por Carles Caselles, que vendrá a defender su último trabajo (Primer moviment). Por su parte, los murcianos Perro han demostrado que su regreso en 2024, tras un parón de varios años, tenía sentido. ¿Te acuerdas?, disco que salió ese año, evidenció que su fórmula de rock, punk y sabores tropicales seguía plenamente vigente.

El 20 de diciembre, en el parque Central se celebrará la tercera y última entrega de esta edición. Seventh Hell, la formación de metal y hard Rock que encabeza la vocalista Lory RoxX, ejercerán de teloneros de Ángel Stanich. El autodenominado cantautor lisérgico y enemigo de promoción y entrevistas, y que este mismo año ha publicado Por la hierba (su quinto LP), defenderá un repertorio con claras influencias de Dylan, Neil Young, Josele Santiago o Fernando Alfaro.

Cinco años de directos

Serialparc nació en 2021 de la mano de la agencia Districte con una idea poco habitual: convertir los parques y jardines de València en espacios culturales vivos. Además, introdujo en València una nueva forma de consumir música en directo: los domingos por la mañana, en una propuesta pensada para toda la familia (menores de edad no pagan).

El ciclo permite descubrir artistas y, al mismo tiempo, redescubrir barrios y espacios de València, con música al aire libre y puntos de encuentro entre públicos y generaciones diversas. Así, cuentan con un público muy ecléctico, de distintas generaciones, que suele ser fiel a sus propuestas, independientemente del cartel o de lugar en qué se celebre: Benicalap, Malilla, Orriols, Cabecera, Parc de l’Oest y Parc Central.

Després d’un temps dedicat a diverses propostes teatrals, escèniques i musicals, l’escriptora Irene Klein, que també és pianista i guionista, torna a la narrativa amb una història teixida entre dones en un escenari i una terra bellíssim, la Marina Alta, però que ha perdut, en gran mesura, la seua ànima i manera de ser, i mostra avui, segons com, un rostre lleig i sense pietat davant dels qui l’han habitada de sempre i no se’n volen marxar.

Irene Klein (València,1991) —autora del recull de contes Les absències (Edicions Bromera, 2024)— uns contes sobre els buits emocionals i físics que marquen per a sempre i ocupen un espai vital, s’enfronta ara a un tema que té precedents en la nostra literatura, però que ella entoma en una època més actual i amb una veu diferent, suau i ferma alhora.

En l’imaginari literari valencià compartit hi ha dos escriptors que han dut a la ficció la destrossa social, cultural i paisatgística de la comarca de la Marina: parle de Rafael Chirbes i Josep Colomer. Les històries de tots dos ens han deixat un testimoni del que anà passant per aquests pobles a partir dels anys seixanta. En ple segle XXI, quan aquest procés ha tocat el cim, quan ja és més que tard per a moltes coses i una volta enrere és gairebé inimaginable, Irene Klein —amb Altea com a escenari en aquesta ocasió— recupera el drama de l’espoli en una història tocada de crueltat, però també de tendresa i comprensió, on les veus de dones d’edats i inquietuds diferents conflueixen en unes dificultats compartides.

Teixida a través de quatre veus femenines, Matèria d’Altea és, sobretot, una història capaç de (re)crear una atmosfera potent i creïble, on els diàlegs hi compten molt i on les dificultats s’hi sumen, sense dramatismes, però sense treva. Joana, sa mare Neus, l’àvia Avel·lina —qui morirà durant la història i a partir de la seua mort tot prendrà un gir clau—, Manuela, l’amiga de l’àvia, Arantxa, la companya de feina de Joana i la jove allotjada al càmping on treballa Joana i que grava un documental sobre Carmelina Sánchez-Cutillas i l’Altea d’avui, tenen totes alguna cosa a fer i dir davant d’una Altea que s’ha rendit al negoci immobiliari i que expulsa la seua gent.

Cadascuna en el seu moment, totes elles entren en acció, amb les seues personalitat i angoixes pròpies, i configuren un univers femení on la força, les dificultats, les inseguretats i les febleses juguen un tira i arronsa constant.

En una mena d’homenatge a l’escriptora tan lligada a Altea i als paisatges que la van veure créixer i que ella convertí en literatura en Matèria de Bretanya, la novel·la de Klein dignifica també les vides de les dones que no es vencen i de la gent que desitja continuar vivint als carrers que els han vist nàixer i créixer, tot i que en ocasions no sempre ho aconsegueixen.

