El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) ha presentado la exposición permanente ‘La Colección del IVAM hasta hoy’ con más de 500 obras fundamentales que configuran una lectura historiográfica de las principales corrientes artísticas de los siglos XX y XXI. “Un acontecimiento muy importante”, según ha declarado la secretaria autonómica de Cultura, Marta Alonso, durante la presentación.

El IVAM lleva más de un año volcado en el proyecto que acaba de ver la luz, fruto de un intenso trabajo de todo el equipo curatorial. Un singular relato, comisariado por Blanca de la Torre, Marta Arroyo, Ramon Escrivà, Mª Jesús Folch, Yolanda Franco, Teresa Millet, Sandra Moros y Josep Salvador, que comienza en las vanguardias de principios del siglo XX y llega hasta la actualidad con más 500 obras de 266 artistas.

“La colección del IVAM vuelve a presentarse de forma permanente después de más de veinte años lo que supone devolver a la ciudadanía la posibilidad de encontrarse con uno de los patrimonios artísticos más importantes de la Comunitat Valenciana”, ha señalado Marta Alonso en la presentación en la que ha destacado la “singularidad y excelencia” de la coleccion del IVAM.

Junto a grandes pinturas y esculturas aparecen libros, dibujos, fotomontajes, publicaciones, obra gráfica o maquetas que permiten atender aquello que durante mucho tiempo “fue considerado secundario”, según Blanca de la Torre. El visitante encuentra obras emblemáticas de Sonia Delaunay, una escultura móvil de Alexander Calder y las pinturas de Equipo Crónica conviviendo con los paisajes matéricos de Jean Dubuffet, fotografías de Cindy Sherman o con piezas de la vanguardia soviética del museo.

La nueva exposición, que ocupa 1.500 m2 divididos en diez salas, muestra las obras poniendo al visitante en el centro de la experiencia museística gracias a un recorrido más accesible y dinámico. “Hay un itinerario principal de carácter cronológico que se entrelaza de forma simultánea con cuatro recorridos temáticos paralelos que giran en torno al color, las ecologías, los feminismos y los conflictos”, ha explicado Blanca de la Torre.

“Buscamos romper con la narración lineal tradicional para propiciar relatos múltiples, generar cruces críticos y abrir espacios de diálogo entre la Historia y las microhistorias”, matizó de la Torre. Como imagen de esta presentación de la colección el IVAM ha recuperado el logotipo diseñado por Andreu Alfaro incorporando los colores asociados a los distintos itinerarios de la exposición.

En este trabajo también ha sido clave el diseño museográfico realizado por el estudio Smart & Green Design, expertos en museografía sostenible y auditoria medioambiental, que han apostado por la tendencia internacional de mostrar las zonas invisibles de los museos, tal como hizo el Victoria&Albert de Londres o el Boijmans Van Beuningen de Róterdam. Por ello, la museografía elegida incorpora “estructuras creadas a partir de los tradicionales 'peines' donde se guardan las obras en el almacén, un sistema modular que podrá mutar y reutilizarse”, ha añadido la directora del museo.

De los 266 artistas expuestos el 35 % son españoles, entre los que se encuentran muchos de los Premios Nacionales de Artes Visuales y de Fotografía y Premios Velázquez. “Y están representados 39 artistas valencianos y valencianas lo que muestra que el IVAM es un museo de vocación internacional y una casa para la cultura valenciana”, subrayó la secretaria autonómica.

Recorrido cronológico por la historia del arte

Una obra de Lothar Baumgarten, presente también en la exposición, baña la cristalera de entrada al IVAM dando la bienvenida al visitante. En el vestíbulo de la segunda planta una vitrina recorre la historia del nacimiento de la colección del IVAM, un proyecto que comenzó a gestarse en 1984 y se inauguró en 1989 con dos sedes: el Centre Julio González, como edificio principal, y el Centre del Carmen, destinado a propuestas más contemporáneas e instalaciones. “El IVAM fue el primer museo de arte moderno y contemporáneo creado en España en el marco del Estado de las autonomías”, recordó Blanca de la Torre.

La primera sala de la exposición se adentra en las vanguardias históricas surgidas entre 1905 y 1930 —futurismo, cubismo, dadaísmo, surrealismo o constructivismo—, movimientos que revolucionaron el lenguaje artístico mediante el collage, la abstracción o el fotomontaje. En este contexto, la figura de Julio González ocupa un lugar central por su renovación de la escultura moderna y por su relación con creadores como Pablo Picasso o Constantin Brancusi.

La segunda sala reúne uno de los fondos de arte soviético más importantes de Europa, con una destacada colección de carteles, diseño gráfico y fotomontajes. El espacio establece, además, un diálogo con las utopías de la Bauhaus y el movimiento De Stijl, representado por artistas como Piet Mondrian o Theo van Doesburg, que defendieron la unión entre arte, tecnología y transformación social.

El itinerario continúa abordando la convulsa década de 1930 en la que el arte se convierte en un instrumento de compromiso político y propaganda, mientras París se consolida como refugio de artistas exiliados y escenario de debates entre abstracción, surrealismo y nuevos realismos.

A continuación, se exploran las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial a través del Informalismo europeo y el Expresionismo abstracto, corrientes que apostaron por la gestualidad, la materia y la experimentación con materiales como arena, serrín o polvo de vidrio.

La quinta sala se centra en el Informalismo español y el Arte Normativo, dos tendencias surgidas en el contexto de la apertura internacional del franquismo. Aquí también se muestra el arte geométrico y la importancia que desempeñó el Centor de Cálculo en figuras como Soledad Sevilla e Yturralde. Incluye también un espacio dedicado al fotógrafo valenciano Gabriel Cualladó y a autores como Henri Cartier-Bresson, Robert Frank, Miguel de Miguel o Joaquín Collado, que renovaron la fotografía documental y humanista.

La muestra avanza con el nacimiento del arte pop, ligado al auge del consumo de masas y a las transformaciones sociales de las décadas de 1950 y 1960.

Las salas séptima y octava recorren las décadas de 1960 y 1970, marcadas por el Mayo del 68, el feminismo o el movimiento Black Power. El recorrido muestra el paso del minimalismo al arte conceptual, la performance y el arte corporal, así como la consolidación del vídeo y la fotografía como medios artísticos autónomos y el desarrollo del apropiacionismo como crítica a los estereotipos y a las relaciones de poder.

La exposición también se centra en las décadas de 1980 y 1990, cuando la instalación se consolida como uno de los lenguajes fundamentales del arte contemporáneo y surgen nuevas reflexiones en torno a la identidad, la memoria, el cuerpo y la globalización.

Finalmente, la última sala reúne obras realizadas a partir del año 2000 y plantea cuestiones esenciales de nuestro presente: la crisis ecosocial, los conflictos contemporáneos, las identidades, los feminismos y las nuevas formas de representación, abriendo el recorrido hacia los interrogantes y desafíos del futuro.

La exposición trasciende los límites de las salas expositivas y se expande por distintos espacios del museo, donde el visitante encontrará obras de Natividad Navalón y Tom Otterness distribuidas por los vestíbulos y tres esculturas de Miquel Navarro situadas en la explanada, prolongando la experiencia de la muestra más allá de la visita convencional.

Cuatro recorridos temáticos

Junto al itinerario principal de carácter cronológico, se proponen cuatro recorridos temáticos paralelos que giran en torno al color, las ecologías, los feminismos y los conflictos.

El primero de ellos analiza el conflicto como una constante de la historia contemporánea y muestra cómo el arte ha servido para denunciar la violencia, construir memoria y cuestionar los relatos oficiales. Incluye obras que van desde la exaltación bélica del futurismo, representada por Guerrapittura (1915), de Carlo Carrà, hasta la crítica política de los fotomontajes de John Heartfield o la propaganda de la Guerra Civil española con piezas de Pere Català Pic y de Josep Renau.

El eje ‘Ecologías’ reflexiona sobre la relación entre ser humano y naturaleza y sobre las consecuencias de la explotación del territorio y la crisis ambiental a través de obras de Gerhard Richter, Gilles Aillaud, Hamish Fulton o José Saborit. La conciencia ecológica se hace visible también en las piezas de Robert Rauschenberg y en el land art de Robert Smithson.

El recorrido sobre ‘Cromatismos’ explora el color como un elemento autónomo capaz de generar emociones, estructuras visuales y experiencias perceptivas. Comienza con obras de las vanguardias de María Blanchard y Hans Richter, y continúa con las investigaciones cromáticas de Robert y Sonia Delaunay, František Kupka o Bart van der Leck. También aborda el uso matérico del color en el Informalismo, con obras de Manolo Millares y las investigaciones ópticas y cinéticas de Eusebio Sempere.

El itinerario ‘Identidades’ recorre la colección del IVAM desde una perspectiva de género para analizar cómo distintos movimientos, del surrealismo y el constructivismo al arte pop y las prácticas feministas y queer, han cuestionado las nociones de identidad y representación. A través de obras de artistas como Claude Cahun, Grete Stern, Lee Krasner, Cindy Sherman, Sanja Iveković, Pepe Espaliú o Zanele Muholi, el recorrido aborda la construcción social del género, las relaciones de poder y las identidades no normativas, entendiendo el arte como un espacio de crítica y transformación.

La Orquestra ADDA Simfónica Alacant abría el pasado 13 de junio las intervenciones de las grandes orquestas públicas de la comunidad autónoma en el Festival Llíria City of Music. Dirigía su titular, Josep Vicent, quien creó la formación en 2018. Al piano, la ucraniana Anna Fedorova (Kíiv, 1990). Interpretaban la Rapsodia sobre un tema de Paganini de Sergei Rachmaninoff, obra de gran brillantez y complejidad técnica. De las 24 variaciones que contiene, la número 18 es la más célebre, con la inversión del tema en una escritura de vuelo romántico. Ha sido utilizada en diversas películas, como la Sabrina de Sidney Pollack. Al poco de empezar esa variación, sonó un móvil. Una señora se levantó de su localidad, en una de las primeras filas, con el teléfono en la mano, y se dirigió hacia el fondo de la sala. Un nuevo sonido de móvil reapareció coincidiendo con un silencio hacia el final de la variación. Sin dejar de tocar, Fedorova se giró hacia el patio de butacas con expresión contrariada.

Al acabar, los aplausos hicieron volver al escenario a pianista y director, quien anunció que, por deseo de la solista, repetirían la variación número 18, una vez que todos los asistentes se aseguraran de tener los móviles en silencio. Ya no hubo interferencias y la música de Rachmaninoff sonó en toda su delicada belleza. La pianista había ofrecido una versión electrizante, enérgica, profunda de la obra, con vigorosos momentos de fortissimo, y una técnica deslumbrante. Esta composición, que está considerada como uno más que añadir a los cuatro conciertos para piano y orquesta que escribió el músico ruso, data de 1934 y fue estrenada el mismo año en Baltimore, con el compositor al piano y Leopold Stokowski dirigiendo la orquesta. En cuanto al nombre de Rachmaninoff, utilizo la transcripción que él usaba durante su exilio en Estados Unidos, que es la más empleada últimamente por expreso deseo de sus descendientes.

