Del 1 al 8 de noviembre el Festival Riojazz volverá a inundar diferentes rincones de Logroño con espectáculos y actuaciones de este género musical que nació a finales del XIX en Nueva Orleans. En esta sexta edición, el programa contempla tres espectáculos de producción propia, tres actuaciones de grupos de jóvenes artistas, dos actuaciones de formaciones de músicos riojanos, un espectáculo familiar y la tradicional jam session.

Tras el éxito del Funeral Dixie y la misa no góspel celebrados el año pasado, el domingo 1 de noviembre a las 13.00 horas la Sala Fundición acogerá el espectáculo de producción propia “Esto no es una misa Gospel” con más de 20 personas encima del escenario, incluyendo banda de soul, sección de metales, coro góspel y reverendo.

Como es habitual, la Librería Santos Ochoa de Calvo Sotelo acogerá el lunes 2 de noviembre a las 19 horas el concierto de Songo Trío, formado por tres veteranos músicos de jazz riojanos y al día siguiente, el martes 3 de noviembre a las 20.00 horas en el Wine Fandango, será el turno de Óleo, un cuartero de jazz formado por profesionales de la música que, en sus conciertos, juegan con los estándares de jazz, las adaptaciones de temas de otros estilos y las improvisaciones características de este estilo musical.

El miércoles 3 y el jueves 4 de noviembre, Riojazz cederá el protagonismo a grupos formados por jóvenes riojanosThe Sûpreme y Los Kawais actuarán el miércoles 3 de noviembre a las 20.00 horas en el emblemático Café Moderno con un repertorio plagado de swing, jazz y música negra y el jueves, a las 20.00 horas en la Sala Fundición, actuará The Jazz Pilgrims (JOP-IGO Konboa) formado por jóvenes músicos navarros tienen la oportunidad de mostrar sus capacidades musicales e improvisatorias en el ámbito de la música moderna y el jazz. Todos sus integrantes se encuentran formándose en conservatorios superiores como Musikene y el Conservatorio Superior de Música de Navarra en la especialidad de Jazz.

El viernes 5 de noviembre, la Sala Rever a las 20.00 horas, será el escenario de un espectáculo de producción propia que comprende una sesión de música electrónica en el que el dúo catalán Mogambo Live, formado por batería y teclados y especialista en este tipo de música, se unirá a seis músicos de la región en dos secciones de cuerda y metal, con arreglos elaborados para la ocasión.

El sábado 7 de noviembre a las 20.00 horas, el Círculo Logroñés acogerá la recreación del espectáculo de producción propia Cabaret Riojazz ya que mientras en Estados Unidos el jazz impregnaba los espectáculos que se producían en la primera mitad del siglo XX, España tenía sus propios códigos musicales: cuplé, tango, bolero, incluso swing. En este espectáculo participará una orquesta cabaretera formada para la ocasión que recreará el ambiente de aquella época junto a tres maravillosos cantantes, un maestro de ceremonias y alguna sorpresa más. En el mismo se rendirá homenaje al cabaret que se celebró hace cuarenta años en la Sala Gonzalo de Berceo con alumnos de la añorada y recordada Escuela de Teatro de La Rioja que tantos profesionales ha aportado a la escena teatral.

La última jornada, el domingo 8 de noviembre, contará con un espectáculo familiar y la tradicional jam session. A las 13.00 horas, la Sala Función acogerá Irantí, la cadena infinita, un espectáculo que une el monólogo de divulgación y la música en directo para realizar un viaje por más de 500 años de historia de la música afroamericana. La semana finalizará, a las 19.00 horas en la Sala Fundición, con la tradicional Jam session en la que todos aquellos músicos que lo deseen pueden subir al escenario a tocar jazz e improvisar, la característica principal de este estilo musical.

El Festival está organizado por la Asociación La Rioja Big Band, con la colaboración del Gobierno de La Rioja, el Ayuntamiento de Logroño y la Escuela de Música Píccolo y Saxo. Las personas interesadas pueden adquirir la entradas en las plataformas habituales de las salas de conciertos y en la página webriojazz.es

PROGRAMACIÓN RIOJAZZ 2026

Domingo 1 de noviembre. 13.00 horas | Sala Fundición

Esto no es una misa Gospel | Entrada 15€/18€

Lunes 2 de noviembre. 19:00 horas | Santos Ochoa Calvo Sotelo

Songo Trío | Gratis

Martes 3 de noviembre. 20:00 horas | Wine Fandango

Oleo | Gratis

Miércoles 4 de noviembre. 20:00 horas | Café Moderno

The Sûpreme y Kawais | Gratis

Jueves 5 de noviembre. 20:00 horas | Sala Fundición

JOP-IGO Konboa - The Jazz Pilgrims | Gratis

Viernes 6 de noviembre. 20:00 horas | Sala Rever

Mogambo Live con músicos del Riojazz | Entrada 15€ con consumición

Sábado 7 de noviembre. 20:00 horas | Círculo Logroñés

Cabaret Riojazz (producción propia) | Entrada 18€/20€

Domingo 8 de noviembre. 13:00 horas | Sala Fundición

Irantí, la cadena infinita (música en familia) | Entrada 8€/10€

Domingo 8 de noviembre. 19:00 horas | Sala Fundición

Jam Session | Gratis

En agosto de 1965, en la cima de su fama, el saxofonista John Coltrane encabezó el cartel del festival de jazz DownBeat en Chicago. Al subir al escenario junto a un nuevo miembro de su banda —el joven músico experimental Archie Shepp al saxo tenor—, el cuarteto de Coltrane se lanzó a una serie de improvisaciones libres y abruptas; se alejaron de las composiciones estructuradas para, en su lugar, descargar torrentes de sonido tan fuertes y agresivos que, según se cuenta, provocaron que gran parte del público abandonara la sala. El propio crítico de DownBeat escribió más tarde: “Ofrecieron una exhibición de destreza musical de tan mal gusto como cualquiera que haya escuchado jamás... Shepp y Coltrane parecían más interesados en ver quién lograba emitir los graznidos, chillidos y balidos más estridentes que en tocar música”.

Aquella actuación de 1965 debería haber sido un momento triunfal, tras cinco años de ascenso meteórico de Coltrane. Desde que dejó el “primer gran quinteto” de Miles Davis —con el que había grabado el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos, Kind of Blue (1959)—, Coltrane había creado un lenguaje armónico totalmente nuevo para el jazz con el lanzamiento en 1960 de su álbum en solitario Giant Steps, había logrado un éxito radiofónico con su versión de 1961 de My Favorite Things (de Sonrisas y lágrimas) y, en enero de 1965, había plasmado su propia visión espiritual del jazz en el álbum A Love Supreme, nominado al Grammy. Ya era un gigante del género y había aportado docenas de composiciones al repertorio estándar; sin embargo, dos años después, en 1967 y con tan solo 40 años, fallecería a causa de un cáncer de hígado.

“Arruinó su atractivo comercial al pasarse a la vanguardia”, afirma el escritor y biógrafo de Coltrane, Ben Ratliff. “No le interesaba provocar el enfado de la gente, pero quería asimilar nuevas influencias y colaborar con músicos más jóvenes para explorar lo desconocido. Siempre quiso seguir avanzando y escuchándose a sí mismo. Estaba en plena búsqueda, trabajando en pos de una especie de música infinita”.

Para conmemorar el centenario del nacimiento de Coltrane este mes, esa búsqueda está quedando documentada en una serie de grabaciones inéditas —auténticas joyas de valor incalculable— de sus experimentos en clubes nocturnos. Coltrane solía realizar residencias de cuatro a seis semanas en locales como el Jazz Gallery de Manhattan, el Showboat de Washington DC o el Pep’s Lounge de Filadelfia; allí interpretaba extensas sesiones de material nuevo que existía únicamente en el instante de su creación: espontáneo y desenfrenado.

Conocidas como The Tiberi Tapes (las cintas de Tiberi) —en honor a Frank Tiberi, el saxofonista que las realizó—, estas cintas de bobina abierta surgieron inicialmente como un recurso de estudio personal para el propio Tiberi. Llevaba un voluminoso magnetófono Magnavox TR-100 a los clubes, con el micrófono oculto en la manga de su abrigo, y grababa los conciertos, logrando cambiar las cintas en la oscuridad cada 30 minutos para capturar la mayor cantidad posible del virtuosismo de Coltrane. Siguiendo al cuarteto de Coltrane entre 1960 y 1964 —justo antes de la grabación de A Love Supreme—, Tiberi acumuló 80 bobinas y más de 60 horas de música que empezó a compartir con colegas y alumnos selectos: un mapa de la sinuosa trayectoria de Coltrane hacia una música infinita.

Era algo inspirador, porque ya se podía apreciar cómo interpretaba un mismo tema durante 35 minutos o más; se expandía realmente para seguir a la música y dejarse llevar adonde ella quisiera ir

Joe Lovano — Saxofonista

La leyenda del saxofón Joe Lovano tocó con Tiberi en la Woody Herman Big Band en 1976 y recuerda haber quedado maravillado con aquel material. “Frank venía, me ponía los auriculares y reproducía ciertas secciones para ilustrar cómo Coltrane trabajaba los cambios armónicos o las melodías”, comenta Lovano. “Era algo inspirador, porque ya se podía apreciar cómo interpretaba un mismo tema durante 35 minutos o más; se expandía realmente para seguir a la música y dejarse llevar adonde ella quisiera ir. Esa libertad, característica de su obra posterior, ya estaba presente en la forma en que trazaba su propio camino melódico y dejaba espacio para los demás”. Más tarde, Lovano tocó con McCoy Tyner —pianista de Coltrane entre 1960 y 1965—, quien le contó que “todos sabían que Frank estaba grabando, pero contaba con su beneplácito. La banda sabía que el objetivo era la educación y anteponer la música a todo lo demás”.

