¿Qué mitos sobre los Lumière quería derribar con esta película?

Hay un montón de leyendas sobre los Lumière que son bonitas, pero son falsas. Es falso que los inventores del cine dijeran que no creían en su futuro. Puede que fuera el padre de los Lumière, pero no ellos. Louis produjo 1.500 películas, esa es la prueba de que creía en el futuro del cine. E inventó la fotografía en color. Louis Lumière fue el último inventor del cine, pero fue también el primer director, fue un creador. La Historia del Cine no ha hecho justicia a Lumière. Quería hacer un largometraje de 90 minutos para llevar de nuevo sus películas a las salas de cine, como una obra de cine, no como una imitación de las proyecciones de aquella época. Y no es mi película, en el póster no pone “una película de Thierry Fremaux”. Yo me dedico a ver películas de otros. 

Otro cliché es el que atribuye a Lumière la invención del documental y a Méliès las primeras películas de ficción...

¡No! Su quinta película, El jardinero, del 95, es una historia de ficción. Y hay puesta en escena en sus documentales. Lumière es Roberto Rossellini y Méliès es Federico Fellini; Lumière es el realismo, tomó la realidad y la puso en la pantalla; Méliès cogió la realidad y la reinventó, Méliès es Hollywood, Jacques Demy, La La Land; Lumière es Kiarostami, Kechiche, Renoir, Cassavettes... ¡No es una oposición, es una adición complementaria!

¿Estaban en las primeras películas los ingredientes básicos del cine de hoy?

Más que eso. Ver esas películas hoy es una manera de enseñar lo que somos como espectadores. Son películas que te obligan a esperar, a ver, a mirar, a aceptar, a pensar... El espectador ha cambiado mucho con los años. Con las películas digitales es muy difícil generar conciencia. El acto, entonces, era tan inocente que las preguntas eran obvias. Leonardo DaVinci no es el mismo pintor que Picasso o Rothko, pero es el mismo acto de creación. Decía William Faulkner que el pasado no murió, que el pasado no ha pasado; y me parece que seguimos en la misma historia desde los Lumière. ¡Sobre todo en estos momentos!

¿Por qué?

Durante ochenta años el cine estuvo solo. Desde hace treinta años compite con la televisión, y ahora con Internet. ¡Estamos en la edad dorada de las series de televisión! Pero es cine, es el mismo lenguaje del cine. ¿Qué es el cine hoy? Para mí la respuesta más importante del mundo del cine a Amazon o a Netflix es Dunkerque. Hay que verla en la gran pantalla. Y las películas de los Lumière no hay que verlas pirateándolas, en Internet, ¡no! Restauradas, en la gran pantalla... y juntos. Lumière inventó tres veces el cine: la técnica, el arte y la sala de cine. Inventó el espectáculo del cine. Lo que hacemos aquí, en San Sebastián. La gente tenía ganas de eso hace más de un siglo y todavía tenemos ganas.

Ahora que en Francia se va a imponer una tasa a YouTube o a Netflix para financiar el cine... ¿se reconsiderará su participación en el Festival de Cannes?

Bueno, no estoy aquí para hablar de Cannes... Por volver a lo que ocurrió... Yo hablo con directores y productores, no hablo con Netflix, Amazon o Warner. Hablé con Noah Baumbach o Bong Joon-ho, que son directores y quieren trabajar. Martin Scorsese, con el que estoy hablando, está trabajando en una nueva película producida por Netflix. A Cannes fueron películas de cine. Lynch, al que invitamos por el cumpleaños del festival, nos ofreció su serie... pero él mismo decía que no es una serie, es una película de 18 horas. Me pareció que lo mejor era abrir los brazos a Netflix y Amazon en la alfombra roja, porque ellos son realmente cinéfilos y han invertido en cine. Lo que no me gustan son las palabras de Reed Hastings [fundador de Netflix], palabras muy irónicas sobre las salas de cine de París. Perdóneme, pero para mí una vieja sala de cine en París es una cosa muy importante. Como la Scala de Milán para la ópera. Veremos lo que haremos. Pero yo creo que las salas de cine deben anticiparse al mundo nuevo...

¿No cree que una generación de gente joven se sintió fuera de Cannes cuando Almodóvar dijo que no podría premiar a Netflix?

No, no. Tenemos confianza en que la gente vuelva a los cines, también la nueva generación. Es como los discos de vinilo y su renacimiento, o como con la buena comida. Todavía queremos comer de forma original y diferente, a mí no me gustan las hamburguesas... porque soy francés. Sé que el cine no es solo un arte, que es una industria, y que necesitamos dinero para realizar por completo nuestros sueños. Pero no, no, no. La gente de Netflix sabe que viene del cine. Veremos lo que pasa en el futuro, pero nosotros estamos del lado de las salas de cine. Aunque tengo curiosidad sobre el nuevo mundo...

¿Y no tiene miedo de que Cannes pierda su sitio?

Los festivales son un laboratorio. En el año 2002 fuimos el primer festival del mundo que proyectó en digital. Sokurov, ruso, proyectó en digital... y George Lucas, blockbuster, Star Wars, un militante muy fuerte del mundo digital. Era perfecto para un ensayo, y fui muy criticado por las salas de cine. Ahora las salas tienen solo digital. Nosotros conservamos el 35. ¿Tenemos máquina de escribir u ordenador? Tenemos que anticipar el futuro, pero si queremos luchar contra el exceso del mundo nuevo tenemos que conocerlo. El pasado Cannes fue un evento importante para decirle a Netflix “bienvenido”, pero fue también un ensayo. Veremos el año que viene.

¿Usted tiene Netflix?

No. Como persona a mí no me interesa Netflix. Me interesa la Historia del Cine. Hay tantas películas que no he visto que no me voy a poner a ver series. Como persona no estoy contra Netflix, pero estoy a favor de las salas; como profesional debo abrir los ojos para ver cómo es el mundo de hoy. Si Cannes quiere seguir siendo el festival más importante del mundo tenemos que estar muy abiertos al nuevo mundo. Veremos qué pasa. El conflicto fue fuerte, pero funcionó.

Han abordado su personaje de

Cassian Andor

en el spin-off de

Star Wars

y cómo mantuvo el secreto sobre el rodaje y sobre la trama

Como Fontiveros, su personaje en La niña de tus ojos (1998) y La reina de España, que estrena hoy, Antonio Resines es un hombre tranquilo. Ha mantenido un silencio sepulcral durante los últimos meses sobre su extraña salida de la presidencia de la Academia de Cine. Y eso que ha tenido que oír cosas como esta: “la última presidencia ha sido bastante extravagante con un dinero que a veces no teníamos”. Son palabras, en rueda de prensa, de Yvonne Blake, su sucesora al frente de la institución. Resines considera que ahora sí es momento de defender su posición, su breve mandato al frente de la Academia, marcado por la creación de una AIE [Agrupación de Interés Económico] para gestionar los patrocinios de los Premios Goya.

“Yo cuando escuché esa frase en concreto, lo de 'extravagante', llamé a Yvonne Blake y le dije que esas cosas no se pueden decir, porque se pueden interpretar de forma perjudicial para la persona que supuestamente ha hecho ese uso extravagante del dinero, que en este caso era yo”, decía Resines durante una entrevista con Kinótico, entre la tranquilidad y la vehemencia. “Me pidió perdón, y creo que desde ese día ya no se va a volver a hablar de qué es lo que yo hacía o dejaba de hacer en la presidencia. ¡Porque no viene a cuento! Si yo no he dicho nada, los que vienen ahora no deben decir nada.”. Y eso a pesar de que Blake, elegida presidenta sin oposición en las urnas, sigue haciendo alusiones a su antecesor. La última, durante la entrega de la Medalla de Oro a Santiago Segura: le llamó “Resines el Breve”.