Tras el descanso, completaba el programa la Sinfonía número 1 de Gustav Mahler. Escrita en 1888 por un compositor de 28 años y estrenada en 1889 en Budapest, es, con la Cuarta, la más breve de su ciclo, con una duración en torno a una hora, ya que el resto, excepto la incompleta Décima, llegan a la hora y media. Fue presentada como un poema sinfónico en cinco movimientos, que incluía en segundo lugar el Andante titulado Blumine, luego suprimido. Tras haber escrito títulos para sus cinco partes, Mahler los eliminó en 1892 para dar al conjunto el de Titán, tomado de una novela de Jean Paul. Finalmente, descartó el título y el segundo movimiento para publicarla en 1897 con los cuatro actuales. Cuando se estrenó en Viena, en 1900, recibió buena acogida del público, pero una muy hostil crítica de Eduard Hanslick, defensor de Brahms y furibundo enemigo de Wagner, caricaturizado como Beckmesser en Los maestros cantores de Núremberg.

La orquesta presentaba una gran plantilla, con amplia cuerda de 50 profesores, las nutridas maderas y metales, y los dos juegos de timbales que prescribe Mahler, arpa y percusión. La configuración del teatro hacía que la cuerda y el arpa se situasen en el proscenio y el resto hacia el fondo que, al carecer de concha acústica, proyectaba menos el sonido. Josep Vicent se esforzó por equilibrar los planos sonoros y condujo una versión intensa, sentida, con contrastes marcados, en una obra que presenta tan amplia paleta de timbres y sensibilidades.

Misterioso sonó el inicio de nota mantenida en las cuerdas, que Theodor W. Adorno denominó “suspensión”, como recuerda José María Perea en sus notas al programa. Luego aparecen las evocaciones de aves en las maderas antes del alegre tema que cantan los violonchelos. El segundo movimiento (Kräftig bewegt) fue marcado por Vicent con la intensidad y movimiento que indica el compositor, y una cuerda que brilló especialmente. El sentido solo de contrabajo, con el célebre Frère Jacques en modo menor abrió el tercer movimiento, en que el director supo destacar los contrastes entre lo grotesco y lo trágico tan característicos de Mahler. En el enérgico Stürmisch bewegt final hubo grandes diferencias entre el carácter tormentoso con que se inicia y acaba y los momentos de lirismo, subrayados con mimo. El público aclamó con intensos aplausos a orquesta y director.

La editorial Bromera ha irrumpido en el debate sobre el conflicto educativo valenciano con un comunicado en el que advierte ante las medidas de presión que, en el marco de las movilizaciones docentes, proponen frenar o boicotear la adquisición de material didáctico. La firma —que agrupa a un equipo multidisciplinar de autores, ilustradores, editores, pedagogos y docentes en activo— ha hecho un llamamiento a la responsabilidad para evitar que las protestas acaben perjudicando al propio tejido cultural autóctono.

La editorial ha querido dejar clara su sintonía con las reivindicaciones laborales del profesorado de la escuela pública valenciana y su necesidad de trabajar “con dignidad”. Sin embargo, insisten en que las medidas de presión deben “dirigirse en la dirección adecuada” para no dañar de forma colateral a la lengua y a la cultura que se intenta proteger en las aulas.

Desde Bromera apelan a la comunidad educativa y le recuerdan que las empresas editoriales valencianas no forman parte del problema político, sino del propio ecosistema que los sindicatos defienden. “Las editoriales no decidimos las ratios, no hacemos las leyes educativas y no fijamos los presupuestos públicos”, subraya Bromera, y apunta que la responsabilidad de dar respuesta a las demandas del sector educativo recae única y exclusivamente sobre la Conselleria de Educación.

En este sentido, la editorial valenciana considera contraproducente que se traslade la tensión del conflicto laboral a los proveedores de material didáctico. Según argumentan, este tipo de acciones van “en detrimento de todos los agentes implicados en la educación pública en valenciano”, a la que definen como una estructura vulnerable que depende de que sigan existiendo herramientas pedagógicas de calidad en la lengua propia.

El impacto económico y cultural en el sector

Asimismo, ponen en valor el peso estratégico de la industria editorial en la Comunitat Valenciana, y recuerdan que la elección de proyectos educativos locales va mucho más allá de la mera compra de manuales escolares. “Cuando un centro apuesta por una editorial valenciana, sostiene una red cultural y educativa arraigada al territorio que hace posible la existencia de materiales en valenciano de calidad”, defienden.

De igual modo, destacan que el consumo de estos materiales contribuye directamente al mantenimiento de empleos cualificados en la región —maquetistas, traductores, correctores y diseñadores— y financia de forma indirecta actividades fundamentales para el fomento de la lectura, tales como encuentros con autores en colegios, proyectos en bibliotecas y actividades culturales externas.

“Nosotros continuaremos al vuestro lado. Lo hemos estado siempre”, concluye el comunicado de Bromera, con el que la editorial busca blindar la producción de contenidos en valenciano en mitad de un escenario de máxima tensión entre la conselleria y los sindicatos docentes.

El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) ha presentado su nueva imagen corporativa en la que apuesta por una identidad actual, dinámica y sostenible, sin perder los elementos que han marcado su identidad durante las últimas décadas. El nuevo diseño se desplegará gradualmente en todos los soportes de comunicación, la señalética o el propio espacio arquitectónico.

La directora del IVAM, Blanca de la Torre, ha asegurado que “el cambio no se plantea como una ruptura con el legado histórico del IVAM, sino como una reinterpretación contemporánea de una identidad que forma parte del patrimonio cultural valenciano”.

El logotipo mantiene las características asociadas históricamente a la marca IVAM, y ahora se articula en torno a un concepto central: la nueva dimensión, el arte visto desde otra perspectiva en la que el IVAM deja de ser únicamente un espacio de contemplación para convertirse en un lugar de experiencia.

El sistema visual traduce esta idea a través de un lenguaje basado en la perspectiva. Así, la identidad del IVAM se construye mediante planos que incluso se deforman, generando composiciones dinámicas y en constante transformación.

Un aspecto novedoso es la utilización de una paleta de colores muy viva, que ayudará a identificar fácilmente los diferentes espacios y las actividades del IVAM. Además, contempla el empleo de un sistema gráfico versátil que convierte las comunicaciones del espacio expositivo hacia las audiencias en procesos simples y aplicables en múltiples soportes o formatos requeridos para su correcta implementación.

Blanca de la Torre también ha destacado que el proyecto “apuesta por una reducción de la materialidad, priorizando la accesibilidad y la inclusión con soluciones sostenibles y modulares, así como por una mayor presencia de lo digital como canal de relación con los públicos”.“Una actualización de nuestra identidad visual para proyectar una visión contemporánea y abierta a los retos culturales, sociales y medioambientales que están por venir”, ha concluido la directora del museo.

El 25 de abril de 1926, hace ahora poco más de cien años, Arturo Toscanini dirigió el estreno en La Scala de Milán de la última ópera de Puccini, Turandot, con el tenor español miguel Fleta en el papel de Calaf. El compositor había muerto el 29 de noviembre de 1924 sin acabar el último acto, que fue completado por Franco Alfano. Toscanini llegó hasta el coro Liù… Bontà!, lo último que escribió Puccini, detuvo la interpretación y se dirigió al público para decir: “Aquí concluye la ópera, porque en este punto murió el maestro”. Fue la única vez que lo hizo, porque en las demás representaciones incluyó el final de Alfano. El dictador Benito Mussolini quiso asistir, pero finalmente no lo hizo, al negarse Toscanini a interpretar, antes de la representación, el himno fascista Giovinezza.

El Palau de les Arts ha presentado para cerrar la temporada 2025-26 una nueva producción, procedente de Tokio y dirigida por Àlex Ollé, responsable de la que ofreció Les Arts de Tristan und Isolde en 2023, con dirección musical de James Gaffigan. Muy diferente de la de Chen Kaige que Les Arts ha ofrecido en cuatro ocasiones, la de Ollé, con escenografía de Alfons Flores, iluminación de Urs Schönebaum y vestuario de Lluc Castells, es oscura, con predominio de negros y blancos, y unos juegos de escaleras a izquierda y derecha que recuerdan los cuadros de Max Escher. Una plataforma central que baja y sube contiene el palacio del emperador y Turandot.

El movimiento escénico es interesante y la plataforma, efectiva para realzar las figuras de Turandot y el emperador. Ese elemento, junto con las escaleras laterales, contribuye a fijar el interés en el centro del escenario, donde se desarrolla la acción principal. La escenografía resulta plásticamente atractiva, aunque puede que excesivamente oscura. Hay, sin embargo, algún elemento de la producción, como el hecho de que Turandot se quite la vida al final, en contra de lo que indica el libreto, que me parece francamente desafortunado. No deja de ser sorprendente que, en la época del máximo respeto a las partituras de ópera y al texto cantado, los directores de escena sigan caminos que en ocasiones atentan contra el sentido de las obras. La libertad artística para hacer producciones creativas e innovadoras debería ser compatible con el respeto al sentido de la historia original que se representa.

Puccini dispone una orquesta tímbricamente muy rica, con amplia y variada percusión, dos arpas y teclados, que Mark Elder dirigió con precisión y atención al detalle, siempre al servicio de las voces. El director musical de Les Arts demuestra a sus 79 años una excelente forma artística y la orquesta sonó espléndida. Magníficos también los coros, tan importantes en Turandot.

En cuanto a los cantantes, el tenor estadounidense Gregory Kunde, exhibió a sus 72 años unas condiciones vocales extraordinarias, con potencia, impecable línea de canto y muy redondos agudos en el papel de Calaf. Si el diálogo de los enigmas con Turandot en el segundo acto fue emocionante, el celebérrimo Nessun dorma, al principio del tercero, arrancó un encendido aplauso del público. La mezzosoprano bielorrusa Ekaterina Semenchuk, que ya ha hecho la Turandot en el Liceu, cantó con potente voz carnosa, en un rol habitualmente interpretado por sopranos, al que dota de una energía que casa bien con la caprichosa princesa de hielo que consigue deshelar Calaf. Deliciosa la Liù de la soprano boliviano-albanesa Carolina López Moreno, de muy bello timbre, magnífica línea de canto, con espléndidos agudos y dominio del volumen. Emocionante en Signore, ascolta, del acto primero, y en el dramático tercer acto. Josep Fadó hizo un noble emperador Altoum y Liang Li, un adecuado Timur, padre de Calaf, en un elenco todo él de gran calidad. El público aplaudió con calor y entusiasmo.

Un siglo después del estreno póstumo de Turandot, la última obra de Puccini muestra una gran vitalidad, pues sigue atrayendo a los públicos de todo el mundo. No solo por la música, también por el texto poético de la extraña historia de la princesa de hielo que hace decapitar a sus pretendientes si no aciertan el juego de las adivinanzas: “Los enigmas son tres, la muerte es una”.

La ciudad de Llíria, reconocida por la Unesco como Ciudad Creativa de la Música en 2019, reúne este año a las principales orquestas valencianas en el Festival Llíria City of Music, que dirige el director de orquesta Cristóbal Soler. Los conciertos se iniciaron el pasado día 5, con la actuación del conjunto que lleva el nombre del festival, integrado por músicos de Llíria o con vinculación a la ciudad. Soler y el alcalde, Paco Gorrea, presentaron el festival al inicio del primer concierto en el Teatro de la Unión Musical de Llíria.

Una formación de proporciones clásicas, en la que había profesores jóvenes y veteranos, algunos de ellos pertenecientes a la Orquestra de València, presentó un programa integrado por la Obertura de Le nozze di Figaro, una de las más célebres óperas del compositor de Salzburgo, con libreto de Lorenzo da Ponte: el Concierto para flauta, arpa y orquesta, y la Sinfonía número 40. El público, que no llenaba todo el aforo del teatro, siguió el concierto con interés y en silencio. A diferencia del que llenaba el Palau de la Música tres días antes, no interfirió con toses, sonidos de móviles y otros ruidos.