Tiberi, que ahora tiene 97 años y no pudo conceder entrevistas, ofreció recientemente las cintas a Impulse!, el último sello discográfico de Coltrane, como una forma de preservar su historia. La recopilación Tiberi Tapes, que condensa esas 26 horas de música en 11 composiciones recién remasterizadas, no oculta la calidad de audio —a menudo deficiente— de unas grabaciones improvisadas ni el ambiente bullicioso en el que se realizaron. Se puede escuchar al público charlando de fondo o gritando en respuesta a pasajes llenos de energía, mientras las líneas de saxofón de Coltrane se entretejen entre el siseo de la cinta para producir interpretaciones de una belleza asombrosa: una versión más lenta y melódica de Giant Steps, así como una extensión de 33 minutos de Resolution (parte de A Love Supreme). “La energía de estas grabaciones es importante porque captura la chispa creativa que alimentaba a Coltrane”, afirma el historiador de jazz Ashley Kahn. “Era música social; la gente charlaba o hacía ruido, pero si logras adentrarte en ella, te recompensa tanto como tú te involucras”.

Para Lovano, estas cintas son un testimonio de las relaciones que Coltrane mantenía con cada uno de los músicos de su banda. “Era legendaria la cantidad de tiempo que dedicaba a practicar y tocar: todo el día, todos los días. Y luego actuaba hasta las cuatro de la mañana antes de conducir hasta su casa para estar con sus hijos pequeños. Era simplemente un joven que luchaba por abrirse camino a sus treinta y tantos años, y transmitía esa energía inspiradora”, comenta. “Se nota cómo apreciaba a nuevos talentos como Archie Shepp, el batería Rashied Ali o el saxofonista Pharoah Sanders; se querían mutuamente y él permitía que cada uno se valiera por sí mismo. Siempre se pueden percibir los gérmenes de hacia dónde se dirigiría después”.

Lo que vino a continuación fue el álbum más intransigente de la carrera de Coltrane. Grabado en junio de 1965 (pocas semanas antes de la actuación en el festival DownBeat) y publicado al año siguiente, Ascension supuso la primera muestra grabada de esta música indómita y capaz de distanciar al oyente. Coltrane amplió su cuarteto incorporando a siete músicos adicionales provenientes de las vertientes experimentales del free jazz, entre ellos Sanders y John Tchicai, quienes llegarían a ser pioneros por mérito propio. La suite de 40 minutos se grabó sin ensayos y en dos tomas; suena como una big band que se desplaza en espiral a través de solos estridentes, los cuales luchan por mantener el equilibrio sobre las placas tectónicas de la melodía, que se desplazan constantemente. Por momentos, la cacofonía resulta tan abrumadora que da la sensación de estar escuchando siete conversaciones a la vez.

“El periodo posterior a 1965 marca un punto de inflexión decisivo y sigue siendo, para muchos, la etapa más desafiante de la carrera de Coltrane”, afirma Kahn. “Era algo tan novedoso y revolucionario que ni siquiera tenía nombre. ¿Se trataba de Energy Music? ¿De The New Thing? Fue tan radical que a la gente le costaba realmente comprender lo que estaba sucediendo”.

Para 1966, después de que Tiberi dejara de grabar y emprendiera su propia carrera, Coltrane había incorporado a su grupo a varios músicos nuevos y transgresores, entre ellos el saxofonista de free jazz Albert Ayler, famoso por interpretar versiones en vivo que se prolongaban hasta 40 minutos a partir de temas sencillos ejecutados con gran intensidad. Durante un concierto en el Lincoln Center de Nueva York, en febrero de aquel año —en el que participaron Ayler, dos baterías y la esposa de Coltrane, la pianista Alice—, una gran parte del público abandonó la sala en masa tras percibir la dirección explosiva y sin ataduras que estaba tomando su música. El escritor Amiri Baraka describió aquella experiencia atonal como un sonido “de una naturaleza verdaderamente aterradora... ¡te devoraba!”, mientras que el saxofonista Dave Liebman estimó que casi la mitad de los 2.600 asistentes se marchó durante la hora que duró la actuación.

“En la última etapa de Coltrane, nos encontramos ante un artista de tal maestría que su forma de tocar trascendía nuestra comprensión inmediata”, afirma el saxofonista y admirador de Coltrane, James Brandon Lewis. “Sus frases musicales siempre tenían una intención y un rumbo, pero es posible que nuestros oídos no estuvieran lo suficientemente entrenados para captar lo que él intentaba resolver. Él conectaba la improvisación con la historia tribal y espiritual de la música, concibiéndolo todo como una unidad: el folclore y el futuro”.

En sus últimos años, parecía intentar hallar una vibración divina, libre de cualquier limitación preconcebida. Estaba profundamente inmerso en el sonido y era totalmente libre

Melissa Aldana — Saxofonista

Tras seguir actuando y grabando hasta pocos meses antes de su repentina muerte en julio de 1967, la incógnita sobre qué camino habría tomado Coltrane a continuación ha intrigado a sus seguidores y oyentes desde entonces. “Siempre estaba buscando su sonido; nunca se detuvo”, comenta la saxofonista Melissa Aldana. “En sus últimos años, parecía intentar hallar una vibración divina, libre de cualquier limitación preconcebida. Estaba profundamente inmerso en el sonido y era totalmente libre. Eso es lo que siempre me hace volver a él; significa que, al seguir escuchándolo, siempre encontraremos algo nuevo en su música”.

Aunque es posible que su público disminuyera en sus últimos años, esa misma búsqueda incesante es la que hoy parece atraer a los oyentes más jóvenes, cien años después de su nacimiento. Irónicamente, Ascension —el álbum que marcó el inicio de su “difícil” etapa final— fue reeditado en junio de este año debido a la demanda. “No lo analices, simplemente escucha”, dice Lewis. “Abre el corazón y recibe el mensaje. Sea cual sea el que creas que es”.

El Ayuntamiento de Teruel ha presentado una nueva edición de Jazz Teruel, un festival ya consolidado en la programación cultural de la ciudad que vuelve a situar la plaza de la Marquesa como escenario de referencia para disfrutar de la música en directo. La cita mantiene su apuesta por un jazz cercano, abierto y accesible para todos los públicos, con una programación que incorpora diferentes estilos y sonoridades.

El concejal de Cultura, Carlos Méndez, ha presentado esta nueva edición y ha destacado la evolución del festival en los últimos años. Según ha explicado, Jazz Teruel busca conservar la esencia del género, pero también sorprender al público con propuestas diferentes y con artistas que permitan acercar esta música a personas que no son habituales del jazz.

Méndez ha señalado que el festival se ha abierto a estilos como el swing, el soul, el blues, el rockabilly o el jazz contemporáneo, una fórmula que permite que cada edición aporte nuevas experiencias. En esta ocasión, la programación incorpora también una propuesta vinculada al universo del circo con El Gran Ra y su espectáculo, El Violín Infinito.

Precisamente, la programación comenzará el jueves 10 de septiembre, a las 22.30 horas, con El Gran Ra, El Violín Infinito, un espectáculo del violinista y compositor Raúl Márquez que combina música, creación y circo. La propuesta incluye composiciones originales inspiradas en personajes y ambientes circenses y cuenta con la participación del pianista David Sancho y el batería Fran Gayo.

Raúl Márquez, además, mantiene un vínculo especial con la provincia de Teruel, ya que desciende de Utrillas. Su trayectoria incluye colaboraciones con artistas y compañías como Sara Baras, Manuel Liñán, Antonio Canales, Joaquín Cortés, Jorge Pardo, El Cigala o Pasión Vega, entre otros.

El viernes 11 de septiembre llegará el turno de Dómisol Sisters, una formación valenciana nacida en 2011 que centra su repertorio en la música estadounidense de las décadas de los años 20, 30 y 40, con especial protagonismo para el swing. Su propuesta destaca por la vitalidad y el carácter visual de sus conciertos y permitirá al público viajar hasta la época dorada de este estilo musical.

Grauitos

El sábado 12 de septiembre, también a las 22.30 horas, Sara Zamora presentará Butterfly, una propuesta de jazz contemporáneo que combina soul, funk y jazz pop. La vocalista y compositora murciana cuenta con una sólida trayectoria y ha actuado en festivales y escenarios de referencia del panorama jazzístico nacional. Además, ofrecerá un repertorio que incluye composiciones propias.

El programa se cerrará el domingo 13 de septiembre con Laura Blossom y The Jazz Experience, un concierto íntimo y elegante con voz y piano que propone un recorrido por algunas de las grandes canciones de la historia del jazz. La actuación contará con Laura Blossom y el pianista zaragozano Noel Redolar y recorrerá diferentes épocas y sonoridades, desde clásicos del Great American Songbook hasta la bossa nova y el bolero.

Esta última actuación se enmarca además en las actividades con motivo del 150 aniversario de Fundación Ibercaja, entidad a la que Carlos Méndez ha agradecido especialmente su colaboración con el festival.

La plaza de la Marquesa volverá a ser uno de los elementos fundamentales de Jazz Teruel. El concejal de Cultura ha destacado que este espacio se ha convertido en parte de la identidad del festival y ha considerado que se trata de un escenario “especial” y “único” para acoger las actuaciones. El Ayuntamiento prevé instalar entre 300 y 400 sillas para facilitar al público el seguimiento de los conciertos.

Méndez también ha elogiado la colaboración del Hotel Plaza La Marquesa, que facilita espacios para los artistas durante el festival y permite que la programación mantenga su vinculación con este entorno del centro histórico. En esta edición no se incorporará el habitual pasacalles de algunas jornadas, ya que las formaciones contratadas son de “escenario”, ha precisado el concejal.

Todos los espectáculos de Jazz Teruel son gratuitos. Con esta nueva edición, Teruel volverá a convertir la Plaza de la Marquesa en un punto de encuentro con la música y la cultura, con una programación que apuesta por la diversidad de estilos y por un festival próximo a todos los públicos.

La cantante y compositora de jazz Cassandra Wilson, famosa por revolucionar el jazz fusionando el blues, el folk, el country y el pop, falleció a los 70 años de edad en su natal Jackson, Misisipi (EEUU).

El forense del condado de Hinds, Jeramiah Howard, informó a la cadena de televisión WLBT de Mississippi que Wilson falleció el martes por la mañana, pero no aportó detalles del deceso.

