El Café Central prepara una emotiva jornada abierta con la que despedir casi medio siglo de vida cultural ligada al número 10 de la plaza del Ángel, en el centro de Madrid. Este referente de la música en directo llegó a lo que era una cristalería en 1982 y, después de unos meses de incertidumbre generados por la negativa de la propiedad a renovar el alquiler, se despiden de su ubicación con un concierto que servirá también como cortejo fúnebre.

Una fiesta por la muerte y resurrección del jazz, según la definen sus impulsores. El mismo proceso experimentado por el propio Café Central, que primero logró postergar la clausura y finalmente encontró un nuevo refugio en el Ateneo de Madrid. Antes de materializar el traslado, los responsables del negocio animan a que todo artista que lo desee actúe este jueves 16 de abril a partir de las 17.00 desde la puerta del local que ha agitado la rutina madrileña. Un evento de acceso libre que se celebrará un día después de la clausura oficial del espacio.

“Músicos, clientes, excompañeros y demás amigos están convocados a participar en una despedida abierta al público: un Funeral y Resurrección de Jazz que es, en sí mismo, un acto de transformación. Quienes lo deseen podrán sumarse, los músicos están invitados a acudir con sus instrumentos”, explican desde la web del Café Central. El cortejo partirá desde la plaza del Ángel y recorrerá las calles hasta la nueva ubicación en la calle Santa Catalina.

“A través de la música, este ritual colectivo recogerá la energía, la historia y la memoria del viejo local para trasladarlas simbólicamente, liberando al Café Central de su vínculo físico con ese espacio y permitiéndole existir como proyecto vivo, desasociado y sin ataduras. Esa energía será depositada en el Ateneo donde el espíritu del Café Central será protegido, permitiéndole seguir creciendo”, exponen en el Central.

“En el año en que se conmemora el centenario de Miles Davis y John Coltrane, el Café Central inicia una nueva etapa manteniendo firme su compromiso con el jazz y la música en directo. En su nueva sede en el Ateneo de Madrid, la intención es continuar con la programación habitual de dos conciertos cada noche del año, ofreciendo la posibilidad de terminar su día con música en vivo. De forma paralela, se programarán varias noches en La Cátedra del Ateneo, un auditorio histórico de acústica excepcional que permitirá ampliar la propuesta artística en un entorno singular”, destacan, apelando a las posibilidades del nuevo recinto que les servirá de cobijo.

Avanzan que esta nueva etapa ya ha confirmado la presencia de figuras importantes para el Café Central, como Joshua Edelman, Jorge Pardo, Guillermo McGill, Cecilia Krull, Lluís Coloma, Sheila Blanco, Federico Lechner o Ignasi Terraza. “El Café Central se despide de un espacio que ha sido referencia durante décadas, pero lo hace afirmando su identidad más allá de un lugar físico, libre ya de su antiguo emplazamiento y con la mirada puesta en el futuro, reafirmando su vocación de ser un lugar de encuentro para la música y para quienes la viven cada noche”, concluyen.

El festival ‘Mayo Jazzea’, organizado por Cultural Rioja, regresa en su 27ª edición con una programación que se desarrollará del 7 al 28 de mayo en Logroño, reafirmando su posición como una de las citas culturales imprescindibles y más esperadas de la primavera en Logroño. El concejal de Promoción de la Ciudad, Miguel Sainz, la concejala de Cultura, Rosa Fernández, y el director general de Cultura del Gobierno de La Rioja, Roberto Iturriaga, han presentado la progración completa del festival.

Jazz en el Bretón de Logroño

El Teatro Bretón de Logroño acogerá los conciertos principales del festival, todos los jueves del mes de mayo a las 20:30 horas.

El ciclo arrancará el 7 de mayo con el pianista israelí Shai Maestro, una de las voces más destacadas del jazz contemporáneo. Presentará ‘The Guesthous’, su proyecto más ambicioso hasta la fecha, donde fusiona jazz lírico con electrónica y texturas cinematográficas, en un directo que promete una experiencia sonora envolvente.

El 14 de mayo será el turno de Delvon Lamarr Organ Trio (DLO3), que traerá al escenario su potente mezcla de soul-jazz, funk y R&B. Con un sonido orgánico liderado por el órgano Hammond, el trío se ha consolidado como una referencia internacional capaz de conectar el legado de los años 60 y 70 con el público actual.

El 21 de mayo, el contrabajista Baldo Martínez, uno de los músicos más representativos del jazz contemporáneo hecho en España, presentará su sexteto con el proyecto ‘Música Imaginaria’, una propuesta que combina jazz contemporáneo, improvisación libre y elementos del folclore en un universo sonoro profundamente personal y evocador.

El ciclo en el Teatro Bretón se cerrará el 28 de mayo con el Carme Canela & Miguel Villar Quintet, que ofrecerá un homenaje a la música brasileña. Una propuesta elegante y sensible que revisita a compositores como Tom Jobim, Toninho Horta o Guinga desde el lenguaje del jazz contemporáneo. El festival ‘Mayo Jazzea’ ofrece un abono para los espectáculos en el Teatro Bretón, que estarán a la venta desde este jueves, 9 de abril, a las 11:00 horas y hasta el 7 de mayo a las 20:30 horas.

El ‘Abono completo jueves’ abarca los cuatro conciertos y se ofrecerá en tres precios: 50 euros (butaca de patio y palco platea); 40 euros (butaca y palco de primer anfiteatro); y 30 euros (butaca y palco de segundo anfiteatro).

Por su parte, las entradas individuales para cada uno de los conciertos saldrán a la venta el 16 de abril a las 11:00 horas en diferentes tarifas (18 euros para butaca de patio y palco platea; 15 euros para butaca y palco de primer anfiteatro; y 12 euros para butaca y palco de segundo anfiteatro). 

Las personas con carné joven, estudiantes universitarios, desempleados, miembros de familias numerosas y estudiantes de música (conservatorio, escuela municipal de música y otras escuelas de música) cuentan con un 25% de descuento. También hay un descuento de última hora del 50% para los menores de 30 años, al adquirir una localidad durante la última hora antes del concierto (siempre y cuando haya disponibilidad).

La venta de abonos y localidades en la taquilla del Teatro Bretón se efectuará de 11 a 14 horas, y desde dos horas antes del inicio del espectáculo los días que haya función en el Teatro Bretón. También se podrán adquirir tanto abonos como localidades a partir de los días señalados, mediante tarjeta de crédito, en el teléfono 941 207 231 y a través de internet en www.teatrobreton.org.

Jazz en la calle: música abierta a la ciudad

El festival amplía su presencia urbana con el ciclo Jazz en la calle, que llevará la música en directo a las 20:30 horas, a distintos espacios de la ciudad como la Plaza de San Bartolomé y el Parque Gallarza.

El 8 de mayo, la saxofonista Irene Reig que es una de las saxofonistas más destacadas del panorama jazzístico actual, actuará en la Plaza San Bartolomé con su cuarteto, presentando ‘Ànima’, un proyecto que fusiona jazz y música clásica en una propuesta llena de energía, expresividad e identidad propia.

El 9 de mayo, el Parque Gallarza acogerá a Troveros de Asieta, grupo con más de tres décadas de trayectoria que combina el son cubano con otros ritmos caribeños y elementos jazzísticos, en un directo festivo y lleno de improvisación. 

Formación y encuentro con el público

El festival refuerza su dimensión formativa con el taller ‘Exploración Sonora: Laboratorio de Improvisación Libre’, impartido por el músico Alejandro Mingot, que se desarrollará el sábado 9 de mayo en la Gota de Leche. La actividad se desarrollará en horario de 10:00 a 13:00 horas, seguida de una muestra abierta al público a las 13:30 horas en la que se presentarán los resultados del trabajo realizado durante la sesión.

Este taller ofrece un acercamiento a la música desde la improvisación no idiomática, proponiendo a los participantes trabajar el sonido en su estado más puro, sin las limitaciones de estilos predefinidos. A través de un sistema de conducción y dirección, se guiará al grupo en la exploración de la arquitectura de la improvisación colectiva, abordando aspectos como la escucha reactiva, el manejo de texturas sonoras y la toma de decisiones en grupo. Las inscripciones son gratuitas y pueden realizarse enviando un correo electrónico a culturalrioja@logrono.es.

Por último, también se ha organizado un encuentro con Baldo Martínez, que tendrá lugar el 20 de mayo en La Gota de Leche, a las 20:00 horas, con entrada gratuita hasta completar aforo. En esta sesión, el músico compartirá su trayectoria, experiencias y visión del jazz contemporáneo, en un formato cercano que busca fomentar el diálogo entre artistas y público.

En su intervención, el concejal de Promoción de la Ciudad, Miguel Sainz, ha subrayado que “con más de dos décadas de trayectoria, el festival ha vivido una clara evolución desde sus inicios hasta convertirse en una propuesta multidisciplinar que combina música en sala, actuaciones al aire libre y actividades formativas que seguro hará las delicias, un año más de todos los amantes de jazz que disfrutarán de músicos de prestigio nacional e internacional”.