El director murciano Daniel Ros, dirigió la obertura con pulso animado, que siguió la orquesta con entrega y buen sonido. Quizá habría sido deseable una mayor homogeneidad en la cuerda, especialmente en los primeros violines. A continuación, un concierto de Mozart que se prodiga menos de lo que sería deseable, el de flauta, arpa y orquesta, único que escribió para esa combinación. Probablemente lo poco habitual de unir estos dos instrumentos en una obra concertante es lo que hace que no se toque demasiado. En cualquier caso, esta obra, de 1778, es de una grácil belleza y respira alegría. La arpista valenciana Noelia Cotuna desplegó una interpretación cristalina, con un bello fraseo y gran dominio técnico. El flautista Federico Peris Pando aportó un sonido delicadamente aterciopelado y ambos ofrecieron una versión brillante, bien acompañada por la orquesta, que fue aplaudida por el público, aunque no hubo bises.

Diez años posterior es la Sinfonía número 40, única en tonalidad menor de las tres últimas que compuso Mozart en 1788 y la penúltima de la serie que acaba con la Júpiter, que tiene el número 41. Ninguna de ellas se estrenó en vida de Mozart, quien murió en 1791, el año de La flauta mágica y el Réquiem, que dejó inacabado. A diferencia de la obra anterior, la 40 es una sinfonía de marcado aire prerromántico, cuyo primer movimiento expresa una suave melancolía. Ros dirigió una versión intensa de la obra, de tempo animado, que fue muy aplaudida.

Emma Zafon (Llucena, 1987) fa una immersió en la realitat no només de l’espai que retrata— amb la seua segona novel·la, La mare. Després de deixar-nos bastant bocabadats amb Casada i callada (2023), Zafon torna a la ficció amb una història de família, ambientada de nou als pobles dels voltants de Castelló, un territori i una societat que coneix de primera mà.

Amb talent literari, un ritme trepidant, una mica de “mala llet”, i molt de sentit de l’humor i agilitat, la periodista i escriptora crea un relat que penetra en temes fins ara a penes explorats per la ficció valenciana recent, potser massa fixada en la memòria històrica en sentit ampli, com ara la idiosincràsia de la gents dels pobles castellonencs, una manera de ser i viure, matisada en cada poble, però connectada també per una parla i uns costums, no sempre molt lloables, com els bous al carrer i la cacera, o el masclisme inveterat.

A partir de l’accident que sofreix la mare (mare i àvia), l’equilibri familiar trontolla i l’harmonia comença a badar-se per tots els costats. Aleshores ixen a la palestra els malestars entre els tres germans, Lorena, Robert i Àlex: secrets, rancúnies, retrets, i altres coses... També l’actitud i el comportament respecte a la vida, als pares i a les seues respectives parelles.

Tot això és el teló de fons i la maquinària que fa rodar altres temes: la crisi de la rajola a partir de 2008, l’estafa de les preferents —un gran frau bancari a Espanya entre 2009 i 2011— el terrabastall del “fabrisme” polític, i les seues obres faraòniques (d’estar per casa): els camps de golf i l’aeroport de Castelló, més conegut com “aerotort”.

I encara més enllà de tot això, un retrat àcid i punyent —entre costumista i caricaturesc, agafant el millor de cada cosa— sobre els conflictes de família, la mediocritat d’alguns matrimonis, les frustracions sexuals i el sentiment d’arrelament i pertinença que acaba marcant les vides, per a bé o per a mal, pensaments que l’autora posa en boca dels protagonistes, com ara Lorena, qui amb Enrique regenta un els bars més populars del poble, amb callos com a tapa estrella: “Lorena va entendre que algú s’havia equivocat en inventar el matrimoni per una banda i el desig per una altra. Perquè ella seguia volent que el seu marit fora Enrique, un home senzill i complidor i pare de la família, però alhora era conscient que amb qui volia follar era amb Avelino, un samarro amb una vida provisional i un pis que pudia a mascle i a tabac”.

Zafon coneix molt bé la diferència entre això que ella fa i el costumisme –aquesta mena de realisme-naturalisme que celebra una manera de fer i ser amb certa enyorança, i que és pur tradicionalisme. Per això, en La mare no hi ha enyorança: hi ha retrospectiva, visió, herència, testimoni, radiografia de costums i maneres de viure i ser, reflexió crítica i, sobretot, un bri d’esperança per a les dones. Al capdavall, millor superar el passat que no pas celebrar-lo, i encara menys, plorar-lo.

Diàlegs i escenaris

En els articles d’Ema Zafon els pensaments ragen sense pels a la llengua. I en literatura, continua dient el que pensa o, millor encara, li ho fa dir als altres, als personatges. La mare és, així dons, un bany de realitat, una paròdia de la vida dins i fora de les convencions (que en els ambients rurals són més aviat opressives), del desencant de l’amor, de les estretors de la monogàmia.

Els capítols, no massa llargs, ens duen d’una ambientació a una altra, totes palpables, creïbles. Sembla que camines per la cuina, per les cambres, pel bar, pel mas... I de tant en tant, alguns salts en el temps, pels quals transcorre el relat sense trontollar, perquè està tan ben lligat com l’allioli que feia mon pare. M’atreviria a dir, a més, que, després de Ferran Torrent, Emma Zafon és la mestra dels diàlegs: són divertits, àgils i rodons. No hi sobra ni una coma.

I per si fos poc, el detall de la llengua. Zafon ha dut la parla d’una part de les comarques de Castelló a la creació literària, incloent castellanismes flagrants. Una llengua viva que demostra que el valencià del poble és el valencià de molts pobles i que per això, aquells que reivindiquen escriure el valencià com es parla, no tenen ni idea del que diuen. Com tota llengua, els valencians necessitem un estàndard de prestigi, i després, els escriptors ja aniran fent en la ficció, alguns amb més o menys gràcia i encert. Al capdavall, són els grans creadors de llengua.

El Festival de Música Antigua de Valencia, Música, Historia y Arte (MHA) acogerá la sexta edición de Música Medieval en San Juan del Hospital en el que se ofrecerán tres conciertos a cargo del Ensemble Alfonsí, Al Tayr Ensemble y Capella de Ministrers que se celebrarán en la iglesia más antigua de Valencia, construida en la ciudad después de la Reconquista sobre un territorio cedido por el rey Jaume I, los días 9, 11 y 12 de junio. El ciclo, organizado por la Asociación Cultural Comes, se consolida con unas propuestas en torno al medievo en las que se promueve y difunde la música histórica.

San Juan del Hospital albergará el concierto del Ensemble Alfonsí que ofrecerá el programa Santa María: espejo de virtud que profundiza en la relación simbólica y espiritual entre la figura de la Virgen María y las tres virtudes teologales: fe, esperanza y caridad. Para esta propuesta, la formación, integrada por intérpretes de referencia de la música antigua como Jota Martínez (percusiones, cítolas, laúdes, violas de rueda, canto y dirección), Eduard Navarro (laúd, guiterna, gaita, chirimía y xalomó) y César Carazo (canto y viola de brazo), tomará como eje el rico repertorio del cancionero medieval de Alfonso X el Sabio, el martes 9 junio a las 20.30 horas.

El concierto propondrá un recorrido que pone en diálogo algunas de las Cantigas de Santa María, compuestas en el siglo XIII, con las virtudes teologales: la fe, entendida como confianza absoluta en la intercesión divina; la esperanza, reflejada en los relatos de salvación y auxilio mariano; y la caridad, visible en los gestos de misericordia y amor que la Virgen dispensa a los fieles. De este modo, la figura de Santa María se presenta como un auténtico “espejo de virtud”, en el que el creyente medieval, y también el oyente contemporáneo, puede reconocerse e inspirarse.

Al Tayr Ensemble brindará El viaje de Abendino, tradiciones musicales de Europa y Oriente Próximo, un periplo musical que narra el éxodo de un judío sefardita desde su Granada natal hasta Constantinopla, fruto de la expulsión ordenada por los Reyes Católicos en el año 1492. Durante su viaje, entra en contacto con una pluralidad de realidades culturales, religiosas y musicales, no exentas de peligros, hasta su establecimiento definitivo.

El trío de intérpretes e investigadores especializados en Música Antigua y Etnomusicología, formado por Jon Wasserman (voz y cuerda pulsada), Olga Rodon (flautas) y Alberto Espinosa (percusión), incluirá en el programa la lectura de textos poéticos de autores sefarditas y documentos históricos, que enmarcan la narración y explican el desarrollo de los acontecimientos mediante composiciones renacentistas y medievales (tomadas del Cancionero de Palacio y del Codex Squarcialupi, entre otros), combinadas con canciones sefarditas, música clásica andalusí y piezas de tradición oral de los Balcanes y Anatolia, utilizando instrumentos históricos y tradicionales de las diferentes culturas del Mediterráneo en un concierto que tendrá lugar el jueves 11 junio a las 20.30 horas.

Músicas en femenino

Capella de Ministrers, dirigida por Carles Magraner, clausurará el ciclo con el programa Revelaciones celestiales, músicas en femenino en torno a Hildegarda de Bingen en un concierto en el que la formación, un referente nacional e internacional en la música histórica, traza un itinerario espiritual y simbólico que combina música y pensamiento medieval, poniendo en valor la creatividad, la espiritualidad y el legado intelectual femenino.

La obra de la polímata alemana, compositora, escritora, filósofa, científica, naturalista, médica, mística, líder monacal y profetisa en la Edad Media, se amplía con un repertorio de piezas vinculadas al proyecto La Cité des Dames, inspirado en la obra de la filósofa, poeta humanista y escritora francesa Christine de Pizan, que plantea una simbólica ciudad de mujeres como espacio de pensamiento alternativo al discurso patriarcal. Para este repertorio, Magraner (viola y viella) contará con la soprano Èlia Casanova, y los músicos Eduard Navarro (chirimías, laúd, cornamusa) y Robert Cases (arpa y cítola) que actuarán el viernes 12 a las 20.30 horas.

Conversación con los músicos

Como en años anteriores, a cada uno de los tres conciertos les precederá una presentación, a las 19.30 horas, y una charla con sus protagonistas, que intercambiarán impresiones y compartirán el trabajo artístico y los detalles del repertorio que abordarán posteriormente. El público podrá conversar y preguntar a los músicos, lo que supone que esta experiencia, un sello distintivo del ciclo, sea muy especial. Las entradas se pueden adquirir en la página web sanjuandelhospital.es y en taquilla.

La Asociación Cultural Comes, una entidad cultural sin ánimo de lucro, tiene como objetivo conjugar la música, la historia y el arte en enclaves de singular belleza como este marco extraordinario y único de la ciudad donde se desarrollará el ciclo Música Medieval en San Juan del Hospital que acogerá unas interesantes propuestas musicales en una edición que contará con la presencia de prestigiosos intérpretes y artistas.

L’Ajuntament de Llíria inaugura este divendres el Festival d’Orquestres ‘Llíria City of Music’, una nova proposta cultural que convertirà la ciutat en punt de trobada de les principals formacions simfòniques de la Comunitat Valenciana. El certamen naix amb el lema “2000 anys de patrimoni, formació i excel·lència”, una declaració d’intencions que connecta la trajectòria històrica de Llíria amb la seua identitat musical contemporània i la vocació formativa.

Reconeguda internacionalment com a Ciutat Creativa de la Música per la UNESCO, Llíria reforça amb este festival el seu paper com a referent musical valencià i com a escenari privilegiat per a la difusió de la música simfònica. Organitzat per l’Ajuntament de Llíria, a través de la Regidoria de Música, el festival reunix orquestres de primer nivell, directors de prestigi i solistes destacats en una programació que combina talent local, excel·lència artística i projecció internacional.

