Aunque parezca mentira hubo una época en la que tener una talla 42 y estar soltera era un giro de guión inesperado. Esa época fueron los años noventa, la década en la que el personaje Bridget Jones se hizo fuerte primero en las librerías y, más adelante, en las salas de cine de todo el planeta.

Bridget Jones, encarnada en la pantalla con maña por Renée Zellweger, transmitía las inquietudes de un gran número de mujeres que rondaban la treintena: '¿me quedaré soltera?', y esa pregunta quería decir, en realidad: '¿me quedaré sola?'. Bridget coqueteaba con esa pregunta en una serie de peripecias sin ton ni son relacionadas con contar calorías, hacerle ojitos a hombres inconvenientes y salir de juerga con amigos gays hasta que llegara el amor verdadero. Que sin duda llega. Mientras tanto, nota mental, no hay que olvidar lo de los amigos gays.

Bridget Jones tuvo muchas críticas en su momento en medios de comunicación por su falta de ambición como símbolo femenino, en ese empeño general de que todo personaje femenino tiene que encarnar los valores del feminismo. Aún así, no hay que olvidar que mientras se gestaba su análisis en las facultades anglosajonas de Estudios Culturales, el personaje de Jones tenía algo transgresor, y, sobre todo, algo que mujeres de todo el planeta identificaban como propio. Se trataba de una parodia femenina, con su voz propia y sus preocupaciones. Reflejaba un nuevo modelo que se estaba forjando especialmente en las grandes metrópolis del primer mundo: las mujeres en la treintena existen y tienen deseos. Ahora resulta obsoleto, pero en aquella época simplemente no había mujeres solteras en el cine. Ni en la literatura. Ni en la televisión. Así que llegó Bridget y después llegaron los singles, los metrosexuales y los cosmopolitans de Carrie Bradshaw.

Además, Bridget Jones incorporaba cierto elemento de lucha de clases: la chica de clase media bebía los vientos por no uno, ¡sino dos! miembros del establishment. Mark Darcy y Daniel Cleaver olían a colegio privado inglés desde la butaca, y ambos se morían por el culo fuera de los cánones de Bridget Jones, secretaria.

La franquicia Bridget Jones

La segunda parte, Bridget Jones: la edad de la razón  ya anunciaba tragedias. Segundas partes no fueron siempre buenas, pero había un segundo libro y la posibilidad de hacer que el taquillazo de la primera -298  millones de dólares en recaudación- fuera similar. Nos puso sobreaviso de que la cosa podía ser menos fiel al espíritu transgresor inicial -recordemos, una talla 42- cuando Zellweger se negó a engordar para el papel y, básicamente, se dedicó a usar ropa más entallada. Aún así, un buen trabajo actoral y un guión decente lograron sacar adelante la premisa: Bridget duda de su amor perfecto con Darcy porque él no quiere casarse con ella -bienvenida sea la cuarta ola feminista-, se va a Tailandia con el chico malo para descubrir que es malo y vuelve con Darcy. 265 millones de dólares de recaudación en taquilla.

Y llegó la tercera. Tampoco venía precedida por la mejor señal: no se usó el tercer libro -bastante pesimista, Bridget en la cincuentena se queda viuda- sino una obra de teatro que nos entrega un inicio más amable. Bridget está soltera otra vez, ya no usa una talla 42 ni pretende usarla, se acuesta con dos hombres en una semana y se queda embarazada.

Como inicio resulta trepidante. Como único desarrollo a lo largo de todo el film, algo menos. El icono femenino de los noventa queda reducido a esa pregunta -¿de quién es el hijo que llevo en mi vientre-?, y, lo que es peor, su futuro también. Evidentemente, Bridget tendrá a ese niño, pero la estupefacción del espectador es total cuando además pretende decidir con quién pasará el resto de su vida en función del ADN del zigoto. ¿Libre albedrío? No para Miss Jones, que se casará con quien sea el padre de su criatura, independientemente de sus sentimientos. Bienvenida sea la quinta ola feminista.

Por otro lado, pese a intentar sostener el ritmo, el personaje pierde comba con los tiempos que corren: ha desaparecido la red de seguridad de la single -o al menos no tienen una frase decente en toda la película-, y la posibilidad de que sea madre soltera queda descartada en favor de algunos chistes sobre padres gays.

Reneé no puede ser Bridget 

Lo que sí queda patente es que el personaje puede envejecer pero no su actriz. El escrutinio y escarnio al que ha sido sometida la protagonista del film en los últimos tiempos demuestra que la industria del espectáculo puede enriquecerse a costa de una cuarentona con celulitis simpática y patosa, pero dios nos libre de que la actriz lo parezca. Por otro lado, Zellweger tampoco puede hacerse un lifting o aspirarse la celulitis, menuda hipócrita.

He aquí lo que demuestra, finalmente, Bridget Jones' baby, quizás sin quererlo: el mainstream se reirá contigo mientras seas una ficción. En la vida real lo tienes crudo, Bridget.

En el Boulevard de Clichy de París hubo entre finales del siglo XIX y mitad del XX un café temático que en sus programas anunciaba calderas bullendo, suplicios femeninos, atracciones diabólicas y pasarelas malditas. Lost River llega con una pintona cartelería donde se diría que se está citando ese mítico café llamado l’Enfer, un pórtico demoníaco que en cualquier caso resulta una clave muy adecuada para asomarse a la primera película escrita y dirigida por el protagonista de Drive o Blue Valentine, pues de todo aquello trae.

Emplazada en una fantasmagoría de Detroit, Lost River es la película de un desahucio, el que amenaza a la precaria familia de Bones (Iain De Caestecker), un muchacho que se enfrenta a la pérdida de su hogar mientras su progenitora (Christina Hendricks) intenta sacar las castañas del fuego arrancándose la piel sobre las tablas de un extraño cabaret de la sangre. En su entorno, una serie de personajes estrambóticos que siguiendo la tradición simbólica del cuento de hadas encontrarían su correspondencia en lobos, dragones y alimañas de relato infantil, evolucionan en una danza siniestra y se esfuerzan por nutrir una trama alucinada, enclenque en vigores dramáticos pero estimulante en sus propósitos tenebristas.

Ryan Gosling, que para hacerse entender apela al desamparo que le produjo el divorcio de sus padres cuando tenía 13 años, ofrece en este debut un cuento chico de hombres depredadores que, como espectáculo de grand guignol, se muestra algo inseguro. Carece de desnudos y es moroso en esa violencia callada que preña el metraje sin acabar de alzarlo, pero a cambio se logra vaporoso como el cabello de Shelley Winters bajo el agua en La noche del cazador, una perfume clásico en el que el autor, probablemente muy bien aconsejado por Guillermo del Toro, parece querer abundar con la incorporación al reparto de Barbara Steele. Con su mera presencia, la primera gran dama del cine de terror gótico sustrae la película de las manos sucias de hipsters oportunistas para rendir de manera automática a los facilones y siempre románticos amantes del cine de género, que se verán obligados a defenderla como ofrenda. Y en eso estamos.

La mejor y única manera de abordar Lost River es disculpándola como lo que es, una pieza ebria de referencias que van desde las fugas psíquicas de David Lynch a la suntuosidad macabra de Dario Argento pasando por la plástica enajenada, vacua y también referencial del mentor de Gosling, Nicolas Winding Refn, quien en su día le facilitó el tránsito definitivo de galán adusto con pasado Disney a intérprete drástico y pasmado con títulos nacidos para el culto como Sólo Dios perdona.

Fue precisamente Refn, asumiendo su parte de “culpa”, el primero que salió en defensa del actor en el pasado festival de Cannes, donde Lost River fue defenestrada sin miramientos por el organismo vegetal de la crítica, porque a la crítica la indispone el fruto verde y se resiste a reconocer que una película puede no ser “buena” pero sí apreciable en sus cualidades de opera prima, para lo cual habría que conceder que, en ocasiones, las operas primas no son más que un ejercicio de impudor y una herramienta para quitarse de encima la impedimenta, artefactos del ego.

En Lost River, Gosling parece que se embelesa pero lo que hace es sacudirse los influjos como un perro mojado y los dispone en una esmerada enumeración que nos dará el retrato preciso de la estrella de Hollywood, el de un niño perdido y a la vez un hombre abrumado, más que de cine, de imágenes y querencias.

El resultado es un sinfín de paisajes apócrifos del infierno arrobados en la música de Chromatics, melodías panorámicas y nanas sintéticas para vestir un cine cándido que se postula como extravagancia aunque se queda en desfogue de copista, fascinación de las niñas y promesa de quién sabe si algo más. Para un viernes que no sabe si llover o despejarse será suficiente.

De Chet Baker decían que sólo hizo tres cosas en la vida: tocar música, amar a las mujeres y chutarse. Fue el padre de Baker quien le puso una trompeta en la boca con apenas nueve años. Sin ese gesto, el músico solo habría hecho dos cosas en la vida y la humanidad se hubiera perdido la trompeta más melancólica del jazz. Desgraciadamente, no todos los genios encuentran su camino, cada año unos cuantos se van por el desagüe. Es muy difícil encontrar aquello en lo que somos únicos, en la mayoría de los casos es una búsqueda en vano. Sin embargo, a veces ocurren milagros como el de Damien Chazelle.

La primera ambición de Damien Chazelle fue ser director de cine, pero un día descubrió el jazz y se obsesionó con la batería. Pasó su adolescencia luchando para convertirse en un gran batería. Un profesor de música tremendamente ortodoxo, inclemente y casi despiadado le marcó de por vida y Chazelle aprendió de él, entre otras cosas, a depurar su propio instinto para el arte. Supo que nunca sería un gran batería y decidió volver a su primer amor, el cine. Unas cuantas vueltas después, este joven de Rhode Island que aún no tiene 30 años, filma una de las mejores películas sobre jazz de la historia, su título es Whiplash.

Después de quitarse la etiqueta de escritor por encargo, Chazelle comenzó a elaborar su propio libreto. Su película trataría de un chaval de secundaria que decide triunfar como batería de jazz en el mejor conservatorio de la Costa Este. Allí se encuentra con un profesor que lo lleva al límite de su capacidad e incluso de su salud mental. El guion de Whiplash era tan personal que estuvo guardado en un cajón hasta que Helen Estrabrook (Up in the air) ejerció de Medici y decidió producirla.

Es un filme de una intensidad demoledora, eléctrico y tremendamente inspirador. Damien Chazelle ha realizado un musical negro, donde nadie canta, donde Miles Teller (The Spectacular Now) se expresa golpeando la batería y J. K. Simmons (Juno) tirando las sillas a las cabezas de sus alumnos. El duelo interpretativo es tan brutal como la forma en la que se retan constantemente Andrew Neiman y Terence Fletcher, sus personajes. Sin embargo, Whiplash se creó en la sala de montaje, donde Chazelle y Tom Cross impulsaron su material hasta el más absoluto virtuosismo.