Matèria d’Altea és, doncs, una història personal i alhora una història social i col·lectiva: és el “drama” d’una família, però és el “drama” també d’una societat que, d’alguna manera, ha emmalaltit en una cursa frenètica cap a complaure la gent benestant amb tot el luxe i confort possible, peti qui peti.

Partint de la precarietat com a base, la història mostra les dificultats per a construir una vida agradable. Aquest és l’univers de les Kellys, les cambreres d’hotels que treballen a destall desfent-se l’esquena i la musculatura en temporada alta, i retrobant-se a l’atur quan no hi ha feina.

Hotels, càmpings, restaurants, petits negocis... És el modus vivendi d’una comarca i d’un poble que pren ara la veu en boca de Joana i Neus, veïnes d’Altea, la qual ha vist perdre dècada rere dècada un model de vida força diferent, més rural, vinculat a la pesca, menys ambiciós, però més equilibrat.

El desastre el coneixem, sí, però el desastre té noms i rostres, i encara que siguen inventats —al capdavall, això fa la ficció—, prenen una empenta singular i diferent quan els troben en forma d’història, com ara en Matèria d’Altea.

Jesús Císcar i jo hem vingut a Impresum, la impremta d’on ix l’Agenda Urbana cada mes i on fa vint anys tot va començar. Només entrar-hi percebem l’olor inconfusible de tinta i paper que contradiu les prediccions apocalíptiques sobre la desaparició del paper. Fa una calor que tomba de tos, i després de fer un tomb per la impremta i algunes fotos, conversem en una sala menuda i refrigerada. Parlem amb l’equip d’AU sobre el que fan i per què ho fan.

Se’ls nota en els rostres que estan contents i la satisfacció es transmet en les seues paraules: fa unes setmanes van donar una festa ací mateix per celebrar els seus primers vins anys, quan Daniel Matoses, el propietari d’Impresum, i el dissenyador Willie Kaminski van donar forma inicial al projecte, una idea que, com ells expliquen, seguia les passes de publicacions com Butxaca, l’Agenda Cultural de Barcelona.

Els inicis d’AU

Ara fa dues dècades, Matoses i Kaminski van formar un combo perfecte: un impressor, una periodista, Virgínia, i un dissenyador: “al principi —explica Willie— teníem una petita redacció a Russafa, però a patir de la crisi de 2008 vam haver de començar a treballar des de casa i diria que vam ser pioners en el teletreballar. Era l’època dura de Rita Barberà i moments crítics per a la programació cultural de València, i en aquell context, de sobte, un dia es va presentar Sara amb pantaló curt i xancles, que buscava un lloc on fer pràctiques de periodisme, i després vingué Glòria” [conta Willie entre riures].

“De fet —comenta Sara seguint la broma— vam entrar de pràctiques i ens vam fer les ames” i Glòria afegeix “després de Sara vaig arribar jo i vaig començar a col·laborar-hi i mira que no tenia a penes experiència de treballar amb ordinadors”. I Willie insisteix en què són Sara i Glòria les que “duen avui la brúixola de la cultura a València”.

Vist així, el que en principi semblava una aposta arriscada, esdevingué aviat un bon equip i “l’aventura grossa” —remarca Willie— començà amb elles dues: “fou en aquell moment, gens fàcil encara, entre 2009 i 2010, en què ho professionalitzàrem tot i ens hi dedicàrem al 100 %”.

La filosofia del projecte

Asseguren que allò que defineix la seua línia editorial és la idea que una societat i, sobretot una ciutat, es conta a través de la cultural i darrere de la seua vida i programació cultural: “Volem contar i fer la història d’aquesta ciutat a través d’allò que passa dia a dia a la ciutat, artísticament i culturalment, i que la fa evolucionar”. “De fet —apunten— si compares la societat valenciana que reflecteixen els 40 primer números de la revista amb la que retraten els 40 següents números, veus com la manera diferent de ser i contar-se que té la ciutat sorgeix de forma quasi natural. ”Reflectim el que hi ha, sí, —matisa Sara Mut— però també la nostra visió sobre la cultura. Podríem dir que després de vint anys AU fins s’ha convertit en una mena de document de memòria cultural, un crònica cultural constant“.

