Sin duda, una hermosa historia de amor. De amor al cine, sí, pero no por eso menos hermosa o amorosa. El encuentro, océano Atlántico mediante, entre un mítico director de cine independiente de los 90 y un aficionado que solo quería volver a ver en pantalla grande una película que descubrió en la XIV Mostra de València, hace ahora 32 años. Los protagonistas son el norteamericano Steven Starr y el cinéfilo valenciano Dani Gascó, programador del ciclo Embriagados de Humor, que comenzará el próximo 31 de julio en el CCCC e incluye 27 comedias de todo el continente americano. Ambos mantendrán ese día una charla a propósito de la película Joey Breaker, que inaugurará el ciclo.

Gascó descubrió la película siendo un joven aficionado, y la guardó en un lugar muy especial de su memoria. Y allí permaneció hasta la madrugada del 8 de julio de 2016. Demasiado calor para dormir, así que, tras horas viendo teletecho, le viene a la cabeza Joey Breaker (1993) y se dedica a rebuscar entres sus fichas. Así descubre que uno de los protagonistas es Richard Edson (exbatería de Sonic Youth y uno de los protagonistas de Extraños en el paraíso, la película que lanzó a Jim Jarmusch), y el reparto incluye a Gina Gherson (la diva de Showgirls) y, nada menos, que a un jovencísimo Philip Seymour Hoffman.

No es amor, lo que Gascó siente se llama obsesión. El siguiente paso es intentar conectar con Steven Starr, no en Tinder (que entonces ni existía) sino en Facebook. “Vi Joey Breaker hace muchos años. Recuerdo una trama muy humana, unos personajes auténticos y unos escenarios que me resultaron atractivos. Tuve la sensación de que el autor sabía muy bien de lo que hablaba, que había mucho conocimiento y cariño en todo lo que vi en aquella película”, le escribe. La respuesta no tardó ni cinco minutos en llegar: “Muchas gracias, Daniel. La película no se está proyectando en estos momentos. Si eso ocurriera, te aviso. ¡Qué buena memoria tienes!”. No es difícil imaginarse la cara de sorpresa del realizador al ver que alguien, del otro lado del charco, se interesaba por la única película que dirigió.

En 2019 Dani Gascó empieza a organizar ciclos de comedia en el CCCC, primero con el título de ¿De qué nos reímos en Europa? Y luego, desde 2023, como Embriagados de humor (América y la comedia). Es el momento de ir más allá en la relación y le propone a Starr proyectar la película en el claustro del Centre del Carmen. El problema: la única copia disponible es de pésima calidad, “un telecinado infecto que hizo para comercializarla en VHS y nunca osaría mostrarlo en público”, explica Gascó a ElDiario.es. Pero hay esperanza: El negativo está en la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. “Llevo años pensando en hacer la transferencia. ¡Qué oportuno por tu parte!”, dice el director.

Durante ese proceso de seducción, Dani descubre muchas cosas sobre Steven Starr. Como Joey Breaker, Steven trabajó en una agencia de talentos, y posteriormente dirigió el Departamento de Cine de Nueva York. Entre sus clientes se encontraban cineastas como Ang Lee y artistas como Andy Warhol, Ziggy Marley o Tim Robbins. Años atrás, 1977, teniendo solo 20 años consigue que Bob Marley visite la universidad donde estudia, Wisconsin-Madison. “Viví, básicamente, una experiencia muy luminosa durante una conversación que mantuvimos a solas, lo que me ha permitido pasar los últimos 45 años en contacto con su familia. Bob activó mi interés por la justicia social”, explica. Más adelante, Steven dará el papel de camarera y estudiante de enfermería jamaicana que enamora a Joey Breaker a una de sus hijas, Cedella Marley.

Joey Breaker se lanzó con el siguiente eslogan: “Hay cosas más importantes en la vida que hacer un trato”. Pero finalmente esta es la historia de un trato. Hacer un doble subtitulado, en inglés y castellano, mientras se prepara una copia digital. Lo primero lo realizó Dani en colaboración estrecha con el cineasta; luego Steven le enviaba el siguiente fotograma restaurado. Así, Joey Breaker volverá a la vida el viernes, 31 de julio, en el CCCC. Y maravillosa sorpresa, el propio cineasta viajará desde Los Ángeles (pagándose él tanto el viaje como la estancia) para inaugurar por todo lo alto el tercer ciclo de Embriagados de humor (América y la comedia) y mantener una conversación con Dani a las 21:30h en el claustro gótico, media hora antes de su proyección.

Embriagados de Humor

Joey Breaker será la primera de las 27 películas que se proyectarán en el ciclo Embriagados de Humor, y que se prolongará del 31 de julio al domingo 30 de agosto, fecha para la que se ha programado la cinta colombiana Un poeta, de Simón Mesa. Entre una y otra, la selección de Dani Gascó propone un viaje en el que la mayoría de títulos son norteamericanos, pero con parada y fonda en Canadá, México, Perú, Colombia, Brasil, Chile o Argentina. Las proyecciones comenzarán a las 22 h y la entrada es libre y gratuita hasta completar el aforo.

De las producciones made in USA destaca prácticamente toda la lista, con clásicos como El hombre mosca (1923), de Harold Lloyd; El pelele no tiene suerte (1941), con W.C Fields; o Mr. Belvedere estudiante (1949). Tampoco hay que olvidar otras más recientes como Las cosas cambian (1988), dirigida por David Mamet; Dim sum: a little bit of heart (1985), de Wayne Wang; la versión de Frank Oz de La pequeña tienda de los horrores (1986); Juegos de amor en la universidad (1985), de Rob Reiner y con un jovencísimo John Cusak; El cielo, proximamente... (1991) del maestro Albert Brooks; Nola Darling (1986), la ópera prima de Spike Lee; o la casi olvidada Corazón Verde (1971), una de las cuatro películas que rodó Elaine May y con un Walter Matthau en estado de gracia, por citar solo algunas.

Por lo que respecta al resto de propuestas, cabe estar muy atentos, por ejemplo, a El artista (2008), de los argentinos Mariano Cohn y Gastón Duprat; el clásico del cine mexicano Mátenme porque me muero (1951), una adaptación de Ismael Rodríguez del clásico de Jardiel Poncela; la cubana Demasiado miedo a la vida / Plaff, de Juan Carlos Tabio; o Doble discurso (2023), del argentino Hermán Guerschuny. En todo caso, tampoco es mala idea ir al CCCC sin ni siquiera haber mirado la programación y dejarse seducir por la propuesta que haya planteado Dani Gascó para luchar esa noche contra la canícula a golpe de comedia.

LaDemo nace de la necesidad de recuperar espacios presenciales donde el debate, la cultura y la música sirvan como punto de encuentro para la juventud. La organización reunirá a jóvenes con ideas diversas para conversar sobre cuestiones como las nuevas formas de participación democrática o la soberanía tecnológica. El propósito es crear un entorno donde fomentar el diálogo lejos de la polarización y los algoritmos que traspasan a diario la pantalla, inundando nuestra vida y condicionando la conversación pública, de manera que dejan un espacio ínfimo para el intercambio real de ideas.

La playa de Cullera acogerá el evento el próximo 5 de septiembre en el recinto Medusa Beach Club con un aforo de 4.000 personas. El proyecto pionero toma como referencia festivales internacionales como South by Southwest, que se celebra en Austin, Texas, y combina cultura, innovación y entretenimiento.

A lo largo de la jornada se desarrollarán todo tipo de actividades como conciertos, podcasts en directo, humor y experiencias interactivas en torno a las cuestiones principales sobre las que gira la iniciativa, con invitados como Ignatius Farray, El Orden Mundial —el medio de análisis internacional de referencia en español— y WATIF TV, el matinal liderado por el periodista Emilio Doménech, que ejercerá como anfitrión del evento.

Junto a ellos participarán otros creadores de contenido del panorama valenciano, expertos en tecnología, periodistas especializados en redes y desinformación y artistas musicales que la organización anunciará próximamente. La jornada se alargará por la noche con sesiones de pinchadiscos, transformando el recinto en un festival musical donde celebrar la pluralidad de las ideas de una forma más lúdica. Como resume Pepe Borrás, codirector del evento, en declaraciones a elDiario.es: “en mi cabeza yo me imaginaba que la noche termina con alguien de derechas bailando con alguien de izquierdas”.

LaDemo no pretende ser un congreso político al uso, sino un espacio de encuentro donde la reflexión conviva con el humor, la música y las actividades participativas, tratando temas que en primera instancia pueden resultar complejos y poco accesibles. Sin embargo, mediante el enfoque con el que se plantea el encuentro, resultará más fácil bajar a tierra todas estas cuestiones clave para entender la realidad actual en la que nos vemos inmersos a diario.

El festival se organiza en varias líneas temáticas para debatir sin filtros sobre tecnología, políticas públicas, redes sociales y los vínculos humanos del mañana. La programación incluirá un podcast sobre salud mental y su relación con la tecnología, así como la soledad no deseada; un estand sobre DemocraZia con Z y un mural colectivo para conocer las opiniones, necesidades y propuestas de la juventud.

Entre las propuestas también habrá actividades en las piscinas del recinto con Ignatius o juegos como “Adivina el algoritmo”, donde se pinchará la pantalla del teléfono móvil de alguno de los participantes para adivinar el perfil de la persona según los contenidos que aparecen en su pestaña de explorar, una actividad que Borrás resalta: “Es una manera muy interesante de reflejar esta problemática, ya que nuestra vida ahora mismo pasa mucho por lo digital y está muy metida en cajitas. El algoritmo dice quién eres mejor que tú mismo dices quién eres”.

Dentro de la programación, LaDemo integra “El Encuentro” València y cuenta con el apoyo del Consejo de la Juventud de España, el Comisionado para la Celebración de los 50 años de España en Libertad, el Consell Valencià de la Joventut dentro del proyecto DemocraZia con Z, el Ayuntamiento de Cullera y la Universitat de València.

El precio de la entrada, disponible por ocho euros en la plataforma DICE, irá destinado a la ONG SOMLLAR, dedicada a la atención integral de niños, niñas, adolescentes y jóvenes en riesgo de exclusión social.

Una basca sufocant multiplicava anit el dolor que transmeten algunes cançons de Belle and Sebastian. Sota una meteorologia que dificultava la respiració, les diverses manifestacions del dolor primermundista ameraven els cossos dels fans. I això que la multitud congregada en La Marina ja fa trenta anys que va descobrir el catàleg de confessions de Stuart Murdoch i companyia. Anit ens hi vam tornar a veure reflectits cadascú a la seua manera.

La immensa majoria del públic recitava sense esforç les lletres de les cançons del segon disc de la banda (If You’re Feeling Sinister), interpretat sencer i en ordre al primer acte del concert. L’excessiva limitació de volum a la qual han estat sotmesos els instruments restà una miqueta d’esplendor a temes com “Me and the Major”, que al disc permet gaudir de l’harmònica amb tot el protagonisme que mereix, o la cançó que dóna títol al treball, “If You’re Feeling Sinister”. Els matisos subtils dels teclats es dissolien sense solució per part dels tècnics. Però els creients complementàvem allò que no ens arribava de l’escenari amb els nostres records sonors.

El més important és que Stuart segueix narrant-nos les seues culpes pels seus desamors escocesos i captant magnèticament la nostra atenció valenciana. Seran coses de dur trenta anys volent integrar-nos en el primer món de la música alternativa! Per això, no calia que Stuart demanara al trompetista que traduïra al castellà la seua petició de perdó a la destinatària de“The Boy Done Wrong Again”: ell fou el culpable del que va passar, ens diu tres dècades després.