La violencia de la música

El objetivo de Fletcher es descubrir al próximo Charlie Parker. El saxofonista es una presencia constante en el film, una de las figuras más reconocidas de la cultura estadounidense que Clint Eastwood radiografió en Bird, un oscuro filme donde las drogas (Parker fue un gran consumidor de heroína) representan la única violencia, donde la música se reserva para el deleite y donde Forest Whitaker hace una interpretación escalofriante.

El vicio era la quinta esencia del jazz, muchos músicos se metían o eran alcohólicos y casi todos tenían por costumbre acostarse con muchas mujeres... El cine lo ha recogido una y otra vez. El alcoholismo era el pozo sin fondo en el que se ahogaba Dexter Gordon en Alrededor de la medianoche de Bertrand Tavernier y la heroína destrozaba a Frank Sinatra en El hombre del brazo de oro, un drama de Otto Preminger en el que un tahúr se convertía en batería e intentaba huir de su adicción.

En Whiplash no hay chutes ni vasos rotos, solo el desquiciado esfuerzo de un adolescente que sueña con ser el nuevo Buddy Rich. Toda la violencia de la cinta se concentra en el charco de sangre que se acumula en la batería de Neuman o en la saliva que sale disparada de la boca de Fletcher cuando éste grita a sus alumnos. El montaje delimita cada golpe, Whiplash es al jazz lo que Toro Salvaje al boxeo.

El sacrificio del artista

El montaje de Tom Cross consigue definir los tres ambientes en los que se mueve el protagonista: convencional o sosegado cuando Neiman está con su padre, manteniendo los primeros planos cuando sale con su chica y rápido, casi esquizofrénico, cuando Neiman toca la batería. El intercambio de planos cuando Fletcher reprime a su alumno y éste le contesta golpeando la batería es frenético. Hay secuencias con decenas de cortes que van alimentando un ritmo endiablado y en crescendo que rompe en un poderoso clímax final donde las gotas de sudor de Neiman traspasan la pantalla.

El brutal esfuerzo de Chazelle y Cross en la sala de montaje se asemeja al de Neiman. Se trata de conseguir una pieza maestra, una obra artística que sea venerada por los siglos de los siglos, pero… ¿merece la pena tanto sacrificio? En 1936, en mitad de una jam session celebrada en Kansas City, un extraordinario batería llamado Jo Jones dejó caer su platillo cuando Charlie Parker había perdido el tempo de la canción. Dicen que Bird salió llorando del escenario y que un año después hizo el mejor solo de la historia. Si quieres matar a un genio dile: “Buen trabajo”. Esperemos que nadie se lo haya dicho a Chazelle.

Antes de la maravillosa biografía de Andrew Hodges (Alan Turing: The Enigma, 1983), nadie sabía nada del papel que tuvo Alan Turing en la derrota de la máquina criptográfica alemana. La película de Morten Tyldum, The imitation game (en españa, Descifrando Enigma) está basada en ese libro y protagonizada por el inteligente y camaleónico Benedict Cumberbatch.

Y, sin embargo, hasta el propio Hodges ha expresado su indignación ante la poderosa inventiva de la adaptación. De alguna manera, la historia de un genio sin precedentes reclutado en secreto por el contraespionaje británico, que es perseguido por sus preferencias sexuales y se suicida con una manzana envenenada después de inventar la programación moderna era demasiado sosa para el espectador contemporáneo y han decidido salpimentarla un poco con romances, conflictos y espías rusos que nunca existieron.

Los que no conozcan al genio, aprenderán muy poco sobre él. Los que veneran su memoria sufrirán. Estas son algunas de las “inexactitudes” de The Imitation Game.

1. Turing

Turing era un hombre delicado, extremadamente tímido y aquejado de un leve tartamudeo que se le escapaba en momentos de tensión. Además, era homosexual. Pero Benedict Cumberbatch, un actor de talento e ingenio irreprochables, parece estar canalizando al narcisista Sherlock Holmes que interpreta para la BBC y también a la histriónica Blanche Dubois de Un tranvía llamado Deseo.

Lo dicen sus biógrafos. Y sus papers, que incluyen trabajos pioneros y legendarios sobre Inteligencia artificial, computación electrónica, lógica matemática y matemática pura –además de los dedicados a la criptografía, que no fueron desclasificados hasta 1996– revelan una inteligencia astronómica, una intuición portentosa y una seriedad incontestable. También indican la predisposición natural al trabajo en equipo que caracteriza el progreso científico, incluyendo su tesis para Princeton, escrita con el lógico norteamericano Alonzo Church. El arrogante petimetre que se entrevista en la película con el Commander Denniston, para irritación del comandante y del desprevenido espectador, no existió nunca. Ni el que escribe a Churchill para ponerse al cargo del equipo de crackers de Bletchley Park. Y, si lo hizo, no se llamaba Alan Turing.

Tampoco hay documentos ni declaraciones que sugieran pataletas de lloros y tembleques. Además de un genio científico, Turing era un gran atleta que corría maratones (récord personal: 2 horas 46 minutos). A los 14 años recorrió en bici los casi 100 km que separaba su casa del colegio durante una huelga de transportes, y dicen que durante la guerra corría la distancia entre Londres y Bletchley Park para las reuniones. En ese contexto, todos esos interminables intercalados de Cumberbatch corriendo angustiado por el bosque y pensando muy fuerte en su máquina parecen completamente inapropiados. Era miembro del club de atletismo. No corría porque fuera gay.

2. La máquina

Uno de los pequeños placeres de la película, por no decir el único, es ver en marcha la máquina. Curiosamente, la de la película es tan lista que no requiere la introducción de valores específicos para descifrar los mensajes de los submarinos alemanes. A Turing le basta con darle al play y protegerla con su propio cuerpo tembloroso de los ataques de su equipo, de su jefe y otros miembros de la armada y del servicio secreto británico que le odian y que sólo piensan en destruir su invento.

La máquina no era, por cierto, una “máquina de Turing”. La diferencia entre una máquina y un ordenador es la programabilidad y esta máquina no era programable. La máquina universal de Turing era un ordenador porque sería capaz de obedecer distintos comandos, ordenes o instrucciones, lo que hoy llamaríamos software. La Bomba –que tampoco se llama Christopher en honor de Christopher Morcom, el supuesto gran amor escolar de Turing– era una máquina electromecánica, perfectamente analógica, diseñada para cumplir una sola tarea: encontrar los patrones de la máquina Enigma (tampoco un ordenador) con los que los alemanes habían cifrado sus mensajes. La primera Bomba funcional se llamó Victoria y estaba basada en la Bomba original, que era polaca.

Como curiosidad, todas las Bombas británicas fueron producidas por la British Tabulating Machine Company bajo la dirección de un ingeniero llamado Harold Keene. Hubo más de 60, pero fueron destruidas después de la guerra. Hoy quedan algunas reproducciones, como Phoenix, la que hay en la Escuela de Código y Cifrado de Bletchley Park.

3. La chica

El patrón lo puso Una mente maravillosa, basada en la bellísima biografía del brillante Nobel de economía John Nash: un genio autista que irrita a sus compañeros y garabatea ventanas con algoritmos ininteligibles seduce a una chica. Los amantes pasean en bici por el campus y se casan, justo antes de que el destino cruel les imponga una enfermedad espantosa y ella se convierta en enfermera 24/7 al servicio de su genio.

En el caso de Nash, el destino era esquizofrenia; en el de Stephen Hawking (The Theory of Everything), esclerosis lateral amiotrófica. En el del Turing de Descifrando Enigma, el castigo es la homosexualidad, que estaba perseguida por la ley británica y que podría haber causado su probable suicidio. Esto no les impide inventarse un romance con las sempiternas visitas nocturnas trepando por la ventana y la promesa de un revolcón en el césped rodeados de funciones algebraicas.

Joan Clarke existió y estuvo prometida con Turing, pero siempre supo que su “novio” era gay. “Hicimos varias cosas juntos, fuimos al cine y tal - contó en una entrevista para un documental de la BBC en 1992- pero ciertamente fue una sorpresa cuando me dijo: '¿Podrías considerar el casarte conmigo?'”. En la película, Clarke se presenta a una prueba de crucigramas a la que no la dejan entrar -por ser mujer y llevar sombrero- hasta que intercede Turing, sin temor a una demanda por acoso sexual porque era gay y son los años 30. Cuando la contratan, decide no presentarse porque sus padres no consideran “apropiado” que trabaje en un lugar donde sólo hay hombres.

Error. No sólo estaba Clarke trabajando en el proyecto antes de que llegara Turing, avalada por sus dos títulos matemáticos. Lo cierto es que, de las casi 10.000 personas que había en The Bletchley Park, el 75% eran mujeres, incluyendo un buen número de especialistas como Clarke, responsables de equipos enteros de descifradoras que trabajaban codo con codo con los muchachos.

Es evidente que la historia de la computación no ha sido justa con estas mujeres, un recuerdo distante que empieza a refrescarse gracias a la popularidad de Ada Lovelace –hija de Lord Byron, pionera de la computación– y libros como When computers were human, una oda a las computadoras humanas que hacían el trabajo bruto para los científicos, en su gran mayoría mujeres. Pero esta película, que extrañamente ha sido alabada por rescatar la memoria de Clarke, la miniaturiza al tamaño de un traductor de bolsillo para su rainman particular, al que reconcilia con sus colegas usando sus “armas femeninas” y sigue con gran vuelo de su falda plisada comprendiendo en todo momento sus momentos de genialidad, pero sin participar en ellos.

Más química parece haber entre Turing y Hugh Alexander, protagonizado con endulcorado charme por el guapo Mathew Good. Lamentablemente para Turing, Alexander no era homosexual y además no llegó a Bletchley hasta bien acabado 1940, cuando le relevó en la dirección del Hut 8 y se convirtió en el jefe de analistas de la GCHQ, la NSA británica. Sí es verdad que era un gran ajedrecista y un gran seductor.

4. El momento Eureka

El otro gran lugar común de la épica científica: Arquímedes en la bañera, Descartes y la mosca, Newton y la manzana. El momento Eureka es ese chispazo epifánico en el que los genios reconfiguran el mundo y nada vuelve a ser igual. Ajustado a las costumbres populares del tiempo en el que se relatan, el de Turing ocurre, como no puede ser de otra forma, hablando con una señorita en un bar. La dama, amiga de Joan y pretendida por el guapo Alexander, le explica una recurrencia en los mensajes que ella misma está descifrando, lo que lleva a Turing a encontrar el patrón que se repite en los suyos: Heil Hitler.

Lo cierto es que esa epifanía tuvo lugar pero en Polonia, cuando el equipo de crackers del genial Marian Rejewski (incluyendo a los prodigios matemáticos Jerzy Rozycki y Henryk Zygalski) construyó la primera Bomba en 1938. La de Turing fue una excelente implementación del original polaco, que era funcional en teoría pero demasiado lenta en la práctica (los alemantes cambiaban la clave cada 24 horas y Enigma podía ser configurada de 150 millones de milliones de millones de formas).

Aún hay más. Turing era el jefe del Hut 8, dedicado a las comunicaciones navales, y la implementación británica estaba basada en sus teorías, pero el panel diagonal de Gordon Welchman fue decisivo a la hora de descifrar los mensajes a tiempo (lo cuenta en The Hut Six Story). Welchman era otro matemático de Cambridge que estaba a cargo del Hut 6, el equipo de descifrado de las comunicaciones aéreas y terrestres.

