Dora no tiene aún 18 años y está a punto de protagonizar la próxima película de Paco León, una versión libre y musical de El mago de Oz. “Mi personaje es su interpretación de Dorothy. Dora, Dorothy”, ríe recién llegada de unos de los varios análisis médicos a los que está siendo sometida antes del inminente rodaje. Mientras, la hija de Bimba Bosé y de Diego Postigo prepara su EP, saca temas musicales, videoclips y actúa en festivales.

La compositora y cantante no ha dudado qué serie recomendar, es fan absoluta de Rick y Morty, la ficción de dibujos animados para adultos de la que puede verse una temporada en Movistar, cuatro en Netflix y las cinco producidas hasta ahora en HBO: “Sabía de la existencia de Rick y Morty antes de empezar a verla, cuando vi que había salido. Sabía que era una serie nueva, pero nunca me había enganchado a este tipo de dibujos. Los Simpson son guays, me hacen gracia pero… Y una amiga, en Estados Unidos, me puso un episodio y flipé y dije: ‘Pero ¿Qué es esto?’, es una ida de olla, y desde ahí empecé a verlo en HBO a saco”.

“Rick es mi animal espiritual, me encantaría ser como él, le da igual todo”

Rick y Morty son los nombres de los protagonistas de la serie, inspirados en un principio en Doc y Marty, el científico genial y un poco chiflado y el adolescente interpretado por Michael J. Fox en Regreso al futuro. Los autores, Justin Roiland y Dan Harmon habían hecho un corto con una parodia salvaje de la pareja que fue derivando en lo que finalmente es la serie. Aquí Rick es un científico brillante, alcoholizado, babeante y sin filtro entre el cerebro y la boca que trabaja en el garage de la casa familiar de su hija. “Siempre digo que Rick es mi animal espiritual —afirma Dora—. Me gustaría ser como él, me encantaría porque le da igual todo, pero claro, le causa un montón de problemas al final. De actitud, creo que a todos nos gustaría sudar tanto de la vida como Rick”. Así que propone: “Si te mola la ciencia ficción en comedia y un poco el anarquismo, porque Rick es un anarquista de tres pares, es la serie para ti”.

Y es que Rick es el motor de las historias, el que hace que desde esa casa de clase media americana se vivan aventuras cuánticas o viajes intergalácticos. Harmon declaró en su día que la serie es deudora de las dos principales producciones de Matt Groening. A Dora le encanta lo que los creadores han hecho combinando estas influencias: “Es que es verdad, es una mezcla perfecta, Los Simpson, que tiene así el rollito más familiar y Futurama, que lo estuve viendo el otro día porque hacía mil que no veía uno, desde que era enana, vamos. Y sí, mola un montón ver cómo se inspiran en los dos para crear esta locura”.

Morty, el adolescente que acompaña a su abuelo en sus historias, un poco pasmado, representa el punto de vista del espectador, arrastrado por la fuerza y determinación de Rick. Según Dora: “El abuelo es tan cuadro que ha atrapado a Morty en toda su movida galáctica, pero yo creo que a Morty ya le da igual, ya ha aceptado que va a vivir toda su vida con Rick haciendo aventuras por la galaxia. Mejor que estudiar, jaja, si yo tuviera la oportunidad…”.

“Me entra la risa de pensar en los personajes, pero también he llorado con algún episodio”

La pareja convive con los demás miembros de la familia, la hija de Rick y madre de Morty, su marido o la hermana del joven. “Me entra la risa solo de pensar en los personajes —dice Dora—”. Por otro lado, la comedia de caracteres funciona en todos sus registros para la cantante: “Yo he llorado con algún episodio de Rick y Morty, en plan, ‘¡pobrecitos!’. Me hace mucha gracia porque en la familia están super jodidos, no se comunican nada. Mola porque te llevan por muchos sitios, a veces se llevan bien, otras no. Es cómo se relacionan los diferentes miembros de la familia, mola”.

La filosofía de la serie, que se estrenó en el 2013 y sigue en producción, ha sido analizada en muchas ocasiones. Dora percibe el anarquismo de su protagonista, sin entrar en otras disquisiciones: “Es una gamberrada bastante importante. Rick está absolutamente en contra de toda regla que se plante encima él, la destruye, es la destrucción total. Por eso me gusta, jaja”.

“Los fans de la serie somos iguales, solo queremos hablar y hablar de ‘Rick y Morty’”

A menudo, en series de este tipo los seguidores disfrutan compartiendo sus episodios y momentos favoritos, eso sí, Dora no lo hace en internet: “En redes no expreso mi obsesión por esta serie, pero cuando conozco a alguien a quien le gusta le digo: ‘¡Oh, my god! ¿Te gusta Rick y Morty?’ y ya es un bucle. Todos los fans de la serie somos iguales, no podemos parar. Empiezas y solo quieres hablar y hablar y hablar de Rick y Morty y de todas las movidas que hay”.

Su episodio favorito es uno de los muchos que son referenciales, versiones, homenajes, revisitaciones de otras obras: “Es el de la purga, me parece buenísimo, luego tengo otros muchos más, como el del cable interdimensional, pero en ese de repente Morty saca todo el enfado que tiene dentro. Al final es un niño adolescente que está creciendo con un abuelo que es un cuadro. La purga es básicamente como la peli La Purga, que la conoce todo el mundo. Se van a un planeta en el que el sistema social es a base de que un día al año se matan todos, deciden aniquilar todo. Rick y Marty llegan solo para ver y acaban volviéndose loquísimos a matar”.

Dora no es una gran espectadora de series, esta en concreto es su debilidad: “Rick y Morty me encanta porque es corta, siempre quiero más. Como cuando escuchas un tema de dos minutos que dices: ‘Joder, qué corto, lo quiero volver a escuchar’. Me pasa lo mismo con esto”. A cambio su compromiso con la serie es total, como explica: “Cuando se acaba la temporada estoy esperando más. Yo sigo a Adult Swim, que es la plataforma en la que crean los dibujos, para ver cuando sacan los próximos episodios. Me meto en HBO, no todos los días pero casi, miro en mi ordenador cuál es el siguiente día en que salen los episodios. Soy super friki”.

“Intento rebajar mi tiempo de redes lo máximo posible porque no me hacen bien”

Al pertenecer a una generación que reparte su ocio entre nuevos formatos como los vídeos en línea podría asumirse que también lo hace, pero no es su caso: “Yo tengo una guerra muy seria con el internet y con las redes, estoy muy en contra. Intento rebajar mi tiempo de redes lo máximo posible y utilizarlas lo mínimo porque no me hacen bien. Para mi tiempo de ocio prefiero hacer el ejercicio de coger un libro o ver una película, una buena peli. De dibujos, Rick y Morty es casi lo único que veo aparte de los de mi hermana que veo en la tele un poco y digo: ‘¡Qué gracia!’”.

La música cuenta sus proyectos: “Estoy a saco con la película de Paco León e intentando terminar mi primer EP, ahí en una guerra. Una guerra no, un proceso largo pero muy bonito. (Mira a su padre, que le acompaña en la entrevista) Miro a mi padre porque siempre tenemos pensada una cosa y luego es otra, pero tenemos una fantasía de sacarlo en noviembre o diciembre. Al final nunca es seguro porque se van retrasando los procesos. Espero, esperamos, que sí sea para entonces”.

Y sobre la obra de León, que se estrenará en cines, en Netflix mundialmente y está coproducida por Mediaset España avanza: “La peli es una ida de olla. El reparto mola. Lo que más me gusta es que la balanza entre actores como la Machi, la Maura, Luis Bermejo, con una carrera de vida por detrás, y por delante, claro, jaja, y artistas como Áyax (Pedrosa) y Weka (Wekaforé Jibril), que son gente joven que está ahora en el panorama y mola porque no son actores del todo pero sí gente a la que le gusta el arte y meterse tanto en la música como en el cine. Me gusta mucho ese contraste”.

Emilio Aragón (La Habana, 1959) ha tocado con grandes éxitos todos los palos del espectáculo. Debutó en el circo, fue cantante, presentador estrella, actor y creador en algunos de los mayores hitos de la ficción en serie, productor, director de orquesta y compositor musical y director de cine. Ha vuelto a la actualidad con B.S.O., en Movistar, en el que se reúne con Raphael, Belén Rueda, Joaquín y Los Javis en los cuatro primeros programas para repasar la música de sus vidas con los mejores músicos del país. Aragón recomienda entre la oferta de las plataformas audiovisuales la producción australiana Mr. Inbetween.

“Llegué a ella por Fernando Castets, guionista de La luna de Avellaneda, El hijo de la novia y amigo y coguionista conmigo de mi ópera prima Pájaros de papel. Me mandó un día un wasap diciendo: ‘Tienes que ver esta serie, es fantástica. Los australianos están haciendo cosas muy buenas’. Y nos enganchamos, por muchas razones. Los que conozcan ya la serie estarán de acuerdo conmigo en que es distinta, en que ofrece algo que quizá no sea nuevo pero la manera de plantearlo, cómo están construidos los personajes lo hace novedoso. Para mí ha sido un verdadero descubrimiento”.

“Huye del cliché del asesino que se convierte en un hombre bueno”

La serie sigue al hombre para todo de un mafioso tanto en su trabajo como en su vida personal. En episodios de media hora añade comedia al género negro. “Hay una especie de angustia incierta que es la que amalgama los elementos a veces dispares de esta serie —dice de ella Emilio Aragón—. El personaje central, Ray Shoesmith, de Scott Ryan, el guionista, es un asesino con conciencia pero sólo hasta cierto punto. Una de las cosas que me gustan de la serie es que huye del cliché del asesino que se convierte en un hombre bueno y deja al personaje central haciendo equilibrios entre la vida cotidiana, hogareña, la de cualquier ciudadano medio, y la del conspirador criminal. Ese me parece un ejercicio muy difícil para un guionista. Conseguir ese equilibrio es muy complicado y Ryan, lo consigue, sobre todo entendiendo que él es además el actor principal, el protagonista”. 

