La alcaldesa de València, María José Catalá, ha presentado este martes el Museu de la Mar, acompañada del concejal de Acción Cultural, Patrimonio y Recursos Culturales, José Luis Moreno; del titular de Cultura en la Diputació Provincial de València, Francisco Teruel; así como de numerosos representantes del sector de la cultura y del tejido social y asociativo de Poblats Marítims. El acto, celebrado en la Casa dels Bous, ha contado igualmente con la participación del autor del proyecto museológico, Rubén Pacheco; y de la empresa responsable del diseño museográfico, Matra Museografía; y ha concluido con la colocación en vitrina de los cuernos recuperados de las ménsulas talladas con forma de cabeza de buey del balcón y con la realización de una demostración en vivo del trabajo de un redero.

El Museu de la Mar preserva y difunde la memoria marinera de València desde uno de sus edificios más singulares, recuperando los escenarios, los oficios y las tradiciones que configuraron la identidad de este barrio y que definieron una forma de vida fuertemente arraigada en la personalidad valenciana. Con una inversión total superior a los 2,2 millones de euros, el museo aborda el origen de la Casa dels Bous, la creación de las primeras sociedades de pescadores tras la abolición del sistema gremial, las embarcaciones y los artes de pesca tradicionales, las infraestructuras pesqueras y los oficios ligados a la cultura del mar, el desarrollo urbano de los barrios marítimos, así como la devoción popular en esta zona de la ciudad, favorecida por los peligros del mar y por la dureza de la vida marinera.

“Hoy no abrimos únicamente las puertas del primer nuevo museo municipal en casi dos décadas. Hoy recuperamos una parte fundamental de la historia de la ciudad que durante demasiado tiempo estuvo esperando un lugar permanente desde el que poder contarse, reconocerse y transmitirse a las siguientes generaciones: la relación de València con el mar y con la cultura marinera”, ha declarado la alcaldesa, María José Catalá. “Y no lo hacemos en cualquier sitio, sino en Poblats Marítims, en el lugar donde nació aquella cultura, junto a la playa del Cabanyal, junto a las calles en las que vivieron quienes hicieron posible, con su constancia y con su trabajo diario, aquella forma de vida y dentro de un conjunto que fue testigo directo de ella: la Casa dels Bous y el Pati de Tenyidors”.

Plan museológico

“Desde las primeras iniciativas para impulsar un museo del mar en València hasta hoy han transcurrido más de 60 años, entre la segunda mitad del siglo pasado y el primer cuarto de éste. Un periodo en el que la actividad ligada a la pesca y a la cultura marinera ha ido desapareciendo hasta su práctica extinción. Por ese motivo, era tan importante sacar adelante este proyecto, a fin de mantener vivo dicho legado”, ha manifestado Rubén Pacheco, autor del Plan museológico del Museu de la Mar. “Para el desarrollo de esta empresa, ha sido crucial, además de una intensa investigación histórica y documental, el contacto con la gente de Poblats Marítims, para, con ellas y ellos, poder reconstruir la memoria marinera gracias a sus testimonios, a sus documentos y a sus historias personales y familiares”.

“No ha sido una tarea fácil. A pesar de su cercanía cronológica, los vestigios materiales de la cultura del mar son más bien escasos. Han ido desapareciendo con el transcurso de los años, por lo que ha sido un verdadero reto localizar materiales suficientes y significativos de dicha tradición”, ha proseguido Rubén Pacheco. “Esto ha sido posible gracias a la colaboración de entidades como l’ETNO, dependiente de la Diputació Provincial de València, o el Museo de Santa Pola, así como del importante número de personas de Poblats Marítims que han conservado y que han cedido su historia familiar y sus propios testimonios para que se integren permanentemente en la Casa dels Bous. La gente de la mar, ellas y ellos, su relato vital, es el verdadero patrimonio cultural que preserva este museo”.

Rambleta ha presentado su programación para la temporada 2026-2027 y vuelve a situar la creación valenciana como uno de los ejes fundamentales de su actividad, según ha explicado en rueda de prensa la directora del centro Rocío Huet. A través de proyectos propios, colaboraciones con compañías, artistas y entidades del territorio, así como del impulso a nuevas compañías y proyectos escénicos valencianos mediante la Muestra de Teatro Emergente y la Academia de Espectadores, Rambleta reafirma su compromiso con el fortalecimiento y la proyección del tejido cultural valenciano.

Solo en el ámbito de la creación valenciana, la temporada reunirá más de 110 propuestas y actividades, con presencia en las distintas áreas de programación del centro. La escena valenciana sumará 60 funciones, junto a una amplia representación de artistas y proyectos valencianos en la programación musical, expositiva y de Factoría Rambleta.

A la creación valenciana se suma una amplia programación nacional e internacional que, en conjunto, abarca artes escénicas, música, humor, cine, exposiciones, pensamiento y actividades para público familiar.

Además de todo este despliegue total de disciplinas artísticas, a las que se sumarán exposiciones, la sala de conciertos de Rambleta RAM Club pasará de tener capacidad para 568 personas a 1.048, lo que permitirá optar a grupos nacionales e internacionales más importantes. Rocío Huet ha explicado que el concierto de Lemon Twigs ya aspira a esos números. “Nos dicen los grupos que han tocado que tiene una muy biena sonoridad, y además la terraza exterior, que ninguna otra sala de València dispone”, ha explicado la directora de Rambleta.

La escena valenciana

Las artes escénicas volverán a ocupar un lugar central en la programación de Rambleta con una temporada marcada por la presencia de compañías y creadores valencianos, el apoyo a la creación emergente y la colaboración con festivales y proyectos culturales de la ciudad.

La programación valenciana reunirá propuestas que abordan cuestiones sociales, políticas y personales desde lenguajes escénicos muy diversos. Entre ellas, ‘El cos’, de la compañía valenciana A Destajo, un monólogo protagonizado por Sabina Hervàs que sitúa al espectador en el 29 de octubre de 2024, cuando una mujer, aislada por el barro, la oscuridad y la falta de comunicación, trata de sobrevivir mientras el agua comienza a entrar en su casa.

También podrán verse ‘La libertad se toma’, del Colectivo Soberanas, una propuesta multidisciplinar que convierte el viaje en una reflexión sobre la libertad femenina inspirada en mujeres que desafiaron las normas de su tiempo; ‘El acontecimiento’, de La Perra Coja, primera adaptación teatral en España de la novela autobiográfica de Annie Ernaux, Premio Nobel de Literatura 2022, autorizada por la propia autora; ‘Dutxa’, de Cia Manía, una comedia que convierte una caída doméstica en una reflexión sobre cómo vivimos, el tiempo y las decisiones que tomamos; y ‘El gran sarau’, de La In.Conscient Teatre, que enfrenta a dos antiguos compañeros de profesión a un dilema ético sobre la amistad, la responsabilidad y el precio del éxito.

La temporada acogerá además el cierre de gira de ‘Eclipsi Total’, la coproducción de Pont Flotant junto a Rambleta, que regresa al escenario donde inició su recorrido tras cosechar el reconocimiento de la crítica y el Premio Max a la Mejor Autoría Teatral, entre otros galardones. Esta obra se podrá ver por última vez y tras cinco años de gira los días 27 y 28 de noviembre.

La danza valenciana estará presente con el estreno absoluto de ‘Nomad’, de Takiri Art Company, una propuesta de danza y teatro físico que explora el tránsito entre lo físico y lo filosófico, lo visible y lo invisible, a través del cuerpo, la voz y la iluminación; y con la sexta edición de la Gala de Dansa Internacional Valenciana, que volverá a reunir a bailarines de la escena valenciana e internacional.

Rambleta mantendrá asimismo su colaboración con los festivales de artes escénicas de la ciudad. De la mano de Russafa Escènica llegará ‘El Testamento’, de Zum-Zum Teatre, Premio FETEN 2023 a la Mejor Dirección y Drac d’Or a la Mejor Dramaturgia en la Fira de Titelles de Lleida. Dentro del Festival Circuito Bucles podrá verse ‘Within A Thousand Suns’, de The Slippery Art Project, mientras que la colaboración con el Festival 10 Sentidos continuará en su 16.ª edición con un nuevo espectáculo en Rambleta.

La programación se completará con los espectáculos que se seleccionarán esta temporada en la tercera edición de la Muestra de Teatro Emergente. Esta iniciativa volverá a desarrollarse junto a la Academia de Espectadores, acercando al público a los procesos de creación escénica.

La escena nacional e internacional

La programación nacional e internacional reunirá también a destacados nombres de las artes escénicas, con montajes dirigidos por Andrés Lima, Sergio Peris-Mencheta, Juan Carlos Fisher o Yayo Cáceres; textos de Duncan Macmillan, Ramón del Valle-Inclán o Stefano Massini; intérpretes como Hiba Abouk, Miki Esparbé, Blanca Portillo, Carolina Yuste o Eneko Sagardoy; y, en el ámbito de la danza, el bailaor Eduardo Guerrero y la compañía Mercedes de Córdoba.

Hiba Abouk protagonizará ‘Cucaracha’, de la dramaturga escocesa Sam Holcroft, dirigida por Julián Fuentes Reta, una obra que sitúa al espectador en un aula donde la guerra irrumpe en la vida cotidiana para preguntarse si la educación puede salvarnos.

La programación escénica incluirá también propuestas vinculadas al Carnaval de Cádiz, como ‘Universo Cadi’, el nuevo espectáculo de El Selu, que recupera algunos de los personajes más reconocibles de su trayectoria en una ficción ambientada en el espacio y presenta una nueva chirigota al margen del concurso oficial.

‘Madres’, escrita y dirigida por Elena Díaz Barrigón, reunirá a cinco mujeres que quedan encerradas en un colegio y cuyo aislamiento acaba convirtiéndose en una catarsis en torno a las luces y sombras de la maternidad, abordando desde el humor los miedos, contradicciones y decisiones que acompañan tanto a ser madre como a no serlo.

Miki Esparbé protagonizará ‘Las cosas extraordinarias’, el éxito internacional del dramaturgo británico Duncan Macmillan, dirigido por Pau Roca, una comedia que aborda la depresión desde el humor y reivindica el poder de los pequeños gestos cotidianos. La programación de diciembre se completará con los ballets clásicos ‘El lago de los cisnes’ y ‘El Cascanueces’.

Yllana volverá a Rambleta con ‘GOOL’, una comedia gestual ambientada en el universo del fútbol con el inconfundible humor de la compañía, mientras que ‘Fedra en los infiernos’, dirigida por José María del Castillo y coproducida por el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, ofrecerá una reinterpretación contemporánea del mito clásico protagonizada por Lydia Bosch, Julio Peña y Alejandro Albarracín.

A continuación llegarán ‘Los días titánicos’, producción de Teatro de La Abadía y Emilia Yagüe Producciones dirigida por Beatriz Jaén; ‘Farsa y licencia de la reina castiza’, de Ramón del Valle-Inclán, dirigida por Ana Zamora para el Teatro Español y Nao d'amores; y ‘La desconquista’, de Ron Lalá, con dramaturgia de Álvaro Tato y dirección de Yayo Cáceres, una comedia musical en verso que revisita el descubrimiento de América tendiendo un puente entre el siglo XVI y la actualidad para reflexionar sobre cuestiones como las migraciones, las fronteras o el poder.

Completan este recorrido ‘Las gratitudes’, adaptación teatral de la novela de Delphine de Vigan dirigida por Juan Carlos Fisher y protagonizada por Gloria Muñoz, Macarena Sanz y Rómulo Assereto, que sitúa la memoria, la vejez y el agradecimiento en el centro del relato; ‘Fronteras’, del dramaturgo británico Henry Naylor, dirigida por Andrés Lima e interpretada por Carolina Yuste y Eneko Sagardoy, que entrelaza las vidas de un fotoperiodista y una joven grafitera siria para reflexionar sobre la guerra, las migraciones y el compromiso personal; ‘Debajo de los pies’, del bailaor Eduardo Guerrero, una de las principales figuras del flamenco actual; y ‘7 minutos’, de Stefano Massini, dirigida por Sergio Peris-Mencheta y protagonizada por un elenco coral encabezado por Blanca Portillo, un thriller teatral inspirado en un hecho real que convierte una negociación laboral aparentemente insignificante en un debate sobre la dignidad en el trabajo y la defensa de los derechos colectivos.

Con motivo del centenario de la Generación del 27, Rambleta programará dos propuestas que recuperan desde distintos lenguajes algunas de sus figuras y legados. ‘Poeta (Perdido) en Nueva York’, escrito, dirigido e interpretado por Jesús Torres, se construye a partir de los poemas y las cartas que Federico García Lorca escribió durante su estancia en Nueva York; mientras que ‘Olvidadas (A las Sinsombrero)’, de la compañía Mercedes de Córdoba, reivindica desde la danza y el flamenco a las mujeres artistas y creadoras de la Generación del 27 cuya contribución quedó relegada al silencio y al olvido.

La programación familiar se refuerza en Navidad

La programación familiar reunirá a lo largo de toda la temporada propuestas de teatro, circo, magia y música.

Como principal novedad, Rambleta incorporará por primera vez el Festival Mundial de Magia, una propuesta valenciana que llegará durante las fiestas navideñas con 26 funciones para todos los públicos.

La creación valenciana estará representada también por propuestas como ‘Piensa en Wilbur’, que combina circo y humor, y ‘Muggle a mago’, un espectáculo de ilusionismo.

A lo largo de la temporada llegarán también ‘Lullaby’, una propuesta de circo contemporáneo; ‘Soy salvaje’, teatro familiar que invita a reflexionar sobre el respeto por la naturaleza; el regreso de Pica Pica con ‘Operación Halloween’; y los conciertos de Rock en Familia, que acercarán a pequeños y mayores la música de algunas de las bandas más emblemáticas de la historia del rock.

Más de 130 conciertos con proyectos propios y festivales

Con más de 130 conciertos programados, la música volverá a tener un peso destacado en Rambleta, con una programación que reunirá artistas valencianos, nacionales e internacionales y recorrerá una amplia diversidad de estilos y géneros, junto a proyectos propios, festivales y ciclos a lo largo de toda la temporada.

Entre los nombres destacados figuran Joe Jackson, José González, The Lemon Twigs, Eliades Ochoa, María del Mar Bonet, Rita Payés y Leonor Watling y Leo Sidran, que llegarán a Rambleta con su proyecto conjunto ‘Leo & Leo’. A ellos se sumarán propuestas como las de Perotá Chingó, Felipe Peláez, Santiago Cruz, Pau Vallvé, Izaro, Elefantes, Tanxugueiras, Laura Gallego, Patax, LEVI.SCT, Borja Niso, Juan Arenosa, ARCO, Francisco González Sarría y Los Brincos, entre otros.