Aunque el momento Eureka y el genio autista son más cinematográficos, lo cierto es que el desarrollo científico y tecnológico es siempre el resultado de la colaboración de muchos cerebros distintos. Turing fue un intelecto único, pero su talento para trabajar en equipo no lo hace menos genio, sino más.

5. El equipo

En la película, el comandante Alastair Denniston, protagonizado por Tywin Lannister, parece tener como único objetivo echar a Turing de su guerra porque el petimetre le cae mal y porque no quiere que rompan el Enigma (Enigma no es difícil, es imposible -le dice el cabezón en la entrevista de trabajo-. Los americanos, los rusos, los franceses, los alemanes. Todo el mundo sabe que es infranqueable). Lo que resulta bien extraño porque Denniston, que también era criptólogo, fue el jefe de la operación durante 20 años y el responsable directo de contratar y equipar a todos y cada uno de los que trabajaron en él, incluyendo a Alan Turing, al que puso al frente desde el primer momento. Nadie ha dicho nunca que se llevaran mal. La familia de Denniston tampoco está especialmente contenta con el papelón que le han dado.

Lo mismo vale para el equipo de Turing que aparentemente le odia hasta que entra en escena Joan Clark y les reconcilia con su toque femenino. No hay un solo documento, memoria o entrevista que sugiera desavenencias en aquel grupo. Muy al contrario: todas las biografías aseguran que se llevaban perfectamente, y que Turing era un jefe de equipo capaz, amable y centrado.

6. El espía

John Cairncross existió, y era de hecho el quinto miembro del Círculo de Cambridge, el equipo de criptógrafos al servicio de los rusos que había camuflado en el servicio británico y que incluyó a Kim Philby y Guy Burgess. Por suerte para Turing -mala suerte para la película-, Cairncross estaba en el Hut 3, y no hay indicios de que los dos hombres se cruzaran jamás.

Boyhood

BoyhoodDirector: Richard Linklater

País: EE.UU

Intérpretes: Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Jordan Howard y Lorelei Linklater

Richard Linklater no es un hombre impaciente, es más, se ha propuesto desde hace tiempo hacer historia en el cine moderno a base de estoicismo. Su nueva película es la más triste de su filmografía por lo natural de la propuesta, las decepciones del crecer y el pinchazo de la burbuja de felicidad infantil. Sin recaer en la pornografía sentimental, Boyhood ha hecho durante estos 12 años un ejercicio de confianza suprema en sus actores y en las circunstancias que pudiesen afectar a sus personajes. Y es en ese devenir improvisado donde nace la semilla dramática de la cinta, que paradójicamente se acerca más a la situación de los padres -una suerte de Parenthood- que a la del niño.

La saga Antes del amanecer ejerció en el público un efecto de declive parecido. La única diferencia es que ahora hemos tenido que esperar más de una década para enfrentarnos a todas las emociones de golpe, y con su anterior obra de arte tuvimos que aguardar ese tiempo -hasta tres veces- para sentir algo diferente. En ambos casos es el costumbrismo, la sencillez y, a la vez, la profundidad de los guiones lo que convierte la pantalla en un espejo en el que empatizar es cuestión de dos fotogramas. Un hito que ya ha sido criticado -pero no mucho, hay que admitir- por las altísimas expectativas que siempre genera un proyecto de tal envergadura. Y es que lo bueno de atreverse a retratar lo cotidiano es que no hay errores de producción que valgan, solo sentimientos ficticios, pero reconocibles, y dignamente llevados al celuloide.

El hombre más buscado

El hombre más buscadoDirector: Anton Corbijn

País: Reino Unido

Intérpretes: Willem Dafoe, Rachel McAdams, Grigoriy Dobrygin, Philip Seymour Hoffman y Robin Wright

En V.O: A Most Wanted Man

Un Hamburgo gris y plomizo deja caer la lluvia sobre uno de los personajes más tristes de la cinematografía actual: Philip Seymour Hoffman. Es la forma que tiene el séptimo arte de despedir durante una larga temporada a quien quisiéramos que sus proyectos póstumos no acabaran nunca. Pero el cajón de las películas que dejó el mítico Capote hace unos meses se está vaciando poco a poco, a falta de la secuela de Los Juegos del Hambre y alguna más que los productores decidan rescatar del anonimato. Esto fue lo que ocurrió con Una cita para el verano, película rodada por Hoffman en 2010 y recuperada bajo el paraguas del morbo y el interés económico.

La película que ahora nos ocupa es una adaptación de John Le Carré, lo que siempre acredita un nivel al thriller que ya quedó patente en su novela negra. El espía que surgió del frío y El topo representan los dos extremos de una cuerda maleada hasta el infinito por la industria de Hollywood. Ahora, la trama de espionaje post 11-S marida a la perfección con la filmografía de Anton Corbijn, capaz de cargar a unos personajes evidentes de una intensidad y derrota con las que parecen cocinados para la gran pantalla. Además, como aderezo, la profusión de grandes actores de la Meca del cine como Dafoe y Wright, pero que lamentablemente no dejan de servir de coro al cabeza de cartel.

Les doy un año

Les doy un añoDirector: Dan Mazer

País: Canadá

Intérpretes: Rose Byrne, Anna Faris, Rafe Spall, Simon Baker y Minnie Driver

En V.O: I Give It a Year

El estreno de Dan Mazer como director, antes guionista de comedias como Ali G o Brüno, es un intento de renovar el romanticismo británico que vivió sus años de ensueño gracias a la figura de Hugh Grant en Notting Hill. Mientras sigue la búsqueda por encontrar un sustituto al británico, más ocupado ahora en pelearse con periodistas, Rafe Spall hace lo que puede. Pese a que la risa funciona, apoyada en el uso –si no el abuso- de clichés del género, el argumento se desvanece sin la calidez a la que acostumbran este tipo de cintas.

Para coser la historia, Mazer ha escogido a Rose Byrne, a quien sientan mejor los roles depresivos como su papel protagonista en la serie Damages, como compañera de escena -y de cama- de Spall. Ella es una publicista y él un escritor que no puede reprimir piropear a mujeres atractivas. Ambos deciden casarse sin apenas saber nada el uno sobre el otro y su relación matrimonial se debilita irremediablemente a medida que pasan los meses debido a sus incompatibilidades como amante. Más de risas leves que de sentimientos, pasará sin dejar huella.

Betibú

BetibúDirector: Miguel Cohan

País: Argentina

Intérpretes: Mercedes Morán, Alberto Ammann, Daniel Fanego y José Coronado

José Coronado viaja hasta Argentina para rencontrarse con el mundo del periodismo en un thriller que dirige Miguel Cohan adaptando el best-seller de la escritora Claudia Piñeiro, quien también ha cofirmado el guión con el director. El argumento está garantizado, pues el crimen que da pie a la historia se entrelaza con conflictos de poder y tráfico de influencias y termina siendo una crítica ligera hacia las corruptelas de la sociedad en general.

La narración parte con el fallecimiento de un importante empresario de Buenos Aires. La repercusión del homicidio aumenta gracias al interés de El Tribuno, uno de los periódicos de mayor tirada nacional. Betibú, apodo de una escritora de novelas policíacas ahora reconvertida en periodista tras una etapa en crisis, acepta el encargo del redactor jefe del periódico. Cohan dibuja una tensión dramática entre los tres personajes principales –el tercero es un joven y recién llegado periodista que se involucra en el caso, interpretado por Alberto Ammann- que acaba siendo lo más interesante de esta coproducción hispano-argentina.

El niño

El niñoDirector: Daniel Monzón

País: España

Intérpretes: Luis Tosar, Jesús Castro, Eduard Fernández, Sergi López y Bárbara Lennie

En plena era de revitalización cinematográfica, cualquier proyecto apadrinado por una importante cadena de televisión cuenta con el boleto ganador. Eso es la nueva cinta del director de Celda 211, una fórmula mágica que se repite siguiendo la estela del gran lote de Ocho apellidos vascos, Lo Imposible y Tadeo Jones. Porque en los tiempos que corren toda estrategia de márketing es buena, y nadie mejor que el Rey Midas de las productoras privadas para llevar a cabo la extenuante promoción.

Por otra parte, no siempre se cuenta entre los créditos con un nombre tan atractivo como el ex crítico de cine Monzón, que ha demostrado a base de bien que lo suyo son los tejemanejes con la adrenalina en la ficción. Además, la trama tiene la garra suficiente para conquistar a todos los simpatizantes de productos solventes como No habrá paz para los malvados o la reciente El Príncipe. “Es un proyecto mucho más ambicioso que los anteriores”, declara su director, pero eso no ses sinónimo de perfeccción pues, tal es el miramiento del presupuesto y la espectacularidad, que se deja las emociones que creó con su ganadora del Goya por el camino.

El tema del narcotráfico y la red de contrabando a través de El Estrecho era una mina de oro sin explotar que parece malgastada con solo dos horas de metraje. Monzón ha querido abarcarlo todo: la frontera ceutí, los entresijos de Gibraltar, la mafia, el drama policiaco y la pertinente historia de amor, y no llega a conseguir que el espectador empatice con ninguna de ellas. Es una lástima que con tales ingredientes se cocine una suerte de mediocre episodio piloto para una serie con mucho más jugo del que rebañar.

El secuestro de Michel Houellebecq

El secuestro de Michel HouellebecqDirector: Guillaume Nicloux

País: Francia

Intérpretes: Michel Houellebecq, Mathieu Nicourt y Maxime Lefrançois

En V.O: L'enlèvement de Michel Houellebecq

Houellebecq es conocido como el enfant terrible de la literatura, y eso le encanta. Pero ser acusado de misógino y decadente, y disfrutar en el intento de serlo, le alejan de la verdadera esencia de lo políticamente incorrecto, la de estar por encima de la opinión pública. “Yo he tenido éxito, así que es normal que muchos me tengan envidia”, se vanagloria el escritor, que disfruta soliviantando al ajeno y sacando su bípeda lengua de serpiente a pasear. Ahora, llega a la gran pantalla para convertir todo eso en una sucesión de cargantes fotogramas.

Lo cierto, es que la cinta es de lo mejor que se encuentra en cartelera para poner en funcionamiento la máquina del humor negro, la inteligencia y la mordaz ironía. Le pese a quien le pese. Por otra parte, cuenta a su favor con el formato de mockumentary, donde lo real es inverosímil y lo que parece ficción resulta ceñirse por completo a la verdad. En definitiva, es el caldo de cultivo del escritor y falso actor para no ser enjaulado por la industria del cine y, de nuevo, hacer lo que le venga en gana. Nunca nadie dijo que la provocación no fuese un arte.

