Los desahucios coparon los telediarios durante meses. Las imágenes de gente siendo arrancada de sus casas eran habituales en las noticias. Su tratamiento, casi siempre, reducía sus historias a números. Eran uno más en una lista que, al cabo de un tiempo, dejó de interesar. Aunque los desahucios sigan ocurriendo, el foco mediático se ha trasladado y pareciera que ya no interesaran. Es curioso que, precisamente cuando la información ha dejado de prestar atención a estas historias, sea el cine quien ha puesto su cámara ahí. 

Lo ha hecho desde puntos de vista completamente opuestos. En octubre llegaba la mirada desde el drama social de Juan Diego Botto, que contaba las historias personales detrás de los números. Lo hacía con Penélope Cruz como productora y protagonista de En los márgenes, que pasó por el Festival de Venecia y logró cinco nominaciones a los Goya. Ahora los desahucios se cuentan desde otro punto de vista y desde otro género. Asedio llega a las salas como thriller físico y sensorial y poniendo el punto de vista en los antidisturbios que los ejecutan.

La visión de Miguel Ángel Vivas no es blanca. Los policías son racistas, machistas y corruptos, y solo la que interpreta Natalia de Molina ofrece algo de luz en un retrato tenso que mete España en un edificio. Una España donde la vivienda es más que un problema, donde los más precarios son abandonados y donde los migrantes son prescindibles. Vivas establece un vínculo entre la mujer policía y la mujer migrante, que acaban convertidas en unas 'amazonas' que intentan romper un sistema corrompido.

El propio director reconoce que en el inicio de Asedio está su sensación al ver en el telediario una noticia sobre desahucios. “Me acuerdo que me rompí a llorar viendo la televisión, y me empecé a plantear esa sensación que tiene que ser que te quiten la casa. Siempre decimos eso de que todo el mundo tiene derecho a una vivienda digna, y pensé que ya no es solo no conseguir algo que se supone que es un derecho, es que te lo quitan. Me planteé escribir algo sobre ese tema, pero no quería hacerlo desde el drama social, sino desde el género”, cuenta Miguel Ángel Vivas.

Vio en el thriller y el noir el mejor armazón para ello, pero no el thriller centrado solo en los giros y en el efectismo, sino en el pulp de EEUU que “hablaba de una realidad y un descontento social que existía en la sociedad de aquel momento”. También del subgénero policíaco de posguerra denominado “polar en Francia, que habla siempre del mundo y está muy arraigado en lo que pasa”. Ejemplos muy alejados de un tipo de thriller hecho con algoritmo que no tiene ningún sello característico y que podría ambientarse tanto en un barrio madrileño como en las afueras de San Diego, algo que Vivas quiso rehuir. 

“Me cuesta muchísimo el noir en España. Cuando veo una persona con una pistola en una película normalmente me saca porque no me lo creo. Me cuesta porque siento que estamos imitando la realidad de otro sitio. Con esta película quería que estuviera muy claro que hablamos de nosotros. Para mí el edificio de la historia es España y todos los personajes hablan de cómo la veo yo. Es una crítica de cómo está todo hecho y cómo podemos cambiarlo”, apunta aunque también reconoce referentes como Asalto a la comisaría del distrito 13 en la que Carpenter “habla de los problemas que había en esa Nueva York pre Giuliani de pobreza, racismo y malestar social”. Todo eso trayéndolo a la España de 2023, porque “no tiene sentido hablar de lo que no está cerca”.

El guion ya tenía el tema de la inmigración, de los olvidados, pero en un momento dado me di cuenta de que si no eras parte de la solución es que eras parte del problema

Miguel Ángel Vivas — Director de cine

Asedio se siente como “un clímax de hora y media” en un guion que con la COVID adquirió un nuevo sentido. “El guion ya tenía el tema de la inmigración, de los olvidados, de lo invisibles que son los inmigrantes ilegales, pero en ese momento me di cuenta de que si no eras parte de la solución es que eras parte del problema. Nos quejamos de todo pero, ¿qué hacemos para que el mundo sea mucho mejor? Ya basta de balones fuera”. Un material inflamable al tratar un colectivo como los antidisturbios, que también se quejaron de su representación en la serie de Rodrigo Sorogoyen. Ya tras la publicación del trailer de Asedio varias personas se aventuraron a quejarse por la mala imagen de la profesión.

La respuesta de los antidisturbios no le da “ningún miedo, aunque sí respeto”. “Creo que una cosa que nos falta como sociedad, como país, como individuos, es la autocrítica. Yo creo que si alguien te dice mañana que has hecho algo mal tienes dos opciones, escucharle, estando más o menos de acuerdo, e intentar entender por qué ha pensado eso, o enfadarte, no escuchar y ofenderte. Si no hacemos autocrítica no vamos a mejorar, y cuando no mejoramos, empeoramos siempre”. Para él hay una crítica a la policía, pero cree que es extrapolable “al sistema, al mundo que hemos construido”. 

Vivas no esconde que la llegada de la serie de Sorogoyen no fue fácil. Llevaba tiempo preparando Asedio cuando su productor, Enrique López Lavigne, llegó con la noticia. Venía de un festival de cine y le habían contado que preparaba una serie sobre los antidisturbios. “Se me cayó el mundo, y además que la estaba haciendo uno de los mejores directores del cine español. Estaba nervioso por verla, sobre todo por ver qué tenía que ver con la nuestra, y cuando la vi, me encantó, me pareció increíble, pero también me relajé, por lo menos supe que íbamos por caminos completamente diferentes. La serie me encanta pero no tiene nada que ver con lo que yo quería plasmar en la historia. Pero sí es verdad que el estar tan cerca una serie tan buena sobre el mismo tema me agobió un poco”.

Un mundo dominado por hombres donde las dos protagonistas se encuentran. Miguel Ángel Vivas sorprende citando a Thelma y Louise como otra influencia para Asedio, algo que cobra sentido en su escena final. Tras ese clímax de hora y media la última escena coloca a “dos mujeres contra el sistema”. Tenía claro que quería “acabar con esa mirada de las dos mujeres en ese momento en el que el personaje de Natalia se da cuenta que tiene que ver más con esa mujer de otro continente que con cualquier vecino, cualquier compañero de trabajo, incluso que con cualquier familiar, porque ambas han decidido dejar de ser parte del problema y ser parte de la solución. Han decidido enfrentarse al sistema, un sistema que está equivocado y que quieren cambiar”.

Trabajadora, constante, tímida. Y elocuente. Sus compañeros definen a Natalia como una gran profesional, capaz de transformarse frente a la cámara y trabajar incansablemente. 