L’alcalde de Llíria, Paco Gorrea, ha destacat que donar vida a este festival “suposa no sols un motiu d’orgull, sinó també una gran oportunitat per a fomentar l’intercanvi artístic i cultural”. En este sentit, ha subratllat la importància d’una cita que posa en valor “la identitat musical de la nostra ciutat” i que omplirà Llíria de “música i sentiment col·lectiu”.

La regidora de Música, Mª José Llopis, ha afirmat que Llíria “respira música en cada racó, en cada societat musical, en cada aula i en cada escenari”. La responsable municipal ha remarcat que este festival “és el reflex viu d’eixa essència que ens definix i que compartim amb orgull”, alhora que ha posat en valor el treball dels serveis municipals i de totes les persones implicades en l’organització.

El director artístic del festival, Cristóbal Soler, ha assenyalat que es celebra “molt més que un festival: celebrem l’excel·lència”. Soler ha destacat que el Festival d’Orquestres ‘Llíria City of Music’ “naix amb la vocació de convertir-se en la trobada més important d’orquestres simfòniques de la Comunitat Valenciana, reunint formacions representatives del més alt nivell artístic del territori”.

Programació del festival

La programació començarà este divendres 5 de juny, a les 20.00 hores, al teatre de la Unió Musical, amb l’Orquestra Simfònica “Llíria City of Music”, sota la direcció de Daniel Ros, en un concert d’entrada lliure dedicat a Mozart. Ros va ser el guanyador del Premi Especial AESDO en el Concurs Internacional d’Orquestres ‘Llíria City of Music’ de 2021.

El festival continuarà el 13 de juny, a les 20.00 hores, al Teatre de la Unió Musical, amb l’Orquestra ADDA·Simfònica Alacant, dirigida per Josep Vicent i amb Anna Fedorova al piano. El 2 de juliol, a les 20.00 hores, al teatre de la Banda Primitiva, actuarà l’Orquestra de València, dirigida per Alexander Liebreich, amb Antonio Galera com a solista. El 10 de juliol, a les 20.00 hores, també al teatre de la Banda Primitiva, serà el torn de l’Orquestra de la Comunitat Valenciana, dirigida per Pablo Rus Broseta i amb la mezzosoprano Lora Grigorieva. Finalment, el 17 de juliol, a les 20.00 hores, al teatre de la Unió Musical, tancarà el cicle la Jove Orquestra de la Generalitat Valenciana, dirigida per Jordi Francés, en un concert d’entrada lliure.

Amb esta iniciativa, Llíria convida veïns, veïnes, visitants i amants de la música a disfrutar d’una programació excepcional i a compartir l’orgull d’una ciutat que fa de la música una part essencial de la seua identitat, del seu patrimoni i del seu futur.

El violinista francés Renaud Capuçon (Chambéry, 1976), ofreció el pasado día 29 un gran concierto con la Orquestra de València, en el que, además de mostrar su reconocido virtuosismo con el violín, actuó como director, actividad en la que se prodiga en los últimos tiempos. Hermano del chelista Gautier Capuçon, es artista residente del Palau de la Música la presente temporada, y el día anterior había ofrecido un programa de cámara en la Sala Rodrigo con solistas de la OV. El concierto de la Sala Iturbi presentaba una buena entrada, aunque con notables claros. Probablemente se deba a la amplia y variada oferta musical que presenta Valencia en los últimos tiempos.

El programa se abría con la muy célebre Obertura trágica de Brahms, estrenada por el propio compositor junto con la Obertura para un festival académico, que lleva el número de opus anterior, en Meiningen en 1881. Contemporáneas en la composición, tienen un carácter opuesto: sombrío la Trágica, festivo y alegre la Académica. Capuçon ocupó el podio, batuta en mano, para ofrecer una versión intensa, por momentos apasionada, dirigiendo con continuos y animados movimientos corporales, siempre con elegancia. La orquesta respondió con entrega y muy bello sonido en todas las secciones.

Tras los aplausos y la retirada del podio, Capuçon volvió con su violín. Se trata de un extraordinario Guarneri del Gesù de 1737, el denominado Panette, que perteneció durante 50 años al violinista norteamericano Isaac Stern. En los atriles, una obra poco frecuentada por los violinistas, el Concierto de Schumann. A diferencia de lo que ocurre con los conciertos para piano o para violonchelo del mismo autor, el de violín no goza de la misma fama. Compuesto en 1853, tres años antes de su muerte, fue dedicado a Joseph Joachim, quien nunca lo interpretó. Clara, la viuda de Schumann, lo excluyó en la edición que hizo de su obra y no se ejecutó en una sala de conciertos hasta 1937, cuando Georg Kulenkampff lo estrenó en una versión revisada por él mismo. De la escasa popularidad de la obra puede dar una idea el hecho de que la OV no lo haya tocado hasta fecha muy reciente: el 25 de mayo de 2015, en aquella ocasión con Isabelle Faust como violín solista.

Muy bien acompañado por una Orquesta de Valencia algo aligerada en la cuerda con respecto a la obra anterior, Capuçon tocó con entrega la obra maldita de Schumann. Si bien es cierto que no está a la altura de conciertos como el de Beethoven, el de Mendelssohn o el de Brahms, el violinista francés desplegó con brillantez su gran dominio técnico e hizo una exhibición de sonido con su Guarnerius. Muy redondos agudos, maravillosas dobles cuerdas y precisas agilidades siempre con exacta afinación. Intenso lirismo en el segundo tiempo (Langsam). El público aplaudió con intensidad, pero no hubo bis.

Con ser interesante lo escuchado, quedaba aún la obra más densa del programa. Mucho se ha dicho que Brahms tardó en acabar su primera incursión en el mundo sinfónico, cohibido por la sombra musical de Beethoven, “ese gigante cuyos pasos siempre escucho a mis espaldas”. Cuando su Primera sinfonía fue estrenada en Karlsruhe en 1876, el compositor contaba 43 años. El éxito que tuvo lo animó a componer enseguida una nueva sinfonía. Lo hizo el verano siguiente en Pörtschach, a orillas del Wörthersee, un bello lago en el Land austriaco de Carintia, junto al cual años después Gustav Mahler escribiría varias sinfonías y en 1935 Alban Berg su célebre Concierto para violín “A la memoria de un ángel”. La obra tiene un aire pastoral y optimista, y es una impresionante muestra de la extraordinaria capacidad de construcción musical de Brahms a partir de la pequeña célula de tres notas (re-do sostenido-re) con que se inicia. Sobre esa obra el compositor dijo en una ocasión al crítico Eduard Hanslick que “vuelan alrededor tantas melodías que uno ha de tener cuidado para no pisarlas”.

Tras el descanso, Capuçon volvió a ocupar el podio y dirigió la sinfonía de Brahms con movimientos más contenidos. Sonó misterioso el inicio en los violonchelos y contrabajos, con la deliciosa respuesta de las trompas. Extraordinario el fraseo de la cuerda y los vientos, con el solo de trompa de Santiago Pla. Toda la obra presentó una interpretación cuidada, profunda, con una magnífica articulación de la cuerda, adecuada respiración y vientos de redondo sonido. La orquesta sonó siempre brillante, luminosa, en una perfecta conjunción con el director. El público aplaudió con intensidad.

El Palau de les Arts Reina Sofía clausura su temporada de ópera con Turandot, de Puccini, en una impactante producción de Àlex Ollé, con dirección musical de Sir Mark Elder, que se representará los días 3, 6, 8, 11, 13 y 16 de junio en la Sala Principal.

El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha presentado hoy este título, acompañado por el director musical y titular de la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV), Sir Mark Elder, y Anna Ponces, la asistente de la dirección de escena y encargada de la reposición en València del montaje de Àlex Ollé.

Iglesias Noriega ha apuntado que Turandot es el cierre perfecto para la vigésima temporada de Les Arts. “La última ópera de Puccini es el título favorito del público valenciano, que, una vez más, ha agotado las entradas para todas las funciones, además de una obra muy especial para la OCV, que han dirigido anteriormente Zubin Mehta y Lorin Maazel, y ahora asume nuestro director, Sir Mark Elder, con dos de los intérpretes más queridos por la platea, Ekaterina Semenchuk y Gregory Kunde”.

En este sentido, el director artístico ha apuntado el gran papel del Cor de la Generalitat Valenciana, pieza fundamental en la obra, acompañado por la Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats. y la Escola Coral Veus Juntes.

El maestro británico, que en una entrevista en The Guardian llegó a declarar: “en otra vida, debí ser italiano”, es uno de los grandes directores de este repertorio, como demostró a inicios de la presente temporada con su excepcional Luisa Miller, de Verdi. Según explica Elder, la ópera italiana exige una mezcla muy precisa de teatralidad, ritmo y verdad emocional. Crítica y público se han rendido a sus lecturas de Turandot en templos como el Covent Garden londinense o la Opéra de Paris.

Àlex Ollé presenta en España su impactante producción de la última ópera de Puccini para el New National Theatre de Tokio y Tokyo Bunka Kaikan, que causó sensación por su monumentalidad y novedosa dramaturgia. Su propuesta, con escenografía de Alfons Flores, vestuario de Lluc Castells, e iluminación de Urs Schönebaum, convierte el poder en un concepto central, con la princesa Turandot y el Emperador en la cima y su pueblo en la base.

Asimismo, Ollé retrata a la gélida princesa, como una mujer cuyo odio hacia los hombres viene provocado por los acontecimientos de su vida pasada. Ese hecho, apunta el director catalán, es esencial para abordar el final de esta ópera, que quedó inconclusa tras el fallecimiento de Puccini, y completó Franco Alfano con un desenlace en el que Turandot se rinde al amor del príncipe Calaf. Tal y como recuerda el regista, a Puccini no le gustaban los finales felices por lo que su montaje plantea un sorprendente epílogo más acorde a la visión del compositor de Lucca.

Con Turandot, regresan a Les Arts dos de los intérpretes más queridos por la platea valenciana. Vuelve Ekaterina Semenchuk, que ha cosechado las mayores ovaciones en la Sala Principal por su Azucena, Preziosilla o Lady Macbeth. La mezzosoprano rusa canta el rol de la sanguinaria princesa, uno de los más temidos del repertorio dramático por la potencia y resistencia que demanda.

Gregory Kunde también se descubre como pucciniano con el rol de Calaf, que canta el célebre Nessun dorma, en su octava incursión en el edificio de Calatrava, donde anteriormente ha trabajado en Otello, La forza del destino, Stabat Mater de Rossini, Samson et Dalila, I vespri siciliani, Idomeneo y Peter Grimes.

Carolina López Moreno, una de las jóvenes sopranos más fascinantes por su solidez técnica, intensidad expresiva y presencia escénica, debuta en el teatro con Liù, la esclava de Timur, el rey tártaro destronado. Elogiada por la crítica internacional como “el nacimiento de una estrella”, ha triunfado en escenarios como el San Carlo de Nápoles, los Proms de la BBC, la Ópera de Roma, el Liceu o el New National Theatre de Tokio.

El reconocido bajo Liang Li encarna a Timur, en su cuarta incursión en Les Arts, donde ha abordado el Stabat Mater de Rossini, así como Il trovatore y Tristan und Isolde con Zubin Mehta.

También debuta en el teatro de ópera valenciano, el barítono barcelonés Jan Antem (Ping) y regresan el tenor cordobés (Pang) y el tenor bilbaíano Mikeldi Atxalandabaso (Pong). Completan el reparto, Josep Fadó (Altoum y Príncipe de Persia), el cantante del Cente de Perfeccionament  Agshin Khudaverdiyev (Un mandarín.