Tal como señala Aragón, el autor de la serie, guionista de toda ella, es también cabeza del reparto. Ryan creó el personaje para un película de muy bajo presupuesto, The magician, y acabó resucitándolo en esta producción. Emilio también ha participado en algunos guiones de ficciones que ha protagonizado: “No es fácil esto de escribir e interpretar, —señala— es un ejercicio complicado. Las dudas que te surgen del personaje cuando escribes pensando en otro actor siempre existen, pero además, el que seas tú el protagonista es doble trabajo. ¿Dónde marcas los límites? Esto de interpretar, ir al combo (los monitores en los que se revisa lo rodado) ver la escena, ‘¿me he pasado, no me he pasado?’. Porque una cosa es lo que tengas en la cabeza, lo que has soñado del personaje y otra cosa es luego el set, el rodaje, los compañeros, lo que te propone a veces el otro actor, y creo que Ryan lo hace espléndidamente”. 

“La fuerza narrativa que tiene a pequeña escala es espectacular, es impresionante”

Emilio Aragón destaca los puntos fuertes de la serie: “Para mí, honestamente, esta es una pequeña obra maestra de comedia y drama, porque la comedia es deliciosa en los momentos que tiene. No puedes dejar de mirarla. Yo la veía compulsivamente. Lo cierto es que no hay grandes ideas aquí, pero la fuerza narrativa que tiene a pequeña escala es espectacular, es impresionante. Como decía, esto del asesino con un corazón de oro no es algo nuevo, lo hemos visto muchas veces. Como espectadores, en numerosas ocasiones hemos sido puestos en la posición del compromiso moral pero la verdad es que Mr. Inbetween le da un repaso fresco y divertido a toda esa idea”. 

Y lo hace gracias a su protagonista, según el productor: “No es el prototipo de matón que estamos acostumbrados a ver. No es un tipo fornido, tiene más bien barriguita, a la vez que es delgado y por momentos parece cansado o aburrido de su trabajo pero lo más fascinante es que terminas queriendo al personaje, a pesar de ser un tipo frío y sin piedad. Compras en el minuto dos que pueda estar ejecutando a una persona y a continuación leyéndole un cuento a su hija o hablando con ella de cosas del cole”. 

“Introducir comedia en momentos delicados y hacerlo bien es oro puro”

Lo mismo le parece que ocurre con el resto de personajes: “Están muy bien dibujados, cuenta con algo peligroso en este género y es la comedia. Su amigo, por ejemplo, puede llegar a ser tan cruel como él pero el guionista y protagonista se permite introducir elementos de comedia en momentos delicados y eso bien hecho es oro puro pero si te pasas puede producir el efecto contrario en el espectador. Para mí Scott Ryan es un hombre de mucho talento. Su personaje me parece magnético. No te cansas de mirarlo, eso tiene mucho valor porque lo normal es que sales en una escena, luego pasa otra cosa, luego vuelves a salir, y él no, él sale en todos los capítulos, en todas las escenas y no cansa”. 

Aragón agradece la corta duración de los episodios: “El dúo de Nash Edgerton como director de todos ellos y Ryan escribiéndolos funciona a la perfección. Para mí, honestamente, cada episodio es un ejercicio narrativo fantástico. Podría decir que en Mr. Inbetween se cuentan muchísimas más cosas en 26 minutos que es la media de cada capítulo que en series de 45 o 50 minutos. Esta tendencia de ficción de media hora en drama cada vez me gusta más”. 

La serie está grabada en lugares anodinos de Sidney y sus alrededores. “Al principio la puesta en escena, como los que nos dedicamos a esto solemos mirarlo todo con lupa, me parecía algo sosa —afirma Aragón—, pero poco a poco te va arrastrando a esa estética tan personal y a veces sencilla y una vez terminada de ver te das cuenta de que has estado pendiente de la historia que es lo importante”.

“Acompañar al piano a los compañeros de ‘B.S.O.’ ha sido un viaje intenso pero sabroso”

B.S.O. ha supuesto el retorno de Emilio Aragón a la pantalla: “Nunca pensé que volvería a ponerme delante de las cámaras —dice al respecto—. Había tomado esta decisión hace quince años de escribir, dirigir y producir, pero estoy muy contento, y el ejercicio de hacer arreglos musicales o sentarme a preparar una canción con alguno de los compañeros que habéis visto en B.S.O., acompañarles al piano, a la guitarra, o a cualquier otro instrumento para preparar el tema ha sido un viaje intenso pero sabroso. Al terminar estos ocho programas es cuando me han empezado a salir todos los dolores de espalda y de rodilla, pero benditos dolores”. 

De esos ocho programas de B.S.O. ya pueden verse los primeros cuatro, los siguientes se emitirán en septiembre. Su director está satisfecho: “Estamos encantados con todos los comentarios y críticas. Me siento un afortunado. Haber podido cantar con Raphael ha sido un sueño cumplido, volver a estar en un plató con Belén Rueda, cantar con ella, no recuerdo haber cantado con Belén en un programa, haber acompañado a compañeros como Bebe, Coque Malla, Dani Martín, Alba Molina, Josemi Carmona, y las sorpresas que vamos a tener en los próximos cuatro programas. Ha sido un viaje duro, intenso, pero ha merecido la pena”. 

Sobre si se prolongará este retorno a la televisión, Emilio Aragón aclara: “Esto de hacer música en televisión y en directo, en este caso y en este programa en concreto es como el refrán ‘comer y rascar, todo es empezar’. Necesito tiempo para respirar y ubicarme de nuevo, porque ya los años pesan pero no me importaría hacer otros ocho. En cuanto a proyectos, también tengo encima de la mesa uno que dejé de cine, precisamente para hacer B.S.O. y una serie de ficción. Ambos son dramas pero también le estoy dando vueltas a una comedia. Me apetece volver a hacer comedia, mucho. Ahí estamos”.

El palmarés de la exalero de baloncesto Amaya Valdemoro está tan lleno de récords y triunfos que no cabe en un artículo que trate de otro asunto. Se puede consultar en su página de Wikipedia. La deportista también recomienda un documental con múltiples premios, como el Óscar de 2017 en su categoría. Se trata de un título fascinante, Ícaro, disponible en Netflix.

“Creo que es obligatorio de ver para aquellos que aman el deporte” enfatiza la madrileña de Alcobendas, que añade: “En la vida, como en el deporte, siempre hay tramposos y recomiendo este documental porque es increíble hasta dónde puede llegar la mente humana para engañar. En mi caso, cuando lo vi, me bajó a los infiernos. Creo que es sorprendente todo lo que llegan a hacer por conseguir un objetivo, que en esta ocasión es el éxito olímpico de un país”.

“El director fue muy valiente al doparse y experimentar en su cuerpo las consecuencias”

Ícaro es un caso extremo de serendipia, de encontrar algo que no se buscaba. Valdemoro cuenta el origen del proyecto, que puede verse en la primera parte del mismo: “El documental, para aquellos que no lo hayan visto, empieza un poco con la investigación del director de cómo puede cambiar su cuerpo al doparse. El comienzo me recordaba un poco al documental de Supersize me, lo que el cuerpo experimentaba al comer comida basura. En este caso es lo que puede provocar el dopaje y lo que va descubriendo. Sinceramente, es increíble todo lo que encuentra Bryan Fogel, amante del ciclismo. Fue muy valiente a la hora de decidir doparse para poder decir en primera persona lo que puede cambiar el rendimiento y las consecuencias que puede tener en tu cuerpo”.

Como explica Amaya Valdemoro, el director, Bryan Fogel, fanático ciclista aficionado, quiso mostrar el efecto de las drogas dopantes en su cuerpo durante un año, entre dos ediciones de la Haute Route, la prueba más dura del mundo no profesional de la bicicleta. Le movía el interés por los casos individuales de deportistas que se dopaban, por lo que también quería mostrar cómo se podían eludir los controles, su propuesta era en cierto modo modesta. Y ahí encontró el verdadero tesoro de su investigación. Unos médicos y otros, asustados por la moralidad de la propuesta y sus implicaciones rechazaron ayudarle y le dirigieron a un colega ruso con menos escrúpulos, Grigori Rodchenkov, quien resultó ser la estrella, el malvado y la noticia bomba del documental.

“El personaje de Grigori es muy inteligente, un narcisista que solo piensa en sí mismo” 

Valdemoro introduce al ruso: “El personaje de Grigori creo que es una persona super inteligente, narcisista totalmente, que sólo piensa en él. Es el artífice de toda la trama del dopaje ruso. Se toma a risa la ilusión de miles de personas, de millones. Está clarísimo que en lo que hacía era el número uno pero podía haberlo aplicado de maneras diferentes. La primera imagen de él haciendo una videollamada en calzoncillos explicando lo que puede cambiar el rendimiento de una persona común lo dice todo, es como de risa. Le da igual absolutamente todo. Puede cambiar el recorrido de cualquier deportista, incluso de un deportista amateur, que es como empieza a entablar ese diálogo con ese director que quiere doparse para ver los cambios en el cuerpo humano de una persona. Va a Gregori porque todo el mundo rechaza la opción de doparle porque es algo de locos”.