“Desde mi punto de vista”, continuaba el actor, “el sistema de decisión de la Academia de Cine no funciona. Hay una asamblea que elige al presidente y a los dos vicepresidentes, y luego hay una Junta Directiva. En esa junta hay 28 personas -más el presidente y los vicepresidentes-, y todos tienen el mismo voto. Y si la mayoría de la junta no quiere que el presidente haga algo, el presidente no lo puede hacer. Esto al margen de que haya habido una relación más o menos fluida con la junta directiva”. Que no lo ha sido. Otro punto de ficción ha sido la figura del exdirector de la Academia de Cine, Porfirio Enríquez, elegido por la junta y que acabó siendo fiel a la cúpula de Resines. “Hay que reformar los estatutos... porque con el sistema actual no haría falta que hubiera presidentes. Decidirían la junta o la asamblea. Esto es una opinión particular. ¿Qué pasó en mi caso concreto? Que la junta directiva y la presidencia no estuvieron de acuerdo sobre una decisión. Nada más”.

La decisión polémica

Esa decisión fue la puesta en marcha de la AIE mencionada, que se instituyó sin el conocimiento de la Junta Directiva y a la que esta, finalmente, se opuso. “Creo que se puede decir, porque tengo interpuestas demandas contra la gente que insinuó otra cosa, así que no tengo ningún problema. Para que lo tenga todo el mundo claro. Durante mi presidencia, todo lo que se ha hecho, con mayor o menor información para una serie de personas, se ha hecho a favor de la Academia”, se defendía Resines. “Y quiero decir otra cosa que es muy importante para el gran público: la presidencia de la Academia no está remunerada. Con eso ya lo digo todo. Nadie ha hecho nada en contra de la Academia, ni se ha llevado dinero ni nada de nada”. Parte de la polémica surge de que el propio Resines figuraba como titular de la AIE, un hecho criticado por sus detractores y defendido por él como trámite burocrático necesario.

Pero Resines también tenía palabras para su autocrítica, centrada en el procedimiento. “En algunos casos se ha avanzado para tomar decisiones unilateralmente -por parte de la presidencia y de la dirección general- con las que, una vez informada la Junta Directiva, no estaban de acuerdo. ¿Se podría haber hecho de otra forma?”, se preguntaba el expresidente. “Sí. ¿Se reconoció que se podía haber hecho de otra forma? Sí. Y en un momento determinado, como aquello no funcionaba, tomé la decisión de dimitir. Y mis vicepresidentes. Y seis o siete miembros de la junta directiva. No pasa nada más. Más claro el agua”, zanjaba. Y para el final queda el desagravio. O si se quiere, la aclaración. “Estoy muy orgulloso de haber sido presidente de la Academia, porque es una institución seria, con magníficos trabajadores y que funciona muy bien. Son circunstancias de la vida”.

Disponemos de 20 minutos con él. Si descontamos los silencios que median entre las respuestas, probablemente la entrevista se reduzca a ocho. Pero son tan sustanciosos [al menos en materia de titulares, moneda de curso legal entre los periodistas] que parecen dos horas. La primera pregunta para Nicolas Winding Refn (Copenhague, 1970) es si considera que The Neon Demon, la película que estrena este viernes, es su mejor película.  Responde escuetamente que decir eso de sí mismo sería algo muy triste, y añade lo siguiente: “Sé que vivimos en una sociedad que vive obsesionada con clasificar la Cultura. Espero que eso cambie, pero ahora mismo lo único que interesa es cuánto dinero hace, en qué casilla podemos colocarla y cómo podemos no pensar en ella. Estas tres cosas son el enemigo de la creatividad”.

Los amantes del cine histórico -y del cine nórdico- ya lo conocían por Valhalla Rising, aquella cinta [¿de época?] que rodó en 2009 con un mucho menos conocido que ahora Mads Mikkelsen. La parroquia cinéfila apuntó su nombre en 2011 con Drive, la historia del conductor solitarioDrive al que daba vida Ryan Gosling y que supuso su debut en el Festival de Cannes. Y la polémica llego en 2013 con Solo Dios perdona, con la que dividió de nuevo a la crítica de la Croisette. ¿Qué le debe Winding Refn a Cannes? “La pregunta debería ser qué me debe Cannes a mí. Me debe tres Palmas de Oro y todavía no me las ha dado, eso lo sabe todo el mundo. Cannes sería muy aburrido sin mis películas, nadie tendría nada sobre lo que discutir”.  

Su nueva película, la que merece esa tercera Palma de Oro a la que alude, es The Neon Demon. Protagonizada por la jovencísima Elle Faning, retrata el mundo del glamour, la moda y la prostitución en el entorno de Hollywood. “Me encanta el glamour, me encanta el circo”, dice con un tono serio que invita a pensar lo contrario. “Nos dedicamos al entretenimiento. Hay que utilizar el glamour de la vida diaria para el negocio. Es como presentarse a presidente. Todo el mundo intenta convertirse en un Trump: atraer el foco hacia lo que dicen y hacen porque el tiempo de información es muy limitado”, concluye, en la que será su afirmación más política durante el encuentro. “El dinero lo es todo. El dinero es tu libertad. Hago películas muy baratas para que puedan hacer dinero muy rápido, y así poder seguir haciendo películas. Todo se reduce al dinero”.

Dice que nunca ha trabajado en Hollywood. Sí físicamente, pero no dentro de la industria. “Me gustaría, pero hay que encontrar el proyecto correcto y la libertad que quiero para hacer lo que quiero”. Ha dicho que no a proyectos. “A esas cosas que Hollywood hace”. No era el momento, no consideró ser la persona adecuada para hacer... eso que había que hacer. “Me encanta Hollywood”, matiza, “veo sus películas todo el rato. Especialmente en los aviones porque tengo miedo a volar y me ayudan a concentrarme en otras cosas. Es una maquinaria perfecta y, desafortunadamente, no ha llegado el proyecto adecuado. Espero que llegue”. Es el deseo de un director que rueda en orden cronológico. Y que sostiene que no es más caro que el método tradicional: ordenar el rodaje por unidades espaciales.

¿Cómo definiría Hollywood? “Hollywood es una prostituta muy cara. Si trabajas en Hollywood puede que tengas libertad creativa, pero tienes que hacer 500 millones de dólares para devolverle el dinero a los productores, y eso es una forma de censura. Yo prefiero ser completamente libre, es la obligación de los creadores”. De nuevo el dinero, que también aparece cuando recordamos su primer trabajo en televisión: unos episodios en Reino Unido sobre Miss Marple, la anciana detective creada por Agatha Christie. “Estaba arruinado y necesitaba el dinero”, confiesa. Le gusta Homeland. Especialmente el personaje de Claire Danes. Reconoce que le han ofrecido alguna serie porque “la posibilidad está ahí, en las conversaciones”. Y no ha visto Borgen, la serie danesa más exitosa. “No he tenido tiempo”.

Atentos a su definición de la palabra 'Cultura'. “Es como una violación que penetra tu mente, planta una semilla y la inspiración comienza. De eso va la creatividad. No tiene que ver con la vanidad, con el ego, con la megalomanía, con los premios, los o con la taquilla o el dinero. Al final es la inspiración para la vida. Eso es lo que la Cultura puede hacer. Por eso se trata de un secreto sagrado, es como una religión. La necesitamos para sobrevivir”. Ama los cuentos de hadas, dice que son la forma de narración perfecta. Quizá conectada con la estética radical de sus películas. “Son simples de leer pero muy difíciles de entender. Yo vengo de un país en el que nació uno de los más grandes escritores de cuentos, Hans-Christian Andersen. Se podría decir que soy su versión joven. Tenemos muchas similitudes. Si Hans-Christian Andersen estuviera vivo hoy... sería yo”.

Con lo manida que está la alusión al tango -“¡qué febril la mirada!”-, cada vez que se alude a un lapso de veinte años las viejas notas resuenan en la cabeza. Son dos décadas las que han pasado desde que Fernando Trueba (Madrid, 1955) rodó y estrenó La niña de tus ojos. Otros veinte en su vida como cineasta. Veinte más en las vidas de los actores y otros veinte en las vidas de los personajes, que desde el viernes pulularán en la gran pantalla alrededor de La reina de España, la segunda parte de aquella cinta. Varias veces veinte años. En la ficción, el personaje del director Fontiveros -al que da vida Antonio Resines- regresa a España muy cambiado. Ya no estamos en la Alemania nazi, estamos en el 1956 de Franco, y la guerra y la huida han modificado su vida y su mirada.