Amigos de más

Amigos de másDirector: Michael Dowse

País: Canadá

Intérpretes: Daniel Radcliffe, Zoe Kazan, Adam Driver, Rafe Spall y Amanda Crew

En V.O: What If (The F Word)

El género romántico necesita una dosis de originalidad que lo rescate de la lista negra de los catálogos cinematográficos. Eso es un hecho, sobrevive porque se ve, pero en clandestinidad. Ya nadie admite que ha disfrutado con una ristra de topicazos y con un final más que predecible mientras sonaba la alarma de peligro de hiperglucemia. Hubo un tiempo en el que el mundo enarbolaba orgulloso Memorias de África, Pretty Woman o La fiera de mi niña sin escondites. Parecia que proyectos como la saga Antes... de Richard Linklater o la sorpresa de 500 días juntos eran brotes verdes en el terreno folletinesco. Y la película que nos ocupa podría ser un optimismo cinéfilo por el estilo, por lo manido pero a la vez lo inédito de la propuesta, que lo convierte en una deliciosa paradoja.

“¿Crees en la amistad entre hombres y mujeres?” ha sido un leit motiv mil veces tratado en la gran pantalla. Pero será por abordarlo desde el primer momento o por la química pueril entre los dos protagonistas, esta cinta resulta tan creíble como adorable y cómica. Amigos de más se teje con una estructura narrativa paralela a la de la muy respetable Ruby Sparks, con alguno de sus perturbadores momentos incluido. Por lo tanto, su frescura se alza como el último resquicio de verano en la cartelera y con el apoyo de quienes aún tengan ganas de aferrarse a la frivolidad del cine estival.

Lucy

LucyTítulo original: Lucy

Dirección: Luc Besson

Intérpretes: Scarlett Johansson, Morgan Freeman, Choi Min-sik, Amr Waked.

Género: Acción. Fantástico.

Duración: 90 minutos.

Tras una accidentada sobredosis de droga, Lucy desarrolla auténticos poderes mentales. Estamos acostumbrados a oír que solo usamos el diez por ciento de nuestro cerebro y el personaje de Johansson evolucionará hasta el cien por cien tan sobrenaturalmente que nadie será capaz de interponerse en el camino.

Poderes mágicos sin nigromantes ni brujas en una historia completa de acción, aunque con alguna pieza mal sujeta sobre la realidad científica y los mitos cocinados en Hollywood. Aún así, Lucy se presenta como la propuesta más seria de la cartelera de esta semana.

Infiltrados en la universidad

Infiltrados en la universidadTítulo original: 22 Jump Street

Dirección: Philip Lord, Chris Miller

Intérpretes: Jonah Hill, Channing Tatum, Ice Cube, Wyatt Russell

Género: Comedia. Acción.

Duración: 120 minutos.

Los agentes Jenko y Schmidt son dos miembros de la policía que trabajan como agentes secretos. En esta ocasión, ambos detectives trabajarán en un terreno todavía no conquistado: la universidad. Su misión será desarticular una red de tráfico de drogas que utiliza el campus como filtro de la organización.

Esta hilarante propuesta, secuela de Infiltrados en clase, es una comedia de acción que, según la crítica, “permanece fiel a la fórmula propuesta en su predecesora”, cuyo éxito ha permitido que Jonah Hill y Channing Tatum vuelvan a juntarse para protagonizar una segunda parte. Ante la perversión de caer en ser una copia idéntica de su aventura de instituto, Infiltrados en la universidad es principalmente valorada por sus juegos de palabras, chistes y gags visuales que, a pesar de ello, difícilmente le darán una nominación a Hill en los Óscar como el pasado año.

En un patio de París

En un patio de ParísTítulo original: Dans la cour (In the Courtyard)

Dirección: Pierre Salvadori

Intérpretes: Catherine Deneuve, Gustave de Kervern, Pio Marmaï, Féodor Atkine

Género: Drama.

Duración: 97 minutos.

Tras 40 años dedicados a la música, Antoine decide abandonar su carrera de artista. Para continuar sobreviviendo comienza a trabajar en una comunidad de vecinos como encargado de mantenimiento. Allí conocerá a Mathilde y establecerá con ella en lo que promete ser tan solo una relación de amistad.

Y quien dice promete, no lo mantiene, ya que no dejamos de caer en la tentativa que entre Mathilde y Antoine sean algo más que amigos. Pero eso solo son especulaciones ya que deberemos descubrir esta entrañable historia entre dos personas que recientemente han dado un vuelco en su vida para poder atar cabos.

Begin Again

Begin AgainDirector: John Carney

País: Estados Unidos

Intérpretes: Keira Knightley, Mark Ruffalo, Hailee Steinfeld y Adam Levine

En V.O: Begin Again (Can a Song Save Your Life?)

En un escenario donde los remakes y reboots están cada vez peor vistos, llega Carney haciendo una copia de sí mismo a la americana. El director de Once se mueve por los universos discográficos como pez en el agua, como ya demostró con la cinta que enamoró al mundo con sus melodías irlandesas. Ahora, sin variar apenas el formato -por no cambiar, no ha variado ni el diseño del cartel-, se muda desde Dubín a Nueva York para ofrecer una segunda historia de dos almas en pena encontradas gracias a su pasión melómana. Todo aderezado con una mordaz crítica hacia los grandes tiburones musicales y los artistas que sucumben ante el pastel.

Con una fotografía idílica y de lo más alternativa, el director ha cambiado a sus queridos intérpretes noveles por algunas de las caras con más solera del panorama internacional. Los tres actores nominados al Oscar Knightley, Ruffalo y Steinfeld hacen de la trama repetitiva un producto disfrutable y que emana química por cada fotograma. Además, la fragancia indie que impregna la película, con esos planos travelling en el metro de la gran manzana o los momentos más relajados en Central Park, la hace digna merecedora de ser todo un planazo veraniego.

Reecontrar el amor

Reecontrar el amorDirector: Lisa Azuelos

País: Francia

Intérpretes: Sophie Marceau, François Cluzet, Jonathan Cohen y Lisa Azuelos

En V.O: Une rencontre

Pierre, un hombre casado y con dos hijos, tiene un encontronazo con Elsa. Ambos no dudan en imaginarse cómo serían sus vidas si lo dejaran todo atrás y comenzaran una nueva juntos. Un deseo que parece imposible, ya que ni él quiere destruir su matrimonio ni ella quiere una relación con un hombre casado, hasta el momento en el que sus caminos vuelven a cruzarse y el romance es inevitable.

En un fin de semana tan pasteloso, la apuesta de Azuelos se presenta como la menos apetitosa. Una propuesta francesa categorizada como “burguesa” por la crítica, sin toques de comedia como John Carney nos trae Begin Again, ni Mark Ruffalo, Keira Knightley o Adam Levine. Tan solo el coprotagonista de Intocable o la chica de LOL. Sin duda, este drama romántico francés no parece tener tener la oportunidad de reencontrarse con el público en las salas, como al parecer no la tuvo con la crítica.

Viajo sola

Viajo solaDirector: Maria Sole Tognazzi

País: Italia

Intérpretes: Margherita Buy, Stefano Accorsi, Fabrizia Sacchi y Gianmarco Tognazzi

En V.O: Viaggio sola

Irene es una inspectora de hoteles de alto standing que vive entre el lujo y las excelencias de las mejores habitaciones del mundo. Pero al parecer, estos excesos no resultan ser suficientes para la protagonista. Cuando Andrea, su exnovio, decide dejar de fomar parte de la vida de la inspectora abandonándola en la rutina laboral, Irene reencaminará su solitaria vida hacia la búsqueda de su felicidad personal y no la que su trabajo le otorga.

Este drama romántico con ciertos toques a Up in the air de bajos vuelos a la italiana, nos endulza a una historia carente de narrativa donde más que un debate entre la soledad y la felicidad personal, se muestra como una guía turística de diversos paisajes del mundo. El axioma de la mujer solitaria que no quiere quedarse sola se desvanece al dejar la fuerza de la película en la mano de la producción y la dirección de fotografía.

Sex tape: algo pasa en la nube

Sex tape: algo pasa en la nubeDirector: Jake Kasdan

País: Estados Unidos

Intérpretes: Cameron Diaz, Jason Segel, Rob Lowe, Jack Black, Rob Corddry y Ellie Kemper

En V.O: Sex Tape

Atendiendo al título, se podrían establecer analogías con una de las mejores comedias que ha protagonizado Cameron Díaz, Algo pasa con Mary, pero hasta ahí las similitudes. Nada tiene que ver la hilarante cinta de los hermanos Farrelly con el reincidente fracaso del director de Bad Teacher. Kasdan apostó hace dos años por dos pesos pesados del panorama humorístico de Norteamérica, la ambición rubia de la gracia ligera y una de las cabezas de cartel de la serie del momento, Cómo conocí a vuestra madre. Pero el caché de sus intérpretes no salvó ese guión malogrado con un desenlace digno de encabezar los fiascos más lacerantes del género.

Y la historia se repite, ahora cambiando el anodino instituto americano por la intimidad de una cama y un vídeo porno casero. Pero, “¿cómo puede ser tan aburrida una película que ofrece a Jason Segel improvisando sexo y a Cameron Diaz despelotándose cada dos por tres?”. Esa reflexión del New York Daily News se repite en cada reseña que aparece en las rotativas dilapidando cualquier oportunidad de redención. Cuando no sirve como una alternativa liviana al cine de autor oriental o a los blockbuster veraniegos, ni la trama más picante funciona de salvavidas.

Barbacoa de amigos

Barbacoa de amigosDirector: Eric Lavaine

País: Francia

Intérpretes: Lambert Wilson, Franck Dubosc, Florence Foresti y Guillaume De Tonquedec

En V.O: Barbecue

Este verano está siendo especialmente dulce para el cine francés, pues el país galo es de los pocos que puede presumir de presentar una cartelera divergente y disfrutable. Con el precedente -y el indisimulado referente- de La cena de los idiotas, esta nueva película de amigos y bromas de sobremesa partía como un arma de doble filo. Por una parte, destaca la valentía de recuperar uno de los géneros de variedades más queridos por el público, y por la otra la osadía de enfrentarse a los amantes de un clásico ignífugo que despierta fanatismos.

Las conversaciones sobre el sentido de la vida y el paso de los años en formato minimalista nos recuerdan a esas deliciosas escenas en la azotea de Jep Gambardella con vistas al Coliseo romano. En esta ocasión, aderezado con vino francés y una estética suave y mediterránea, los chistes profundos recogen el testigo de los soliloquios filosóficos y la comida actúa como un protagonista más sentado a la mesa. Con una narración fluida y un uso hábil de la música y los personajes, Barbecue se presenta como la apuesta más apetitosa de la semana.

Vampire academy

Vampire academyDirector: Mark S. Waters

País: EE.UU

Intérpretes: Zoey Deutch, Lucy Fry, Sarah Hyland, Danila Kozlovsky y Joely Richardson

En V.O: Vampire Academy: Blood Sisters

La Rolling Stone ha sido inclemente: “Esta película no necesita una crítica, necesita una estaca en el corazón”. Hace ya tiempo que la etiqueta de best-seller ha perdido cualquier atisbo de calidad que se le pueda suponer, y no digamos ya sus adaptaciones a la gran pantalla. La saga creada por Richelle Mead apareció en el momento adecuado, cuando todo producto de chupópteros era poco. Esta fiebre vampírica alumbró decenas de publicaciones, series y películas capaces de atragantar al más adepto del Conde Drácula.