Haciendo solo el mínimo spoiler, Grigori resulta ser el eje de una trama descomunal con implicaciones en el olimpismo y en la geopolítica que el propio documental sacó a la luz. El resto hay que verlo. Las sanciones a Rusia tras probarse el fraude masivo y sistemático fueron erráticas. No se impidió participar a sus deportistas en los Juegos Olímpicos de Río de 2016, recién destapado el escándalo. Para Valdemoro: “El hecho es un poco extraño. Pero, al final, si miramos el recorrido, Rusia es una de las grandes potencias desde el comienzo de los Juegos Olímpicos y también creo que no todos los deportistas rusos se habían dopado. Creo que fue de manera para que los que nunca se habían dopado pudieran competir bajo la bandera neutral del olimpismo”.

La deportista profundiza en la complejidad de la toma de decisiones de los Comités Olímpicos: “Sí que es verdad que ahora en los Juegos Olímpicos de Tokio de 2021 aquellos que no han sido dopados pueden participar. Es muy complicado. Hay muchas claves por las que pueden participar, cuestiones económicas, de política, no todos son culpables. Para los propios deportistas rusos que han estado compitiendo ha sido muy difícil por las miradas de los otros deportistas, porque todo el mundo pensaba que eran culpables de dopaje. Yo no soy nadie, creo que eso lo tiene que decidir el Comité Olímpico y los rusos que están compitiendo será porque tienen un expediente totalmente limpio de dopaje”.

“Yo no dormiría a gusto pensando que me he dopado, sabría que he hecho trampa”

Amaya Valdemoro ha desarrollado su carrera en el mundo en el que se produce el dopaje: “¿Qué es lo que creo yo? Que están tirando por la borda años de sacrificio y de esfuerzo por mejorar sus marcas. La gente piensa que te dopas y ya vas a quedar campeón del mundo y no es así. También se cree que el deportista que se dopa se toma una pastilla y ya corre más, no. El deportista que se dopa tiene que trabajar muchísimo. Son los valores de cada uno, yo no dormiría a gusto pensando que me he dopado porque en el fondo sabría que he hecho trampa y el deporte no va de eso. He sido deportista durante muchísimos años y siempre sale el tema, y la verdad es que en el baloncesto femenino no ha habido ningún caso potente. Está claro que se sabe que hay dopaje, y cuanto más lejos, muchísimo mejor porque empaña”. 

No solo eso, su carrera le ha llevado a la liga rusa, corazón del sistema de dopaje y la posterior limpieza de la orina delatora que se expone en el documental. Así lo recuerda la exjugadora: “Del 2005 al 2008 yo estuve jugando en el CSK ruso y la verdad es que yo no he visto nada diferente de los que viví cuando estuve jugando por ejemplo en la NBA femenina, o en Turquía. Nos hacían controles o test, también después de los grandes eventos deportivos y todo iba bien. También hay que decir que el dopaje es mucho más habitual en el deporte individual que en el de equipo. Insisto, en Rusia me han hecho tantos controles antidoping como en todas las competiciones, tanto en europeos como de clubes como mundiales como en las Olimpiadas. Todo perfecto y sin ningún tipo de problema”.

“Tiene que haber una mayor inversión para atrapar a los tramposos y mayores sanciones”

Valdemoro recalca su absoluto rechazo a las drogas ilegales en el deporte: “El dopaje es algo serio, al final estamos viendo como en Estados Unidos y en otros países la gente que se dopa acaba yendo a la cárcel. ¿Qué mueve todo esto? El dinero, es fácil. Los premios que pueden recibir los deportistas, el reconocimiento. Y luego todo el entramado de los productos también supone grandes cantidades. Creo que habría que tenerlo más presente y que las sanciones fueran ejemplares, muchísimo más duras para que se acabe. En la carrera del dopaje, lo estamos viendo, el dopaje va por delante del AMA (Agencia Mundial Antidopaje), y es así”. 

Y para ilustrarlo pone un ejemplo elocuente: “Esto no se sabe, pero de la carrera de Seúl del 88, donde ganó Ben Johnson, de los ocho finalistas de la carrera de los cien metros estaban dopados todos menos uno. Hay un reportaje en ESPN que se llama 9´79 en el que sale. Así que creo que tiene que haber una mayor inversión a la hora de atrapar al tramposo y que las sanciones sean ejemplares para que no se vuelva a hacer”.

Y como las trampas no son exclusivas de ninguna actividad, Amaya Valdemoro prescribe a todos los públicos esta investigación: “Me gustaría acabar recomendando Ícaro no solo a los amantes del deporte, también a gente que no le guste porque es un viaje apasionante en el que ves muchas veces la calidad de las personas. Te quedas, como digo yo, ojiplática, porque es increíble lo que puede hacer el ser humano”. 

Sandra Sabatés presenta desde hace casi una década El intermedio con El Gran Wyoming. Aporta el rigor informativo al programa y añade secciones propias como Mujer tenías que ser en la que entrevista a mujeres destacadas en diferentes ámbitos. También es autora del libro Pelea como una chica, que recoge las historias de diferentes pioneras españolas. Puede que algo que este análisis de la situación de lo femenino se haya colado en su elección a la hora de destacar la serie Unorthodox, cuyos cuatro episodios pueden verse en Netflix.

La miniserie es una versión libre del libro autobiográfico de Deborah Feldman, quien protagonizó una inspiradora huida de la opresiva secta ultraortodoxa judía jasídica Satmar radicada en Nueva York. Para Sandra Sabatés: “Seguramente es una de las cosas que más impactan, que más estremecen, el hecho de pensar que esta serie está basada en hechos reales, que Esther Saphiro (la protagonista) es el alter ego de Deborah Feldman, que esa Deborah existe, igual que existen muchas otras Deborhas”.

“Cuando pensamos en Nueva York pensamos en libertad y esto existe allí”

Sabatés reflexiona sobre la sorprendente pervivencia de estos fenómenos dentro de sociedades con más derechos: “Esas situaciones se siguen dando porque existen esas comunidades, en este caso judías ultraortodoxas, que se rigen por unas normas y unas reglas muy estrictas que lo que hacen es coartar totalmente los derechos y las libertades de las personas, castrar esas libertades, concretamente las de las mujeres. Y eso es algo que influye en todos los ámbitos de sus vidas, en la misma forma de vestir o de comportarse o relacionarse con los demás, incluso a la hora de decidir si quieren casarse o no. Ellas no pueden elegir, saben que tienen que casarse y les dicen: ‘Mira, este va a ser tu marido, y tu función en esta vida va a ser tener cuantos más hijos mejor’. Y no tienen ningún tipo de elección. Esto choca especialmente si tenemos en cuenta que esta comunidad en particular se encuentra en el barrio de Brooklyn. Cuando pensamos en Nueva York, una de las primeras palabras que nos vienen a la mente es libertad. Resulta muy llamativo poder entender cómo pueden convivir a día de hoy dos sociedades, dos realidades tan diferentes, una que sigue luchando por conquistar nuevas libertades, otra que no hace más que intentar coartarlas al máximo”.

La serie presenta la vida de Esther “Esti” Schwartz ante un matrimonio forzoso y su ansia de libertad siguiendo los pasos de su también díscola madre hacia Berlín. Sandra Sabatés aprecia la forma de presentar las dos vidas de la protagonista: “Me gusta la estructura que tiene la serie con esas dos líneas temporales, en presente se narra esa huída de Esti hacia delante con los continuos viajes al pasado a través de flashbacks que nos permiten acercarnos a la realidad de esa comunidad judía ultraortodoxa y también permite entender el porqué esa mujer toma esa decisión de marcharse de allí”. 

La serie está escrita, dirigida y producida por mujeres, algo destacable para Sandra Sabates: “Es una de las cosas que más me han llamado la atención de esta serie alemana. Las autoras nos muestran perfectamente esa sensibilidad, esos sentimientos que rodean a esta mujer que se encuentra totalmente controlada y manipulada por esa comunidad en la que vive”.

“La actriz protagonista, Shira Haas, es impecable. Parece frágil y es lo contrario”

Sandra Sabates destaca a la actriz protagonista del drama: “La interpretación de Shira Haas me parece impecable, es maravillosa. Esta mujer tiene una increíble capacidad, el poder de transmitir con una sola mirada el dolor, la frustración, la rabia, todos los sentimientos, todas las emociones. Además, se da la circunstancia de que es una mujer bajita, delgadita, que puede ofrecer a priori una imagen de una cierta vulnerabilidad, fragilidad, en un mundo con muchísimo poder, en el que hay unas normas muy estrictas, muy aplastantes, y sin embargo, a través de la actuación, acabas descubriendo que es todo lo contrario, que es una mujer muy fuerte, muy valiente, capaz de destruir esas cadenas para acabar consiguiendo su verdadero objetivo, que es descubrirse a sí misma”. Haas ha sido un descubrimiento para gran parte de la audiencia, pero es una actriz muy reconocida en su Israel natal. Entre otros trabajos, puede verse otra interpretación suya como integrante de una comunidad ortodoxa en la serie Shtisel, con un tono más costumbrista y excelentes críticas, también en Netflix. Para su papel en Unorthodox, Shira Haas aprendió yidis, piano, canto y se rapó la cabeza como se obliga a las mujeres ultraortodoxas.

El proceso de su personaje es el centro absoluto de la historia, pero destaca también la mirada sobre el hombre forzado a casarse con ella, como señala Sabatés: “Yanki, el marido de Esti no deja de ser también una víctima de alguna manera del sistema. Es un joven que está completamente perdido, completamente desconcertado. Por un lado es muy consciente de que tiene que seguir unas normas, unas reglas y lo hace sin cuestionarse absolutamente nada porque es lo que se espera de él y por el otro tiene a Esti, a su mujer, que nada más conocerle lo primero que le dice es: ‘Yo no soy como el resto de las chicas’ y él hace un esfuerzo continuo por aceptarla, por entenderla, por acercarse a ella y por respetar ese espacio. El problema es que es un personaje que acaba teniendo una lucha interna constante e intenta hacer equilibrios entre dos mundos tan opuestos que al final es evidente que siempre la balanza se tiene que acabar decantando por algún lado”.