“Yo básicamente me siento el mismo”, dice Trueba sobre sus propios veinte años. “Los seres humanos envejecemos físicamente, pero el espíritu no envejece. Mi amigo Bebo Valdés me decía con 92 años que le costaba mucho levantarse por la mañana y llegar al baño, pero que cuando se sentaba al piano tenía 20 años”, explicaba imitando el acento cubano del músico. “Con el paso del tiempo, lo único que siempre digo es que rezo para que no se me pase la pasión por el cine. Y si se me pasa, tener el valor de dejarlo. Hay que hacer cine no por hacer algo, sino por la pasión de contar historias. Y si no la sientes, no lo hagas”, aconseja el director, con decena y media de títulos a su espalda.

¿En qué se manifiesta esa pasión? ¿Cómo detecta en su día a día que la llama sigue viva? “Siempre estoy dándole vueltas a historias, a cómo contarlas, buscando el momento de cada una. Soy como alguien que tiene un jardín, ha plantado 20 cosas y sé que solo una va a crecer, solo una será un árbol. Me lleva un tiempo decidir, soy rápido pero a la vez le doy muchas vueltas a las cosas”. En el caso de La reina de España, el árbol creció muy poco a poco. Asegura Trueba que los personajes le susurraban al oído, le proponían líneas argumentales y que progresivamente fue decidiendo cuándo rodarla: cuando el lapso de dos décadas coincidiera en la vida real de los actores y en la ficción.

Penélope, como en la ficción, es una estrella

Decíamos que el personaje de Resines regresa a la España de 1956 tras un largo exilio, y en ese Madrid de hambre y frío se reencuentra con los viejos personajes de Rosa María Sardá, de Neus Asensi, Jorge Sanz o Santiago Segura, y a la tropa, que está rodando una superproducción americana sobre los Reyes Católicos, se unen nuevos integrantes, como Javier Cámara o Chino Darín. Desde Hollywood aterriza, para protagonizar la cinta, la estrella española Macarena Granada (Penélope Cruz), acompañada siempre por su imbatible asistente (Loles León). Así se dibuja una fotografía muy parecida a la de La niña de tus ojos, con todos los planetas girando de nuevo en torno al personaje de Cruz.

“Es la misma Penélope, pero ahora es más estrella. Tiene ese estatuto. Se lo ha ganado a pulso, haciendo películas, cosechando premios en Estados Unidos que no te regalan, ni el Oscar ni el David di Donatello. Penélope ahora es mucha Penélope”, dice el director de Belle Époque con mucho respeto. “Pero sigue siendo una pedazo de actriz. Yo la veo en la película y pienso que está más guapa y mejor actriz que nunca”. Cuenta Trueba que en el guión ha jugado a hacer algún guiño, algún paralelismo entre las carreras de Macarena Granada y Penélope Cruz, ambas triunfadoras, ambas con dificultades para profetizar en su tierra.

Este viernes llega el enfrentamiento de La reina de España con la taquilla. ¿Cree Trueba que el público español ha superado la animadversión hacia su cine? “Creo que sí, pero como somos una industria tan frágil... la estadística puede cambiar por el éxito de dos películas. Yo creo que a la gente le gusta ver películas españolas; lo que no sé es si las ven porque son españolas o porque el proyecto les interesa. Los espectadores no les van pidiendo el pasaporte a las películas”. Asegura el artífice de Ópera Prima que está muy atento a la nueva generación de directores. “Hay gente haciendo desde cine de género a documental y a cine experimental; entre lo que hacen Bayona, Isaki Lacuesta o mi hijo hay una gran diversidad, hay muchas cosas que me gustan”.

A contraluz. Casi como una metáfora. Había que entrecerrar los ojos para ver a Juliette Binoche (París, 1964), que esperaba al entrevistador de espaldas a una ventana luminosa en un hotel céntrico de Madrid. La actriz francesa, a la que no parece importarle el sol de noviembre clavándose en su espalda, ha viajado a Madrid para recibir el premio Women In Action! 2016, un galardón que le conceden la Asociación de Mujeres Cineastas (CIMA) y Movistar+ como recompensa a su decidida defensa de la presencia [y los derechos] de las mujeres en la industria audiovisual. El traductor de francés, dispuesto para la ocasión, permanecerá en silencio. La entrevista transcurrirá en inglés. Costará centrar el foco sobre la situación de la mujer, pero una vez ocurra... las respuestas serán nítidas...

¿Cree que los periodistas hacemos las preguntas adecuadas sobre la situación de las mujeres en la industria del cine?

A veces las preguntas que me hacen me parecen demasiado generales. Cuando yo interpreto un personaje soy muy específica, así que me gustaría que me hicieran preguntas más íntimas sobre ese trabajo. Pero al mismo tiempo hay... unos modelos que los periodistas aprenden sobre lo que se debe preguntar a los actores y a los directores, o a los guionistas. A veces siento celos de las preguntas que se les hace a los directores, ¡creo que son más interesantes! Y sin embargo mi tarea es encontrar respuestas que sean más inteligentes que las preguntas. A veces los periodistas me hacen pensar, pero es muy raro.

¿Dónde cree que deben empezar los cambios para que las mujeres y sus preocupaciones amplíen su presencia en el cine?

Lo que busco cuando me ofrecen un guión como actriz es una historia que apele a un espacio muy personal. Y eso tiene que proceder de un lugar muy oculto, dentro de los directores. A veces veo que la gente quiere hacer películas por el mero hecho de hacerlas, para ganar premios o para ser parte del juego, para obtener un reconocimiento. Pero las películas deben servir para expresar sentimientos íntimos. ¡Y son como una exploración! Para mí hacerlas es un círculo, es una obra de varias personas que se unen. Por eso es tan difícil sacarlas adelante. Quiero que haya películas que cambien mi vida, de las que pueda aprender cosas.

¿Dirigen los equipos de rodaje de forma diferente los directores y las directoras?

¡Depende de cada ser humano! La diferencia está en que los hombres están más acostumbrados a tener el poder, y por eso viven ese liderazgo con una mayor relajación. Depende, claro, de la persona de la que hablemos, pero como en general siempre han tenido el poder... nunca han tenido que luchar. ¡Y también depende de otra cosa! A veces es el productor el que tiene el poder. O en las series, el guionista. O algún actor, porque es una gran estrella. Yo diría que en Francia es el director el que tiene el poder. Las mujeres directoras a veces tratan de ser como hombres, porque sienten que no tienen una autoridad natural; otras veces su parte masculina es predominante. La parte femenina suele estar relacionada con la recepción, y la masculina con la donación; ¡y la femenina se relaciona más con ser director, porque los actores ya están ahí para dar!

¿Podemos decir que seguimos avanzando? ¿Hay cada vez más mujeres en la industria?

Sí, y aún así podemos decir también que es solo el principio. Yo cada vez trabajo con más mujeres, y últimamente he hecho películas con muchas: Mia Hansen-Løve, Claire Denis, Isabel Coixet, Chantal Akerman... ¡Paro la verdad es que a mí el sexo no  me importa! Quiero trabajar con alguien que tenga una visión y la capacidad de llevarla a cabo.

Francia puede elegir en 2017 a su primer mujer presidenta... pero esa mujer pertenece a la extrema derecha. ¿Cómo vive esa ambigüedad?

¡No quiero a ninguna mujer como presidenta el año que viene! (Risas) ¡No! ¡No me preocupa el asunto del sexo! ¡No quiero a ninguna mujer al frente de Francia! Tenemos que ser un país de intercambio, un país de influencias. No podemos ser egoístas, tenemos que abrirnos al mundo. 

¿Por qué cree que vivimos este divorcio entre la política tradicional y los votantes? Se acaba de evidenciar en Estados Unidos...

Creo que a veces la gente puede pensar que las soluciones están fuera de sí mismos, así que votan a “papá” para que les resuelva la vida. No se preocupan de evaluar qué pueden cambiar en sus vidas para que cambie el entorno. Tenemos que trabajar mucho en la vertiente social del sistema, porque hay grandes desigualdades. Pero no creo que Trump vaya a arreglar eso. Al contrario. Todos nos quedamos en shock cuando conocimos su victoria. Tenemos una canción en francés que dice “un paso hacia delante, tres pasos hacia atrás”. Eso es lo que siento hacia Trump. Es difícil encontrar a alguien que hable de forma tan clara sobre lo mal que trata a las mujeres, sobre la supremacía de la raza blanca, sobre el proteccionismo. Después de Obama es algo muy triste.