La programación dará continuidad a proyectos propios como las Ram Sessions, que reunirán sus distintas líneas de programación: jazz, con la colaboración de Sedajazz y la participación de formaciones valencianas e internacionales; bandas emergentes; y el Social Club de Plena 79 y el Lindy Hop deSwinging Undermoon; Rambleta Flamenca, de la mano de Mediterranean Guitar; y Clàssica a la Cambra, junto a la formación valenciana Nostrum Mare Camerata.

La oferta musical se ampliará con formatos y propuestas como el Concierto de Año Nuevo, los conciertos inmersivos Under The Tree y AURUM, además de distintos espectáculos homenaje dedicados a artistas y bandas como Michael Jackson, Ludovico Einaudi, Dire Straits, ABBA, Genesis, Maná, The Beatles o Ennio Morricone.

Rambleta volverá a acoger festivales y citas musicales como Surforama, Cridem pel Clima, Valencia Punk Fest – Rock a Foc, Wachina Wachina y Tenderete.

El Telón Bizarro, con sus noches de performance y cine; la 14ª edición de la cita de Halloween con ‘The Rocky Horror Picture Show’, que este año estará dedicada al recientemente fallecido Tim Curry; y el Cine de Verano volverán a formar parte de la programación del centro.

Factoría Rambleta crece con nuevas alianzas

Factoría Rambleta reforzará esta temporada su programación de pensamiento, divulgación y encuentro con al menos 17 actividades a lo largo del año. Continuarán las sesiones de ‘Los músicos te lo cuentan’, los encuentros previos a los conciertos de Clàssica a la Cambra en los que los intérpretes acercan al público las claves de las obras que interpretarán, así como los coloquios que acompañarán a distintos espectáculos de la temporada, comolos que siguen a las representaciones de la Muestra de Teatro Emergente, ampliando el diálogo entre las propuestas artísticas y el público.

Factoría Rambleta ampliará además sus colaboraciones con entidades del ámbito social y jurídico. Esta temporada iniciará una nueva colaboración con la Comisión Española de Ayuda al Refugiado (CEAR), que tendrá como primer encuentro ‘Blanco de papel, negro de hipoteca’, un monólogo del actor y activista Thimbo Samb que, desde el humor y la reflexión, aborda cuestiones como la identidad, el racismo, la pertenencia y la convivencia. Por su parte, la colaboración con la Asociación Valenciana de Juristas Demócratas dará continuidad a una serie de encuentros de reflexión y debate sobre cuestiones de actualidad desde una perspectiva jurídica y social.

Rambleta acogerá también la gala de entrega de los Premios de la Crítica Literaria Valenciana, uno de los principales encuentros anuales dedicados al reconocimiento de la creación literaria valenciana, y los Premios de Microrrelatos, ambos organizados por la Asociación Valenciana de Escritores y Críticos Literarios (CLAVE).

Creación contemporánea e ilustración en exposiciones

La programación expositiva reunirá propuestas de distintas disciplinas y miradas, con la inauguración de ‘Continuidad lineal’, el proyecto de Claudia Pastomás ganador de la XIII Beca de Investigación y Producción Artística de Rambleta. Durante la temporada se convocará además su XIV edición, dando continuidad a esta línea de apoyo a la creación contemporánea.

La temporada incluirá también una nueva edición de ‘València se Ilustra’; ‘Distancias, huecos y pesos’, en la que la artista valenciana María Zárraga reunirá sus trabajos más recientes de escultura, instalación y fotografía; y la muestra de la XVII edición del festival cultural internacional ‘Grito de Mujer’.

Stand-up, comedia y podcasts en directo

La programación de humor reunirá a algunos de los principales nombres de la comedia actual. Entre ellos figuran Facu Díaz, que presentará su nuevo espectáculo ‘Buenas noches in the night’; Eva Soriano, Ignatius, Charlie Pee, Miguel Noguera, Sergio Bezos, Álex O'Dogherty, Santi Rodríguez, Rafa Maza, Daniel Fez, Abián Díaz, Patricia Espejo e Ignasi Taltavull, entre otros.

Junto a ellos, humoristas emergentes llevarán el stand-up comedy a La Cambra y el Ram Club, combinando figuras consolidadas con nuevas voces de la comedia.

La temporada incluirá también espectáculos como ‘No me toques el cuento’, con un elenco femenino en alternancia; y su reverso masculino, ‘Ya me has tocado el cuento’.

Regresarán además algunos de los podcasts en directo más seguidos por el público, como ‘La Ruina’, de Ignasi Taltavull y Tomàs Fuentes; ‘Podcast, el podcast’, con Miguel Campos, Laura del Val, Jorge Yorya y Aarón Aguilera; y ‘Deforme Semanal Ideal Total’, de Isa Calderón y Lucía Lijtmaer.

Hi ha llibres de Toni Mollà que no he llegit, en concret els seus papers sobre esport, sobre futbol, sobre pilota valenciana. La reflexió sobre l’esport sempre m’ha fet recular, potser perquè és un camp d’estudi que s’exposa molt a la banalitat. Però el meu prejudici és indefensable i, en el cas de Toni Mollà, un error. Tota manifestació popular de la vida moderna atrau l'atenció de Toni Mollà, des de l’excursionisme fins a la cuina, des del Cant al Ras de Massalfassar fins al jazz. Només cal llegir els seus dietaris per convèncer-nos que un sociolingüista no pot descuidar cap expressió cultural de masses, perquè ací és on tenen lloc les batalles del llenguatge, els amors i els dolors de les llengües, la creació o la destrucció d’idees i cosmovisions que són tombants d’època. Quant als dietaris de Mollà, tots excel·lents —des d’Espill d’insolències fins a El tercer toc—, també podem ser presos dels prejudicis lectors. Vull dir llegir-los —com jo els he llegit— com si fossen els d’un mer escriptor de dietaris, i a fe que és així com els gaudirem de ple. Però fins al seu últim assaig, Les llengües de demà. Entre el negoci i els algoritmes (Bromera), no m’he adonat —un lector pot viure en la inòpia molts anys— que els dietaris de Mollà són una mena de taller de l’artista, un atelier literari on interactuen les seues experiències vitals —els instruments d’anàlisi que s’aprenen en l’escola de la vida— sense les quals no s’explica la seua concepció de la sociolingüística. Per exemple, sovint hi apareixen els llocs i els temps que l’han marcat com a sociolingüista: els seus viatges de feina i oci, la seua relació amb Euskadi i amb els Estats Units (fonamentals en la seua carrera), els amics i referents intel·lectuals com ara Joan Fuster, Rafael Ninyoles, Vicent Pitarch, Lluís Vicent Aracil (el que Mollà anomena «pioners» de la sociolingüística), el seu pas per Canal 9, la seua etapa com a docent, etc.

Aquesta interconnexió de gèneres literaris és, precisament, el que caracteritza Toni Mollà com a investigador social. I ho reafirma en Les llengües de demà. Tot i que es declara deixeble dels media studies i de l’economia de la cultura, Mollà diu que és “incapaç d’entendre l’avanç del coneixement —inclosa la investigació més sistemàtica— deslligat de la tradició assagística”. En efecte, en Les llengües de demà sura, de tant en tant, el to memorialístic, el del dietarista, el de l’articulista de diaris, el de l’assagista eclèctic, el de l’home il·lustrat que, a la manera de Montaigne, revisa quan cal el discurs propi. I és que Les llengües de demà és molt més que un estudi de sociolingüística. Jo diria que és un testament intel·lectual, el compendi de tota una vida de reflexió, la síntesi de qui ha pensat molt la seua societat, el seu país, des de dins i des de fora. En el fons, Les llengües de demà és un assaig sobre la societat contemporània en general, la del segle XX i la del XXI, un assaig que, és clar, situa les seues arrels en el fet lingüístic. Si l’hagués escrit un nord-americà, o un anglès, o un francès, ja l’hauríem traduït —ja l’hauríem d’haver traduït— com un llibre de referència del pensament actual. (Per què no dediquem més esforços i diners a traduir els nostres millors assajos a les llengües hegemòniques? Encara no s’ha entès que un assagista o un pensador és un ambaixador cultural tant o més important que un poeta o un novel·lista?)

D’entrada, en Les llengües de demà trobem tots els punts cardinals de la trajectòria investigadora de Toni Mollà: la importància de l’audiovisual per a conservar una llengua amenaçada (Quina televisió pública?, 2009), la dinàmica mercantil sense la qual no pot sobreviure cap llengua moderna (La llengua de la plaça, 2017), la preferència pels elements cívics més que no pels simbòlics en la concepció de la nació i la convicció que el futur encara no ha estat escrit (La utopia necessària, 1994), la defensa de la ciutadania davant l’abús del poder polític (La desconnexió valenciana, 2014)... Tots els “manuals de sociolingüística” de Mollà estan resumits, condensats, en Les llengües de demà. I també les seues idees capitals, com ara aquesta: en “una societat de lògica darwinista”, hem d’insistir en els valors utilitaris de la llengua més que no en els identitaris. En la resistència de les llengües minoritàries o minoritzades, la visió tradicional ha fet fallida: en les “tendències economicocomunicatives de llarg abast, la resistència lingüística i no-lingüística estrictament local no té massa possibilitats d’èxit” i “les polítiques lingüístiques positives haurien de tenir més a veure amb les innovacions (...) que no amb la restauració d’usos lingüístics lligats a formes tradicionals més o menys caducades”. Ens cal una visió global i alhora específica, des del tot cap a les parts. Aquesta mirada innovadora —que beu en els estudis més avantguardistes de la sociolingüística angloamericana—, una mirada crítica que pretén combatre les inèrcies eixorques procedents del segle passat, ha fet de Toni Mollà un intel·lectual incòmode per al poder —vull dir per als governs progressistes; als altres, als conservadors o reaccionaris, tant els en fot.

En Les llengües de demà Toni Mollà recorda que la sociolingüística catalana, que es desenvolupa “en el cor negre del franquisme”, a l’hora d’interpretar el conflicte lingüístic va posar l’èmfasi en els “factors polítics”. Allò que era lògic i comprensible aleshores s’ha convertit en un llast. “Les petites reformes aconseguides gràcies a la institucionalització de les polítiques lingüístiques postfranquistes són del tot insuficients”. L’obsessió “per les lleis, pels decrets, els reglaments i, en resum, per les normes formals” no ha donat els fruits que esperàvem. Una obsessió que, a més, evidencia que som una societat basada “en la desconfiança en les normes culturals com a mecanisme de regulació suficient de la vida social”.

Però el que ha fet de Toni Mollà un inoportú, un dissident, per als partits polítics progressistes valencians —també per als valencianistes— és que ha expressat, sense embuts, el fracàs de la política lingüística valenciana. Una política esquifida, duta a terme amb poc convenciment i amb pocs recursos, i al capdavall erràtica. Una política tradicional, quasi folklòrica, com si encara fóssem una societat agrària —hi ha hagut campanyes de normalització lingüística que m’han semblat adreçades als llauradors petaners d’un sainet de Bernat i Baldoví—, una política reduccionista que no ha apostat fermament per l’audiovisual —¿el Govern del Botànic es va creure realment À Punt?— i que ha carregat tot el pes sobre les espatlles de l’escola —pobres mestres, quantes missions heroiques els hem encomanat! Toni Mollà, a més, no s’ha mossegat la llengua a l’hora de denunciar que “la desconnexió cultural —i especialment audiovisual— del País Valencià respecte de Catalunya que va mantenir el Govern del Botànic encara afebleix més i més la possibilitat d’un mercat conjunt”. “La separació del País Valencià respecte de la resta de la comunitat lingüística catalana ha estat una política conscient i explícita de tots els governs valencians de l’època postfranquista —progressistes i conservadors”. Ho subratlle, per si hi ha cap navegant embadalit amb cants de sirenes: “de tots els governs”.

Ara bé, l’esperit crític de Toni Mollà va més enllà del País Valencià o dels Països Catalans. Les llengües de demà és un avís cosmopolita: som “en una cruïlla històrica excepcional en què el món conegut es dissol” i on sembla que moltes llengües desapareixeran. Cal replantejar-se radicalment la política lingüística a tot el món. Cal una reformulació de conceptes, perquè alguns d’aquests conceptes, històricament determinants i encara usats a bastament pels lingüistes, són obsolets o poc eficients, com ara, com destaca Mollà, el de “normalització lingüística”. Potser no ens hauríem de centrar tant en els factors polítics, ni obsedir-nos a aconseguir que una llengua siga hegemònica en un territori. Com diu Mollà, “la modernització actual és un projecte territorial i no-territorial, espacial i virtual, online i offline”. S’ha acabat el bròquil de la tradició. La prioritat pels usos lingüístics instrumentals per davant dels identitaris és un camí que cal assajar de manera urgent. Prioritzar el factor polític és un reduccionisme: “la batalla pel futur és, en primer lloc, una batalla cognitiva: de construcció de nous sistemes d’idees i els seus respectius marcs mentals i conceptuals. Una revolució cultural, no solament política.” Una revolució cultural... Això sona a segle passat: sona a barbes llargues, sona a Gramsci, sona a “utopia necessària”. Que ningú s’espante, però. La “revolució cultural” de què parla Toni Mollà és una palpitació del Temps, per dir-ho com Eugeni d’Ors, perquè es fonamenta en l’avantguarda dels estudis lingüístics, sociolingüístics, filosòfics i científics.

I ací acaba Toni Mollà. Però continue jo. La política cultural i lingüística del Govern del Botànic (de tot el govern: no reduïm el problema a la Conselleria de Cultura) va ser pobra, deficitària, i en segons quines coses testimonial (no recorde bé quants fulls ocupava l’apartat de cultura en el segon pacte del Botànic, un o mig?). Molt bones intencions, però poc pressupost. Molt de còctel, però poca reflexió i planificació. A més, aquesta política cultural es va envescar d’una plaga molt estesa a tot arreu avui dia: el sectarisme dels partits, la desconfiança cap a tot allò que no siga controlat per l’aparell —per dir-ho amb l’estil del segle passat— i la poca o gens consideració dels agents, dels actius o de les propostes culturals externes a aquesta partitocràcia. Jo tinc la sensació —i en alguns casos la constatació— que es va fer el buit a més d’un intel·lectual o artista que hauria pogut aportar molt de “valor afegit” —un buit més o menys conscient o inconscient: no acuse ningú. Espere que això siga rectificat en un pròxim govern progressista, sobretot si hi és notable el perfil valencianista. Menys comissaris politicoculturals, menys buròcrates de la cultura, i més sensibilitat cap a la gent que en sap: la gent que sap de sociolingüística, de cinema o teatre, de crítica literària o de música de cambra —tant fa de què. No ens podem permetre prescindir dels escriptors que, com Toni Mollà, ens ajuden a entendre’ns com a individus i com a societat. Les llengües de demà és un llibre que ja té pes propi en el nostre demà. Si és que en tenim, de demà: si és que en volem tindre.