Famosa por su profunda voz de contralto, Wilson se convirtió en una de las cantantes de jazz más importantes de los años 80 y 90, gracias a álbumes como Point of View (1986), Blue Skies (1988) y, sobre todo, New Moon Daughter (1995), que ganó el Grammy a Mejor Interpretación Vocal de Jazz.

En 2009 ganó otro Grammy más gracias a Loverly, con el que regresó al jazz tradicional a través de una reinterpretación de estándares clásicos del jazz y el blues.

Proveniente de una familia musical, su padre, Herman Fowlkes Jr., era contrabajista y guitarrista de jazz, además de maestro de música, y fue una figura clave en la escena de jazz y rhythm and blues de Jackson, donde llegó a grabar junto al músico de blues Sonny Boy Williamson.

De niña comenzó a tocar el piano y la guitarra, posteriormente inició su carrera profesional como cantante de folk a mediados de los años 70, actuando en clubes cerca de Millsaps College, antes de involucrarse con el rock y el rhythm and blues.

En 1982 se mudó a Nueva York, donde se unió al colectivo M-Base, liderado por el saxofonista Steve Coleman, y grabó varios álbumes junto a él a mediados de los años 80. Wilson además fue telonera de Miles Davis y realizó giras con Wynton Marsalis.

El reconocido músico y compositor uruguayo Rubén Rada ha muerto este miércoles a los 83 años en Montevideo, tal y como ha confirmado su propia familia a través de un comunicado. Según informaron sus allegados, la muerte se ha producido tras batallar durante un mes contra una “neumonía y sus complicaciones”.

En la nota, la familia ha querido agradecer el cariño recibido durante este proceso: “Gracias a todos por los mensajes de preocupación y amor de hoy y siempre. Infinitas gracias al equipo profesional que hizo todo lo posible y más”. Tras conocerse la muerte del artista, la vicepresidenta uruguaya, Carolina Cosse, ha querido recordar al artista asegurando que “siempre nuestro Negro Rada estará presente”.

La estrella de la música popular latinoamericana triunfó al fusionar ritmos tradicionales como el candombe con el jazz, el rock y el pop. Nacido en 1943 en el Barrio Sur de Montevideo (cuna del candombe), dio sus primeros pasos musicales con apenas diez años al integrarse en la comparsa Morenada.

A lo largo de más de seis décadas de carrera, el artista formó parte de agrupaciones fundamentales para la música rioplatense como Los Hot Blowers, El Kinto Conjunto y Tótem. Con más de treinta álbumes a sus espaldas, firmó himnos icónicos como Mi País, Las Manzanas o Muriendo de Plena.

Además de la música, también participó en el cine y la televisión. Estuvo en programas como Telecataplúm, Gasoleros y Los Roldán, además de actuar en largometrajes como El Chevrolé o poniendo su voz en el doblaje de Los Increíbles. En 2024, su trayectoria fue llevada a la gran pantalla a través del documental Rada: la película, y este mismo año celebró su 83º cumpleaños lanzando el proyecto audiovisual ¿Quién va a cantar? junto a la banda La Vela Puerca.

En el año 2011, la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación le dió el Premio a la Excelencia Musical (Grammy Latino) en reconocimiento a su aportación a la música latinoamericana. Aquel premio dejó una de sus anécdotas más contadas porque el cantante olvidó el trofeo original en el taxi que le llevaba al aeropuerto tras la gala. Al llegar a Montevideo y no querer admitir el despiste ante la prensa, terminó pagando 500 dólares de su bolsillo para recibir una réplica. “Fui el único artista que pagó por su propio Grammy”, recordaba años después.

Rada mantuvo siempre una firme defensa de la cultura popular y de las raíces afrodescendientes a través del candombe, al que definía como la “pasión y patrón” de su alegría. Un compromiso con la identidad de Urugay que mantuvo intacto hasta sus últimos días de vida. Su legado e influencia intergeneracional quedaron plasmados también en sus colaboraciones con las nuevas corrientes de la música urbana latina. Su última participación fue en Uruguay, tema junto al rapero argentino Trueno, donde Rubén Rada aportó su inconfundible sello de candombe y tambores, tendiendo un puente entre la música contemporánea y las raíces tradicionales del Río de la Plata.

Los mensajes de despedida de amigos y compañeros no se han hecho esperar dentro de la industria musical latinoamericana. Figuras del rock y la canción de autor como Fito Páez le han despedido en redes sociales calificándole como el “gran caudillo del amor, la música, la risa y el swing”, mientras que Charly García y David Lebón expresaban su pesar por la partida de “un gigante y un gran amigo”.

También la cantante y actriz Natalia Oreiro recordaba la calidez y genialidad de Rada afirmando que “a él no se le va a extrañar, porque cada rincón y cada canción lo mantendrán siempre presente”, unas palabras a las que se sumaba Emiliano Brancciari, vocalista de No Te Va Gustar, con una pregunta que resume la conmoción del panorama cultural: “¿Y ahora, quién va a cantar?”.

Un sencillo “Good evening” marcó el inicio de la velada mientras Diana Krall se acomodaba frente a su piano. Era la última tarde de la 61ª edición del Jazzaldia de Donostia, y el auditorio del Kursaal había anunciado su venta completa, manteniendo incluso una lista de espera para presenciar la vigésima visita de la artista canadiense al festival. Durante dos horas, la pianista y su banda se propusieron inmutar al público donostiarra a través de una mezcla de talento, complicidad y genialidad.

El concierto arrancó con un solo de piano que abrió paso a la interpretación de ‘Let’s fall in love’. Mientras las notas de ‘We just couldn’t say goodbye’ y ‘Just like a butterfly that’s caught in the rain’ flotaban en la sala, las luces se volvieron guías. Cuando la banda al completo –integrada por el bajista Dennis Crouch, el guitarrista Marc Ribot y el batería Jay Bellerose– participaba, el escenario brillaba a la vez que se teñía de colores. En los momentos de los solos individuales, le acompañaba una única luz, obligando al público a admirar al artista en acción.

Los pelos se pusieron de punta durante 'I'm Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter'. Tras este número, Krall no ocultó su entusiasmo y compartió su sentir con el auditorio. “I really enjoyed that, I really enjoy playing with these men”, expresó en referencia a sus músicos. Esa sintonía fue palpable en piezas como ‘Fly away home’, donde se pudo apreciar un destacado solo de percusión tras haber disfrutado previamente de las intervenciones del bajo y la guitarra.

Más allá de los estándares como ‘I’ve got you under my skin’ o ‘I’M Confessin’’, Krall ofreció regalos musicales en forma de versiones, incluyendo ‘It's All Over Now, Baby Blue’ de Bob Dylan y una pieza de la artista Eleanor Collins. Esta versatilidad refuerza su imagen como un puente entre la música clásica y la popular, una identidad artística forjada desde que comenzó a tocar a los cuatro años en Nanaimo.

La sesión, definida por un tono tranquilo y relajante, llevó al público a un momento de desconexión del mundo exterior para centrarse únicamente en la impresionante presencia de la música. Antes de despedirse, Krall se dirigió a los asistentes con un escueto pero sincero “what a wonderful audience”. Su paso por el Kursaal dejó la huella de una intérprete que busca la excelencia y el respeto por la tradición, cerrando el festival con la calidez emocional que la caracteriza.

Pat Metheny ha vuelto a conquistar este sábado al público del Jazzaldia de Donostia con un concierto en el que ha ofrecido un extenso recorrido por el ayer y el hoy de su carrera acompañado por cuatro músicos excepcionales, aunque por lo compacto del resultado parecía que fueran muchos más los que se han subido al escenario del Kursaaal donostiarra. Durante más de dos horas y media, el guitarrista de Misuri ha presentado la nueva formulación de Side Eye, una plataforma de apoyo a jóvenes músicos con la que ya visitó el Jazzaldia en 2023 en esa ocasión con el núcleo duro formado por Chris Fishman, a los teclados, y Joe Dyson, a la batería.

Ahora vuelve con estos mismos músicos, pero con el refuerzo de Jermaine Paul, al bajo, y Leonard Patton, voz y percusión con los que ha grabado su último trabajo Side Eye III +. La velada ha comenzado con dos de los integrantes de la banda tocando unos tambores hasta llegar al escenario, donde ha emergido Metheny desde la penumbra con una de las diversas guitarras que ha utilizado, informa Efe.

Desde el primer momento ha mostrado su virtuosismo con improvisaciones serpenteantes. Así ha abordado 'In on It', el tema que abre el disco Side Eye III + y con el que ha dado comienzo la sesión, al que ha seguido el ya clásico 'Bright size life', de su primer disco de 1976 con Jaco Pastorius. De su último álbum, Metheny y su banda han tocado 'Don't look down', en el que el pianista Chris Fishman ha dado cuenta de su maestría con los numerosos teclados a los que se ha enfrentado, 'Make a New World' y 'Urban and Western', de reminiscencias gospel con órgano Hammond incluido.

Durante toda la sesión ha alternado temas antiguos y otros recientes en los que han podido destacar cada uno de los músicos, desde la voz de Leonard Patton, a los solos de Joe Byson o Jermaine Paul. Tras momentos de intensidad y agitación, ha surgido espacios de quietud sobre todo cuando Metheny, en solitario, ha arrancado a la guitarra sonidos llenos de lirismo.

Así ha interpretado el primero de los bises. Una curiosa selección en la que ha encadenado 'America the beautiful', en la que enlaza himnos patrióticos de Estados Unidos, con la melodía de 'El pueblo unido jamás será vencido' y 'Last Train home', uno de sus grandes éxitos. No han acabado ahí el concierto y la banda ha ofrecido una sucesión de canciones encadenadas parar cerrar una velada en la que el público ha aplaudido con devoción.

El trompetista noruego Nils Petter Molvær ha demostrado este viernes en el Jazzaldia donostiarra su capacidad de generar atmósferas, evocadoras a veces atronadoras otras, a partir de sonidos impregnados de una buena dosis de electrónica y de no menos decibelios. Molvær ha protagonizado el concierto del auditorio Kursaal acompañado por Eivind Aarset a la guitarra, Audun Erlien al bajo, y Rune Arnesen y Per Lindvall en sendas baterías, en lo que constituye la parte de instrumentos tradicionales de la banda.