Parlem sobre la influència dels diferents moments polítics en la programació cultural de tota ciutat, i en concret, el cas de València: “Les programacions culturals no són apolítiques i canvien amb el signe de qui governa, comenta Sara. A l’hora de programar, el fet de triar uns concerts, exposicions o obres davant d’uns altres és ja posicionar-se. En el nostre cas, els vuit anys de govern d’esquerres, tant a l’Ajuntament com a la Generalitat, han sigut com un oasi que ens ha permès no caure ara aquests darrers tres anys que duem amb el PP i Vox, si bé, tot plegat, hem acusat el canvi polític”. “Igual que ens ha ajudat molt comptar amb una vintena de col·laboradors que, de manera altruista, per simpatia pel projecte i interès per la cultura, hi col·laboren periòdicament”.

De què viuen i com

Els pregunte si els costa molt aconseguir publicitat: “No és fàcil —apunta Gloria, qui s’ocupa de captar i gestionar la publicitat— tenim clients de sempre, molt antics, que ens valoren i nosaltres valorem també molt el paper d’algunes institucions públiques que han confiat en nosaltres. A banda d’això, tractem també d’arribar als comerços petits i hi hem adaptat el preus per a ells, perquè volem donar-hi cabuda al major nombre possible d’anunciants”.

“També varia segons el moment de l’any —matisa Sara— quan més activitat cultural hi ha, més publicitat ens arriba. En maig i octubre sempre tenim una remuntada, i gener i febrer són mesos més complicats. Per sort comptem amb una cartera de clients fixos i ens hem guanyat una credibilitat perquè saben que el dia 1 de cada mes sempre està AU al carrer,”.

Des d’AU intenten donar veu a gran part de les propostes artístiques i creatives de la ciutat: “Valorem molt —insisteix Sara— poder dir que donem visibilitat a espectacles petits i curiositats que tenen importància, però que de vegades no tenen l’antelació suficient per a anunciar-se i sobreviure, però ho intentem. Intentem arribar a elles i cobrir-les, si bé ens marca també molt el fet de ser mensuals. Amb tot, tractem de seguir l’actualitat”. “De vegades quan un esdevenint que considerem important no té pressupost, l’anunciem igualment i després sempre se’n recorden de nosaltres i venen a buscar-nos quan les coses van millor” Una mena d’inversió de futur, els dic. “Exactament”. “Però ens agradaria deixar clar que les ressenyes no són el mateix que la publicitat. Les ressenyes de locals, de llibres, de menjars, les escrivim nosaltres o els nostres col·laboradors. No cobrem pel contingut d’una ressenya, només cobrem pels espais publicitaris”.

Arribar al major nombre de llocs, i en paper

Un dels punts forts d’AU és la distribució: cal deixar-ne exemplars en cada lloc on col·laboren amb ells, per a visibilitzar-los, i arribar al major nombre de barris de la ciutat, així que de manera sistemàtica i professional tenen una llista que els ha ajudat a anar prenent-li el pols a la ciutat. “Molt sovint veus clients i saludes i hem fet un poc de comunitat i notes que la gent espera AU cada principi de mes i que quan hi arriba és una alegria: que bé, que ja esteu ací, us estàvem esperant, ens diuen sovint, ahir just vingueren a buscar-la. I sí, hi ha gent que ens busca cada mes i a la Universitat de La Nau fins criden molts demanant-la [somriuen tots tres satisfets]. ”Tractem d’estar a la Universitat, a les botigues, als bars i restaurants, als teatres i si en algun lloc no hi som és, o perquè no ens hi volen o perquè ens han fet fora“, apunten.

Todos para uno y uno para todos, aquests tres “mosqueters” de la lletra impresa conflueixen quan arriba l’hora de la distribució, Siga a peu, en bicicleta, o en cotxe, segons la zona: “ens importa més que AU estiga a Benimaclet o a la Zaidia que al centre de València”, apunta Willie. “Tractem d’arribar al Cabanyal, a Russafa, a la zona d’El Cedro i Xúquer, al Centre Històric, al Carme i ara estem veien d’arribar a barris com Patraix”, constaten.

Des d’AU han apostat pel retorn al paper. la presència física, i per parlar als valencians: “tenim un codi més en clau local, pensant en la nostra gent, que no un enfocament per als visitants o el turisme, o com a molt, parlaríem d’un turisme més cultural, perquè sabem que AU pot interessar a qui ens visitat i per això la distribuïm també en les oficines de turisme. AU és una mena de brúixola cultural per als valencians”.