Sala Russafa celebra su particular ‘Sweet Sexteen’ tras el verano, arrancando su XVI temporada como centro de producción, formación y exhibición de artes escénicas. Del 17 al 20 de septiembre y como tradicional colaboración con Russafa Escènica – Festival de Tardor, acoge la tragicomedia Las que tiran del carro, coproducción de las valencianas Patio de Vecinas y Frescultura. Un texto de Reyes Ruiz que rinde homenaje a las mujeres que, en los años 60 y 70, vertebraron, impulsaron y enarbolaron la lucha vecinal en barrios que habían nacido de manera espontánea en las afueras de las ciudades. Tomando como inspiración situaciones reales y documentación histórica, humor, música en directo, comedia y memoria conviven en una pieza emocionante dirigida por la propia Ruiz, que interpretan María Minaya, Silvia Rico y María José Peris.

La segunda propuesta del festival acogida por Sala Russafa es el estreno absoluto de Ahlam, soñar con una vida, una producción de la Asociación Comité Español de la UNRWA (Agencia de Naciones Unidas para los Refugiados de Palestina en Oriente Próximo) en colaboración con la formación balear Hermanas Picohueso.

El 24 septiembre podrá verse este espectáculo que lleva al escenario el cómic homónimo de Susana Martín y Cristina Bueno, publicado en 2021. Cuenta historias reales de mujeres y niñas palestinas refugiadas en el Líbano, heroínas anónimas que se convierten en el soporte de sus comunidades, incluso en la distancia.

Tras el paso de Russafa Escénica – Festival de Tardor, Sala Russafa presenta la programación especial ‘Alcem el teló’, con la que cada temporada hace una declaración de intenciones sobre lo que podrá verse en el teatro el resto de la temporada.

Su primera propuesta es El verano en que mi madre tuvo los ojos verdes, de la compañía madrileña A de Ardilla Producciones. Del 25 al 27 de septiembre regresa esta pieza que el pasado ejercicio tuvo un paso fugaz por el teatro de Ruzafa, agotando las localidades. Por ello que se les ha invitado a abrir la nueva temporada con esta versión escénica de la famosa novela homónima de Tatiana Tibuleac.

Miguel Alcantud firma y dirige esta adaptación interpretada porJuan Díaz.Un retrato de una compleja relación maternofilial llena de belleza y crudeza, que crece en intensidad emocional conforme avanza el espectáculo e invita al público a la catarsis.

La segunda propuesta del ciclo ‘Alcem el teló’ llegará del 2 al 4 de octubre de la mano de los aragoneses Teatro Che y Moche con la colaboración de la violinista ucraniana Tereza Polyvka. Humor, ternura, absurdo y esperpento en Un día feliz, un divertido musical zíngaro sobre una familia de ‘fantasmas’ eslavos, que recorre sus vivencias desde principios del siglo XX hasta la actualidad, tirando de comedia y memoria contra la barbarie.

Haciendo una pausa en su cuarto año consecutivo en gira, El perfume del tiempoestará del 15 de octubre al 1 de noviembre en Sala Russafa. Esta propuesta de Arden Producciones, galardonada como Mejor Espectáculo, Dirección y Actor en los Premis Arts Escèniques GVA 2023, entre otros reconocimientos, recala en el teatro donde fue creada y estrenada en febrero de 2022.

La trama traslada al público a la Argentina de 2010, donde la familia Kessler desconoce el giro que van a tomar los acontecimientos cuando entre en contacto con una de las ‘Abuelas de Plaza de Mayo’. Es la tercera entrega de la ‘Tetralogía de la Memoria’, proyecto escénico en el que Chema Cardeña ha investigado las consecuencias en las vidas de personas anónimas de los fascismos en diferentes épocas y localizaciones. Una serie compuesta por los espectáculos independientes Shakespeare en Berlín (2016), La invasión de los bárbaros (2020), El perfume del tiempo (2022) y la reciente Epílogo (2026).

Teatro para pequeños

El 3 y 4 de octubre, arranca la programación familiar de Sala Russafa con el estreno en CV de Mambrú volvió de la guerra, una creación de los madrileños Factoría Teatro galardonada con el XXIII Premio SGAE de Teatro Infantil. Cuenta la historia de una niña que encuentra un soldadito de porcelana enterrado en el terreno del nuevo parque infantil que han abierto en las afueras. El muñeco le cuenta que vivió en el pueblo hace muchos años, pero no recuerda cómo acabó allí ni cuál es su nombre. Con la ayuda de su familia, tratarán de que Mambrú encuentre su lugar.

El 10 octubre y con doble pase (a las 13 y 17h), podrá verse por primera vez en el teatro de Ruzafa un espectáculo en ruso. La formación Theater11bremen visita Valencia con el estreno en la Comunitat de Cow on ice (Kopoba ha abgy), una propuesta para público a partir de 3 años que habla sobre el valor de soñar y ser uno mismo a través de la tierna historia de una vaca que sueña con ser patinadora artística.

El 17 y 18 de octubre, la formación balear Teatre de la Sargantana presenta Hannah dels tres països, una pieza cuyas 3 protagonistas comparten nombre, pero difieren en el país de origen. Desde Siria, Brasil y Rumanía, las tres se encuentran empezando una nueva vida en una gran ciudad. La búsqueda de oportunidades, el exilio y otras motivaciones para el fenómeno migratorio se introducen con total naturalidad en una trama que recrea una realidad que no solo ocupa titulares, también se encuentra en las aulas, en los barrios y en las familias. Toques de clown, máscaras, teatro de objetos y otros recursos escénicos conviven en un estimulante cuento de viajes.

HUMOR GOLFO PARA LAS NOCHES DEL VIERNES

El ciclo de programación ‘Las Golfas de Russafa’ vuelve esta temporada en colaboración con Comedy Plan, productora y distribuidora que reúne a lo más gamberro de la ‘stand up commedy’ valenciana. Dos viernes al mes, a las 22:30h, el público bajará la cena a golpe de carcajada con una selección de propuestas que arranca el 2 de octubre con Divina Comedia, de Patricia Sornosa. Un show en el que repasa los monólogos más gloriosos de sus 20 años sobre el escenario.

El 23 de octubre será el turno de Rafa Alarcón y Jesús Manzano con Dos solteros y un bebé, una desternillante propuesta que arranca cuando dos cuarentones divorciados, una mañana resacosa, se encuentran en la puerta de su casa un retoño con una nota. A partir de ahí, todo es impredecible.

Cuando, en los años 90, el Ejército español accedió a desclasificar todos sus expedientes sobre platillos volantes confió en Vicente-Juan Ballester Olmos (València, 1948), uno de los ufólogos más respetados a nivel internacional. En su nuevo libro UAP: Los ovnis del siglo XXI (Reediciones Anómalas), a lo largo de más de 700 páginas, repasa medio siglo dedicado al estudio serio de este fenómeno y cuenta con una introducción de Pedro Duque, astronauta y exministro de Ciencia, prueba de que su trabajo está en las antípodas de la ufología pop tan extendida —y tan de moda— tras el estreno de la película de Steven Spielberg El día de la revelación.

Como espectador, y como ufólogo, ¿qué opinión le merece El día de la revelación?

Me has pillado, no la he visto y tampoco tengo mayor interés en verla. En el tema ovnis ya hay suficiente ficción como para importar más. Es una película de un cineasta chiflado por los ovnis y que, muy oportuna y más oportunistamente, ha sabido explotar la creencia —más religiosa que realista, más imaginativa que fundada— en que el gobierno derechista de Donald Trump va a revelar presuntas evidencias de platillos volantes estrellados y restos biológicos que supuestamente custodian secretamente desde hace ochenta años.

Supongo que tras tanto tiempo investigando, habrá llegado a alguna conclusión.

Después de sesenta años —que se dice pronto— de investigación continuada del fenómeno, he llegado al convencimiento de que los ovnis son el resultado del sumatorio de millones de avistamientos genuinos pero malinterpretados, falsos incidentes de encuentros cercanos y de abducciones debidos a fraudes y a algún problema de tipo cognitivo, y al aprovechamiento monetarista del tema por medios de comunicaciones y editoriales. Todo junto ha devenido en un cóctel de características mitológicas y sociológicas que carece de base material ajena a la mano del hombre.

Otro de los tópicos que es el descubrimiento de vida extraterrestre será una especie de tsunami. A mí me da la impresión de que la gente podría asimilarlo con bastante tranquilidad.

Creo que sí. La literatura, la televisión, el cine, la publicidad… todo se ha usado de forma exhaustiva con el tema ovni. Cualquier niño del mundo dibuja el perfil de un platillo volante cuando se le pregunta por un ovni. Ya no hay testigos inocentes. Todo el mundo está contaminado. Pero, al mismo tiempo, preparado. Si mañana la NASA anunciara haber descubierto un planeta a 100 años-luz mandando señales electromagnéticas propias de una civilización extraterrestre avanzada, no pasaría nada. La sociedad seguiría igual de loca como en la actualidad. Mira, a lo mejor, se cura algo, aunque solo sea por acongoje.

¿Cómo describiría la actual situación de la creencia ovni en el mundo y hacia dónde se dirige?

Vivimos un tiempo sin precedentes. Tras una intensa campaña por parte de un grupo de políticos influyentes de ambos partidos, de militares y oficiales de inteligencia, con el apoyo de los ufólogos más radicales, hoy tenemos al poderoso Departamento de Guerra de los Estados Unidos, con sus recursos ilimitados, tratando de investigar y llegar al fondo qué son los ovnis, ahora UAP. Y a la Administración Trump vaciando los archivos ovni de todas las agencias y desclasificándolos. Es indudable que todo ese personal supercualificado y todo ese millonario presupuesto de la AARO (la oficina dedicada al análisis de los avistamientos) servirá para algo. Yo estoy convencido de que llegarán a una conclusión definitiva acerca de la naturaleza del fenómeno. Y será pareja a lo que yo mismo he concluido. Vivimos ya en un tiempo de descuento: los creyentes desengañados por la ausencia de revelación y la sociedad enfrentada a la conclusión de que los ovnis no tienen nada que ver con los extraterrestres que, si los hay, están tan lejos que nunca llegarán aquí.

No hay duda de que su último libro UAP: Los ovnis del siglo XXI es su trabajo más ambicioso. ¿Puede resumir en pocas frases una obra de más de 700 páginas?

¿No querían una revelación? Este libro revela lo que ha hecho y demandado la cámara de representantes americana en torno a los ovnis en los últimos años, la legislación pro-UAP en vigor, la creación de una oficina en el Departamento de Guerra con un enorme presupuesto y personal para analizar los recientes avistamientos de pilotos civiles y militares, etc. También revela la historia de la NASA en el tema, la creación de un comité ad hoc para el estudio del fenómeno y su informe para el gobierno, una verdadera hoja de ruta de lo que habría que hacer y cómo, además de una valoración de la pobre calidad de la casuística. Revela una selección de informes que circulan en la comunidad ufológica española, cómo se han investigado y a qué resultados se ha llegado. Revela con gran lujo de detalle, como nunca antes se había explicado, como fue el proceso de desclasificación de los archivos ovni de Ejército del Aire español entre 1992 y 1999, en el que tuve el honor de participar como coordinador de un equipo multidisciplinar de asesores. Revela también cómo circula en la literatura sensacionalista en España una serie de aparentemente impresionantes episodios ovni, con pilotos, marinos, bases aéreas, barcos de la Armada, etc. que han sido debidamente valorados por las máximas autoridades de los ejércitos y que han probado ser más falsos que Judas, pero que siguen dándose por buenos en libros, podcasts, webs, etc. Revela lo que alguien ha denominado master class —y yo, curso acelerado de ufología—: me refiero al capítulo Investigación Ovni. Léase ese capítulo y ahórrese años de consultas a libros y más libros; léase la bibliografía selecta y alcance una verdadera licenciatura. Finalmente, revelo la condensación, la síntesis de mi pensamiento tras seis décadas de investigación. ¿Qué son los ovnis?

Mi libro revela cómo circula en la literatura sensacionalista en España una serie de aparentemente impresionantes episodios ovni, con pilotos, marinos, bases aéreas, barcos de la Armada, etc. que han probado ser más falsos que Judas, pero que siguen dándose por buenos

UAP: Los ovnis del siglo XXI es también una reivindicación de la ufología seria, algo que los divulgadores científicos siempre han mirado por encima del hombro.

Ya decía Víctor Hugo que nada es serio por sí mismo sino por la forma en que es tratado. Un fenómeno que se supone es presenciado por millones de personas en todo el mundo desde hace más de ochenta años, merece ser estudiado. Ocurre que se le ha maltratado de forma inmisericorde, sensacionalista y vulgar, perdiendo en los medios científicos, académicos e intelectuales el prestigio que pudo haber tenido. La monetización del tema lo ha echado a perder. Pero es una materia valiosa para investigación para estudiosos de ciencias sociales y también de ciencias naturales y físicas, no en vano hay ya cientos de tesis doctorales sobre aspectos relacionados con los ovnis.

Ha servido de algo la desclasificación que se ha llevado a cabo en EEUU en los últimos años. Me da la sensación de que estamos igual que cuando el Libro Azul o el Informe Condon.

Entre mayo y julio de 2026 van ya cuatro lotes [releases] de documentos, informes, fotos, audios y videos desclasificados por la Administración Trump, con 334 expedientes con al menos una decena de miles de páginas. Eso sí, nada del otro mundo, y nunca mejor dicho. Lo que no era ya conocido por los especialistas, no revela nada extraordinario: casos y más casos con falta de información o con gran parte censurada de avistamientos susceptibles de explicación.

A mucha gente le puede resultar chocante que el mayor experto en ufología de nuestro país no crea en la existencia de los platillos volantes, pero siga publicando libros, artículos, reseñas… ¿Lo normal no sería dejarlo estar?

El entorno cultural de la ufología es enormemente pluricurricular. Mi trabajo ha abarcado análisis de casos, encuesta sobre el terreno, investigación estadística, histórico-biográfica, aspectos militares, casuística específica, fotográfica, geográfica, tipología, etc. He publicado 17 libros y más de 600 ensayos y considero que todavía queda mucho por hacer. El tema es inabarcable y de una gran complejidad. Por eso recomiendo que se siga estudiando bajo una estricta metodología científica.