“Enseñan a las mujeres que todo lo que está fuera de la comunidad es el mal” 

La forma en la que la comunidad ultraortodoxa consigue subyugar a sus miembros en plena democracia con amplios derechos individuales es la educación, como señala la periodista catalana: “Sin duda ese es el primer peldaño. El conocimiento es, de alguna manera, lo que nos hace libres y por eso precisamente a esas mujeres lo que hacen es limitarles la educación, ese aprendizaje para poder someterlas y controlarlas desde que son muy pequeñitas. En eso se incide mucho en esta serie, les enseñan lo que es el bien y lo que es el mal. Hay que seguir el buen camino, evidentemente, pero el mal es todo lo que está fuera de la comunidad. Las que salen de la comunidad, como es el caso de Esti o como es el caso de su madre acaban siendo unas descarriadas. Hay que cumplir esas normas tan estrictas, en el caso de las mujeres es casarse y tener cuantos más hijos mejor y la que no cumple con ese objetivo, como le pasa al principio a Esti, no deja de ser una mujer defectuosa. Estas chicas, estas niñas, estas mujeres crecen con esas ideas, con esos valores de que lo más importante es la familia, que es sagrada, igual que las relaciones sexuales, y el problema es que acaban asumiendo y dando por buenas algunas discriminaciones que sufren por el hecho de ser mujeres, el no poder salir a la calle mostrando su pelo o que sean consideradas impuras cuando tienen la menstruación. Pero es que son ideas con las que han crecido, es lo único que han visto y es lo único que conocen y que acaban dando por bueno y aceptando”.

La serie ha aportado a la historia real de su protagonista el papel redentor de la música, que no estaba en el libro. “Me gustaría destacar la música —señala Sabatés—, que más allá de la banda sonora, juega un papel fundamental porque no deja de ser un hilo conductor. Es el gran sueño, la gran pasión de la protagonista y también se acaba convirtiendo de alguna manera en su salvación. Se da cuenta de que es un sueño imposible porque ella no tiene esa formación necesaria pero finalmente decide cantar. Cantar en público en su comunidad es interpretado como un acto impúdico y ella finalmente lo hace. Es una demostración de fuerza, de que por fin ha conseguido romper esas cadenas y ha logrado su objetivo que es huir de ahí”. Shira Haas, la actriz que encarna a Esti sintió la canción que interpreta su personaje como la metáfora de que por fin había encontrado su propia voz, muy en línea con lo que señala la presentadora de El intermedio. 

La reina del pueblo transporta a sus espectadores a la esencia atemporal del verano en un pueblo, a sus fiestas. No faltan tómbolas, calimochos, muchos melones, piques entre familias, amistad, risas y estrellas invitadas de medio pelo. En este caso, en la localidad imaginaria de Polvaredas de la Sierra, a la que prestó sus calles el pueblo toledano de Noblejas.

La serie se estrenó el día 27 de junio en Atresplayer Premium y entre sus fans figura ya Juanra Bonet. El presentador, humorista y actor barcelonés ha visto los seis episodios de 20 minutos que componen la primera temporada y afirma: “Me ha parecido divertidísima, muy entretenida. Nos la pusimos en casa con la intención de ver uno y ya está y nos pasó como con las grandes series, nos la vimos prácticamente en un día. Tiene un montón de sorpresas y los actores y las actrices están maravillosos. De repente encontrarte a Raúl Cimas, encontrarte a Melani Olivares, a Canco Rodríguez… tienen muchísima química entre ellos y es toda una sorpresa. En cuanto veáis el primero creo que os quedaréis como nosotros en casa: ‘¿Cómo? ¿Cómo?, ¡Otro ya!’. Porque es muy recomendable para toda la familia”.

“Te lleva a la nostalgia y a la vez es muy moderna. Está pasando ahora mismo”

La reina del pueblo es alegre en su argumento y su imagen apoya este buen humor. Para Juanra Bonet, se trata de una apuesta muy nítida: “Cuando la estás viendo, al margen de la temática de la serie, que es bastante clara, te remonta a una época de tu vida en la que ibas al pueblo, ibas a las fiestas. A pesar de que apela a la nostalgia sin espetártelo, el color, los planos, la luz, las texturas, te recuerdan a ese final de verano de Dúo Dinámico que trae ciertos olores. Tiene una luz y un color que te invitan a dos cosas, por un lado te lleva a la nostalgia, cuando tú ibas a esas fiestas o ibas a las fiestas de tu primo y te encontrabas con todo aquello, pero al mismo tiempo es una serie muy moderna. Lo que estás viendo, tranquilamente pasará dentro de quince días en un pueblo al lado de Madrid, o cerca de Segovia o al lado de Almería. Lo que ves en la serie va a pasar este mismo verano. Me gusta mucho que por un lado te acuerdas de y te lleva a pero sin gritarte a la cara que tú fuiste a EGB. Lo que estás viendo, lo que estás viviendo en la serie pasa ahora mismo, mientras estás leyendo esta entrevista”.

 El presentador del concurso Boom en Antena 3 elogia, entre otros aspectos de la ficción, su naturalismo: “El tono de los diálogos y de la actuación es muy natural y eso es una cosa que también nos sorprendió en casa porque siendo una comedia y siendo el tipo de comedia que es, como actriz o actor es tentador forzar, a mí me pasa que digo: ‘Voy a apretar un poco porque como es comedia’. Y no, está todo muy bien dirigido, muy natural a pesar de las situaciones esperpénticas y disparatadas que vais a ver”.

“No hay un señor con las canas teñidas de negro simulando tener 17 años. Es creíble”

Lo mismo le ocurre con la forma de hablar de cada grupo: “Respecto a los diálogos es curioso, porque cada personaje habla como habla su generación pero no está nada forzado. Yo como adulto, desde la atalaya de la madurez en la que estoy instalado a mis 47 años (ríe), cuando oía a los chavales hablar entre ellos no me sentía ajeno, no sentía que la serie me echaba para atrás y pensaba: ‘Es un producto para ellos’. No, no, lo entendía perfectamente y estoy convencido, tengo canas e igual me equivoco, pero estoy convencido de que los jóvenes ¡Hablo de los jóvenes! Bueno… los jóvenes, cuando vean la serie se van a sentir totalmente identificados porque no hay de repente un señor que se ha teñido las canas de negro diciendo: ‘Hola, ¿k ase?’ o haciendo el baile del swish swish, simulando que tiene 17. No va a ocurrir. No es: ‘¿Qué pasaría si Élite hubiera salido mal?’. Que ¡ojo!, es una serie que propongo aquí, Élite sale mal, en todo. El colegio sale mal, el AMPA sale mal, los profes, todo. Ahí dejo la idea: Élite mal”.

La reina del pueblo tiene un presupuesto mucho menor que las series para plataforma o canal generalista. A pesar de ello ha conseguido reunir a un notable reparto, una pandilla de jóvenes actores totalmente engrasada, con Lucía Caraballo, Omar Banana, Ana Jara o Cristina Colom y un puñado de adultos con figuras muy destacadas como Marta Fernández Muro, Roberto Álamo, Canco Rodríguez, Melani Olivares o Alberto Casado. Pero Bonet tiene una debilidad entre ellos: “Mi personaje favorito es el de Raúl Cimas, pero aquí yo no puedo ser objetivo porque yo soy muy fan de Raúl Cimas. Me parece el hombre más gracioso de España, estoy prendado de él. Pero me gusta especialmente el papel que hace en La reina, de pregonero. Y estoy tentado de contar algún gag pero sería como explicar el truco de un mago, el caso es que Raúl está perfecto. Yo soy team Raúl, me pongo su camiseta. Está maravilloso y, aunque parece que su papel de pregonero es una cápsula que se va repitiendo en el tiempo, no. Porque hay una pequeña evolución y una semilla que va germinando dentro del pregonero. No voy a decir más”.

Aparte de Cimas, la interpretación que más está dando que hablar de la producción es la de Melani Olivares. Así la ha visto el presentador y humorista: “El personaje de Melani Olivares creo, viendo la serie, que está escrito para ella. No me imagino a otra actriz haciendo eso cómo lo hace ella. Es una Miss España venida a menos, un juguete roto de la televisión. Viendo como es, es posible que pienses: ”Qué personaje más arisco, más antipático, más subido, ¿de qué va?, ¿quién se ha creído que es?“. Pero poco a poco vamos descubriendo que tiene un corazoncito, bueno, un corazonazo y que solo necesita amor. El viaje que hace el personaje es especialmente optimista. Creo que también nos da mucha esperanza al ver a gente que a priori nos echa para atrás pero a los que rascando un poquito, con un par de abrazos y dándoles tiempo y cariño les puedes ver el corazón. El personaje de Melani es muy chulo y ella está muy graciosa. Muy graciosa”.

El personaje interpretado por Melani Olivares, una Miss España de capa caída, podría tener serie propia

Ha sido tal la fuerza y la comedia de la actuación de Melani Olivares como Estrella Bernal, la desquiciada y entrañable reina de la belleza, que el director y guionista de la serie, Raúl Navarro, y la actriz están en conversaciones para hacer una secuela con la vida de esta estrella de tercera en Madrid. 

La filmación de la serie fue complicada por el apretado plan de rodaje y las restricciones sanitarias. Para Bonet, es estupendo poder contar con productos como éste, según afirma: “Gracias a internet, vaya frase de viejo, pero gracias a internet caben muchos proyectos de bajo presupuesto y eso permite que gente que tiene muchas limitaciones pero mucha creatividad tenga la oportunidad de llevar su producto al gran público”.