La seua fragilitat i precisió rítmica, complementades amb una veu tan personal i afinada, el converteixen en un frontman impossible però indiscutible. De fet, quan al segon acte va cedir la veu principal al guitarra Stevie Jackson en “To Be Myself Completely”, la connexió davallà automàticament. La comunió amb el públic tornà just després amb els èxits assegurats de “The Boy with the Arab Strap” o “I Didn’t See It Coming”.

Per últim, a quasi qualsevol altre li penjaríem el cartell de populista per les seues crítiques a Trump i els seus elogis al poble nord-americà, però ell sonà ferit i innocent alhora. Ferit com tots els que hem sentit en algun moment les confessions rítmiques amagades davall d’aquella portada roja i, després, davall d'aquella verda ferruginosa meravellosa.

El Palau de la Música de València celebra este año su 40.º aniversario con una programación titulada “40 anys de la millor música”, que incluye cerca de sesenta conciertos. Durante el acto de avance de las novedades de la temporada 2026-2027, presidido por la alcaldesa de València, María José Catalá, se ha anunciado la renovación del director de la Orquesta de València, Alexander Liebreich.

La alcaldesa, María José Catalá, ha destacado sobre la gestión del Palau de la Música: “En solo tres años el presupuesto ha crecido un 52%, hasta los 23,57 millones de euros; la plantilla de la Orquesta Municipal ha aumentado un 14%; y, por último, la respuesta del público ha sido extraordinaria. En 2025 hemos alcanzado el mayor registro de la serie histórica, con casi 230.000 personas asistentes. Y entre el 1 de enero y el 13 de mayo de este año ya rozamos la cifra de los 100.000”.

En este sentido, Catalá ha señalado: “La reapertura del Palau en 2023 no ha supuesto simplemente recuperar un edificio. Ha significado iniciar una etapa de crecimiento institucional; de mejora de la plantilla, con la dotación de mayor estabilidad laboral; de crecimiento de público; y de mayor proyección nacional e internacional del organismo”.

Por último, la primera edila ha concluido: “El 40.º aniversario del Palau de la Música nos ofrece la oportunidad de reconocer todo lo que ha significado para distintas generaciones de valencianos y valencianas, así como de recordar a los grandes artistas, orquestas y directores que han pisado estas tablas”.

45 conciertos de abono y 6 extraordinarios

Durante la temporada 2026-2027, el maestro Alexander Liebreich dirigirá en abono siete conciertos. Rinaldo Alessandrini y Christian Vásquez serán los directores principal invitado y asociado, respectivamente. Helmut Lachenmann será el compositor residente, mientras que los artistas residentes serán el trompetista Pacho Flores y el contrabajista Edicson Ruíz.

Como celebración de la efeméride del 40.º aniversario, el 25 de abril de 2027, la Orquesta de València y Alexander Liebreich interpretarán Till Eulenspiegel, de Strauss, el Concierto para piano n.º 2, de Chopin, con Kevin Chen, y La mer, de Debussy.

En la temporada 2026-2027 del Palau de la Música de València, destaca, en concierto extraordinario, el debut de la legendaria Bayreuth Festival Orchestra, dirigida por Pablo Heras-Casado. Ya en abono, volverá la Royal Concertgebouw Orchestra, con Klaus Mäkelä, que debutará, y la violinista Lisa Batiashvili (6-02). Otra de las grandes formaciones será la London Philharmonic Orchestra, con la violinista Julia Fischer y el violonchelista Daniel Müller Schott, dirigidos por Edward Gardner (30-10). También volverá Daniellle Gatti, con la Staatskapelle Dresden, que interpretará la integral sinfónica de Beethoven (12, 13, 15 y 16-05). La Orquesta Filarmónica Checa, dirigida por Semyon Bychkov y con el pianista Behzod Abduraimov (15-11), también estará presente esta temporada.

Otras grandes formaciones serán la Orquesta Filarmónica de Helsinki, dirigida por Jukka-Pekka Saraste, con la violinista Minami Yoshida (9-02); MusicAeterna, dirigida por Teodor Currentzis (30-05); y la Orquesta Sinfónica SWR Stuttgart, con François-Xavier Roth y la violinista Isabelle Faust (11-11).

La programación contará también con la Gustav Mahler Jugendorchester, con Cristian Macelaru y la chelista Julia Hagen (12-11). Asimismo, los aficionados y aficionadas a la música podrán disfrutar de formaciones internacionales como la Orpheus Chamber Orchestra, con el saxofonista Branford Marsalis (06-03) y la English Chamber Orchestra, con Roberto Forés y el oboísta Ramón Ortega.

La Orquesta Filarmónica Nacional de Hungría, dirigida por Martin Rajna (06-04), visitará el Palau con el pianista Dezső Ránki. Tampoco faltará la Orquesta Nacional de España, dirigida por David Afkham, con el violinista Frank Peter Zimmermann (23 y 24-10). Además, volverán Jordi Savall, con Le Concert des Nations (7-04), y llegará la Orquesta Sinfónica de Navarra, con el violonchelista Johannes Moser y el director Perry So (20-05).

También habrá espacio para grandes recitales de piano en la Sala Iturbi. Este año, a la tradicional cita de Grigory Sokolov (27-02), se sumará una constelación de pianistas como Javier Perianes (1-12), Boris Giltburg (15-12 y 12-01), Daniil Trifonov (15-01), Yuja Wang (2-02) y Hélène Grimaud (25-05).

La Orquesta de València y su titular, Alexander Liebreich, abordarán con una mezzosoprano de lujo como Elīna Garanča y el tenor Michael Weinius fragmentos de Parsifal, de Wagner (20-11). También destaca el Réquiem de Fauré, con el prestigioso Chor des Bayerischen Rundfunk (2-04). Asimismo, Rinaldo Alessandrini y el Cor de la Generalitat Valenciana interpretarán a Bach (6-11) y, por su parte, William Christie y el Coro de Les Arts Florissants harán lo propio con Las estaciones de Haydn (28-05). Capella de Ministrers y Carles Magraner ofrecerán Acis y Galatea de Haendel (29-04), así como Gabrieli Consort & Players, con Paul McCreesh, harán las delicias de los melómanos con la ópera The Fairy Queen de Purcell (14-02).

La Freiburger Barockorchester, el Collegium Vocale Gent y la soprano Julie Fuchs, dirigidos por Pablo Heras Casado, interpretarán la cantata La morte di Didone de Rossini (09-12). También volverá la Amsterdam Baroque Orchestra and Choir, con Ton Koopman, para interpretar el Oratorio de Navidad, de Bach (17-12). La programación también contará con la Orquesta Sinfónica de Düsseldorf, con Adam Fischer y Catriona Morison, con la tercera de Mahler (20-10). Por su parte, Cappella Mediterranea y la Escolanía de la Virgen de los Desamparados, dirigidas por Leonardo García Alarcón, interpretarán el tradicional oratorio La pasión según San Mateo, de Bach (23-03).

Cabe destacar que la Orquesta de València tendrá como directores invitados a las siguientes personalidades: Pinchas Steinberg, Eliahu Inbal, William Christie, Marc Albrecht, Leonard Slatkin, Christophe Rousset, Shiyeon Sung, Chloé Van Soeterstède, Timur Zangiev, Pablo Rus Broseta, Pablo González y Jaime Martín. Como solistas contará con el violonchelista Pablo Ferrández; las violinistas Alexandra Conunova, Clara-Jumi Kang, Diana Tishchenko; los pianistas Silver-Garburg piano duo, Denis Kozukhin, Kevin Chen, Martín García García y Andrey Gugnin; el clarinete de Andreas Ottensamer; el organista Juan de la Rubia; el Trio Gaspard y el percusionista Alexej Gerassimez.

El acto de presentación de esta variada y completa programación, que ha tenido lugar hoy, ha contado con la asistencia del presidente del Palau de la Música y concejal de Acción Cultural, Patrimonio y Recursos Culturales, José Luis Moreno; del director del Palau de la Música, Vicent Llimerá; de la subdirectora del Palau de la Música, Nieves Pascual; del director musical de la Orquesta de València, Alexander Liebreich; del músico Pacho Flores; y de representantes de instituciones y asociaciones del ámbito cultural y musical valenciano.

Carles Alberola (Alzira, 1964), és actor, director i dramaturg. Durant la dècada del 1980 actuà en diverses companyies valencianes i va impartir moltes classes de teatre. A partir de 1989 agafà la directa i ja no ha parat: l'escriptura de teatre, la direcció teatral, la interpretació i, molt en especial, la creació d’una companyia el 1994, Albena Teatre, de la qual és director encara avui.

La dècada dels noranta fou molt intensa per a Alberola, estrenà 14 comèdies, de les quals en va dirigir tretze i en va interpretar sis, i el 1999 inicià una nova etapa, unida, en part, a la producció audiovisual. Foren anys molt productius durant els quals li arribaren l‘èxit i el reconeixement de la crítica i del públic.

Amb l'obra Besos Albena va aconseguir un gran èxit a Madrid i a Barcelona, i avui són molts els muntatges seus que han deixat una empremta inesborrable en nosaltres: Mandíbula afilada, Besos o el musical Tic Tac, entre altres. Parlem amb Carles Alberola un dilluns feiner al carrer Serrans, mentre professors, xiquets que fan excursions de finals de curs i turistes encuriosits, aprofiten les hores de la fresca. Teatre, la vida és pur teatre, i els carres de la ciutat uns escenaris dignes de ser observats.

Carles, fa uns dies vam coincidir en l’obra Original Greek. Durant la funció em va cridar l’atenció que a l’escenari no hi hagués res i que els actors ens passejaren per tots els decorats i ens feren viatjar només amb ajuda del text i l’actuació. Com es fa això?

Una de les màximes del teatre és no poder recrear-ho tot, però tindre la capacitat de suggerir, la qual cosa està en la pròpia convenció del teatre. En el teatre clàssic no es recreaven els espais i el públic percebia on estava a través del llenguatge i la tipologia dels personatges. Això, de fet, et fa ésser un espectador actiu perquè és l’obra i l’escenari que hom imagina i projecta des de l’altra banda, des de la butaca. I comença la funció de dues maneres diferents: des de dalt de l’escenari i des de baix.

Mandíbula afilada (1997) ha arribat a les aules i als estudis de Batxillerat, com un text clàssic. N’està content?

És l’obra meua més representada per tot arreu, també a l’estranger. És un text molt narratiu que parla de l’amor no correspost, un tema que ens apropa a un amor etern i que té pervivència. Ara, amb motiu de l’arribada del text a les aules, l’hem reestrenada i està anant molt bé, i veiem els xics i xiques que riuen, s’hi projecten i ho passen bé. De tant en tant vaig als centres i xarre amb ells del teatre i del que jo faig. És bonic, tot plegat, perquè no és habitual tornar a muntar espectacles tants anys després, i és interessant retrobar-te amb l’autor que eres fa 30 anys. De vegades molts espectacles, tot i haver anat bé, es queden al calaix després d’un temps.

On es troba més a gust, damunt o darrere de l’escenari?

De menut deia que volia ser director de cine i ha anat com ha anat. M’agrada tot el que faig, i va per èpoques, ara estic escrivint, però també tinc alguns bolos, i sé que vindran èpoques més fortes d’actor. Tot és compaginar i està bé així. En el passat ha estat una sort poder fer classes i he disfrutat d’elles, m’agradava molt i m’ho passe molt bé encara quan vaig a parlar als instituts. Per mi tot és emocionant: tant quan estàs sol escrivint, com quan estic en companyia amb els assajos o representant davant del públic. Actuar, per a mi, és una mica com celebrar el teu aniversari.

Quina és la clau de l’èxit per a una funció?

Et diré que si tens bons actors tot és més fàcil. Els que fan que les coses passen i les paraules tinguen un sentit són els actors, però també molt important una bona producció. I en el teatre tot culmina davant del públic, damunt de l’escenari.

Creu que tot autor de teatre hauria de dirigir les seues obres encara alguna vegada?