Vampire Academy es un retal de elementos mal atados y nada astutamente robados de otras franquicias previas como Harry Potter o Crepúsculo. El estilo no sabe si nadar entre la epopeya épica, las cuadrillas de jóvenes exaltados a lo The Hole, o la comedia ridícula al más puro estilo Híncame el diente. Ante tal texto base, poco se podía esperar; aunque siempre quedaba la fe ciega hacia el director de Freaky Friday y Chicas malas. Pero ni el más ardiente clavo servirá para contentar a un público harto de colmillos y hastiado por la herencia de Stephenie Meyer.

El amanecer del planeta de los simios

El amanecer del planeta de los simiosDirector: Matt Reeves

País: Estados Unidos

Intérpretes: Andy Serkis, Jason Clarke, Gary Oldman, Keri Russell, Toby Kebell, Kodi Smit-McPhee

En V.O: Dawn of the Planet of the Apes

En plena guerra por la superviviencia, simios y humanos lucharán por imponerse como raza dominante de la Tierra. César, uno de los primates modificados genéticamente, supondrá el único nexo entre ambas especies para establecer la paz y evitar la eliminación de todo humano del planeta.

Mucho tiene que envidiarle esta nueva versión a la original de Schaffner (1968). Incluso a la de Tim Burton (2001), una de las más recientes. Esta saga de precuelas que nacía en 2011 bajo la mano Ruper Wyatt no cuenta con el esperado James Franco, quien meses antes de la puesta en marcha se mostraba pesimista y reacio ante el cambio de la producción y la dirección de esta nueva película: “Iba a aparecer con un pequeño papel en la próxima película (...). Ahora que Rupert tampoco forma parte de ella, no sé. Supongo que no estaré en ella. Nadie ha hablado conmigo desde que Rupert se fue”. Aun así, seguiría dejando mucho que desear, ya que nos encontramos ante otra superproducción americana para animar la taquilla este verano, y en especial las arcas de la 20th Century Fox. Lo nuevo de El planeta de los simios sigue sin ser lo que Charlton Heaston nos tenía acostumbrados, con esa escena final al grito de “¡yo os maldigo!” sobre la orilla de una playa.

El lobo detrás de la puerta

Director:Fernando Coimbra

País: Brasil

Intérpretes: Milhem Cortaz, Leandra Leal y Fabiula Nascimento

En V.O: O lobo atrás da porta

Bernardo, un hombre casado y con una hija tiene un fogoso encontronazo con Rosa. Ella se enamorará locamente de él, hasta el punto de perder la cabeza y hacer lo posible de manetener la viva la relación que los dos amantes tienen.

La cinta de Coimbra es quizá de lo mejor que se presentó en la sección de Horizontes Latinos del pasado Zinemaldia. Esta loba con piel de cordero cuenta su historia con numerosos saltos temporales, tantos que nos harán perder la cabeza en un universo flashback... ¿o flashforward? No es menos importante la increíble interpretación de Leandra Leal, esculpida por su trabajo en televisión, quien presenta un personaje creíble que hila en cada testimonio la historia que el brasileño nos presenta. Una trama de seducción y desamor que desenlazará indudablemente en forma de locura y venganza pasional.

Aviones: Equipo al rescate

Aviones: Equipo al rescateDirector: Roberts Gannaway

País: EE.UU

En V.O: Planes: Fire & Rescue

Podría parecer que la técnica conocida como found footage esté cayendo en lo manido gracias a festivales como Sitges. De REC a The Descent, el género de terror y concretamente el horneado en nuestro país se está haciendo eco de este sensacionalismo morboso que tan bien funciona en taquilla. Pero en este caso, partiendo de una trama simplona, Montero logra dominar la cinta en su conjunto para sortear las facilidades del género y no vender motos desde el primer momento.

La historia es primitiva, porque así lo ha querido su realizador, no por falta de aristas ni por escaso presupuesto. De hecho, toda la cinta responde a unos sentimientos muy rudimentarios sin un sólo ápice de sobreactuación o de maltrato retorcido. Además de la angustia claustrofóbica que se le presupone, el cineasta usa eficazmente momentos de humor en su tramo intermedio para dar ese respiro tan necesario al espectador. Como guinda del pastel, un maravilloso epílogo que juega con esperanzas y condiciones extremas al más puro estilo Rodrigo Cortés en Buried.

Dos vidas

Dos vidasDirector: Georg Maas y Judith Kaufmann

País: Alemania

Intérpretes: Raven Adamson, Katie Coseni, Madeleine Bisson, Claire Mazerolle y Rachael Nyhuus

En V.O: Zwei Leben

Esta no es una película más sobre las secuelas de la Segunda Guerra Mundial, ni el reflejo cristalino de las villanías de la RDA. Tanto el periodo en el que se basa, como la historia personal que toma de resorte tienen un atractivo que salta a la vista en unas pocas líneas de sinopsis. Los idilios que algunas ciudadanas noruegas tuvieron con soldados nazis durante la ocupación y cuyos bebés fueron enviados a orfanatos alemanes. Es original, tiene gancho y el poco que le puede faltar lo aporta una trama concordante de espionaje. Sin embargo, su director se ha rendido ante la responsabilidad convirtiéndola en un tapiz deshilachado.

La cinta tiene elementos de thriller, de novela negra, de juegos de tribunales, de romances complicados y de incoherencia moral; no le falta de nada. Hasta que, en un intento desesperado por no convertirla en un planfleto documental, las cuatro manos cineastas se pusieron a tejer la urdimbre secundaria y copar la historia de personajes y flashbacks que rozan lo irrisorio. Incluso la fuerza inicial de su cabeza de cartel termina desinflándose hasta el punto de exasperar, pero no en plan bien. De un plumazo, a los pocos minutos de metraje, desaparece toda esperanza de misterio, política y fuerza argumental que dibujaba el resumen.

Borgman

BorgmanDirector: Alex van Warmerdam

País: Holanda

Intérpretes: Jan Bijvoet, Hadewych Minis, Jeroen Perceval y Tom Dewispelaere

En V.O: Camiel Borgman

Si la anterior es incoherente por ineptitud, esta lo es por su excesiva predisposición. Camille Borgman surge de la maquiavélica mente de su holandés creador como una mezcla entre Dans la maison, de François Ozon, y Funny Games, de Michael Haneke. Este ente fantástico y maligno llega para perturbar a las familias acomodadas junto a una extraña cuadrilla de mendigos subterráneos que, pese a su originalidad, cae en los lugares comunes de cintas europeas del estilo.

A su favor, que la película cuenta con unos mecanismos narrativos que favorecen la sorpresa y la agradable repugnancia. Todo para actuar como metáfora onírica de una sociedad alienada e hipócrita que merece un castigo divino disfrazado de comedia negra. Este experimento irregular y estrambótico ya convenció el año pasado en Sitges, donde se alzó como mejor película.

La cueva

La cuevaDirector: Alfredo Montero

País: España

Intérpretes: Marcos Ortiz, Marta Castellote, Eva García-Vacas, Jorge Páez y Xoel Fernández

Podría parecer que la técnica conocida como found footage esté cayendo en lo manido gracias a festivales como Sitges. De REC a The Descent, el género de terror y concretamente el horneado en nuestro país se está haciendo eco de este sensacionalismo morboso que tan bien funciona en taquilla. Pero en este caso, partiendo de una trama simplona, Montero logra dominar la cinta en su conjunto para sortear las facilidades del género y no vender motos desde el primer momento.

La historia es primitiva, porque así lo ha querido su realizador, no por falta de aristas ni por escaso presupuesto. De hecho, toda la cinta responde a unos sentimientos muy rudimentarios sin un sólo ápice de sobreactuación o de maltrato retorcido. Además de la angustia claustrofóbica que se le presupone, el cineasta usa eficazmente momentos de humor en su tramo intermedio para dar ese respiro tan necesario al espectador. Como guinda del pastel, un maravilloso epílogo que juega con esperanzas y condiciones extremas al más puro estilo Rodrigo Cortés en Buried.

Foxfire: confesiones de una banda de chicas

Foxfire: confesiones de una banda de chicasDirector: Laurent Cantet

País: Francia

Intérpretes: Raven Adamson, Katie Coseni, Madeleine Bisson, Claire Mazerolle y Rachael Nyhuus

La libertad personal y el feminismo tomaron forma en su día en uno de los textos de referencia en la lucha contra las mentes retrógradas. Foxfire, la novela de Joyce Carol Oates, mostró el lastre ideológico de la América de los años 50 a través de un grupo de chicas que fundan una hermandad sin leyes. Con el plantel adecuado, esas líneas son oro para cualquier cineasta que se atreva a tratarlas con mimo. Ocurrió en 1996 con Annette Haywood-Carter -y con Angelina Jolie como imán taquillero- y ahora, el director galo de La clase, recoge el testigo.

Resulta destacable que el francés no escatime en violencia y crudeza, porque le aleja de su antecesora estadounidense y se centra en un guión que no merece florituras. No se trata de un remake más, de lo que se encargan también sus poderosas intérpretes. Conviene recordar también que esta película tiene casi tres años de vida, en los que ha recibido alrededor del globo críticas y aplausos de todo tipo. De estos últimos no le han faltado a su cabeza de cartel, Katie Coseni, que se llevó el premio a mejor actriz en el festival de San Sebastián de 2012. Su rudo y sarcástico álter ego bien merece toda nuestra atención, aunque sea con dos veranos de retraso.

Mi otro yo

Mi otro yoDirector: Isabel Coixet

País: Reino Unido

Intérpretes: Sophie Turner, Claire Forlani y Jonathan Rhys Meyers

En V.O: Another Me

Se sabe que para enfrentarse una cinta de Coixet conviene ir con los deberes hechos. Un repaso a su filmografía es suficiente para reconocernos en el grupo de los que la consideran cargante hasta el absurdo, o los que comulgan con su estilo onírico. Sin embargo, la cinta que nos ocupa no se puede comparar con la misma vara de medir que sus anteriores filmes pues, según las reseñas, es un dechado de lugares comunes. Y eso no es propio de la directora natural de Sant Adrià del Besós, como bien se ha dedicado a indicar ferozmente la crítica.

Vista Enemy, vistas todas, se podría decir. Pero en esta ocasión, el terror psicológico necesitó varios aderezos para recuperar esa sensación de miedo en la gran pantalla que vaga sin sentido últimamente. Superficies reflectantes, columpios que chirrían y Geraldine Chaplin son los recursos del miedo por antonomasia. Por otra parte, la anodina Sophie Turner demuestra que es algo más que la noble sumisa de la familia Stark, pero tampoco es que su primer papel fuera de Juego de Tronos haya sido un regalo.