¿Ha fracasado la ufología seria?

Lo cómodo, creer en lo fantástico, es más fácil y divertido que buscar la verdad, comprobar, verificar, contrastar hasta llegar a la cruda realidad. Pero la pregunta es: ¿es la ufología un entretenimiento, una forma de llegar a final de mes o un ejercicio intelectual? Para los que se encuadren en el primer grupo, es un hobby normalmente encuadrado en la fe infantiloide en visitas al espacio exterior. Los segundos —pocos, pero muy influyentes— serán debidamente juzgados por la historia. Y los terceros, independientemente de la conclusión a la que hayan llegado, merecen respeto.

Se ha codeado con los mejores. ¿De cuál guarda mejor recuerdo?

En el curso de los años he tenido la fortuna de relacionarme con las máximas autoridades científicas del mundo en esta materia y con los pensadores más influyentes: Aimé Michel, Jacques Vallée, Allen Hynek, Richard Haines, Hilary Evans… y muchos más. De todos ellos he aprendido mucho y he tenido un importante feedback, cada uno con su enfoque característico, pero a quien considero que fue mi mentor fue Vallée. Con él firmé varios trabajos cuando se hallaba en su etapa pre-Magonia, quiero decir, cuando su mente cientifista dominaba sobre su actual ambigua postura que define un fenómeno real, multidimensional, ligado profundamente a la conciencia. Vallée, Hynek y Haines han prologado tres de mis libros, un honor que nadie más me puede disputar (añádase una sonrisa a esta afirmación).

Los platillos volantes son un fenómeno que vale la pena estudiar, pero se ha maltratado de forma inmisericorde, sensacionalista y vulgar, perdiendo en los medios científicos, académicos e intelectuales el prestigio que pudo haber tenido. La monetización lo ha echado a perder

Usted participó en la desclasificación del Ejército del Aire de los expedientes ovni en España, un proceso que algunos califican de cortina de humo.

Todavía no se ha escrito todo lo que hay que explicar sobre cómo discurrió el proceso de desclasificación, pero puedo garantizar que quienes sostienen que el Ejército del Aire guarda expedientes o informaciones sobre ovnis que no han visto la luz están rotundamente equivocados. Pero en varias décadas se han perdido documentos y, sobre todo, hay informes que nunca llegaron al Estado Mayor del Aire, en donde se han mantenido escrupulosamente archivados los casos desde nada menos que 1962. Pero si no te llega algo, ¿cómo lo vas a hacer del dominio público, que ha sido el leit motiv de la desclasificación? La desclasificación española fue transparente y la labor del coronel Ángel Bastida y su sucesor, el teniente coronel Enrique Rocamora fue impecable.

En todo caso, algo de razón tienen esas voces: los archivos de la Guardia Civil aún no han visto la luz. Pero no porque los oculte, sino por falta de tiempo. ¿Esconden alguna sorpresa?

En realidad, si ha habido una Institución que ha sido más y prematuramente abierta con los investigadores de ovnis ha sido precisamente la Guardia Civil, que ya en los años sesenta distribuyó a los investigadores listas de casos ovni que le habían llegado y, en los noventa, tuve el honor de recibir la colaboración de la Dirección General de la Guardia Civil en mis investigaciones, en el curso de las cuales me ofrecieron asistencia e informaciones que todavía están pendientes de revisar y publicar.

En 2009, en el congreso Spectra de València, presentó un informe demoledor sobre las distintas desclasificaciones que se habían realizado por el mundo, en el que desmontaba la tesis del encubrimiento. ¿Han cambiado sus conclusiones?

La tónica general del proceso seguido por muchos gobiernos, sobre todo europeos, en cuanto a información ovni, ha sido: por pura ignorancia clasificar como confidencial, secreto o reservado todo lo relativo al tema; almacenar —más que analizar, valorar o investigar— esos casos, para finalmente comprobar que esos fenómenos no tienen carácter militar ya que ni afectan a la seguridad nacional ni a la seguridad aérea, y que, además, no presentan ningún avance científico. En consecuencia, como hizo España, se han desclasificado toda la información para la consideración y valoración de unos y otros.

Sus diferencias con J.J. Benítez son míticas. En los últimos años, el navarro ha resuelto el asesinato de Kennedy, demostrado que los seres humanos coexistieron con los dinosaurios y las dinosaurias, el verdadero origen de la covid-19, y alguna otra proeza de la que ya no me acuerdo. ¿No cree que se ha quedado usted un poco atrás ante tan singulares logros?

No comulgo con esas cosas, pertenecen a un universo que no es el mío.

No soy el único que cree que tiene casi la obligación de dedicar un libro al proceso de la desclasificación. No solo a los datos, sino al proceso, al momento histórico en que se produjo. ¿Llegará?

Llegará. Me he impuesto ya un marco temporal para el cese de mi actividad de investigación. Esa será mi obra final.

Pese a descender de una familia de actores (Gerardo Malla y Amparo Valle) y llevar desde 1985 subido a los escenarios, el cantante Coque Malla nunca había hecho teatro. Como actor, cuenta con cerca de quince títulos a sus espaldas, pero siempre para la gran pantalla. Ahora estrena una nueva faceta al interpretar al proxeneta Mackie Navaja en la adaptación de La ópera de los tres centavos, que llega este sábado, 8 de agosto, al Teatro Romano de Sagunto.

Así, 43.ª edición de Sagunt a Escena, acoge este texto clásico de Bertolt Brecht con música de Kurt Weill, en una versión dirigida por Mario Vega y con dirección musical de Miguel Malla. Cabe destacar, dentro del equipo artístico, la presencia del Premio Nacional de Teatro Juan Gómez-Cornejo, responsable del diseño de iluminación.

Estrenada en Berlín en 1928, La ópera de los tres centavos es una adaptación de La ópera de los mendigos, de John Gay, en cuya reescritura participó también Elisabeth Hauptmann, colaboradora habitual de Brecht. La obra, que también incorpora cuatro canciones del francés François Villon, plantea una reflexión sobre las relaciones entre poder, economía y desigualdad social a través de una trama ambientada en los márgenes de la sociedad urbana. Esta adaptación de la compañía El Ángel de Pekín cuenta con la dirección de Mario Vega (Sobremesa, Clara y el abismo, Bar La Resistencia, El crimen de la calle Fuencarral...) y la dirección musical de Miguel Malla, hermano del fundador de Los Ronaldos.

Situada en Londres, en lugar de en Berlín, como ocurría en la versión original, la obra sigue los pasos de Macheath (“Mackie” o “Mack el Navaja”), quien se casa con Polly Peachum (Carmen Barrantes). El matrimonio desagrada a su padre, que controla a los mendigos de la ciudad y se propone conseguir que Macheath sea ahorcado. El problema es que para lograrlo debe enfrentarse al jefe de policía, Tiger Brown, antiguo compañero de armas de Macheath. Aun así, Peachum utiliza toda su influencia y finalmente logra que Macheath sea arrestado y condenado a la horca. Aún así, a Mackie aún le queda una carta por jugar.

Ese mismo día, dentro de la sección Off Romà, la compañía valenciana Fil d’Arena propone una travesía por el Pantalán con la que busca revelar la poesía oculta de la arqueología industrial del Puerto de Sagunto, en contraste con la fachada marítima. En su propuesta Públic, los bailarines y bailarinas establecen un diálogo sensible con el entorno para recorrerlo conjuntamente a partir de la interacción de los cuerpos con el espacio público.

Al grupo lo acompaña una disyóquey que pincha música en directo y construye, en tiempo real, un espacio sonoro propio. Dos bailarinas llevarán altavoces móviles para amplificar y desplazar este paisaje sonoro, creando así una experiencia envolvente que se mueve con y entre la formación artística.

El grupo estará acompañado por una DJ que pinchará música en directo y construirá, en tiempo real, un espacio sonoro propio. Además, dos bailarinas llevarán altavoces móviles para amplificar y desplazar este paisaje sonoro, creando así una experiencia envolvente que se mueve con y entre la formación artística.

El festival internacional Rototom Sunsplash celebrará su 31ª edición en Benicàssim (Castellón) del 16 al 22 de agosto con el objetivo de acercar el reggae a la generación Z incorporando nuevos ritmos de dancehall, electrónica, hip hop o flamenco urbano en una clara estrategia de hibridación con la que busca atraer nuevos públicos sin renunciar a su identidad original, incluido su activismo social.

La evolución de su cartel y de su programación extramusical paralela refleja cómo el reggae dialoga cada vez más con los sonidos urbanos y con los desafíos que marcan también la agenda cotidiana de las nuevas generaciones, que va de la crisis de la vivienda a la climática o la lucha contra el racismo.

“Rototom siempre ha sido un reflejo de la sociedad y el reggae, una música en constante evolución a través del diálogo con otros géneros y realidades. Este año reunimos un cartel que refleja esa diversidad sin perder la esencia del festival”, afirma su director, Filippo Giunta.

“No nos limitamos a programar conciertos; ofrecemos una plataforma para tomar el pulso a las inquietudes de una comunidad internacional que comparte valores de respeto y libertad”,añade.

Bajo el lema “The Place to Be”, el festival apuesta por una programación que amplía el universo reggae hacia el dancehall, la electrónica, el hip hop, el afrobeat, el neo soul o el flamenco urbano para abrirse a nuevos públicos sin perder la esencia que ha convertido a Rototom en una referencia internacional entre los amantes de la música jamaicana.

Puentes con la generación Z

El cartel reúne a algunas de las figuras con mayor capacidad para conectar con la generación Z: La jamaicana Shenseea, una de las voces más influyentes del dancehall contemporáneo; Major Lazer Soundsystem, con la energía transversal que desprende el dancehall electrónico sobre el que pivota este proyecto mainstream; Protoje, figura clave del movimiento reggae revival; o la británica Greentea Peng, con su alquimia de dub, neo-soul, jazz o R&B, son algunos ejemplos.

La escena española también gana protagonismo, desde su diversidad rítmica, con artistas como la barcelonesa Lia Kali, una de las voces más personales de la escena musical urbana actual; las raperas Las Ninyas del Corro, también desde Barcelona; o los granadinos Eskorzo, una de las bandas nacionales que mejor ha integrado el reggae con la cumbia, el ska o afrobeat.

Se une, como ejemplo de esa mezcla de generaciones y estilos, el proyecto colaborativo G-5, a caballo entre la rumba, el flamenco y la música callejera, y con Kiko Veneno, Muchachito, El Canijo de Jerez, Diego “Ratón” y Tomasito al frente.

Junto a ellos figuran otros nombres que simbolizan la evolución del reggae, como el francés Biga*Ranx, impulsor del denominado vapor dub; el productor Kybba, impulsor del Basshall Movement, un estilo que mezcla dancehall, afrobeat, ritmos caribeños, música latina y electrónica; Queen Omega, revitalizada por sus colaboraciones con la escena dub digital, o la formación francesa Dub Inc, referente del reggae europeo por su capacidad para combinar raíces jamaicanas y producción contemporánea.

Esta renovación convive con las grandes figuras del reggae clásico, como Alpha Blondy, Luciano, The Itals, Bushman o Twinkle Brothers, junto a los pioneros del ska, The Skatalites, reforzando el diálogo entre distintas generaciones y maneras de entender una misma cultura musical.

Como eje central de esta búsqueda de frescura y atracción para el público joven y el talento emergente, el festival incorpora la novedad de Reggae Jamroom, un espacio para unir a músicos experimentados con nuevos talentos a través de la improvisación en directo para crear temas al momento y versionar clásicos jamaicanos.

Ese enfoque integrador también se traslada a la programación social, de tal forma que el Foro Social 2026 abordará cuestiones como la crisis de acceso a la vivienda y la emergencia climática mediante cuatro sesiones abiertas en el Teatre Municipal de Benicàssim, con la participación, entre otros, de la física, filósofa y activista ecofeminista india Vandana Shiva y del joven activista colombiano Francisco Vera, fundador del Movimiento Guardianes por la Vida.

Dentro del recinto, el área TeenYard ofrecerá talleres de lenguaje antirracista coordinados por el colectivo Afrodiccionario y actividades de creación de rap consciente a cargo de La Alcantarilla del Sonido.

Por su parte, el espacio Ataya Social Café, en la zona africana de JamKunda, reunirá a colectivos de la diáspora africana como United Souls, The Lab Oratory y Top Manta, referente en la defensa de los derechos de las personas migrantes en España.

El festival completa este modelo con una política de abonos inclusivos para menores, mayores de 65 años y personas con discapacidad.

La aportación simbólica de diez euros de estos pases se destinará íntegramente a financiar proyectos de UNRWA España, Payasospital, la Fundación Ateneu de Castellón y la ONG Stand Up For Jamaica, reforzando una propuesta que sitúa la música y el compromiso social como dos elementos inseparables de su identidad.

La Filmoteca d’Estiu inicia este viernes 31 de julio su programación con la proyección de la película ‘Una quinta portuguesa’ (2025), escrita y dirigida por la cineasta valenciana Avelina Prat. Esta es la primera cita con un ciclo que se prolongará hasta el sábado 29 de agosto, incluye 19 títulos, y que se celebrará todos los días (salvo los miércoles), a partir de las 22:30 h, en los jardines del Palau de la Música de València. Antes de la proyección se exhibirá el cortometraje 3/105 (2014), dirigido por Avelina Prat y el fotógrafo Diego Opazo, dentro del ciclo Un río de cine

Una quinta portuguesa fue la ganadora de la VIII edición de los premios Lola Gaos de la Acadèmia Valenciana de l’Audiovisual, al sumar siete galardones (entre ellos, los de mejor película, dirección, guión y protagonista). Protagonizada por Manolo Solo, María de Medeiros y Branka Katić, narra la historia de Fernando, un profesor de geografía que, tras la desaparición de su esposa, adopta la identidad de otro hombre para trabajar como jardinero en una quinta portuguesa. Allí establece una inesperada amistad con la propietaria y se adentra en una vida que no le pertenece.

Programación de esta edición

Coincidiendo con los veintisiete años de celebración de la Filmoteca d’Estiu en el antiguo cauce del río Turia, la Filmoteca propone un recorrido cinematográfico en el que los ríos se convierten en elemento narrativo y simbólico de las historias proyectadas. Bajo el título Un río de cine, el ciclo comienza con L’Atalante (1934), de Jean Vigo, cronológicamente, la más antigua de ellas. (jueves 6).