Además y, con gran peso en el resultado, han estado el DJ Strangefurit, Jan Bang, con el 'live sampling', y, fuera de escena, Sven Persson en el diseño de sonido, y Tord Knudsen en iluminación, informa Efe. Si este jueves Samara Joy trasladó al auditorio donostiarra el ambiente de los clubes del jazz clásico, el trompetista noruego ha invitado este viernes a los asistentes, menos que en otras sesiones pero igual de entregados, a un viaje sonoro hacia la quietud de los fiordos escandinavos aunque interrumpida casi constantemente por ritmos contundentes.

Molvær, padre del electro jazz y figura destacada del llamado NuJazz, ha presentado su proyecto 'Khmer', una reinterpretación del disco que publicó en 1998 y que marcó un punto de inflexión en su carrera. En un escenario presidido por un enorme totem metálico que ha ido reflejando diferentes focos de luz, el espectáculo ha comenzado con una especie de llamada con la que arranca el tema 'Song of Sand' a la que ha seguido la trompeta de Molvær con su sonido tradicional, que ha entonado una melodía bella y melancólica pronto enterrada por un ritmo casi machacón.

Esta secuencia se ha ido sucediendo a lo largo de toda la sesión según han ido desgranado los temas contenidos en Khemer, aunque también han interpretado algunos pertenecientes a otros discos como 'Vilderness' y 'Ligotage', ambos de 'Solid Ether' de 2000. 'Kakonita' ha incluido uno de los mejores momentos de la velada, cuando, casi en la penumbra, han surgido unas notas delicadas, tristes con un aura casi religiosa desde la trompeta de Molvær.

Munilla volverá a convertirse del 14 al 16 de agosto en uno de los principales escenarios del jazz en La Rioja con la celebración de la vigesimosegunda edición del Festival de Jazz de Munilla, Munijazz. El director general de Cultura, Roberto Iturriaga, ha presentado hoy, día 24, la programación junto a Domingo Robledo, miembro de la organización del festival; Jesús Montiel, presidente de la Asociación Amigos de Munilla, y el artista cubano Reynerio Tamayo. La cita ofrecerá siete conciertos gratuitos al aire libre en la plaza de San Miguel y una exposición que podrá visitarse durante todo el mes de agosto en el Salón de Verano del Casino de Munilla.

Durante la presentación, Iturriaga ha destacado que “Munijazz sitúa a La Rioja en el panorama musical y cultural internacional desde un municipio pequeño como Munilla” y ha subrayado que se trata de “una programación de primer nivel que demuestra cómo la cultura genera actividad, dinamiza nuestros pueblos y los proyecta desde el punto de vista cultural, turístico y gastronómico”. Asimismo, ha recordado que los reconocimientos nacionales obtenidos por el festival, como los Premios UNIR o su presencia entre las iniciativas destacadas por la Fundación Contemporánea, “avalan el enorme prestigio que ha alcanzado esta cita”.

Además, ha destacado la capacidad de los proyectos culturales impulsados por el Gobierno de La Rioja para generar nuevas iniciativas y colaboraciones. Como ejemplo ha señalado la participación del artista cubano Reynerio Tamayo en la última edición del Festival Actual, organizado por el Gobierno de La Rioja, y su presencia este verano en Munijazz con la exposición ‘Sensación azul’. “Es una satisfacción comprobar cómo las conexiones que nacen en proyectos como Actual continúan dando lugar meses después a nuevas propuestas culturales en nuestros municipios”, ha señalado.

Un cartel internacional que combina figuras consolidadas y nuevos talentos

La programación arrancará el viernes 14 de agosto con el concierto de Gonzalo Zapata Trío, que presentará su proyecto ‘Horma’. La actuación comenzará a las 19:30 horas en la plaza de San Miguel y estará protagonizada por Gonzalo Zapata al piano, Heorhii Mykhailenko al contrabajo y Daniel Pimenta a la batería. Esa misma noche, a las 23:00 horas, el escenario acogerá la actuación de KGG Trío, integrado por Chris Kase, Ander García y Fran Gayo, que presentará su trabajo 'The Absence', un repertorio que combina composiciones propias y estándares del jazz.

La jornada del sábado 15 de agosto comenzará a las 19:30 horas, también en la plaza de San Miguel, con Barney Kessel Tribute Quintet, formación que rendirá homenaje al legendario guitarrista estadounidense coincidiendo con el centenario de su nacimiento. El quinteto recuperará composiciones de sus primeros trabajos discográficos y revisará el sonido del West Coast Jazz.

A partir de las 22:30 horas, el festival ofrecerá un programa doble. En primer lugar actuará Thalatha, formación seleccionada por el Centro Superior de Música del País Vasco, Musikene, entre sus jóvenes intérpretes de jazz. A continuación, será el turno del grupo francés KLT & Jessy Elsa Palma, que presentará su proyecto ‘Beauty of change’, una propuesta que fusiona jazz, soul e influencias del hip hop.

El festival concluirá el domingo 16 de agosto con dos nuevos conciertos en la plaza de San Miguel. A las 19:30 horas, Sweet Papi presentará ‘Music from the past to the future’, una propuesta que combina el jazz contemporáneo con influencias del rock de los años ochenta. El cierre llegará a las 23:00 horas con Miguel Lamas Trío, liderado por el batería gallego Miguel Lamas, que ofrecerá un repertorio de jazz fusión, funk e improvisación junto al pianista chileno Jorge Vera y el bajista Carlos Martín.

El cartel de esta vigesimosegunda edición reúne a músicos procedentes de Chile, España, Estados Unidos, Francia, Italia, Países Bajos, Paraguay y Ucrania, consolidando el carácter internacional de un festival que, desde sus inicios, combina la presencia de intérpretes consagrados con jóvenes talentos del panorama jazzístico.

Robledo ha destacado el creciente prestigio internacional del certamen al señalar que “cada año recibimos cientos de propuestas de grupos de España y de muchos otros países que quieren actuar en Munijazz”, una respuesta que, a su juicio, confirma “el reconocimiento y el carácter internacional que ha alcanzado el festival”. Asimismo, ha explicado que para Gonzalo Zapata actuar en Munijazz supone “una ilusión especial” por tratarse de un festival “con el que prácticamente ha crecido”, y ha destacado que Miguel Lamas Trío pondrá el broche final a esta edición con una propuesta “llena de energía”.

‘Sensación azul’, un diálogo entre el jazz y la pintura

Como complemento a la programación musical, Munijazz acogerá este año la exposición ‘Sensación azul’, del artista cubano Reynerio Tamayo, reforzando el vínculo entre esta cita y el Festival Actual, organizado por el Gobierno de La Rioja, donde el creador presentó parte de esta obra el pasado mes de enero.

La muestra podrá visitarse del 1 al 31 de agosto en el Salón de Verano del Casino de Munilla y se inaugurará el sábado 1 de agosto, a las 11:30 horas. Reúne una selección de obras exhibidas por Tamayo durante su participación en la última edición del Festival Actual junto con nuevas creaciones realizadas para esta propuesta. A través de ellas, el artista explora la relación entre el color azul y los orígenes afroamericanos del jazz, el blues y otros géneros vinculados a esta tradición musical, con referencias a figuras como Miles Davis, Charlie Parker y destacados representantes del jazz cubano.

Tamayo ha asegurado que “La Rioja es ya mi segunda casa” y ha explicado que ‘Sensación azul’ “reúne obras que pudieron verse en Actual junto a nuevas piezas” con la intención de que “el público no solo escuche el jazz, sino que también pueda vivirlo desde la pintura”. La trayectoria internacional de Tamayo incluye 34 exposiciones individuales y más de 150 colectivas en distintos países.

Montiel ha agradecido el respaldo del Gobierno de La Rioja, de la Asociación Amigos de Munilla, del pueblo de Munilla y de las entidades colaboradoras que hacen posible el festival, y ha destacado que “Munijazz contribuye a situar a Munilla, al Alto Cidacos y a La Rioja Baja como un referente cultural”. Además, ha explicado que una de las novedades de esta edición será el retraso de una hora en los conciertos de la tarde, que comenzarán a las 19:30 horas, “para mejorar la comodidad del público y facilitar que quienes nos visiten puedan disfrutar de toda la programación permaneciendo en Munilla durante toda la jornada”.

Organizado por la Asociación Amigos de Munilla, Munijazz cuenta con el apoyo del Gobierno de La Rioja, a través de la Dirección General de Cultura, además de la colaboración de distintas entidades públicas y privadas. Desde hace veintidós ediciones, el festival mantiene su apuesta por acercar el jazz a todos los públicos mediante conciertos gratuitos al aire libre y contribuir, a través de la cultura, a la dinamización de Munilla y de la comarca del Alto Cidacos.

La vocalista neoyorquina Samara Joy ha abierto las actuaciones en el escenario del auditorio Kursaal del Jazzaldia donostiarra de 2026 con un espectacular concierto en el que ha derrochado a partes iguales voz, swing y emoción, unos ingredientes que explican que esta joven de 26 años esté destinada a ser la nueva estrella del género, informa Efe.

Vestida con un elegante traje marrón chocolate, la cantante ha entrado con aplomo en el auditorio donostiarra donde ya había empezado a tocar la formación de siete músicos que le acompaña. Han bastado cuatro notas de su primer tema para que el público se haya percatado de lo que le venía encima: una voz descomunal, con una amplísimo registro y un gusto en las interpretaciones de clásicos estándar de jazz que Joy y su banda reinventan y actualizan.

Tras el ritmo de bossa nova de 'Minha saudade', se ha dirigido al público para decir que es la primera vez visita Donostia, una ciudad a la que ha dedicado un pequeño guiño en 'Day by Day' al cambiar la letra por “more and more I love San Sebastián”. Durante todo el recital ha demostrado su capacidad para llegar a gravísimos y agudísimos como si nada, sin ningún gesto que denote esfuerzo, y que puede hacer lo que quiera en afinación y ritmo porque tiene la certeza absoluta de que no va a fallar.