Ante los periodistas, se muestra prolija, no evita las respuestas incómodas y hace gala de ese intenso mundo interior que da vida a todos esos personajes que, a pesar de su juventud, le han valido una intensa carrera, con cinco estrenos anuales, dos premios Goya (Vivir es fácil con los ojos cerrados (David Trueba), Techo y comida (Juan Miguel del Castillo) y cuatro nominacionesVivir es fácil con los ojos cerradosTecho y comida que -posiblemente y en breve- la convertirán en la actriz andaluza más laureada de la historia.

Su última nominación le ha recaído por su papel en Adiós, con el personaje de Triana, la sufrida madre que ha perdido a su hija y se deja la piel evitando que su marido (Mario Casas) no dé rienda suelta a su sangrienta venganza. Confiesa que se vio envuelta «en un universo muy doloroso», pero agradece la «verdad» que respiró rodando en las Tres Mil Viviendas, uno de los barrios más desfavorecidos de Sevilla.

Este sábado, en la gala de los Goya que se celebrarán en Málaga, sabremos si el Goya a mejor actriz de reparto recae en sus manos o, quizás, en las de su compañera Mona Martínez. Asegura que no le preocupa y que prefiere que se lo lleve la actriz malagueña.

Ella, mientras tanto, asistirá echando a andar ese álter ego -o  personaje público- «va a los sitios» y «hace todas esas movidas» por ella, ocultando su propia timidez.

Has recibido el Goya a actriz revelación, protagonista y estás nominada por segunda vez a reparto. ¿Cómo afrontas esta nominación?

Con alegría de que hayan reconocido el trabajo que hicimos en Adiós Pilar Gómez, Mona Martínez y yo. Fue muy difícil interpretar esos personajes y nos alegra mucho sentir el reconocimiento de los compañeros. El verdadero premio fue hacer de Triana y trabajar con Paco (Cabezas). En fin, lo que tenga que ser, será, pero estoy tranquila con el mundo Goya. Luego hay sorpresas y, de hecho, me ha pasado a mí en los que he ganado. Me encantaría que se lo dieran a Mona, porque a mí me ha servido mucho para impulsar mi carrera.

¡Qué generosa!

Lo pienso de verdad. Creo que se lo darán a Julieta (Serrano, que interpreta a la madre del protagonista en Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar), pero a la que le viene mejor es a Mona (Martínez). Es una pedazo de actriz y es más desconocida. Me gustaría que María Santos (el papel que interpreta Mona Martínez) subiera al escenario a decir unas palabras.

Has descrito tu papel en Adiós como un papel que te generó agujetas emocionales. ¿En qué consisten dichas agujetas?

Pues era un dolor que iba más allá de lo corporal. Llegaba a casa y sentía agujetas al levantarme por la mañana. Me sentía apática y me dolía el pecho. Me di cuenta de que me había metido en un universo muy doloroso. Triana es uno de esos personajes en los que la carne se pega al hueso, te deja un vacío y te crea agujetas. Soportamos una carga dramática muy alta y el cuerpo se resiente».

¿Has sentido química trabajando con Mario Casas?

Sí. De hecho, me hubiese encantado que también lo hubieran reconocido a él. Es un pedazo de actor, que se ha dejado todo. En las películas es muy importante el trabajo de equipo y la persona que tienes al lado. Cuando los compañeros son generosos, repercute en tu trabajo. No nos conocíamos de nada y nos llevamos muy bien. Me encantaría volver a trabajar con él, porque es un gran compañero y actor.

En Adiós, el barrio de Las Tres Mil Viviendas (Sevilla) es un personaje más de la historia. ¿Cómo os acogió el propio barrio?Adiós

Al principio íbamos con miedo. Me apetecía hacer la película, tener la oportunidad de grabar rodeada de tanta verdad, pero la gente me metió el miedo en el cuerpo. Sin embargo, cuando llegué allí, me di cuenta de lo terrible que son los prejuicios y el sensacionalismo. Allí hay gente buena y mala… ¡como en todos lados! No se les mira, pero son supervivientes y lo hacen desde el arte. Su instinto, su verdad y su desgarro les viene muy bien a la película. Me siento muy afortunada de haberlo vivido.

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El cine andaluz está de moda. Hasta se habla de lobby andaluz en esos mentideros de la cinematografía española, que impulsan las películas hacia los ansiados Goya. Cierto o no, hay un dato irrebatible: una de cada cuatro nominaciones a los premios Goya de 2020  -que este año se volverán a celebrar en Andalucía, después de que Málaga le tome el relevo a Sevilla- es para producciones andaluzas. Ahí está la vuelta de Benito Zambrano (Intemperie), el regreso de Paco Cabezas (Adiós) o la consagración del trío vasco de Handía en estrechísima colaboración con la industria andaluza (La trinchera infinita).

El cine andaluz no brilla ya solo a través de grandes actores o directores forzados a emigrar, sino de un sector que veinte años después del estreno y triunfo de Solas (Benito Zambrano) es una realidad apuntalada por el impulso público y privado, una Ley del Cine y una red de productoras y profesionales capaces de alumbrar sus propias películas Made in Andalucia.

Un resultado histórico

El resultado es esperanzador. E histórico. En 2019, cuatro producciones andaluzas han sumado 25 nominaciones a los Goya: La trinchera infinita, Intemperie, Adiós y los cortometrajes Foreigner (Carlos Violadé) y El nadador (Pablo Barce). El año que termina ha supuesto el regreso a la gran pantalla de dos cineastas andaluces de la talla de Benito Zambrano y Paco Cabezas.

Zambrano ha transformado Intemperie, la exitosa novela de Jesús Carrasco, en un producto cinematográfico de gran nivel, que ha la Seminci de Valladolid y se ha colocado entre las 20 películas españolas más taquilleras del año, con una recaudación de medio millón de euros.

La taquilla le ha sonreído este año a las coproducciones andaluzas. Lejos, eso sí, de un dominio global y demoledor de Disney (que domina el top 10 de la taquilla general, tras adquirir Pixar, Marvel y Star Wars) y las grandes comedias españolas comerciales, financiadas por las televisiones privadas, entre las que se ha colado Los Japón Los Japón(Álvaro Díaz Lorenzo).

Rodada en Coria del Río (Sevilla), protagonizada por María León y Dani Rovira, ha logrado sumar más de 2,7 millones de euros. El cine de género sigue ahondando en la fórmula abierta por Alberto Rodríguez (La Isla Mínima): thriller con personajes, localizaciones, historias y sabor andaluz.