Enmig d’aquest brúixola, els demane com perceben ells el batec de la vida cultural a València, “Mal, —diuen tots tres alhora— tot està en precari i el govern actual està retallant molt en cultura, ara és la Mostra de Teatre d’Alcoi, abans esdeveniments tan bons com la Fira Babakamo, o les retallades a la Fira del llibre. Les institucions públiques valencianes —insisteixen— no mostren coneixement ni interès per la cultura i estan apagant focs sobre la marxa, com ha sigut el cas de Cinema Jove. En el sector de l’audiovisual, per exemple, estan molt cremats perquè la Generalita ha donat milions a Disney perquè vinga a gravar a la Ciutat de la Llum i ells a penes si hi sobreviuen. Hi ha tensió i malestar en el món de la cultura i les arts, i si va mal la cultura, nosaltres també anem malament.

El festival Sagunt a Escena, organitzat per la Conselleria d’Educació, Cultura i Universitats a través de l’Institut Valencià de Cultura (IVC), en col·laboració amb la Diputació de València i l’Ajuntament de Sagunt, conclou la programació escènica del Teatre Romà amb un concert de la cantaora de flamenc Estrella Morente.

L’artista granadina interpretarà una selecció de les cançons més representatives de la seua trajectòria, entre les quals destaca el tema principal de la pel·lícula Volver, de Pedro Almodóvar, el pròxim 22 d’agost a les 22:30 hores.

Funcions circenses

Per part seua, la secció ‘Off Romà’ presentarà dos espectacles de circ que combinen l’humor, la imaginació i el joc com a espais de trobada amb el públic.

La companyia valenciana El Cruce, formada per Rubén Río i Nicoletta Battaglia, posarà en escena la funció Kossha el divendres 21 d’agost en la Casa dels Berenguer. L’humor absurd, la música en directe i una depurada tècnica circense reivindicaran els espectacles ambulants de varietats.

El 22 d’agost, la Trócola Circ portarà a la Glorieta Juga, un muntatge que celebra la trobada intergeneracional i reivindica l’espai públic com a lloc de convivència, creativitat i esplai.

Inspirada en l’univers dels joguets i en les formes d’entreteniment anteriors a la dècada de 1990, l’obra convida a recordar i descobrir jocs, tradicions i costums que formen part del patrimoni cultural.

Juga és, a més, una crida a recuperar el carrer com a lloc de socialització per als xiquets i les xiquetes. La Trócola Circ, fundada en 2013, ha obtingut reconeixements per peces com Potted i Ludwigshafen.

La exposición permanente ‘La Colección del IVAM hasta hoy’ reúne más de 500 obras que configuran una lectura historiográfica de las principales corrientes artísticas de los siglos XX y XXI.

La muestra, que ocupa 1.500 metros cuadrados distribuidos en diez salas, incluye algunas piezas de autores fundamentales para entender el arte moderno y contemporáneo. Entre ellas figuran las creaciones de Valentina Kulagina, Marcel Duchamp, Alexander Calder, James Rosenquist y Cindy Sherman.

Constructivismo soviético

La primera sala de la exposición incluye un fotomontaje de la artista Valentina Kulagina. La obra combina fotografías, tipografía, diagonales, repeticiones y diferentes escalas para representar a mujeres trabajadoras en distintos ámbitos profesionales.

La pieza forma parte del conjunto de obras dedicadas al constructivismo soviético conservadas por el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), una de las vanguardias artísticas más importantes del siglo XX que, además, destacó por la presencia de mujeres artistas como Valentina Kulagina, Varvara Stepanova, Olga Rozanova o Natalia Pinus.

Ampliación del concepto de obra de arte

La muestra también incorpora la pieza ‘Disques optiques. Rotorelief’, realizada por Marcel Duchamp en 1935. La obra está formada por seis discos pintados con distintos motivos que, al girar sobre un tocadiscos, generan efectos ópticos basados en la percepción del movimiento.

Un móvil de Alexander Calder

Entre las esculturas presentes en la exposición se encuentra uno de los conocidos móviles de Alexander Calder, que revolucionaron la concepción tradicional de la escultura al introducir el movimiento real, el azar y el tiempo como elementos esenciales de la obra.

El IVAM cuenta con una de sus icónicas estructuras suspendidas, activadas por las corrientes de aire, que generan composiciones siempre cambiantes en las que el espacio y el entorno participan activamente.

El lenguaje del Pop Art

La obra ‘Blue Spark’, de James Rosenquist, representa una de las líneas fundamentales del Pop Art estadounidense. El artista desarrolló un lenguaje visual influido por su experiencia profesional como pintor de grandes soportes publicitarios.

A través de imágenes ampliadas, fragmentadas y descontextualizadas, Rosenquist trasladó a la creación artística recursos procedentes de la publicidad y la cultura visual contemporánea.