Y así ha interpretado 'Ruby, My Dear' y Monk's Mood', dos oscuras piezas de Thelonious Monk, o 'Yesterdays', que ha arrancado suave pero que ha ido cogiendo velocidad para concluir en un auténtico estallido de Samara. No ha olvidado a otros maestros como Duke Ellington, con la melancólica 'Sunset & The Mockingbird', y se ha mostrado divertida y chispeante en 'Little Things', en la que el saxo tenor Kendrick McCalliser se ha soltado con un excelente solo.

Cuando pasaba la hora y cuarto de concierto, Samara ha intentado poner fin a la velada, pero el público que ha abarrotado la sala quería más y ha regalado el bolero 'La puerta'. El concierto ha terminado con un segundo bis, un blues intenso y desgarrador que no ha podido dejar indiferente a nadie. “Es mi primera visita a España. La próxima vez lo haré mejor”, ha dicho Samara Joy.

El Jazzaldia de Donostia ya ha arrancado. Con permiso de ETS, multitudinarios allá por donde pasan, también se han puesto en marcha el resto de escenarios. “Tenía ganas de volver aquí”, afirmó Marco Mezquida, por ejemplo, en su octava vez en la ciudad. La actuación se integró en la programación gratuita, junto a Martín Meléndez, en el violonchelo, y de Aleix Tobías, batería y percusión.

Marco Mezquida Trío eligió Donostia para presentar 'Táctil', su más reciente trabajo discográfico autoproducido y publicado en febrero de este mismo año. El proyecto surge de la intención del artista de recuperar la dimensión física de la música, centrando la creación sonora en el gesto y la vibración de los materiales.

El concierto abrió con Mezquida manipulando directamente las cuerdas internas del piano, una técnica que utiliza para ampliar las capacidades del instrumento más allá de las teclas. Con la interpretación de ‘Carpe diem’, pieza de su álbum Talismán, el músico estableció desde el inicio un estilo que combina la improvisación libre con elementos del folklore y la música clásica. “Celebra la vida y los momentos que vivimos”, así fue como definió el pianista su canción, que recuerda habérsela dedicado a un amigo.

Canciones que exploran la experiencia humana emocional es uno de los diversos temas que el trío exploró. Desde un eje más social, Mezquida presentó ‘World’s hope’, una composición que tiene de referencia la labor activista de Greta Thunberg. En cambio, ‘Constantine’ es una pieza de ritmos rápidos inspirada en una conversación que el pianista mantuvo con una mujer que no dejaba de hablar de su expareja. Según explicó el propio Mezquida, la composición surgió en el momento en que dejó de prestar atención al relato de su interlocutora para empezar a imaginar las notas musicales que la historia le sugería.

La interacción con los asistentes fue clave durante el evento. Aunque se trató de un público muy tranquilo, ese se mostró completamente apreciativo y presente. Destacan las risas cuando el pianista mencionó a su amiga, Jésica, presente entre el público, tras de tocar ‘Cavalcanti’, pieza que le dedicó. Durante ‘Fraternitat’ se vivió un solo de piano que dejó al público boquiabierto, al igual que cuando el trío enlazó la ejecución con ‘Évora’, una pieza escrita en homenaje a la cantante Cesária Évora.

El acompañamiento de Aleix Tobías en la batería y Martín Meléndez en el violonchelo evidenció una conexión técnica consolidada tras diez años de trabajo conjunto. El público respondió con una escucha atenta y participativa, acompañando con palmas el ritmo del violonchelo durante el tema ‘Táctil’. La sincronía entre la percusión, el piano y el violonchelo generó una respuesta de asombro en la audiencia, especialmente en los pasajes donde la música cobraba mayor intensidad rítmica.

El trío concluyó su actuación con ‘Felice’, una composición que el pianista definió con humor como un “merengue malo” menorquín gestado en las calles de Florencia tras disfrutar de unas copas. Tal como se describió, la canción evocaba gracia y vida que no fueron desapercibidas. Con una ovación general mientras Mezquida, Meléndez y Tobías se abrazaban en el escenario, el trío cesó una jornada que enfatizó el valor del directo y la relación física con la música.

Sin embargo, el gran hito del estreno del certamen fue, por la afluencia de público, el concierto de ETS. A medianoche, miles y miles de personas colmaron la playa de la Zurriola. Este grupo alavés, oficialmente En Tol Sarmiento, viene llenando sí o sí grandes recintos en Madrid, Barcelona y, desde luego, también en tierras vascas.

Snarky Puppy cerró este sábado un grandioso atracón de jazz en el Festival de Vitoria, con un concierto de gran nivel cargado de estilos interpretados por un colectivo de gran talento, que hizo honor a su nombre con un descaro musical inusitado. El estadounidense Michael League, afincado en Cataluña, lideró con su carácter y virtuosismo una banda insultantemente superior avalada por cinco premios Grammy.

El rock progresivo, la psicodelia y el gospel fueron apareciendo en cada uno de sus temas, que contenían menos funky de lo habitual en esta agrupación, donde los teclados de Bill Laurence y Bobby Sparks tuvieron mucho protagonismo junto a los metales Mike Maher, Jay Jennings y Bob Reynolds, que multiplicaron su sonido al estilo big band.

Más allá de la calidad de este ‘Dream Team’ musical, fueron capaces de trasladar al público su pasión y emoción por cada estilo. “Es un honor y un privilegio compartir escenario con leyendas y héroes como ‘The bad plus’”, señaló Michael League, convencido de que sus antecesores en las tablas influenciaron a casi todas las bandas de jazz de su generación.

Snarky Puppy tocó el disco completo de ‘Somni’ (‘Sueño’), editado a finales de 2025, algo muy difícil de ver hoy por hoy. Este último proyecto explora el mundo de los sueños, pero bien podría servir como banda sonora en Hollywood ya que apenas hubo solos de los músicos y todo giró en torno a las armonías hacia un camino más orquestal.

Pero teniendo en el escenario a tanto monstruo musical junto, hubiese sido un error privar al público de sus cualidades y llegó el momento del lucimiento personal donde brillaron varios de ellos, en especial Jamison Ross a la batería y la gran pareja que formaron el violín de Zach Brock y la guitarra de Bob Lanzetti. Fue una gran guinda al pastel del Festival de Jazz, con músicos que no querían acabar, que disfrutaron con cada nota y que se marcaron un bis antológico con 'Sleeper'.

Antes tuvo lugar un momento muy especial. The Bad Plus llegó con su gira de despedida y su último concierto en España antes de separarse después de 27 años y decidió ofrecer todo lo que tenían dentro. “Ha sido una gran aventura”, manifestó un agradecido Reid Anderson. Ya sin pianista desde hace unos años, este cuarteto presentó temas creados, sobre todo por dos de sus integrantes, el contrabajista Reid Anderson, que fue presentando sus propuestas, y el batería Dave King.

Fue una camino hacia la improvisación con mucho toques de rock y efectos que llegaron de la guitarra de Ben Monder, que llevó a cabo una consecución de bases sobre las que se apoyaron el saxo y el clarinete de Chris Speed, que tuvo mucha libertad para lucirse. Se presentaron en el escenario principal con Casa Ben, donde se pudo comprobar que este cuarteto no tendría sentido sin la guitarra de Ben Monder, que sirve de unión y pegamento de todos los grandes artistas de este cuarteto que lo mismo llevaron al público al pop, al rock y al free jazz en el mismo tema.

‘Anthem for the Earnest’ fue uno de los grandes momentos. Mucho riff de Monder y una gran compenetración entre el contrabajo de Anderson y la batería de King, los líderes de esta banda. No fue un cuarteto de ‘solos’, sino de un todo y un gran apoyo entre todos ellos, que eligieron varios temas de su disco ‘Complex emotions’ para poner punto y final a su aventura jazzística. Como no podía ser de otra manera, los acordes de Ben Monder cerraron un concierto con mucho gusto.

La jornada comenzó en el Palacio Europa con el cuarteto de Isaiah Collier. Fue el remate de un festival de jazz que se despidió con una nota muy alta, por la calidad de los artistas que pasaron por los escenarios y esa variedad que busca a los nuevos públicos en la antesala de su 50 aniversario.

La expectación por ver a Ruben Blades era tal que el cartel de “sold out” colgaba de las taquillas desde hacía una semana. El Polideportivo de Mendizorroza se transformó en pura celebración con la llegada del cantante, acompañado por la potente Roberto Delgado Big Band. Fue una velada de casi tres horas de actuación que conectó la tradición de la salsa con la energía del público, destacando reflexiones políticas y carisma del icónico de salsa.

El ambiente en el pabellón, cargado de una energía colectiva, comenzó a caldearse con la propuesta de Magalí Sare y Manel Fortià, que, con una voz juguetona y un talento innegable en el contrabajo,cautivaron al público. “Kaixo Gasteiz”, saludaron al público los intérpretes de Barcelona y Girona, respectivamente, para abrir su presentación de una hora llena de reinterpretaciones del folklore iberoamericano. El dúo carismático y amable amenizaron la espera de Blades con una versión catalana de ‘Volver’, la emblemática ‘Tonada del cabestrero’, en honor a Venezuela, y la alegre ‘Menorca’, con un estilo ranchero que divirtió a todo el Mendizorroza.

Tras un magnífico preámbulo, un inicio instrumental de la Roberto Delgado Big Band preparó el terreno para la entrada triunfal del ícono. Mientras caminaba hacia el centro, la banda comenzaba a transicionar a la composición de ‘Plástico’, uno de los mayores éxitos de Blades conjunto a Willie Colón. Acabado ese inicio triunfal, fue cuando Blades lanzó una confesión que dotará de sentido a todo el repertorio de la noche: “Tengo más pasado que futuro”.

Esa mirada retrospectiva y llena de nostalgia no estuvo exenta de su característico interés político, dejando clara su intención de transmitir ideales de justicia al público gasteiztarra. Recordó cómo dejó la música durante cinco años para trabajar en la política de Panamá con ‘País portátil’, e insistió en la importancia de solventar “las causas de la migración” con su tema ‘Emigrantes’.