La 'pegada' del cine de género

Es así, como otro sevillano, Paco Cabezas, ha regresado a su tierra cual hijo pródigo, para rodar Adiós, con Natalia de Molina y Mario Casas, en las mismísimas Tres Mil Viviendas, un barrio dominado por la pobreza extrema, el desempleo y el narcotráfico. Cabezas ha aplicado los conocimientos de una década en Hollywood, sacándose “de la chistera” todos esos trucos que lo han convertido en uno de los directores de escenas de acción más solventes de Hollywood.

Apoyado por Sony, la productora madrileña Apache y la sevillana La Claqueta, Cabezas teje un oscuro thriller de norteamericanas maneras y trasfondo sevillano. Las Tres Mil es el Bronx; Mario Casas, una suerte de Robert de Niro buscando venganza. La taquilla le terminó dando la razón y obtuvo una recaudación cercana a los dos millones de euros. Para el recuerdo, una escena escalofriante y conmovedora con un roedor, una indigente y un par de policías, que le ha valido a la onubense Pilar Gómez, la nominación a actriz revelación en los Goya y los premios Asecan del Cine Andaluz. Natalia de Molina y Mona Martínez también están nominadas a los grandes premios del cine español y la película suma 10 nominaciones a los premios andaluces.

El éxito de la conexión vasco andaluza

La trinchera infinita, nominada a mejor película en los Goya, arrancó su andadura con una ovación cerrada en el Kursaal de San Sebastián. La película dirigida por el trío de directores vascos de Handía (Jon Garaño, Aitor Arregi, Jose María Goenaga), se hizo con seis premios a la dirección, el guion o el Feroz de la crítica española, entre otros.

La conexión vasco andaluza hizo que saltaran chispas de talento, logrando (una vez más) una de las mejores interpretaciones de Antonio de la Torre y la consolidación de Belén Cuesta en su primer papel protagonista en un trama. Rodada en Higuera de la Sierra (Huelva) y con el trasfondo de los topos de la guerra, la pareja de actores malagueños brilló y emocionó con uno de los acentos andaluces más cuidados y bellos que se hayan visto jamás en la gran pantalla. Con 15 nominaciones, es la película andaluza con más opciones en los premios Goya.

'Intemperie', el desierto de la soledad

Una de las zonas más áridas de Granada ha vivido el regreso de Benito Zambrano, el director que inició con Solas, premiada en la Berlinale y laureada hace justamente 20 años con cinco premios Goya, lo que hoy en día es la cinematografía andaluza. 

 Zambrano logra pellizcarnos en el estómago con la historia de un niño (Jaime López) que huye de un cacique y encuentra en un refugio en un viejo pastor protagonizado por Luis Tosar. Once nominaciones a los premios andaluces y cinco a los Goya corroboran que el regreso del maestro Zambrano es un hecho y cuenta con productoras andaluzas como la sevillana Áralan Films para llevar a cabo sus nuevas aventuras cinematográficas.

En definitiva, los premios por antonomasia del cine español han terminado dando fe de que el cine andaluz no solo goza de buena salud a través de sus directores más consagrados o sus pujantes productoras, sino del talento emergente. Es el caso del sevillano Carlos Violadé o el malagueño Pablo Barce, que han firmado dos cortometrajes de corte social, Foreigner y El nadador, que han ido sumando éxitos a lo largo del año, hasta culminar en una de las categorías más reñidas.

Banderas, el éxito internacional

Los éxitos del cine andaluz no se han restringido a las fronteras españolas y el propio Violadé, por poner un ejemplo, ha triunfado en algunos de los festivales europeos, asiáticos y latinoamericanos más importantes del mundo. 

Pero, para grandes éxitos fuera de nuestro país, el de Antonio Banderas, que se ha instalado definitivamente en su tierra, Málaga, y ha levantado su propio teatro, el Soho, sin dejar de cosechar éxitos internacionales.

De la mano de Pedro Almodóvar, Banderas ha estrenado en 2019 uno de los mejores papeles de su carrera, interpretando al alter ego del cineasta manchego en Dolor y gloria. Su triunfo en Cannes y los Premios EFA del Cine Europeo le han abierto las puertas hacia los Globos de Oro, los Goya y, posiblemente, los Oscar.

Vuelve la Generación Cinexín

2019 ha supuesto también el regreso de la Generación Cinexin, el grupo de compañeros de facultad de Alberto Rodríguez. El propio Rodríguez ha regresado, junto con el showrunner y guionista Rafael Cobos, a La peste, la mayor producción de la historia de la televisión española. La segunda temporada, con más luz y acción, ha vuelto a poner el foco en numerosas localizaciones de Andalucía. Junto a Rodríguez y Cobos, han regresado cineastas como Santi Amodeo y Paco Baños, que estrenaron, respectivamente, en el Festival de Málaga, Yo, mi mujer y mi mujer muerta y 522. Un gato, un chino y mi padre. 

2019 también le ha dejado lugar a las risas con el actor malagueño Dani Rovira ejerciendo un dominio incontestable en comedias como Los Japón o Taxi a Gibraltar, mientras Fernando Colomo firmaba una sencilla comedia con los carnavales de Cádiz de trasfondo, Antes de la quema, producción andaluza protagonizada por un pujante Salva Reina, nominado a los premios del cine andaluz por este papel. 

El actor malagueño ha hecho acto de aparición en una de las series españolas más aclamadas por la crítica y rodada, precisamente, en los bajos fondos malagueños: Malaka, de Televisión Española, y 'rival' de otra serie rodada en la provincia, Brigada Costa del Sol. Los rodajes externos siguen siendo uno de los grandes motores de la industria andaluza y el lugar donde maduran muchos de los profesionales andaluces que aplican luego el conocimiento de esas grandes producciones en sus propias películas.

Récord de rodajes

Según datos aportados en su último informe por la Andalucía Film Commission, el organismo encargado de atraer rodajes a la región, la comunidad andaluza volvió a batir su récord histórico de filmaciones: 1.447 grabaciones, 130 millones de euros y 23.500 empleos en 2018. 2019 ha seguido atrayendo rodajes de la talla de las producciones de Netflix The Crown The Crowny Warrior Nun, The Power of Love (el biopic de Celine Dion, rodado con la producción de service de Áralan Films) o producciones nacionales como La lista La lista(Álvaro Díaz Lorenzo), Operación Camarón ( Operación CamarónCarlos Therón) o Superagente Mackey (Superagente MackeyAlfonso Sánchez).