No és necessari dirigir, però dona certs avantatges. També hi ha intèrprets que han passat a dirigir també, i t’ajuda amb els tempos. Els coneixements escènics poden ajudar, però no són imprescindibles.

Vostè ha tingut també molta experiència en televisió i amb l’audiovisual, com anà aquella època?

Aquella fou una segona etapa, quan arrancà la televisió. Fou un salt i mantinguérem el teatre i projectes audiovisuals. I després vingué una tercera època en què teníem teatre, televisió, cinema i musicals en marxa, com fou Tic Tac, el musical, que rebé el Premi Max al millor musical.

I una quarta època, ara?

Sí, també intensa, amb diversos espectacles, tres en gira. Mantenim un ritme prou fort i donades les circumstàncies en què es mou el teatre valencià, has d’estar produint i en tot poses el cor i l’ànima, perquè d’ajudes, n’hi ha poques. Nosaltres, a Albena, som un equip de treball familiar, el meu soci, Toni Benavent i jo, els fundadors i gent que treballa des de fa 30 anys amb nosaltres. Alguns fins i tot repeteixen [diu Alberola amb un somriure]. Quan estàvem fent televisió vam arribar a treballar amb dues-centes persones de manera continuada. En teatre solem tenir entre 20 i 30 persones. Al llarg dels anys he treballat amb molt gent, també amb gent jove. De jove ets un volcà en erupció, tens moltes coses a contar i vols llançar-te sense pensar en què passarà i descobreixes moltes coses, i així fou amb la dècada d’Albena Teatre.

Com ho té el teatre en valencià, ara per ara?

Molt complicat perquè no hi ha una aposta decidida per ell. Com es manté aleshores? Amb diversificació de les feines i alternant amb altres feines vinculades al món escènic o eixint fora. En el nostre cas, de vegades estrenem en valencià i fem la versió en castellà per eixir fora, i en alguns casos pot ser que no trobes finançament ací i siga a la inversa. L’audiovisual ens va donar una seguida durant molts anys, però ara està bastant aturat. I clar, em dic que si no haguera nascut a un món on es parla en valencià, aquestes coses no me les plantejaria. Però fer teatre en valencià per mi és com respirar, i per això no deixe de fer-ho.

El meta teatre és una parada difícil d’evitar?

Estem tant de temps submergits en el nostre univers que potser és inevitable. Passem molt de temps dins del món de la ficció i te n’adones com a través d’eixe món pots explicar moltes coses que tenen a veure amb la vida dels espectadors. Quan he treballat en obres que parlen del teatre he tractat de fer metàfores on la gent es pogués veure reflectida. Parlar d’allò que coneix l’espectador.

Aquesta tardor podrem llegir un llibre que recull la història d’Albena Teatre. Com ha estat això?

És un projecte de Bromera i l’ha escrit l’historiador Francesc Martínez Gallego, qui ha fet un treball molt bo, resseguint una trajectòria contextualitzada amb allò que anava succeint al País Valencià i a l’estat espanyol alhora que Albena naixia i creixia.

Parlem de més trenta anys. No dona una mica de vertigen?

Sí, i quan fas un llibre com aquest et retrobes amb molt de material antic i et sorprens amb les fotos... És com una mena de viatge interior cap a tu mateix. Vols tindre l’esperança que el que has fet ha estat bé i ha tingut un sentit, tot, teatre, sèries, musicals i això, el que hem dut a escena, et diria que és la cinquena part de tots els projectes que hem pensat. Però no està malament, em dic, si hem aconseguit traure endavant la cinquena part dels projectes que hem ideat. Sempre dic que el millor espectacle no està escrit. El millor està per vindre, perquè el que sempre hem necessitat tant Toni Benavent com jo per continuar endavant és, no només la voluntat, sinó també la capacitat de renovar la il·lusió.

El segon disc del grup valencià Mans de destral i els oratges canviants amplia els horitzons sonors del seu debut: huit cançons inclassificables, arrelades al territori i governades per unes lletres que combinen poesia, ironia i crítica social.

Hi ha grups que troben un estil i s’hi instal·len. Mans de Destral i els Oratges Canviants, en canvi, prefereixen deixar-se portar pels corrents. Aixopluc, el seu segon treball, que s’acaba d’estrenar, conté huit peces i confirma una manera de fer música difícil d’encabir en una sola etiqueta. Rock, cançó d’autor, indie, psicodèlia, impuls ballable i ecos mediterranis conviuen amb naturalitat.

El grup ja havia mostrat aquesta voluntat fronterera en el seu primer disc homònim, un debut autoeditat que va obtindre tres reconeixements als Premis Ovidi de 2019: nominació a millor disc d’artista revelació, nominació a millor disc de cançó d’autor i premi a la millor lletra per 'Ombres en la pluja'. Aquella cançó ja avançava una de les grans virtuts de la banda: convertir el paisatge valencià en metàfora personal i col·lectiva.

Set anys després, Aixopluc no repeteix la fórmula, sinó que eixampla el camp de joc. La banda es comporta com una colla de surfistes dels estils: passa d’un clima musical a un altre sense perdre la identitat. La unitat del disc no prové d’una sonoritat homogènia, sinó d’una mateixa mirada crítica, juganera i molt conscient del territori des d’on parla.

'Welcome to Babilònia' obri el disc amb una radiografia de la societat contemporània: vanitat, consum, ego, pantalles i mentides fabricades. Però, entre aquest paisatge distòpic, la cançó encara busca les escletxes on és possible resistir. És una declaració de principis i una mostra dels nous horitzons sonors del grup.

Les lletres poètiques continuen sent el centre de gravetat. En 'Deih', un astronauta sense rumb travessa galàxies i ferralla espacial mentre intenta recordar cap on volia anar. L’univers exterior es converteix així en paisatge mental, i la nau rovellada en metàfora d’una vida a la deriva.

'Ribera Baixa' situa el disc en l’altre extrem del mapa. L’Estany, l’Albufera, els arrossars, les séquies i la Muntanyeta dels Sants construeixen una geografia viscuda. Territori i arrels no apareixen com un decorat folklòric, sinó com una manera d’explicar la identitat i la memòria.

També 'València' mira la ciutat des de la tradició i el present. La Moma, la Sibil·la, els nanos, els gegants, la Degolla, Isabel de Villena i Ausiàs March són convocats per recuperar simbòlicament una ciutat desfigurada pel turisme, la pèrdua de veïnat i l’oblit.

Però Aixopluc també sap riure. 'Ulleres de sol' converteix el glamour, la gomina i les màquines de fum en una comèdia pop, mentre que 'Deixa’m estar' transforma la saturació mental en una fugida cap a la pista de ball. L’eufòria no resol els problemes, però permet suspendre’ls durant uns minuts.

'A little time a day' ofereix un inventari àcid de les formes modernes d’autodestrucció, i 'Ais!', adaptació d’un text d’Ovidi Montllor, connecta el disc amb la tradició de la cançó crítica valenciana.

Aixopluc és, en definitiva, un refugi des d’on observar millor la tempesta. Mans de Destral i els Oratges Canviants han fet un disc que pensa, balla, recorda i ironitza. Després d’un debut premiat per la força de les paraules, el grup conserva la seua ambició literària i obri finestres cap a nous paisatges musicals.

La Diputació de València i la Fundació Sonora han presentat este dijous Territori Simfònic, una iniciativa cultural que connecta les comarques valencianes a través de la música i el patrimoni. La vicepresidenta primera, Natàlia Enguix, i els responsables de Sonora, Toni Revert i Lluís Muñoz, han donat a conéixer la programació per a enguany, amb sis concerts de l'Orquestra Simfònica Caixa Ontinyent en espais emblemàtics de Benimodo, Aielo de Malferit, Utiel, Enguera, Sueca i Oliva, tots ells amb entrada lliure.

La vicepresidenta Enguix ha assenyalat, durant l'acte al Palau dels Scala, que les polítiques de desenvolupament “es construïxen generant oportunitats, activant els recursos propis dels municipis i creant xarxes que connecten les nostres comarques, i no sols amb infraestructures físiques”. En esta línia, “la cultura és una de les ferramentes que podem posar al servici del territori, com fem amb este projecte de música i patrimoni al costat de la Fundació Sonora”.

La gira de l'Orquestra Simfònica Caixa Ontinyent arrancarà el dissabte 25 de juliol a l'auditori del Parc Sant Felip de Benimodo (23.00h). ‘Essència de Buenos Aires’, amb la direcció artística de Roberto Turlo, és un vibrant concert simfònic que fusiona tango clàssic i orquestra, un espectacle itinerant que, a més de Benimodo, arribarà a la Plaça Palau d'Aielo de Malferit (dimecres 29 de juliol, 23.00h); el Teatre Rambal d'Utiel (dissabte 19 de setembre, 20.00h); la Casa de Cultura d'Enguera (diumenge 20 de setembre, 18.00h); el Molí Pasiego de Sueca (dissabte 26 de setembre, 20.00h); i la Casa de Cultura d'Oliva (divendres 3 d'octubre, 19.00h).

En paraules de Natàlia Enguix, el projecte subvencionat per la Diputació “vertebra la província, descentralitza l'accés a la cultura, promociona el talent jove i convertix el nostre patrimoni en un espai viu”. Els escenaris no són casuals. Antics palaus, edificis monumentals, convents, teatres, patrimoni històric que al costat d'espais a l'aire lliure es transformen en llocs d'encontre entre la música i la ciutadania. “Territori Simfònic és part d'una estratègia més àmplia que impulsem des de la Diputació, junt amb festivals com el Nómade, el Bobal i el Xocorroc, la Mostra de Vins dels Alforins o els bons comerç, iniciatives que aprofiten els valors diferencials de cada comarca per a atraure visitants i crear noves oportunitats”, ha explicat Enguix.

Fundació Sonora

En un acte que ha comptat amb la presència d'alcaldes i regidors dels municipis que acolliran la gira, Natàlia Enguix ha donat pas als responsables de Fundació Sonora, nascuda per a assumir la gestió de l'Orquestra Simfònica d'Ontinyent i impulsar el talent musical a la comarca. El president de Sonora, Toni Revert, ha manifestat que mantindre una orquestra en un municipi d'interior “és un projecte complex i apassionant, per això hem donat este pas al capdavant per a crear una estructura més sòlida, estable i amb capacitat per a créixer i generar iniciatives musicals singulars i de qualitat al nostre territori”.

Territori Simfònic és l'exemple d'iniciativa singular que busca impulsar la Fundació Sonora, en este cas subvencionada per la Diputació. “La gira permetrà a la nostra orquestra eixir de la seua zona de confort, que és el Teatre Echegaray d'Ontinyent, per a enfrontar-se al públic d'altres pobles i comarques amb un repertori diferent”, explica el vicepresident de Sonora, Lluís Muñoz, qui destaca el concepte 'Learning by doing' (aprendre fent) com a essència d'una orquestra que aposta fermament per la formació.

Els responsables de la Fundació Sonora i la vicepresidenta Natàlia Enguix han coincidit en el potencial d'una iniciativa que es basa en “la simbiosi absoluta entre la música i el nostre patrimoni monumental”. Per part seua, l'alcalde de Benimodo, Paco Teruel, el d'Aielo de Malferit, Cristian Verdú, i la regidora de Sueca Sari Sáez han agraït que la Diputació i Sonora porten Territori Simfònic a estos pobles que aposten fermament per la cultura.

Repertori arriscat

La música és el fil conductor del projecte junt amb el patrimoni. Música simfònica, com la que han interpretat al pati del Palau dels Scala Guillermo Úbeda i Víctor Coll, dos joves talentosos que han posat en valor el potencial formatiu de l'orquestra d'Ontinyent: “vaig començar amb el violoncel als nou anys, i l'orquestra ha sigut un trampolí per a conéixer a grans músics europeus, i en el meu cas estudiar tres anys a París”, ha relatat Guillermo.