Además, Sainz ha destacado que “una edición más el objetivo es acercar la música a todos los públicos por lo que se mantienen los cuatro conciertos en el Teatro Bretón; la música gratuita en la calle llenando Logroño de energía y vitalidad y las actividades formativas”

Por su parte, el director general de Cultura del Gobierno de La Rioja, Roberto Iturriaga, ha destacado que “Mayo Jazzea es un programa cultural que combina figuras internacionales, referentes del jazz estatal y propuestas abiertas a nuevos públicos, con una clara vocación de llegar a todos”. En este sentido, ha subrayado que el ciclo, desarrollado principalmente en el Teatro Bretón y completado con conciertos al aire libre y actividades formativas, refleja una manera de entender la cultura en La Rioja: diversa, contemporánea, accesible y conectada con la ciudadanía.

Paquito D’Rivera, considerado como uno de los máximos exponentes del jazz a nivel mundial, actuará el jueves 2 de julio de 2026 Estival Cuenca. En este marco, recibirá el Premio a la Trayectoria Musical que ofrece la empresa Mahou-Alhambra-Solán de Cabras en esta edición. Abrirá la jornada el conjunto conquense The Teacher’s Band.

El cubano Paquito D’Rivera a recibido nada menos que 18 premios Grammy y Latin Grammy (siete Grammy y once Latin Grammy, en concreto) en su amplia trayectoria musical como autor de un gran número de composiciones. En ellas, ha revelado unos intereses musicales amplios y eclécticos que van desde los ritmos y melodías afrocubanos a múltiples influencias recopiladas en sus múltiples viajes hasta sus orígenes musicales.

Nació en Cuba, donde inició su carrera como “niño prodigi2o, tocando tanto el clarinete como el saxofón, con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba. Hijo del saxofonista y director de orquesta cubano Tito D'Rivera, Paquito comenzó a estudiar música con tan solo 5 años y a los 7 ya actuaba ante el público. En Estival Cuenca actuará con el pianista cubano Pepe Rivero y el percusionista colombiano Sebastián Laverde.

El origen de The Teacher's Band

En cuanto a The Teacher's Band, la agrupación surgió en Cuenca en 1998 en torno a la Facultad de Educación de Cuenca (UCLM). En este centro educativo cinco estudiantes comenzaron a reunirse para interpretar distintos estilos musicales con el único ánimo de disfrutar de la música que les gusta.

Con el paso del tiempo, la formación ha ido sufriendo modificaciones hasta llegar al momento actual, en el que está integrada por José Mencías (saxos y voz), José Ángel de Lerma (teclado), José Luis Bermejo (guitarra) y Pedro Miguel Valero (batería). Será la 13ª edición en la que actúen en Estival Cuenca.

Las entradas pueden adquirirse en este enlace por un precio de 25 euros.

La confirmación de Paquito d’Rivera Trío y The Teacher’s Band se une a la de Carlos Núñez (Estival Folk, lunes 29 de junio de 2026.

El músico panameño Rubén Blades regresará el próximo 17 de julio al festival de jazz de Vitoria. Iniciará así su gira por España, junto con la 'big band' de Roberto Delgado formada por una veintena de músicos. Así lo ha confirmado en un comunicado la organización del festival, quien ha celebrado que Mendizorroza acogerá un gran concierto de la “leyenda de la salsa” e “icono de la música latina”. Está pendiente de concretarse el resto del cartel.

“Con esta confirmación, el festival consigue traer a la capital vasca a una gran estrella que, sin duda, nos regalará una noche inolvidable ya que, además de presentar su último disco 'Fotografías' con el que ha realizado una exitosa gira por el continente americano, recordará clásicos como 'Pedro Navaja', 'Decisiones' y 'Amor y Control', entre otros”, se indica.

Blades es una de las personalidades más activas de la cultura hispanoamericana, desde que debutó en 1970 como cantante y compositor. Sus álbumes emblemáticos de salsa afrocubana clásica incorporan influencias del rock, el jazz, y sonidos de todo el mundo. Además, ha colaborado con artistas de todos los estilos musicales y ha compuesto cientos de canciones, reconocidas por sus letras elocuentes y con fuerte contenido social, personajes coloridos y melodías memorables, informa Europa Press.

El artista ha ganado doce premios 'Grammy' y trece 'Latin Grammy', el último de ellos a mejor 'Álbum de Salsa' por 'Fotografías'. Su participación durante ocho temporadas en la serie de AMC 'Fear the Walking Dead' le valió una nominación al 'Imagen Award' como mejor actor de reparto. El álbum 'Fotografías', continúa el ciclo de Blades junto a Roberto Delgado y la Orquesta de Panamá. Según el artista, la banda demuestra su versatilidad al interpretar diversos formatos: dos trompetas, tres trombones, orquesta y big band. Incluye temas nuevos, así como canciones escritas por Blades, pero grabadas por otros artistas, en diferentes décadas, dentro de su trayectoria artística de más de 50 años.

El Café Central, uno de los locales más emblemáticos de la capital y referente internacional del jazz, no cerrará finalmente sus puertas y continuará su actividad en una nueva ubicación en el Ateneo de Madrid, donde abrirá una nueva etapa tras más de cuatro décadas de historia en su sede de la Plaza del Ángel.

El traslado pone fin a la incertidumbre generada el pasado mes de julio, cuando la dirección del Café Central anunció su cierre definitivo debido a la negativa de los propietarios del inmueble a renovar el contrato de alquiler. Aunque el local logró posteriormente una prórroga temporal, sus responsables ya trabajaban entonces en la búsqueda de un nuevo emplazamiento que garantizara la continuidad del proyecto cultural.

Su grito de auxilio fue escuchado por el presidente del Ateneo de Madrid, Luis Arroyo, quien tras ver información en medios de que Café Central buscaba nueva sede decidió ponerse en contacto con su dirección para ofrecerle un nuevo hogar en esta institución cultural. “Leí la noticia del cierre y vi que ellos mismos decían que estaban abiertos a estudiar soluciones. Les escribí inmediatamente y, a partir de ahí, empezamos a hablar”, ha señalado Arroyo a Europa Press.

El nuevo espacio se encuentra a poco más de un centenar de metros de la ubicación original del Café Central y forma parte del histórico edificio del Ateneo. “Es un emblema cultural que se va a vivir a otro emblema cultural de la capital”, ha subrayado Arroyo, quien ha destacado la sintonía entre ambas instituciones tras la unión.

El acuerdo alcanzado no se articula como un contrato de alquiler, sino como una cesión de espacio dentro de un convenio de colaboración cultural. El Café Central podrá retomar su actividad manteniendo su identidad, su programación de música en directo -todos los días en horario de tarde- y su compromiso con la difusión del jazz. Por su parte, el Ateneo asumirá la gestión de la hostelería y la cafetería. Además, el club contará con la posibilidad de organizar hasta 13 conciertos anuales en la Cátedra Mayor del Ateneo, su principal salón de actos, conocido por su acústica y su relevancia histórica.

“El Ateneo no tiene ninguna ambición económica en este acuerdo, pero sí toda la ambición cultural”, ha afirmado Arroyo, quien no se ha mojado a la hora de dar una fecha de reapertura del Café Central, aunque ha deslizado que podría materializarse en un par de meses.

Asimismo, el Café Central podrá adaptar la decoración del nuevo espacio para preservar su estética y su espíritu característicos. “Les hemos dado absoluta autonomía para que lo decoren como quieran. Ellos saben perfectamente cómo hacerlo”, ha asegurado el presidente del Ateneo.

Fundado en 1982 en el local de una antigua cristalería de 1908, el Café Central se convirtió en uno de los grandes templos del jazz en Europa. En sus 43 años de historia ha acogido más de 14.000 conciertos y ha recibido a más de un millón de espectadores. Por su escenario han pasado figuras como Tete Montoliu, Pedro Iturralde, Benny Golson, Ron Carter, Sheila Jordan, Brad Mehldau, Chano Domínguez o Jorge Pardo, entre muchos otros.

Su proyección internacional se consolidó en 2002, cuando la revista estadounidense 'Down Beat' lo incluyó en su lista de los mejores clubes de jazz del mundo, siendo el único representante español. Tres años después recibió el Premio a la Difusión de la Música de la Academia de la Música.

Más allá de la música, el Café Central ha sido también un espacio cultural de referencia en Madrid, escenario de películas, series, presentaciones de libros y discos, y diversas actividades artísticas. Con su llegada al Ateneo de Madrid, ambas instituciones buscan sumar fuerzas para mantener viva una de las señas de identidad culturales de la ciudad.

“Estamos orgullosos de haber ayudado a que el Café Central no desaparezca y muy agradecidos de que ellos nos presten su tradición”, ha destacado Arroyo, quien ha apuntado que, gracias a este acuerdo, “dos marcas culturales históricas de Madrid se unen para mantener la cultura viva”.