Aunque han escaseado las películas dirigidas por mujeres respecto al año anterior, en el que triunfaron los largometrajes de Celia Rico (Viaje al cuarto de una madre), Marta Díaz de Lope Díaz (Mi querida cofradía) o Laura Hojman (Tierras solares), 2019 ha impulsado la carrera de directoras como Remedios Malvárez (Menese), la productora Paola Sainz de Baranda (que ha creado su propia compañía, Malandar, y ha triunfado con el documental Manolo Sanlúcar. El legado) o la directora de arte Vanesa de la Haza (Adiós). 

El futuro del cine andaluz

2020 será el año en el que directores como Alfonso Sánchez, creador de parodias sociales como El mundo es nuestro o El mundo es suyo, estrenarán su tercera película, como Para toda la muerte (31 de enero), una comedia negra, de elegante factura y trasfondo social o el segundo documental de Laura Hojman, (con estreno previsto en otoño), sobre el exilio de Antonio Machado en Colliure y la fragilidad de la democracia.

El año que arranca también será el de las óperas primas de Guillermo Rojas (Una vez más, su particular carta de amor a Sevilla y la joven generación forzada a emigrar), Bernabé Rico (El inconveniente), protagonizada por Kiti Mánver, José Sacristán, Carlos Arece y Juana Acosta), David Martín de los Santos (La vida era eso, con Anna Castillo), Javier Barberó (Los ojos de Érebo), José Antonio Hergueta (Caleta Palace) o Ezekiel Montes (Hombre muerto no sabe vivir).

Para consolidar esta industria cultural, el sector sigue reclamando mayores incentivos fiscales para los rodajes, el impulso de las ayudas al cine del gobierno andaluz y Canal Sur, la puesta en marcha de la Ley del Cine aprobada en 2018 y una Academia del Cine Andaluz, cuya creación se vislumbra lentamente en el horizonte. Desde septiembre, la comunidad cuenta además con una nueva Asociación Andaluza de Productores de Cine (Ancine), que reúne ya a más de 40 productoras del sector o la Plataforma del Cine y el Audiovisual Cordobés, que reclama más apoyo público, atracción de rodajes y mayor visibilidad del audiovisual cordobés.

Una fábula con personajes muy humanos para ver “con el corazón”. El director sevillano Paco R. Baños define así 522. Un gato, un chino y mi padre (Tarkemoto, Letra M. Estrenada en el Festival de Málaga), que protagoniza una Natalia de Molina desquiciada por un pasado que le impide alejarse más de 522 pasos de su casa, pero que debe emprender un viaje al fin del mundo para reencontrarse con “los sentidos, el mar y su infancia”.

Sentado en una terraza de la plaza San Marcos, aún algo abrumado por el preestreno de su segundo largometraje en el cine Cervantes de su ciudad, Baños defiende su admiración “por la garra y el carácter del universo femenino”.

Esa fascinación la ha transformado en las dos protagonistas absolutas de sus largometrajes: Ali (interpretada por Nadia de Santiago en Ali) y George (Natalia de Molina en 522…). Son chicas que tienen “las ideas muy claras” y que permiten al cineasta sentirse cómodo “con esos personajes que se atreven a todo”. Incluso emprender una odisea hasta los ‘confines’ del mundo.

Al comienzo de la película, el cielo de Triana se convierte en una ilustración. Más adelante se habla de El Flautista de Hamelín y Cenicienta. Natalia de Molina, deformada buena parte de la película por el gran angular, se asemeja a una caricatura. ¿Estamos ante una película contada como un cuento?

La película está fabulada. Me gusta buscar esa conexión con el realismo mágico y con el mundo de la fábula para tratar de demostrar que no hablamos de la realidad, sino de algo más ficcionado, donde lo humano se mueve con ese contraste entre la madurez y lo infantil.

Tanto en Ali, como en 522. Un gato, un chino y mi padre, tus protagonistas, Ali y George, son chicas inadaptadas. ¿Hasta qué punto te ayudan los personajes femeninos a expresarte con mayor libertad?Ali522. Un gato, un chino y mi padre

Son personajes con alguna disfunción emocional y eso nos genera empatía, porque si nos miramos un poco tenemos más disfunciones de las que parece. El termino normal hay que ponerlo en tela de juicio. Es posible que emplear personajes femeninos te ayude a esconderte y sentir más libertad para expresar tus experiencias sin que nadie vea directamente esa conexión con el personaje.

¿Qué dirías que te une a ese universo femenino?

Hay una admiración por esa garra y carácter del universo femenino. Tienen las ideas más claras y son más directas. Eso me permite ir a gusto con esos personajes que se pueden atrever a todo, mientras lo masculino se limita a moverse a su alrededor.

En el preestreno en Sevilla, Natalia de Molina dijo que había sido un camino difícil. ¿A qué se refería?

Hacer una road movie es complicado, porque no puedes volver a los sitios y todo tienes que resolverlo. Para colmo, fue la primavera más lluviosa de los últimos 50 años. Era un trabajo complicado, al tener ella la cámara tan cerca. El personaje es complejo, absolutamente protagonista y está en todas las escenas y casi todos los planos. No tiene descanso.

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El costumbrismo sofisticado de Carlos Vermut es como una canción sin estribillo. Crees que te la sabes, que has desentrañado el núcleo principal sobre el que gira la letra de la película, cuando de repente todo se vuelve surrealista, se rompe la continuidad narrativa y te debates entre la admiración y el desprecio. Pero ocurre que el cineasta sabe cómo vestir sus crípticos relatos para que al final caigas en la trampa. Sucedió con ‘Diamond Flash’, sucedió con ‘Magical Girl’, y con más razón en ‘Quién te cantará’, su película más redonda en cuanto a la facilidad para identificar todo su simbolismo.

Sigue sin ser fácil, sin embargo, aceptar sus cartas. El cineasta no termina de encontrar el hueco existencial de sus personajes en el espacio que les rodea. Mantiene una lucha constante, diríamos que casi imposible, entre lo exterior y lo interior. Eso provoca que sus protagonistas sean tan extrañas como mágicas, magnéticas y cotidianas, y al mismo tiempo, lejanas y algo extraterrestres. La solución sí es sencilla: Vermut está fraguando cada vez con más fuerza su propia realidad cinematográfica con una sofisticada visión que poco o nada tiene que ver con nuestro mundo. Se disfraza de un elegante Pedro Almodóvar, se adentra en las pesadillas hipnóticas de David Lynch. Se lanza al precipicio y se salva.