El sueño de Ellis

El sueño de EllisDirector: James Gray

País: EE.UU

Intérpretes: Marion Cotillard, Joaquin Phoenix, Jeremy Renner y Angela Sarafyan

En V.O: The Immigrant

Joaquin Phoenix y James Gray pertenecen, como tándem, a la liga de los elegidos del cine estadounidense. Ya son cuatro las cintas que han regalado a sus seguidores y todas ellas son de una madurez superlativa. Gray consigue la combinación perfecta para todo, incluída para la economía de recursos cinematográficos: su filmografía es bella y clásica por fuera, y profunda y experimental por dentro.

Marion Cotillard representa a una polaca que viaja a la isla de Ellis -centro de reclusión para los inmigrantes europeos que llegaban a EE.UU- para fraguarse un futuro mejor. Lo que allí ocurrirá poco o nada tiene que ver con un relato histórico, más bien con una suerte de sueño hipnótico cercano al imaginario de Tim Burton. El baile de técnicas cromáticas y la narrativa cuentista del director de Two Lovers, hacen de esta cinta un producto disfrutable que, para tranquilidad de algunos, está levantando pocas pegas en el terreno cinéfilo.

Trascendence

TrascendenceDirector: Wally Pfister

País: EE.UU

Intérpretes: Johnny Depp, Rebecca Hall, Paul Bettany, Kate Mara y Morgan Freeman

El reto para todo aquel que se entrometa en los delirios de la ciencia ficción es siempre el mismo: no dejar volar la imaginación hasta el punto de hacer un guión ridículo, científicamente hablando. Se puede hacer, pero entonces el resultado será de una banalidad irrisoria. Este es el caso de la película que nos ocupa, pues la lectura del guión de mentes arrolladoras y peligrosas es tan superficial que parece una versión oscura de El laboratorio de Dexter. Y ese es el peligro de un género sumamente atractivo para el público y extremadamente peligroso para sus artífices.

Que se lo digan al director prodigio de la fotografía de Christopher Nolan, Wally Pfister, con su ópera prima detrás de las cámaras. El director bebe de las fantasías de Phillip K. Dick, de productos televisivos como Black Mirror y de grandes clásicos del género como Inteligencia Artificial. Por eso es muy fácil reconocer la caída melodramática en los lugares comunes de este thriller de materias grises. A su favor, por supuesto, un Johnny Depp que vende un producto tirando a mediocre como si fuese la última maravilla del Sci-fi.

Yo, Frankenstein

Yo, FrankensteinDirector: Stuart Beattie

País: EE.UU

Intérpretes: Aaron Eckhart, Bill Nighy, Yvonne Strahovski y Jai Courtney

Para comenzar a hablar de esta película, no puede pasar desapercibida la crítica de la revista Variety: “Why so serious? De larga conversación, acción incoherente y carente de humor, esta película de acción sobrenatural apática seguramente tiene a Mary Shelley revolviéndose en su tumba”. Y razón no les faltaba a los redactores. Lo peor es que la cinta tiene todo lo que se le puede pedir al thriller de acción, y aún así los resultados no pueden distar más de su objetivo.

Tiene una duración comedida de 91 minutos, un guión profundo que le rescata de ser el adalid de la frivolidad, un humor inexistente para no alejarse del cometido de aterrorizar y un tufillo a Underworld que no puede significar nada malo. ¿Qué le falta entonces? Difícil cuestión, pero lo que le sobra es la ambición de querer asemejarse a James Whale y Mel Brooks y no quedarse ni en el intento. Para romper una lanza a su favor, diremos que este Frankenstein distópico tiene unas composiciones de cómic decentes y un entrelazado arquitectónico ordenado. Las interpretaciones ya son otro cantar.

Amanece en Edimburgo

Amanece en EdimburgoDirector: Dexter Fletcher

País: Reino Unido

Intérpretes: Peter Mullan, Antonia Thomas, Jason Flemyng y Freya Mavor

En V.O: Sunshine on Leith

En Reino Unido esta película horrorizará o encantará, pero en el resto del mundo simplemente será una dosis de buen rollo que pasará de largo. Sunshine on Leith, basada en el musical escocés de gran éxito, es como una suerte de Sonrisas y Lágrimas que ha afinado hasta lo artificial cualquier atisbo de crítica política. Tal es así, que solo los ingleses autóctonos reconocerán las sutilezas de la heredera de Mamma Mia.

La música es buena, pero no muy variopinta. Centrada en el grupo escocés The Proclaimers, formado por los gemelos Charlie y Craig Reid, está formada con piezas míticas como 500 miles, Letter from America y I'm on my way. Este monopolio sonoro nos recuerda irremediablemente al de ABBA en uno de los musicales más premiados de la historia. Puede que esto siente precedente, no en vano el libreto teatral de Amanece en Edimburgo ya recibió su buen montón de galardones y su adaptación cinematográfica también va por el buen camino.

Sólo los amantes sobreviven

Sólo los amantes sobrevivenDirector: Jim Jarmusch

País: Reino Unido

Intérpretes: Tilda Swinton, Tom Hiddleston, Mia Wasikowska y John Hurt

En V.O: Only Lovers Left Alive

Cualquiera que insinúe que Jarmusch se sirve del filón vampírico para impulsar su cinta, está totalmente en lo cierto. Sin embargo, lo hace de forma inteligente para evitar el empacho temático que estamos viviendo -o sufriendo- desde la muy evitable saga Crepuscular. El director de Dead Man es un fiel amante de su profesión y, aunque no se deja medir por los cánones clásicos ni por normas sociales, sabe qué hacer para no estragar su filmografía. Eso, y que es un genio ególatra que impregna su cine de fetichismos y aún así genera veneraciones.

Literatura, rock&roll, la ciencia y un amor muy romántico son los principales pilares de un trabajo que se decanta por unas reminiscencias del cine de autor, como The Addiction de Abel Ferrara. Para su director, los vampiros son como unos hipsters atemporales, demasiado 'coolturetas' y reflexivos para la época frívola que les ha tocado vivir. Para muestra, que en sus maletas sólo haya libros y que usen pseudónimos de dos personajes clásicos de la literatura. Él, oscuro, taciturno, rockero de la vieja escuela y pesimista; ella, luminosa, bohemia y positiva.

Las dos caras de enero

Las dos caras de eneroDirector: Hossein Amini

País: Reino Unido

Intérpretes: Viggo Mortensen, Kirsten Dunst, Oscar Isaac y David Warshofsky

Con los años han existido algunas adaptaciones de la obra de Patricia Highsmith muy finas, como la de Alfred Hitchcock de Extraños en un tren, la de Wim Wenders El amigo americano y El talento de Mr. Ripley de Anthony Minghella. Sin embargo, el debut como director de Hossein Amini, guionista de Drive y Alas de paloma, ha creado un pequeño surco en sus antecesoras. Lo que no se le puede negar al cineasta iraní es que sabe manejar a los actores como marionetas e interrelacionarlos mediante un guión más fluido que el de la novela base.

Logra, también, la hazaña improbable de preocupar al público por estos tres estadounidenses que están dispuestos al engaño y hasta al asesinato por su camino hacia una vida mejor. Ellos son los villanos, pero también son las víctimas. Sufren mucho por sus propias fechorías pero, incluso en sus peores momentos, no pierden su aplomo y estilo -obra y gracia de Steven Noble-. Hay tensión sexual y elitista entre ellos. Y en el fondo, aunque este triángulo de personalidades fuertes emana odio por sus tres costados, estarán unidos por su propia supervivencia.

Violette

VioletteDirector: Martin Provost

País: Francia

Intérpretes: Emmanuelle Devos, Sandrine Kiberlain, Catherine Hiegel y Olivier Gourmet

El quinto film del cineasta, artífice de Où va la nuit, es sin lugar a dudas el más redondo de su corta carrera cinematográfica. Ese gusto por los personajes femeninos condenados crea un especial interés sociológico hacia toda su filmografía, aunque la difícil existencia Violette Leduc ha rendido a todos a sus pies. “La fealdad en la mujer es un pecado mortal”, comienza la protagonista, por eso la literatura para ella es un mecanismo para no ser ninguneada, a diferencia de los otros intelectuales impostados de la época.

Como biopic resulta muy particular, pues tan solo narra el período de vida de la escritora comprendido entre el final de la Segunda Guerra Mundial y el final de la década de los sesenta, cuando roza las mieles del éxito con su obra La bastarda. El director juega con ese cine de época tan francés, como también lo hiciera con Séraphine, película con la que Violette guarda bastantes relaciones, pues también es el retrato íntimo de una artista, en este caso pintora, enfrentada a los problemas -machistas y elitistas- de los años cincuenta.

X-Men: días del futuro pasado

X-Men: días del futuro pasadoDirector: Bryan Singer

País: EE.UU

Intérpretes: James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Nicholas Hoult, Ian McKellen, Patrick Stewart y Hugh Jackman

En V.O: X-Men: Days of Future Past

Bryan Singer sabe lo que se hace con la franquicia más rentable de la factoría Marvel. Para empezar ha elegido uno de los cómics más idolatrados sobre la Patrulla X, La saga de Fénix Oscura, y ha creado un universo hercúleo donde mientras honra al pasado, asienta las bases del presente y acaba lanzando la saga hacia el futuro. Esta película es mucho más que la secuela del reboot que inició Matthew Vaughn (X-Men: primera generación), pues fusiona la trilogía primigenia y los dos spin-off de Lobezno para crear a la madre de todas las películas de mutantes X.

Además, intrínseco a la historia, el director ha sabido explotar al máximo -además del buen puñado de caras conocidas- la crítica velada de estos superhéroes. La política norteamericana más inclemente con los mutantes, que bien es un reflejo de la discriminación racial y sexual que manchan la reputación del país de las oportunidades. Un aire reivindicativo que recuerda a su compañera de Sony Pictures, El caballero oscuro. En definitiva, de la larga colección de cintas de X-Men, esta es la que mejor ha combinado el espíritu del cómic añejo con la pirotecnia ornamental.

The invisible woman

The invisible womanDirector: Ralph Fiennes

País: Reino Unido

Intérpretes: Ralph Fiennes, Felicity Jones, Michelle Fairley y Kristin Scott Thomas

Ralph Fiennes es el director y protagonista de este hermoso cuento sobre la vida privada de Charles Dickens, donde una joven, pero despierta Felicity Jones, le hace volar. Ella interpreta a Nelly Ternan, una actriz con talento que convenció a los ojos y el corazón del escritor. La lucha filosófica y moral con la que juega la cinta da vueltas idea a una concepción feminista sobre las amantes. La historia se desarrolla de una manera fría pero atractiva, con un libreto perspicaz de la guionista de La dama de hierro, Abi Morgan, diseñado a partir de la novela de Claire Tomalin.

Expresando mucho, aunque diciendo poco, Jones vuelve a demostrar -después de Like crazy- que es una presencia fascinante en la gran pantalla. Es un nuevo talento cuyo rostro desvela los pensamientos más complejos y las formas más sutiles de trabajo. Por su parte, Fiennes mantiene una dirección moderada, concentrada en pequeños grandes momentos en lugar de otorgar a su película un efecto poderoso global. Conviene recordar que esta cinta sucede a Coriolanus, que aún hoy mantiene a la crítica en stand by, sin decidirse por el Fiennes tras las cámaras o por joyas actorales como La lista de Schindler, El paciente inglés o El jardinero fiel.