La muerte se encargó de darme la noticia con una necrológica. Se llamaba Alejandro Reyes y en los últimos tiempos nos comunicábamos por aquí, por los Interneles. A él le debo veladas musicales cuyo recuerdo me acompañará para los restos. Como molde, sirva la noche que Chet Baker llegó al concierto tiritando, con la sonrisa descolgada y los picores en los tobillos que se gastan los yonquis cuando les falta. Por motivos que ahora no vienen al caso, me vi en un taxi con el trompetista americano, rumbo a una de esas calles donde las mujeres pálidas fuman heroína en papel de plata.

Chet Baker tenía prisa por fijarse un pico que le devolviera la calma. Lo recuerdo bien. Fue en un portal detrás de Gran Vía; unos billetes cobrados por adelantado y unas escaleras que descendían al infierno. Durante aquellos años me movía por los peores lugares de Madrid, entre hombres y mujeres para los que la vida valía lo mismo que cargase tu bolsillo. “Salvaste el concierto”, me dijo Alejandro Reyes cuando me vio aparecer en camerinos con Chet Baker a punto ya para subirse a escena. Yo poco o nada hice, esa es la verdad. En todo caso, fue la perversidad de la heroína cuando se presenta bien cortada. Lo demás se lo pueden imaginar ustedes, aunque la realidad nunca soporte la imaginación entera cuando se trata de Chet Baker en el Colegio Mayor San Juan Evangelista, el Johnny, como se conocía entre la afición.

Fue un 11 de marzo de 1988. Chet Baker vino acompañado por Marc Johnson y Philip Catherine, contrabajo y guitarra. Para qué más, si cuando Chet se arrancaba a cantar y perdía la mirada en el brillo de su trompeta, lo hacía sobreponiéndose a los remordimientos que asaltaban su maltrecha memoria, siempre enredada en caminos oscuros, ahí donde el silencio se pacta por adelantado. La interpretación que se marcó de My Funny Valentine me acompañará siempre. Así fue cómo conocí a Chet Baker, camino de la muerte, en uno de sus últimos conciertos antes de acabar tirado en un charco de sangre a la luz pálida de la noche de Ámsterdam. Por ese concierto, y por los que vinieron después, le debo la vida a Alejandro Reyes; eso sin olvidarme del concierto con el que arrancó todo para mí con el grupo Gwendal y su grabación legendaria en el Johnny; música de campiña y porros. Recuerdo la cola que daba la vuelta; también las melenas, las barbas y el humo de jachís que contenía toda una escena de época. 

Me atrevo a imaginar un universo paralelo donde caben todos los conciertos que viví en el Johnny con Alejandro Reyes en su butaca, donde la columna, fumándose un veguero, saboreando la sencillez de las cosas bien hechas; siempre en deuda con una vida que lo acaba de dejar.

Hasta más de 380 artistas diferentes y cerca de 500 discos distintos han aparecido mencionados entre lo mejor que se ha publicado en la música del siglo XXI. Una cifra que demuestra que, aunque existe consenso entre los lanzamientos más relevantes desde el 2000 hasta el 2025, siempre habrá parte de discrepancia cuando se trata de debatir qué es lo mejor en el mundo del arte. Desde la música clásica y el heavy metal extremo hasta el jazz contemporáneo o el pop de vanguardia, un jurado de 91 expertos y críticos musicales han contado a elDiario.es, sin clasificarlas entre sí, cuáles son las 10 obras impresindibles del primer cuarto de siglo para cada uno de ellos.

Aitor García (Cadena SER)

Alberto Frutos (El Submarino)

Alberto Palao (Los 40, @palaozzz)

Alejandro Luque (elDiario.es)

Alex Gara (Radio 3)

Almu de Andrés (Neko Et Eurythmia)

Ana Dara Peña Giraldo (Rockdelux)

Ana Escobar (Los 40)

Ana Ramos (Rock And Colors)

Anabel Vélez (She's Got The Power)

Beatriz Rodríguez (MondoSonoro, El País)

Blanca Fuerte (@blanquinni)

Bruno Galindo (El Confidencial)

Carmen Álvarez (Pulso Sonoro)

César Luquero (Rockdelux)

César Muela (Más Decibelios)

Clara Nervión (Radio Primavera Sound)

Dani López (MondoSonoro)

Dani Pacheco (Revista Sold Out)

Dani Vega (@danidelparaiso)

Daniel Mateo (20 Minutos)

Daniel Santamaría Rodríguez (Wake And Listen)

Darko (PopNews)

David Gallardo (infoLibre)

David Morán (El Periódico)

David Saavedra (El País, Rockdelux)

Diego Simón (Europa FM)

Edu Cornejo (Muzikalia)

Elena Cabrera (elDiario.es)

Elena L. Villalvilla (Infobae)

Elena Martínez (Los 40)

Enrique Zamorano (El Confidencial)

Fernando García (Jenesaispop)

Fidel Oltra (Muzikalia, Ruta 66)

Gabriel Carey (Jenesaispop)

Héctor García Barnés (El Confidencial)

Isabel Guerrero (Rockdelux)

Javi Torreira (Rock Bottom Magazine)

Javier Becerra (La Voz de Galicia)

Jordi Bardají (Jenesaispop)

Jordi Tàrrega (Stairway to Rock)

José Megía (Muzikalia)

Jota Jota (@itsjotajota)

Juan Velasco (Cordópolis)

Juanma Romero (Europa FM)

Laia Partida (Els 40 Urban)

Lara Ballesteros (@laraballesteros_)

Laura Pardo (RNE)

Lorena Jiménez (LJ ClassicalMusicPR)

Lorena Montón Piña (La Vanguardia)

Manolo Fernández (Radio con botas)

Manuel Pinazo (Muzikalia)

Maria López (RTVE, Els 40)

María Cantó (El Cultural)

Marina Giménez (Wake and Listen)

Marina Sala (Catalunya Ràdio)

Marisol Galdón

Marta España (Rockdelux)

Marta Salicrú

Mireia Pería (Jenesaispop)

Morgan (PopNews)

Nacho Serrano (ABC)

Nadia Leal (NEO2)

Núria Ruiz (@nuriadegira)

Òscar Broc (El Periódico)

Óscar García (Los 40, @_oscargarcia2)

Pablo Gil (El Mundo)

Pablo Porcar (Binaural)

Pablo Tocino (Jenesaispop)

Pau Marti (@pautalksmusic)

Paulina Dávila

Pedro del Corral (El Periódico de España)

Pepa Ferreiro (Sin Bandera Radio)

Rafa Cervera (elDiario.es)

Raúl Del Olmo (Muzikalia)

Raúl Julián (Mondo Sonoro)

Ray Vegas (Wake And Listen)

Rocío Gómez (redhardnheavy.com)

Roxana Dobre (@rndobre)

Ruth García Núñez de Arenas (@motsmusic.es)

Sebas Alonso (Jenesaispop)

Selene Moral (Los 40)

Sergi Cuxart (Radio Primavera Sound)

Sergio Guillén (RTVE)

SergioOpina (@sergioopina_)

Susana Monteagudo (elDiario.es)

Tami Pereira (Tamigotcha)

Víctor Terrazas (@terrazas23)

Víctor Trapero (Primavera Sound)

Xavi Sancho (El País)

Yolanda Sabater (Stairway to Rock)

Este próximo domingo 2 de noviembre arranca la V edición de la Semana de la Cultura del Jazz, RIOJAZZ, un festival que se consolida como una cita imprescindible para los amantes de este género musical. En concreto del 2 al 9 de noviembre, La Rioja se convertirá en epicentro del jazz con una programación variada y dirigida a todos los públicos (desde los amantes de este estilo hasta los que se acerquen por primera vez a él), un programa que combina tradición, innovación y talento local.

Uno de los principales atractivos de este año será el Funeral al estilo Nueva Orleans que servirá de preámbulo al Festival este mismo domingo 2 de noviembre al mediodía. Se recreará un auténtico Funeral de Nueva Orleans en el que se revivirá esta tradición en la que se llenan las calles de música para celebrar la vida de la persona, así como el duelo por su muerte. Este funeral incluirá una banda de dixie, a cargo de la legendaria banda riojana Dixiemulando, su ‘Gran Marshall’, un coro gospel y por supuesto el ataúd con el finado. Tras el cortejo, se celebrará el espectáculo “Esto no es una misa góspel”, con su reverendo, banda en directo, trío de metales y un coro góspel de más de 30 voces creado para este espectáculo. El pasacalles del funeral partirá a las 12,00 horas desde El Moderno y recorrerá la calle Laurel hasta la Sala Fundición donde se celebrará el espectáculo a partir de las 13,00 horas.

El viernes 7 de noviembre llegará el concierto estelar de esta quinta edición que se celebrará en el Centro Fundación Ibercaja a las 20,00 horas y lo protagonizarán Marcos Collado y los Guardianes del Compás, un cuarteto liderado por el reconocido guitarrista mallorquín, donde desarrolla, a través de sus propias composiciones, un repertorio más jazzístico y en un formato más acústico de lo que en él es habitual, rindiendo homenaje a discos y autores que supusieron una fuente de inspiración en el desarrollo de su carrera.