En ‘Quién te cantará’, la llave de su arriesgado experimento son sus actrices. Najwa Nimri y Eva Llorach (barredora de premios) son las absolutas protagonistas de su compleja historia, que vuelve a someter al espectador a una radical lectura. La primera interpreta a una famosa cantante que ha perdido la memoria tras un accidente justo antes de volver a los escenarios; y la segunda, a la trabajadora de un karaoke y su mejor imitadora. Son Lila y Violeta. El mismo color con diferentes matices. Los mismos traumas con otros nombres de mujer. Mujeres rotas y paralizadas por el miedo. Y la misma canción saliendo de los labios de ambas con la misma intensidad pero con diferente voz.

Sueños zombis que todavía pueden bailar

Porque al contrario que en ‘Eva al desnudo’, Violeta no irrumpe en la vida de Lila para pasar de la sombra a la luz a costa del sabotaje. La melodía de Eva Llorach, cantada por Eva Amaral y entrando en el laberinto amnésico de Najwa Nimri, en sus juegos de máscaras y miradas, las perlas guardadas para las fabulosas Carme Elías y Natalia de Molina, esconden sorpresas insospechadas, la apertura del ataúd donde enterramos los sueños no conseguidos. Sueños zombis que todavía son capaces de bailar “pareciendo gilipollas”. De aplazar una decisión para adoptarla más tarde pero con otra ropa, otro nombre, otra determinación. Ahí el conmovedor final de la historia eclipsa todos los sentimientos anteriores.

Se está bien en esta trampa sin estribillo. Transcurre la película y sus extrañas y extemporáneas canciones mientras nos crece el antifaz en los ojos para aprender a mirarla y comprenderla. Si se arrastra un ligero escepticismo, queda mutilado en su magistral desenlace, un camino muy estrecho de dos finales en uno, “siguiendo la ruta de un pájaro herido”. Como lo cantan todas (las dos Evas y Najwa) en “Procuro olvidarte”:

“Pero estamos juntas”. Elisa y Marcela han recibido pedradas, han engañado a la Iglesia, se han desposado, han huido, se han desterrado y han dado con sus huesos en la cárcel. Han pasado por un auténtico calvario. Pero están juntas. Y nada les importa más.

Lo personal es político, proclama el movimiento feminista. Y la directora Isabel Coixet lo hace realidad. Con Elisa y Marcela, que ha celebrado este miércoles su estreno mundial en la Berlinale, ha lanzado un potente mensaje político. De esos que son tan de su gusto y del festival alemán.

La historia del primer matrimonio gay (o, mucho mejor dicho, lésbico), protagonizada por Natalia de Molina y Greta Fernández, llega en un momento idóneo: con los partidos de la ultraderecha española poniendo en cuestión el derecho de las personas homosexuales a casarse en nuestro país.

La película de estas dos mujeres que, contra todo pronóstico, lograron engañar a un párroco gallego en los albores del siglo XX para casarse, vuelve a sacar a la mejor Coixet. Esa que nos emocionó hasta la médula con Mi vida sin mí.

Aquella historia de una madre moribunda marcó un antes y un después en su carrera. Fue la película que la situó definitivamente como una voz imprescindible del cine español. Y es, probablemente, su obra maestra. La que le hizo entrar en el radar de Dieter Kosslick, el director de la Berlinale, convirtiéndose así en una de sus directoras de cabecera.

16 años después de todo aquello, Coixet nos narra la conmovedora historia real de dos mujeres que lo sacrificaron todo por amor. En una Galicia rural y asfixiante, Marcela sigue la senda de los lunares de Elisa.Y en ese sensual camino, encuentra el placer, el amor y la felicidad.  Una felicidad filmada hasta sus últimas consecuencias, durante la primera parte de la película. Y que, cuando llega el calvario, extrema su contraste.

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Más de una veintena de nominaciones a los premios Goya 2018 han recibido las producciones, los directores, directoras y los intérpretes andaluces. La ceremonia, que se celebrará el próximo mes de febrero, tendrá así un importante sabor andaluz, no sólo por la larga lista de nominaciones andaluzas, sino por la celebración de la 33ª edición en Sevilla.

La coproducción andaluza que más nominaciones acumula es Quién te cantará, de Carlos Vermut: maquillaje y peluquería, vestuario, sonido, fotografía, actriz revelación (Eva Llorach), actriz de reparto (Natalia de Molina) y actriz protagonista (Najwa Nimri).

Le sigue la película de la directora sevillana Celia Rico, Viaje al cuarto de una madre, nominada como directora novel (Celia Rico), actriz protagonista (Lola Dueñas), actriz de reparto (Anna Castillo) y montaje.

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Si uno echa un vistazo a las revistas de cine, o las de tendencias, este es el año de Natalia de Molina. Ha estrenado tres películas (No dormirás –Gustavo Hernández-, Animales sin collar –Jota Linares-, Quién te cantará –Carlos Vermut-), y ha participado en la serie La Catedral del Mar. Es la actriz del momento, dicen de ella. Pero si uno amplía el horizonte y consulta la hemeroteca, comprueba que Natalia De Molina (Linares, 1990) lleva ya varios años siendo la “actriz del momento”: probablemente porque ganó su primer Goya con apenas 23 años, y que apenas un par de años después repitió, esta vez como mejor actriz principal.

Ella relativiza este 2018. Lo que ocurre, dice, es que los estrenos “se están juntando”: “Realmente lo frenético está siendo la promoción”. Animales sin collar, el debut del andaluz Jota Linares, sigue en cartelera, y el pasado viernes estrenó el esperado regreso de Carlos Vermut, Quién te cantará. No sería extraño que vuelva a ser la actriz del momento en 2019, cuando estrenará Elisa y Marcela, la nueva película de Isabel Coixet.

En Animales sin Collar interpretas a Nora, que lleva el peso de la trama. Son sus decisiones (o la falta de ellas) las que conducen la historia. ¿Has sentido el peso del personaje?Animales sin Collar

Natalia de Molina: Obviamente es un personaje protagonista, lleva mucha carga, las cosas que van pasando dependen de lo que hace. Era consciente que la historia giraba en torno a esta mujer, a su despertar y al secreto que intenta ocultar para proteger a su marido. En el guion ya se ve el peso, pero creo que es una película de personajes, y aunque haya algunos protagonistas es una historia dividida en cinco personajes que van quitándose capas y collares.

Durante la película el personaje cambia su perspectiva. ¿Cómo te preparaste esa evolución?

Siempre digo que si Nora no hubiese pasado por lo que pasa en la película probablemente seguiría pensando que es libre, como muchas mujeres que renuncian a toda una vida, o cosas muy importantes en pos de los demás, por cuidar a otro, sus maridos o sus hijos. A las mujeres se nos educa un poco para que pensemos más en los demás que en nosotras mismas.