La construcción de la identidad

En el ámbito de la fotografía, la muestra alberga ‘Untitled, Film Still nº 6, Girl in black bra; white panties’, una de las series más conocidas de Cindy Sherman.

En estas fotografías, la artista utiliza su propio cuerpo para interpretar personajes inspirados en el lenguaje cinematográfico. Las obras plantean cuestiones relacionadas con la identidad, los estereotipos y la representación de las mujeres en la cultura visual contemporánea.

La pieza forma parte de los fondos fotográficos del centro valenciano, una colección pionera, ya que el IVAM fue uno de los primeros museos españoles en construir un fondo fotográfico de relevancia internacional.

El Palau de les Arts Reina Sofía estrenará cuatro nuevas producciones de ópera durante la temporada 2026-2027 con los montajes de ‘Carmen’, ‘Lohengrin’, ‘La clemenza di Tito’ y ‘Simon Boccanegra’, que se incorporarán a la programación de la Sala Principal.

Las nuevas producciones estarán dirigidas por cuatro de los ‘registas’ más reconocidos de la escena internacional: el estadounidense Ted Huffman y el sevillano Rafael R. Villalobos, dos de los valores con mayor proyección en la actualidad; y el italiano Damiano Michieletto y el barcelonés Àlex Ollé, artistas de referencia en los principales teatros del mundo.

El curso operístico de Les Arts se inaugurará el 2 de octubre con ‘Carmen’, de Georges Bizet, realizada en coproducción con el Grand Théâtre de Genève y dirigida escénicamente por Ted Huffman.

El director estadounidense regresa al teatro valenciano tras sus trabajos en ‘Les mamelles de Tirésias’, ‘Trouble in Tahiti’ y ‘L’incoronazione di Poppea’, producción supuso la primera nominación de Les Arts a un International Opera Award en la categoría de mejor producción.

Reconocido por la atención al trabajo actoral, el cuidado del detalle escénico y la fidelidad al texto y la partitura, Huffman compagina su actividad artística con la dirección del Festival de Aix-en-Provence, una de las citas de referencia de la lírica internacional.

Regreso de Wagner a la producción propia

El 10 de diciembre, Damiano Michiletto presenta ‘Lohengrin’, la primera nueva producción wagneriana de Les Arts desde 2009. El montaje se realiza en coproducción con el Teatro dell’Opera di Roma y La Fenice de Venecia.

El ‘regista’ veneciano es uno de los creadores más apreciado por el público valenciano desde su debut en Les Arts con ‘La scala di seta’, de Rossini. Desde entonces ha firmado títulos como ‘L’italiana in Algeri’, ‘L’elisir d’amore‘, ‘Il barbiere di Siviglia’, ‘La damnation de Faust’, ‘Il viaggio a Reims’, ‘Don Giovanni’ y ‘Salome’.

El creador italiano es conocido por la fuerza visual de sus propuestas y por sus lecturas contemporáneas de los grandes títulos del repertorio. En ‘Lohengrin’, plantea una lectura de fuerte carga simbólica e impactante concepción escénica, que sitúa el conflicto psicológico de los personajes por encima del componente legendario.

Rafael R. Villalobos y Àlex Ollé

La nueva producción de ‘La clemenza di Tito’, de Mozart, llegará el 21 de enero de 2027 en coproducción con el Teatro de la Maestranza de Sevilla y con la dirección escénica de Rafael R. Villalobos.

Será el segundo trabajo del director sevillano para Les Arts tras ‘Un ballo in maschera’, la coproducción internacional realizada junto a la Staatsoper Unter den Linden de Berlín. En esta ocasión, Villalobos traslada la acción a los estudios cinematográficos de Cinecittà en la década de 1940. Allí, los enfrentamientos entre estrellas y productores funcionan como metáfora de la manipulación del cine y del imaginario clásico subordinados a un discurso de grandeza imperial.

Por su parte. Àlex Ollé estrenará en febrero de 2027 su primer trabajo propio para Les Arts: ‘Simon Boccanegra’. El artista catalán, que ya había presentado en el edificio de Calatrava sus visiones de ‘Tristan und Isolde’, ‘Il trovatore’ y ‘Turandot, se adentra ahora en los conflictos y dilemas del ‘Dogo’ genovés en una de las obras más veneradas de Verdi.

Plazas operísticas de la talla de Londres, París, Milán o Berlín, se han rendido al lenguaje estético de Ollé, que combina la espectacularidad visual, en la que tecnología y arquitectura humana se ponen a disposición del drama, con una visión contemporánea que le permite trasponer acciones y tramas a espacios y periodos más reconocibles para el espectador.