El chelo i el violí de Guillermo i Víctor han acompanyat la veu de Graciela Di Palma, una de les solistes que formarà part de la gira per les comarques valencianes de l'Orquestra Caixa Ontinyent. Graciela és acadèmica de l'Acadèmia Valenciana del Tango, i entre els seus treballs es troba el disc ‘Piazzolla en mi piel’, en homenatge a un dels músics més importants del segle XX. El director d'orquestra i compositor argentí serà un dels protagonistes del repertori que interpretarà l'orquestra, baix la direcció artística de Roberto Turlo.

‘Essència de Buenos Aires’ proposa al públic un viatge inoblidable a través de l'evolució del tango amb obres de Carlos Gardel -el primer que li va posar lletra al gènere-, Richard Galliano, Daniel Perera o Astor Piazzolla, un dels majors exponents del tango en el món. “Un repertori diferent, arriscat, que comptarà amb un elenc internacional de luxe per a acompanyar a l'orquestra, entre el qual destaca el virtuosisme del pianista italià Fabrizio Mocata, nominat als Latin Grammy, el bandoneonista uruguaià Leonel Gasso i la veu de la cantant italo-argentina Graciela Di Palma”, apunten els responsables de Fundació Sonora.

El compte enrere per a la XIV edició del Certamen de Teatre Amateur Vila de Canet, per a companyies que utilitzen el valencià com a llengua vehicular, ha començat. L'Ajuntament de la localitat i el Grup de Teatre El Molinet ja han obert el termini d'inscripció —que es prolongarà fins al 26 de juliol— per a un esdeveniment que se celebrarà, a l'auditori municipal de la localitat, entre el 25 d'octubre i el 22 de novembre, a les 19.30 horas.

Segons va explicar Pere Antoni, alcalde de Canet, “per a nosaltres és un orgull poder col·laborar amb El Molinet en l'organització d'aquest festival que, cada any, va sumant més i més espectadors i al qual es presenten cada vegada més companyies. Apostar per la cultura és apostar pel futur, i la satisfacció és doble quan el valencià, la nostra llengua, té un protagonisme tan destacat”.

Per a participar, tal com expliquen les bases que poden consultar-se al web de l'ajuntament, cal enviar una sèrie de documents (historial del grup, llibret complet de l'obra, enllaç per a visualitzar la representació, sinopsi, repartiment, fitxa tècnica…) perquè el jurat puga seleccionar cinc companyies d'entre totes les candidates. La durada mínima de la representació serà de 60 minuts.

Premis i reconeixements

El jurat atorgarà diversos premis, entre els quals destaca el Premi Vila de Canet a la millor obra, dotat amb 300 euros i un trofeu. També es reconeixeran les millors interpretacions masculines i femenines, tant principals com de repartiment, la millor direcció i la millor escenografia i vestuari. A més, el públic assistent votarà per a concedir el Premi del Públic. La cerimònia de lliurament de premis serà el 28 de novembre, i cada grup haurà d'enviar, com a mínim, dos representants.

Cada grup seleccionat rebrà una compensació econòmica de 800 euros per la seua participació.

Podran participar en el certamen tots els grups de teatre amateur que presenten obres en valencià. L'organització seleccionarà cinc grups entre els sol·licitants, basant-se en la documentació presentada i les característiques teatrals de cada companyia. A més, s'establirà una llista de grups de reserva.

La documentació requerida s'ha d'enviar per correu electrònic, abans del 26 de juliol de 2026, a grupdeteatreelmolinet@hotmail.com.

Del 16 al 27 de setembre, els carrers del barri de Russafa tornaran a allotjar escenaris en els locals més insospitats i arrancarà la temporada teatral valenciana amb la XVI edició de Russafa Escènica – Festival de Tardor. Però la preparació d'esta cita comença molts mesos abans i, sobretot, agafa velocitat quan el seu equip directiu es reuneix per a intercanviar idees sobre un lema que eixe any vertebre la selecció d'espectacles i l'organització de les activitats conformen el programa amb el qual cada temporada, des de 2011, s'esforcen per estimular la creació escènica emergent valenciana.

Després d'un parell d'edicions en les quals l'objecte de reflexió ha sigut la situació dels professionals de la cultura i del propi festival, per a 2026 han decidit canviar completament el focus d'atenció: “Era el moment de tirar una mirada més àmplia a la societat en la qual es desenvolupa Russafa Escènica”, explica Jerónimo Cornelles. I en ella s'han trobat amb la consciència col·lectiva que alguna cosa està canviant en la concepció d’allò espiritual.

Des de l'organització expliquen que no hi ha una voluntat de seguir una tendència o moda. “Moltes persones en diferents disciplines, cadascuna amb el seu temps de cocció previ i la seua sensibilitat pròpia, estan investigant una cosa que ens sembla interessant. I que ho hagen fet artistes amb un talent enorme, no implica que no tinguem la nostra xicoteta reflexió perquè este tema és ací i ho travessa tot” explica el director artístic del festival per a aclarir que ells ho han portat al seu terreny, a l'escènic.

“Se suposa que la cultura hauria de ser una cosa sagrada, però està profanada per la precarització. I el que sempre ha caracteritzat als rituals, l'espectacle, hui està a l'abast de tot lo món. Qualsevol converteix en un xou una cosa tan mundana com un desdejuni o anar a la platja. Només cal pujar-ho a les xarxes socials”, comenta la direcció del festival sobre una societat on una nova espiritualitat floreix al voltant d'actituds que són pura carn i que, en absolut, estan renyides amb l'ànima contemporània. Ja no hi ha un sentiment de pecat associat a la libido. Allò íntim és públic. I s'ha tornat molt natural ‘divinitzar’ a persones del carrer.

“Ens plantegem quin sentit té seguir pensant en allò sagrat i allò profà com a elements oposats. I d'ací, passem a interessar-nos per trencar els cànons del ritual, d’allò escènic. Volem qüestionar el concepte en sí d'espectacle, de dramatúrgia… tocar tot el que sembla intocable. I acostar-nos a la bellesa que sorgeix d'eixa misèria”, aprofundeix Cornelles.

Guiats pel lema ‘Sagrada i profana’, van llançar la seua convocatòria per a la selecció de 10 projectes de peces de curta duració (30 minuts) per a la branca de la programació anomenada Vivers, amb funcions en espais de representació no convencionals. Durant el mes de juliol, els artistes emergents seleccionats estan gaudint del programa de residències de creació Via Escènica, gràcies al suport dels municipis Alaquàs, Alboraia, Aldaia, Alfafar, Almussafes, Alzira, Benifaió, Foios, Quart de Poblet i Rafelbunyol.

I, seguint eixes claus de reunir termes oposats i trencar amb el preestablert, han reunit 13 espectacles de llarga duració que podran veure's en espais com a Escalante Centre Teatral (Nau Ribes 3), Sala Russafa, La Rambleta, La Mutant, Teatro Círculo, CCCC i CC La Beneficència.

Quatre imatges i un mateix concepte

També van pensar en trencar amb els cànons a l'hora de buscar la imatge de la XVI edició del festival. Per això va entrar en joc el dissenyador Rubén Mateos Brea.

És el director creatiu de la firma valenciana de mobiliari Viccarbe, Premi Nacional de Disseny 2025 en la categoria ‘Disseny i Empresa’, concedit pel Ministeri de Ciència, Innovació i Universitats. Aquest extremeny establert a València des que va iniciar els seus estudis universitaris, tenia una relació a nivell personal amb el festival des de fa anys. “Per això va ser una sorpresa, però també un repte, que em proposaren plasmar en imatge el lema d'enguany”, assegura.

Acostumat a treballar amb equips de disseny de diverses àrees, inclòs el gràfic, Mateos Brea es va trobar amb l'oportunitat posar-se a la feina i aportar una visió personal, així que va decidir assumir riscos. “El primer va ser triar una manera de representar com conviuen allò sagrat i profà en alguna cosa que no fora òbvia, però que arribés a molta gent. I la naturalesa em va semblar un símbol que podíem compartir tots”, comenta el dissenyador, amb una especial afició a la muntanya, incloent entre els seus interessos l'alpinisme, la fotografia de paratges naturals i l'assaig sobre els vincles amb l'entorn natural. “La muntanya en un principi era una barrera natural, l’amagatall de les bruixes… després van arribar les ermites, les aparicions marianes, fins als albiraments d'Ovnis, si pensem en llocs com Montserrat”, explica el dissenyador sobre un lloc que continua reunint la mística i allò mundà.

Utilitzant algunes de les seues fotografies preses en entorns dels Alps, Pirineus i els Estats Units, va decidir trencar amb el concepte clàssic de cartell únic, creant quatre variants, cadascuna amb una imatge i un to de color diferent com a fons. Encara que totes mantenen elements comuns i s'observa la relació directa entre elles. “Volia generar un univers, amb un concepte i un criteri estètic unificat. He apostat per utilitzar l'estètica com a funció. Captar l'atenció del públic a nivell visual perquè, després, la gent es pregunte què té a veure eixa imatge d'un paisatge amb el lema del festival. I jugar a incrementar la seua curiositat quan vaja descobrint altres dissenys diferents, però amb el mateix aire, en diversos suports, com una tote bag o un programa de mà”, descriu Mateos Brea sobre un abordatge holístic del projecte amb el qual ha volgut mantenir l'esperit d'una edició de Russafa Escènica que desitja provocar la reflexió sobre si no és el moment que caiguen certs tòtems i de qüestionar si el que abans semblava un manament sagrat o un pecat imperdonable, ho continua sent.

A partir del 3 de setembre es farà pública la programació al complet del festival i arrancarà la venda d'entrades a través de la pàgina web de Russafa Escènica, però abans començaran a poblar els carrers les imatges amb les quals Rubén Mateos Brea i el festival conviden a perdre-li la por a reunir en un mateix cos, en un mateix espectacle, en un mateix entorn, allò sagrat i profà.

El museo de Bellas Artes de València recompone una de las facetas menos conocida del maestro del barroco flamenco Peter Paul Rubens, la de su formación en los talleres de Tobias Verhaecht, Adam van Noort y Otto van Veen hasta su admisión como maestro en el Gremio de San Lucas de Amberes en 1598 y su posterior trabajo para la corte, que fue el germen de esta figura universal del arte.

La muestra 'Rubens. El florecimiento de un genio' ofrece a partir de 61 obras (14 de ellas originales del artista y tres reproducciones), cedidas por quince instituciones nacionales y once internacionales, una visión panorámica sobre las primeras influencias y el ambiente que rodeó al joven Rubens aprendiz en la ciudad portuaria de Amberes.

Se trata de “una faceta poco estudiada porque es previa a esas composiciones grandilocuentes y llenas de colorido y movimiento que identificamos en su obra”, ha señalado el director del Museo de Bellas Artes de València, Pablo González, durante la presentación a la prensa de la exposición, que puede visitarse hasta el 4 de octubre.

Por primera vez, los visitantes podrán conocer el entorno cultural y artístico del Amberes que Rubens frecuentó durante las últimas décadas del siglo XVI, a través de obras asociadas a algunas de las principales personalidades artísticas de la ciudad, como Maerten de Vos, Willem Key, Adriaen Thomasz, Key, Crispijn van den Broeck y Pieter Pourbus II.

También permitirá ver obras de Adam van Noort en una institución pública española y el mayor grupo de pinturas de Otto van Veen reunido en un contexto expositivo, yendo más allá de los libros de emblemas, por los que es principalmente conocido.

Estos dos maestros fueron los que más influyeron en el Rubens joven, “que no empieza a soltarse hasta que llega a Italia, a partir de 1600, donde ya encuentra la forma en la que está más cómodo como artista”, ha explicado Ana Diéguez-Rodríguez, comisaria de la muestra.