La noche viajó por la vida de Ruben Blades y por sus grandes éxitos, desde ‘Paula C’, escrita en 1978 en Nueva York sobre su primer gran amor, hasta el arreglo jazzístico de ‘Ya no me duele’. El punto de inflexión emocional se alcanzó con ‘Amor y control’, escrita debido al duelo por su madre fallecida, acompañada por ‘Fotografías’ y ‘Todos vuelven’.

El compromiso social de Blades volvió a aflorar con ‘Ligia Elena’, que aprovechó para criticar el racismo y lanzar dardos contra Donald Trump, acusándolo de “estúpido”, “sin ni una onza de espíritu”. Manteniendo esa línea, el cantante rindió homenaje a Venezuela, donde recientemente se vivió un doblete sísmico, con ‘María Lionza’, canción que narra la historia de una mujer de Yaracuy y que cobró especial relevancia en este contexto.

La recta final del concierto, que se extendió por casi tres horas en total, fue una sucesión de himnos como ‘El Cantante’ y ‘Juan Pachanga’. Al llegar a ‘Maestra vida’, Blades reflexionó sobre cómo una canción escrita a los 28 años adquiere una nueva dimensión ahora que tiene 78, generando retrospectiva sobre el paso del tiempo y los aprendizajes. Blades dejó uno de sus grandes éxitos para el final: ‘Pedro Navaja’. “La vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida”, coreaba el público con especial ilusión, mientras el artista panameño se tomó una selfie y grabó vídeos con el público gasteiztarra de fondo.

Al prenderse las luces de Mendizorrotza, quedó en el aire la sensación de haber asistido a mucho más que un concierto de salsa. La propuesta de Blades, con su mezcla de rigor artístico y compromiso social, recordó que la música es un vehículo para la memoria y la ética.

A la espera de Rubén Blades, el sol egipcio de Sun Ra Arkestra deslumbró este jueves en un 'faraónico' concierto en el festival de jazz de Vitoria que llenó de colorido y estilos una jornada que convenció al público. La energía cósmica de esta especie de 'big band' mantiene el legado del desaparecido Sun Ra a través de un viaje centenario por numerosos estilos musicales. El swing, el 'free jazz' y mucho viento mostraron unas cualidades innatas de doce músicos que se unieron en el escenario de Mendizorroza.

Cuando parecía que la cantidad de instrumentos iban a ir cada uno por su lado, confluían en un todo donde la voz de Tara Middleton y la percusión de George Gray, Elson Nascimento y Jose da Silva daban los toques brasileños a un banda que navegó por infinidad de estilos, pero donde el bebop aparecía notablemente. Capas, lentejuelas y motivos egipcios protagonizaron la indumentaria de los artistas en honor a Sun Ra, que quiso remover al público desde que se subió a un escenario hace casi cien años.

Todo convergía en su estilo propio, el afrofuturismo, una especie de danza tribal que más allá de la puesta en escena, Knoel Scott le daba sentido a todo, pendiente de sus compañeros en todo momento. Los saxos de Chris Hemingway, James Stewart o Alex Harding fueron clave para la fiesta que se montó en el escenario en zonas más determinadas de la platea, donde el público no se contuvo y se animó a seguir los pasos marcador por el carisma de Sun Ra Arkestra.

También hubo tiempo para momentos más íntimos con el piano de Lafayette Gilchrist que se unió en varios momentos con el saxo del líder Knoel Scott y una omnipresente Tara Middelton, que al igual que sus compañeros con los instrumentos, dominó diversos registros vocales. Parte de la banda desfiló entre el público en uno de los temas finales y pusieron el broche en una gran exhibición musical que requirió una gran coordinación.

Antes, la calidad sonora del cuarteto liderado por Irene Reig marcó el inicio de una noche especial, cargada de sonidos. El saxofón alto de la catalana lideró una puesta en escena de puro jazz donde se coló la música clásica con el piano de Xavi Torres, que dio una lección de virtuosismo en cada espacio que le concedieron los temas compuestos por esta joven artista con gran capacidad para improvisar.

El bebop y el jazz más americano surgieron en muchas de las interpretaciones y conversaciones que mantuvieron los músicos a través de sus instrumentos. 'Release', incluido en su álbum 'Ànima' fue la eclosión de la ‘suite’ de 35 minutos con la que abrió su obra. Dispuesto en cuatro temas que sonaron como un todo y donde se habla de la evolución y el crecimiento del alma, tal y como señaló la propia artista que cambió el saxo alto por el tenor en la segunda parte de un recital.

Aquí las baquetas de Andreu Pitarch, las cuerdas del contrabajo de Pau Sala y las teclas del piano de Xavi Torres entraron con una magnífica coordinación. Todo esto añadido a la limpieza del sonido y la claridad con la que sonaron todos y cada uno de los instrumentos. 'Dins un somni', 'La bassa' y 'Mai vaig pensar en tu' cerraron un gran momento. Sonaron como uno y todos disfrutaron de todos, sobre todo Irene Reig, abrazada feliz a su saxo mientras sus compañeros daban su toque a los temas que cerraron una actuación exquisita.

El festival de jazz de Vitoria de 2026, en puertas de su medio siglo de vida, ha estrenado este miércoles sus conciertos de gran formato en Mendizorroza. Y lo ha hecho con la noche más vocal, en la que el público se rindió a las armonías de Take 6 que levantaron. Los estadounidenses engancharon al público desde el principio a través de su puesta en escena. Todos ellos hicieron por conectar a través de sus gestos y sus coreografías, que recordaron a los grandes momentos de gospel que ha vivido durante su historia este festival, informa Efe.

Vocalmente perfectos y avalados por diez Grammy, Claude McKnight, Mark Kibble, Joel Kibble, Dave Thomas, Alvin Chea y Khristian Dentley mostraron su poderío pasando por diferentes estilos como el soul o el ‘rhythm & blues’, que les han llevado a colaborar con artistas de primera línea como Ray Charles, Stevie Wonder o Withney Houston. 'Spread love’ terminó por subir las revoluciones de la primera parte de un concierto que dio paso a ‘Yo’ Jeans’, un tema que construyeron de una forma muy original y más reposados.

Aquí pusieron toda la carne en el asador, a través de unas armonías entrelazadas con las que además reclamaron la participación de un público que reconoció el talento de seis voces perfectas que ocuparon su lugar en todo momento. Fueron presentando sus canciones a través de anécdotas divertidas como la que tuvieron con una fotografía que les pidió Nelson Mandela. A él y a Paul Simon, autor del tema, dedicaron ‘Homeless’, un tema cargado de emotividad y toques africanos que inundaron el recinto vitoriano.

La reinvención de ‘Sailing’ de Christopher Cross puso el toque pop de la noche, pero siempre regado con ese jazz vocal tan característico que rodea a la melodía que clavaron con sus voces. ‘Fly away’ puso todos los matices de una íntima y a la vez divertida noche que se cerró con el clásico ‘Stand by me’ que puso a bailar a un público, que obligó al sexteto a hacer un bis con ‘Biggest part of me’.

Al comienzo de la noche, los matices de Gretchen Parlato se hicieron notar desde el primer tema. En Landslide, sus cuerdas vocales caminaron sobre el ritmo que puso el trío que le acompaña en una gira que deja ver algunas de sus últimas creaciones como ‘Never Come Down’. Esta ventana a su nuevo disco, The Wise Ones, puso de manifiesto su tendencia al jazz más contemporáneo y a esa demostración de la vuelta de tuerca que dio vocalmente al jazz cuando se subió a los escenarios. Los teclados y el piano de Jacob Mann acompañaron a la vocalista estadounidense, que se lució con ‘Butterfly’, la versión de uno de sus músicos más influyentes, Herbie Hancock.

También hubo tiempo para la guitarra y la voz de Alam Hampton, que formó un dueto acústico muy dulce con Gretchen Parlato con sus temas ‘If it was’ e ‘It’s you’. Pero cuando la neoyorquina cerraba las ojos y se disponía a echar a rodar su delicada voz, el escenario cobraba una magia especial. Esta dulzura dio mucho aire y dejó mucho hueco a un cuarteto que no dejó de fluir.

Silencios, susurros y falsetes confirmaron que Gretchen Palarto es una de las voces más influyentes del momento gracias a su formación y a su pedigrí. El soul-jazz de ‘Rainbow’ soltó los primeros acompañamientos de las palmadas del público que agradeció empezar así el festival en el escenario principal. La norteamericana cerró su concierto con una versión con mucho gusto de ‘Holding back the years’ de los británicos Simply Red.

La 61.ª edición del Festival Internacional de Jazz (Jazzaldia) de Donostia premiará a David Murray, Joe Lovano y su exdirector Miguel Martín y ofrecerá un total de 77 conciertos, 47 de ellos gratuitos, del 22 al 26 de julio. La programación —que ha sido presentada este martes oficialmente por el director de Donostia Kultura, Jaime Otamendi, y el alcalde, Jon Insausti, junto a la responsable de Keler, patrocinador por sexto año consecutivo del certamen, Lore Azpitarte— reunirá, en 12 escenarios, a grandes figuras internacionales, artistas de larga trayectoria, propuestas emergentes, representantes del mejor Jazz europeo y una amplia presencia de músicos vascos.

Insausti ha animado a “disfrutar” de este festival y ha destacado que el jazz “está más fuerte y con más swing que nunca”, al tiempo que ha aplaudido que Miguel Martín recibirá un Premio Donostia este año por ser “una persona clave” para que este festival haya llegado “hasta aquí y sea uno de los más relevantes”.

En total habrá 77 conciertos, 47 de los cuales serán gratuitos y 30 de artistas locales. Entre los nombres “más esperados de esta edición”, Otamendi ha destacado Pat Metheny y Diana Krall, que vendrá acompañada por Marc Ribot. Junto a ellos, el festival contará con otras figuras del Jazz internacional como Marcus Miller, Joe Lovano, David Murray, Charles Tolliver, Carmen Lundy, Cécile McLorin Salvant, Samara Joy, Azar Lawrence, Louis Sclavis, Mike Stern, Julian Lage, Marc Ribot, Nils Petter Molvær, Erik Truffaz, Antonio Lizana, Vincent Peirani, Émile Parisien, Bruce Barth, Vicente Archer, Benito Gonzalez y Julius Rodriguez, según recoge Europa Press. Entre los artistas que ofrecerán actuaciones gratuitas en las Terrazas Frigo Gunea y Fnac Gunea están Lisa Ono, Annie & The Caldwells, Marco Mezquida, Quinteto Astor Piazzolla, The International Classic Jazz Allstars y Amphitrio.