Me interesaba ese viaje que hace ella, de ser una mujer que aparentemente vive bien, tranquila, mona, joven, con un marido al que ama con locura, que ha renunciado a muchas cosas pero porque ha querido, por amor, por lo que nos enseñan que es el amor, romántico, y poco a poco se va dando cuenta de que no es tan libre ni tan feliz, que ha renunciado a muchísimas cosas y que la persona que tiene delante no la ve. Y es cuando ella tiene ese despertar y decide tomar las riendas de su vida y ser consecuente con la bofetada que la realidad le pone delante.

Durante gran parte del metraje Nora no sabe qué hacer y está a la deriva. ¿Qué crees que paraliza a Nora y las mujeres que se comportan como ella?

Creo que es más un tema social y de sistema. No es una figura de una mujer súper sometida de manera muy obvia, sino que es una manera mucho más escondida, porque la sociedad nos lleva por ahí. Hay escenas que ni nos damos cuenta, porque vemos súper normal. Cuando están recogiendo la mesa, ellas dos solas, porque los hombres se han ido... Es ella la que tiene que hacer la comida, la que tiende la ropa y el hombre la ayuda. Son muchos micromachismos aceptados socialmente y tiene que ver con la educación, con el sistema en que nos criamos. La película habla de eso. Hay millones de acciones, micromachismos, tan arraigados en nuestra cultura y nuestra manera de ver la vida, que por eso hay tantas mujeres que no son conscientes de que no son libres. La parálisis le viene del miedo a perder lo que ha construido en su idílica vida, en su cortijo, con su marido.

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La corporación Tiger Corp está llevando a cabo una investigación basada en la inteligencia de un joven genéticamente modificado. Lo hace en un retrofuturo desolador, donde no hay esperanza. Uno de los encargados del estudio, el doctor Zelic, conoce a la joven heredera de la empresa, Laura. En medio de todo ello, una máquina que permite al ser humano viajar en el espacio y el tiempo —creada por ese joven—, una nave que circula por el espacio exterior y un piloto con vocación frustrado por su trabajo en un basurero espacial. Las vidas de todos ellos se cruzan y poco después comienzan los problemas.

Estas son las premisas de 'Rendezvous', una película española de ciencia ficción Rendezvous'que podría ver la luz próximamente. Quizá todavía no hayas oído hablar de ella, pero ya se ha exhibido en el Festival de Cine Fantástico de Bilbao y más recientemente en el Nocturna, el festival de Cine Fantástico de Madrid. En ella participan actores tan conocidos como Natalia de Molina (‘Vivir es fácil con los ojos cerrados’, ‘Techo y comida’), Celso Bugallo (‘Mar adentro’, ‘Los lunes al sol’) o Santi Ugalde (‘Allí abajo’, ‘Vaya semanita’).

A la luz del tráiler, parece una película de gran factura. No ha sido una rodada en Hollywood, ni siquiera en uno de los estudios que hay a las afueras de Madrid o en las localizaciones de la Ciudad de la Luz de Alicante. Se filmó en un polígono industrial de Bilbao, echando mano de la ayuda de amigos y familiares. Si para construir los decorados había que pedir consejo al tío carpintero de Guillermo, se le pedía.

Guillermo Julián y Román Santiago son los directores, productores, guionistas y otros cargos creativos de 'Rendezvous'. Ambos licenciados en Comunicación Audiovisual, cuando terminaron la carrera pensaron en hacer un máster. Sin embargo, en vez de gastar sus ahorros en prolongar sus estudios, decidieron invertir en lo que más deseaban: dirigir un largometraje. Descartado rodar en Madrid por los precios de los estudios, se trasladaron a Bilbao, tierra natal de Guillermo (Román es gallego) y comenzaron allí la construcción de los decorados.

En la ciudad vasca lograron producir un largometraje con lo que se consideraría un presupuesto bajo: Guillermo asegura a HojaDeRouter.com que el coste de realización estuvo entre 80.000 y 100.000 euros, aunque a eso habría que sumar otros gastos posteriores. Según datos de 2015 de la Federación de Asociaciones de Productores Españoles Audiovisuales (FAPAE), el presupuesto medio actual de una película es de 1,2 millones de euros, mientras que en 2009 era de 3 millones de euros. Solo el 9,4 % de los rodajes iniciados en 2015 contaban con un presupuesto alto (entre 3 y 5 millones de euros) y un 3,1 %, con uno muy alto (más de 5 millones).

“Queríamos tener un espacio de hora y media para contar nuestra historia, y siempre pensamos que era una manera de posicionarse en el mercado. Porque cortos hay millones, pero largometrajes, aunque sean pequeños, hay muy pocos”, explica Guillermo.

Alojados en aquel polígono industrial, tiraron de maña y “mucha energía e ilusión” para construir unos decorados rudimentarios pero con sabor futurista, inspirados en películas como 'Solaris', de Andréi Tarkovsky. Amigos expertos en distintas materias los ayudaron, pero también familiares. Tener un tío carpintero fue esencial: “Primero tenéis que hacer esto así. Si hacéis el techo de esta manera se os puede caer encima, lo mejor es que lo hagáis así”, les decía.

Sin saber cómo construir un decorado, Román y Guillermo los diseñaron y los fabricaron con la ayuda del pariente. “Igual habíamos montado dos muebles de Ikea, pero no habíamos hecho carpintería seria”, reconocen. Otros carpinteros les ayudaron “por amor al arte y porque es divertido”. Además, tenían a su alrededor a profesionales que les asesoraban para que luego los actores estuvieran seguros durante el rodaje. Intérpretes que, según nos cuentan, se fueron convenciendo conforme les mandaban las fotos de los decorados y les mostraban cómo iba el desarrollo.

Lo que encontraban entre los deshechos también podía resultar útil. “En la basura igual había quince piezas iguales y las utilizábamos en un decorado. Las poníamos del revés, las pintábamos… Utilizamos muchas espumas de formas diferentes para las piezas de las paredes”, recuerda Guillermo.

Recordar el futuro de los años 80

Más allá del ingenioso reaprovechamiento, la clave era “madera, madera y madera”. De hecho, a la hora de hacer el 'foley' (los efectos de sonido que se fabrican de manera artesanal), tuvieron que sustituir los pasos sobre este material por otros de personas sobre superficies metálicas. Con tanta madera y tras pasar por pintura, lo que pretendían era crear unos decorados “retrofuturistas, quizás un poco góticos”. “Nos interesaba sobre todo recordar al futuro que imaginaban en los años 80. Ese futuro de las grandes corporaciones, de las naves que parecían más camiones de basura”. Entre sus referencias cinematográficas estaban las películas de Alien y Star Wars, '2001: Una odisea en el espacio' o la ya citada 'Solaris'.