Pues quizá ocurra el año que viene en Francia si gana Marine Le Pen...

Le aseguro que rezo cada noche para que eso no ocurra.

Amy Adams es la protagonista de

La llegada (Arrival)

, la nueva película del canadiense

Denis Villeneuve

, que llega esta semana a la cartelera española

Como si no hubiese respondido a 37 entrevistas antes de enfrentarse a la nuestra, Amy Adams recibe a eldiario.es en el Hotel Excelsior de Venecia con una sonrisa arrolladora. La simpatía apabullante de esta italiana -estadounidense de adopción- de 42 años contrasta con la gravedad de su personaje en La llegada, la película que presenta. En la nueva cinta del canadiense Denis Villeneuve interpreta a una lingüista que debe enfrentarse a una tarea titánica: desencriptar el lenguaje de unas criaturas extraterrestres. La película recibió grandes críticas en la pasada Mostra de Venecia, en cuyo contexto transcurre la entrevista.

Por favor, defina su trabajo con Denis Villeneuve...

Es ese tipo de director que te meterías en el bolsillo y que te llevarías a todos los set de rodaje. Porque es completamente colaborador y es lo mejor que le puede pasar a tu autoestima. Le encanta todo. Te da las gracias después de las tomas, te dice que “gracias por tu trabajo”, te dice cuánto te aprecia... Así que desde el punto de vista del actor, que necesita cosas, ¡es maravilloso! Pero es que además tiene un punto de vista muy potente sobre la forma de contar historias, siente una conexión muy fuerte con el núcleo emocional que recorre todas sus películas.

¿Es usted una actriz que necesita que le digan todo eso? ¿Que “necesita cosas”?

No. Bueno, al menos no sabía que era así hasta que me encontré con este director, que ha estado alimentando mi ego todo el tiempo. ¡Y me ha parecido algo muy agradable! No, no... No es que necesite que estén hablando conmigo todo el tiempo. Con el paso de los años he aprendido a no necesitar la aprobación de nadie. A confiar en mi propio instinto. Cuando era joven intentaba siempre gustar al director, era una especie de 'padre' que te encontrabas al llegar al plató. Se generaba una familia en el set, y como actriz necesitaba la aprobación de ese padre. Pero en cierto modo he perdido eso. Al final he aprendido que mi trabajo es ejecutar la visión del director

¿Cómo de importante es el nombre del director a la hora de seleccionar un proyecto?

En este momento de mi vida confluyen muchas cosas. En La llegada todo empezó con el guión, porque era 'el mejor guión'. Creo que he leído en mi vida dos guiones con los que he tenido esta reacción. Uno de ellos no lo hice. Y con este... tuve una reacción tan intensa... ¡era uno de los mejores guiones que había leído! Enseguida quise hablar con Denis, porque es un guión muy difícil, es una película muy difícil de hacer. Él tenía muchísima confianza en sí mismo... y confió en su idea de la película. Así que para esta película las razones fueron el guión y mi encuentro con Denis. Pero para las otras cosas, que se ruedan en cualquier parte del mundo, y teniendo en cuenta que tengo una hija... si se rueda cerca de Los Ángeles es mucho más probable que lo acabe haciendo. Esta es mi decisión final ahora mismo, porque creo que me he perdido muchas cosas.

Está produciendo un par de películas y una serie de televisión. ¿Por qué ha decidido producir y no dirigir?

Aún no estoy preparada para dirigir. Me encanta contar historias, y me encantaría trabajar con actores para alcanzar un punto de vista único, pero... dirigir es una inversión gigantesca de tiempo. Y no estoy preparada. No es que no vaya a hacerlo. Simplemente no quiero hacerlo ahora. Pero producir sí me permite estar implicada en los procesos de tomas de decisiones, y ser testigo de los procesos de producción me ayuda a ser una actriz más paciente. Entiendo el papel que tiene todo el mundo

¿Cree que realmente estamos viviendo una nueva Edad de Oro de las series? ¿Que existe un trasvase de talento entre el cine y la televisión?

¡Es increíble! Bueno, creo que nuestra manera de ver los contenidos está cambiando. Y estoy muy agradecida de que ese trasvase sea así, porque puedo trabajar en diferentes medios. Creo que los guiones y las interpretaciones maravillosas pueden existir en ambos mundos. No quiero perder el cine, no quiero que se vaya de mi vida. Todavía creo en el proceso de la creación de las películas. Pero también creo que la gente está consumiendo los contenidos cada vez de forma más inmediata. Conozco gente que ni siquiera tiene televisión y lo ve todo en un ordenador... ¡pero te pierdes buena parte de una fotografía maravillosa cuando ves cosas en el ordenador! Queda aún mucho arte en el cine. Todavía hay mucho que ver.

En la semana en que ha sido elegido Donald Trump, entrevistamos a un referente de la izquierda en la escena española. José Sacristán estrena Las furias, el primer largometraje de Miguel del Arco. En la película interpreta a un veterano actor que pierde la memoria por culpa del Alzheimer, que solo recuerda ciertos pasajes de sus personajes, y que se convierte en epicentro involuntario del estallido de la relación fraterna de su familia, los Ponte Alegre.

Con Sacristán conversamos del cine, de su carrera y de sus próximos proyectos, pero también de la situación política en España, que vive con mucho pesimismo entre la izquierda a la que pertenece: “No hay una perspectiva a mediano plazo de una recuperación, de un 'levantar la cabeza'. Y la capacidad de reacción en los partidos de izquierda... ¡Mira dónde están! Es de vergüenza. Es espectacular el derrumbe moral de la izquierda. Eso es espectacular”.

Contenidos del podcast

01:20.- Donald Trump en el cine y en las series

05:30.- La actualidad de las series, con María José Arias

11:40.- Entrevista con José Sacristán por Las furias

26:30.- Lo que tienes que saber, con Bernardo Pajares

30:45.- El observatorio en Bremen, de Janina Pérez Arias, sobre Tom Cruise

33:00.- Los estrenos de la semana

36:35.- Entrevista con Óscar Martínez en Venecia por El ciudadano ilustre

46:50.- La burbuja de opinión, con Javier Zurro

Kinótico

podcast de cine y series de eldiario.es

, charlamos con el actor británico, que protagoniza la nueva cinta de Marvel:

Doctor Strange

El protagonista de la serie Sherlock o de la película El quinto poder se mete desde este viernes en la piel del Doctor Strange, un neurocirujano que descubre nuevas dimensiones tras un terrible accidente de tráfico. Hemos charlado en Londres con Benedict Cumberbatch, que nos cuenta qué supone para su carrera unirse al Universo Marvel.

Greta Gerwig [Estados Unidos, 1983], la musa indie del cine neoyorquino de este siglo, mira como miran sus personajes. Parece inseguridad, parece miedo lo que transmite su mirada. Pero en el fondo es solo el reflejo del proceso cerebral de elaboración de las respuestas. Que siempre son brillantes y siempre tienen miga. Charlamos con ella en la pasada Berlinale, donde presentaba Maggie's Plan, la película que este viernes llega a los cines. Es un triángulo amoroso con otras dos puntas: Julianne Moore y Ethan Hawke. Cuando comienza el tiempo de la entrevista, Gerwig está mirando su móvil...

¿Está tuiteando?

No, no tengo Twitter. Estaba mirando la hora. Ni siquiera tengo los datos activados

¿De verdad?

Lo tengo en 'Modo avión' porque me aterra que, cuando estoy en otro país, me vaya a costar un millón de dólares mandar mensajes. Y es muy agradable no tener acceso a nada.

¿Pero por qué no tiene Twitter? Es raro...

Lo sé. Pero no tengo nada de eso. No tengo Instagram... ¡Hay mucha gente mala en Internet! No quiero darles la oportunidad de serlo conmigo. Estoy siendo muy honesta. Es que... ¡No les conozco! ¿Por qué debería dejar que personas a las que no he visto nunca puedan ser malas conmigo?

¿Tendría la Maggie de la película redes sociales?

¡No! ¡No tendría ni Twitter ni Instagram! Por un lado es muy moderna... pero por otro vive en un siglo que no es el nuestro. Es muy pura y tiene un gran corazón, a pesar de que eso suponga para ella vivir situaciones muy precarias.

¿Qué tipo de directores le gustan?