Les Arts recuerda que las últimas entradas de Turandot pueden adquirirse a través de los diferentes canales de venta del teatro: taquillas, la línea de venta 96 197 59 00 y su página web.

El Palau de les Arts Reina Sofía estrenará cuatro nuevas producciones de ópera: Carmen, Lohengrin, Simon Boccanegra y La clemenza di Tito, dentro de su Temporada 2026-2027, una reflexión sobre el poder, la geopolítica y los conflictos sociales a través de una programación que abarca desde el Barroco de Riccardo Primo hasta la Posverdad de Nixon in China.

Les Arts repite como auditorio de referencia para las mejores batutas del circuito esta temporada, en la que la Orquestra de la Comunitat Valenciana, bajo la tutela de Sir Mark Elder, trabajará con Mikko Franck, Sir John Eliot Gardiner, Thomas Hengelbrock, Philippe Jordan, Antonello Manacorda y Vasily Petrenko.

Regresan intérpretes de la talla de Cecilia Bartoli, Lang Lang, Lise Davidsen, Lisette Oropesa, Eleonora Buratto, Ermonela Jaho, Ricarda Merberth, Ruth Iniesta, Camilla Nylund, Francesco Meli, Charles Castronovo, Davide Luciano, Andrè Schuen, Antonio Poli, George Petean y Gevorg Hakobyan y debutan, entre otros, Thomas Hampson, Christopher Maltman y Hugh Cutting.

El presidente del Patronato de Les Arts, Pablo Font de Mora, y el director artístico de la institución, Jesús Iglesias Noriega han presentado hoy en rueda de prensa de la XXI Temporada de Les Arts.

En su balance de la gestión previo, Pablo Font de Mora ha destacado las principales fortalezas económicas de la Fundación. El presidente del Patronato ha subrayado que Les Arts ha alcanzado el equilibrio presupuestario, con una actividad económica de 30,8 millones de euros frente a unos gastos de 29,5 millones, de forma que el ejercicio de 2025 ha finalizado con un saldo positivo de más de un millón de euros, en línea con los resultados positivos de los últimos ejercicios.

En este sentido, ha apuntado que los ingresos de taquillas se han situado “por encima de 4.500.000 euros”, el apartado de alquiler de espacios, eventos y actividades complementarias “que suma 3.900.000 euros”, así como el capital por patrocinio y mecenazgo “que alcanza casi los 900.000 euros” con un incremento superior al 120%, consolidando la colaboración público-privada.

Iglesias Noriega ha reivindicado que la Temporada 2026-2027 consolida a Les Arts como centro de producción operística en Europa. “Tras haber encadenado tres nuevos montajes en el curso que vamos a cerrar, la nueva programación incluye la cifra récord de cuatro nuevas producciones, en coproducción con los teatros de mayor tradición: L’Opera de Roma, La Fenice de Venecia, el Maggio Musicale Fiorentino o el Grand Théâtre de Genève.

Tras visitar el Festival de Pollença con Sir Mark Elder en agosto, la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) inaugura Temporada, un año más, fuera de su sede. La alemana Anja Bihlmaier debuta con la OCV con el concierto de la formación en la Vall d’Uixó el 12 de septiembre, que repetirá el domingo 13 en la Jornada de Puertas Abiertas, que abre la actividad en el edificio de Calatrava.

Les Arts és Òpera invita a una reflexión sobre el poder, la geopolítica y los conflictos sociales, en un curso que comienza el 2 de octubre con un nuevo montaje de Carmen, de Bizet, el primer trabajo de Ted Huffman para la Sala Principal. Tras L’incoronazione di Poppea, nominada a un Opera Award, el director del Festival de Aix-en-Provence prepara una impactante visión de la cigarrera de Merimée, icono de la lucha individual contra el orden establecido, que encarna la emergente Vasilisa Berzhanskaya con Michele Spotti en el podio.

Les Arts Florissants, en su visita en octubre, se adentra en los conflictos entre poder y pasión, con la versión en concierto de Riccardo Primo, fascinante ópera de Händel sobre Ricardo I de Inglaterra, que la formación rescata del olvido con la dirección de Paul Agnew y el contratenor Hugh Cutting en el papel principal.

17 años después de la aclamada Tetralogía, Les Arts regresa a la producción propia wagneriana de la mano de Damiano Michieletto con una disección psicológica tan brutal como estética de Lohengrin, que el italiano relee como crítica al fanatismo de masas. Sir Mark Elder dirige en diciembre uno de sus títulos más celebrados con un reparto que aúna nuevos y afianzados valores del universo Wagner, como David Butt Philip, Wolfgang Koch y Ricarda Merbeth.

Mozart supera lo político y ahonda en las correosas grietas de los discursos oficiales con La clemenza di Tito, que Rafael R. Villalobos, en su segunda producción para Les Arts, traslada al universo cinematográfico de Cinecittà en los 40 para plantearnos si la clemencia es un acto de Estado o un dilema ético ante la soledad del poder. Antonio Poli encabeza un exquisito elenco morzartiano bajo la tutela musical de Stefano Montanari en el mes de enero.

Verdi legó con Simon Boccanegra una visión corrosiva y destructora del poder, en la que Àlex Ollé, en su primera nueva puesta en escena para Les Arts, ve un espejo roto del presente: sociedades fracturadas, poder agotado e instituciones incapaces de reconciliarse. Sir Mark Elder, apasionado verdiano, dirige en marzo uno de sus títulos fetiche, que protagoniza George Petean junto a primeras voces como Eleonora Buratto, Francesco Meli, Jongmin Park y Gevorg Hakobyan.

Política, medios, performance y mito se conjugan en la construcción del poder contemporáneo que, brillantemente, retrata John Adams en Nixon in China. Valentina Carrasco, con la batuta de Cornelius Meister, captura el choque entre dos mundos enfrentados en esta obra maestra de la lírica contemporánea que se representará entre finales de abril y principios de mayo. Thomas Hampson, uno de los grandes barítonos del circuito, debuta en Les Arts con el papel de Nixon.

El amor, el prestigio y la posición social funcionan como formas de dominación en Adriana Lecouvreur, que hace del teatro un campo de batalla contra la ley del Ancien Régime. El verismo de Cilea llega en junio bajo la poética mirada de Vincent Boussard, tras su extasiante Giulio Cesare in Egitto. La carismática Ermonela Jaho canta su primera ópera en Les Arts, con Charles Castronovo, Roberto Frontali y Clémentine Margaine, bajo la dirección de Maurizio Benini.

Iglesias Noriega también ha señalado en la presentación que Les Arts retoma su colaboración con ENSEMS con la audaz Estètica i massacre, de Carles Prat y Oriol Pla, que acogerá el Teatre Martín i Soler el 17 y 18 de septiembre.

Por su parte, Les Arts és Sarsuela, recupera La verbena de la Paloma, de Bretón, recreada por Nuria Castejón como homenaje al desaparecido Teatro de Apolo. José Miguel Pérez-Sierra dirige la primera incursión de Les Arts en el género chico con intérpretes como Borja Quiza, Antoni Comas y Milagros Martín.

En el capítulo sinfónico, Les Arts y la Orquestra de la Comunitat Valenciana vuelven a ser el punto de referencia de las batutas de mayor prestigio del circuito internacional. Mikko Frank, Sir John Eliot Gardiner, Thomas Hengelbrock, Philippe Jordan, Antonello Manacorda, Cornelius Meister, Vasily Petrenko y Sir Mark Elder despliegan un ambicioso programa que incluye algunos de los poemas sinfónicos más exuberantes de Strauss, así como las sinfonías más apreciadas de Mozart, Mahler, Chaikovski, Schumann, Shostakóvich y Sibelius.

Iglesias Noriega ha apuntado, además, que la OCV y su titular continuarán con su actividad fuera de Les Arts que, tras Pollença, incluye conciertos en el Auditorio Nacional de Madrid, el Festival de Úbeda y La Maestranza de Sevilla.

La Temporada 2026-2027 consolida los Viernes de Danza en Les Arts con un cartel caleidoscópico que aúna ballet clásico, danza española y también contemporánea de la mano de las compañías más punteras: Antonio Najarro y su ejercicio de memoria con Les Ballets Espagnols de “La Argentina”, Olga Pericet con La Leona, Kader Attou con Le murmure des songes, Marcos Morau con La Veronal y La Mort i la Primavera o la Compañía Antonio Ruz con Norma.

Un año más, Les Arts mantiene su compromiso con la excelencia valenciana y la nueva creación con Estela de Alba Castillo, coproducida con Dansa València, así como su apuesta por el gran repertorio clásico con la OCV en el foso, que en esta ocasión acompañará al Aalto Ballet de Essen en El lago de los cisnes.

Cinco citas imprescindibles se presentan para los amantes del Lied con los debuts

en el ciclo de Camilla Nylund y Georg Zeppenfeld, imprescindibles en el repertorio alemán; así como de la soprano Sabine Devieilhe y el tenor belcantista Lawrence Brownlee; junto con el regreso del aclamado Andrè Schuen.

Por su parte, Les Arts és Grans Veus reúne en València a los números uno del repertorio: la excepcional Cecilia Bartoli y la estrella de piano Lang Lang, en un viaje desde el Barroco hasta el Romanticismo tardío; el extraordinario contratenor Franco Fagioli en un homenaje a Farinelli, además de sendos conciertos de la OCV, que acompañará a la nueva diva del universo wagneriano, Lise Davidsen que, junto con el consagrado Christopher Maltman, aborda un monográfico del compositor de Leipzig, y a la deslumbrante Lisette Oropesa, protagonista absoluta de la escena contemporánea, en una soirée belcantista.

Les Arts és Barroc i Música Antiga volverá a reunir a las figuras y formaciones historicistas más destacadas, con Lea Desandre & Thomas Dunford, Franco Fagioli, Maite Beaumont o Harmonia del Parnàs & Bruno de Sá, y títulos como Il martirio di Santa Teodosia, con Al Ayre Español, e Il trionfo del Tempo e del Disinganno con Il Giardino Armonico bajo la dirección de Giovanni Antonini.

Les Arts no faltará a su cita con el cante jondo con Yerai Cortés, la Zambomba Flamenca, Rancapino Chico, Lela Soto y Chano Domínguez & Antonio Reyes, mientras que el cartel de otras músicas contará con el latín jazz de Michel Camilo Trio, sin olvidar el talento autóctono en Les Arts és Músiques Valencianes.

La Sala de Exposiciones de la Junta Municipal de Ciutat Vella acoge desde este jueves, 14 de mayo, la inauguración de Heterotomías Intermedia, una muestra colectiva impulsada por el Laboratorio de Creaciones Intermedia (LCI) de la Universitat Politècnica de València que reunirá en València más de 40 obras de una treintena de artistas nacionales e internacionales.

La muestra, que podrá visitarse hasta el 23 de mayo, propone un recorrido por distintas formas de creación contemporánea —desde el arte sonoro y la performance hasta la escultura, la fotografía, el videoarte o el arte textil— bajo una mirada “transdisciplinar” que aborda algunas de las principales tensiones sociales y políticas del presente.

Comisariada por Josep Francesc Ballester y José Juan Martínez Ballester, director del LCI, la exposición toma como punto de partida el concepto de “heterotopía” desarrollado por Michel Foucault, entendido como un espacio donde conviven realidades diversas que escapan a un orden único. Bajo esa idea, Heterotomías Intermedia articula obras que reflexionan sobre cuestiones como el feminismo, la desigualdad institucional, el auge de los autoritarismos, la pobreza o la situación de los refugiados saharauis.