Préstamos excepcionales

La exposición incluye además varios descubrimientos notables y préstamos excepcionales, entre ellos las pinturas de la serie de 'La Creación' de Pietro Facchetti, cuya restauración se atribuye a Rubens, tras los daños durante su traslado desde Mantua a la corte de Felipe III en Valladolid.

También un boceto al óleo para el altar mayor de la Chiesa Nuova de Roma, una obra prácticamente desconocida para el público español, y la posible identificación, dentro de un fragmento conservado, de parte de la composición perdida de 'La continencia de Escipión' de Rubens.

“La gran virtud de esta muestra es que permite, además del disfrute estético, profundizar en el artista” conociendo su contexto y en el germen de su arte, que “habla de la belleza de las emociones”, destaca Diéguez-Rodríguez.

La presentación de la exposición ha contado con la asistencia de la secretaria autonómica de Cultura, Marta Alonso, y del embajador de Bélgica en España, Didier Nagant de Deuxchaisnes, quien ha celebrado este “ambicioso proyecto” que reconstruye los inicios de Rubens y aborda su faceta diplomática y “el papel del arte en las relaciones internacionales”.

Las obras han sido cedidas por instituciones internacionales como el Ashmolean Museum de Oxford; la Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien; el Museo Albertina de Viena; la Catedral de Nuestra Señora de Amberes; el MAH Musée d'art et d'histoire, Ciudad de Ginebra (Suiza); M-Leuven Museum, Lovaina; Museo di Palazzo Ducale di Mantova (Italia) y The Phoebus Foundation (Bélgica).

También hay piezas procedentes de entidades culturales españolas como la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid; la Biblioteca Nacional de España; la Colección Casa de Alba de Madrid; la Colección Epiarte (España); del Museu Nacional d'Art de Catalunya de Barcelona; Museo Nacional del Prado; Museo Nacional Thyssen-Bornemisza; Patrimonio Nacional. Colecciones Reales (España) y de San Telmo Museoa, Donostia-San Sebastián.

Una de les pel·lícules de la història del cinema que més m’incomoda ideològicament és The Birth of a Nation, de David W. Griffith, del 1915. Ni les expansions estètiques prohitlerianes de Leni Riefenstahl em desconcerten tant. Ja ho sé: ja sé que la història de l’art i de la cultura és plena de grans obres fetes per individus miserables que tant els fa les injustícies del món. Però en el cas d’El naixement d’una nació no m’hi he acostumat mai, al fet que Art i Maldat poden anar de bracet. ¿Com pot ser —em pregunte encara, després d’haver vist diverses voltes la pel·lícula— que aquest film tan meravellós defense el racisme? “Una de les primeres obres mestres indiscutibles de la història del cinema”, diu Enric Sòria, és “un pamflet racista d’allò més descarat”. Una “cinta esplèndida”, d’“extraordinària qualitat estètica” —amb un muntatge i una fotografia que marcaren època—, “contribuí al revifament del Ku Klux Klan”. “Qui s’estima el cinema, ha d’acceptar aquestes paradoxes, i moltes altres”. Tot això ho diu Enric Sòria en Et tornaré a veure (Apunts sobre cinema, 1910-1945), publicat per la Institució Alfons el Magnànim, dos volums gruixuts (més de 1.250 pàgines) que són, sens dubte, la millor història del cinema que s’ha escrit mai en català.

Els qui hem seguit la literatura d’Enric Sòria —els seus dietaris, els seus articles, els seus estudis— ja sabem que és un cinèfil nat, que des de menut va “respirar cinema”, que la seua família era “devota del cinema”, i que fins i tot va viure a Madrid quan hi feia carrera el seu oncle, l’actor Vicente Parra —a la memòria del qual Sòria dedica Et tornaré a veure. L’intel·lectual Sòria no s’entén sense el cinema: en la seua obra assagística el cinema és un referent de primer grau, un eix fonamental de creació. Però en Et tornaré a veure Sòria fa un pas de gegant en la seua reflexió cinematogràfica: el que comença com un recull de fitxes mnemotècniques per recordar el cinema que l’ha interessat o colpit es converteix en un llibre enciclopèdic, un vademècum de la història del cinema des del 1910 fins al 1945 —un límit temporal gens arbitrari perquè, com diu Sòria, després de la Segona Guerra Mundial el cinema va canviar. En Et tornaré a veure s’hi passa revista a films de tot arreu —russos, danesos, japonesos, americans, italians, francesos, britànics...—, que Sòria resumeix, comenta i valora. És clar que es tracta d’una personal Baedeker del cinema, la de Sòria, però tan vasta i detallada que ens il·lumina sobre el significat i la importància del cinema al llarg del segle XX, “un art hipnòtic” al qual incomprensiblement Walter Benjamin —com li critica Sòria— li va negar l’“aura màgica”.

Ara bé, Et tornaré a veure, per a mi, té una altra virtut, a més dels coneixements de cinema que en podem aprendre. El cinema, com diu Sòria, ens fa “viure vicàriament”, imaginar i viure altres vides: “L’art de viure altres vides no és indispensable per al coneixement; sí que ho és per a la comprensió”. I heus ací un punt clau. Només que fullegem les anotacions cinematogràfiques de Sòria ens adonem que el cinema, potser com cap altre art de l’edat moderna, ens ha posat cara a cara davant l’“alteritat”, davant el fet que existeix l’“altre”, el “diferent”, aquella “otredad” de què parlava Octavio Paz per la qual l’home modern s’havia fascinat. En efecte, l’atracció per l’alteritat és una característica del segle XX: vulguem o no, hi ha un “altre”, un “estrany” al “nosaltres”, que desitgem conèixer o que ens atrau, per curiositat, per enlluernament o fins i tot per fàstic. Aquesta idea d’“alteritat” és la que està en crisi avui dia. El segle XXI comença a enlairar-se amb un relat farcit i podrit de “prioritats nacionals”, d’“arrelaments” indefinits, d’imprecisos zels per “fer que les pàtries siguen grans de nou”. El XXI és, de moment, el segle de la “contraalteritat”: d’anar contra l’“altre”, contra el “distint” de fora i de dins de la tribu; al capdavall, contra la identitat del ser humà, que és una conjunció complexa d’alteritats. La contralteritat, el rebuig i la por de l’altre, ja és hegemònica. Una hegemonia que és un enterrament, un sepulcre, de tot allò que ens ha humanitzat.

L’esperit del cinema rebenta aquest sepulcre. Fins i tot en una pel·lícula racista com The Birth of a Nation constatem que no podem obviar els altres —si no és gasejant-los, convertint-los en fum cel amunt o omplint-los de calç viva a la fossa comuna. Quan David W. Griffith denigra tant els negres —que retrata com uns micos ignorants i com uns dimonis— no fa sinó “humanitzar-los” —indirectament, malgrat ell mateix, en contra del que pretenia. Veig una altra vegada El naixement d’una nació i em venen al cap dues idees: la primera és que una nació no ha de nàixer ni créixer com ens la pinta Griffith; la segona és que, com deia Martin Luther King, no “podem esperar” i hem de lluitar ja contra aquesta idea deshumanitzadora de la nació. Et tornaré a veure ens encoratja a veure de nou el cinema de sempre, a gaudir-lo, a pensar-lo, a sentir-lo “gran de nou”. Aquesta voluminosa obra d’Enric Sòria és una bona guia per a cultivar l’intel·lecte, els sentits i un possible i necessari humanisme col·lectiu.

L’Acadèmia Valenciana de la Llengua ha acordat atorgar la Medalla, la màxima distinció de la institució normativa del valencià, a la revista Saó. La candidatura de la revista degana en valencià, a proposta de la Comissió de Textos Religiosos, la Secció de Publicacions i Comunicació i la Secció de Lexicografia i Gramàtica, ha obtingut el suport unànime del Ple.

En el reconeixement, l’AVL destaca que un dels grans mèrits per a guardonar Saó ha sigut la defensa constant de la llengua al llarg dels seus cinquanta anys de vida. “La revista sempre ha mantingut el valencià com a llengua vehicular, fins i tot en moments en què esta decisió podia limitar la seua difusió i la sostenibilitat econòmica. Este compromís no ha sigut només simbòlic sinó també pedagògic. Saó ha contribuït a la normalització lingüística, oferint continguts de qualitat en valencià en els diversos àmbits que demana la societat”, expressa la institució.

L’AVL recorda que la història de Saó s’inicia en els últims anys del franquisme, un període marcat per la repressió lingüística i cultural. “Publicar en valencià no era només una opció editorial, era un acte de resistència. Saó es va posicionar com una veu valenciana que apostava per la normalització del valencià en l’àmbit del periodisme escrit. La seua aparició va contribuir a trencar el silenci imposat durant dècades i a obrir espais de debat en una societat que començava a despertar”, s’indica en la proposta.

Amb esta reivindicació constant de la llengua, Saó ha contribuït a promoure la cultura valenciana, un altre dels aspectes que l’AVL valora en la concessió del guardó. “La revista ha dedicat nombrosos articles a la literatura, la música, el teatre, el cinema, l’arquitectura o les arts plàstiques del nostre territori. Gràcies a esta tasca, Saó ha contribuït a visibilitzar creadors i projectes que sovint quedaven fora dels circuits mediàtics dominants, de manera que sovint ha actuat com una plataforma de difusió cultural i com un arxiu viu de la producció artística valenciana”, expressa la institució en el reconeixement.

Així mateix, l’AVL destaca el paper de Saó com un espai de reflexió i debat,  el seu compromís social i la seua contribució a la construcció de la identitat valenciana.  “A través dels seus continguts, la revista ha definit un relat propi fonamentat en la nostra llengua, la nostra cultura i la nostra història. Este procés ha estat especialment important en un context marcat per debats identitaris i per tensions polítiques, en el qual Saó ha apostat per una visió inclusiva i plural, que reconeix la diversitat interna del nostre territori”, es valora per part de l’AVL.

50é aniversari

En definitiva, arribar als cinquanta anys implica haver superat nombrosos reptes, especialment en un sector en constant transformació com el de la comunicació. “Saó ha sabut adaptar-se a les noves realitats tecnològiques i als nous costums de consum informatiu. Celebrar els cinquanta anys de la revista amb la Medalla és reconéixer la importància d’un projecte que ha contribuït de manera decisiva a la cultura valenciana. El seu llegat no es limita al passat: continua viu en cada número publicat”, conclou la proposta de la Comissió.

Saó s’unix a la llista de premiats amb la Medalla de l’AVL: Vicent Pitarch i el grup  Zoo (2024), Emili Rodríguez-Bernabeu (2023), Ramon Lapiedra i Rosa Serrano (2019), Rafael Ninyoles (2018), Joseph Gulsoy (2017), Germà Colon (2016) i Pere Maria Orts (2015). El lliurament de la distinció tindrà lloc a la tardor en un acte solemne, coincidint amb l’obertura del curs acadèmic de la institució.

El Festival de Talleres de Teatro Clásico de Sala Russafa completa su programación esta semana con el estreno de dos nuevos montajes interpretados por el alumnado amateur de la Acadèmia Escènica de València, responsable de la línea docente del centro.

El 01 y 02 julio podrá verse El Inspector General, dirigida por Raquel Ortells. Una pieza en la que Nikolái Gógol dejó plasmada en 1836 su visión ácida y crítica de sobre la Rusia del zar Nicolás I. La trama recrea el revuelo que vive un pequeño municipio ante el rumor de la visita de un inspector, quedando al descubierto sus corruptelas y miserias en un retrato sobre la condición humana. La docente y directora de escena destaca la oportunidad que brinda el espectáculo de trabajar personajes arquetípicos, encarnando desde el humor actitudes y comportamientos que eran iguales hace un par de siglos que ahora, a pesar del paso del tiempo.