También podrá verse El río (1951), de Jean Renoir (jueves 20). La película tiene una trama principal de corte clásico que Renoir abandona en varias ocasiones para introducir escenas de carácter documental que retratan la vida y los rituales de los habitantes a orillas del Ganges.

Además, la Filmoteca ha programado dos títulos de la edad dorada de Hollywood: La reina de África’(1951), de John Huston, con interpretaciones de Katharine Hepburn y Humphrey Bogart, y el clásico La noche del cazador (1955), la única película de Charles Laughton (10 y 11).

La selección incluye dos títulos míticos de los setenta que tienen en común la denuncia del imperialismo, además de la travesía fluvial: Aguirre, la cólera de dios’(1972), de Werner Herzog (domingo 9), y la versión definitiva de Apocalypse Now’(1979), de Francis Ford Coppola (viernes 21).

A todos estos clásicos se suman dos películas atravesadas por el realismo mágico y una atmósfera enigmática: El agua (2022), de la alicantina Elena López Riera (sábado 29) y Estrany riu’(2025), de Jaume Claret Muxart (el lunes 24 de agosto). El ciclo se completa con dos cortometrajes de producción valenciana: 3/105 (2014), de Avelina Prat, y Lleó (2025), de Alba Just, que se proyectará antes de El Río.

Mejores películas de 2025

Además, la Filmoteca d’Estiu recupera algunas de las mejores películas estrenadas el año pasado en nuestro país, que fueron premiadas en certámenes tan prestigiosos como Cannes, Venecia, San Sebastián o Valladolid. Además, coparon las listas de mejores películas del año según las votaciones realizadas en revistas especializadas como Caimán, Cahiers du cinéma, Sight & Sound o Film Comment.

Entre los títulos programados figuran Una batalla tras otra, de Paul Thomas Anderson (viernes 7 y sábado 8); Los domingos, de Alauda Ruiz de Azua (jueves 13 y viernes 14), o Un simple accidente, de Jafar Panahi (jueves 27 y viernes 28).

El ciclo incorpora películas que pasaron fugazmente por las salas, como Grand Tour, de Miguel Gomes (martes 25); Vermiglio, de Maura Delpero (lunes 3 y martes 4); La luz que imaginamos, de Payal Kapadia (lunes 17 y martes 18), o Black Dog, de Guan Hu (sábado 22 y domingo 23). Asimismo, programa la premiada ‘Una quinta portuguesa’, de Avelina Prat, que inaugurará la Filmoteca d’Estiu el viernes 31 de julio. El ciclo tendrá continuidad en la Filmoteca Valenciana a partir del 11 de septiembre.

Como en ediciones anteriores, las sesiones se abrirán con un montaje de imágenes pertenecientes a la colección de cine aficionado y familiar de la Filmoteca Valenciana. En esta ocasión, conectando con el ciclo temático Un río de cine, el montaje está protagonizado por los ríos, con imágenes del Turia, el Júcar o el Segura, que algunos aficionados valencianos tomaron con sus cámaras de 9,5 milímetros y Super 8.

El Centre del Carme de Cultura Contemporània bajo la dirección de Nicolás Bugeda, designado por PP y Vox al frente de la institución, ha eliminado en su página web el acceso a los catálogos de numerosos artistas que participaron y expusieron sus obras durante años.

Aparentemente, al acceder a la página web todo sigue igual, pero cuando tratas de acceder al enlace para consultar la obra, aparece el siguiente mensaje: “este enlace se ha eliminado”. Desde elDiario.es hemos podido comprobar que todos los catálogos publicados desde 2023 hacia atrás se encuentran en esta misma situación. Esta etapa coincide con la dirección del centro de José Luis Pérez Pont, quien fue destituido de su puesto en noviembre de 2023 por el entonces vicepresidente valenciano de Vox, Vicente Barrera, político y torero retirado.

En la página web se puede observar que los enlaces de los catálogos de las obras publicadas durante 2023 y años anteriores están prácticamente todos eliminados. Al retroceder varias páginas –en concreto, a partir de la página 4 del apartado de publicaciones de la web– el mensaje “este enlace ha sido eliminado” aparece en todos los proyectos. Las obras publicadas desde 2024 en adelante –en las páginas 1, 2 y 3– sí permiten el acceso al enlace.

Varios artistas han denunciado esta situación, puesto que ahora resulta imposible acceder a estos catálogos de obras que antes eran de acceso libre y gratuito, contenidos generados por la institución con dinero público, que contribuían a su vez a dar apoyo y visibilidad a estos artistas quienes, además, en su mayoría eran valencianos.

Por su parte la Conselleria de Cultura, en declaraciones a elDiario.es, insiste en que no se ha eliminado ninguna información: “Los catálogos están todos publicados con enlace a su exposición y con descarga gratuita, algunas descargas han dejado de funcionar debido a un fallo en la descarga del sistema de almacenamiento (dropbox) que se utilizaba en esas fechas, que ha quedado obsoleto y que se está solventando. Actualmente, ya no se utiliza este sistema de almacenamiento y se está trabajando para solucionar las incidencias”.

Los catálogos cuyos enlaces han dejado de funcionar coinciden con el relevo en la dirección del Consorci de Museus. Tras la destitución de José Luis Pérez Pont como director gerente del organismo, PP y Vox nombraron en su lugar a Nicolás Bugeda, una designación que también estuvo rodeada de polémica.

Nicolás Bugeda, nombrado gerente con los votos de PP y Vox en diciembre de 2023, apenas seis meses antes de su elección obtuvo el reconocimiento de incapacidad permanente en grado total. Una incapacidad que, tal y como pudo corroborar elDiario.es, el Instituto Nacional de la Seguridad Social consideró no susceptible de revisión.

Sin embargo, apenas nueve días después de la destitución del anterior gerente, el Instituto Nacional de la Seguridad Social revocó la incapacidad permanente en grado total, a petición de Nicolás Bugeda, quien alegó una mejoría de su estado y declaró no encontrarse ya afectado por ningún grado de incapacidad. Tras su repentina recuperación, Bugeda se incorporó a su puesto de administrativo en el Consorci de Museus a principios de diciembre de 2023

El relevo de José Luis Pérez Pont tampoco estuvo exento de controversia: en noviembre de 2023 Vicente Barrera destituyó a Pérez Pont de su puesto de director gerente, a pesar de que su contrato finalizaba en 2026 y tras siete años de dirección en los que incrementó el número de visitantes un 90,75%, cifras que avalan el trabajo pilotado por el exdirector, quien entonces denunció, en una entrevista con elDiario.es: “Resultan preocupantes los signos de inicio de una represión”.

Los responsables de Vox en la Conselleria de Cultura argumentaban que se habían cometido “graves irregularidades administrativas”. Una versión que posteriormente fue desmentida por la justicia que delcaró la destitución como despido improcedente. Pérez Pont ya señaló que las cuentas del Consorci de Museus habían sido aprobadas por unanimidad cada año por el Consejo General.

“Nada eras antes de que por azar / te concibieran / Nada serás cuando mueras a menos que escribas un buen verso”. Escrito en 1971, no fue ese, evidentemente, su mejor verso. Suponía más una reivindicación, la constatación de un deseo, la persecución de un propósito. Estaba “obstinado siempre con la remota esperanza de haber logrado ese solo verso verdadero por el que un creador logra la salvación”, dejó escrito el filósofo Ignacio Soldevila, que lo estudió en profundidad para entender razones y técnicas. Se refiere la entradilla a Max Aub, el escritor hispano mexicano de origen francoalemán, nada más y nada menos. La mezcolanza de la herencia universal en un intelectual que formó parte de la Generación del 27 y cimentó su obra en la experiencia vital, en la dura usanza del destierro y el desarraigo. Una vida de huida que se plasma en su obra y que es, estos días, un poco más accesible.

La Institució Alfons el Magnànim ofrece ahora un completo escaparate (difícilmente superable) de su corpus poético con “Poesía completa 1925-1972”. Cincuenta años concentrados en un volumen que reúne 825 poemas, la mayoría inéditos. El ejemplar, cuasi de coleccionista, compila los 325 poemas publicados en diversos libros, plaquettes y revistas que vieron la luz en “Obra poética completa” (Biblioteca Valenciana- Institució Alfons el Magnànim, 2001) y los más de 500 inéditos en manuscritos y en folios mecanoscritos, conservados tanto en la Fundación Max Aub de Segorbe, como en la Biblioteca Daniel Cosío Villegas de El Colegio de México, publicados en el volumen “Catálogo del corpus poético inédito de Max Aub” (Diputació de Castelló, 2019), que incluye, asimismo, la localización de los textos y sus variantes.

El autor nació en París el 2 de junio de 1903 pero ya con el estallido de la Primera Guerra Mundial siguió a su familia en el exilio español, exactamente en Valencia, una de las ciudades que más lo marcaron, como también él a la urbe y a su gente. La influencia es un intangible pero Max Aub se relacionó con gente de autoridad intelectual y cultural, esos que, más que pensar, hacían que otros pensasen (parafraseando a Fuster y su “más importante que hacer es hacer que otros hagan”). En Valencia se formó académicamente y en el Instituto Lluís Vives se rodeó de los hermanos Gaos, Juan Gil-Albert, Juan Chabás o Genaro Lahuerta. Fueron sus primeros contactos que, después, con los años y la reafirmación de su compromiso político, además de con sus viajes por España como representante de bisutería de caballero, amplió a Gerardo Diego, Antonio Machado, Jorge Guillén, Ramón Gaya o Dámaso Alonso. Aub se situaba en la cresta de la ola de la creación literaria española.

La guerra y su impacto sobre la cultura tomaron forma de compromiso ideológico y responsabilidad de clase. Fue delegado cultural en la embajada de París, comisario adjunto del Pabellón Español en la Exposición de 1937 y el responsable de pagar a Picasso, en representación de la República española, por el Guernica. También ejerció como Secretario del Consejo Nacional del Teatro. Todo aquello le llevó al exilio francés una vez se impuso la dictadura y el país quedó relegado a la cola de la historia. La oscuridad no entendía de versos. Tampoco de novelas, cuentos, obras de teatro, guiones de cine, aforismos, diarios o ensayos. Fue un todoterreno, como muestra el corpus de su obra. Aub escribe en marzo de 1942: “De raíces desterrado / guardan hombres con raíces en sus pechos,/ palo en palo talado todos tienen las raíces de sus brazos / dispuestas a ser mazos / y alzar contigo nuevos, otros techos”.

En tierras francesas no puede eludir las detenciones acusado de comunista, lo que finalmente eclosiona en su deportación a los campos de trabajo en Argelia, exactamente a Djelfa, situado en el desierto, bajo el régimen de Vichy. Allí padeció trabajos forzados, temperaturas sobrehumanas, enfermedades y hambre junto a otros 2.500 prisioneros mayormente judíos, brigadistas y republicanos españoles. Los escritores, de la miseria, hacen nacer un testimonio, en este caso “Diario de Djelfa”.

Tras ser liberado en mayo de 1942 se exilió en México, donde desarrolló prácticamente la totalidad del resto de su vida y cimentó una carrera profesional vinculada al mundo del cine como autor, traductor y director en más de cincuenta guiones cinematográficos, al tiempo que explicaba teoría y técnica cinematográfica, y colaboraba en medios de comunicación. “La verdad es que somos un puñado de gentes sin sitio en el mundo”, dejó escrito.

En todo aquel viaje mayormente impuesto le acompañó la necesidad de la expresión en verso. Quizá por la voluntad de complementar sus ensayos o novelas de corte realista con menor literalidad y sujetar su visión a la interpretación flexible de los lectores y lectoras. Pasqual Mas i Usó escribe en el prólogo de la obra del Magnànim: “En general es mucho más reconocido por su narrativa y su teatro. Tal vez por la intermitencia en la publicación de sus libros de poesía no ha gozado de la difusión que merece en este género. Sin embargo, de la poesía de Max Aub se desprende el dominio de una voz poética profundamente imaginativa e independiente ante los tiempos tan convulsos que conoció, durante la guerra y después en el exilio mexicano; además, su poesía proyecta un singular atractivo por la gran polifonía de voces que pueblan sus versos, a menudo tan irónicas como irreverentes”.

Aub regresó fugazmente a España en dos ocasiones. Dijo por entonces: “Regresé y me voy. En ningún momento tuve la sensación de formar parte de este nuevo país que ha usurpado su lugar al que estuvo aquí antes; no que le haya heredado. Hablo de hurto, no de robo. Estos españoles de hoy se quedaron con lo que aquí había, pero son otros. Entiéndaseme: claro que son otros, por el tiempo, pero no sólo por él; es eso y algo más”. Poco después de la segunda visita a España murió en tierras mexicanas, exactamente el 22 de julio de 1972.

No se cumple ahora ningún aniversario redondo de su nacimiento o fallecimiento. Simplemente un libro nos obliga a recuperar su obra y volver a hablar de un intelectual capital. Nunca está de más reencontrarse con los imprescindibles.

Poesía, retazo, cuaderno perdido, naufragio / arribado a una playa al azar de las resacas, / roto trono que trae figurada la imagen entera de un mundo quizá desaparecido…

La gala anual de la Asociación de Actores y Actrices Profesionales Valencianos (AAPV) trascendió este martes la entrega de premios para convertirse en una contundente reivindicación en defensa de la cultura y de las artes escénicas valencianas. Desde el escenario del Teatro Principal de València, los representantes del sindicato denunciaron la situación de precariedad que atraviesa el sector y cargaron contra las políticas culturales de la Generalitat Valenciana, reclamando más recursos y compromisos efectivos con la creación valenciana.

“La cultura no es un lujo”

El momento más reivindicativo de la gala llegó con el discurso pronunciado por la presidenta de la AAPV, María Almudéver, junto a Candela Mora y Paco Alegre. Los representantes del colectivo denunciaron que, un año después de la anterior edición, la situación del sector “ha ido a peor”, con “ayudas que nunca llegan, proyectos abandonados a medias y muestras y festivales ahogados”. También lamentaron el recorte sufrido por la Mostra de Teatre d'Alcoi, la precarización de los profesionales, la crisis del circuito teatral y la falta de impulso al audiovisual y al doblaje en valenciano.

El discurso incluyó críticas directas a la Generalitat y a À Punt, a la que reprocharon que no retransmitiera la gala por considerar que el sector “no interesa”. Los responsables del sindicato también reclamaron que se deje de tratar la cultura como un gasto y resumieron su posición con un mensaje contundente: “Ya basta de considerar la cultura un gasto, de discursos institucionales que no se transforman en compromisos reales y de silenciarnos”.