El jazz vocal femenino tendrá a “cuatro de las mejores intérpretes del mundo: Diana Krall, Samara Joy, Carmen Lundy y Cécile McLorin Salvant”. Entre ellas, ha destacado a Samara Joy, que “actuará por primera vez en el Jazzaldia, una de las artistas jóvenes con mayor proyección internacional, ganadora de seis premios Grammy y considerada una de las grandes voces del futuro del Jazz”. El público también podrá disfrutar de artistas europeos como el clarinetista francés Louis Sclavis, el saxofonista Émile Parisien, el acordeonista Vincent Peirani, el pianista Benjamin Moussay, el trompetista suizo Erik Truffaz o el noruego Nils Petter Molvær. En otros géneros y música popular destaca la oferta de Keler Gunea que incluye ocho conciertos gratuitos a cargo de, entre otros, ETS, Danielle Nicole, Ibibio Sound Machine y grupos locales de trayectoria consolidada como Nogen, Kokoshca y Hofe.

Homenaje a Miles Davis y John Coltrane

Además, este año se cumple el centenario de Miles Davis y John Coltrane y para celebrarlo el Jazzaldia ha programado cuatro conciertos en la Trini, dos de ellos dedicados a Miles: 'Marcus Miller- We Want Miles!' el 25 de julio y 'New Sketches of Spain : Erik Truffaz-Antonio Lizana' el 26 de julio; y otros dos dedicados a Coltrane: 'Azar Lawrence Quartet: John Coltrane. The Impulse Era!' el 24 de julio y 'Charles Tolliver: Africa/Brass Celebrating Coltrane's Centennial' el 25 de julio.

Por otro lado, este año el certamen volverá a contar con 10 grupos seleccionados a través del proceso de selección de Grupos Locales de 2025: Bea Asurmendi, Mané, La Ola Maldita, Four Clovers, Erromintxelak, Iñar Sastre, White Carters, Malaka, Itziar Mendibil y Tremendo Pikete, a los que se suman los cuatro grupos vascos que pasarán por Keler Gunea: ETS, Kokoshca, Nogen y Hofe.

En cuanto a los Premios Donostiako Jazzaldia en esta edición serán para el músico David Murray, que vino por primera vez en 1992 al Jazzaldia y en esta edición actuará por sexta vez; el saxofonista norteamericano Joe Lovano, que en esta edición actuará por quinta vez en el Jazzaldia, y a Miguel Martín, hasta este año director del certamen y que “ha sido una figura clave en la consolidación del Jazzaldia como uno de los eventos culturales más importantes de Euskadi. Otras propuestas del Jazzaldia de este año serán 14 edición de Txikijazz y los DJs del Nauticool.

En cuanto a la venta de entradas, Otamendi ha destacado que va “muy bien”, con “más de 11.000 vendidas” y varios conciertos agotados, con lista de espera disponible. Finalmenente, ha destacado que este año se repartirá, de manera gratuita, diez mil ejemplares de una revista con toda la información del 61 Jazzaldia.

El Auditorio de Zaragoza Princesa Leonor ha acogido este miércoles la presentación del Festival de Jazz de Zaragoza, que regresa con una nueva edición que reafirma su posición como una de las grandes citas culturales del otoño en la ciudad. La 43ª edición del festival, coorganizado por el Ayuntamiento de Zaragoza y Siamm Producciones, se celebrará del 12 al 22 de noviembre en la Sala Multiusos del Auditorio de Zaragoza Princesa Leonor, con un cartel de primer nivel encabezado por figuras imprescindibles del panorama internacional como Kurt Elling, Yellowjackets, Paquito D'Rivera, Chris Potter o James Carter. Durante la presentación ha podido disfrutarse la actuación de Alonso & Yamil.

La cita amplía en esta edición su propuesta artística con una programación abierta a diferentes estilos y lenguajes del jazz contemporáneo, desde el jazz vocal hasta la experimentación, pasando por el manouche, el soul o el R&B, consolidando así su apuesta por un jazz sin fronteras.

Las entradas individuales y los abonos (general y por semanas) ya pueden adquirirse a través de la web del Auditorio de Zaragoza, en Ibercaja y en las taquillas del propio Auditorio. Como novedad en esta edición, el público podrá reservar mesa durante el propio proceso de compra de entradas o abonos. Asimismo, se habilitarán localidades en formato de sillas no numeradas.

Referentes internacionales

La programación se abrirá el jueves 12 de noviembre con Kurt Elling, considerado el vocalista masculino de jazz más destacado de la actualidad. El artista estadounidense, afincado en Chicago, ha desarrollado una reconocida trayectoria internacional marcada por su virtuosismo vocal y su capacidad para reinterpretar estándares y abordar composiciones propias con un enfoque contemporáneo. En esta cita estará acompañado por Yellowjackets, una de las formaciones más sólidas y longevas del jazz contemporáneo, con más de cinco décadas de trayectoria y un firme compromiso con la innovación y la exploración musical. El cuarteto, que mantiene en activo a miembros históricos como Russell Ferrante, Will Kennedy y Bob Mintzer, ha lanzado recientemente su último trabajo, Fasten Up (2025), que refleja su constante evolución sonora. Juntos presentarán en Zaragoza una propuesta que revisita el legado de Weather Report desde una mirada actual.

El viernes 13 será el turno de Isaiah Sharkey, guitarrista, vocalista y compositor ganador de un Grammy, que presentará su propuesta donde confluyen el soul, el R&B y el jazz contemporáneo. Nacido en Chicago y uno de los músicos más solicitados de la música contemporánea, Sharkey ha realizado giras y grabado con D'Angelo, John Mayer, Cory Henry, Chris Dave & The Drumhedz, Lalah Hathaway, Common y muchos otros, al tiempo que ha ido construyendo un público fiel para su propio trabajo en solitario

El sábado 14, James Carter Organ Trío ofrecerá un homenaje a John Coltrane con 'Trane: A Centennial Supreme!', una propuesta que revisita la figura del legendario saxofonista en el centenario de su nacimiento. Carter, un saxofonista de jazz efusivo y de gran dinamismo, es aclamado universalmente como el saxofonista más innovador, capaz de atravesar todos los límites del jazz en décadas.

La primera semana se cerrará el domingo 15 con Haydée Milanés y Javier Colina, que presentarán 'A mi manera'. El concierto propone un recorrido por la trova y la canción tradicional cubana, con especial atención al legado de Pablo Milanés, reinterpretado desde el lenguaje del jazz. La propuesta pone en valor la improvisación y el diálogo entre géneros, en un formato íntimo en el que el contrabajo de Colina acompaña y reinterpreta la voz de Haydée Milanés, proyectando la canción cubana hacia un enfoque contemporáneo y universal. Estarán acompañados por Luis Guerra al piano.

La segunda semana arranca con el Chris Potter Trío

La segunda semana del festival arrancará el viernes 20 de noviembre con el Chris Potter Trío, liderado por uno de los saxofonistas, compositores y solistas más influyentes del jazz contemporáneo. Con una sólida trayectoria como líder y una extensa discografía, Potter se ha consolidado como una referencia del jazz moderno, además de colaborar con figuras de primer nivel internacional como Herbie Hancock, John Scofield o Steely Dan. En Zaragoza estará acompañado por Matt Brewer al contrabajo y Kendrick Scott a la batería, dos músicos de reconocido prestigio en la escena internacional, con los que ofrecerá un directo de alto nivel técnico y creativo.

El sábado 21 llegará uno de los platos fuertes del festival con el doble programa protagonizado por Thomas Kretzschmar & Roman Vuillemin 4tet, con su homenaje al jazz manouche y al vibrante legado de Reinhardt y Grapelli.

Uno de los momentos más destacados de la jornada del sábado será la actuación de Paquito D'Rivera, figura clave del jazz latino y uno de los saxofonistas y clarinetistas más reconocidos del panorama internacional. Con una trayectoria avalada por 18 premios Grammy y Latin Grammy, el músico cubano ha desarrollado una carrera marcada por su versatilidad como intérprete, compositor y arreglista, transitando con naturalidad entre el jazz, la música clásica y las raíces afrocubanas.

Fundador del mítico grupo Irakere junto a Chucho Valdés y considerado un referente en la evolución del latin jazz moderno, D'Rivera estará acompañado en Zaragoza por Pepe Rivero al piano y Sebastián Laverde al vibráfono.

El festival se clausurará el domingo 22 con Michael Mayo, una de las voces más innovadoras, talentosas y versátiles de su generación, que combina el virtuosismo vocal con el uso de tecnología en directo para expandir las posibilidades de la improvisación. Actuará en formato cuarteto junto a Andrew Freedman (piano), Kile Miles (bajo) y Robin Baytas (batería).

El Festival mantiene, además, su compromiso con el público familiar con dos sesiones de Jazz for Kids / Jazz en Familia, interpretadas por jóvenes músicos de entre 10 y 18 años bajo la dirección de Dani Escolano, que tendrán lugar el sábado 21 por la tarde y el domingo 22 por la mañana.

Durante todo el mes de noviembre habrá actividades complementarias a la programación central, que tendrán lugar en diferentes espacios ciudadanos: Conciertos didácticos para colegios e Institutos en sala Luis Galve, Cómic Jazz en Caixaforum, ciclo Jazz de Película en la Filmoteca Zaragoza, “Del Bolero al Jazz”, charla- concierto interactiva en Hotel Ilunion, conciertos en 'Simalasé' en el Rock & Blues, así como la exposición de fotografía “Esencia Sincopada” en el vestíbulo de Sala Multiusos del Auditorio.