“Ha sido muy interesante ver con el alumnado como podían establecerse paralelismos con la actualidad e invitarles a jugar, a llevar lejos la interpretación de sus personajes para luego ir ajustando. Esta es una obra muy coral y trabajar en equipo es fundamental para que el resultado sea equilibrado. Se han esforzado mucho y creo que se la logrado el tono justo que requiere esta comedia”, explica Ortells, que acostumbra a involucrar al alumnado en comisiones de trabajo que se encargan del vestuario, la música o la escenografía, algo que les ofrece una perspectiva muy amplia, que nace de su visión como intérpretes, pero se enriquece con matices de las labores de creación y producción. Participan en el montaje Dori Jiménez, Encarna Fernández, Esmeralda Sahuquillo, Eva Torrent, Fernando Ariza, Jorge Piera, José Luis Melero, Juan Pastor, María José Chabrera, María José Pont, Miguel Ángel Civera, Miguel Parrizas, Pilar Ferreira y Raquel Romero.

El 03 y 04 julio, llega el turno de la versión de Como gustéis de José Zamit. Esta comedia de Shakespeare transcurre en el idílico bosque de Arden, abstraído del poder del mal, donde se refugia una corte ducal exiliada. Un lugar donde reina la aventura, el amor y el buen humor. “Esta es mi comedia pastoril de Shakespeare preferida por el contraste que establece entre la pureza de la gente del campo y el encorsetamiento de la clase pudiente, a la que el dinero corrompe. Además, tiene unos personajes secundarios interesantísimos”, explica el docente y director sobre este montaje que ha situado en los años 70 en cuanto a vestuario y ambientación musical. Con cambios mínimos de texto, ha mantenido el baile de roles que establece el autor británico en esta historia de una joven que, para evitar peligros al adentrarse sola en un bosque, se hace pasar por hombre. Pero caerá automáticamente rendida ante el encuentro del coprotagonista masculino.

Componen el elenco Alicia Senabre, Amparo del Amo, Esther Pérez, Inmaculada López, Isabel Forteza, Isabel Guillén, José Luis Rodrigo, Mar Belda, María Luisa Más, Miguel Ángel Herrero, Salut Alcover, Tono Bertiy Elena Escudero. A nivel didáctico, Zamit destaca el reto de trabajar con los versos de uno de los más grandes poetas de la literatura universal. Y valora muy positivamente la combinación de alumnado con mayor experiencia escénica junto con otros más noveles. “Aprenden todos, unos las destrezas de quienes llevan más años y otros de la frescura con la que se acercan al teatro quienes todavía no han adquirido ideas preconcebidas y son mucho más libres al abordar el trabajo interpretativo”, señala el docente, cuya propuesta concluye la muestra, con 8 estrenos absolutos, de los progresos realizados por el alumnado de la línea docente de Sala Russafa esta temporada.

Desde mediados de septiembre de 2025 hasta esta semana, el centro de producción, formación y exhibición que la compañía de teatro Arden fundó en 2011 ha acogido a 23 compañías (9 valencianas y 14 nacionales) con una oferta escénica que ha incluido 40 espectáculos para público familiar y adulto. Además, se han realizado 14 actividades paralelas donde se incluyen presentaciones literarias, conciertos, charlas sobre temas de actualidad... Todo ello suma 197 propuestas en cuarenta semanas.

Un ritmo intenso y constante para brindar una oferta cultural variada y de calidad a un público cada vez más fiel. “Temporada tras temporada, constatamos que hay un público asiduo, que viene varias veces a lo largo de la temporada. Y vemos cómo esa ‘comunidad’ no solo se consolida, sino que cada vez es mayor. Es un objetivo cumplido que nos hace muy felices”, apunta Juan Carlos Garés, director del centro. Este trabajo de creación y fidelización de públicos tiene un largo recorrido y responde a múltiples variables, “pero está claro que una parte importantísima es que nuestra oferta programática atrae a nuevos espectadores y gusta a quienes ya tienen el hábito de venir a Sala Russafa”, explica agradecido Garés.

Como reto para la próxima temporada, se fijan impulsar el ‘Ciclo de Compañías Nacionales’. Desde el teatro reconocen que es más fácil atraer a espectadores con nombres valencianos porque la audiencia suele estar más familiarizada con estas formaciones. Pero no quieren renunciar a ampliar la oferta escénica de la ciudad, ya que consideran fundamental que el público y los profesionales de las artes escénicas puedan ver qué se cuece en otras escenas, más allá de las grandes producciones. “Este año ha habido muy buena afluencia y estupendas valoraciones en las votaciones de los Premios del Público de Sala Russafa respecto a piezas venidas de otras comunidades autónomas. Propuestas de mediano formato, pero gran calidad artística como, por ejemplo, La violación de Lucrecia, de Teatro Clásico de Sevilla; o Here comes your man, de Tarambana Teatro, que de otra forma no llegarían a la cartelera valenciana”, comentan desde Sala Russafa, decididos a impulsar esta parte de la programación para que el público confíe en su criterio y se deje sorprender por trabajos escogidos por su valor escénico.

Respecto a objetivos a largo plazo, el equipo directivo de Sala Russafa apuesta por luchar contra el carácter efímero de las programaciones, con espectáculos que están en cartel uno o dos días, incluso cuando se trata de teatros públicos. “De un tiempo a esta parte venimos apostando por mantener más tiempo en cartel no solo las piezas de Arden, también las de otras compañías. Y la realidad es que beneficia a la afluencia de públicos. Lo hemos visto con Hoy no estrenamos, de L’Om Imprebís; o con Las amistades peligrosas, de Alarcón&Cornelles. Al final, estamos dando más opciones para que el espectador escoja el momento en el que ver la obra y también favorecemos el boca-oreja”, comenta el director de Sala Russafa, apostando por una tendencia que implica más riesgo para las compañías y el teatro, pero que favorece el contacto con el público y, por su experiencia este ejercicio, termina siendo positiva.

Tras el verano, Sala Russafa alzará el telón de su XVI temporada con nuevas propuestas escénicas y todo el ímpetu de sus dieciséis añitos para hacer su humilde aportación al impulso de las artes escénicas y al fomento de las actividades culturales en vivo.

El Palau de les Arts Reina Sofía estrena este próximo jueves, 25 de junio, en la Sala Principal, Carmina Burana, la espectacular cantata escénica de Carl Orff, que reunirá a la Orquestra de la Comunitat Valenciana y el Cor de la Generalitat con el Ballett Dortmund en la ejecución de la aclamada coreografía con la que Edward Clug ha triunfado en los principales escenarios.

Les Arts clausura así su vigésima temporada con una de las obras maestras del S.XX, todavía inédita en la programación del edificio de Calatrava, que la OCV debutará bajo la batuta de la joven directora Olivia Lee-Gundermann, cuya presentación en España con Nixon in China en el Teatro Real causó sensación entre la prensa especializada.

Casi cien años después de su estreno, Carmina Burana no ha perdido un ápice de su capacidad de fascinación. La energía desbordante que irradia, su hipnótica fuerza rítmica y la universalidad de los temas que aborda siguen cautivando y llenando los teatros y salas de concierto de todo el mundo.

Un total de 175 artistas, entre músicos, cantantes y bailarines, se darán cita en Les Arts del 25 al 28 de junio al servicio de una de las interpretaciones más celebradas de la obra de Carl Orff, la impactante coreografía de Edward Clug para Les Grands Ballets Canadiens de Montréal, que tras su estreno en 2019 han incorporado las compañías más innovadoras del circuito.

En su propuesta, Clug sigue la estructura de la composición de Orff, basada en el concepto de círculo: la Rueda de la Fortuna, que encarna el eterno ciclo de la vida y la muerte. Sobre el escenario, un inmenso anillo actúa como el núcleo de atracción y repulsión de los bailarines en la construcción de un lenguaje coreográfico de gran refinamiento plástico, que dota a la geometría de una dimensión poética.

Les Arts recuerda que las entradas para Carmina Burana están disponibles a través de los distintos canales de venta del teatro: taquillas, línea de venta telefónica 96 197 59 00 y la web oficial de Les Arts.

El festival Sagunt a Escena, organizado por la Conselleria de Educación, Cultura y Universidades a través del Institut Valencià de Cultura (IVC), en colaboración con el Ayuntamiento de Sagunto y la Diputación de Valencia, ha dado a conocer este martes el programa de su 43ª edición en el Teatro Romano de Sagunto.

La secretaria autonómica de Cultura, Marta Alonso, ha señalado que Sagunt a Escena constituye una cita consolidada en la programación cultural estival de la Comunitat Valenciana, “que representa de manera ejemplar la unión entre patrimonio, cultura y ciudadanía”.

En este sentido, la directora adjunta de Artes Escénicas del IVC, María José Mora, ha indicado que 14 de los espectáculos programados corresponden a compañías de la Comunitat Valenciana. Además, ha subrayado que “el festival continúa acercándose al vecindario mediante propuestas para todos los públicos, buscando la inclusión de todas las personas a través talleres específicos y funciones accesibles.”

Al acto de presentación celebrado este martes también han asistido el director general de Cultura, Ignacio Prieto, y el alcalde de Sagunto, Darío Moreno.

La Conselleria, a través del IVC, continúa trabajando en la mejora y adecuación del Teatro Romano de Sagunto con el objetivo de ampliar su capacidad en unas 200 localidades de cara a la próxima edición de Sagunt a Escena. Estas actuaciones se suman a las ya realizadas en los últimos años y elevarán la inversión destinada al acondicionamiento del recinto hasta los 165.000 euros, reforzando así su seguridad y funcionalidad.

Programación en el Teatro Romano

El festival se celebra del 1 al 23 de agosto y presenta un total de 19 espectáculos distribuidos entre el Teatro Romano y otros ocho espacios públicos de la localidad.

La programación del Teatro Romano se inicia con la producción del IVC ‘El Narciso en su opinión’, un texto de Guillem de Castro con versión de Chema Cardeña y dirección de Rebeca Valls, que se representará los días 1 y 2 de agosto y cuenta con un amplio elenco de artistas valencianos.

El 6 de agosto, la compañía valenciana Marina Toniovic, formada por Toni Agustí y Marina Alegre, presenta su ópera prima ‘Original Greek’, a la que sigue en cartel la obra ‘La ópera de los tres centavos’, de Bertolt Brecht, el día 8, protagonizada por Coque Malla.

El 11 de agosto, Teatro La Plaza presenta una versión libre de ‘Hamlet’ con un elenco integrado por actores con síndrome de Down. El 13 de agosto tendrá lugar la representación del texto de Lope de Vega ‘La dama boba’, dirigido por Josep Maria Mestres.

El 15 de agosto, Sandra Monfort presenta ‘Terra de guapes’, una propuesta que llenará el teatro de danza y música en valenciano con una aproximación actual al folclore. Lydia Bosch será la protagonista de ‘Fedra, en los infiernos’ el día 20, una coproducción del Festival de Mérida. La programación del Teatro Romano finalizará con la actuación de Estrella Morente.

Un ‘Off Sagunto’ completamente valenciano

La programación del festival se completa con ‘Off Sagunto’, compuesta por 11 espectáculos de creación valenciana y acceso libre que incluyen teatro, danza, circo y propuestas itinerantes.

El ciclo comienza el 1 de agosto en la Glorieta con ‘I si fem un clàssic?’, de Visitants, una comedia a la que seguirá el día 2 ‘Anudar’, de Marea Danza, en la Alameda.

La compañía La Siamesa, de Ángela Verdugo, celebra sus 20 años con ‘Bailarina a la carta’, una acción participativa que llegará a la plaza de Mossén Vicent Gil Tamarit el 6 de agosto. El día 8 será el turno de ‘Públic’, de Fil d’Arena, una pieza de danza itinerante en el Pantalán.