La Rioja Big Band, organizadora del Festival, traslada este año su tradicional concierto a Calahorra. En esa actuación prevista para el 8 de noviembre, a las 20,00 horas, en el Centro Fundación Caja Rioja de Calahorra, La Rioja Big Band contará con la prodigiosa voz del calagurritano Daniel Amatriáin.

El programa de Riojazz incluye también el concierto del pianista Germán Barrio, que ofrecerá un recital de ragtime combinado con obras de los compositores franceses Debussy, Satie o Ravel, influenciados por este estilo musical, el 5 de noviembre a las 20,00 horas en el Café Moderno. También destaca en la programación la actuación de la joven cantante riojana Alejandra Bartolomé que en la actualidad se encuentra cursando sus estudios superiores de jazz en Musikene y lidera el grupo White Carters, una banda de funk, soul y R&B, formada por ocho miembros en el que mezclan temas modernos y antiguos de estos géneros con composiciones propias. La actuación de White Carters será el 6 de noviembre a las 20 horas en la Sala Fundición.

La programación se completacon el concierto de Santolayas Dúo en la Librería Santos Ochoa el lunes 3 de noviembre a las 19,00 horas; la actuación de la cantante navarra Mar Ruiz, acompañada de su trío, que interpretará una selección de estándares de jazz el martes 4 de noviembre en el Café Bretón a las 20 horas.

Riojazz finalizará el 9 de noviembre. Por la mañana, a las 12,00 horas, en el Museo Würth La Rioja, se celebrará el Concierto Didáctico para jóvenes estudiantes y el concierto de La Fundición Big Band, cantera de La Rioja Big Band, concierto dirigido a las familias. Y por la tarde, 20,00 horas, en la Sala Fundición la tradicional Jam Session podrá un año más el cierre a Riojazz. 

El recién creado sello discográfico Riojazz, que pretende dar voz a los músicos riojanos, no solo del mundo del jazz, sino también de otros estilos, como blues o funk, presenta este domingo su primer lanzamiento. A las 20.00 horas en la Sala Fundición de Logroño se podrá disfrutar del disco “Interiores” del guitarrista riojano Caco Santolaya.

En este trabajo, el segundo tras su CD en 2003, todos los temas están compuestos por el propio guitarrista, quien, en un ejercicio de introspección, muestra, a través de la música, un reflejo de ese mundo interior que todos vamos creando a lo largo de los años. En la grabación del mismo han participado los músicos riojanos Marcelo Escrich al contrabajo y Jorge Garrido a la batería, además del saxofonista navarro Alberto Arteta, quienes también cuenta con sus propios trabajos discográficos.

La grabación de “Interiores” se desarrolló durante el mes de agosto en la Escuela de Música Píccolo y Saxo con el técnico de sonido y productor, también riojano, David Garrido. Además, el diseño de la imagen del disco lo ha realizado el riojano afincado en Barcelona, Tito Inchaurralde, que cuenta con una amplia trayectoria profesional. El disco se puede adquirir en Escuela de Música Píccolo y Saxo, en Reloop Shop (calle San Juan), online a través de la página web riojazz.es y, por supuesto, en los conciertos.

Las entradas del concierto pueden adquirirse en la página web de la Sala Fundición https://salafundicion.es/event/caco-santolaya/. Cabe destacar que Riojazz celebrará la quinta edición de su semana de la cultura del jazz a principios de noviembre y este concierto será el preámbulo de los actos programados.

Buenas noticias para los amantes del jazz. El mítico Café Central gana tiempo y no cerrará este domingo: los dueños del negocio han encontrado un recoveco legal que, de forma inesperada, les permitirá prolongar su actividad al menos hasta final de año. Después de 40 años de historia, la propiedad del edificio decidió no renovarles el contrato y a mediados de verano anunciaron su clausura casi inminente, que iba a producirse este domingo 12 de octubre entre conciertos y eventos de despedida. Sin embargo, un giro de última hora alargará su estancia hasta 2026.

“Lo que en su momento fue una despedida a corto plazo, es ahora un adiós pospuesto”, expresaron desde el Café Central en una publicación de Instagram, donde se hacían eco de lo ocurrido –antes adelantado por El País– y atribuían a sus abogados el hallazgo de un “pequeño milagro temporal” en el plazo de las comunicaciones con las que se le notificó la expiración del contrato que permite extender un poco más su agenda musical. Su cierre se anunció poco después de la clausura de la Sala Barco en Malasaña, otro lugar de referencia para el género que se despidió por sorpresa también para acoger un tipo de negocio más rentable.

La especulación inmobiliaria y el alto precio de los alquileres en la zona donde se ubica, el entorno de la plaza de Santa Ana han forzado un cierre que deja huérfano al jazz en Madrid con la pérdida de uno de sus templos, un negocio abierto desde el año 1982, que ha celebrado más de 14.000 conciertos y por el que han pasado desde Tete Montoliu a Javier Krahe, pasando por muchas otras figuras de la música nacional y de fuera de nuestras fronteras.

Así que, para ellos, persistir un poco más es “un triunfo colectivo” que les permite “encarar el fin de año” en un lugar plagado de recuerdos. “Aprovecharemos este tiempo para seguiros ofreciendo noches inolvidables en ese ambiente único y lleno de magia. A pesar de este valioso respiro, nuestra máxima prioridad sigue siendo la misma: asegurar el futuro del Café Central en una nueva ubicación que esté a la altura de las veladas que hemos compartido”, destacaron desde el establecimiento.

Ahora, en su página web pueden leerse palabras de júbilo por la noticia e incluso ya aparecen carteles que anuncian nuevas programaciones para la segunda mitad de octubre. Si antes se anunciaban estos eventos como “conciertos de despedida”, los que se agendan a partir del día 13 ya se difunden como actuaciones “de resistencia”. A fecha de este lunes, en su calendario digital se visualizan nuevas funciones hasta final de mes.

Guillermo McGill, Pepe Rivero, Sheila Blanco, Federico Lechner, Fernando Egózcue, Betta Berodia, Joan Chamorro, Raúl Márquez, Èlia Bastida o Lluís Coloma serán algunos de los músicos que pondrán la guinda final a la historia del Café Central en este local del centro. “Seguiremos bailando”, sentencian desde sus redes.

La de Bersuit Vergarabat és una història d’improbables. No només pel seu nom estrany, que no significa res i ho significa tot, o per la mescla de cúmbia amb reggae, de rock i milonga, ska i murga amb què han aconseguit situar la seva música a les llistes d’èxits de l’Argentina mantenint sempre un peu a l’underground. Tampoc existeixen moltes bandes en actiu que acumulin quatre dècades de trajectòria ni es poden comptar per dotzenes les que hagin mantengut èxit, qualitat i reputació després de perdre el seu cantant principal. Aquests argentins ho van aconseguir quan Gustavo El Pelado Cordera va deixar el grup cap al 2009 i els dos coristes, Daniel Suárez i Germán Cóndor Sbarbati, van fer una passa endavant.

Es va consolidar aleshores l’esperit cooperatiu d’una banda que, tant de temps després, continua firmant, a mitges, composicions noves, desbordant energia als directes, esquitxant als bassals com el garrit que s’embruta l’uniforme camí de l’escola. Per pura diversió. I, sense deixar de riure, també moltíssima política. Juan Subirá, teclista i fundador, ho confirma durant una entrevista telefònica –respon des de Barcelona, hores abans d’un concert a la Sala Apolo– per parlar d’una gira que recorrerà Espanya durant les pròximes setmanes. Set dates de les quals dos són balears: dijous van actuar a Las Dalias, Eivissa, i la nit de divendres a Es Gremi, Palma.

Veniu a celebrar les noces de plata de Hijos del culo, que és fill de l’Argentina del 2000. Un moment clau en la història del país. Per això va marcar tant com perquè segueixi tan vigent?

És un gran disc: crec que el secret hi és aquí. Quan un convida a un passeig com aquest que és, d’alguna manera, endinsar-se en un disc tan important per a la nostra carrera, significa tornar enrere en el temps, ficar-se en l’època que recorren les cançons. Va ser molt emotiu quan el vam presentar fa dues setmanes a Buenos Aires, al Microestadio de Ferro [un pavelló amb capacitat per a 4.500 espectadors]; la gent s’ho va passar increïble, nosaltres també. No et diré que ens vam sorprendre, però va ser molt commovedor veure com es va gaudir. M’imagín que aquí passarà una cosa semblant.

Aquell àlbum durava una hora (ara pareixeria etern) perquè hi cabia de tot: protesta, reivindicació, denúncia, però sobretot, alegria. La majoria dels temes, fins i tot els més crus o nostàlgics, estan cantats i tocats des de la ironia, des del gaudi. Hijos del culo sembla dir-te quan l’escoltes: si el món s’acaba, gaudim. Va ser premeditat buscar un so més fosc que el de Libertinaje (1998), el vostre disc anterior, el primer que vau gravar amb Gustavo Santaolalla i que impulsa la vostra carrera?