Para Ollé, ‘Simon Boccanegra’ es un espejo roto del presente: sociedades fracturadas, poder agotado e instituciones incapaces de reconciliarse. Su escenografía funciona como una Torre de Babel deliberada, donde el vestuario cruza el siglo XIV con la situación política actual.

Las entradas para la temporada 2026-2027 se pueden adquirir a través de los diferentes canales de venta del teatro: taquillas, la línea telefónica 96 197 59 00 y la página web de Les Arts.

El festival Sagunt a Escena, organitzat per la Conselleria d’Educació, Cultura i Universitats a través de l’Institut Valencià de Cultura (IVC), en col·laboració amb la Diputació de València i l’Ajuntament de Sagunt, presenta l’espectacle ‘Terra de guapes’, amb el qual Sandra Monfort ret homenatge a la tradició musical valenciana.

La proposta planteja una aproximació lliure i actual al folklore valencià i traça un recorregut simbòlic per cançons populars dividit en quatre actes. La funció incorpora referències a les malaguenyes, els cants de batre, la dansa de La Moma, la Muixeranga d’Algemesí, el ball del vetlatori i el Misteri d’Elx.

Música, ‘performance’ i dansa en directe s’integren en escena per a explorar les manifestacions culturals que formen part de la tradició valenciana. Cantant, instrumentista i creadora multidisciplinària, Sandra Monfort s’ha nodrit dels arxius de la Fonoteca de materials de la Generalitat per a recuperar gravacions i repertoris tradicionals que dialoguen amb llenguatges contemporanis.

Després dels efectes de la dana, l’artista de Pedreguer va voler demostrar l’amor per les seues arrels. ‘Terra de guapes’ reunix cançons, balls, sons i ressons de les tradicions procedents de diferents punts de la geografia valenciana reinterpretats des de l’univers creatiu de l’autora.

La funció tindrà lloc el 15 d’agost, a les 22:30 hores, en el Teatre Romà de la localitat.

Un nàufrag a la deriva

D’altra banda, la programació de la secció ‘Off Romà’ inclou, també el dia 15 a les 20:00 hores, la representació de ‘Rob’, l’última creació de Teatre de l’Abast, en el Centre Cívic del Port de Sagunt.

Fundada en 2016 per Lucía Aibar, Victoria Mínguez i Ramón Ródenas, la companyia desenrotlla un llenguatge propi basat en la investigació del teatre físic en diàleg amb altres disciplines escèniques.

En l’obra, el gest i la manipulació de titelles s’unixen per a narrar la història d’un nàufrag que troba en la imaginació el seu propi bot salvavides.

L’equip artístic compta amb la participació de José Puchades (Putxa), integrant de Zero en Conducta, una de les companyies de referència del teatre d’objectes a escala nacional, que firma la coreografia junt amb Julieta Gascón.

‘Rob’ va rebre en 2025 el Premi Menkes al millor espectacle de dansa-teatre. A més, el seu protagonista, Ramon Ródenas, va obtindre el Premi de l’Associació d’Actors i Actrius del País Valencià (AAPV) a la millor interpretació masculina en 2020, i va ser candidat a millor actor en la XXIII edició dels Premis Max.

Es tracta d’una proposta per a tots els públics d’accés lliure inclosa en la programació ‘Off’ del festival, integrada totalment per companyies valencianes.

Hay obras que envejecen y otras que maduran. Hay textos que, cuatro siglos después de haber sido escritos, parecen estar esperando que alguien vuelva a abrirlos para descubrir que siguen hablando de nosotros. La dama boba, la comedia que Lope de Vega escribió en 1613, es uno de ellos. Esta versión dirigida por Josep Maria Mestres, no intenta recuperar el clásico como si de una pieza de museo se tratara, sino que aspira a demostrar que, bajo sus versos, sus enredos amorosos y sus personajes de comedia hay todavía una historia sorprendentemente contemporánea sobre el dinero, el deseo, las apariencias, los roles sociales y, sobre todo, sobre quién tiene derecho a etiquetarnos. Esta versión del clásico, adaptada por Xus de la Cruz, llega este jueves al Teatre Romà dentro de la programación de las 43 edición de Sagunt a Escena. Un montaje que se estrenó en fecha tan reciente como el pasado 28 de mayo en Madrid.