‘Caso enterrado’, de Colectiv Notknown, llegará el 13 de agosto a la Glorieta, mientras que el día 15 se podrá ver en el Centro Cívico de Puerto de Sagunto ‘Rob’, un canto a la imaginación de Teatre de l’Abast.

El espectacular dragón de ‘Quimera’, de La Fam Teatre, recorrerá la Alameda el día 19 con sus seis metros de alto y doce de largo. ‘Princeses, cavallers i dracs’, de Escalante y Bramant Teatre, estará en la Casa de Cultura del Puerto el 20 de agosto.

La programación continúa con ‘Koosha’, de Cía. ‘El Cruce’ es circo absurdo y poético que el día 21 pisará el patio de la Casa dels Berenguer. Por su parte, La Trócola Circ presentará su última creación, ‘Juga’, el día 22 en la Glorieta, una propuesta para descubrir el poder del juego.

Sol Picó será la encargada de clausurar el festival el día 23 en la plaza Antigua Morería con un espectáculo de gran formato, ‘Carrer 024’, para seis bailarines que se sirven de una gran escenografía móvil.

Mediación e inclusión

Sagunt a Escena continúa la línea de mediación del festival con iniciativas dirigidas a distintos colectivos de la sociedad saguntina. Entre ellas figura un taller de danza dirigido a participantes vinculados a la Asociación InsProject, colectivo que trabaja por la inclusión de las personas con discapacidad física y mental.

La actividad, titulada ‘Un lugar para danzar’, se orienta a la experimentación con el movimiento y se complementa con la asistencia del grupo a la representación de ‘Hamlet’, programada el 11 de agosto en el Teatro Romano.

El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) ha presentado la exposición permanente ‘La Colección del IVAM hasta hoy’ con más de 500 obras fundamentales que configuran una lectura historiográfica de las principales corrientes artísticas de los siglos XX y XXI. “Un acontecimiento muy importante”, según ha declarado la secretaria autonómica de Cultura, Marta Alonso, durante la presentación.

El IVAM lleva más de un año volcado en el proyecto que acaba de ver la luz, fruto de un intenso trabajo de todo el equipo curatorial. Un singular relato, comisariado por Blanca de la Torre, Marta Arroyo, Ramon Escrivà, Mª Jesús Folch, Yolanda Franco, Teresa Millet, Sandra Moros y Josep Salvador, que comienza en las vanguardias de principios del siglo XX y llega hasta la actualidad con más 500 obras de 266 artistas.

“La colección del IVAM vuelve a presentarse de forma permanente después de más de veinte años lo que supone devolver a la ciudadanía la posibilidad de encontrarse con uno de los patrimonios artísticos más importantes de la Comunitat Valenciana”, ha señalado Marta Alonso en la presentación en la que ha destacado la “singularidad y excelencia” de la coleccion del IVAM.

Junto a grandes pinturas y esculturas aparecen libros, dibujos, fotomontajes, publicaciones, obra gráfica o maquetas que permiten atender aquello que durante mucho tiempo “fue considerado secundario”, según Blanca de la Torre. El visitante encuentra obras emblemáticas de Sonia Delaunay, una escultura móvil de Alexander Calder y las pinturas de Equipo Crónica conviviendo con los paisajes matéricos de Jean Dubuffet, fotografías de Cindy Sherman o con piezas de la vanguardia soviética del museo.

La nueva exposición, que ocupa 1.500 m2 divididos en diez salas, muestra las obras poniendo al visitante en el centro de la experiencia museística gracias a un recorrido más accesible y dinámico. “Hay un itinerario principal de carácter cronológico que se entrelaza de forma simultánea con cuatro recorridos temáticos paralelos que giran en torno al color, las ecologías, los feminismos y los conflictos”, ha explicado Blanca de la Torre.

“Buscamos romper con la narración lineal tradicional para propiciar relatos múltiples, generar cruces críticos y abrir espacios de diálogo entre la Historia y las microhistorias”, matizó de la Torre. Como imagen de esta presentación de la colección el IVAM ha recuperado el logotipo diseñado por Andreu Alfaro incorporando los colores asociados a los distintos itinerarios de la exposición.

En este trabajo también ha sido clave el diseño museográfico realizado por el estudio Smart & Green Design, expertos en museografía sostenible y auditoria medioambiental, que han apostado por la tendencia internacional de mostrar las zonas invisibles de los museos, tal como hizo el Victoria&Albert de Londres o el Boijmans Van Beuningen de Róterdam. Por ello, la museografía elegida incorpora “estructuras creadas a partir de los tradicionales 'peines' donde se guardan las obras en el almacén, un sistema modular que podrá mutar y reutilizarse”, ha añadido la directora del museo.

De los 266 artistas expuestos el 35 % son españoles, entre los que se encuentran muchos de los Premios Nacionales de Artes Visuales y de Fotografía y Premios Velázquez. “Y están representados 39 artistas valencianos y valencianas lo que muestra que el IVAM es un museo de vocación internacional y una casa para la cultura valenciana”, subrayó la secretaria autonómica.

Recorrido cronológico por la historia del arte

Una obra de Lothar Baumgarten, presente también en la exposición, baña la cristalera de entrada al IVAM dando la bienvenida al visitante. En el vestíbulo de la segunda planta una vitrina recorre la historia del nacimiento de la colección del IVAM, un proyecto que comenzó a gestarse en 1984 y se inauguró en 1989 con dos sedes: el Centre Julio González, como edificio principal, y el Centre del Carmen, destinado a propuestas más contemporáneas e instalaciones. “El IVAM fue el primer museo de arte moderno y contemporáneo creado en España en el marco del Estado de las autonomías”, recordó Blanca de la Torre.

La primera sala de la exposición se adentra en las vanguardias históricas surgidas entre 1905 y 1930 —futurismo, cubismo, dadaísmo, surrealismo o constructivismo—, movimientos que revolucionaron el lenguaje artístico mediante el collage, la abstracción o el fotomontaje. En este contexto, la figura de Julio González ocupa un lugar central por su renovación de la escultura moderna y por su relación con creadores como Pablo Picasso o Constantin Brancusi.

La segunda sala reúne uno de los fondos de arte soviético más importantes de Europa, con una destacada colección de carteles, diseño gráfico y fotomontajes. El espacio establece, además, un diálogo con las utopías de la Bauhaus y el movimiento De Stijl, representado por artistas como Piet Mondrian o Theo van Doesburg, que defendieron la unión entre arte, tecnología y transformación social.

El itinerario continúa abordando la convulsa década de 1930 en la que el arte se convierte en un instrumento de compromiso político y propaganda, mientras París se consolida como refugio de artistas exiliados y escenario de debates entre abstracción, surrealismo y nuevos realismos.

A continuación, se exploran las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial a través del Informalismo europeo y el Expresionismo abstracto, corrientes que apostaron por la gestualidad, la materia y la experimentación con materiales como arena, serrín o polvo de vidrio.

La quinta sala se centra en el Informalismo español y el Arte Normativo, dos tendencias surgidas en el contexto de la apertura internacional del franquismo. Aquí también se muestra el arte geométrico y la importancia que desempeñó el Centor de Cálculo en figuras como Soledad Sevilla e Yturralde. Incluye también un espacio dedicado al fotógrafo valenciano Gabriel Cualladó y a autores como Henri Cartier-Bresson, Robert Frank, Miguel de Miguel o Joaquín Collado, que renovaron la fotografía documental y humanista.

La muestra avanza con el nacimiento del arte pop, ligado al auge del consumo de masas y a las transformaciones sociales de las décadas de 1950 y 1960.

Las salas séptima y octava recorren las décadas de 1960 y 1970, marcadas por el Mayo del 68, el feminismo o el movimiento Black Power. El recorrido muestra el paso del minimalismo al arte conceptual, la performance y el arte corporal, así como la consolidación del vídeo y la fotografía como medios artísticos autónomos y el desarrollo del apropiacionismo como crítica a los estereotipos y a las relaciones de poder.

La exposición también se centra en las décadas de 1980 y 1990, cuando la instalación se consolida como uno de los lenguajes fundamentales del arte contemporáneo y surgen nuevas reflexiones en torno a la identidad, la memoria, el cuerpo y la globalización.

Finalmente, la última sala reúne obras realizadas a partir del año 2000 y plantea cuestiones esenciales de nuestro presente: la crisis ecosocial, los conflictos contemporáneos, las identidades, los feminismos y las nuevas formas de representación, abriendo el recorrido hacia los interrogantes y desafíos del futuro.

La exposición trasciende los límites de las salas expositivas y se expande por distintos espacios del museo, donde el visitante encontrará obras de Natividad Navalón y Tom Otterness distribuidas por los vestíbulos y tres esculturas de Miquel Navarro situadas en la explanada, prolongando la experiencia de la muestra más allá de la visita convencional.

Cuatro recorridos temáticos

Junto al itinerario principal de carácter cronológico, se proponen cuatro recorridos temáticos paralelos que giran en torno al color, las ecologías, los feminismos y los conflictos.

El primero de ellos analiza el conflicto como una constante de la historia contemporánea y muestra cómo el arte ha servido para denunciar la violencia, construir memoria y cuestionar los relatos oficiales. Incluye obras que van desde la exaltación bélica del futurismo, representada por Guerrapittura (1915), de Carlo Carrà, hasta la crítica política de los fotomontajes de John Heartfield o la propaganda de la Guerra Civil española con piezas de Pere Català Pic y de Josep Renau.

El eje ‘Ecologías’ reflexiona sobre la relación entre ser humano y naturaleza y sobre las consecuencias de la explotación del territorio y la crisis ambiental a través de obras de Gerhard Richter, Gilles Aillaud, Hamish Fulton o José Saborit. La conciencia ecológica se hace visible también en las piezas de Robert Rauschenberg y en el land art de Robert Smithson.

El recorrido sobre ‘Cromatismos’ explora el color como un elemento autónomo capaz de generar emociones, estructuras visuales y experiencias perceptivas. Comienza con obras de las vanguardias de María Blanchard y Hans Richter, y continúa con las investigaciones cromáticas de Robert y Sonia Delaunay, František Kupka o Bart van der Leck. También aborda el uso matérico del color en el Informalismo, con obras de Manolo Millares y las investigaciones ópticas y cinéticas de Eusebio Sempere.

El itinerario ‘Identidades’ recorre la colección del IVAM desde una perspectiva de género para analizar cómo distintos movimientos, del surrealismo y el constructivismo al arte pop y las prácticas feministas y queer, han cuestionado las nociones de identidad y representación. A través de obras de artistas como Claude Cahun, Grete Stern, Lee Krasner, Cindy Sherman, Sanja Iveković, Pepe Espaliú o Zanele Muholi, el recorrido aborda la construcción social del género, las relaciones de poder y las identidades no normativas, entendiendo el arte como un espacio de crítica y transformación.

La Orquestra ADDA Simfónica Alacant abría el pasado 13 de junio las intervenciones de las grandes orquestas públicas de la comunidad autónoma en el Festival Llíria City of Music. Dirigía su titular, Josep Vicent, quien creó la formación en 2018. Al piano, la ucraniana Anna Fedorova (Kíiv, 1990). Interpretaban la Rapsodia sobre un tema de Paganini de Sergei Rachmaninoff, obra de gran brillantez y complejidad técnica. De las 24 variaciones que contiene, la número 18 es la más célebre, con la inversión del tema en una escritura de vuelo romántico. Ha sido utilizada en diversas películas, como la Sabrina de Sidney Pollack. Al poco de empezar esa variación, sonó un móvil. Una señora se levantó de su localidad, en una de las primeras filas, con el teléfono en la mano, y se dirigió hacia el fondo de la sala. Un nuevo sonido de móvil reapareció coincidiendo con un silencio hacia el final de la variación. Sin dejar de tocar, Fedorova se giró hacia el patio de butacas con expresión contrariada.