Libertinaje va ser un disc tan potent i revulsiu que era difícil d’alguna manera poder seguir per aquest camí, redoblar l’aposta i fer una cosa encara més potent. Vam tenir la necessitat d’aprofundir en el panorama rioplatense: músiques i ritmes que sempre havíem tocat, però que vam poder aprofundir amb cançons com Toco y me voy, Negra murguera, Desconexión sideral, Grasún… Sempre hi ha un ventall estilístic molt gran a Bersuit i crec que a Hijos del culo es pot veure clarament.

'Libertinaj'e va ser un disc tan potent i revulsiu que era difícil d’alguna manera poder seguir en aquell camí, redoblar l’aposta i fer una cosa encara més potent

Juan Subirá — Teclista i fundador de Bersuit

Porteño de ley era, i continua sent, gairebé una declaració de la renda sentimental.

[riu] Sí, és clar, totalment: és un document d’identitat. Una mica d’ADN porteño en el seu més profund arrelament. El disc respira un gran aire d’argentinisme que es pot rastrejar.

L’alegria en aquests temps d’hiperconnexió i hiperconsum és gairebé un acte subversiu?

[pensa uns segons, deixa anar una petita rialla i contesta] És ver. Succeeix a molts països, però a l’Argentina passam moments molt difícils. En el vessant polític i en el vessant humà. El capitalisme s’ha assentat d’una manera que ha arribat una mica al salvatgisme. Només importa allò individual: almenys això és el que proposa el govern de Javier Milei, que és un govern altament destructiu. Davant d’això només queda oposar la sensibilitat i, com bé dius, l’alegria… “Perquè sense alegria és impossible lluitar”, això ho deien sempre les Madres de Plaza de Mayo. Sense alegria, caus: es necessita per manifestar-se i, també, per gaudir d’aquells moments de la vida més enllà dels contextos, que venen durs en aquests moments.

El capitalisme es va assentar d'una manera que ha arribat una mica al salvatgisme. Només importa l'individual: almenys això és el que proposa el govern de Javier Milei, que és un govern altament destructiu. Davant això només queda oposar la sensibilitat i l'alegria…

Juan Subirá — Teclista i fundador de Bersuit

Escalandrum ha passat per Mallorca i Eivissa fa només uns dies…

… que gran és Pipi Piazzolla: un bateria formidable i també aficionat de River, com jo [riu].

Si la Bersuit porta gairebé quatre dècades aprofundint en la barreja entre modernitat i arrel, ells, des de fa tres, connecten el tango i el folklore amb el jazz. Piazzolla, ja que l’esmentes, diu que la clau per durar tant és que els sis membres d’Escalandrum, abans d’escollir-se com a músics –i socis d’un projecte–, es van escollir com a amics. A la Bersuit us passa una mica el mateix? Els que formau el nucli original del grup us coneixeu des de la infància, oi?

Així és, així és. Tant en Carlitos [Martín], que és el bateria, com en Pepe Céspedes, que és el baixista, anaven a una escola primària del barri de Barracas, i al darrere d’aquesta escola, n’hi havia una altra, on anàvem n’Albertito [Verenzuela, guitarrista] –només que ell és quatre anys més jove que naltros– i jo. És a dir: en una illa de cases de Buenos Aires estàvem quatre dels futurs músics de la Bersuit. Ens ajuntàvem a jugar a ca meua al que podien jugar els boixos, amb els cotxets i aquestes coses. I, de sobte, quan teníem tretze anys vam començar a jugar a fer música. I dic jugar –en el terme més ample– perquè no teníem formació musical, no teníem instruments: tot va venir des d’un lloc completament lúdic, i de fantasia.

I per què la música, com a fil conductor, i no el circ, el carnaval o el teatre, que també teniu molt presents (en la construcció dels personatges de les cançons, en la posada en escena, amb els pijames del manicomi...)?

Somiar amb poder muntar un grup musical va ser una recerca una mica a cegues, però fixa’t què et dic: com que ja érem amics, el grup ja existia abans que cadascú triàs un instrument per tocar [riu]. Després, vam creuar el Riachuelo que separa el nostre barri d’Avellaneda i vam començar a freqüentar i assajar al Centre d’Arts, que també va ser essencial en els nostres inicis.

Somiar amb poder muntar un grup musical va ser una recerca una mica a les palpentes, però, fixa’t el que et dic, com que ja érem amics, el grup ja existia abans que cadascú triàs un instrument per tocar [riu]

Juan Subirá — Teclista i fundador de Bersuit

Ara que esmentes el barri d’Avellaneda: teniu diverses cançons que transpiren passió futbolera, però El Bocha, Ricardo Bochini, ídol de l’Independiente i de Maradona, i campió mundial el 86, és dels pocs futbolistes que anomeneu. Apareix a El baile de la gambeta.

Bé... és que al grup hi ha una mica de tot: gallinas [el sobrenom dels aficionats de River Plate], com jo, diversos que són de Boca, d’altres que, és clar, van amb l’Independiente...

Però tornem al vostre clic musical: qui va activar la bomba? Els ídols del rock argentí de finals dels setanta? Charly García a l’època de Serú Girán?

Spinetta, Lito Nebbia, Miguel Cantilo, Calamaro, Fito, ¿qué se yo?, León Giecco, Santaolalla… i també els del tango i el folklore. Naltros ens vam formar escoltant-los a tots. A aquella edat –dotze, tretze anys–, el meu pare ens va començar a portar a concerts, primer de jazz, però de mica en mica… Has esmentat Serú Girán: l’any 80 vaig anar a veure’ls quan presentaven La bicicleta, un dels seus discos, a l’Estadio Obras [Sanitarias]; tenia catorze anys. Realment, aquesta banda sempre està sustentada sobre ritmes nadius del nostre país. També anàvem a veure el Negro Rada perquè ens agradava molt la seua proposta, molt llatina, molt variada…

La influència uruguaiana és molt important en la vostra carrera. Hi ha agrupacions de murga, com Falta y Resto, que han gravat als vostres discos, igual que valtros vau ser els músics d’Andrés Calamaro a El regreso.

Moltíssim. Ens estimam molt la música de l’Uruguai: Zitarrosa, Biglietti, Jaime Roos, Leo Maslíah… Aquests artistes ens continuen donant molt i estan molt incrustats dins del que també hem anat construint amb el temps. El mateix ens passa amb la música del Brasil.

No quiero ser un incendiario servil panfletario / Ni ser la figurita de los proletarios (...) Si entre hermanos se pelean solo hay disolución/ Espacios regalados al gran depredador. Víctimas, el títol de la cançó que obre Cocoliche Life, el quinzè disc i fins ara últim disc de la Bersuit, és un pessic d’àvia al peronisme i a l’esquerra argentina en general?

Entenem que quan criticam qui ens està governant òbviament podem criticar les altres expressions perquè, bé, hi ha una necessitat que s’entén que, més enllà de la nostra postura ideològica, sempre és necessari continuar creixent i millorant la proposta. Per alguna cosa hem arribat al que tenim actualment: hi va haver altres fracassos anteriors i, malauradament, ens van portar al fet que una gran part de la població s’inclinàs per una proposta d’aquesta mena. Portam dos anys de govern i ara, a les últimes eleccions [les legislatives de la província de Buenos Aires], fa una setmana, van patir una derrota contundent. El poder li comença a dir [a Milei]: bé... així no anam enlloc.

Què és el cocoliche? Com l’hi explicaria a un lector gallego –en el sentit rioplatense del terme– algú que va néixer a prop del port de Buenos Aires a mitjans dels seixanta?

El cocoliche sempre s’ha parlat a Buenos Aires: era aquell argot que feien servir els italians poc després d’arribar a la ciutat i que, potser, van continuar parlant tota la vida. A la nostra infància era molt present i encara avui se segueix usant.

El cocoliche sempre s’ha parlat a Buenos Aires: era aquella jerga que feien servir els italians poc després d’arribar a la ciutat i que, potser, la van seguir parlant tota la vida. A la nostra infantesa era molt present i encara avui s’utilitza

Juan Subirá — Teclista i fundador de Bersuit

I està ple de dobles sentits: bagaye, de bagaglio, vol dir equipatge i, alhora, persona lletja. Facha, de faccia, cara i, alhora, persona maca. D’aquí venen birra, chau, mina, pibe, capo: paraules que us poden sonar més properes als espanyols o que fins i tot feim servir en castellà o, inclús, en català.

És una mescla d’italià amb castellà i, bé, a l’Argentina i principalment a Buenos Aires, aquesta influència és molt gran i profunda. En el meu cas, els dos avis per part de mare eren italians, però el meu avi patern era català. Just ahir, surt del metro i llegesc “Cereria Subirà”, una botiga de ciris molt gran d’aquí, de Barcelona [enganxada a la Catedral]. Aquesta mescla del cocoliche va més enllà del llenguatge i s’estén al cultural, fins i tot a la manera de vestir. Amb el títol del disc volíem transmetre això: som una gran barreja.

Per a part d’aquesta diàspora, els que se’n van anar als Estats Units o a Europa, sobretot a Espanya, sent adolescents, els discos de la Bersuit van ser un vincle amb tot el que quedava a l’altre costat de l’Atlàntic. Conec diversos casos així.