El punto de partida de La dama boba son Finea (Carolina Rubio) y Nise (Silvana Navas), dos hermanas muy diferentes. Nise es culta, ingeniosa y aficionada a la poesía; Finea, en cambio, siempre ha sido considerada la «boba» de la familia, aunque tiene algo más importante que la inteligencia: una enorme dote. Su padre, Otavio (Joaquín Notario), ha concertado su matrimonio con Liseo (Pablo Béjar), mientras que Laurencio (Carles Serrano), enamorado de Nise, empieza a interesarse por Finea cuando descubre que casarse con ella puede solucionar su situación económica. El amor y el dinero, una vez más, echándose los trastos.

Y ahí está una de las grandes virtudes de la versión de Xus de la Cruz: no pretende disimular que detrás de buena parte de los sentimientos de los personajes hay intereses muy concretos. Los hombres cortejan, se arrepienten, cambian de objetivo y vuelven a cambiarlo. Las mujeres, mientras, intentan abrirse camino en un sistema en el que buena parte de sus decisiones dependen de los que las rodean.

Pero Finea no se limita a cambiar de pretendiente. Cambia ella misma. Ese es el verdadero corazón de la obra. Laurencio comienza a cortejarla por interés y, a través de sus palabras, consigue despertar en ella algo que estaba dormido: la capacidad de pensar, de expresarse y de comprender el mundo que la rodea. El amor funciona así como una especie de educación sentimental e intelectual. La muchacha a la que todos consideran tonta empieza a descubrir que quizá el problema nunca estuvo en su inteligencia, sino en la mirada de quienes la juzgaban.

Un elenco de lujo

Y aquí aparece el trabajo de Xus de la Cruz, responsable de la versión. Formada en Dramaturgia y Dirección de Escena en la RESAD y con un máster en Estudios Feministas y de Género, ha sabido conjugar ambos ámbitos en montajes como Carta de ajuste, en el que abordaba la presión social y los modelos familiares que perpetúan los roles patriarcales.

Al frente del montaje está Josep Maria Mestres, director de larga trayectoria que en junio de 2026 fue elegido nuevo director artístico del Teatre Nacional de Catalunya. No es un recién llegado al teatro, precisamente: ha dirigido más de sesenta espectáculos. Su trayectoria incluye títulos tan diversos como Kràmpack, Dakota, La senyoreta Júlia, Los Gondra, L’herència, El padre o La cortesía de España.

Por lo que respecta al elenco, destaca la presencia de actores jóvenes, pero de solida trayectoria, que muchos reconocerán de haberlos visto en televisión. No en vano, los principales papeles participaron en series El secreto de puente viejo (Rubio, Navas o Serrano) o Las chicas del cable (Pablo Béjar, Víctor de la Fuent), lo que no significa que no cuenten también con una dilatada y reconocida trayectoria teatral.

La crítica ha destacado de esta versión de La dama boba que funciona mejor cuando deja hablar a Lope y confía en sus actores. El verso sigue teniendo una extraordinaria capacidad para producir humor, deseo y conflicto sin necesidad de demasiados adornos. En definitiva, no trata a Lope como un autor al que haya que actualizar porque esté muerto, sino como un dramaturgo que todavía tiene cosas que decir. La confortable ignorancia, los roles impuestos, la conveniencia económica disfrazada de amor y la posibilidad de que una persona cambie cuando alguien deja de verla como los demás la han definido siguen siendo asuntos perfectamente reconocibles.

Cuatro siglos después, Finea sigue teniendo que demostrar que no es tonta. La diferencia es que ahora el público puede preguntarse algo todavía más interesante: ¿quién decidió que lo era?

El Palau de les Arts Reina Sofía consolida los ‘Viernes de Danza’ en su temporada 2026-2027 con una oferta que atiende a la diversidad y riqueza de esta disciplina artística. El ciclo incluye propuestas que abarcan desde la recuperación de piezas históricas de la danza española hasta el gran repertorio clásico, pasando por la vanguardia flamenca, el hip-hop, el jazz y la creación contemporánea.

Les Ballets Espagnols de ‘La Argentina’ abrirá la programación de danza en Les Arts con dos sesiones, los días 23 y 24 de octubre, en la Sala Principal. Tras agotar las localidades en anteriores ediciones, la Compañía Antonio Najarro regresa con un nuevo homenaje a Antonia Mercé, ‘La Argentina’, figura pionera en la renovación, proyección y consolidación escénica de la danza española.

Najarro pone en escena dos títulos estrenados por la artista en París, ‘Juerga’, de Julián Bautista, y ‘Triana’, de Isaac Albéniz, a los que se unen varias piezas coreográficas de su repertorio, a partir de los figurines y decorados originales conservados de la época.