A cambio, como espectador es difícil llegar a todas las propuestas: “Yo creo que hay muchísima oferta audiovisual y francamente, estamos todos sobrepasados. Hay dos maneras de enterarse de los estrenos, una es las tres, cuatro, cinco personas o creadores de los que estás pendiente porque te interesa lo que hacen y luego lo que te recomienda la gente de la que te fías. Y el boca a boca. Muchas veces es más valioso que te diga alguien: ”Tienes que ver esto“ que mil carteles en paradas de autobús. Es difícil llegar pero creo que La reina del pueblo va a ser de esas de ”Oye, ¿has visto esto?“”.

Ramón Lobo es escritor y colaborador en InfoLibre y en la Cadena SER, donde aporta sus más de 40 años de experiencia periodística, especialmente como corresponsal en destinos en conflicto en todo el planeta a sus análisis de la actualidad. Recientemente escribió en su muy activa cuenta de Twitter (@ramonlobo) un elogio a la serie Mare of Easttown. Se trata de una miniserie de siete episodios que sigue la investigación de unos crímenes en una pequeña ciudad del estado de Pensilvania y puede verse en HBO.

En su tuit, Lobo elogiaba la serie y a su protagonista, Kate Winslet, reivindicando su trabajo por encima de la polémica sobre su aspecto físico y vuelve a hacerlo: “Me parece una intérprete descomunal, de estas actrices o actores que en el momento que salen nunca ves a la actriz o al actor, ves al personaje. Y siempre ha sabido elegir muy bien sus trabajos. Me indignaron un poco los titulares acerca de si tenía sobrepeso o patas de gallo, que si estaba desafiando a la industria de Hollywood por hacer un papel de persona mayor. Yo no la veo nada mayor. Tiene 45 años, no es esbelta, pero no se le ve la tripa en ningún momento. Me pareció una estupidez que nos fijáramos en esto y no en la interpretación, en la serie en sí y en la América que muestra. Es una prueba de este mundo vacío, superficial en el que nos movemos y que afecta al periodismo, a la política y a todo”. Hubo también quien no entendió su crítica: “La gente no entiende la ironía en las redes, tampoco la entienden en la vida normal, las redes reflejan un poco este país sin humor. Nos sabemos reír mucho de los demás pero muy poco por nosotros mismos”.

“El personaje de Winslet es muy interesante porque es complejo”

Winslet interpreta a la policía que investiga el asesinato de una madre adolescente y que aún tiene pendiente de resolución la desaparición de otra joven en la localidad de Easttown. Comienza como un personaje arisco y episodio a episodio se van desvelando sus motivaciones. Para Ramón Lobo: “El personaje es muy interesante porque es complejo. Muchas veces por la calle vemos gente y no sabemos lo que hay detrás. Ella nos va mostrando en la serie un personaje con una crisis interna, la no superación de una tragedia, su vida matrimonial que se desmoronó, su trabajo, su conexión con el pueblo y también nos muestra una América que no es Nueva York, Miami, Los Ángeles, que no es San Francisco, que es la América real”.

El personaje de Mare vive a su pesar con su madre, interpretada por Jean Smart, con la que tiene una conflictiva y divertida relación, la favorita de la serie para parte de la audiencia, entre la que se encuentra Ramón Lobo: “La madre me ha encantado, creo que hace un papelón. Todos hacen buenos papeles, pero el suyo creo que es extraordinario, porque también refleja las tensiones con la hija, con el marido, también tiene su tormento interior”.  Y añade, refiriéndose a la nada glamurosa mesa de la cocina en la que la madre y su hermano degustan sus cócteles: “Me gustan también esos Manhattan y cervezas que están alrededor de todo”.

La protagonista de la serie tiene un interés romántico, interpretado por Guy Pierce, que también lo fue en otra miniserie de éxito en HBO protagonizada por Kate Winslet, Mildred Pierce. En esta ocasión, el actor encarna a un escritor: “En realidad es un fracasado, solo ha escrito un libro con un poco de éxito. En un momento dado pensé que podía ser el asesino. Es que me caía mal. Es uno de esos personajes que desaparece y luego lo terminan ahí, pero también ocurre en las novelas, hay cosas que te distraen, que te confunden, pero que luego desaparecen, son juegos de los autores”.

“Menos mal que no vi el tuit en que Stephen King adivinó el final”

Ramón Lobo ha jugado a tratar de averiguar quién podría ser culpable: “Yo tenía varios candidatos a asesino, siempre en las series buenas te dan varias opciones. Menos mal que, aunque yo sigo a Stephen King porque me gustan mucho sus tuits anti-Trump en estos cuatro años, no le he seguido en esta serie porque desveló el final. Acertó con el final antes que nadie. Yo en cambio no, tenía otro candidato y me llevé una sorpresa. Después hay algunos cabos sueltos, me he quedado pensando si están sueltos porque no los han cerrado bien o porque yo no me he enterado bien, con lo cual hay una deuda con la serie, quizás volveré a ella con el tiempo”.

Pero Ramón Lobo insiste sobre todo en lo interesante del retrato de un Estados Unidos nada cosmopolita, que se articula de una manera muy diferente a la de las grandes ciudades: “Esa América pequeña, entre lo rural y la pequeña ciudad es la que vota a Trump, aunque esto es Filadelfia —Winslet ha tenido la gran dificultad en imitar el acento que es muy especial—. En esta zona son mujeres muy duras. Y me gusta que muestre esta América real porque es la que no vemos en los medios de comunicación, la que se está moviendo a la extrema derecha, la que ha renunciado a la verdad, que tiene miedo por los cambios laborales o generales que se están produciendo, miedo a la robótica, a la inmigración. Creo que es una serie que muestra mucho de la América que va a dar que hablar en los próximos años porque el trumpismo no ha muerto para nada”.

“La América que no solemos ver se dirige a un escenario en el que la democracia está en peligro”

Este Estados Unidos es muy distinto a la forma en la que se agrupa la población en Europa según Lobo: “Esta comunidad está muy bien reflejada, aquí en torno a una iglesia católica, pero en otras partes de América es en torno a una iglesia metodista u otro tipo y todo se reúne en torno a esta comunidad. En estas ciudades y pueblos hay un valor muy fuerte de la comunidad, por encima incluso del individuo. En Nueva York no, pero en estas localidades sí. Es ese el tono de la América que no solemos ver, la de Kansas, de Iowa, del centro, la que ahora está cambiando las leyes para que no puedan votar las minorías, o lo último, para que no puedan votar las personas con discapacidad física o intelectual. Es una América que en realidad solo quiere que voten los blancos, un país que se está dirigiendo a un escenario en el que la democracia está en peligro, como decía hace poco Hilary Clinton”.

“Estoy suscrito a todas las plataformas para no tener que ver la televisión generalista”

Lobo es una persona comunicativa y sociable, pero la pandemia ha cortado de cuajo su actividad. “Estoy un poco paralizado —desvela—, empezando a coger el ánimo social porque llegué a tener un poco de fobia social al ver a demasiada gente”, señala refiriéndose a actitudes imprudentes. En estos meses la ficción televisiva ha cumplido su objetivo de acompañamiento: “La televisión es una de las ventanas, ahora que no se puede ir al cine. Yo por lo menos, tengo miedo de ir a las salas, aunque sea con mascarilla, o al teatro o a conciertos y demás. Ya descubrí hace mucho Netflix, HBO, Disney... estoy suscrito a casi todas para no tener que ver Tele 5. Perdón, no sé si debería decir esto, para no tener que ver las televisiones generalistas y tener que llevarte sorpresas constantemente. Nunca he puesto especial atención a las series. A veces estoy con amigos que han leído el último libro, han visto la última serie y digo: ‘¿Estos cuando duermen?’”.

Él por su parte tiene varios proyectos: “Empecé a escribir una novela muy mala, una distopía, pero ahora lo revolucionario es escribir una utopía. Sí quería escribir un libro sobre la muerte, continuación del de las ciudades y la soledad”, señala sobre su último título, Las ciudades evanescentes, publicado el octubre pasado. A la vez, tras haber investigado tiempo atrás sobre su familia española, ahora indaga en el otro lado: “Estoy con una rama que es francesa por mi abuela, luxemburguesa por parte de mi abuelo. Vivían en unos cien kilómetros a la redonda. Los alemanes les invadieron tres veces, ahora entiendo que a mi abuelo no le hicieran gracia. No sé si saldrá un árbol genealógico que se remonte hasta el siglo XVII, si será un libro de viajes, o una historia de la muerte. Me siento muy a gusto con los muertos porque ya no te pueden fallar”.

Este viernes se estrena a las 22:00, en el canal TNT, Maricón perdido, una serie de seis episodios creados y escritos por Bob Pop que ponen su vida en imágenes. Él mismo cuenta cómo nació la serie: “El proyecto de Maricón perdido surge como un encargo loco de TNT, de Jose Skaf y de Guille Farré, que un día me sugieren, después de ver una sección mía en el programa de Late Motiv donde contaba parte de mi infancia, hacer una serie de esto. Primero les digo que dejen las drogas, y luego, una semana después, quedo a comer con ellos y les cuento el primer capítulo que ya tenía en la cabeza”. 

La serie es una producción de El Terrat, con la participación de Berto Romero, productor ejecutivo también de la consolidada Mira lo que has hecho. Y de la productora salió el título: “Me lo regaló Andreu Buenafuente —señala Bob Pop—, era una frase que decía su abuela, que a él le parecía terrible. Me lo propuso cuando leyó los primeros capítulos y me pareció un hallazgo porque tiene que ver justo con lo que cuenta la historia. Es la historia de un niño maricón que está perdido, de un adulto maricón que está perdido y en seis episodios, en esta primera temporada, va encontrando y buscando su identidad, con lo cual iba perfecto. Era apropiarse de un término despectivo y convertirlo en un término descriptivo”.