Idealmente me gustaría trabajar con directores que puedan compartir tiempo conmigo antes del rodaje, para ensayar y trabajar en el personaje. En el set he tenido de todo: directores que hablan muchísimo, directores que no hablan nada... ¡Y todos me parecen bien! Solo necesito sentir que estoy en buenas manos. Es como tener una buena pareja de baile. Quieres que te agarre bien, no quieres que te coja con las manos blandas... porque te sientes insegura. Los directores tienen que estar concentrados, tienen que poder ver la fotografía completa de la película y a la vez conocer los detalles. Hay muchas maneras de dirigir, pero cuando no es una buena... te das cuenta. Y cuando sí lo es, te sientes segura y puedes correr riesgos.

Así que los actores son... ¿criaturas frágiles que necesitan sentirse seguras?

No, no creo que los actores sean criaturas frágiles, creo que las películas son frágiles. Hacer películas es muy difícil. Es una combinación de imágenes, de palabras y de luces que se mueven, ¡y hacer una película bien es realmente difícil! No es que los actores sean esos seres locos que necesitan ser pastoreados, es que las películas son... algo así como una medusa. La forma que adoptan depende de la vida que contengan; si no la contienen son una masa informe y translúcida.

¿Piensa en su carrera como en un camino que va recorriendo? ¿Qué dirección lleva?

Sí, tengo una cierta idea de hacia dónde quiero ir. Intento trabajar solo con directores que realmente me gustan, los que creo que son buenos. Y escribo, y produzco, y voy a dirigir mi primera película este verano [la entrevista tuvo lugar en febrero de 2016]. Y todo eso me parece que rema en la misma dirección.

¿Va a intentar, como directora, no cometer algún error que hayan cometido con usted?

Por supuesto, no quiero ser una mala directora. ¡Pero tienes que ser el director que quieras ser! Una de las cosas buenas de actuar es que tienes la oportunidad de pasar por muchísimos sets. Las cosas que se me den bien y las que no... van a ser muy mías. Eso no se hereda de otra gente. ¡Pero claro! Hay un millón de cosas que quiero hacer. Aunque pienso menos en lo que no quiero repetir y más en lo que quiero reproducir. Pueden ser cosas muy simples. Por ejemplo... ¡etiquetas con los nombres! Todo el mundo en el set debería tener una. No es algo tan difícil y hace la vida mucho más sencilla.

Las risotadas de Bryce Dallas Howard resuenan en las paredes de la habitación. Tanto que varias cabezas se vuelven desde otros rincones de la estancia, donde tienen lugar otras entrevistas de la promoción de la serie Black Mirror. Estamos en Toronto, en un céntrico hotel de la ciudad canadiense. La actriz pelirroja, hija del prestigioso director Ron Howard, explica con aspavientos -y con muchas carcajadas- por qué aceptó participar en esta serie futurista y tecnológica concebida por Charlie Brooker. ¿Era fan de esta producción antes de participar en ella? “¡Sí!”, dice prácticamente gritando. “Pero...”. Pausa con risa. “Hubo un lapso de tiempo muy significativo entre mi visionado del primer capítulo y el segundo, porque básicamente tuve un ataque de nervios cuando lo vi. ¡Es tan intenso! ¡Refleja tan bien nuestros tiempos! Habla de las cosas que alimentan mis pesadillas...”.

Dallas Howard, a la que hemos visto en Spider-Man 3, Criadas y señoras o Jurassic World, cree que el valor de la serie reside en lo visionaria que resulta. “Ese es el poder de Black Mirror, cuya tercera tanda se estrena este viernes 21 de octubre en Netflix. Nos permite ver el futuro hacia el que nos encaminamos, y sobre el que somos conscientes, pero no está en nuestra mano decidir si lo queremos o no”. ¿Qué es lo que más miedo le da en ese futuro? Como decía más arriba... ¿qué alimenta sus pesadillas? “A mí me encanta The walking dead, y es como si nos esperase un futuro de zombies. Todos tendremos el aspecto que tenemos, y pensaremos que las cosas son normales, pero nos guiarán impulsos que no estarán conectados con nuestra humanidad. Lo que más miedo me da es que el ser humano, como especie, se desvíe de su camino”.

Los smartphones y cómo vemos el cine

El capítulo protagonizado por nuestra entrevistada se llama Nosedive, en él aparece también la actriz Alice Eve y está dirigido por Joe Wright [responsable de películas como Expiación o Anna Karenina]. Juega con las posibilidades de un futuro peligrosamente cercano, en el que la posición social dependa de la popularidad de cada persona en ciertas redes sociales. De los “likes”, para entendernos. “Recuerdo cuando sacaron los smartphones, y recuerdo una conversación sobre ellos con mi padre. Él decía que iba en el metro, sentado al lado de una persona que iba viendo Una mente maravillosa en su teléfono. E iba pensando que Roger Deakins [el mítico director de fotografía] sentiría temblores ante la idea. Y yo pienso que la traslación de materiales que no estaban hechos para ese soporte... no siempre funciona”.

Sorprende la cantidad de veces que Bryce Dallas Howard cita a Howard senior en la conversación. De hecho comenzó trabajando con él, como extra en Apolo 13. “Quiero citar una cosa que me decía mi padre cuando empecé a trabajar. Él siempre me animó a hacer televisión, porque decía que era un medio mucho más amable con las mujeres. Que la televisión cuenta muchas más historias de mujeres. ¡Y creo que eso es verdad! No he hecho televisión hasta ahora, pero creo que el medio permite que se cuenten más historias distintas sin la presión económica ni que los capítulos tengan que basarse en algoritmos”.

Alberto Ammann [Córdoba, Argentina, 1978] se está dejando la piel y la garganta con la promoción de Mars. La miniserie, que se estrenará el próximo 13 de noviembre en National Geographic Channel, está anunciada como una docuficción, ambientada en 2033, que juega con la idea de que el hombre va a poder llegar hasta Marte. El actor argentino da vida a un geoquímico español que forma parte de una expedición internacional. Casi como él. Casi como el cada vez más numeroso grupo de actores de nuestro país que forman parte de producciones extranjeras de prestigio.

¿Cómo definiría ese término de la docuficción?docuficción

Yo diría que es una vuelta de tuerca a lo que hasta ahora se conocía como 'documental ficcionado'. Tendremos una ficción de altísima calidad mezclada con entrevistas a científicos del más alto renombre, que van a ir dando contexto a la ficción y explicando las teorías que hoy conocemos sobre Marte.

¿Y usted? ¿Qué ha aprendido sobre las posibilidades reales de un viaje a Marte?

El guión me ha sorprendido muchísimo. Desde la adolescencia dejé de interesarme por los viajes espaciales, creo que tal vez por el exceso de ciencia-ficción al que he estado expuesto. ¡Ya parece normal andar por el espacio! Pero me he quedado pasmado. No solo se sabe dónde hay agua, que se congela en los polos y luego desaparece, sino que Marte es un planeta lleno de cuevas... y justo ahí es donde los humanos podríamos establecer nuestros campamentos. Otra de las cosas asombrosas es la existencia de metano, y donde hay metano hay vida. Eso indicaría que en Marte “hay vida”, salvo que las leyes de la física y la química... en Marte sean distintas, algo desconocido para nosotros.

Se ha convertido en todo un experto...

Bueno, nos ha tocado informarnos e investigar mucho...

Cuentan desde la productora que el rodaje ha contado con jornadas de una dureza extrema, ¿cómo lo vivió?

Ha sido lo más duro que he hecho hasta la fecha. Pensé que después de Invasor, con Daniel Calparsoro, ya no habría nada... pero me equivoqué. Estábamos rodando en el desierto con unos trajes “tuneados”, por supuesto, no hay manera de pagar los trajes reales, son carísimos. Con 56 grados de calor, caminando a pleno sol por las dunas del desierto... y eso ha sido bastante duro.

Ahora que menciona su trabajo en el cine... no constan proyectos para usted en un futuro próximo. ¿Hay algo en cartera?