Al acabar, los aplausos hicieron volver al escenario a pianista y director, quien anunció que, por deseo de la solista, repetirían la variación número 18, una vez que todos los asistentes se aseguraran de tener los móviles en silencio. Ya no hubo interferencias y la música de Rachmaninoff sonó en toda su delicada belleza. La pianista había ofrecido una versión electrizante, enérgica, profunda de la obra, con vigorosos momentos de fortissimo, y una técnica deslumbrante. Esta composición, que está considerada como uno más que añadir a los cuatro conciertos para piano y orquesta que escribió el músico ruso, data de 1934 y fue estrenada el mismo año en Baltimore, con el compositor al piano y Leopold Stokowski dirigiendo la orquesta. En cuanto al nombre de Rachmaninoff, utilizo la transcripción que él usaba durante su exilio en Estados Unidos, que es la más empleada últimamente por expreso deseo de sus descendientes.

Tras el descanso, completaba el programa la Sinfonía número 1 de Gustav Mahler. Escrita en 1888 por un compositor de 28 años y estrenada en 1889 en Budapest, es, con la Cuarta, la más breve de su ciclo, con una duración en torno a una hora, ya que el resto, excepto la incompleta Décima, llegan a la hora y media. Fue presentada como un poema sinfónico en cinco movimientos, que incluía en segundo lugar el Andante titulado Blumine, luego suprimido. Tras haber escrito títulos para sus cinco partes, Mahler los eliminó en 1892 para dar al conjunto el de Titán, tomado de una novela de Jean Paul. Finalmente, descartó el título y el segundo movimiento para publicarla en 1897 con los cuatro actuales. Cuando se estrenó en Viena, en 1900, recibió buena acogida del público, pero una muy hostil crítica de Eduard Hanslick, defensor de Brahms y furibundo enemigo de Wagner, caricaturizado como Beckmesser en Los maestros cantores de Núremberg.

La orquesta presentaba una gran plantilla, con amplia cuerda de 50 profesores, las nutridas maderas y metales, y los dos juegos de timbales que prescribe Mahler, arpa y percusión. La configuración del teatro hacía que la cuerda y el arpa se situasen en el proscenio y el resto hacia el fondo que, al carecer de concha acústica, proyectaba menos el sonido. Josep Vicent se esforzó por equilibrar los planos sonoros y condujo una versión intensa, sentida, con contrastes marcados, en una obra que presenta tan amplia paleta de timbres y sensibilidades.

Misterioso sonó el inicio de nota mantenida en las cuerdas, que Theodor W. Adorno denominó “suspensión”, como recuerda José María Perea en sus notas al programa. Luego aparecen las evocaciones de aves en las maderas antes del alegre tema que cantan los violonchelos. El segundo movimiento (Kräftig bewegt) fue marcado por Vicent con la intensidad y movimiento que indica el compositor, y una cuerda que brilló especialmente. El sentido solo de contrabajo, con el célebre Frère Jacques en modo menor abrió el tercer movimiento, en que el director supo destacar los contrastes entre lo grotesco y lo trágico tan característicos de Mahler. En el enérgico Stürmisch bewegt final hubo grandes diferencias entre el carácter tormentoso con que se inicia y acaba y los momentos de lirismo, subrayados con mimo. El público aclamó con intensos aplausos a orquesta y director.

La editorial Bromera ha irrumpido en el debate sobre el conflicto educativo valenciano con un comunicado en el que advierte ante las medidas de presión que, en el marco de las movilizaciones docentes, proponen frenar o boicotear la adquisición de material didáctico. La firma —que agrupa a un equipo multidisciplinar de autores, ilustradores, editores, pedagogos y docentes en activo— ha hecho un llamamiento a la responsabilidad para evitar que las protestas acaben perjudicando al propio tejido cultural autóctono.

La editorial ha querido dejar clara su sintonía con las reivindicaciones laborales del profesorado de la escuela pública valenciana y su necesidad de trabajar “con dignidad”. Sin embargo, insisten en que las medidas de presión deben “dirigirse en la dirección adecuada” para no dañar de forma colateral a la lengua y a la cultura que se intenta proteger en las aulas.

Desde Bromera apelan a la comunidad educativa y le recuerdan que las empresas editoriales valencianas no forman parte del problema político, sino del propio ecosistema que los sindicatos defienden. “Las editoriales no decidimos las ratios, no hacemos las leyes educativas y no fijamos los presupuestos públicos”, subraya Bromera, y apunta que la responsabilidad de dar respuesta a las demandas del sector educativo recae única y exclusivamente sobre la Conselleria de Educación.

En este sentido, la editorial valenciana considera contraproducente que se traslade la tensión del conflicto laboral a los proveedores de material didáctico. Según argumentan, este tipo de acciones van “en detrimento de todos los agentes implicados en la educación pública en valenciano”, a la que definen como una estructura vulnerable que depende de que sigan existiendo herramientas pedagógicas de calidad en la lengua propia.

El impacto económico y cultural en el sector

Asimismo, ponen en valor el peso estratégico de la industria editorial en la Comunitat Valenciana, y recuerdan que la elección de proyectos educativos locales va mucho más allá de la mera compra de manuales escolares. “Cuando un centro apuesta por una editorial valenciana, sostiene una red cultural y educativa arraigada al territorio que hace posible la existencia de materiales en valenciano de calidad”, defienden.

De igual modo, destacan que el consumo de estos materiales contribuye directamente al mantenimiento de empleos cualificados en la región —maquetistas, traductores, correctores y diseñadores— y financia de forma indirecta actividades fundamentales para el fomento de la lectura, tales como encuentros con autores en colegios, proyectos en bibliotecas y actividades culturales externas.

“Nosotros continuaremos al vuestro lado. Lo hemos estado siempre”, concluye el comunicado de Bromera, con el que la editorial busca blindar la producción de contenidos en valenciano en mitad de un escenario de máxima tensión entre la conselleria y los sindicatos docentes.

El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) ha presentado su nueva imagen corporativa en la que apuesta por una identidad actual, dinámica y sostenible, sin perder los elementos que han marcado su identidad durante las últimas décadas. El nuevo diseño se desplegará gradualmente en todos los soportes de comunicación, la señalética o el propio espacio arquitectónico.

La directora del IVAM, Blanca de la Torre, ha asegurado que “el cambio no se plantea como una ruptura con el legado histórico del IVAM, sino como una reinterpretación contemporánea de una identidad que forma parte del patrimonio cultural valenciano”.

El logotipo mantiene las características asociadas históricamente a la marca IVAM, y ahora se articula en torno a un concepto central: la nueva dimensión, el arte visto desde otra perspectiva en la que el IVAM deja de ser únicamente un espacio de contemplación para convertirse en un lugar de experiencia.

El sistema visual traduce esta idea a través de un lenguaje basado en la perspectiva. Así, la identidad del IVAM se construye mediante planos que incluso se deforman, generando composiciones dinámicas y en constante transformación.

Un aspecto novedoso es la utilización de una paleta de colores muy viva, que ayudará a identificar fácilmente los diferentes espacios y las actividades del IVAM. Además, contempla el empleo de un sistema gráfico versátil que convierte las comunicaciones del espacio expositivo hacia las audiencias en procesos simples y aplicables en múltiples soportes o formatos requeridos para su correcta implementación.

Blanca de la Torre también ha destacado que el proyecto “apuesta por una reducción de la materialidad, priorizando la accesibilidad y la inclusión con soluciones sostenibles y modulares, así como por una mayor presencia de lo digital como canal de relación con los públicos”.“Una actualización de nuestra identidad visual para proyectar una visión contemporánea y abierta a los retos culturales, sociales y medioambientales que están por venir”, ha concluido la directora del museo.

El 25 de abril de 1926, hace ahora poco más de cien años, Arturo Toscanini dirigió el estreno en La Scala de Milán de la última ópera de Puccini, Turandot, con el tenor español miguel Fleta en el papel de Calaf. El compositor había muerto el 29 de noviembre de 1924 sin acabar el último acto, que fue completado por Franco Alfano. Toscanini llegó hasta el coro Liù… Bontà!, lo último que escribió Puccini, detuvo la interpretación y se dirigió al público para decir: “Aquí concluye la ópera, porque en este punto murió el maestro”. Fue la única vez que lo hizo, porque en las demás representaciones incluyó el final de Alfano. El dictador Benito Mussolini quiso asistir, pero finalmente no lo hizo, al negarse Toscanini a interpretar, antes de la representación, el himno fascista Giovinezza.

El Palau de les Arts ha presentado para cerrar la temporada 2025-26 una nueva producción, procedente de Tokio y dirigida por Àlex Ollé, responsable de la que ofreció Les Arts de Tristan und Isolde en 2023, con dirección musical de James Gaffigan. Muy diferente de la de Chen Kaige que Les Arts ha ofrecido en cuatro ocasiones, la de Ollé, con escenografía de Alfons Flores, iluminación de Urs Schönebaum y vestuario de Lluc Castells, es oscura, con predominio de negros y blancos, y unos juegos de escaleras a izquierda y derecha que recuerdan los cuadros de Max Escher. Una plataforma central que baja y sube contiene el palacio del emperador y Turandot.

El movimiento escénico es interesante y la plataforma, efectiva para realzar las figuras de Turandot y el emperador. Ese elemento, junto con las escaleras laterales, contribuye a fijar el interés en el centro del escenario, donde se desarrolla la acción principal. La escenografía resulta plásticamente atractiva, aunque puede que excesivamente oscura. Hay, sin embargo, algún elemento de la producción, como el hecho de que Turandot se quite la vida al final, en contra de lo que indica el libreto, que me parece francamente desafortunado. No deja de ser sorprendente que, en la época del máximo respeto a las partituras de ópera y al texto cantado, los directores de escena sigan caminos que en ocasiones atentan contra el sentido de las obras. La libertad artística para hacer producciones creativas e innovadoras debería ser compatible con el respeto al sentido de la historia original que se representa.

Puccini dispone una orquesta tímbricamente muy rica, con amplia y variada percusión, dos arpas y teclados, que Mark Elder dirigió con precisión y atención al detalle, siempre al servicio de las voces. El director musical de Les Arts demuestra a sus 79 años una excelente forma artística y la orquesta sonó espléndida. Magníficos también los coros, tan importantes en Turandot.

En cuanto a los cantantes, el tenor estadounidense Gregory Kunde, exhibió a sus 72 años unas condiciones vocales extraordinarias, con potencia, impecable línea de canto y muy redondos agudos en el papel de Calaf. Si el diálogo de los enigmas con Turandot en el segundo acto fue emocionante, el celebérrimo Nessun dorma, al principio del tercero, arrancó un encendido aplauso del público. La mezzosoprano bielorrusa Ekaterina Semenchuk, que ya ha hecho la Turandot en el Liceu, cantó con potente voz carnosa, en un rol habitualmente interpretado por sopranos, al que dota de una energía que casa bien con la caprichosa princesa de hielo que consigue deshelar Calaf. Deliciosa la Liù de la soprano boliviano-albanesa Carolina López Moreno, de muy bello timbre, magnífica línea de canto, con espléndidos agudos y dominio del volumen. Emocionante en Signore, ascolta, del acto primero, y en el dramático tercer acto. Josep Fadó hizo un noble emperador Altoum y Liang Li, un adecuado Timur, padre de Calaf, en un elenco todo él de gran calidad. El público aplaudió con calor y entusiasmo.

Un siglo después del estreno póstumo de Turandot, la última obra de Puccini muestra una gran vitalidad, pues sigue atrayendo a los públicos de todo el mundo. No solo por la música, también por el texto poético de la extraña historia de la princesa de hielo que hace decapitar a sus pretendientes si no aciertan el juego de las adivinanzas: “Los enigmas son tres, la muerte es una”.