La serie es un drama con luz de comedia, son muchos los momentos duros, tantos que hacen plantearse cuánto hay de verdad en lo mostrado. Bob Pop lo aclara: “En Maricón perdido todo es autobiográfico, porque incluso mi ficción es autobiográfica, incluso lo que me he inventado forma parte de lo que hay dentro de mi cabeza, así que todo lo que hay, todo lo que vais a ver soy yo. Soy yo de verdad y a veces es mucho más verdad lo que has temido, con lo que has fantaseado, lo que has elaborado que lo que has vivido, que en ocasiones se queda muy corto”. 

“Nadie tiene derecho a juzgar como se siente una víctima de violación”

Roberto Enríquez, nombre real del colaborador televisivo, escritor y ahora guionista y creador de esta serie, pasa por situaciones muy duras como chaval homosexual con pluma y con algunos kilos de más. Pero hay un acontecimiento brutal: “En el episodio dos de Maricón perdido —explica—, cuento en imágenes la violación que sufrí en el Parque del Retiro. Ya la había contado de palabra en Late Motiv con Andreu Buenafuente y para mí hay algo muy importante, primero poder contarlo. Cuando yo sufro esa violación, en la que además alguien me pone una navaja en el cuello, durante unos minutos pienso que se acabó, que voy a morir, con lo cual el hecho de estar vivo para poder contarlo me parece fundamental. Pero lo que quería es transmitir la importancia de que no hay solo una forma de asumir la tragedia, que hay tantas formas de soportar la condición de víctima como queramos nosotros y que no hay ningún modelo estándar. Y que nadie tiene derecho a juzgar cómo se siente una víctima después de un hecho traumático como este. Esa era mi intención y era una parte fundamental de esta historia”. 

Y no se queda ahí el escritor, también desgrana su relación con la esclerosis múltiple que padece desde muy joven: “Hablar de mí ahora mismo sin hablar de mi enfermedad sería eliminar una parte muy importante, porque la enfermedad determina un montón de cosas de mi vida y determina mi forma de verla, incluso lo majo que soy creo que en cierto modo también lo determina la enfermedad porque no tengo tiempo para tonterías”.

“Borro la cara de mi padre porque no me apetece volver a verle ni en la ficción”

La serie utiliza un recurso que a veces puede verse en comedia, tapar la cara de un personaje, de manera que siempre estamos a punto de verle, pero nunca llegamos a hacerlo. En este caso resulta inquietante porque se trata del padre del niño Roberto. “La decisión de ocultarle la cara al padre, maravilloso Carlos Bardem en Maricón perdido, tiene varias razones. Una es un borrado del patriarcado en global y otra de mi propio patriarca. Lo borro porque no me apetece volverme a ver las caras con él ni siquiera en la ficción”. 

Bob Pop vuelca toda su pasión con los intérpretes de la producción: “El reparto de mi serie es un regalazo de la vida, de la industria, y de la fantasía audiovisual, empezando por Garlos González y Gabriel Sánchez, que son mis bobettes, el Bob adolescente y el Bob adulto joven, que están maravillosos. Candela Peña como mi madre, vais a ver que hace algo complicadísimo, una especie de desfile brutal por un hilo finísimo por el que nunca se descuelga y sale indemne para fascinación de los espectadores. Carlos Bardem es mi padre sin rostro, un actor que es capaz de no utilizar la gran herramienta de un intérprete, que es su rostro y transmitir exactamente lo que yo quería que transmitiera. Miguel Rellán aparece como un abuelo tiernísimo y perfecto. Creo que mi abuelo, al que adoraba, se merecía un actor como Rellán para darle vida. Alba Flores como mi mejor amiga, como la luz que me salva en un montón de momentos, está excepcional y me he quedado con muchísimas ganas de trabajar con ella más, bueno, igual que con Candela. También está fantástico Guillermo Toledo haciendo el papel de editor, absolutamente impecable y Ramón Pujol como la luz, el amor, la maravilla, otro actor con el que tengo que volver a trabajar sí o sí. Quiero volver a trabajar con todos, porque son todos maravillosos, porque me han ayudado a generar un mundo y porque ha sido todo tan fácil con ellos que da mucho placer”. 

No es habitual compartir traumas y alegrías propios en una serie. Bob Pop ha tenido ya un aperitivo de las reacciones de su audiencia en preestrenos y pases privados o de prensa: “Primero me quedé muy temeroso y cuando el público ha empezado a ver y a valorar lo que he hecho he empezado a recibir las reacciones cariñosas. Sobre todo, lo que he hecho ha sido contarlo del modo en el que yo lo quería contar. Yo he sido el dueño del discurso, del tono y de la voz, con lo cual estoy muy contento, porque más allá de lo que cuente creo que cómo lo cuento funciona muy bien y se entiende muy bien. Y si algo no quiero es que se me malinterprete. Nunca”.

“Por intelectualoide que seas cuando llegan momentos claves de tu vida te sale una canción”

Introducir canciones en la ficción es un lujo como los efectos especiales, el pago de sus derechos no es ninguna broma. En esta serie se pueden escuchar temas icónicos del pop. A ello se refiere el creador de la propuesta: “Las canciones eran fundamentales porque con los años me di cuenta de que por muy lector voraz que seas, muy intelectualoide, muy repipi, muy pedante como soy yo, cuando llegan momentos claves en tu vida y necesitas tirar de palabras que tengas almacenadas en la cabeza de memoria, no te sale un poema de Gil de Biedma, no te sale un párrafo de una novela de Belén Gopegui, lo que te sale es una canción de Culture Club o de Los Pecos. El pop es el gran eco sonoro que tenemos para recordar, el pop son nuestras papilas”.

Respecto a si la realidad ha cambiado desde su niñez para los y las jóvenes homosexuales, Bob Pop se muestra optimista: “Yo quiero creer que es menos duro hoy ser niño, niña, niñe LGTBI, pero si alguien necesita esta serie para sentir un momento de alivio, de reposo y sentirse acogida o acogido, bienvenido sea. ¡Ojalá!”.

Cayetana Guillén Cuervo está interpretando junto a Ayoub El Hilali la obra de teatro escrita por Emma Riverola Puertas abiertas. Su personaje vive en París y la noche del 13 de noviembre de 2015 escucha en los medios de comunicación que la ciudad está siendo atacada en una angustiosa cadena de atentados terroristas. Surge la iniciativa ciudadana de acoger a desconocidos que han quedado atrapados por el bloqueo de los transportes y ella abre la puerta a un huésped que resulta ser árabe. A partir de ahí surgen prejuicios, miedos, encuentros y descubrimientos.

Guillén Cuervo invita a los lectores a profundizar en esa noche. Recomienda el documental 13 de noviembre: terror en París, tres episodios que pueden verse en Netflix. La pieza es obra de los hermanos Gedeon y Jules Naudet, nacidos en Francia y nacionalizados en Estados Unidos, veteranos documentalistas que ya se habían acercado además de a otros temas a los atentados de las Torres Gemelas de 2001. En esta ocasión, el formato consiste en testimonios directos de las víctimas. “Me ha parecido un buen punto de vista —señala Cayetana Guillén Cuervo—. No es un tema fácil, la verdad”.

“Los testimonios están tomados con respeto, con sensibilidad”

Los testimonios siguen un orden cronológico. Comienzan con la sencilla enumeración de sus planes para ese viernes; ver a un amigo, tomar una copa en una terraza, ir a un concierto en la sala Bataclan, al fútbol, todo en los lugares en los que se produjo la masacre. “La gente ha ido respondiendo desde las emociones, que es un punto de vista interesante y tomado con respeto, con sensibilidad”, subraya Guillén Cuervo sobre este enfoque tan nítido en las víctimas de aquella noche.

Poco a poco o de forma brutal, los atentados se cruzan con sus vidas. También con la de algún miembro de los bomberos y de los equipos médicos, incluso con la de François Hollande o Anne Hidalgo, presidente de la República y alcaldesa de la ciudad, que participan en la producción, no en su calidad de gestores sino como parisinos afectados. 

Lo sucedido fue espeluznante, los terroristas ametrallaron a sus víctimas en varios bares y restaurantes y tomaron la sala Bataclan en pleno concierto de Eagles of Death Metal, matando solo allí a cien personas. Recoger las historias de los supervivientes podía caer en el sensacionalismo o en la superficialidad por evitarlo. Esta aproximación ha esquivado ambos peligros según la actriz: “Creo que está en un término medio, desde luego no me parece que nadie haya estado morboso ni tampoco que nadie haya sido frívolo, es bastante correcto según mi punto de vista”. 

“Los supervivientes han tenido la generosidad de ponerse ante la cámara”

Progresivamente los testimonios se van centrando en un grupo de personas que estuvo secuestrada por dos terroristas en un pasillo de la sala de conciertos mientras en el local proseguía la matanza. Fueron largos minutos que les unieron de forma excepcional. Sus declaraciones tienen gran valor para Guillén Cuervo: “Están transmitiendo emociones por las que transitan que son muy delicadas y creo que solamente haber tenido la generosidad de ponerse ante una cámara a contar esos momentos, que, desde luego, les tienen que despertar cosas terribles está muy bien y creo que lo hacen muy bien, se les congela a veces la voz, se quedan pensando en algo, les vienen recuerdos que son casi traumas, desde luego. Ante todo destaca su generosidad”.