Bueno, de momento hay una película que está buscando financiación. Es muy interesante. Pero no hay mucho más a la vista. Yo ahora estoy con Narcos, empezamos a rodar la tercera temporada, y tenemos el estreno de Mars. El mundo de las series lo ha ido copando todo. Todo el mundo produce series, con una compañía o con otra, con un canal o con otro... Y sin embargo, yendo un poco a la contra, la calidad de las películas españolas de este año parece impresionante. Me han hablado maravillas de muchas producciones que se han hecho, estoy con muchas ganas de verlas. Ando con poco tiempo para acercarme al cine. Frente al avance de las series, y no sé si tendrá que ver, hay algo en el cine que se está empezando a cuidar más.

¿Cómo está viviendo ese boom de las series?

Siempre he creído que la diversidad cultural nutre. Me parece algo cíclico. La apuesta de Netflix en Narcos por la versión original con subtítulos me parece sumamente arriesgada y ha dado sus frutos enormemente. Que los norteamericanos estén viendo una serie y leyendo subtítulos es algo nunca visto. O doblan todo o hacen remakes. Me parece muy interesante. Creo que será cíclico. Habrá tal cantidad de series que será apabullante, pero el cine mantendrá su hueco.

Se le nota orgullo al hablar de Narcos. Sin hacer spoilers... ¿cómo será la tercera temporada? Se marcha enseguida a rodarla, ¿no?

No lo tengo muy claro. Tenemos solo una parte de los guiones. Lo que sí puedo decir es que el primer capítulo es bestial. ¡Cómo arranca! Seguimos la línea histórica. Esto es un medio spoiler, pero tampoco tanto, está anunciado en la segunda temporada. Cuando Pablo Escobar cae, el cártel de Cali pasa a ser la que hasta hoy, si no me equivoco, ha sido la organización criminal más grande del mundo. Ahí lo dejo. Veremos cómo se ha ido desarrollando el negocio del narcotráfico... aquí es cuando se empieza a internacionalizar este negocio nefasto. Es una época bastante interesante porque nos ayuda a entender cómo se ha ido transformando la realidad hasta el día de hoy.

La tranquilidad del domicilio de Gonzalo Suárez, muy cerca de la Plaza de Oriente de Madrid, es el bastidor perfecto para la entrevista de Kinótico con el director. De esas entrevistas que podrían haber durado horas, y cada una de esas horas habría estado llena de anécdotas, de sabiduría y de amabilidad por parte del entrevistado. Suárez [Oviedo, 1934] está rematando su último libro -del que no quiere hablar- y sigue empeñado en hacer cine. Quiere hacer cine. Quiere rodar. Algo que no hace desde 2007, desde que estrenara Oviedo Express. Intentamos que la charla no transcurra por sus caminos más conocidos: por las películas Ditirambo, Epílogo, El detective y la muerte, Remando al viento [con Hugh Grant, que le dio su Goya a la Mejor Dirección]; intentamos hablar del otro Gonzalo Suárez.

Por ejemplo de su película Morbo [1971], en la que dirigió a unos jovencísimos Ana Belén y Víctor Manuel. “No voy a contar ahora la historia que tenía en la cabeza, pero es una película a la que durante mucho tiempo no le tuve simpatía. Mi propuesta, que sigue siendo la de ahora, era nada más y nada menos que inventar el cine”, dice Gonzalo Suárez con ironía. “Y a poder ser cambiar el mundo. Luego no es que me moderara, es que no he podido hacerlo... ¡pero lo intentaré!”. Después la conversación gira hacia el fútbol, hacia la relación del director con el mítico Helenio Herrera, que tuvo dos hijos con su madre. Le ayudó como ojeador en el Inter de Milán. “Ese fue mi contacto con el fútbol y paradójicamente con el cine, por cuanto fue el presidente Moratti, padre del actual, el que me pagó las primeras películas”.

¿Qué opina de Hollywood? “Yo, como todos los que hemos vivido aquí, hemos sufrido una bendita invasión de dioses que hablaban nuestro idioma”, bromeaba en referencia a la aparición en las pantallas españolas de Cary Grant o Gary Cooper. “Es el equivalente de la conquista española con respecto a las profecías de Moctezuma”. Su nexo con Estados Unidos fue, durante muchos años, Sam Peckinpah. “Todo en la vida es una casualidad, y con Peckinpah fue una casualidad que duró hasta su muerte. Fue una amistad espontánea y profunda. Y una colaboración, no solo en mi libro Doble Dos, que escribimos hasta cinco veces en Los Ángeles, sino en otras películas. Incluso en alguna intervine en el montaje. Todo eso me enorgullece. Y con respecto a Hollywood... tengo la misma reticencia que tenía él: él la odiaba. Esto no lo comparto, pero él consideraba a Paul Newman un actor del sistema”.

Las series de hoy, el cine de hoy

Las series de hoy, el cine de hoyEn la década de los ochenta, Gonzalo Suárez dirigió la serie Los pazos de Ulloa en Televisión Española. “Recientemente he visto Black Mirror, y me parece que a ese nivel no se puede acceder dentro de una perspectiva española de televisión”, opina. “Está claro que aquí la cultura no interesa. De hecho no habréis oído hablar a ningún aspirante al Gobierno de ella, nunca han manejado la cultura”. El cine, las series... y la publicidad. Llevan su firma anuncios de agua mineral o de las cajas de ahorros. Incluso de pasta. De pasta alimenticia. “Estoy muy distanciado de la publicidad, pero en su momento le estuve muy agradecido. No solo por lo que suponía de supervivencia entre película y película, sino que además... era una lección narrativa. El tener tantos medios para poder contar, en tan poco tiempo, una idiotez... es un aprendizaje que no se supera”, decía con nostalgia. “Esos treinta segundos son mágicos”.

Gonzalo Suárez ha sido también actor. Incluso 'Chico Almodóvar', como en Qué he hecho yo para merecer esto -“prometo que, si me lo propone otra vez, no volveré a intentar arruinarle la película”-, y reniega del papel de precursor de nadie. “Dicen que soy precedente de muchas cosas, pero a mí eso no me importa ya. Lo que quiero es seguir siendo precedente de otras cosas”. ¿Y por qué no llega la próxima cinta de Suárez? ¿Es la falta de una historia, de producción, de financiación? “Tengo el apetito inconfesable de llegar a cambiar el cine, de buscar alternativas. Aunque soy un espectador formidable, ¿eh? No estoy criticando en mi butaca. Llevo en mi historial dos intentos fallidos; el segundo era una película estupenda que se llamaba El manuscrito de SichuanEl manuscrito de Sichuan, que coincidía con el 400 aniversario de Cervantes. Y habría valido mucho más que buscar los huesos. Esa la rechazó Televisión Española”.

Finalizamos hablando del Premio de Honor que le concede el Festival de Cine de Madrid, su ciudad de adopción, en su edición número 25. “Los premios honoríficos sientan muy bien, pero sentarían mejor si estuvieran dotados económicamente”, apunta entre risas.

Las primeras palabras de Gael García Bernal son: “Perdón por el retraso, estoy muy cansado”. Era cierto que la entrevista se había hecho esperar, pero el tono de la conversación no iba a revelar cansancio alguno. El actor mexicano (Guadalajara, 1978) está promocionando día, tarde y noche la película Neruda, su último trabajo con el director chileno Pablo Larraín. En este retrato irónico del poeta, Bernal interpreta al inspector Óscar Peluchonneau, la némesis del protagonista. La charla comienza por ahí, por Neruda, y acaba por el mundo de las series. Él es el alma de Mozart in the jungle. 

¿Cómo definiría el trabajo con Pablo Larraín en el set? ¿Qué tipo de director es con respecto a los actores?

Es un director teatral sin saberlo, creo. Sin hacerlo conscientemente. Él entiende que, al poner las piezas sobre el escenario, es cuando se sabe si funcionan o no. Pocos directores confían en eso, muy poco. La mayoría creen que al planearlo todo, al abstraerse, es como va a funcionar. ¡Él no ensaya! Pero quizá es porque siempre ha trabajado con el mismo equipo. Yo llevo solo dos películas con él, pero ya me sentía completamente en familia. Ya sabemos cómo entrarle y por dónde.

¿Y cómo es, en general, su proceso para elegir un personaje? ¿En qué ingredientes se fija para decidir?

No hay ninguna fórmula. Siempre es distinto. Si tuviera que decir qué es lo que me convence... es el director o directora. La historia no me convence, por más que haya un guión fantástico o un guión increíble. Tiene que ser la persona que está detrás.