Lògicament, quan algú se’n va a viure a un altre lloc i perd part de la seua cultura –perd el barri, la manera de trobar-se i entendre’s– paga un preu. El desarrelament sempre és dolorós. A l’Argentina ho vam viure a la inversa durant el segle passat. Nomenava italians i espanyols, però hi van arribar persones de moltes altres nacionalitats. Aquesta nostàlgia es percep a la música; precisament en el tango hi ha molt d’aquesta pèrdua de la pàtria.

Lògicament, quan algú se’n va a viure a un altre lloc i perd part de la seva cultura –perd el barri, la manera de trobar-se i d’entendre’s– paga un preu. El desarrelament sempre és dolorós. A l’Argentina ho vam viure a la inversa durant el segle passat. Parlava d’italians i espanyols, però van arribar persones de moltes altres nacionalitats

Juan Subirá — Teclista i fundador de Bersuit

La diàspora argentina es calcula en gairebé dos milions de persones, però només a Barcelona n’hi ha 100.000. La colònia de les Illes Balears també és molt important: són 35.000, els segons de la llista: per sota dels colombians i per sobre dels marroquins. Com es viu en un país que té tants compatriotes repartits pel món?

I… és, diguem-ne, una mica estrany trobar-te amb tants compatriotes que se n’han anat en les darreres dècades, però alhora hi ha com una contenció perquè és molt polit, per a mi, retrobar-me amb amics que viuen aquí [Espanya], en diferents llocs del país, perquè tots formen part de la teua vida. Hi ha un punt positiu: crec que aquella estampida de compatriotes ens ajuda a ampliar la visió que els argentins teníem del món; potser necessitàvem conèixer una mica més el món per créixer com a poble. Entenc, a més, els que se’n van anar perquè entenc les seues necessitats, que poden venir de llocs diferents.

Les necessitats no són només econòmiques?

Tenc una amiga que tan bon punt va començar el govern de Milei se’n va venir a Madrid perquè es va sentir perseguida. D’alguna manera la van pressionar per la seua militància. Tenia necessitat de canviar d’aires i buscar-se la vida en altres llocs on es pugui sentir més còmoda i més feliç. És periodista.

Has mencionat, sense preguntes pel mig, Milei dues vegades. És inevitable que vos preguntin pel president. Fa deu anys, quan governava Macri, ja passava el mateix. La comparació amb Menem és evident: als tres els uneix una visió ultraliberal de l’economia i, també, la censura. El macrisme va prohibir a les escoles de Buenos Aires El Eternauta, un còmic que molts hem descobert enguany gràcies a la sèrie protagonitzada per Ricardo Darín, i el menemisme va intentar evitar que sonés a les ràdios Sr. Cobranza, una cançó que continua sent controvertida: el traper Dillom està imputat per “incitar a la violència” per haver adaptat la lletra (on mencionava el ministre d’Economia de Menem –Domingo Cavallo– esmenta el de Milei –Luis Caputo–) i cantar-la al Cosquín Rock de l’any passat, un dels festivals més grans de l’Argentina. Torna a haver-hi censura al vostre país?

El govern actual s’ha encarregat de fer-ho saber a alguns artistes als quals va agredir verbalment. Per exemple, Lali Espósito o María Becerra. No és fàcil per a cap artista sentir-se atacat d’aquesta manera: hi ha una diferència de poder enorme. Alguns planten cara i l’enfronten. Però aquest fantasma hi és implícit: hi ha molta agressió a través de les xarxes socials, una cosa relativament nova per a molts de nosaltres. És un submón de gent coneguda o desconeguda, saps?, que s’encarrega de fer arribar aquests missatges.

No és fàcil per a cap artista sentir-se atacat d’aquesta manera: hi ha una diferència de poder enorme. Alguns s’hi planten i ho enfronten. Però aquest fantasma està implícit: hi ha molta agressió a través de les xarxes socials, una cosa relativament nova per a molts de nosaltres

Juan Subirá — Teclista i fundador de Bersuit

A la generació Z se l’associa amb l’individualisme extrem, l’egoisme, l’apatia, la fragmentació, la dispersió i la immediatesa. Lali Espósito és del 91, però María Becerra i Dillom van néixer l’any 2000: eren nadons quan el Govern de la Rúa es va enfonsar enmig del pànic bancari i les protestes al carrer. Entre els tres artistes que has mencionat sumen gairebé 200 milions de seguidors a Instagram i estan enfrontats amb el Govern Milei. Veus esperança que els joves s’adonin que la llibertat no és un dret vitalici?

El Govern ataca l’art en general perquè també ho fa amb el cinema i la resta d’expressions, però posa un interès especial a la música perquè sap de la seva capacitat d’arribada i que hi ha un focus de resistència molt gran aquí. Per alguna cosa es va encarregar d’atacar directament molts d’aquests músics i músiques. Aquests jóvens tenen un discurs molt potent i estan capacitats per, amb les seves eines, enfrontar-se a un govern que té aquest biaix dictatorial, si bé va ser elegit democràticament.

A més dels intents de censura, la intrahistòria de Sr. Cobranza té teca. El tema era de Las Manos de Filippi, un grup molt cumbiero, que us el va cedir a canvi que Universal, el vostre segell d’aleshores, els signés un contracte per gravar el seu primer disc, que no es va promocionar, mentre la Bersuit convertia la cançó en un gran èxit. Es van sentir enganyats. Tornar-la a gravar junts, ara que es compleixen trenta anys de la seva composició, ha tancat una ferida?

Per a mi, sí. Quan vam començar a parlar a principis d’aquest any amb El Cabra [el sobrenom d’Hernán de Vega, líder de Las Manos de Filippi] per fer una nova versió unificada, em vaig sentir com si estiguéssim unificant una corona, saps? [riu] Una mica, en el rerefons, hi havia la idea de tancar una disputa que no té gaire sentit. La cançó la va compondre ell fa moltíssims anys, continua sent tan bona com quan va néixer i nosaltres la vam agafar en aquell moment, la vam versionar, i realment en vam fer una versió molt bona perquè El Cabra ens deia: “Jo vull fer la versió de vosaltres perquè, aquesta, és la que finalment s’ha imposat”. Però vam fer, amb aquella estructura, una de nova.

Heu passat del hardcore a la salsa. La lletra continua sense deixar canya dreta, però la música convida a ballar.

Aquesta combinació a la música sempre ha existit. Els brasilers ho saben fer molt bé: tenen ritmes contagiosos i ballables quan a vegades el que explica la lletra és terrible.

La de la Bersuit Vergarabat es una historia de improbables. No sólo por su extraño nombre, que no significa nada y significa todo, o por la mezcla de cumbia con reggae, de rock y milonga, ska y murga con la que han conseguido colocar a su música en las listas de éxitos de Argentina manteniendo siempre un pie en el underground. Ni existen muchas bandas en activo que acumulen cuatro décadas de trayectoria ni tampoco se cuentan por docenas las que hayan mantenido éxito, calidad y reputación tras perder a su cantante principal. Estos argentinos lo consiguieron cuando Gustavo El Pelado Cordera se marchó del grupo allá por 2009 y los dos coristas, Daniel Suárez y Germán Cóndor Sbarbati dieron un pase al frente.

Se consolidó entonces el espíritu cooperativo de una banda que, tanto tiempo después, sigue firmando, a pachas, composiciones nuevas, derrochando energía en sus directos, chapoteando en los charcos como el niño que se mancha el uniforme camino de la escuela. Por pura diversión. Y, sin dejar de reír, también muchísimo de política. Juan Subirá, teclista y fundador, lo confirma durante una entrevista telefónica –descuelga desde Barcelona, horas antes de un concierto en la Sala Apolo– para hablar de una gira que recorrerá España durante las próximas semanas. Siete fechas de las que dos son baleares: el jueves actuaron en Las Dalias, Eivissa, y la noche del viernes en Es Gremi, Palma.

Venís a celebrar las bodas de plata de Hijos del culo, que es hijo de la Argentina del 2000. Un momento clave en la historia del país. ¿Por eso marcó tanto como para que siga tan vigente?

Es un gran disco: creo que el secreto está ahí. Cuando uno invita a un paseo como este que es, de alguna manera, adentrarse en un disco tan importante para nuestra carrera significa volver atrás en el tiempo, meterse en la época que recorren las canciones. Fue muy emotivo cuando lo presentamos hace dos semanas en Buenos Aires, en el Microestadio de Ferro [un pabellón con capacidad para 4.500 espectadores]; la gente la pasó increíble, nosotros también. No te voy a decir que nos sorprendimos, pero fue muy conmovedor cómo se disfrutó. Me imagino que acá va a suceder algo parecido.

Ese álbum duraba una hora (ahora parecería largo) porque cabía de todo: protesta, reivindicación, denuncia, pero sobre todo, alegría. La mayoría de los temas, incluso los más crudos o nostálgicos, están cantados y tocados desde la ironía, desde el disfrute. Hijos del culo parece decirte cuando lo escuchas: si el mundo se acaba, gocemos. ¿Fue premeditado buscar un sonido más oscuro que el de Libertinaje (1998), vuestro disco anterior, el primero que grabáis con Gustavo Santaolalla e impulsa vuestra carrera?