Una reivindicación política y artística

La exposición será también escenario de una reivindicación política. Durante la inauguración tendrá lugar la lectura pública del Manifiesto Portal de Igualdad, dentro de la acción colectiva #MeManifiesto, promovida por la Colectiva Portal de Igualdad (COPDI) para exigir el cumplimiento efectivo de la Ley de Igualdad en museos y centros de arte españoles.

Con esta acción, el Laboratorio de Creaciones Intermedia formaliza su adhesión al manifiesto y se convierte en el primer grupo de investigación de la UPV que se suma oficialmente a esta iniciativa, la cual reclama la creación de un 'Portal de Igualdad' como herramienta institucional para garantizar la presencia y visibilidad de mujeres artistas y profesionales del sector cultural.

La artista Mau Monleón Pradas, presidenta de la Colectiva Portal de Igualdad y miembro fundador del LCI, subraya la necesidad de garantizar la paridad en los museos donde la representación de mujeres artistas sigue siendo muy limitada: “Como máximo llegan a un 30%”, señala.

La impulsora de la iniciativa explica que, como artista, lleva años comprometida con la cuestión de la violencia de género, la cual no concibe solo de forma directa, sino también de forma estructural. “Las mujeres estamos excluidas de la historia del arte; somos muchas las que estudiamos Bellas Artes, pero muy pocas las que finalmente alcanzamos visibilidad en museos o en las grandes colecciones”, afirma.

Contra el olvido institucional

La artista sostiene que el machismo y el patriarcado son las causas fundamentales de esta situación, al tratarse de un sistema que atraviesa el conjunto de la sociedad y en el que las mujeres, en general, han quedado históricamente relegadas a un segundo plano. “No vamos a ser menos las artistas”, añade, subrayando que “todas las esferas de poder siguen estando mayoritariamente dominadas por hombres, algo que también se reproduce en museos y centros de arte”.

La acción #MeManifiesto fue concebida originalmente en 2024 por la propia Mau Monleón durante una performance realizada en las Reales Atarazanas de València. Desde entonces, la propuesta se ha consolidado como una forma de activismo artístico que combina creación contemporánea y denuncia institucional.

Entre las propuestas recogidas en el manifiesto se encuentra la promoción de exposiciones y actividades específicas, dotadas de financiación suficiente, que permitan visibilizar y reparar los vacíos históricos y las ausencias de obra artística e intelectual realizada por mujeres. Asimismo, el documento plantea la creación de equipos de investigación paritarios dedicados a estudiar y dar visibilidad a las formas de creación de artistas mujeres de distintas culturas, atendiendo además a factores como la clase social, la edad, la procedencia geográfica o la orientación sexual.

Próximas citas

El compromiso continuará más allá del espacio expositivo. El próximo 18 de mayo, coincidiendo con el Día Internacional de los Museos, el registro audiovisual de la performance será difundido a través de redes sociales como parte de una campaña digital que busca ampliar el alcance de la reivindicación e invitar a la ciudadanía, colectivos e instituciones a sumarse al manifiesto.

Entre los artistas participantes figuran nombres como Mau Monleón Pradas, Alfredo Llorens, Elena Mir, David Aliaga, María Zárraga, Álvaro Terrones, Mijo Miquel, Lola Carbonell Payá o Stefano Scarani, entre otros. La inauguración contará además con música acústica en directo, con las actuaciones de Nehir Akansu, Aleksandra Bester y Juanjo Pérez, además de un happening artístico a cargo de Griselda Gruni.

DocsValencia. Espai de No Ficció presentó ayer en la Fnac de la plaza de San Agustín de València los contenidos de su décima edición, que se celebrará del 15 al 23 de mayo en una decena de espacios culturales de la ciudad y el área metropolitana. El acto contó con la presencia de representantes institucionales, los directores del festival, el diseñador del cartel y el codirector de la película inaugural, confirmando el respaldo institucional y el peso cultural que el certamen ha consolidado a lo largo de una década.

“Me he sumado a celebrar este aniversario porque creo que es un hito más en la Comunitat Valenciana. Apostamos por la cultura que es referente nacional, y celebrar este décimo aniversario significa que estáis haciendo muy bien las cosas y que al festival le queda mucho camino por delante», subrayó la secretaria autonómica de Cultura, Marta Alonso Rodríguez. Por su parte, el concejal de Cultura, José Luis Moreno, señaló: «DocsValencia es un referente para la ciudad. Celebra diez años y, por supuesto, el Ayuntamiento de València ha estado y quiere seguir estando en uno de los eventos culturales más importantes de la ciudad”. El gerente del Consorci de Museus, Nicolás Bugeda, renovó el compromiso de su institución con el certamen: “El trabajo que hacéis es muy grande. Es un orgullo que el Centre del Carme sea sede en esta décima edición y renovamos el compromiso con el festival para el año que viene”. Al acto asistió también el director adjunto de Audiovisuales y Cinematografía del IVC, Luis Gosálbez Payá.

Los directores del festival desgranaron la dimensión de una edición histórica. «En diez años DocsValencia ha reunido a más de 35.000 asistentes, hemos exhibido 281 documentales, recibido a 392 invitados y celebrado 433 proyecciones. Hemos conseguido traer desde hace años a las instituciones clave del documentalismo internacional. Esta edición presentamos 27 largometrajes, 18 cortometrajes y una serie, con 78 proyecciones en total. En programación prima lo local: estamos convencidos de que un festival que no acompaña al talento local no tiene sentido», afirmó Pau Montagud. Su codirector, Nacho Navarro, puso el foco en el área de industria: «Aunque el laboratorio está centrado exclusivamente en proyectos de la Comunitat Valenciana, que se hayan presentado 82 propuestas este año demuestra el crecimiento del sector. Durante una semana, 72 personas estarán trabajando, haciendo negocios y haciendo crecer sus películas.»

En el plano industrial, durante esta década el certamen ha impulsado más de 180 proyectos en desarrollo y repartido más de 113.000 euros en premios gracias al apoyo de más de 35 entidades colaboradoras.

Esta décima edición supera todos esos registros: 46 películas seleccionadas (su programación más amplia hasta la fecha), 78 proyecciones, 10 sedes y más de 37.500 euros en premios. La programación abarca desde el largometraje valenciano hasta el cortometraje nacional, pasando por una mirada internacional que conecta territorios tan distintos como Canadá, Brasil y Perú.

Talento valenciano en el centro

La sección Mirades, dedicada al largometraje documental valenciano, alcanza esta edición su mayor volumen competitivo con 12 títulos que reflejan la madurez y diversidad del actual tejido audiovisual de la Comunitat. La DANA, la memoria, la identidad y la salud mental atraviesan una selección que incluye obras como 'El Blasco', de Nacho Sánchez; 'Fang i vidre', de Alberto Martínez; 'Irregular. Sobrevivir a la DANA sin papeles', de Víctor Suárez Ballesteros; 'Choriza May. El discurs de la reina', de Dani Fabra; o 'Un arbre és un arbre', de Carlos Marqués-Marcet y Aleix Plademunt, entre otros.

La sección Panorama, dedicada al largometraje nacional, reúne cinco títulos que abordan el cuerpo, la identidad y los relatos personales: 'Cada día es un regalo', de Vicent Peris; 'Este cuerpo mío', de Afioco Gnecco y Carolina Yuste; 'Miss Jobson', de Amanda Sans Pantling; 'Valkyries', de Carmen Torner; e 'Yrupẽ', de Candela Sotos.

La mirada internacional llega con Global Docs, que presenta tres propuestas de Canadá, Brasil y Perú: '¿A dónde vamos, coyote?', de Jonah Malak; 'Amora', de Ana Petta; y 'Runa simi', de Augusto Zegarra.

La sección Fragments, presentada por la Fundación SGAE y con sede en el Centre del Carme Cultura Contemporània, da un paso significativo en esta décima edición al incorporar por primera vez el cortometraje documental nacional junto al valenciano. En total, 17 títulos competirán en una maratón de fin de semana de acceso libre, con los directores y directoras presentes en cada sesión. Los premios ascienden a 1.000 euros para el mejor corto valenciano y 1.000 euros para el mejor corto nacional.

El festival abrirá el viernes 15 de mayo a las 18:30 horas en el Teatre El Musical con la proyección de 'La Pietà', de Rafa Molés y Pepe Andreu (quien estuvo presente en la presentación), una coproducción europea que tuvo sus primeros pasos en el propio DocsLab en 2023 y que llega a Valencia tras su estreno mundial en el Festival Internacional de Documentales de Tesalónica. «Quiero felicitar al festival y a toda la gente que trabaja en él por lograr crear un oasis de cultura, un espacio de encuentro entre profesionales y público donde, sobre todo, se disfruta de las películas», apuntó el codirector.

La clausura correrá a cargo de 'El Santo', de Carlo D'Ursi, reciente ganador del Premio Goya 2026 al mejor cortometraje documental, que se proyectará en La Mutant.

Uno de los momentos más destacados de la gala inaugural será la entrega del Premio DocsValencia al cineasta, periodista y productor sueco Fredrik Gertten, una de las voces más comprometidas del documental contemporáneo, conocido mundialmente por títulos como 'Push', 'Bikes vs Cars' o 'Big Boys Gone Bananas!', trabajos que han abordado desde la crisis global de la vivienda hasta el deterioro del contrato social. Gertten, que aprovechará su estancia en Valencia para rodar imágenes de un nuevo proyecto en desarrollo, impartirá además la clase magistral 'Shifting the Focus' el lunes 18 de mayo a las 19:00 horas en el Col·legi Major Rector Peset. La Filmoteca acogerá una retrospectiva de cuatro de sus obras del 16 al 20 de mayo.

DocsLab: la industria como eje estratégico

El área de industria del festival, DocsLab – Plataforma VLC, alcanza en esta edición su mayor dimensión con 82 propuestas inscritas, la cifra más alta de su historia, y 37 proyectos seleccionados distribuidos en cuatro espacios de trabajo. Por primera vez, el festival incorpora 'Cartografía de un proyecto', un nuevo taller de asesoría colectiva diseñado para proyectos en fase inicial, que incluye acceso a la clase magistral de Fredrik Gertten y a un estudio de caso de la serie 'Els 11 del Raval'.

Los talleres 'Incubadora' y 'A un paso de la internacionalización' estarán dirigidos por el cineasta uruguayo Emiliano Mazza y la productora mexicana Martha Orozco respectivamente, mientras que el Docs in Progress estará moderado por Inti Cordera, fundador de DocsMX. La edición alcanza además la paridad de género entre sus participantes.

El panel de expertos internacionales reúne nombres de referencia en el documentalismo global: Isabel Arrate, directora artística del IDFA; Bruni Burres, asesora principal del Sundance Institute; Carlos A. Gutiérrez, cofundador de Cinema Tropical; Sergio Zúñiga, de EFD Studios; Lucila Moctezuma, del Points North Institute; David Bassa, director del Departamento de Documentales de Televisió de Catalunya; y Orianna Paz, subdirectora de Programación de la Cineteca Nacional de México, entre otros.

El valor de este trabajo se evidencia en un dato simbólico: cinco de las películas en competición en esta edición, incluida la inaugural 'La Pietà', dieron sus primeros pasos en ediciones anteriores del DocsLab. Entre los premios que se otorgarán en el área de industria destacan el Premio EFD Studios, el galardón más cuantioso, consistente en un mes de equipo de cámara y óptica valorado en 20.000 euros; el Premio BBO, valorado en 4.000 euros para la preparación de deliveries de traducción y subtitulado para ventas e internacionalización; el Premio DocsMX, valorado en 3.000 euros en acreditación, viaje y alojamiento para participar en la sección de industria del festival mexicano, un premio que acompaña al certamen desde sus diez ediciones; el Premio Kaleidoskopik, valorado en 2.000 euros en asesoría estratégica de coproducción; y el Premio DocsLab Fundación SGAE, dotado con 1.000 euros.