Sabe que hay actores que hacen unas películas para pagar la casa o la piscina y otras por el arte...

Pagar la piscina sería una frivolidad que creo que no... ¡Sería muy fuerte hacer cine por la piscina!

Es una exageración. ¿Qué papel tiene el dinero en sus decisiones?

Mire, las películas tienen que ser un acto de fe, de un arrojo tremendo. Tiene que haber eso. Que haya películas que te puedan dar cierto dinero como para poder mantener a tu familia... es una fortuna, porque hay películas que no lo pueden hacer. Pero no lo veo imprescindible. Ahora estoy haciendo una serie y es distinto. La serie es una novela, el cine es una poesía. Quiero hacer películas por el gusto de hacerlas y vivir de eso. Pero necesito poco dinero para estar bien, aunque tenga hijos.

¿Cree que seguimos en la llamada 'edad de oro' de las series? ¿Ve series?

La verdad es que no. He visto dos series en mi vida. Me gustó 'The wire', por ejemplo. Me fascinó, me volvió loco. Después vi 'Breaking bad' y no me gustó tanto. Y esto tiene que ver con que, a final de cuentas, lo que siento es que en la tele lo que impera es la historia. En cambio el cine es un acto poético, y eso me prende más. No veo muchas series porque el día tiene 24 horas y es complicado ver todo lo que hay. Me gusta mucho leer, escuchar música, tocar música... ¡Ahora, me encantan los documentales! Eso sí lo veo. Mucho. Por eso tengo un festival de documentales

¿Dónde está el Gael director?

Pues ahí, tratando de tomarme el tiempo para hacer bien las cosas. Estoy tratando de encontrar el momento para poder hacerlo. Pero creo que pronto, el año que viene voy a dirigir una peliculita.

En el número 11 de Duncan St., a solo una manzana del centro neurálgico del Festival de Toronto -el patrocinadísimo TIFFBell Lightbox- se encuentra un edificio de cuatro plantas que durante todo el año es un restaurante... y durante la muestra cinematográfica se convierte en un hormiguero de entrevistados y entrevistadores. Un guardia de seguridad muy corpulento pregunta al periodista sobre qué película va a hacer su entrevista... y entonces le indica si debe ir al sótano o a la tercera planta. Allí pueden coincidir, en una misma mañana, la actriz Natalie Portman, el director artístico del Festival de Cannes, Thierry Fremaux, o uno de los más prestigiosos guionistas de Hollywood, Paul Schrader.

El artífice de Taxi Driver y Toro Salvaje, ambas firmadas por su amigo Martin Scorsese, se mueve pesadamente por la estancia. Nació en Michigan, Estados Unidos, hace 70 años. Cuentan sus biógrafos que vio sus primeras películas cuando ya era adulto, y está casado con la actriz Mary Beth Hurt desde el año 1983. Quizá sea un reflejo de su pasión por los intérpretes. “Anthony Perkins me dijo que una buena actuación en una película depende en un 75% del casting que se elija. Elia Kazan escribió en su libro que era un 90%. No sé qué porcentaje es, pero seguro que es muy alto.  Lo que haces como director es elegir a la persona con la edad adecuada, con la sensibilidad correcta, y después te limitas a mirar cómo actúan”, dice Schrader lentamente.

Se encuentra en Toronto para presentar Dog eat dog, su última película como director, que protagonizan Nicholas Cage y Willem Dafoe. Es la historia de dos extimadores que vuelven a relacionarse con la mafia tras su paso por la cárcel. “Sé que hay directores que dicen que lo mejor es escribir el guión cuando están montando y que lo mejor es el montaje mientras están rodando. A mí me parece que lo más divertido es el rodaje, aunque sea agotador. Es la mejor etapa a la hora de hacer una película, porque todo está vivo”, explica el cineasta. Y en los rodajes no añora la vieja tecnología: “No hay nada que echar de menos de la época de los 35 milímetros. Como no sea quedarse sin película, esperar a que recarguen el rollo o no poder lo que ruedas hasta el día siguiente. Cuando empecé podía hacer una película en 45 días. Ahora la hago en 25”.

“Cabalgaré hacia el atardecer”

A Schrader se le ha tildado tradicionalmente de ser un guionista muy aficionado a mostrar escenas violentas en sus películas. “Es casi imposible dedicarse a contar historias sin entrar en esa área. Los dos pinceles más poderosos que tienes se llaman sexo y violencia”, asegura. ¿Y el futuro? ¿Qué piensa de los nuevos soportes para ver cine? “Ya no sabemos cómo se ve el cine, ni cómo se rentabiliza, ni lo que debe durar. ¿Es una película un vídeo de YouTube? Probablemente sí. ¿80 horas de Mad Men son una película? Probablemente también”, continúa Schrader. “Así que la definición de lo que es una película se ha convertido en algo fluido”.

La entrevista va llegando a su fin y la conversación versa sobre la llamada “era dorada” de las series de televisión. “Scorsese y yo íbamos a hacer algo para la HBO hace como cinco o seis años, eso es lo más cerca que he estado de hacer una serie. Sí, sí que las veo, pero no me parece el terreno propicio para los directores. A mí no me quedan muchas películas por hacer, así que... creo que cabalgaré este viejo y roto caballo hacia el atardecer”, concluye con una sonrisa.

Mirando el móvil fijamente, casi congelado, Jared Leto [Louisiana, 1971] recibe a los periodistas en su suite de un céntrico hotel de Londres. Su chaqueta vaquera decolorada, con decenas de tachuelas plateadas sobre los hombros, es una mezcla del actor y del personaje: una prensa a medio camino entre Leto y el Joker, el archivillano enemigo de Batman al que da vida en Escuadrón Suicida. El ganador del Oscar por Dallas Buyers Club habla despacio, mastica cada palabra, y taladra al entrevistador con la mirada durante las preguntas, que se convierten en un desierto interminable...

¿De dónde viene su inspiración para el Joker?

De muchas fuentes diferentes, investigué y estudié mucho. Busqué en todas partes. Desde líderes de cárteles hasta dictadores, pasando por predicadores. Estudié a las personas que pensé que podían reunir algunos elementos del Joker.

El personaje es tremendamente político, ¿no cree?

El Joker siempre es político, porque representa el caos, la anarquía. Es un personaje muy político. [Al fondo de la habitación suena un ruidito] ¿Quién es el ratoncito que está haciendo ese ruido?

Tras la pregunta de Leto, una tímida voz se levanta al fondo, en la zona de la puerta. Una de las publicistas reconoce su culpabilidad y Leto, con una pequeña sonrisa, le pide silencio: “Ten cuidado...”.

Si el personaje fuera real, ¿por quién votaría en noviembre?

Creo que el Joker no pierde su tiempo votando. Estaría feliz con el peor presidente, porque sería lo más divertido.

¿Entonces?

¿Entonces qué?

¿Votaría a Trump?

No lo sé. Probablemente el Joker se divertiría con cualquiera que pasara por la Casa Blanca. Los presidentes no le preocupan. Sabe que hay otras cosas más interesantes con las que jugar. El presidente es alguien débil para el Joker y su mundo. Él vive en un mundo en el que tiene más poder que el presidente.

¿Qué tipo de actor es usted cuando se encuentra en el set? ¿Prefiere estar solo y concentrado o le gusta hablar del personaje con el director?

No, hablo con los directores lo menos posible [ríe]. Ellos ya están demasiado ocupados, así que es mejor dejarles su espacio. Bueno, depende del personaje. Si es alguien silencioso y solitario, yo también. El Joker es alguien gracioso y le gusta reírse de la gente, así que fue divertido ser él durante el rodaje. ¡Nunca sabían que esperar del Joker! Mis compañeros se rieron mucho.

¿Qué opina de todo el ruido generado por las críticas de Escuadrón Suicida?Escuadrón Suicida

Tengo tan poco que ver con todo eso... que simplemente no me meto.

¿No lee críticas?

No...

¿Por qué?

¿Por qué debería hacerlo?

No lo sé.

Yo tampoco.

Por resumir. No le importa lo que los periodistas tengamos que decir sobre su trabajo...