Libertinaje fue un disco tan potente y revulsivo que era difícil de alguna manera poder seguir en ese camino, redoblar la apuesta y hacer algo más potente todavía. Tuvimos la necesidad de ahondar en el panorama rioplatense: músicas y ritmos que siempre habíamos tocado, pero pudimos profundizar con canciones como Toco y me voy, Negra murguera, Desconexión sideral, Grasún… Hay siempre un abanico estilístico muy grande en Bersuit y creo que en Hijos del culo se puede ver claramente.

'Libertinaje' fue un disco tan potente y revulsivo que era difícil de alguna manera poder seguir en ese camino, redoblar la apuesta y hacer algo más potente todavía

Juan Subirá — Teclista y fundador de Bersuit

Porteño de ley era, y sigue siendo, casi una declaración de la renta sentimental.

[Ríe] Sí, claro, totalmente: es una cédula de identidad. Un poco de ADN porteño en su más profundo acervo. El disco respira un gran aire de argentinidad que se puede rastrear.

¿La alegría en estos tiempos de híper conexión e híper consumo es casi un acto subversivo?

[Piensa unos segundos, suelta una pequeña carcajada y contesta] La verdad que sí. Ocurre en muchos países, pero en Argentina pasamos momentos muy difíciles. En lo político y en lo humano. El capitalismo se asentó de una manera que ha llegado un poco al salvajismo. Sólo importa lo individual: por lo menos eso es lo que propone el gobierno de Javier Milei, que es un gobierno altamente destructivo. Ante eso sólo queda oponer la sensibilidad y, como bien dices, la alegría… “Porque sin alegría es imposible luchar”, eso lo decían siempre las Madres de Plaza de Mayo. Sin alegría, te venís abajo: se necesita para manifestarse y, también, para disfrutar de esos momentos de la vida más allá de los contextos, que vienen duros en estos momentos.

El capitalismo se asentó de una manera que ha llegado un poco al salvajismo. Sólo importa lo individual: por lo menos eso es lo que propone el gobierno de Javier Milei, que es un gobierno altamente destructivo. Ante eso sólo queda oponer la sensibilidad y la alegría…

Juan Subirá — Teclista y fundador de Bersuit

Escalandrum ha pasado por Mallorca y Eivissa hace apenas unos días…

… qué grande es Pipi Piazzolla: un baterista formidable y también hincha de River, como yo [ríe]

Si la Bersuit lleva casi cuatro décadas profundizando en la mezcla entre modernidad y raíz, ellos, desde hace tres, conectan el tango y el folclore con el jazz. Piazzolla, ya que lo nombras, dice que la clave para durar tanto es que los seis miembros de Escalandrum, antes de elegirse como músicos –y socios de un proyecto–, se eligieron como amigos. ¿A la Bersuit le pasa un poco lo mismo? ¿Los que formáis el núcleo original del grupo os conocéis desde la infancia, verdad?

Así es, así es. Tanto Carlitos [Martín], que es el baterista, como Pepe Céspedes, que es el bajista, iban a una escuela primaria del barrio de Barracas, y a la vuelta de esa escuela, había otra, donde íbamos Albertito [Verenzuela, guitarrista] –sólo que él es cuatro años más chico que nosotros– y yo. Es decir: en una manzana de Buenos Aires estábamos cuatro de los futuros músicos de la Bersuit. Nos juntábamos a jugar en mi casa a lo que podían jugar los niños, con los autitos y esas cosas. Y, de repente, cuando teníamos trece años empezamos a jugar a hacer música. Y digo jugar –en el término más amplio– porque no teníamos formación musical, no teníamos instrumentos: todo vino desde un lugar completamente lúdico, y de fantasía.

¿Y por qué la música, como hilo conductor, y no el circo, el carnaval, o el teatro, que también tenéis muy presentes (en la construcción de los personajes de las canciones, en la puesta en escena, con los pijamas del loquero...)?

Soñar con poder armar un grupo musical fue una búsqueda un poco a ciegas, pero, fijate lo que te digo, como éramos amigos ya existía el grupo antes de que cada uno eligiera un instrumento para tocar [ríe]. Luego, cruzamos el riachuelo que separa nuestro barrio de Avellaneda y empezamos a frecuentar y a ensayar en el Centro de Artes, que también fue esencial en nuestros inicios.

Soñar con poder armar un grupo musical fue una búsqueda un poco a ciegas, pero, fijate lo que te digo, como éramos amigos ya existía el grupo antes de que cada uno eligiera un instrumento para tocar [ríe]

Juan Subirá — Teclista y fundador de Bersuit

Ahora que mencionas el barrio de Avellaneda: tenéis varias canciones que transpiran pasión futbolera, pero El Bocha, Ricardo Bochini, ídolo de Independiente y de Maradona, y campeón mundial en el 86, es de los pocos futbolistas a los que nombráis. Aparece en El baile de la gambeta.

Bueno... es que en el grupo hay un poco de todo: gallinas [el sobrenombre de los aficionados de River Plate], como yo, varios que son de Boca, otros que, claro, le van a Independiente...

Pero volvamos a vuestro clic musical: ¿quién activó la bomba? ¿Los ídolos del rock argentino de finales de los setenta? ¿Charly García en su época de Seru Girán?

Spinetta, Lito Nebbia, Miguel Cantilo, Calamaro, Fito, ¿qué se yo?, León Giecco, Santaolalla… y también los del tango y el folclore. Nosotros nos formamos escuchándolos a todos. Con esa edad –doce, trece años–, mi papá nos empezó a llevar a conciertos, primero de jazz, pero de a poquito, Nombraste a Seru Girán: en el año 80 me fui a verlos cuando presentaron La bicicleta, uno de sus discos, en el Estadio Obras [Sanitarias]; tenía catorce. Realmente, esta banda siempre está sustentada sobre ritmos nativos de nuestro país. También íbamos a ver al Negro Rada porque nos gustaba mucho su propuesta, muy latino, muy variado…

La influencia uruguaya es muy importante en vuestra carrera. Hay agrupaciones de murga, como Falta y Resto, que han grabado en vuestros discos, igual que vosotros fuisteis los músicos de Andrés Calamaro en El regreso.

Muchísimo. Amamos mucho la música del Uruguay: Zitarrosa, Biglietti, Jaime Ros, Leo Maslíah… Esos artistas nos siguen dando mucho y están muy incrustados dentro de lo que fuimos armando también con el tiempo. Lo mismo nos ocurre con la música del Brasil.

No quiero ser un incendiario servil panfletario / Ni ser la figurita de los proletarios (...) Si entre hermanos se pelean solo hay disolución / Espacios regalados al gran depredador. Víctimas, el título de la canción que abre Cocoliche Life, el decimoquinto disco y hasta ahora último disco de la Bersuit, ¿es un pellizco de abuela al peronismo y a la izquierda argentina en general?

Entendemos que cuando criticamos a quien nos está gobernando obviamente podemos criticar a las otras expresiones porque, bueno, hay una necesidad que se entiende que más allá de nuestra postura ideológica siempre es necesario seguir creciendo y mejorando la propuesta. Por algo llegamos a lo que tenemos actualmente: hubo otros fracasos anteriores y desgraciadamente nos llevaron a que una gran parte de la población se inclinó por una propuesta de esta clase. Llevamos dos años de gobierno y ahora, en la última elección [las legislativas de la provincia de Buenos Aires], hace una semana, sufrieron una derrota contundente. El poder le está empezando a decir [a Milei]: bueno… así no va más.

¿Qué es el cocoliche? ¿Cómo se lo explicaría a un lector gallego –en el sentido rioplatense del término– alguien que nació cerca del puerto de Buenos Aires a mediados de los sesenta?

El cocoliche siempre se habló en Buenos Aires: era esa jerga que usaban los italianos al poco de llegar a la ciudad que, por ahí, lo siguieron hablando toda la vida. En nuestra infancia estaba muy presente y todavía se sigue usando.

El cocoliche siempre se habló en Buenos Aires: era esa jerga que usaban los italianos al poco de llegar a la ciudad que, por ahí, lo siguieron hablando toda la vida. En nuestra infancia estaba muy presente y todavía se sigue usando

Juan Subirá — Teclista y fundador de Bersuit

Y está lleno de dobles sentidos: bagaye, de bagaglio, significa equipaje y, a la vez, persona fea. Facha, de faccia, cara y, a la vez, persona bella. De ahí vienen birra, chau, birra, mina, pibe, capo: palabras que no son más cercanas a los españoles o que incluso utilizamos.