El documental tiene momentos mágicos. Varios de los participantes se asombran al recordar como el tiempo se paró, y a la vez se aceleró y a la vez no transcurría. Había dejado de tener sentido. Y a pesar de tratarse de circunstancias extremas, la experiencia de la muerte puede resonar en los espectadores según Cayetana Guillén Cuervo: “Creo que la muerte la tenemos muy poco presente en nuestra vida por nuestra cultura y que cuando viene, cuando tocamos la pérdida y sufrimos la ausencia de un ser querido nos provoca un shock emocional que tenemos que ir gestionando con su duelo. Deberíamos estar más cerca, más sensibilizados. Desde luego, nunca vamos a estar sensibilizados a una muerte por violencia, por un acto violento que corta una vida en mitad de su trayectoria, de su camino. Es imposible, a eso no nos vamos a sensibilizar porque nunca nos podemos sensibilizar a nada que tenga que ver o esté relacionado con la violencia”. 

La actriz y presentadora desde hace más de veinte años del espacio sobre cine español y latinoamericano, Versión española, en La 2, además de valorar la generosidad de los participantes en esta miniserie, entiende por qué lo hacen: “Porque es una catarsis, una manera de limpiar el dolor. Julie, mi personaje, dice en mi función, en Puertas abiertas, que es bueno compartir el dolor, y lo dice sabiendo lo que es una herida. El dolor escondido se transforma en algo casi físico, una angustia que casi puedes tocar y que te puede bloquear para transitar por otros lugares de la vida. Creo que está bien compartir el dolor y está bien apoyarse en los demás para pedir ayuda”. 

“Oír a las víctimas te provoca estupor. Es ver en un espejo que te puede tocar a ti”

A la actriz le han llegado las reflexiones de los participantes en el documental: “Ver a las víctimas de un atentado contándolo te provoca, además de gratitud, sensación de realidad con un tema al que todos nos sentimos ajenos pero que en realidad a todos nos puede ocurrir. Te provoca estupor porque esa persona que es exactamente igual que tú y hace una especie de función de espejo ha vivido una secuencia de terror que te puede tocar a ti. Yo, ahora mismo, con el personaje de Julie, en Puertas abiertas, me acerco a eso todos los días en cada función”. 

El trabajo de los hermanos Naudet se limita a dar la información mínima imprescindible sobre los hechos. Pasa por alto a los terroristas. Los participantes hablan en decorados sencillos, nada distrae de su emoción: “La realización estética del documental me parece bien —tercia Guillén Cuervo—, no se le da mucha importancia a la cámara y no subraya cosas que podrían ser muy angustiosas o que podrían ser tremendas para el ser humano y que no hace falta. Lo cuenta con una distancia que creo que es elegante”. 

Hay ciertos paralelismos entre la obra que interpreta Cayetana Guillén Cuervo y el documental de Netflix, a parte del punto de partida de los atentados, según esgrime: “El miedo de los ojos de los protagonistas, las ganas de compartir el dolor, la necesidad de apoyarse en el otro para salir de tu propia herida, el duelo, el concepto de vivir con un trauma y tener que gestionarlo para poder vivir con lo que la vida cotidiana te va a ir aportando. Creo que el personaje de Julie y el de Faruk, que interpreta Ayoub El Hilali, tienen mucho en común con muchos de los personajes del documental”. 

La actriz elogia el texto que interpreta, que girará por distintas poblaciones tras su paso por Madrid y Barcelona: “Emma Riverola tiene una sensibilidad maravillosa. Se ha acercado con una inteligencia emocional a un tema muy delicado como es la violencia, como es la islamofobia, como son los prejuicios, los miedos, las heridas, los traumas y la necesidad de escuchar las razones del otro para poder entender su diferencia. Ha escrito una función realmente inteligente, maravillosa con la que estamos consiguiendo recorrer España y cambiar el punto de vista de mucha gente”. 

Cuando estalló la bomba que ETA había colocado bajo el coche de su madre, los cámaras y fotógrafos estaban cerca. Era el segundo atentado esa mañana en la zona. Eso convirtió a la entonces niña de doce años Irene Villa y a su madre, María Jesús González, malheridas en la calle, en la imagen del horror. Poco a poco, durante los treinta años transcurridos desde ese 17 de octubre de 1991, Irene Villa se ha transformado en comunicadora y en un icono de superación personal. Ese positivismo inquebrantable que le caracteriza le ha llevado también a elegir la serie que recomienda a los lectores, This is us. 

Se trata de un prestigioso drama del cual hay disponibles 78 episodios en Prime Video y que acaba de anunciar que su próxima temporada, la sexta, será la última. Hay quien prefiere que las series no se alarguen indefinidamente, no es el caso de Irene Villa, quien “como fan yo estiraría la serie, la haría perpetua, eterna”.

“He llegado a verla cuando hacía la comida y al ir al baño”

Y como fan ha visto la serie: “El primer capítulo es raro y no engancha tanto, pero una vez que entras en la trama de los tres hermanos no puedes soltarla. Recuerdo bajarme los capítulos en el teléfono y tener que verla incluso cuando hacía la comida, al ir al baño. En los viajes de esquí, que tuve bastantes la temporada pasada, iba las cuatro o cinco horas a Granada en la furgoneta con el móvil bien cargado de batería para ver los capítulos, sin poder parar, uno detrás de otro. Un atracón”. 

This is us iba a ser una película sobre unos octillizos, pero al transformarse en serie pasó a ser la historia de unos trillizos que cumplen 36 años, y de sus padres, a los cuales también se sigue en el pasado, cuando tenían su edad. A partir de ahí se profundiza en este grupo y sus mundos: “A mí lo que más me emociona son las personas, las familias, las relaciones —afirma Villa—, y esta serie justo engloba lo que ocurre con las relaciones interpersonales, las cosas buenas, las malas, las diferentes formas de comunicarse, cuando hay falta de comunicación, la rencillas que a veces se crean entre los hermanos, cómo las superan. Pero lo que más me emociona son las buenas intenciones de un padre y una madre completamente entregados a sus hijos. Como madre me identifico un montón con Rebeca”.

Nada más nombrar a un personaje salta a los demás: “La que me encanta por ejemplo es la hija, Kate. La verdad es que creo que me gustan todos los personajes de This is us. Son para comérselos, con sus luces y sus sombras. Me encanta que la serie ponga el foco también en las miserias de cada uno, porque por supuesto que todos las tenemos aunque mostremos el lado bonito y bueno. Sufrimos, lloramos, a veces metemos la pata. Por eso esta serie tiene esa magia de saber que no todo es perfecto, que vemos siempre la parte bonita, pero a lo mejor la parte fea es la que nos hace también ser como somos. Me he emocionado, he llorado, he reído y por eso la recomiendo”.

“Me encanta como está tratada la diversidad, no es un personaje suelto, son los protagonistas”

Una de las banderas de Dan Fogelman, creador de la serie, y también guionista en películas como Cars, Cars 2 o Crazy, stupid, love, es la diversidad. Su hermana lidia con su sobrepeso, asesora en la serie y ha servido de inspiración para el personaje de Kate. La serie cuenta con varios guionistas y directores y personajes afroamericanos: “Me encanta cómo está tratado este tema porque está de moda introducir a lo mejor a una persona en silla de ruedas…, pero, en este caso, son los protagonistas —señala al respecto Irene Villa—. Uno es una persona negra adoptada por un matrimonio blanco en los ochenta, una pareja que te la comes. Además de guapísimos y simpatiquísimos, son amorosos, adoptan este bebé, es una lección de amor, de valentía, de humanidad. Y me encanta que el director tenga una hermana obesa porque, efectivamente, creo que está tratada con mucho cariño la obesidad, y nos podemos identificar muchísimas mujeres con Kate aunque no la tengamos porque esa no aceptación en algún punto a todas nos ha pasado. Ese miedo, esa culpa, muy de madre también. Kate es un personaje adorable, puro amor y, sin embargo, lo que sufre. Me encantaría coger el teléfono y decirle: 'Kate, tía, pasa de esto'”. 

La serie combina diferentes momentos temporales. Para Irene Villa, esta estructura es perfecta para analizar los comportamientos: “Una vez que entiendes esos flashbacks y ese volver al presente, también hacia delante… me parece alucinante, porque es verdad que todo en esta vida te condiciona, algo que has vivido en tu niñez y en tu adolescencia puede condicionarte en el presente en tu adultez, esa frase que escuchaste, eso que viviste, ese médico que de repente te dice algo que se te queda clavado, de pronto cobra sentido, o cierras el círculo, o se coloca la pieza del puzle que faltaba”. 

“Es estupendo que tengan que ir al psicólogo. En EE.UU. está normalizado, aquí nos cuesta”

Y en ese sentido encuentra otro aporte: “Es estupendo también que tengan que ir al psicólogo. En Estados Unidos está muy normalizado, pero aquí todavía nos cuesta y sin embargo creo que es un empujón y una ayuda clave para que el resto de tu vida vaya sobre ruedas. A veces hay tropiezos y momentos duros en los que una ayuda terapeútica te cambia la vida”.

Dan Fogelman es un maestro en combinar problemas y alegrías. A Irene Villa le atrae lo que consigue transmitir: “Autoconfianza, motivación, me encantan estos valores que la serie refleja y expresa. Y como ese padre motiva a sus tres hijos, les llama 'the big three', osea, sois grandes los tres, cada uno con vuestros condicionamientos, peculiaridades, pero sois los tres fenómenos. Esta es la labor de los padres. Estoy en línea perfectamente con ese padre que quiere empoderar a sus tres hijos. Es que es preciosa la serie”. 