Para conseguir que los decorados parecieran más grandes o diferentes, se aprovecharon de diferentes tiros de cámara. De ese modo se podían grabar muchísimos planos dentro de un mismo pasillo. También había un corredor circular, que imitaba la curva de la nave espacial: “Con ese pasillo, que igual medía unos ocho o nueve metros, al final tienes muchas escenas”. Los actores siempre giran en el mismo lugar, pero la apariencia es distinta en cada toma. Y para el desplazamiento de la cámara, un viejo truco: el operador se desplaza en una silla de ruedas.

Román y Guillermo son también los creadores de los efectos de sonido. “Esta fue otra de las razones por las que decidimos ambientar la película en un retrofuturo”, ya que las librerías digitales de la actualidad permiten acceder fácilmente a sonidos como los que se empleaban en los años 80. Por otra parte, para la nave espacial, su idea creativa era usar sonidos que resultaran comunes a oídos del espectador. Para el arranque usaron los motores hidráulicos de una fábrica reproducidos a mayor velocidad, un motor a gasolina que se enciende o la chispa de una batería. Para los sonidos eléctricos se sirvieron de una lavadora. “Nada de lo que tú estás viendo en pantalla existe realmente, así que tienes que imaginar cómo sonaría”, explica Julián.

En los efectos digitales contaron con la ayuda de un amigo, Fernando Corral. Él les enseñó cómo trasladar los diseños que tenían en papel a mallas en 3D y a hacer los 'renders'. En principio iban a ser maquetas como las de aquellas películas ochenteras, fabricadas con impresoras 3D. Sin embargo, el resultado de las piezas no les convencía y decidieron apostar por el ordenador. Siendo una película tan de andar por casa, se sirvieron de programas gratuitos para aprender y diseñar desde cero todo lo que querían mostrar. Con Blender, un programa libre, Guillermo diseñó y modeló las naves. Como además es el director de fotografía, también le sirvió para ajustar las luces y los escenarios digitales. A la hora de la corrección de color recurrieron a DaVinci Resolve. También hubo algo de After Effects.

La ciencia ficción en el cine español

'Eva', 'Los cronocrímenes', 'Autómata'... En los últimos años se están produciendo más películas de ciencia ficción en España, un género cinematográfico que no cuenta con mucha tradición en nuestro país pero que ha dado muchas alegrías a sus responsables. 'Los cronocrímenes' encumbró a su director, el ya reputado Nacho Vigalondo (el equipo de ‘Perdidos’ dijo haberse inspirado en su argumento para algunas tramas), mientras que 'Eva' fue exhibida en el Festival de Venecia con el aplauso de la crítica.

A pesar de estos éxitos aislados, Guillermo cree que todavía hay mucho camino por recorrer: “Nosotros intentamos en un principio mover el guion, pero nadie hubiera apoyado un proyecto así. Si lo hubieran apoyado lo hubieran cambiado. La ciencia ficción en España es complicada: no hay un respeto, no hay un entendimiento a que pueda aportar algo realmente”.

Ahora están en conversación con varias distribuidoras para estrenar la película. 2016 se prevé como otro gran año para el cine español, y quizá 'Rendezvous' forme parte de esa cosecha de estrenos. Solo queda por saber si los decorados caseros y el 'software' gratuito consiguen convencer al público.

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Las imágenes han sido cedidas por la productora Calle Falsa 123

Desde que comenzó la crisis económica, esa que todavía no sabemos muy bien si ha terminado o amaga con reencarnarse en otra similar, la imagen colectiva más representativa de la pérdida de derechos sociales en España ha venido representada por los desahucios. Miles de personas que han perdido su casa porque les hicieron creer que el sistema financiero español era sostenible y que hipotecaron hasta su última gota de sudor. Un drama que pervive, que no ha finalizado y que gracias al cineasta Juan Miguel del Castillo se rescata de la debacle política Juan Miguel del Castillopara ponerle rostro en el drama ficticio pero real como la vida misma que supone 'Techo y comida'.

Desde su paso triunfal por el pasado Festival de Málaga hasta sus nominaciones en los últimos Premios Goya, la dramática historia de una madre soltera en Jerez de la Frontera durante el año 2012, sin trabajo y a punto de ser desahuciada por impago del alquiler, ha llegado al corazón del gran público, un objetivo difícil sobre todo para un tema muy complicado y que ha sido abordado en profundidad por los medios de comunicación comprometidos con la causa. Pero se trata de una película sencilla y certera, con un rodaje sin pretensiones que incluso imita por momentos al cine documental, y que deja caer toda su carga emocional en la maravillosa interpretación de Natalia de Molina, dando vida a la desamparada Rocío.

El cineasta andaluz debuta en el largometraje, tras una docena de cortos sociales, aunando en escenas sin apenas música y con diálogos contados, los dos derechos perdidos de la protagonista y de su hijo que dan título a la película. Pone rostro creíble y naturalidad desoladora a una situación de pobreza que se asoma por las cuatro paredes de ese frío y triste piso que madre e hijo habitan. Y de paso, siembra de encontronazos con la realidad los esfuerzos inútiles de su protagonista por hacerse hueco en un mundo que se le escapa de las manos: sin ayudas, sin esperanza, con solo un precipicio delante y un arnés construido a base de dignidad para salvarse del mismo.

El mayor mérito de la película reside en su aparente sobriedad. Se nota que hay detalle, compromiso y empatía con el relato, pero el guion apuesta por no recrearse en el drama, poniéndose en la piel de todas aquellas madres que han tenido que disimular cada desmoronamiento por el bien de sus hijos. 'Techo y comida' toca, o más bien acaricia, cuestiones como la desnutrición infantil, los recortes en ayudas sociales, el paro juvenil, la solidaridad o la explotación laboral, dejando en nuestras manos la impotencia de una sola persona frente al sistema. Y Rocío es el rostro individual de todo ello, en escenas donde incluso sus interlocutores ni aparecen en escena, quedan anulados, salvo por sus voces en off.

Lo más destacable desde su principio hasta su final (las dos mejores y más poderosas secuencias de la película) hay algo que el guion de Neus Devesa y Jesús Méndez no deja de decirnos -sin mencionarlo- en ningún momento: que comprendamos, que escuchemos, que ayudemos, que no vivamos al margen de dramas como el que encarna Natalia de Molina. No parece casual que Del Castillo haya elegido una historia tan íntima y triste poniendo el foco en la juventud y la maternidad. Y no lo es el poso que deja en el espectador cuando al terminar ese tránsito final, quiere salir corriendo a buscar por las calles a madre e hijo y ofrecerles una nueva vida, un nuevo mundo, otra oportunidad.