El espectáculo, que contará con la participación de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, consiste en una producción de Les Arts junto con la Fundación Juan March, el Teatro de la Maestranza de Sevilla, el Auditorio de Tenerife y el Festival de Granada, con la colaboración del Ballet Nacional de España.

Flamenco e influencias contemporáneas

El 4 de diciembre, el Teatre Martín i Soler acogerá ‘La Leona’, de Olga Pericet, Premio Nacional de Danza 2018. La coreógrafa y bailaora cordobesa se sumerge en los orígenes del cuerpo flamenco a través de un diálogo libre entre lo animal y lo instrumental, tomando como punto de partida la guitarra de Antonio de Torres conocida como ‘La Leona’, considerada el primer prototipo de guitarra española.

Acompañada por cinco músicos, Pericet propone un recorrido por la esencia del flamenco en el que alternan la rondeña, la bambera, la rumba, el fandango o la farruca. Estrenada en la Bienal de Sevilla de 2022, la pieza ha sido presentada posteriormente en ciudades como París y Londres y ofrece una aproximación femenina y ancestral al baile flamenco.

El 12 de febrero de 2027, este mismo escenario albergará ‘Le murmure des songes’, de Kader Attou y su Compagnie Accrorap. Referente internacional de la danza hip-hop, el coreógrafo invita al público a adentrarse en el universo de su infancia.

En escena, Attou presenta cuatro intérpretes que conducen al espectador por un recorrido poblado de criaturas imposibles a través de una coreografía que funde el ‘breakdance’, la danza contemporánea y momentos de delicadeza circense, entrelazados por la fuerza de la música, la ilustración y el videoarte.

‘Estela’, la nueva producción de Les Arts

En su apoyo a la creación valenciana, Les Arts encomienda a la emergente Alba Castillo su nueva producción de danza de la temporada: ‘Estela’. Su paso por la Compañía Nacional de Danza con Nacho Duato y el Ballett Theater Basel han forjado los inicios de la creadora, que cuenta con numerosas colaboraciones con compañías como el Scapino Ballet de Rotterdam, el Philadelphia Ballet o la Opéra National du Rhin.

Las coreografías de Castillo combinan dinámicas de grupo complejas con una fuerte impronta individual y movimientos que desprenden una energía arrolladora. ‘Estela’, producida por Les Arts en colaboración con Dansa València, se representará en el Teatre Martín i Soler los días 16 y 17 de abril.

Regresos de Marcos Morau y Antonio Ruz

La Sala Principal acogerá los días 7 y 8 de mayo de 2027 el regreso de La Veronal de Marcos Morau, que desde su debut en 2021 se ha convertido en una de las compañías imprescindibles en la programación de Les Arts. En esta ocasión, el coreógrafo valenciano y Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes presenta su más reciente trabajo, ‘La mort i la primavera’, cuyo estreno en la Bienal de Venecia causó sensación de público y crítica.

Inspirada en la novela póstuma de Mercè Rodoreda, la pieza, con música original en directo de Maria Arnal, construye una alegoría sobre el ciclo de creación y destrucción, la libertad creativa y la resistencia.

Tras la acogida de ‘La noche de San Juan’ la pasada temporada, la compañía del coreógrafo cordobés y Premio Nacional de Danza Antonio Ruz presentará ‘Norma’ el 28 de mayo, en el Teatre Martín i Soler.

La obra plantea una reflexión sobre el cuerpo como territorio simbólico a través de un ritual escénico que contrapone lo normativo y lo diferente, lo cotidiano y lo extraño. Una pieza de danza contemporánea que indaga en los mecanismos de inclusión y exclusión a partir del cuerpo y el movimiento.

‘El lago de los cines’ como punto final

Les Arts cierra su programación con ‘El lago de los cisnes’, símbolo atemporal de la danza, cuya combinación de virtuosismo técnico, profundidad dramática y música de Chaikovski lo han convertido en una de las obras más apreciadas de la cultura occidental.

La Sala Principal acogerá cuatro representaciones del balé, del 24 al 27 de junio de 2027, en la versión del Aalto Ballett de Essen con coreografía de Ben Van Cauwenbergh y el acompañamiento musical de la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

Las entradas para la programación de danza 2026-2027 pueden adquirirse a través de los diferentes canales de venta del teatro: taquillas, la línea telefónica 96 197 59 00 y la web de Les Arts. Asimismo, para los aficionados al género, Les Arts comercializa un abono exclusivo que reúne todos los espectáculos del ciclo.