El director general de Cultura, Roberto Iturriaga, ha presentado en las últimas horas junto al alcalde de Ezcaray, Diego Bengoa, y el promotor del certamen, Jesús Pérez Caballero, la programación del 29.º Festival Internacional de Jazz Villa de Ezcaray, una de las citas musicales más veteranas y reconocidas de La Rioja, que reunirá del 4 al 12 de julio a destacados artistas nacionales e internacionales en distintos escenarios de la localidad dentro del Memorial Ebbe Traberg. El programa incluye siete conciertos repartidos entre el Real Teatro de Ezcaray, el Parque Tenorio, la Plaza de la Verdura y varios establecimientos hosteleros de la villa.

Tres jornadas con el mejor jazz nacional e internacional

La programación arrancará el sábado 4 de julio, a las 20:30 horas, en el Real Teatro de Ezcaray con la actuación del cuarteto liderado por el guitarrista riojano Caco Santolaya. El concierto, integrado en la Red de Teatros de La Rioja, servirá para presentar su último trabajo discográfico, 'Interiores', un álbum compuesto por diez temas originales que reflejan un ejercicio de introspección artística. Sobre el escenario estará acompañado por Alberto Arteta al saxo, Marcelo Escrich al contrabajo y Jorge Garrido a la batería. La entrada tendrá un precio de 5 euros para el control de aforo.

La programación principal del festival se desarrollará entre el 10 y el 12 de julio en el Parque Tenorio, uno de los espacios más emblemáticos de la localidad. El viernes 10 de julio, a las 20:15 horas, actuará Perico Sambeat Flamenco Quintet. El reconocido saxofonista valenciano, considerado una de las grandes referencias del jazz español, ofrecerá una propuesta que fusiona jazz y flamenco junto a una formación de primer nivel. Esa misma noche, a las 00:15 horas, el restaurante Casa Masip acogerá el concierto 'El arte del diálogo', protagonizado por Ariel Brínguez y Javier Sánchez, una propuesta de gran intimidad artística concebida para acercar al público el diálogo musical entre dos destacados intérpretes.

El sábado 11 de julio, a las 20:15 horas, llegará el turno de The International Classic Jazz All Stars, una formación integrada por destacados músicos de diferentes nacionalidades que la crítica especializada ha definido como “la ONU del swing”. El grupo recuperará el espíritu del jazz clásico de las décadas de 1930 y 1940 en un espectáculo que reivindica la música como lenguaje universal.

La programación nocturna continuará a las 00:15 horas en el restaurante La Arboleda del Sur con Clara Montes y su proyecto 'Marinera en tierra', una propuesta en formato trío que revisita la obra de Rafael Alberti desde una mirada cercana al jazz. La presencia de una de las voces más reconocidas del panorama musical español constituye uno de los atractivos destacados de esta edición.

El cierre del festival tendrá lugar el domingo 12 de julio con dos citas musicales. La primera llegará a las 13:15 horas en la Plaza de la Verdura, donde la Banda Municipal de Música Santa Cecilia de Ezcaray, dirigida por Luis María Monge, ofrecerá un concierto de jazz, blues, swing y composiciones propias pensado para acompañar el tradicional ambiente del vermú.

Posteriormente, a las 20 horas, el Parque Tenorio recibirá a Camille Thurman & Darrell Green Quartet, una de las propuestas más destacadas del actual panorama jazzístico internacional. La cantante y saxofonista estadounidense Camille Thurman compartirá escenario con Wallace Roney Jr., David Bryant y Darrell Green en una actuación que forma parte de una gira que también recalará este verano en algunos de los principales festivales de jazz de España.

El Festival Internacional de Jazz Villa de Ezcaray volverá a ofrecer una experiencia que trasciende lo estrictamente musical y que combina cultura, gastronomía, patrimonio y naturaleza en uno de los destinos turísticos más emblemáticos de La Rioja. Esta fórmula, consolidada a lo largo de casi tres décadas, ha convertido al certamen en una de las grandes referencias del verano cultural riojano y en una cita reconocida dentro del circuito jazzístico nacional.

Salvo el concierto inaugural del 4 de julio en el Real Teatro de Ezcaray, el resto de las actuaciones programadas serán de acceso libre hasta completar el aforo disponible.

La vigésimo novena edición del festival volverá además a rendir homenaje a Ebbe Traberg, figura fundamental para la historia y consolidación de esta cita cultural, cuyo legado continúa muy presente en una programación que mira ya hacia el próximo 30.º aniversario del certamen.

“Una de las citas musicales más consolidadas”

Durante la presentación, Iturriaga ha destacado que “hablar del Festival de Jazz de Ezcaray es hablar de una de las citas musicales más consolidadas y reconocidas de La Rioja. Después de casi tres décadas de trayectoria, sigue demostrando una extraordinaria capacidad para atraer a grandes artistas y ofrecer propuestas de primer nivel al público riojano y a quienes nos visitan durante el verano”.

Asimismo, ha subrayado que “este festival representa perfectamente el modelo cultural que promovemos desde el Gobierno de La Rioja: una programación de calidad que llega al territorio, que genera actividad económica y que permite disfrutar de la cultura en entornos únicos donde se unen patrimonio, naturaleza, gastronomía y música”.

Por su parte, Bengoa ha agradecido el respaldo del Gobierno de La Rioja y ha destacado que esta cita forma parte de la intensa actividad cultural que distingue a Ezcaray. En este sentido, ha recordado que la programación cultural del municipio fue uno de los aspectos valorados en su reciente reconocimiento internacional como destino turístico y ha animado a riojanos y visitantes a acercarse a la localidad para disfrutar de una programación que, a su juicio, “está al nivel de los mejores festivales de jazz de España”.

Durante la presentación, Jesús Pérez Caballero ha destacado la calidad artística de una edición que considera “una de las más atractivas de los últimos años”, con propuestas que recorren distintos estilos y sensibilidades del jazz contemporáneo, desde la fusión con el flamenco de Perico Sambeat hasta el jazz clásico de The International Classic Jazz All Stars o la proyección internacional de Camille Thurman & Darrell Green Quartet.

Casi 60 conciertos y 220 músicos actuarán en 25 espacios escénicos dentro del XXXV Festival Internacional Canarias Jazz & Más, entre ellos, Jacob Collier con la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria y Mujeres Canarias del Jazz, que unirá a la Banda Sinfónica de la capital grancanaria con solistas isleñas.

En total, diez proyectos canarios se suman a la programación de esta edición del festival, que se celebrará entre el 3 y el 25 de julio y recorrerá de nuevo teatros, auditorios, salas y plazas de las ocho islas, según presentó este viernes la organización en el Espacio La Granja

Para esta edición, el festival se subirá a 30 espacios escénicos (11 en Tenerife, 13 en Gran Canaria y 1 en Fuerteventura, Lanzarote, La Graciosa, La Palma, La Gomera y El Hierro) y se llevarán a cabo 59 conciertos, 5 charlas y dos clases magistrales.

Destaca este año la cuota femenina en el elenco de artistas, con 12 proyectos de 31 (más de un tercio) y, en la parte económica, el 58,54% del presupuesto se destina a la contratación de empresas y profesionales locales y el resto a la contratación de artistas.

Además, el festival moviliza cada año a más de 200 personas entre técnicos de sonido, iluminación, producción, comunicación, logística, servicios auxiliares, seguridad y limpieza, se calcula un impacto económico directo en el tejido empresarial superior a los 580.000 euros.

El festival que tendrá como “piedra angular” la presencia de Jacob Collier junto a la OFGC, además del saxofonista y compositor sueco Hannes Bennich, The Jazz Brigade y Yul Ballesteros Trío, que presentará su nuevo trabajo.

Por su parte Mujeres Canarias del Jazz es una producción liderada por la Banda Sinfónica Municipal de Las Palmas de Gran Canaria en colaboración con el Festival Internacional Canarias Jazz & Más, y en el que participan las voces de artistas canarias como Olga Sánchez, Moneiba, Mónica Santana, María Zerpa y Esther Ovejero.

Otras propuestas nacidas en el archipiélago corresponderán a Simbeque Project, que fusiona jazz y folclore, la presentación del segundo disco de José Vera Bello, “Son de la Cueva”, y Carlos Meneses, contrabajista, compositor y productor de jazz canario con “[collabs]”, un disco colaborativo autoproducido que le valió el galardón a Mejor Disco de Jazz en los Premios Canarios de la Música 2025.

También pasarán por los escenarios del festival el trompetista y compositor grancanario Ernesto Montenegro, el proyecto jazzístico La Cofradía y “LAJALADA”, de la cantante y compositora Belén Álvarez.

Otra propuesta es “Ponké & La Ciudad del Jazz”, un espectáculo didáctico que busca despertar la curiosidad por este estilo musical

Sonny Rollins, uno de los saxofonistas de jazz más influyentes de todos los tiempos y conocido como el 'coloso del saxofón', ha muerto a los 95 años. La noticia se ha comunicado “con profunda tristeza y gran cariño” en la página web del músico y ha sido confirmada por su publicista, Terri Hinte. No se ha especificado la causa de la muerte.

Rollins ha sido considerado una voz de jazz tan innovadora como la de su amigo y contemporáneo John Coltrane, con quien protagonizó el disco Tenor Madness en 1956. Desde entonces, el artista ha escrito temas que hoy son clásicos del género como Airegin, Doxy y Oleo. También es esencial en su repertorio St. Thomas, una interpretación que reflejaba los orígenes caribeños de su familia.

En total, Sonny Rollins ha publicado más de 60 álbumes desde finales de la década de 1940 en adelante, incluyendo colaboraciones con Miles Davis y Thelonious Monk. Este transformó el jazz, hasta entonces predominantemente bailable o en su totalidad de balada, a un territorio completamente único. Uno de sus discos más célebres, Way Out West (1957), se basó en sus interpretaciones de canciones vaqueras.

El artista ha recibido dos premios Grammy a lo largo de su trayectoria. En 2004, fue honrado con un gramófono a la trayectoria artística. Tras realizar giras y actuaciones durante toda su vida, se retiró en 2014 al ser diagnosticado con fibrosis pulmonar. La web de Rollins muestra ahora una reflexión del músico sobre la muerte: “Creo que cuando la persona creativa termina su existencia, continúa en la siguiente. Soy una persona que cree que esta vida no lo es todo. Una persona espiritual no piensa así”.