“Con esta serie me voy a la cama con una sonrisa de oreja a oreja”

A pesar de que This is us ha provocado ríos de lágrimas, consigue dejar buen sabor de boca a sus seguidores, entre ellos a Irene Villa: “Con esta serie me ha pasado una cosa muy curiosa y es que te vas a la cama con una sonrisa de oreja a oreja. Yo me he visto a mí misma viendo la serie como: 'Ay, qué bonito es el amor, y qué bonita es la familia'. Con sus miserias y con sus cosas buenas, me parece una serie que te da placer. De hecho, la estoy viendo por segunda vez, y si estoy agobiada, o estresada, el mundo se para y me crea emociones muy positivas”.

La forma de consumir las series a demanda en plataformas hace que se pierda a veces el juego de comentarlas juntos que aportaba la televisión generalista. Irene Villa ha conseguido tener su grupo de cómplices en esta ocasión: “Disfruto mucho de las tertulias acerca de This is us porque me la recomendó una mamá del cole, yo a su vez a mi madre y a la chica que me ayuda. La vemos cada una en su momento, porque es verdad que ahora esto está muy individualizado, pero me encanta la polémica que surge: 'Kevin tenía que haber hecho lo otro'. 'A Kevin se le perdona todo porque está buenísimo, vale, pero Randall, respira, Randall'... La serie tiene esos personajes tan profundos que les llegas a conocer y entiendes porqué actúan como actúan. Uno le justifica, otro le defiende, el otro le ataca. Se crean debates con opiniones de todo tipo”.  

Villa está recuperando poco a poco la presencialidad en los eventos y congresos en los que participa y acompaña a su hermana, que dirige la Fundación Irene Villa, mientras espera una revisión en un tornillo de una de sus piernas, lo que le ha hecho volver a sus muletas. “He decretado que 2021 es mi año” afirma. Añade que quiere contagiar en sus colaboraciones “humor, esperanza, alegría, empoderamiento para sacar el talento que cada uno tiene” y encuentra en This is us “mucha psicología, te da confianza en la vida, en esa oportunidad que nos brinda cada día, mente de principiante, hoja en blanco, y decir: 'No me importa lo que he sufrido, lo que ha pasado, cómo me han tratado, yo lo voy a hacer bien'”.

Estefanía Molina es una de las analistas políticas habituales en los medios informativos. Periodista y politóloga, en ambos grados fue la primera de su promoción en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. Acaba de publicar El berrinche político, los años que sacudieron la política española, que se centra en el periodo desde que los nuevos partidos entran en las instituciones en 2015. Para Molina, esta situación, derivada del 15M, guarda cierta relación con la serie que ha elegido recomendar, La casa de papel, que puede verse en Netflix y cuya temporada final se estrenará en dos tandas de cinco episodios, una a partir del 3 de septiembre y otra desde el 3 de diciembre de este año.

“Es una de esas series que tal vez sin esperarlo me enganchó enseguida —apunta Molina—. Me la recomendaba mucha gente y yo siempre estaba reticente. Pensaba: 'Será la típica de acción'. Pero en el momento que vi un capítulo puedo certificar que me pasé todas las Navidades pasadas viendo La casa de papel de cabo a rabo y si me dan ocho temporadas más, ocho más que veo. Me gustó muchísimo y sobre todo, lo que más me interesó fue su adecuación al tiempo político. No está muy desligado de lo de mi libro, se señalan varios elementos fundamentales para su trama, un atraco, un robo. Creo que al papel de la opinión pública se le da una dimensión que es fundamental y que la política tiene. Ellos logran ganarse a la opinión pública y son como los antisistemas de todo ese entramado. Son conscientes todo el tiempo de que ganarse el favor de los ciudadanos es lo que les va a permitir seguir avanzando en su trama y para mí ese elemento, esa lucha sistémica se explica muy bien. A lo mejor he conectado por eso, por lo que ha pasado estos años”. 

Se refiere al cambio político del último lustro, sobre el que alerta: “Las instituciones han tamizado sentimientos (del 15M) que eran nobles, porque era esperanza de regeneración, de más transparencia en el entramado político, de nuevos partidos que trajeran nuevas demandas o canalizaran nuevos anhelos. El bipartidismo se quemó en cuarenta años, y parece que en cinco o seis se ha quemado esta nueva realidad. Hay un riesgo de que la clase política no sepa detectar cómo ha cambiado el sistema y eso lleve a unos sentimientos de nihilismo, resignación, hastío y a fin de cuentas, antipolítica”. 

“Aquí la bondad y la maldad cambian rápidamente de lado”

Respecto a la propuesta del guionista y productor ejecutivo Alex Pina, el hecho de que los protagonistas sean ladrones no ha distanciado a Molina de sus preocupaciones: “Me gustan mucho todas las series donde no hay buenos ni malos. Aquí la bondad y la maldad cambian rápidamente de lado. Por un lado están los atracadores, o el robo que ellos quieren llevar a cabo y por otro lado está la policía. Y el propio espectador se va sintiendo a veces ambivalente: '¿estoy con los buenos o estoy con los malos? ¿Quiénes son los buenos y quiénes son los malos?' Creo que mover al espectador, no hacer que esté cómodo cuando ve la serie es una maravilla. Incluso en el propio registro de los personajes, porque son atracadores, pero son atracadores con vidas personales, con miserias personales, luces y sombras que tiene cualquier ciudadano de a pie. Esa humanidad de uno, que no es esencialmente buena o esencialmente mala, que son las circunstancias, la historia de vida, es lo que me ha atrapado a nivel humano”. 

Y entre estos personajes, tiene claros favoritos: “Hay dos que para mí son los centrales en la trama y que el espectador ya irá viendo, no vamos a hacer spoiler, qué relación existe entre ellos, que son para mí las dos inteligencias con mayúsculas de esta historia. Uno es el profesor, al final es la persona que idea el atraco y la persona que tiene todo calculado al milímetro. Es alguien metódico, una inteligencia al servicio de un fin, de lograr algo, una especie de resarcimiento personal, y eso se cuenta en la historia, y él pone a ese fin esa inteligencia. Es un personaje que encandila porque la historia está tan bien hilada que cuando el espectador pega un salto, 'esto no va a salir bien', de pronto el profesor hace una pirueta y consigue salir de ahí. Y el otro personaje que es también central es Berlín, uno de los atracadores. Tal vez sea el personaje más controvertido porque tengo muchas amigas que dicen: '¿Cómo puede gustar este personaje si a veces tiene un trato con las mujeres no muy conforme, no muy agradable?'. Creo que es la otra inteligencia de la historia, al final Berlín es la inteligencia convertida en nihilismo. Es la supervivencia y el hastío, incluso el cinismo. Pero a la vez los dos son muy inteligentes y esas son las dos vertientes que puede tomar una persona inteligente, un nihilismo o un existencialismo, algo que al final está también muy en la historia de la filosofía”.

“Parece una serie de Hollywood”

Aunque el paralelismo con el cambio político de los últimos años es el factor con el que más ha conectado, Estefanía Molina destaca también su factura: “Es la típica serie que uno no piensa que sea española. Creo que hay una innovación a nivel de registros de los personajes, de trama, de trabajo de lo que es todo el argumento de la historia, de escenarios, producción, todo el cambio audiovisual… está trabajado de una forma que yo hubiese dicho: 'Esta serie es de Hollywood'. Muchos de los actores eran conocidos, pero a lo mejor no tanto, y ahí se convierten en una auténtica revelación, un auténtico fenómeno de masas. Recuerdo haber visto entrevistas de los actores, porque me he vuelto muy fan de La casa de papel, en las que explican que salen a la calle en cualquier país de Latinoamérica donde se ha emitido también, ni que decir en España, y son rápidamente perseguidos por los fans, es que ha sido una auténtica revelación. Creo que tiene todo lo bueno de que conecta con sucesos que han pasado en España pero a la vez tiene todo lo fabuloso de lo bien trabajada que está que parece una serie de Hollywood”.

Molina ha disfrutado al reconocer localizaciones de la serie: “Yo, que he correteado por muchos ministerios intuyo que hay algún edificio que se parece a alguno, me digo: 'No puede ser que esto se haya rodado ahí'”. Acierta por ejemplo en lo que respecta al ministerio de Fomento, que fue cedido gratuitamente a la producción (ver aquí). La periodista abunda en su admiración: “Hay una potencia, fuegos de artificio, disparos, bombas, en pleno centro de Madrid. Es absolutamente fascinante. Nunca había visto una producción española así y creo que ese es el gran orgullo que tenemos que tener con La casa de papel, ese repertorio de efectos audiovisuales, incluso de parecer una película en sí misma. Yo creo que La casa de papel es una película hecha serie, todo es tan espectacular, todo lo que ocurre, que llega muchísimo. Es una gozada verla, incluso si quitáramos la voz, a nivel visual es espectacular”. 

“El plan del profesor es perfecto, pero choca con la realidad”

La serie plantea un elaboradísimo atraco con un gigantesco botín, un género clásico a lo grande. “Me encantan los thrillers, —señala al respecto la analista política—, soy de las que ha leído mucha novela policiaca, series de investigación, incluso de pequeña era muy aficionada a unos dibujos que iban de que el personaje descubría cómo había sucedido un asesinato. Por tanto en este caso, en el que es un atraco, se trata de ver cómo hay un plan perfecto pero siempre por una circunstancia sobrevenida, creo que eso es mucho La casa de papel, ese plan perfecto en la cabeza del creador, que es el profesor, choca con la realidad. Y la capacidad de sobreponerse a esas injerencias, esas interferencias de la realidad es parte de la magia, porque todos los escenarios están estudiados, si no ocurre esto ocurrirá esto otro y para una mente humana, incorporar la incertidumbre, los escenarios hipotéticos y darles una salida, me da la sensación de que es un trabajo exquisito”.