'Anabel', la película de Antonio Trashorras, es la ganadora del premio oficial de la sección Abycine Indie 2015. Además, se ha otorgado una Mención especial del jurado a 'Techo y comida' de Juan Miguel del Castillo, un reconocimiento que coincide con la decisión del Jurado Joven (compuesto por medio centenar de espectadores), que ha elegido la película de Juan Miguel del Castillo como el mejor trabajo que ha pasado por esta sección. El jurado oficial ha estado compuesto por la asesora audiovisual y productora Ángela Bosch, por Iván Barredo, de la distribuidora Good Films; y por la jefa de producción ajena de Castilla-La Mancha Televisión, Ana Ribera. El palmarés lo ha dado a conocer el director de Abycine, José Manuel Zamora, junto con el concejal de Cultura de Albacete, Manuel Serrano, la diputada provincial María José Vázquez, y la directora general de Radiotelevisión Castilla-la Mancha, Carmen Amores.

Por otra parte, 'Lost village', dirigido por George Todria, es el trabajo ganador de la sección Abycine Cortos. El segundo premio se lo ha llevado 'Nadie Baila', de Javier Loarte. El jurado, en este caso, lo conformaban el director de cine Fran Araújo y las periodistas Cecilia Calvo y Andrea Gutiérrez.

En cuanto a Videocreación albaceteña, el cortometraje ganador ha sido 'Tras el arcén', de José Antonio Olivares. El segundo premio se lo ha llevado 'El chozo', de David Martínez, y el tercero 'Menchu, Mamen y un despido improcedente', de Héctor Monsalve. El director de Cultural Albacete, Ricardo Beléndez, y el diseñador gráfico Héctor Montoya, han sido los miembros del jurado de esta sección. Dos ganadores tiene la sección Cortometraje y Discapacidad – Fundación Asprona: 'Bla, bla, bla', de Alexis Morante, e 'Inocente', de Álvaro Pastor.

El palmarés de Abycine 2015 se completa con el cortometraje ganador de la sección Hecho en Castilla-La Mancha titulado 'A los ojos', dirigido por el almanseño Mario Hernández. Una comisión compuesta por profesionales del área de programación y ficción de Radiotelevisión Castilla-La Mancha ha sido el jurado.

Gala de clausura

Todos los premiados acompañarán a Natalia de Molina, que recogerá el Premio Trayectoria Joven en la gala de clausura este sábado 31 de octubre en los cines Yelmo de la estación de Vialia. La actriz cosecha así un reconocimiento más que se suma a su corta pero intensa trayectoria que la hizo merecedora del Premio Goya a la Actriz Revelación en 2014 por su trabajo en la película “Vivir es fácil con los ojos cerrados”, de David Trueba. Además, en el pasado festival de Málaga consiguió la Biznaga de Plata por su interpretación en 'Techo y comida'. El nombre de Natalia de Molina pasa a formar parte de una larga lista de actores y directores que se han hecho con el Premio Trayectoria Joven. Son los casos de Raúl Arévalo, Carlos Areces, Elena Anaya, Jaume Balagueró, María Valverde o Ernesto Alterio.

La gala de clausura, además de contar con la presencia de Natalia de Molina y de los autores de los trabajadores que conforman el palmarés, estará llena de sorpresas y se completará con la proyección de 'Truman', la última película de Cesc Gay protagonizada por Javier Cámara y Ricardo Darín (por la que consiguieron la Concha de Plata a la mejor interpretación masculina en el Festival de Donosti) y que está llamada a ser una de las de mayor éxito de nuestro cine en los próximos meses. La jornada del sábado se cerrará con una fiesta de clausura en la sala Pussy Wagon con Pau Roca ('La habitación roja').

Abycine cerrará definitivamente su XVII edición el domingo en la Sala Mercedes Benz del cine Capitol con una nueva repetición de 'Requisitos para ser una persona normal' a las 18.00 horas y con la proyección de 'Techo y comida', película ganadora del Premio del Jurado Joven Abycine Indie a las 20.30 horas.

Natalia de Molina ya nunca podrá olvidar ‘Strawberry Fields forever’. La canción de los Beatles, cuya letra pone título a su debut en el cine, ‘Vivir es fácil con los ojos cerrados’, suena a Cabo de Gata en su voz acompañada de Javier Cámara a la guitarra en el extra rodado por David Trueba en el set del bar de la película.

Ha sido su primera vez en demasiadas cosas. Primera película, primer papel protagonista, primer festival, el de San Sebastián donde la película fue calurosamente acogida, y primer Goya como actriz revelación junto a 6 más para película. Natalia de Molina lo está viviendo todo como si estuviera dentro de un cuento de hadas. Para ella, de 23 años, nacida en Linares, criada en Granada, con un año de bachillerato en Almería y la carrera de interpretación en la ESAD de Málaga, David Trueba ha sido una especie de rey mago que le dio el papel en su segunda prueba, cuando la escuchó hablar en andaluz.

Nerviosa y llorosa por la sorpresa, subió al escenario a recoger su Goya como actriz revelación y bajó del escenario con unos cuantos grados más de experiencia tras uno de los discursos comprometidos de la noche. Comenzó dando las gracias a David “por creer en mí en un momento en el que es muy difícil creer en nada”, le dijo emocionada al director. Tras varios agradecimientos más y un “me relajo”, dedicó el premio a sus maestros, como Juan Carrión, el profesor de inglés que inspira la película, por haberla enseñado “a ser libre y a tener criterio”.Terminó rotunda con una frase de Belén en el filme: “yo no quiero que nadie decida por mí”, arrancando la ovación del patio de butacas.

¿Te ha costado mucho creerte que has ganado un Goya?

Ya han pasado unos días y cada vez que lo veo cuando me despierto es un subidón. La esperanza nunca se pierde pero no pensaba que me lo fueran a dar, así que iba supertranquila. Fue una sorpresa total y aún más para la película. La verdad es que fue una gran noche.

Nadie esperaba con tus nervios y tus lágrimas que tu discurso fuera uno de los más comprometidos de la gala

No tenía el discurso preparado. Sabía a quien quería dedicárselo y fui siguiendo el hilo de lo que dije en los CEC (los premios del Círculo de Escritores Cinematográficos que la premiaron hace una semana también como actriz revelación). Esos premios se celebraron el día anterior a la manifestación en contra de la reforma de la Ley del Aborto y se me saltaban las lágrimas al darme cuenta que estábamos en el mismo sitio en el que está Belén, mi personaje. Es terrible ver cómo retrocedemos y que nos están quitando las libertades.

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