Yo soy, probablemente, la persona más crítica del planeta. Especialmente cuando se trata de mí. Así que... ya me critico a mí mismo bastante. No necesito que otras personas lo hagan por mí. He trabajado lo más duro que he podido en esta película. Nunca va a ser perfecto, pero lo he hecho lo mejor que he podido. Y eso es realmente lo que puedo hacer. ¡Y no puedo cambiar el pasado! Cuando acabo un trabajo, simplemente lo dejo ir...

¿Y le gusta la idea de interpretar a un personaje que puede tener continuidad en otras películas?

Sí, es interesante revisitar un personaje. Es una oportunidad interesante ver cómo evoluciona.

Termina la entrevista y Jared Leto, antes de volver a su móvil para entretener el tiempo que medie hasta el siguiente periodista, extiende un brazo con el puño cerrado. Tras dos segundos de desconcierto, choque de puños. Siguiente.

La publicidad que empapela Londres con motivo del estreno de Escuadrón Suicida -hoy, viernes 5 de agosto, llega a los cines en España- incluye el eslogan “Worst. Heroes. Ever”; es decir, “los peores héroes que puedan existir”. Esta cinta inspirada en el universo de los cómics DC, en la que se juega con la idea de que Estados Unidos podría reclutar a los más malvados villanos de la historia para utilizarlos en su propio beneficio, se estrena en medio de un caos mediático solo comparable al que generan los personajes en la historia. Críticas contrapuestas, fans entusiasmados o enfurecidos, odiosas comparaciones con el universo Marvel, etc.

En cada entrevista, Margot Robbie se ve obligada a justificar las decisiones actorales que ha adoptado para encarnar a Harley Quinn: “Me metí en foros de fans e intenté hacerme una idea general de lo que más les gustaba de ella, así que me aseguré de inyectar esas ideas en la película”, dice durante su charla con eldiario.es. Y Jared Leto, pausado y hierático, que no ha dejado de alabar a Heath Ledger durante toda la promoción, contaba en quién se ha inspirado para componer al Joker: “Investigué mucho, estudié mucho. Me inspiré en líderes de cárteles, dictadores, predicadores...”.

¿Es una película política?

¿Es una película política?¿Pero es Escuadrón Suicida una película política? “Es una película de verano, divertida y nada más”, asegura el director David Ayer. Y sin embargo vemos cómo el personaje de Viola Davis, una jefaza de la CIA llamada Amanda Waller, se deja la piel en el reclutamiento de los villanos para combatir la última crisis a la que se enfrenta Washington. “La película en sí misma no es política, pero cada vez que creas una obra de arte, inherente a ese arte se encuentra el reflejo de la conexión del artista con su tiempo”, aporta Will Smith, que ha dado vida a Deadshot en la cinta.

Caos, desconcierto, película política. La comparación con el panorama político actual en Estados Unidos, con unas elecciones generales en el horizonte y un candidato tan polémico como Donald Trump, está al alcance de la mano. ¿A quién votarían los miembros del Escuadrón Suicida si pudieran hacerlo? “Girl Power! Harley would vote for Hills” [¡Poder femenino! Harley votaría a Hillary], exclama Margot Robbie. A su lado, el actor latino Jay Hernandez añade sobre su personaje: “Bueno, Diablo es mexicano, así que no va a votar a Trump...”.

Jared Leto, arqueando las cejas ante la pregunta, responde: “El Joker no pierde su tiempo votando. Estaría feliz con el peor presidente, porque sería lo más divertido”. Las palabras de Will Smith son algo más intrincadas. “Estas elecciones no tienen que ver con la política, sino con la decencia humana. Para mí hay una elección obvia si lo que buscas es el ser humano más decente de los que aspiran”. Entonces está claro de quién hablamos, ¿no? “Si lo que he dicho está claro... ¡piense en lo triste que es eso!”. ¿Y por qué no dice su nombre? “Porque no hay que perder la atención en nada que no sea la decencia humana. Fuck Politics!”.

A punto de cumplir 50 años, Salma Hayek se enfrenta a las entrevistas con la tranquilidad de quien ha alcanzado la tranquilidad. Con pausa, siempre con una sonrisa, reflexionando cuidadosamente ante cada respuesta. La actriz mexicana es una asidua del Festival de Cannes y allí, junto a una piscina y bajo una sombrilla, nos atiende por la presentación de su último proyecto como productora: 'El profeta', una película de animación basada en el libro de poemas de Khalil Gibran. “Mi abuelo, de quien yo estaba muy cerca -porque era su consentida-, murió cuando tenía 6 años”, cuenta despacio la intérprete mexicana. “Él tenía al lado de su cama este libro. Y yo tenía muy presente su portada. Después, cuando tenía como 18 años, encontré el libro en algún lugar. Decidí leerlo. Y sentía que era mi abuelo enseñándome cosas de la vida, descubrí un poco más de quién era él”.

“Yo había puesto voz en películas de animación muy grandes, pero nunca había hecho algo así”, continúa. “¡No podía hacer o no hacer lo que hace Jeffrey Katzenberg (el fundador de Dreamworks)! La gente me decía que estaba loca por adaptar un libro de filosofía a un proyecto de animación. Es una sola película con nueve directores, todos con diferente estilo y en países diferentes”. De hecho es un proyecto tan arriesgado que aún no se ha estrenado en todos los grandes mercados cinematográficos. Por ejemplo, en España. Hayek defiende el visionado del cine en el cine, aunque entiende que haya quien prefiera el cine en casa. “Siempre habrá un espectador que convierta el momento del cine en un ritual, el olor de las palomitas, el momento en que se apagan las luces... Es mágico. Pero claro, también me gusta ver las películas desde la comodidad de mi casa, depende de la película”.

“No me preocupa qué voy a comer”

“No me preocupa qué voy a comer”Hay actores que reconocen abiertamente que hacen unas películas para pagarse la hipoteca... y otras para reconciliarse con el arte de la profesión. Con títulos a sus espaldas tan dispares como Frida, El gato con botas, Desperado o Traffic... ¿es el caso de Salma Hayek? “Sí, al principio de mi carrera sí. Pero ahora hago las películas en base a mi familia, porque primero está mi familia y luego está mi carrera. Si me dan facilidades y es un buen papel, lo hago. Ha habido algunos proyectos que no he hecho porque primero está la familia, pero ya no me tengo que preocupar tanto de qué voy a comer”. Su hija Valentina es crucial en la conversación. “Está aquí conmigo, ¿no las has visto?”, pregunta.

¿Cómo se lleva con la fama? “No pienso mucho en ello. Tengo la fortuna de que vivo en París, y allí los franceses no son tan efusivos”, reconoce con cierta sorna. “A veces te ven, te sonríen... pero no se acercan tan fácilmente. Eso me ayuda a que se me olvide un poco. Hay momentos en los que te da mucho gusto que alguien se acerque y te reconozca el trabajo y otros en los que se siente como una imprudencia. Depende de la cantidad de paciencia que tengas ese día. También tenemos derecho a ser seres humanos... y a veces no estás de humor”.

Pero hay una circunstancia específica en que esa paciencia se agota con un poco más de facilidad: “Hago lo que quiero hacer. Yo voy con mi hija a Disneylandia y la llevo a donde tenga que ir. Aunque a veces sí me gustaría que la gente no se acercara cuando voy con ella. Ella tiene que tener momentos en los que sienta que su madre es solo su madre. Más que por mí, lo que me preocupa es ella. Me gustaría no ser famosa cuando estoy con ella. Pero no porque me moleste la gente, yo adoro a la humanidad, por eso he hecho cosas relacionadas con causas sociales”.

Hollywood relativo

Hollywood relativo¿Qué tipo de director prefiere Salma Hayek, que pone por las nubes al italiano Matteo Garrone durante la conversación? “Si me toca uno malo, que se quede en el combo detrás de la cámara y no se acerque, y se calle”, afirma la actriz entre risas. “Un director tiene que saber ver cada instante, es un talento con el que se nace. La habilidad de ver desde un punto de vista específico. Yo lo tengo para algunas cosas”. ¿Y cómo ve Hollywood? ¿Ha sido un monstruo para ella o ha supuesto su gran oportunidad? “Yo no divido entre Hollywood y no Hollywood. Todo en la vida es una oportunidad y todo en la vida es un monstruo. Depende de las decisiones que tomes  y cómo decidas vivirla. El monstruo está dentro de nosotros”.