El hijo del otro

El hijo del otroDirector: Lorraine Levy

País: Francia

Intérpretes: Emmanuelle Devos, Pascal Elbé, Jules Sitruk, Mehdi Dehbi y Areen Omari

En V.O: Le fils de l'autre

El joven israelí Joseph se hace unas pruebas médicas para entrar en el ejército descubre que al nacer fue cambiado accidentalmente por Yacine, hijo de una familia palestina que vive en los territorios ocupados de Cisjordania. Con uno de los conflictos políticos más relevantes de la actualidad como telón de fondo, se desarrolla esta película que fluye paralela a la también reciente De tal padre, tal hijo. Encontramos un caso idéntico de intercambio de bebés, solo que a la cinta japonesa le bastó su pulcritud narrativa para afrontar el melodrama y la francesa se excede con algunas escenas comprometidas.

Ya han acusado a Levy de plagiar a Kore-eda y, para colmo de males, hacerlo mal. Sin embargo, es cierto que no recurre tanto al tono conflictivo, en lo que también peca por su falta de reflexión sobre las fuerzas de la cultura, el ambiente familiar y la herencia genética.

Maléfica

MaléficaDirector: Robert Stromberg

País: EE.UU

Intérpretes: Angelina Jolie, Elle Fanning, Juno Temple, Sharlto Copley y Kenneth Cranham

En V.O: Maleficent

En su versión inglesa Maléfica se conoce como Maleficent, una mezcla de malevolent y magnificent y la encarnación de una de las mejores malas de cuento que nos ha dado la factoría Disney. Así, cuando se nos presenta este reboot como la faceta afable y desconocida del hada de bosque alienada, mala cosa. Hasta que aparece Jolie en escena con esos pómulos esculpidos a golpe de cincel y una sonrisa atractiva y espeluznante al cincuenta por ciento. Nos transporta a aquella época en la que el patio de butacas palpitaba con papeles feroces como la enigmática madre de Alejandro Magno o con su desnudo digitalizado en Beowulf.

Esta cinta, encabezada por un debutante en la dirección pero asiduo en el escenario del Teatro Kodak de Los Ángeles, es el tercer intento de la factoría de los sueños por revisitar los clásicos y darles un cariz más adulto. Llega después de una malograza Oz: un mundo de fantasía y la mejor acogida Alice in Wonderland, con las que converge en la humanización de sus villanos y en la espectacularidad visual. No en vano, Stromberg cuenta con dos Oscar por ser parte del imaginario de Pandora en Avatar y del País de las Maravillas.

En cuanto a las pretensiones morales, Disney ha querido continuar con su línea feminista que tan bien le funcionó en la taquilla con Enredados y Frozen. Pero en esta ocasión no huele más que a impostura.

Al filo del mañana

Director: Doug Liman

País: EE.UU

Intérpretes: Tom Cruise, Emily Blunt, Bill Paxton, Brendan Gleeson y Charlotte Riley

En un futuro invadido por alienígenas, el comandante William Cage pierde la vida en una misión militar. Cage entra entonces en una espiral espacio temporal, cuyos episodios tendrán un desenlace mortal inevitable. Su continuo entrenamiento le fortalecerá para poder librar con ventaja la guerra contra el dominio de la raza extraterrestre. Una suerte de Starship Troopers al que se le aplica el hilo narrativo de Atrapado en el tiempo.

Esta adaptación de All you need is kill de Hiroshi Sakurazaka podría también recordarnos a Código Fuente, que hace unos años Duncan Jones trasladó a la pantalla, en la que Jake Gyllenhaal entraba en un constante bucle entre la muerte y la resurrección para el adiestramiento de su personaje, el capitán Colter Stevens. A pesar de ello, la crítica baña en elogios este largometraje inyectado en ciencia ficción, del director de Jumper, y destaca que puede ser lo mejor que ha producido desde la trilogía Bourne. El punto débil, que sobre todo desmerece al excelente cariz bélico, es la trama romántica forzada entre los dos cabezas de cartel, un peaje innecesario que rebaja la dosis de adrenalina.

Hermosa juventud

Director: Jaime Rosales

País: España

Intérpretes: Ingrid García Jonsson, Juanma Calderón, Inma Nieto, Fernando Barona y Torbe

Natalia y Carlos son dos jóvenes inconscientemente enamorados. Tras la ambigua noticia de su embarazo, y al encontrarse en una situación sumida en la crisis y la falta de oportunidades, toman una decisión que pondrá entre las cuerdas sus límites morales. Los veinteañeros deciden realizar una película porno con el fin de darle a su pequeña una vida holgada económicamente.

Esta historia del director de La soledad ya ha recibido los primeros juicios tras su paso por Cannes. En primer lugar, aplauden la decisión de dejar que impere la historia -lo suficientemente intensa como para merecerlo- sobre la estética. Los dos jóvenes que reflejan la realidad de todo un país han conmocionado a los intelectuales de la Croissette, en una edición donde los dramas económicos han tenido más cabida que nunca. Como ha resumido la crítica, lo nuevo de Rosales es “un retrato vacío con más fuerza, peso, personalidad, interés, cercanía y verdad que sus anteriores obras”.

Post Tenebras Lux

Director: Carlos Reygadas

País: México

Intérpretes: Adolfo Jiménez Castro, Nathalia Acevedo, Willebaldo Torres, Rut Reygadas

Si hacemos una retrospectiva de la filmografía de Reygadas, no encontraremos dos críticas iguales ni dos reacciones parecidas ante su cine. Ya sea sirviendo el derramamiento de sangre en bandeja y el sexo profundamente poco erótico en melodramas transgresoras como Japón y Batalla en el cielo, o la contemplación de los enigmas de la fe y el amor en el drama adúltero Luz silenciosa, sus películas están siempre preparadas para estimular el debate. Pero las mayores provocaciones vienen siempre de la mano de sus libertades estéticas y narrativas.

Lo que se observa especialmente en Post Tenebras Lux -del latín, Después de las tinieblas la luz- se asemeja en ocasiones a un documental y en la mayor parte a un sueño. La película gira en torno a una familia acomodada que se traslada al campo mexicano, pero es difícil saber si algunas escenas se están llevando a cabo en el pasado, el futuro o, directamente, en la imaginación del cineasta. Aunque Reygadas cuenta con una palma de Cannes a mejor director, este año su cinta ha sido recibida entre crueles abucheos y pitidos.

Grace de Mónaco

Grace de MónacoDirector: Olivier Dahan

País: Francia

Intérpretes: Nicole Kidman, Tim Roth, Milo Ventimiglia, Derek Jacobi, Parker Posey y Paz Vega

En V.O: Grace of Monaco

“Es como un anuncio de Chanel de 104 minutos”, escribieron desde The Guardian. Y es que no puedes vender un drama revelador de la cara oscura de los cuentos de hadas, y después recrear un festival de lo frívolo. Tras la premiere a bombo y platillo, el verdadero drama es el que están viviendo Dahan y su equipo en Cannes, donde la crítica ha afilado a conciencia sus garras para no dejar un detalle incólume. Lo único que ha salido airoso de sus plumas es el bello paraje de Mónaco, sin adulterar por las manos del director de La vie en rose.

El cineasta ha intentado un -fracasado- paralelismo entre el viaje hacia la decadencia frenética de Edith Piaf y el desamor por las obligaciones regias de Grace Kelly. Es un sufrimiento continuo el de su filmografía, retratado desde cerca, desde demasiado cerca. Los primeros planos de las lágrimas, resbalando por el bótox de una Nicole Kidman acosada por la cámara, ahogan al espectador con tanta intensidad. Pretende ser un melodrama y roza lo descarnadamente cómico por la caricaturización de sus personajes secundarios: todo un aquelarre de pantomima.

Viva la libertad

Viva la libertadDirector: Roberto Andò

Intérpretes: Toni Servillo, Valerio Mastandrea, Valeria Bruni Tedeschi y Michela Cescon

País: Italia

En V.O: Viva la libertà

Dedicar el presupuesto de una cinta a Toni Servillo es una apuesta segura y ahorrativa. No hace falta invertir en secundarios de postín ni en una ambientación verosímil cuando la columna vertebral de la cinta es el dandy hipnótico del momento. Y si además disocias su identidad y lo ofreces en formato de doble locura, prepárate para un win-win. El argumento ya es otro tema. Partía con un listón muy alto, queriendo ser el De Nicolás a Sarcozy de la política italiana, y se queda en un bufido muy lejano a la crítica sagaz.

Lo que se agradece es el espíritu distendido de la película, que nada tiene que ver con sus carencias inquisitivas. Para ello siempre se necesita un papel como el frustrado y algo lunático líder de la oposición, Enrico Oliveri. Una suerte de Jep Gambardella pero con menos gusto para los colores radiactivos y el desenfreno romano. No le encontraremos filosofando sobre el éxito inocuo, la nostalgia o el curso migratorio de los flamencos, pero reconoceremos toda la socarronería de Servillo. Un actor que, con el permiso de Giovanna Vignola (o Dadina, para entendernos), no necesita aderezos de reparto.

Donald Rumsfeld, certezas desconocidas

Donald Rumsfeld, certezas desconocidasDirector: Errol Morris

País: EE.UU

En V.O: The Unknown Known

Que los principales documentalistas de la historia estadounidense en la gran pantalla se repitan a lo largo de las décadas, es condición sine qua non. Precisamente lo que le ha ocurrido a Morris en esta entrevista monográfica al Secretario de Defensa de EE UU, que recuerda a los esquemas que siguió en Rumores de Guerra con el también secretario, Robert S. McNamara. Además, temáticamente, The Unknown Known fluye paralela a Standard Operating Procedure y a su análisis de las torturas en la guerra de Irak. Una marca de la casa que se ha estacionado en un conservadurismo algo vago.

No obstante, estamos ante uno de los nombres que encabezan el panteón de los documentales, y ese título no es en vano. La objetividad y la consciente autonomía que impregnan sus entrevistas se repiten aquí y para bien, pues cede la importancia a quien debe y no impone los ideales del que filma tras el objetivo. En la otra cara de la moneda, dejando a su libre albedrío a un político algo galimatías como es Rumsfeld, se corre el peligro de convertir la cinta en un panfleto de retórica embrollada. Pero, pese a no ser un dechado de exclusivas, lo que se retrata es interesante y merece su par de visionados.

Godzilla

GodzillaDirector: Gareth Edwards

País: EE.UU

Intérpretes: Aaron Johnson, Ken Watanabe, Elizabeth Olsen y Juliette Binoche

Ante la noticia del regreso del gran monstruo mutante a la gran pantalla, solo hay una reacción posible: altas expectativas. La lástima es que el británico director que se ha puesto a los mandos de uno de los blockbuster más esperados ya sentó precedentes con su anterior film, Monster. En 2010 acusaron a su cinta novel de ser un exasperante ejercicio carente de todo propósito más allá de la ambientación visual. Y al parecer, ha tropezado con la misma piedra pero a gran escala.