Nuevas sedes y una exposición conmemorativa

La décima edición amplía su red de espacios con la incorporación de los Cines Babel de Valencia y los Cines MN4 de Alfafar, recientemente reabiertos tras los graves daños causados por la DANA. En los Cines Babel se inaugurará además la exposición ‘DocsValencia: una década de historias que merecen ser contadas’, que reúne los carteles de las diez ediciones diseñados por Kike Correcher, del estudio Filmac, quien también estuvo presente en el acto. “De la misma manera que el cine documental es cine que te hace pensar, hemos intentado crear carteles que te hacen pensar. Hemos creado un lenguaje visual para el festival y me ha dado material interesante para trabajar siempre, con libertad. Estos diez años han sido un regalo”, señaló el diseñador.

El acto sirvió también para anunciar otra iniciativa vinculada al festival: la Academia Valenciana de l’Audiovisual presentó la creación del primer Arxiu Fotogràfic de Rodatges de la Comunitat Valenciana, un proyecto fundacional que nace para preservar la mirada, el oficio y el talento de los equipos profesionales que hacen posible el cine y el audiovisual valenciano. La primera exposición del archivo, titulada ‘Darrere de la càmera’, con fotografías de Javi Belda, se inaugurará el sábado 16 de mayo a las 18:30 horas en los Cines Babel, con la colaboración de Fujifilm y DocsValencia.

El palmarés de esta edición incluye 2.500 euros para el mejor largometraje valenciano (Mirades), 2.000 euros para el mejor largometraje nacional (Panorama), los premios de Fragments dotados por la Fundación SGAE, el Premio del Público Jameson (500 euros) y, como novedad, el Premio El Águila – DocsVLC (500 euros).

DocsValencia. Espai de No Ficció es posible gracias a sus instituciones patrocinadoras: la Generalitat Valenciana (a través del Institut Valencià de Cultura), el Ajuntament de València, La Mutant y el TEM (Teatre El Musical). El certamen cuenta con los siguientes colaboradores: IVACE+i (Instituto Valenciano de Competitividad e Innovación), Fundación SGAE, Valencia Film Office, PIAF, AC/E (Acción Cultural Española), CREA SGR, 3cat, la Universitat de València (Aula de Cinema de la UV), Máster Universitario en Contenidos y Formatos Audiovisuales de la UV, bbo Subtitulado, Kaleidoskopik, EFD Studios, Cerveza El Águila, Jameson Irish Whiskey y Coca-Cola. Además, sus proyecciones y actividades se desarrollarán en una extensa red de sedes que incluye el CCCC (Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana), el Col·legi Major Rector Peset de la Universitat de València, Cines Lys, Octubre Centre de Cultura Contemporània, Cines Babel, Cines MN4, La Filmoteca de València y Fnac. Cuenta también con Munk, Rubik y Mercacine como media partners, y mantiene alianzas con DocsMX, DocsBarcelona, RCE y Fujifilm.

Rambleta celebra el décimo aniversario de ‘València se Ilustra’ con una gran exposición retrospectiva que se inaugurará el próximo 15 de mayo y reunirá obras de más de 120 artistas que, a lo largo de esta década, han ofrecido su visión personal de la ciudad a través de la ilustración.

La exposición que se inaugura propone un recorrido inédito por València construido a partir de las ilustraciones creadas para el proyecto. Lejos de una organización cronológica, la muestra traza una mirada sobre la ciudad a través de los lugares, símbolos, tradiciones y formas de vida que las y los artistas han decidido representar: desde los barrios y sus espacios cotidianos hasta jardines, plazas, teatros, museos, comercios, costumbres populares o paisajes de la periferia como la huerta, las pedanías y las barracas. Se trata de un recorrido que invita a descubrir València desde una mirada artística, emocional y vinculada a la experiencia de vivir la ciudad.

Impulsado en 2016 por Rambleta y Cervezas Alhambra, ‘València se Ilustra’ nació con el objetivo de apoyar la ilustración local, fomentar la creación contemporánea y acercar este lenguaje artístico a nuevos públicos. Con el tiempo, el proyecto se ha consolidado como una de las iniciativas culturales de referencia en torno a la ilustración en València, construyendo una auténtica cartografía visual de la ciudad desde miradas diversas. En esta evolución ha sido clave la incorporación de Cristina Chumillas como coordinadora y curadora desde 2018, reforzando la dimensión contemporánea del proyecto y su conexión con el contexto cultural de la ciudad.

En sus primeras ediciones, ‘València se Ilustra’ invitaba a ilustradoras e ilustradores a reinterpretar lugares emblemáticos de València desde una mirada personal. Con el paso de los años, el proyecto fue evolucionando hacia planteamientos más abiertos y conceptuales, dando lugar a relatos visuales que interpretan la ciudad, la cuestionan y la celebran, incorporando reflexiones sobre cuestiones sociales, identidad, diversidad o convivencia.

A lo largo de estos años, ‘València se Ilustra’ ha desarrollado distintas etapas y formatos, llevando la ilustración a los distintos barrios de la ciudad, explorando la relación entre ilustración y diseño durante la Capitalidad Mundial del Diseño València 2022 y apostando en sus últimas ediciones por el talento emergente y la participación del público.

En la celebración de este décimo aniversario, Cervezas Alhambra vuelve a acompañar a Rambleta, retomando la colaboración que impulsó el nacimiento del proyecto y reafirmando una manera compartida de entender la creación desde la atención al detalle, la observación y el respeto por los procesos creativos.

La exposición podrá visitarse gratuitamente en Rambleta, hasta el 31 de julio.

Durante la presentación de la exposición, celebrada este miércoles en Rambleta, han participado Rocío Huet, directora de Rambleta; Cristina Chumillas, coordinadora y curadora de ‘València se ilustra’; Joana Alonso, Brand Manager Local de Cervezas Alhambra; y los ilustradores Martín Forés, Ada Sinache y Luis Demano.

Artistas participantes en la exposición: Ada Diez / Ana Igsan / Ada Sinache / Adrián Bago / África Pitarch / Aina Sanz / Aitana Carrasco / Alba Casanova / Alba Gutiérrez / Alba Quílez / Alejandra de la Torre / Alexiaklee / Amparograph / Ana Campoy / Ana Collado / Ana Fernández / Andrea Dalla Barba / Andrés Palmero / Andy López / Anhell Muñoz / Ausias Pérez / Azucena González / Belén Segarra / Bel Solís / Bloskii / Cachetejack / Cami San / Cento Yuste / César Sebastián / Cristina Coronado / Cristina de Cos / David de Limón / Diego Blanco / Diego Mir / Don Rogelio J / Eduardo Luzzatti / Elechu / Elías Taño / erasetiner / Ernesto García / Fedde Carroza / Florencia Gavilán / Fran Mengual / Fran Parrenyo / Fran Salcedo / Francesc Roig / Garoine / Gomisdeborrar / Grace García / Guiomar Martín / Helena Moral / Inma Carpena / Inma Lorente / Isabel Navarro / Jaume Marco / Jaume Mora / Jaume Pallardó / Javier Lacasta / Javier Parra / Jordi Gimeno / Jorge Lawerta / Jotaká / Juanjo Gasull / Juanma Martínez / Judit Balbastre / Julia Cejas / Julieta XLF / Laura Castelló / Laura Pérez / Laura Rico / La Nena Wapa / La Niña Pollo / Lalo Kubala / Lidia Cal / Lina Vila / Lirios Bou / Lola Devesa / Luan / Luis Armand Villalba / Luis Demano / Luis Galbis / Mar Hernández / Mar Villar / Marcos Martínez / María Rodilla / Mariana in CMYK / Mario Dubla / Marta Negre / Marta Torres / Martín Forés / Martina Almela / Migue Martí / Mónica Ballester / Mr Simon / Naomi González / Nuria Riaza / Omega TBS / Pablus / Pau Valls / Paula Kadira / Paula M. Rufat / Paula Seguí / Pepitagrilla / Rafael Alarte / Rakufrecsia / Raquel Aparicio / Raquel Montero / Raúl Salazar / Sabina Alcaraz / Sara Luz / Sento / Sergio Montal / Sergio P / Tete Chumi / Tutticonfetti / Uno Cá / Víctor Visa / Victoria Ripalda / Virginia Lorente / Vivó de Soto / Xiana Teimoy.

No crec en les categories literàries. Qui és escriptor és escriptor, i qui sap contar i narrar ja té molt per davant. La sintaxi i el ritme són clau perquè en literatura ens impregna i impressiona més el com es diu que allò que es diu. Vicent Flor (València, 1971) ho sap i ho conrea. És el cas de Terres bàrbares.

Assagista de mena, i esperonat per la bona acollida de seua primera novel·la, Flor ha agafat amb determinació les regnes de la ficció i ha superat la prova de foc: una segona novel·la que es llegeix amb ganes des de la primera fins a la darrera pàgina.

En Terres bàrbares Flor narra la trajectòria de Guillem Seguí, fill de lluitadors antifranquistes, i de Vera Català, una jove marcada per l’abandonament patern. Tots dos protagonistes, periodistes de vocació, s’endinsen en una investigació sobre les mentides i la recerca de la veritat tant durant el franquisme com en l’actualitat. D’entrada ja la trama promet acció.

Dit això, i posats a valorar una novel·la, potser un dels aspectes que més agraeixen els lectors és el fet que la història atrapa des del primer moment, i en aquest terreny Terres bàrbares guanya per golejada (em permet el símil del futbol perquè em consta l’afició de l’autor).

Feta la broma, diré que la darrera novel·la de Vicent Flor encadena de manera eficaç diverses trames que van alternant-se i imbricant-se fins donar un quadre de conjunt seductor dels condicionaments.

D’una banda, les obsessions i, al capdavall, complexa identitat del protagonista de la ficció, Guillem Seguí, un personatge ben perfilat. D’altra, la relació amb un pare que ha patit la pèrdua de memòria –—l'Alzheimer, l’epidèmia del nostra temps— una relació marcada pels silencis i la recança.

I encara més enllà, la descoberta d’un passat de militància, repressió, tortura i una confessió que trastoca les coordenades mentals del narrador, alhora que permet entrar en l’univers pervers dels torturadors de la Brigada Social de la policia espanyola en temps del franquisme, persones aparentment normals i corrents però capaces de la màxima crueltat, com ara aplicar corrents elèctrics a persones indefenses.

A tot això, a més, se suma una relació entre l’amor i l’amistat, la del protagonista i una periodista més jove i combativa, que obre la porta a la visió del panorama dels mitjans de comunicació avui, la precarietat dels professionals joves i el joc de conveniències i complicitat dels directius amb el poder.

Tot això, banyat de gin tònics, d’anades i vingudes per una ciutat re(coneguda) va trenant-se en el temps i en els diversos escenaris del llibre, mentre el lector se sent literàriament atrapat per les trames centrals i secundàries, les quals transmeten una visió complexa de la societat que ens envolta i de la nostra inserció en un món propi i alhora profundament aliè. En el fons, tot és més complex del que sembla, i així ho mostra la novel·la, mentre ens fa reflexionar al voltant del paper de la veritat i les mentides en les nostres vides.

Vicent Flor ha escrit una història que avança amb molt bon ritme narratiu, com ho fa la vida mateixa, entre obstacles, aturades, mentides, silencis, malentesos, coses dites a mitges, secrets de família. Tot això, a través de dos protagonistes que articulen diàlegs molt ben trenats i plantejats.