La invasió dels bàrbars y el reconocimiento a profesionales y trayectorias

En una ceremonia marcada por ese tono crítico, La invasió dels bàrbars se consolidó como una de las grandes protagonistas de la noche al acaparar los galardones a los mejores intérpretes protagonistas del apartado audiovisual, con Jordi Ballester y Olga Alamán, además del premio a mejor actriz de reparto para Estela Martínez. Toni Agustí recibió el reconocimiento al mejor actor de reparto por La cena, mientras que Paula López y Jorge Motos fueron distinguidos como intérpretes revelación. En teatro, los principales premios recayeron en Amparo Fernández y Paco Iváñez, y en doblaje fueron reconocidos Iolanda Muñoz y Rubén Felis.

Pese al tono reivindicativo, la ceremonia también sirvió para reconocer la trayectoria de destacadas figuras del sector. El Premio Taules distinguió al actor y director Eduardo Casanova por su compromiso con una creación artística transformadora, mientras que el Premio Narcís recayó en Xus Romero en reconocimiento a toda una carrera vinculada al doblaje valenciano.

Los responsables de la AAPV reivindicaron igualmente el papel del asociacionismo y del trabajo colectivo como herramienta imprescindible para defender los derechos laborales de los profesionales de las artes escénicas y cerraron la gala con un recuerdo a las víctimas de la dana y un llamamiento a seguir exigiendo “memoria, justicia y reparación”.

La empresa valenciana propiedad de los hermanos Toño y David Sánchez y del fondo de inversión KKR, The Music Republic, produjo el fallido Festival de les Arts de València a través de distintas sociedades: al menos una para la solicitud de permisos y otra para la gestión de las entradas y de las deducciones fiscales a la cultura. Fuentes de la empresa califican esta operativa de “normal” en este tipo de acontecimientos por su complejidad y garantizan cualquier indemnización que deba afrontarse por la cancelación de los conciertos del sábado por la tarde: “Ya se ha devuelto el dinero de las cargas de las pulseras que no se pudieron gastar”.

Trencadís AIE, la compañía que vendió las entradas del festival —una asociación de interés económico—, es el caso más llamativo, ya que ha cambiado de manos varias veces en el último año. Precisamente en abril, a dos meses del festival, fue recomprada por House Music Festivals SL y Superstruct, vinculadas a los hermanos Sánchez y al fondo KKR, a dos compañías andaluzas y un particular que previamente la habían adquirido.

Estas asociaciones de interés económico como Trencadís AIE, explican fuentes del sector, se utilizan para gestionar los créditos fiscales otorgados por el Gobierno a la cultura; en este caso, equivalentes al 20 % de todos los gastos en los que incurre un festival. Los promotores suelen recurrir a estos créditos para conseguir financiación externa. A cambio, los inversores reciben el equivalente en derechos para deducirse impuestos.

Esta figura fiscal, utilizada también para financiar el cine español y proyectos de I+D+i, se encuentra desde hace tiempo en el punto de mira de la Agencia Tributaria por su uso como vehículo de ingeniería fiscal para captar o inflar deducciones, así como para generar mayores pérdidas y sus correspondientes beneficios fiscales con los que pagar menos impuestos.

Por su parte, House Music Festivals SL es la sociedad a través de la cual se gestionaron todos los permisos con el Ayuntamiento de València y Cacsa. Esta compañía forma parte del holding de The Music Republic, con el que comparte correo corporativo y sede social. Fuentes de la compañía explicaron que las devoluciones del 50% de las entradas no corren peligro, incluso si tuvieran que afrontar cualquier otra contingencia fruto de las previsibles demandas de los miles de personas que el viernes no disfrutaron del espectáculo esperado y el sábado se tuvieron que quedar en casa.

Grupos de música que exigen 110 decibelios para poder tocar

El Festival de les Arts de València tenía muchas papeletas para acabar como terminó. Al aviso del Ayuntamiento de València de no superar los 85 decibelios se sumaba el hecho de que muchos de los grupos programados para la tarde-noche del sábado suelen firmar por contrato que no actúan por debajo de los 100 o 110 decibelios. Su música, sin un sonido potente que llegue a los fans, supone —según sostienen— una pérdida de prestigio. ¿Sabían los grupos y la organización que era imposible actuar por debajo de los 85 decibelios?

Fuentes de la organización del Festival de les Arts ironizan con que, precisamente ese mismo sábado, actuó la banda Sociedad Alkoholika en los jardines de Viveros, a unos dos kilómetros de distancia del festival cancelado, aunque junto al mismo cauce del Túria. “Este grupo no actúa con menos de 100 decibelios de intensidad de sonido y el Ayuntamiento de València no puso ningún problema”, explican.

“¿Son vecinos de segunda los que viven cerca de Viveros o es que hace falta que presenten una denuncia para que les hagan caso? Si hay que fijar el límite en 85 decibelios, quizá también habría que actuar contra las Fallas. No tendría mucho sentido, ¿verdad?”, argumentan.

Samuel Sebastian Rodríguez, escritor y director de cine valenciano, nos brinda en esta ocasión una obra con un fuerte componente crítico. Spain is not different, estrenada en 2025, es una película que destaca por su capacidad para conectar emocionalmente con el espectador. El largometraje invita a la reflexión y expone de forma sencilla problemas sumamente complejos que sufren a diario muchas mujeres en el mundo.

La película ha sido reconocida internacionalmente con premios en CineFem Montevideo (Mejor Película Iberoamericana), Kaia International Film Festival (Mejor Película Experimental) y Portugal Indie Film Festival de Cascais (Mejor Película), además de formar parte de la programación del LA Femme International Film Festival Europe de Budapest, entre otros.

elDiario.es conversa con el director Samuel Sebastian Rodríguez y la productora Lu Pastor Verdú. Una de las anécdotas más significativas ocurrió durante el rodaje en la calle en plenas Fallas. “Cuando Esther –la actriz que interpreta a la protagonista– se alejaba del equipo para meterse en el personaje era ignorada por la gente a su alrededor porque veían en ella una mujer vagabunda, sin hogar y africana, pero cuando acababan de rodar las escenas y se juntaba con el equipo de grabación, la gente se acercaba a ella creyendo que era una actriz americana, le pedían el instagram y se hacían fotos con ella”, según relata el director.

¿De qué trata la película?

Aunque el filme se centra en mujeres sin hogar, por desgracia, las problemáticas a las que se enfrentan estas mujeres en esta situación tan extrema no se alejan demasiado del tipo de violencia que sufren el resto de mujeres. La violencia se encuentra en muchos aspectos de la vida, adopta muchas formas diferentes y a distintos niveles de intensidad. Una agresión sexual, una paliza o un asesinato, suelen ser los tipos de violencia que se ejercen contra las mujeres más condenados por la sociedad puesto que constituyen un tipo de violencia mucho más explícita. Pero, como ya hemos mencionado, la violencia de género adopta muchas formas distintas.

La película sigue la experiencia de una mujer que llega a un lugar completamente desconocido, no conoce la lengua ni las costumbres, y además, se encuentra en una situación muy singular: la ciudad de Valencia en plena celebración de las Fallas. Lo que para el resto de personas a su alrededor es motivo de celebración y alegría –la gente en las calles, las mascletaes, la música, los petardos– para ella supone una situación de estrés y amenaza constantes, por el desconocimiento de lo que está viviendo y por el aislamiento que supone su situación en particular.

La protagonista pronto conocerá a otra mujer en una situación muy similar a la de ella, pero por diferentes razones, una mujer latina transexual que vive en la calle y se dedica a la postitución para sobrevivir, y quien le ayudará en la medida de lo posible. La protagonista le cuenta a esta mujer que antes le gustaba bailar y era profesora de baile en su aldea, hasta que la obligaron a casarse con un hombre a los 13 años, con el que tuvo dos hijas, y que la maltrataba, razón por la que probablemente terminaría jugándose la vida en el mar y huyendo de su país, en busca de una vida mejor.

Esta mujer le advierte de las consecuencias de vivir en la calle como “olvidar tu vida anterior, tu familia, tus amigos”. Creo que esta advertencia es una de las más significativas del filme. De alguna manera, cuando una persona pasa a vivir en la calle –o más bien a sobrevivir– toda esta situación conduce a una deshumanización brutal que le despoja de todos los aspectos que conformaban su vida anterior, quedando reducido a un “vagabundo” o “vagabunda”, lo que termina definiendo a la persona en su totalidad, casi como si hubiera nacido con ese estigma.

Una de las escenas más duras del filme puede ser cuando esta mujer le confiesa a la protagonista que ella es la primera persona con la que habla en esa semana. Hecho aún más significativo teniendo en cuenta que la comunicación entre ellas es sumamente reducida ya que no comparten un idioma en común. Esta frase es tremendamente reveladora de una situación de la que se habla muy poco, pero que constituye una de las consecuencias más crudas de vivir en la calle: el aislamiento social. Se produce una ruptura de los vínculos sociales cotidianos, que conduce a una soledad no deseada y produce un tremendo sufrimiento a estas personas que pueden llegar a pasar días sin ningún tipo de interacción social.

Una tercera mujer forma parte de este relato, amiga de la mujer latina, nos cuenta mediante una conversación entre ambas que se encuentra en un albergue sin hogar debido a que ha sido víctima de violencia de género, puesto que su pareja la maltrataba por tomar pastillas anticonceptivas, ya que no quería quedarse embarazada.

Una de las imágenes más impactantes que expone el filme es la violación que sufre la protagonsita cuando en la noche, un hombre se introduce a la fuerza en la pequeña choza hecha de cartones en un rincón del parque en la que duerme y termina abusando de ella. La impunidad con la que actúa está directamente relacionada con el hecho de que sabe perfectamente que esa mujer “no importa” a ojos de la sociedad, abusa de ella porque sabe que está completamente sola y desprotegida, y que por tanto, sus actos no van a tener ningún tipo de consecuencias. La invisibilidad ante la sociedad y las instituciones que sufren estas mujeres, es uno de los detonantes que provocan este tipo de agresiones. Tanto hombres como mujeres que viven en la calle sufren todo tipo de violencia y vejaciones de las que el resto de personas tenemos un completo desconocimiento porque estos actos, en la mayoría de ocasiones, carecen de consecuencias.

El espectador como testigo silencioso

Este filme no se limita a relatar las dificultades que puede llegar a vivir una mujer en situación de calle, sino que, a través de los relatos de vida de diferentes mujeres nos muestra las distintas formas que puede adoptar la violencia de género. Tres mujeres, con historias de vida completamente diferentes, que acaban en una situación similar, por los diferentes tipos de abusos ejercidos por hombres de su entorno, amparados por una sociedad profundamente machista que perpetúa y permite la violencia sistemática contra las mujeres y protege a sus abusores.

De esta forma nos hace partícipes de la historia desde fuera, la cámara –y por tanto, el espectador– adopta una posición de seguimiento observacional que acompaña constantemente a la protagonista casi como un testigo de su relato. Las imágenes junto, con algunos diálogos breves, bastan por sí solas para transmitir toda la información que el espectador necesita para entender y empatizar con la historia de estas mujeres.

A veces, menos es más, y este filme maneja este concepto a la perfección, el director consigue exteriorizar el estado emocional de la protagonista mediante un juego de planos perfectamente cuidados en los que el color –la película entera transcurre en blanco y negro, excepto al final del filme–, los diálogos, o la música, no cobran un papel protagonista sino que pasan a servir al espectador para centrar el foco en el mundo interior de la protagonista.

De esta manera el entorno funciona como una proyección del estado emocional del personaje creando un ambiente opresivo en muchas escenas que consigue transmitir toda la angustia, la confusión y el miedo que siente esta mujer.

Un fuerte componente símbolico

Puesto que el filme hace uso de un lenguaje principalmente visual, los monumentos falleros y las marionetas, además de tener un fuerte componente local, se convierten en símbolos clave que sirven como metáfora visual y representativa de la vida de estas mujeres.

Casi al inicio de la película la protagonista se para a observar un ninot que constituye una representación racializada de las mujeres negras y cumple todos los estereotipos que tenemos respecto a estas mujeres en occidente, acompañado de un cartel en el que se puede leer “Spain is different”, al igual que se puede leer en su camiseta.

Al final del filme nuestra protagonista, después de haber sufrido una de las formas más extremas de violencia que puede vivir una mujer en su situación –una violación–, observa entre lagrimas la cremà de la falla, concretamente el ninot de la mujer negra, al que propinan una patada para que termine de caer. Este gesto constituye una metáfora visual brutal que representa a la perfección el trato que ha recibido esta mujer en una sociedad que aparenta “ser diferente” y en realidad alberga un profundo racismo.

Esta escena evidencia la triple violencia que sufre la protagonista: en primer lugar, por su color de piel; en segundo lugar, por vivir en una situación de calle; y en tercer lugar, por ser mujer, mostrando así que quizás “España no es diferente”, como el título de la película indica.

En la entrevista, Samuel nos contaba que esta patada no estaba dentro del guión: “En esta escena, nuestra protagonista –interpretada por Esther Mamadou– únicamente debía observar cómo se quemaba el ninot, una imagen ya de por sí bastante representativa. Sin embargo, en cierto momento uno de los chavales presentes –la gente no sabía que se estaba grabando una película– le propinó una patada”. Este imprevisto, según relata el director y la productora, “supuso una sorpresa en el momento del rodaje, pero terminó aportando una carga simbólica que enriqueció la escena final”.

Este tipo de metáforas visuales referidas tanto a la violencia de género como al racismo, podemos encontrarlas a lo largo de todo el filme. Desde la mujer que interpreta un espectáculo de marionetas en la calle para ganarse unas monedas, en el que la marioneta en cuestión, de nuevo, representa a una mujer negra –no casualmente manejada a su antojo por una mujer blanca–; hasta la pintada en la pared al lado del espacio en el parque al que nuestra protagonista llama “casa”, donde podemos leer el famoso lema “Black lives matter”. De esta forma el filme evidencia la hipocresía de una sociedad que proyecta un antirracismo performativo.

Además, la productora Lu Pastor Verdú, cuenta cómo algunas casualidades tuvieron lugar durante el rodaje del filme que terminaron ayudando a enriquecer la ficción. La falla vandalizada del monumento de la comisión fallera de Lepanto-Guillem de Castro, representaba el cuerpo de una mujer desnuda y fue destrozada en la zona del vientre y los genitales, y por supuesto, decidieron hacerlo formar parte del largometraje debido al fuerte simbolismo: “esto no estaba previsto, pero pasó y qué casualidad más maravillosa”, señala Lu Pastor durante la entrevista.