Pese a contar con un reparto heterogéneo, la subtrama de los personajes no despierta la empatía que se espera de los héroes que luchan contra la “maldad”. Por otro lado, le da un toque insólito a este género pues no se regodea en las escenas de la masacre, más bien en sus consecuencias, en la desolación posterior. En ese sentido, se vincula más al Spielberg de Jurassic Park, que privilegia el suspense, que al Guillermo del Toro de Pacific Rim, pese a que la estética invite a comparaciones. Y aunque el género monster implica espectacularidad y caos genial, quizá se echa de menos que entre tanto artificio se recuerden los orígenes argumentales del kaiju japonés.

Nueva vida en Nueva York

Nueva vida en Nueva YorkDirector: Cédric Klapisch

Intérpretes: Romain Duris, Audrey Tautou, Cécile De France y Kelly Reilly

País: Francia

En V.O: Casse-tête chinois

Aunque no sea muy conocida, esta es la tercera entrega de la saga vital de Xavier Rousseau. Podríamos decir que es la hermana gemela fallida de la trilogía de Richard Linklater. Klapisch repasa la vida del protagonista desde su aprovechadísimo Erasmus en Barcelona -Una casa de locos- y la búsqueda de su gran amor en Londres -Muñecas rusas-, hasta su divorcio y posterior mudanza a Nueva York en la que nos ocupa.

Ahora, además de todo el fantástico elenco francés, aprovecha el hándicap de trasladar el set de rodaje a la capital del mundo, a la gran manzana. Que resulta un estímulo para los directores -y para la taquilla- filmar sus grandes avenidas y rascacielos iluminados, no es un secreto, si no que se lo digan a Jorge Torregrossa. Aunque en realidad, el sentido último de la cinta sea es una velada moraleja sobre la inmigración y los inconvenientes de encontrar un hueco en la ciudad de las oportunidades. En fin, globalización.

10.000 km

10.000 kmDirector: Carlos Marqués-Marcet

Intérpretes: Natalia Tena y David Verdaguer

País: España

La magia de este estreno es lo extrapolable de su trama, el reflejo de una generación que se ve obligada a emigrar y alejarse de sus seres queridos. Ese es el caso de Alex y Sergio cuando ella recibe una beca para irse a Los Angeles, exactamente a 10.000 km de Barcelona donde la espera él. Una película-retrato de nuestros tiempos que, pese a tener todos los ingredientes para hacer aflorar los sentimientos del público, peca de austera y fría.

Y puede resultar una contradicción, pues la de Marqués- Marcet es la técnica de rodaje perfecta para establecer una conexión desde el celuloide con la intimidad de la pareja. Puede que la razón sea el sabor hollywoodiense de su producción, ya que está llevada a cabo por un un colectivo de españoles afincados en la ciudad californiana. O quizá sea el contraste entre la pasión y exaltación de Verdaguer y la quietud de la intérprete de Juego de Tronos.

Una noche en el viejo México

Una noche en el viejo MéxicoDirector: Emilio Aragón

País: EE.UU

Intérpretes: Robert Duvall, Jeremy Irvine, Angie Cepeda y Luis Tosar

En V.O: A night in old México

Hay dos nombres que sobresalen inevitablemente en este filme y, para desgracia del empresario y director español, ninguno es el de Emilio Aragón. Los ojos del cineasta, como los del público, se hicieron chiribitas cuando le ofrecieron un guión firmado por Bill Wittliff y protagonizado por una leyenda absoluta del cine. Las bases las sentaría el artífice de obras del género como Leyendas de pasión o Vaqueros en Nueva York, y la cara la pondría el incombustible Robert Duvall, que se mete en la piel de un abuelo cowboy al que han despojado de su rancho.

El reparto lo completan Luis Tosar, como el villano que todo spaguetti western debe tener, y Angie Cepeda, con el estereotipado personaje de una cantante frustrada que renuncia por el dinero del burdel. Esta road movie acabó en las manos de Aragón tras conquistar a los productores hollywoodienses con su ópera prima, Pájaros de papel. Pero ahora la crítica ha sido unánime: si te aventuras con el viejo Oeste, más te vale ofrecer algo vanguardista y evitar caer a cualquier coste en lugares comunes. El veredicto final es que no es un completo fiasco pero tampoco se han deshecho del olor a tex-mex carroza.

En un lugar sin ley

En un lugar sin leyDirector: David Lowery

Intérpretes: Rooney Mara, Casey Affleck, Ben Foster, Nate Parker y Keith Carradine

País: EE.UU

En V.O: Ain't Them Bodies Saints

Los detractores de Mallick pueden respirar tranquilos, no estamos ante Malas Tierras, o no casi. El principiante director de St. Nick se deja llevar por la estética pastel, los planos contrapicados y las voces suaves en off del creador de To the wonder, de la que, por cierto, también podría ser una versión inclemente y mejorada. Quizá su mayor virtud es que el argumento es puro romanticismo, una tragedia shakesperiana perfectamente llevada por Lowery y el tándem de excelentes protagonistas.

Mara y Affleck se inspiran en antecedentes indies que nos recuerdan a las parejas de Alabama Monroe y hasta de Un horizonte muy lejano. Apenas sin palabras, los dos se imponen sobre esta tendencia fotográfica de rodar en un clima continuo de puesta de sol sobresaturada, en el que priman los paisajes hipster antes que el guión y las interpretaciones. En definitiva, las alfombras de Cannes y Sundance hablan por sí solas y animan a disfrutar de un producto gafapastoso pero competente.

Amor en su punto

Amor en su puntoDirectores: Teresa de Pelegrí y Dominic Harari

Intérpretes: Richard Coyle, Leonor Watling, Ginés García Millán y Simon Delaney

País: Irlanda

En V.O: The Food Guide to Love

La comida está de moda. Ser buen cocinero, de delicias pequeñas en plato grande, es como el running, o te subes al carro u olvídate de estar a la vanguardia metropolitana. El fenómeno se ha trasladado desde los recetarios de las cocinas de pueblo hasta la televisión, para pasar ahora a conquistar la pantalla grande. Las historias de amor idílicas, aderezadas con ingredientes sabrosos, entran mejor por los ojos -y estómago- del público. Y esa es una baza que el cine no puede dejar pasar.

Esta producción irlandesa, con el toque castizo a lo Spanglish, nos cuenta la historia de un escritor gastronómico, algo promiscuo, que encuentra a su media y española naranja. Este argumento se sitúa enteramente entre los fogones, pues hasta el más mínimo detalle del guión tiene su respectivo símbolo en cada plato cocinado. La balanza se equilibra: una delicia culinaria por cada topicazo romanticón.

Los ojos amarillos de los cocodrilos

Los ojos amarillos de los cocodrilosDirector: Cécile Telerman

Intérpretes: Emmanuelle Béart, Julie Depardieu, Alice Isaaz y Jacques Weber

País: Francia

En V.O: Les yeux jaunes des crocodiles

Iris y Joséphine son dos hermanas totalmente distintas. La primera es una historiadora divorciada con demasiado talento, mientras que su némesis es la típica mujer decorativa y esposa florero con una vida de ensueño. Los cocodrilos es la segunda novela de la famosa 'trilogía animal' de Katherine Pancol, y la película es la tercera obra maestra de Telerman, directora experta en cine de mujeres para mujeres. Tras todos estos datos imparciales, sólo resta dar un consejo totalmente subjetivo: no la dejen escapar.

Carmina y Amén

Carmina y AménDirector: Paco León

País: España

Intérpretes: Carmina Barrios, María León, Paco Casaus y Yolanda Ramos,

Paco León ha demostrado con creces ser la antítesis del personaje que ha hecho las delicias de los seriéfilos, el Luisma. El carisma y la indocilidad fueron marca de la casa en su debut como cineasta con Carmina o revienta, con la que además descubrimos que le vienen de familia. Si hace unos años hicimos lo propio con su hermana María en la conmovedora La voz dormida, en 2013 enmudecimos ante la torrencial madre del artista. Ahora, al talento inquietante, castizo y desmedidamente natural de su sello se le une el beneplácito de grandes productoras como Telecinco Cinema, Mediaset y Canal +.

Carmina y amén ha hecho historia en el cine español con su preestreno masificado y libre un día antes del lanzamiento de la cartelera. Podría parecer que León ha hecho lo que le ha venido en gana y se ha puesto las reglas no escritas de la distribución por montera. Pero la realidad es que ha contado con el apoyo de los exhibidores y productores para dar una previa gratuita en 125 salas y no perder el espíritu independiente que promovió con la anterior. Recordemos que la primera de las “Carminas” se estrenó simultáneamente en las salas de cine, en DVD, en canales de pago de televisión y en plataformas digitales. También conviene acordarse del pasado festival de Málaga, donde este vodevil de velatorio se llevó bajo el brazo dos de los premios principales.

Aprendiz de gigoló

Aprendiz de gigolóDirector: John Turturro

Intérpretes: John Turturro, Woody Allen, Sharon Stone, Sofía Vergara y Vanessa Paradis

País: EE.UU

En V.O: Fading Gigolo

El director de origen italiano homenajea en su última cinta a los tres genios modernos de la cinematografía americana. Por un lado a los Coen, con ese cariz extravagante que buscaban los hermanos en sus comedias burguesas, y por el otro a Woody Allen con la práctica totalidad del metraje. Un disparate ambientado en los suburbios de la gran manzana y que protagoniza el propio cerebro de la película, lo que es una referencia total al famoso retratista de Nueva York.

En Aprendiz de gigoló encontramos a dos amigos que por motivos económicos deciden probar suerte en el mercado de la prostitución. Pero el par de cineastas no se embarcará solo en esta aventura, pues han fichado a un trío de extraordinarias -Vergara, Stone y Paradis- que demuestran tener algo más que curvas y mucho sentido del humor. Partiendo de esas premisas, encontramos una ironía menos elegante que la de Allen y unos chistes que, por exigencias del guión, se quedan en las lindes de lo escatológico.

Divergente

DivergenteDirector: Neil Burger

Intérpretes: Shailene Woodley, Theo James, Kate Winslet, Tony Goldwyn y Ray Stevenson

País: EE.UU

En V.O: Divergent

Tras una gran guerra, el mundo se ha dividido en cinco fracciones que representan a la Osadía, la Abnegación, la Verdad, la Cordialidad y la Erudición. El caos se desatará cuando la joven y mojigata Beatrice descubra que es una divergente y que puede pertenecer a más de una de estas comunidades. Las producciones que se centran en las nuevas camadas de guerreros adolescentes se repiten y esta en concreto emana un sospechoso tufillo a Los juegos del hambre

Por si las coincidencias no fuesen suficientes, además esta historia de aventuras es tan solo la primera parte de una trilogía basada en las novelas de Veronica Roth. Summit Entertainment y su autora ya tienen pensado sacarle tajada, por una parte poniendo en marcha la segunda entrega, Insurgent, y por la otra, editando un tercer libro llamado Allegiant, que se rodará en dos partes. Ante esta falta de alicientes, resulta necesario destacar al director, al que reconocemos por grandes cintas como El ilusionista, y a la británica más rentable de Hollywood, Kate Winslet.