Tots dos, Guillem i Vera, es mouen amb agilitat en el terreny relliscós de la recerca periodística, aquesta professió  sanguinària, que en diria Josep Pla. Una professió que du implícita una forma de mirar i estar al món, no sempre dolça. Però en definitiva, una manera de voler entendre causes i efectes, i qui hi ha al darrere de tot això.

En Terres bàrbares, la corrupció i la repressió són el teló de fons d’una reflexió constant: què sabem de la realitat, quina és la part de la veritat amb què convivim i quina la part de la mentida? Si som honestos, la mentida sempre dona molt més faena que la veritat, perquè demana entretenir-la i qualsevol baixada de guàrdia s’ho enduu tot per l’aire. No obstant això, gran part de les vides i les famílies es construeixen sobre mentides o veritats no dites, algunes de petites, altres de ben grosses.

Descobrir-les passat un temps pot deixar-nos nus, ferits, fràgils. Però també això és la vida: aprendre a vèncer els silencis.

Un dels mèrits de la novel·la és que construeix una atmosfera, una herència emocional que modela el caràcter i la vidai que el pols narratiu s’equilibra entre la tensió, l’acció i el pensament, amb una prosa polida que avança a bon ritme, i com escrigué Virgina Woolf, “l’estil és un cosa ben simple: és senzillament qüestió de ritme. Un cop el tens, no et pots equivocar de paraula”.

La sexagésima primera edición de la Fira del Llibre de València ha abierto este jueves sus puertas en los Jardines de Viveros con cifras récord, ya que este año contará con un total de 105 expositores, un 10 % más que el año pasado, y más de 200 actividades, así como 1.800 firmas de autores junto a talleres, cuentacuentos, recitales o conciertos.

Así se ha destacado durante la inauguración de la Fira, que estará abierta hasta el 10 de mayo, y en la que han participado el director del certamen, Pau Pertegaz; el presidente del Gremi de Llibrers, Juan Pedro Font de Mora; la consellera de Educación, Cultura y Universidades, Carmen Ortí, y el rector de la Universitat de València, Juan Luis Gandía, entre otros.

Pertegaz ha destacado que están “a punto de ocupar todo el espacio disponible, más de 5.500 metros cuadrados”, y en este sentido, ha asegurado que se están planteando “soluciones imaginativas para no morir de éxito y mantener el espíritu original de la Fira”.

“Estamos reflexionando sobre eso, creemos que es más importante la calidad que la cantidad”, ha apuntado el presidente del Gremi de Llibrers, Juan Pedro Font de Mora.

Ortí, por su parte, acompañada por el director general de Cultura, Miquel Nadal, ha reiterado el compromiso de la Generalitat con el sector del libro como “una industria cultural estratégica que contribuye al pensamiento crítico, la cohesión social y el desarrollo económico”.

Ha subrayado que la Generalitat “va a continuar apoyando al sector para contribuir a su reactivación, continuidad y consolidación, fortaleciendo un tejido cultural con presente y futuro”.

“Los superpoderes de la lectura”

El pregón de la inauguración ha corrido cargo de la catedrática de la Universitat de València Gemma Lluch, quien ha hablado de “los superpoderes de la lectura, como la capacidad de hacernos mejores personas, más listos, más capaces de entender el mundo caótico en el que vivimos”.

Asimismo, ha pedido a los poderes públicos “poner el libro y la lectura en el centro de la vida cultural de las ciudades, dar apoyo a las librerías, para que sean lugares de conversación, centros culturales de cada barrio” y ha señalado el papel fundamental de los maestros “porque son ellos los que nos acercan a los libros”.

“Aquí celebramos la capacidad de ser más empáticos, de ponernos en el lugar del otro, la nivelación cultural de las familias, y de vivir en un mundo diverso”, ha terminado.

Pau Pertegaz ha destacado “la mirada mediterránea e internacional como línea vertebradora de las últimas ediciones de la Fira”, que este año dará el premio internacional a la francomarroquí Leïla Slimani, Premio Goncourt de las Letras Francesas, y al turco Zülfü Livaneli, el más vendido de su país, además de músico y embajador de la UNESCO.

Actividades

Organizada por el Gremi de Llibrers de València y la Fundació Fira del Llibre, la Fira del Llibre volverá a convertir Viveros en epicentro de la cultura con presentaciones, firmas, debates, encuentros con autores, actividades escolares, talleres, teatro y programación para público familiar e infantil.

Miles de escolares participarán además en actividades matinales de fomento lector, reforzando el carácter educativo y vertebrador de una feria que ya es uno de los principales acontecimientos culturales de la Comunitat Valenciana, ha destacado la Generalitat.

Además, esta edición incorpora como novedad un espacio impulsado junto al Palau de la Música, que unirá literatura y creación musical dentro de la programación.

Apoyo de la Generalitat

Ortí ha destacado que el apoyo institucional de la Generalitat al sector del libro se articula tanto a través de la Feria del Libro, como mediante líneas de apoyo a editoriales, librerías, bibliotecas, difusión lectora e internacionalización del libro valenciano.

Entre estas medidas, la Generalitat mantiene programas de apoyo a la producción editorial, actividades culturales en librerías, promoción lectora en bibliotecas públicas y participación en ferias internacionales, en el marco del Plan Estratégico de Subvenciones 2024-2027.

“La lectura es una política pública de primer orden. Invertir en el libro es invertir en ciudadanos más libres, formados y críticos”, ha asegurado la consellera.

Tras siete años de silencio, Svaters vuelven a los escenarios con un concierto muy especial. Un concierto que nace de las ganas de reencontrarse con su gente y de hacerlo en casa.

Inicialmente previsto para el 7 de marzo, el concierto tuvo que ser aplazado debido a la lluvia y se celebrará finalmente el próximo 9 de mayo.

La oportunidad llega con el 30 aniversario del MercaRock, organizado por la Falla del Mercado de Alcàsser. Un festival estrechamente ligado a la historia del grupo. A lo largo de los años, Svaters han participado en él de manera recurrente, compartiendo escenario, amistades y noches memorables con otras bandas del rock en valenciano. Más que una actuación, para el grupo es volver a un lugar cargado de significado.

Este concierto es, sobre todo, un reencuentro humano y generacional. Con amigos, con familia, y con hijas e hijos que, cuando el grupo estaba en activo, eran demasiado pequeños o aún no habían nacido. Ahora, por primera vez, tendrán la oportunidad de verlos en directo.

Lejos de plantearlo como una actuación anecdótica, Svaters llevan meses ensayando con una idea muy clara: ofrecer un directo potente, trabajado y honesto, a la altura de lo que fue el grupo y de lo que todavía es. Un repertorio cuidado, energía intacta y el respeto que merece volver a subir a un escenario después de tanto tiempo.

Pero el concierto no es lo único que importa. El proceso también importa: reencontrarse, volver a ensayar juntos, compartir comidas, conversaciones y risas. En el fondo, también estaba la sensación de que este era el momento, sin grandes planes más allá de disfrutar del presente.

El 9 de mayo, Svaters protagonizarán un reencuentro que conecta pasado y presente y que forma parte de la memoria colectiva del pueblo.

Para el grupo, tocar en el MercaRock es, sencillamente, volver a casa.

Castelló se convertirá mañana miércoles, 29 de abril, en el epicentro de la reflexión sobre la mayor catástrofe climática de nuestra historia reciente. La Fundación Exodus, con el respaldo de Rototom, organiza a las 19.00 horas en el centro cultural La Bohemia (calle Císcar, 14) una nueva edición de Diálogos sin Fronteras, un encuentro que adquiere un tinte simbólico al cumplirse exactamente 18 meses de la dana que el 29 de octubre de 2024 segó 230 vidas en Valencia.

Bajo el título ‘Emergencias climáticas y resiliencia comunitaria: el caso de la dana’, el debate pretende convertirse en un ejercicio de memoria necesaria y de fiscalización de la gestión pública. El evento contará con las voces de quienes han transformado el barro en crónicas de resistencia: los escritores Carmen Amoraga y Maxi Roldán (autores de Lágrimas de barro) y el periodista Sergi Pitarch (autor de Las horas del caos y director de elDiario.es en la Comunitat Valenciana).

Memoria contra el silencio

La mesa redonda, moderada por el periodista y director de Informativos de Radio Castellón Cadena SER Jaume Maicas, contará también con el testimonio directo de la sociedad civil organizada: Mariló Gradolí y Toñi García (Associació de Víctimes de la dana 29 d’Octubre) y Rosa Álvarez (Asociación de Víctimas Mortales de la dana).

“La literatura ancla la memoria y evita que las víctimas se sientan solas en este viaje largo”, afirma Carmen Amoraga. Por su parte, Maxi Roldán advierte de la urgencia de un liderazgo científico real soportado por quienes han de ejecutarlo, los políticos: “Negar que el clima ha cambiado es peligroso; los fenómenos extremos ocurren ya en lugares que creíamos seguros. Esto hay que tomárselo en serio”.

Periodismo y rendición de cuentas

El análisis técnico y político vendrá de la mano de Sergi Pitarch, quien mañana profundizará en los fallos de los protocolos de emergencia que dependían de la Generalitat Valenciana. “El periodismo ha sido clave para evitar que la administración oculte la verdad”, señala Pitarch, quien destaca que la presión de las asociaciones de víctimas ha sido el motor de la dignidad frente al “maltrato institucional” sufrido.

En un panorama musical a menudo saturado de tributos y versiones comerciales, emerge un movimiento necesario que reivindica la creación auténtica. El Original Fest celebra su tercera edición los próximos días 8, 9 y 10 de mayo en el recinto del Caliza Pool Bar del Puerto de Sagunto, consolidándose como el gran acontecimiento del año para la música con alma propia.

Bajo un lema innegociable, “La música original se respeta o no se toca”, el certamen ofrece una propuesta radicalmente distinta: 18 bandas de todos los estilos (rock, punk, indie, metal, pop y underground) con un único denominador común: la interpretación exclusiva de composiciones propias. Ni un solo cover tendrá cabida en el escenario.

El Original Fest no es solo un concierto, es una experiencia de inmersión musical distribuida en tres jornadas clave: viernes 8 de mayo (tarde), el arranque de la energía sonora; sábado 9 de mayo (día completo), maratón de bandas desde la tarde hasta la noche; y domingo 10 de mayo (Mañana), el cierre perfecto para un fin de semana de descubrimiento.

Un cartel imparable

La tercera edición presenta una selección de nombres que ya forman parte de la historia del underground nacional y local. Por orden alfabético, los asistentes podrán disfrutar de: 15 Watts, Batería Baja, Decadencia, Efectos Personales, El Beso del Sapo, Evanora, Faradaï, Los Nodoyunas, Otras Yerbas, Señor Bucle, Sentencia, Shake, Terror Cuplé, The Wildthroats. Tu Ex, Valandaluz, Vulturna y Yivver.

Fiel a su compromiso con la difusión cultural, la organización ha mantenido la entrada totalmente gratuita para todas las jornadas. “La cultura no tiene precio, y aquí ni siquiera tiene coste”, esa es la premisa de un festival que busca eliminar cualquier obstáculo entre el artista y el espectador. La entrada es libre hasta completar el aforo.

Original Fest

En su tercera edición, el Original Fest se ha convertido en el evento imbatible que protege y promociona el talento creativo. Es el punto de encuentro para quienes no se conforman con “lo de siempre” y buscan formar parte de un movimiento que pone el valor del autor en el centro del escenario.