Dar voz a quienes no pueden gritar

A través del filme, pronto el espectador se percata de muchas consecuencias que derivan de vivir en la calle, en las que la mayoría de personas nos nos paramos a pensar, precisamente porque las personas sin hogar constituyen uno de los colectivos más invisibilizados de nuestra sociedad, siendo sistemáticamente ignorados, estigmatizados y por lo tanto, olvidados tanto social como institucionalmente.

Ahí reside el valor de esta película que devuelve la voz a personas que son constantemente silenciadas, no porque se les pegue una cinta en la boca para que no hablen, sino porque nadie se para a escuchar sus historias, la razón por la que han llegado a esa situación.

En primer lugar son juzgadas –“algo habrá hecho para estar así”–; en segundo lugar, son ignoradas, en la calle apartamos la mirada –ya sea por lástima o indiferencia–, son vistas casi como seres extraños e incluso como una molestia; y en tercer lugar, existe una tremenda falta de representación de estas personas tanto en medios como en el imaginario colectivo lo que crea una mayor dificultad, primero para concienciarse –de cara a tratar de hacer algo para ayudar a estas personas primero tenemos que acordarnos de que existen– y segundo, para empatizar con ellas y dejar de verlas –y en consecuencia, tratarlas– como seres extraños.

Spain is not different constituye así un retrato crudo pero necesario de la realidad de estas mujeres, que invita a la reflexión y nos ayuda a ser un poco más humanos al visibilizar una problemática que rara vez ocupa un espacio en la conversación pública.

El Ayuntamiento de San Martín de la Vega ha plagiado con Inteligencia Artificial el cartel de la Fira del Llibre de València de 2025 diseñado por el reconocido historietista Paco Roca, para patrocinar su Feria del Libro de este año. Paco Roca ha criticado esta situación en sus redes sociales y ante la posibilidad de presentar una denuncia asegura: “Soy socio del VEGAP y lo dejaré en sus manos”.

“¿Qué es IA? IA eres tú... Pero sin cobrar” ha compartido Paco Roca en una publicación de Instagram junto con las dos imágenes de los carteles en cuestión. A la derecha se sitúa el cartel del reconocido historietista español Paco Roca para la Fira del Llibre celebrada en València del 24 de abril al 4 de mayo de 2025. A la izquierda, observamos el cartel del Ayuntamiento de San Martín de la Vega para la Feria del Libro de 2026.

El Ayuntamiento compartió en su página de Facebook el 14 de mayo la imagen en cuestión anunciando la Feria del Libro de San Martín de la Vega y hace 3 días la difundió de nuevo a modo de recordatorio de celebración de la feria, publicación en la que varios comentarios denuncian la situación de plagio y a los que el Ayuntamiento no ha respondido.

Paco Roca se ha hecho eco de la situación y lo ha compartido en sus redes sociales en una publicación en conjunto con la cuenta oficial de la Fira del Llibre de València, denunciando la situación debido a las escandalosas similitudes entre ambas y la manifiesta apariencia de haber sido generada por IA.

Paco Roca ha explicado a elDiario.es que el plagio en esta imagen “es más que evidente y expone de manera muy clara lo que hace la inteligencia artificial generativa con el trabajo de todo tipo de creadores”. Asimismo señala: “Como me ha tocado a mí y la copia es tan obvia, llama la atención. Pero el uso de esta tecnología para generar imágenes a partir del trabajo ajeno, por desgracia, es muy frecuente en instituciones, empresas y medios de comunicación”.

Roca advierte además de la situación actual que sufren muchas profesiones creativas que se ven amenazadas por la Inteligencia Artificial, no porque pueda sustituirlos –a la vista está que la creatividad y la originalidad no son dos cualidades por las que destaque esta herramienta– sino por el uso fraudulento de ella: “a quienes más perjudica es a muchos diseñadores e ilustradores de profesión y también a creadores que están empezando ahora”. De igual forma, subraya la necesidad de “reivindicar que cualquier ilustración y cualquier diseño hecho con cariño y por inteligencia humana tiene más interés y más valor que cualquier imagen generada por inteligencia artificial”.

Desde la redacción de elDiario.es se ha intentado contactar sin éxito con el Ayuntamiento de San Martín de la Vega para pedir explicaciones. Paco Roca ante la posibilidad de presentar una denuncia ha señalado que es socio del VEGAP (Visual Entidad de Gestión de Artistas Plásticos) y lo dejará en sus manos.

La Universidad de Alicante (UA) reafirma su compromiso con la accesibilidad universal en sus espacios culturales a través de las nuevas acciones desarrolladas durante el curso 2025-2026 en el marco del convenio de colaboración con Veolia en la Comunitat Valenciana. Las últimas actuaciones se han centrado especialmente en la mejora de los recursos técnicos y museográficos del Museo de la Universidad de Alicante (MUA), el Paraninfo y el Aula Magna de Filosofía y Letras con el objetivo de garantizar el acceso inclusivo a la programación cultural y expositiva.

Entre las iniciativas más recientes destaca la incorporación de una barra de subtitulado para la programación cultural del Paraninfo y la adquisición de receptores de idiomas por infrarrojos destinados al Aula Magna de la Facultad de Filosofía y Letras, además, de recursos expositivos renovados en el MUA mediante la adquisición de nuevas vitrinas accesibles, diseñadas con una altura adaptada y espacio suficiente para facilitar el acercamiento de personas usuarias de silla de ruedas.

Durante la mañana de este lunes, la vicerrectora de Cultura, Deporte y Extensión Universitaria, Catalina Iliescu, acompañada por el director de Comunicación y Relaciones Institucionales de Veolia en la Comunitat Valenciana, Martín Sanz, ha realizado un recorrido para los medios de comunicación en el que se han presentado las novedades implementadas en los tres emplazamientos del campus universitario.

Según ha explicado Iliescu, “es un placer continuar con la colaboración con Veolia en la Comunitat Valenciana, entidad con la que trabajamos desde hace un lustro y gracias a la que podemos implementar medidas como las que presentamos hoy porque nos permite dar pasos de gigante en la accesibilidad y la inclusión de las personas en la cultura”. En el mismo sentido, la vicerrectora ha concretado que “realizamos estudios y análisis detallados con nuestro personal técnico de Cultura para que las instalaciones que adaptamos sean un modelo de uso y, precisamente, distintas entidades han visitado nuestras propuestas para seguir la línea de trabajo implementada”.

Por su parte, Sanz ha remarcado el valor del convenio con la UA como “un modelo impecable de colaboración público-privada”. “Trabajamos por reforzar nuestra apuesta por el talento, la educación y la innovación tecnológica y junto a la Universidad de Alicante conseguimos ser un ejemplo de ello”, ha indicado el director de Comunicación y Relaciones Institucionales. Del mismo modo, ha añadido que “desde Veolia en la Comunitat Valenciana apostamos también por implementar medidas de acción social y junto a la UA conseguimos que se conviertan en elementos tangibles”.

Las actuaciones presentadas hoy a la prensa dan continuidad a las desarrolladas durante el curso 2024-2025, centradas en la mejora de la accesibilidad física, sensorial y cognitiva de las actividades culturales y exposiciones universitarias. En este periodo se incorporó al Paraninfo un sistema de transmisión FM destinado a mejorar la experiencia de personas con déficit auditivo durante los espectáculos y actividades programadas. También se habilitaron nuevas sillas plegables en distintas salas expositivas del MUA para facilitar el descanso del público visitante.

En el ámbito de la accesibilidad cognitiva, el MUA desarrolló diferentes recursos de lectura fácil y pictogramas para la exposición arqueológica de La Alcudia del MUA, adaptados y validados por profesionales especializados con el fin de facilitar la comprensión de los contenidos a públicos con necesidades específicas de adaptación. Asimismo, se elaboraron materiales gráficos para la exposición Al filo del Agua, organizada en el marco del Festival de Teatro Clásico de La Alcudia, centrada en la importancia del agua en la antigua ciudad íbero-romana de Ilici.

El convenio también permitió reforzar la accesibilidad lingüística de los contenidos expositivos del museo mediante la revisión y adaptación de traducciones al alemán e inglés de distintos materiales del MUA, accesibles a través de códigos QR instalados en las salas.

Estas acciones se suman a las desarrolladas en cursos anteriores, cuando la Universidad de Alicante impulsó una amplia programación de iniciativas inclusivas en sus espacios culturales. Entre ellas figuró la renovación de la señalética accesible del MUA mediante nuevos QR con braille y tecnología NFC, así como la traducción de paneles expositivos y contenidos web a diferentes idiomas. Durante ese periodo también se puso en marcha la instalación inmersiva multisensorial Después del fin de la UA, una propuesta concebida como un espacio accesible e inmersivo, planteada desde una reflexión sobre el futuro del ecosistema universitario y los retos medioambientales contemporáneos.

Además, el MUA incorporó piezas cerámicas manipulables inspiradas en las esculturas de Arcadi Blasco para favorecer la experiencia táctil de personas con discapacidad visual, junto a una mesa adaptada para usuarios de silla de ruedas en el Espai Arcadi Blasco. Los programas incluían, igualmente, actividades de sensibilización sobre accesibilidad universal dentro de la iniciativa “Diumenges al MUA”, así como servicios de interpretación en lengua de signos para actividades culturales celebradas en el Paraninfo.

Con este conjunto de actuaciones, la Universidad de Alicante refuerza su apuesta por una cultura abierta, inclusiva y accesible para toda la ciudadanía y reafirma su compromiso con la accesibilidad como uno de los ejes fundamentales de su programación cultural y museística, además de corroborar su colaboración con Veolia en la Comunitat Valenciana.

Chema Cardeña y la compañía Arden cierran con El perfume del tiempo su trilogía sobre la memoria. 2026: lo que hace cuatro años era una reflexión sobre el pasado desde el presente, se convierte en una reflexión sobre el presente mirando al pasado que obliga a añadir un capítulo más a la serie. Así ha nacido Epílogo, que se representará en la sala Russafa de València hasta el próximo 31 de mayo.

Añadir una conclusión a una trilogía de la memoria, para recordar que lo que creíamos haber dejado atrás, sigue presente, y lo seguirá estando en el futuro, es “una mala noticia. Ojalá todo acabara aquí, pero no lo creo, y ha sido la deriva de estos últimos años lo que me han llevado a escribir esta historia que yo creía haber cerrado”, reconoce el dramaturgo valenciano.

Epílogo recorre casi un siglo de historia para reflexionar sobre el fascismo y sus consecuencias en distintas épocas y lugares del mundo, a través de cuatro generaciones de una misma familia marcada por el exilio, la violencia y la necesidad constante de huir en busca de una vida mejor. La historia comienza en la España de 1936, coincidiendo con el levantamiento franquista, y termina con los inmigrantes de EEUU perseguidos por el ICE durante el segundo mandato de Trump. Por el camino, se detiene en el gueto de Varsovia y Auschwitz, la dictadura argentina, e Israel durante la primera Intifada.

Cada una de las tres partes de la trilogía de la memoria -Shakespeare en Berlín, La invasión de los bárbaros y El perfume del tiempo- tuvo su propia estructura. Lo mismo ocurre con Epílogo, en la que hay una diferencia: no se detiene en un momento concreto de la historia, sino que la atraviesa, “y me baso en la historia real de una persona que conocí durante la investigación de Shakespeare en Berlín, y de toda su familia. Eso me ha facilitado conectar el pasado y el presente, e incluso dejar esa puerta abierta, a través de la reflexión, hacia el futuro”.

Pero ¿cómo es posible que, en 2026, se puedan unir son una línea recta el gueto de Varsovia y la actualidad, algo impensable hace apenas unos años. “Pues, desgraciadamente, se puede. La barrera que separa Varsovia, Jerusalén y Washington es cada vez más fina, y es una barrera que representa lo peor del ser humano, la constatación de que no hemos aprendido nada. Creíamos que la II Guerra Mundial había sido un punto y aparte, pero en realidad fue un punto y seguido. Pensábamos que el mundo había cambiado, pero no es así”.

Epílogo avanza de la mano de siete personajes interpretados por Juan Carlos Garés e Iria Márquez. Todo, ambientado con la puesta en escena diseñada por el propio Cardeña, que gira en torno a la imagen simbólica de un reloj de arena que representa el paso del tiempo. El espacio se completa con elementos mínimos —butacas, percheros y algunas prendas— que los actores utilizan para hacer avanzar el tiempo durante la representación. La iluminación, el sonido y el vestuario, de (respectivamente) Pablo Fernández, Josemi Felguera y María Poquet, contribuyen de forma discreta pero efectiva a crear la atmósfera de cada época y lugar, a lo que también contribuyen las proyecciones audiovisuales de Federico Caraduje.

Predicar en el desierto

Cardeña lleva toda una vida militando desde el escenario contra las injusticias unas veces como actor, otras como autor; a veces desde el humor, otras desde el drama. El mundo, mientras, va a peor. ¿Predicando en el desierto? “El arte nos calma, pero desgraciadamente parece que poco se puede hacer cuando el enemigo son unas redes sociales financiadas para predicar odio”, explica.

El dramaturgo explica que intenta “poner mi granito de arena y, desde la cultura, aportar un punto de vista que invite a reflexionar y, porqué no, a intentar enmendar la realidad. Pero somos muy pequeños, la cultura no puede frenar ni los intereses políticos y económico, y tampoco la sinrazón, que el gran problema que tenemos ahora. Tampoco podemos enfrentarnos a campañas de desinformación brutales o a una justicia que deja mucho que desear. Lo único que nos queda es intentar que durante algo más de una hora el espectador se haga preguntas”.

En Epílogo aparecen en pie de igualdad dos de las ideologías más dañinas de la historia: el nazismo y el sionismo. “Son dos términos casi sinónimos. Tienen los elementos de exclusión, superioridad y discriminación Y lo peor, no se ocultan, admiten que quien no entra en sus parámetros no tiene lugar. Además, está la codicia, porque siempre hay intereses económicos”, concluye el autor de la obra.

El artista sonoro Ludwig Berger ha dedicado los últimos años a la grabación, mediante un equipo de sonido especializado, de los sonidos emitidos por el Glaciar Morteratsch, situado en los Alpes suizos. A través de su obra se pueden advertir las burbujas de aire atrapadas durante siglos que se liberan al derretirse, los crujidos del hielo al fracturarse y el agua del deshielo corriendo, una composición sonora que evoca el llanto del glaciar al derretirse: “Cuanto más vivo parece el glaciar, más se está muriendo”, señala el artista en conversación con elDiario.es, con motivo de la presentación de su obra en València.

Tras pasar por la sede de la ONU en Nueva York, por la UNESCO de París y en la Bienal de Arquitectura de Venecia, el artista aterriza su instalación en la capital valenciana, en el marco del festival 10 sentidos.

Acostumbrados a acercarnos a la cuestión del cambio climático desde una perspectiva más fría, a través de datos, cifras y estadísticas –y, en consecuencia, de una manera “más abstracta y catastrófica”, como señala el artista–, Crying Glacier propone una aproximación mucho más cercana y sensorial.

La instalación permite escuchar y sentir las voces de la tierra desde sus entrañas, transformando un fenómeno científico en una experiencia física y emocional: “Cuando uno habla de glaciares piensa inmediatamente en ciencias, pero también es un fenómeno natural que se puede investigar de diferentes maneras y el arte es una forma también de investigar el mundo y crear conocimiento, que no implica necesariamente números, datos o hechos”, apunta.

Berger subraya la importancia de concienciarnos sobre las consecuencias del cambio climático sin olvidar la belleza que la propia naturaleza constituye: “No se habla lo suficiente de la belleza que estamos perdiendo, solo hablamos de cuánto nos va a costar a nosotros”, lo que constituye una visión muy antropocéntrica que, según el artista, no nos permite apreciar la belleza del mundo que nos rodea y que está lleno de vida independientemente de la presencia del ser humano.

A través de estas grabaciones, el artista consigue dotar de agencia a la naturaleza: “Mi rol en el proyecto funciona más bien como un amplificador de la propia voz que ya tiene el glaciar”, convirtiendo el sonido del deshielo en un testimonio vivo que supone una advertencia apremiante de la crisis climática.

Testimonio y memoria para el futuro

Más allá de la instalación sonora, Crying Glacier se proyecta también hacia el futuro. Berger trabaja en la codificación de los sonidos del glaciar en ADN sintético para depositarlos en una cápsula sellada junto al Morteratsch, con la intención de que sean recuperados y reproducidos en el año 2125, en un valle donde probablemente ya no quede hielo.

El artista define este gesto como la creación de un “fósil artificial de sonido”, un archivo diseñado para sobrevivir mucho más allá de la obsolescencia de cualquier tecnología digital y conservar, en forma molecular, la memoria acústica de un paisaje en desaparición.

Festival 10 sentidos: arte y medio ambiente

El festival 10 sentidos reúne propuestas de danza, performance, teatro y artes visuales en distintos espacios de la ciudad, con el objetivo de abordar cuestiones sociales y ecológicas desde la creación artística.

El festival reúne propuestas de danza, performance, teatro y artes visuales en distintos espacios de la ciudad, con el objetivo de abordar cuestiones sociales y ecológicas desde la creación artística.

La instalación sonora de Ludwig Berger, que forma parte de la programación del festival, ha sido exhibida en la sede de la ONU en Nueva York, en la UNESCO de París con motivo del primer Día Mundial de los Glaciares, y en la Bienal de Arquitectura de Venecia, para aterrizar ahora en la ciudad de Valencia.

Podrá visitarse en Las Naves el día 16 de mayo, donde el artista invita a escuchar el deshielo del glaciar Morteratsch como una experiencia inmersiva sobre la fragilidad del paisaje, además junto a la instalación, se proyectará el documental Crying Glacier.

El director y violagambista catalán Jordi Savall (Igualada, 1941) tiene una dilatada carrera musical a sus espaldas en la interpretación con instrumentos originales. Estudió con August Wenzinger en la Schola Cantorum Basiliensis, donde también fue profesor. Es fundador de Hespèrion XX, La Capella Reial de Catalunya y Le Concert des Nacions. El pasado mes de noviembre debutó como director invitado de la Filarmónica de Berlín, con un programa que incluía obras de Rameau y Gluck, que se cerraba con la Sinfonía Júpiter de Mozart.

Savall ha vuelto ahora al Palau de la Música, donde ha actuado en numerosas ocasiones, con su nuevo conjunto instrumental, Les Musiciennes du Concert des Nacions. Se trata de un nuevo conjunto, fundado en 2023, con intérpretes femeninas de ocho países, inspirado el Ospedale della Pietà de Venecia. Era un convento veneciano fundado en 1346, que acogía a huérfanas y chicas abandonadas. Allí también estudiaban música, y Antonio Vivaldi, que fue profesor entre 1703 y 1715, estrenó algunas de sus obras con la orquesta y el coro de la institución. 

Les Musiciennes du Concert des Nations, 21 instrumentistas en total, estaban acompañadas por un coro de 20 voces femeninas (10 sopranos y otras tantas mezzosopranos-contraltos) de la Capella Reial de Catalunya. El programa incluía dos obras instrumentales y dos más para coro, solistas y orquesta, ofrecidas de forma alternada. El concierto, que duró algo más de hora y media, se ejecutó sin pausa, en la moda, que va ganando adeptos, de eliminar el tradicional descanso.

Abría la sesión el Concerto per la Solennità di San Lorenzo, obra de gran brillantez, con timbales, dos trompetas, dos oboes y fagot, además de las cuerdas y el bajo continuo. La violín solista, Lina Tur Bonet, hizo gala de un gran dominio técnico e interpretó cadencias originales de Vivaldi, según explicó el propio Savall en una breve intervención al final del concierto y antes del bis que ofreció al final.

La primera obra coral fue el Magnificat, de carácter más intimista que el brillante Gloria que cerraría el programa. Tanto el coro como las solistas vocales cantaron en todo momento sin partitura, acompañando el canto con una mesurada gestualidad. Ese movimiento en las dos secciones del coro, dispuestas en diagonal a ambos lados de la orquesta, producía un agradable efecto visual. Las solistas vocales eran miembros del coro y se desplazaban para interpretar los solos. 

A continuación, el segundo concierto de la colección La Stravaganza, para violín, cuerda y continuo. En esta obra Tur Bonet logró un sonido de gran belleza, más ancho e intenso que el que tuvo en la que abría el programa. Fue la única pieza en la que Marie van Rhijn cambió el órgano positivo por el clave para hacer el bajo cifrado, que siempre estuvo complementado por el sonido de la tiorba o a vihuela a cargo de Albane Imbs.

Cerraba el programa el célebre Gloria, ejecutado con pasión por coro y orquesta. Todas las solistas vocales estuvieron excelentes, con momentos sublimes, como en el Qui sedes ad dexteram Patris. A sus 84 años, Savall mantiene una buena forma física y ofreció versiones contrastadas, con un fraseo en la tradición historicista. El público que casi llenaba el Palau aplaudió con intensidad un programa interpretado por mujeres con solo dos hombres, Savall y el maestro de coro, Lluís Vilamajó. Un emotivo recuerdo de Vivaldi y la Venecia de principios del XVIII.

La revolución en el área de Cultura de la Diputación de Valencia sigue su curso, caiga quien caiga y con los sindicatos en pie de guerra. El proceso para elegir a los directores de los buques insignia de la institución, el Museu Valencià de la Il·lustració i la Modernitat (MuVIM) y la Institució Alfons el Magnànim, avanza y todo apunta a que será intenso, dado el elevado número de candidatos presentados.

Y es que el único requisito para ocupar cualquiera de las dos instituciones era ser funcionario A1 de cualquier administración; es decir, un perfil abierto a miles de posibles aspirantes.

De momento, parten como favoritos Rafa Gil para dirigir el MuVIM y Miquel Nadal para gestionar el Magnànim. Ambos cuentan con el beneplácito del diputado de Cultura, Paco Teruel. Gil fue vicerrector de Cultura en la Universitat de València y cuenta con una amplia experiencia en el comisariado de exposiciones. Por su parte, Nadal ha sido hasta hace una semana director general de Cultura de la Generalitat Valenciana.

Ambos tendrán que competir en méritos, como mínimo, con el sociólogo Vicent Flor, quien fue director del Magnànim durante ocho años, en una de las etapas más prolíficas y abiertas de la institución. Flor también ha sido conservador del MuVIM, aunque, tras la reforma del área de Cultura, fue trasladado a otro departamento.

No se descarta que haya más candidatos, puesto que el requisito de acceso es mínimo. Un tribunal deberá decidir cuál es la mejor opción para dirigir el museo y la editorial pública. El 27 de abril finalizó el plazo para presentar candidaturas.

Entre las distintas funciones que deberá desempeñar el director del Magnànim figura la elaboración de la propuesta de Programación Anual, “en coordinación con las orientaciones del diputado de Cultura y de los propios órganos asesores”. También deberá dirigir y supervisar la gestión económica y administrativa, en coordinación con la Sección de Administración de Museos, Gestión Cultural y Municipalismo y el IAM, así como encargarse de la elaboración de la propuesta de Presupuesto Anual del instituto y su ejecución, además de las propuestas de convenios, contratos y otros de análoga naturaleza.

Asimismo, le corresponderá coordinar las tareas de estudio, investigación y difusión del instituto con el apoyo del Consejo Asesor, e informar y proponer a los órganos competentes de la Diputación las necesidades de colaboración con otras entidades y editoriales, así como de contratación para el desarrollo de sus actividades.

El director o directora del Magnànim también deberá elaborar las bases de subvenciones y premios del IAM, organizar sus convocatorias, asistir a la Comisión de Cultura cuando el diputado lo estime pertinente y redactar los informes técnicos que, en el marco de su categoría profesional, le sean requeridos.

Por su parte, el director o directora del MuVIM deberá ejercer, como máximo responsable, la dirección del funcionamiento y la gestión del MuVIM–Museu d’Art de la Diputació; perfilar su definición museológica y su aplicación museográfica, identificando objetivos y necesidades y organizando los recursos para el cumplimiento de sus fines; así como garantizar la realización de sus programaciones y la conservación, investigación, divulgación y mejora de todos los fondos y colecciones de carácter histórico-artístico mueble de la Diputación, que conforman las colecciones museológicas a su cargo, junto con los fondos ya existentes.

Se trata de toda una declaración de intenciones de la nueva línea que emprenderá el centro, que pretende poner en valor la colección propia de 4.000 obras de la institución provincial.

Miguel Herráez habla despacio, como si en cada frase te contara una novela. Profesor universitario de Crítica Literarias durante décadas, lector voraz desde niño y escritor de una obra que se mueve entre la memoria y la ficción, regresa ahora con Aparte de lo otro, una novela que vuelve a la Valencia de la Transición para explorar —una vez más— la relación entre literatura, periodismo y experiencia vital.

La conversación empieza ahí, en ese tiempo que él llama “mítico”, aunque enseguida matiza. “La Transición fue una época muy violenta. Parece que ahí empieza la democracia, pero todo el mundo sabe que no era así”, dice. Su novela se sitúa en ese terreno inestable: finales de los setenta, una ciudad en ebullición y un joven que quiere ser periodista. No es casual. Herráez pertenece a una generación marcada por acontecimientos que todavía hoy funcionan como hitos íntimos: el asesinato de Carrero Blanco, la muerte de Franco, el 23F. “Fue un aldabonazo”, recuerda sobre aquellos años en los que “la gente hablaba muy bajo en los bares”.

Pero más que reconstruir la Historia, le interesa reconstruirse a sí mismo. “Lo que intento es rescatarme a mí mismo, mi memoria”, explica. El protagonista de Aparte de lo otro aspira a ser periodista, como el propio Herráez reconoce que le hubiera gustado ser. Es, en realidad, una forma de estar en el mundo. “El periodismo siempre me sedujo. Puedes entrar en ámbitos donde todo el mundo no puede acceder”, dice el escritor, que ha formado en los clásicos de la literatura a centenares de plumillas.

Para Herráez, esa es una de las claves: el periodista no solo cuenta lo que ocurre, sino que está allí donde ocurren las cosas. En reuniones clandestinas, en redacciones agitadas, en los márgenes de la historia. Pero también es una ilusión que se enfrenta a la realidad. “Quería trazar el perfil de esa iniciación: un personaje que se enamora de la profesión y el choque que tiene con la realidad”, resume.

Ese choque sugiere, sigue existiendo hoy, aunque el contexto haya cambiado radicalmente. “Ha cambiado mucho la actitud del alumno. Antes llevaba el periódico bajo el brazo. Ahora no interesa. Todo es mucho más ligero”, lamenta. Y ahí introduce una idea central, casi una advertencia: “El periodista tiene que tener rigor, verificación. Si te dicen que hay un árbol, tienes que ir a tocar el árbol”. A ese rigor añade algo menos técnico y más visceral: “El hambre debe ser consustancial. Si no está en la genética, se equivoca de profesión”.

Herráez se define sin rodeos como un escritor que no ha tenido éxito. O, al menos, no en los términos habituales. “¿Éxito qué significa? ¿Vender libros? Una cosa es literatura y otra vender libros”, afirma. Su escritura, explica, nace de un impulso introspectivo, casi inevitable: “Yo suelo escribir sobre lo que soy yo en el mundo”. Ese movimiento hacia dentro condiciona también sus límites: “El problema de escribir sobre uno mismo es que es un mundo muy limitado. Solo puedes hacer variaciones sobre tu idea del mundo”.

La ciudad que no se contó

Una de las obsesiones de Aparte de lo otro es Valencia. Como una cartografía precisa. “Si hablo de una calle, es esa calle. Soy muy fiel a la ciudad”, explica. Herráez reivindica una carencia: la falta de relatos sobre la Valencia de la Transición. “Hay mucho Madrid en la novela, pero Valencia ha quedado marginada”, señala. Por eso su literatura tiene algo de restitución. De devolverle densidad narrativa a un lugar que también fue central. Pone la “atmósfera”, por encima de la “intriga”.

Miguel Herráez reconoce que escribe sin un plan cerrado: “Soy un escritor sin brújula. Solo tengo la atmósfera y voy estirándola”. Ese método le obliga a una reescritura constante, casi obsesiva. “Esta novela me la puedo haber leído cien veces”, confiesa. Frente a la inmediatez del periodismo, la literatura le permite detener el tiempo: “En literatura puedes trabajar siete u ocho horas para un párrafo. Eso permanece”.

Aunque sus novelas se apoyan en hechos históricos, Herráez rehúye el tono solemne. “Quiero desacralizar los hechos sin quitarles dolor”, explica. Ahí entra la ironía, el humor leve, incluso cierta distancia frente a los grandes relatos ideológicos. Sus personajes —periodistas, aspirantes, observadores— funcionan como vehículos de esa mirada: están dentro de la historia, pero también la cuestionan.

Aparte de lo otro introduce además un elemento poco habitual en su obra: una intriga más marcada, un cierre que obliga al lector a mantenerse atento. “Recomiendo leer hasta la última palabra”, advierte. No da más pistas.

Este brillante profesor de Crítica Literaria seguirá escribiendo libros. Le queda mucho por contar. Pero en la literatura, podrá disfrutar de aquello que también quiso ser y tanto ama. El periodismo.