Es una mezcla de italiano con español y, bueno, en Argentina y, principalmente en Buenos Aires, esa influencia es muy grande y profunda. En mi caso, los dos abuelos por parte de mi madre eran italianos, pero mi abuelo paterno era catalán. Justo ayer, me bajo del subte y leo “Cereria Subirà”, una tienda de velas muy grande de acá, de Barcelona [pegada a la Catedral]. Esa mezcolanza del cocoliche va más allá del lenguaje y se lleva a lo cultural, hasta a la forma de vestir. Con el título del disco queríamos transmitir eso: somos una gran mezcla.

Para parte de esa diáspora, los que se fueron, a Estados Unidos o a Europa, sobre todo a España, siendo adolescentes, los discos que la Bersuit fueron un vínculo con todo lo que se quedaba al otro lado del Atlántico. Conozco varios casos así.

Lógicamente, cuando uno se va a vivir a otro lado y pierde parte de su cultura –pierde el barrio, la forma de encontrarse y entenderse– paga un precio. El desarraigo siempre es doloroso. En Argentina lo vivimos a la inversa durante el siglo pasado. Nombraba a italianos y españoles, pero llegaron personas de muchas otras nacionalidades. Esa nostalgia se siente en la música, precisamente en el tango hay mucho de esa pérdida de la patria.

Lógicamente, cuando uno se va a vivir a otro lado y pierde parte de su cultura –pierde el barrio, la forma de encontrarse y entenderse– paga un precio. El desarraigo siempre es doloroso. En Argentina lo vivimos a la inversa durante el siglo pasado. Nombraba a italianos y españoles, pero llegaron personas de muchas otras nacionalidades

Juan Subirá — Teclista y fundador de Bersuit

La diáspora argentina se calcula en casi dos millones de personas, pero sólo en Barcelona hay 100.000. La colonia de las Illes Balears también es muy importante: son 35.000, los segundos en la lista: por debajo de los colombianos y por encima de los marroquíes. ¿Cómo se vive en un país que tiene tantos compatriotas repartidos por el mundo?

Y… es bastante, digamos, un poco raro encontrarse con tantos compatriotas que se fueron en las últimas décadas, pero a la vez hay como una contención porque es muy lindo, para mí, encontrarme con amigos que viven aquí [España], en diferentes lugares del país, porque son todos parte de tu vida. Hay un punto positivo: creo que esa estampida de compatriotas nos ayuda a ampliar la visión que los argentinos teníamos del mundo; tal vez necesitamos conocer un poco más el mundo para crecer como pueblo. Entiendo, además, a los que se fueron porque entiendo sus necesidades, que pueden venir de diferentes lugares.

¿Las necesidades no son sólo económicas?

Tengo una amiga que no bien comenzó el gobierno de Milei se vino a Madrid porque se sintió perseguida. De alguna manera la presionaron por su militancia. Tenía necesidad de cambiar de aires y buscarse la vida en otros lugares donde se pueda sentir más cómoda y más feliz. Es periodista.

Has mencionado, sin preguntas de por medio, a Milei dos veces. Es inevitable que os pregunten por el presidente. Hace diez años, cuando gobernaba Macri, ya ocurría lo mismo. La comparación con Menem es evidente: a los tres les une una visión ultraliberal de la economía y, también, la censura. El macrismo prohibió de las escuelas bonaerenses El eternauta, un cómic que muchos hemos descubierto este año gracias a la serie protagonizada por Ricardo Darín y el menemismo intentó evitar que se pasara por las radios Sr. Cobranza, una canción que sigue siendo controvertida: el trapero Dillom está imputado por “incitar a la violencia” al haber adaptado la letra (donde mencionaba al ministro de Economía de Menem –Domingo Cavallo– menciona al de Milei –Luis Caputo–) y cantarla en el Cosquín Rock del año pasado, uno de los festivales más grandes de Argentina. ¿Vuelve a haber censura en vuestro país?

El gobierno actual se ha encargado de hacérselo saber a algunos artistas a los que agredió verbalmente. Por ejemplo, Lali Espósito o María Becerra. No es fácil para ningún artista sentirse atacado de esa forma: hay una diferencia de poder enorme. Algunos se plantan y lo enfrentan. Pero ese fantasma está implícito: hay mucha agresión a través de las redes sociales, algo relativamente nuevo para muchos de nosotros. Es un submundo de gente conocida o desconocida, viste, que se encarga de hacer llegar esos mensajes.

No es fácil para ningún artista sentirse atacado de esa forma: hay una diferencia de poder enorme. Algunos se plantan y lo enfrentan. Pero ese fantasma está implícito: hay mucha agresión a través de las redes sociales, algo relativamente nuevo para muchos de nosotros

Juan Subirá — Teclista y fundador de Bersuit

A la generación Z se la asocia al individualismo extremo, al egoísmo, la apatía, a la fragmentación, la dispersión y lo inmediato. Lali Espósito es del 91, pero María Becerra y Dillom nacieron en el 2000: eran bebés cuando el Gobierno de la Rúa se derrumbó en medio del pánico bancario y las protestas callejeras. Entre los tres artistas que has mencionado suman casi 200 millones de seguidores en Instagram y están enfrentados con el Gobierno Milei. ¿Ves esperanza en que los jóvenes se den cuenta de que la libertad no es un derecho vitalicio?

El Gobierno ataca al arte en general porque también lo hacen con el cine y el resto de expresiones, pero le pone especial interés a la música porque sabe de su capacidad de llegada y que hay un foco de resistencia muy grande ahí. Por algo se encargó de atacar directamente a muchos de estos músicos y músicas. Esos jóvenes tienen un discurso muy potente y están capacitados para, con sus herramientas, enfrentarse a un gobierno que tiene ese sesgo dictatorial, si bien fue elegido democráticamente.

Además de los intentos de censura, la intrahistoria de Sr. Cobranza tiene miga. El tema era de Las Manos de Filippi, un grupo muy cumbiero, que os lo cedió a cambio de que Universal, vuestro sello entonces, les firmara un contrato para grabar su primer disco, que no se promocionó, mientras la Bersuit convirtió la canción en un exitazo. Se sintieron engañados. ¿Regrabarla juntos, ahora que se cumplen treinta años de su composición, ha cerrado una herida?

Para mí, sí. Cuando empezamos a hablar a principios de este año con El Cabra [el sobrenombre de Hernán de Vega, líder de Las Manos de Filippi] para hacer una nueva versión unificada me sentí como si estuviéramos unificando una corona, ¿viste? [ríe] Un poco, en el trasfondo, estaba la idea de cerrar una disputa que no tiene mucho sentido. La canción la compuso él hace muchísimos años, sigue siendo tan buena como cuando nació y nosotros la tomamos en aquel momento, la versionamos, y realmente hicimos una versión muy buena porque El Cabra nos decía: “Yo quiero hacer la versión de ustedes porque, este, es la que finalmente se impuso”. Pero hicimos, con esa estructura, una nueva.

Habéis pasado del hardcore a la salsa. La letra sigue sin dejar títere con cabeza, pero la música invita al baile.

Esa combinación en la música siempre existió. Los brasileños saben hacerlo muy bien: tiene ritmos contagiosos y bailables cuando a veces lo que cuenta la letra es terrible.

Con motivo del festival Banyalbujazz, que este año ha querido volver a su lugar de origen, el pasado jueves Sa Baronia volvió a ser el corazón sonoro de Banyalbufar. La Serra de Tramuntana escoltaba su claustro con una brisa suave mientras el sol, ya en retirada, se colaba delicadamente por los huecos que podía. Allí, en ese marco cargado de memoria y belleza, el proyecto Bradicàrdia —liderado por el saxofonista mallorquín Carles Medina— convirtió el recinto en un espacio suspendido en el tiempo. Durante algo más de hora y media, los relojes quedaron en silencio y fue la música la que marcó el nuevo compás, lento y casi meditativo. No es casual: el cuarteto, que bebe de referentes como Paul Motion o Joe Lovano, toma su nombre de un término médico que designa una frecuencia cardíaca inferior a lo habitual, siendo un detalle no gratuito, ya que su sonido también respira a ritmo sereno e introspectivo.

Así comenzó el viaje de jazz: Carles Medina, en un estado de éxtasis contemplativo, movía la cabeza lentamente de lado a lado, embelesado ante el trazo profundo del contrabajo de Martín Leiton, su antiguo profesor en Barcelona. No se trataba solo de una sustitución (al habitual Marko Lohikari): era un reencuentro entre generadores de sonido cuyo punto en común es la música, su tiempo de aprendizaje e intercambio musical en la ciudad condal. Bradicàrdia —que también se compone de Joan Torné (batería) y Tomeu Garcías (trombón) y con piezas como De sal o Cant — sonó junto a versiones reinventadas de clásicos del jazz en una noche que fue de culto. El trabajo fue grabado en el año 2024 en Mallorca y editado en cassette, en homenaje a la infancia de Medina y a uno de sus coches que todavía se resiste al paso del tiempo.

Con vista cenital

A unos ocho metros de altura sobre el escenario, y desde un puente medieval de arco de medio punto, cuatro ojos capturaban con una cámara de fotos la escena musical. Mientras, abajo en el patio, un niño gritaba de forma intermitente su llanto. Pero aquella melodía abrupta no interrumpía el hechizo: lo complementaba. Como dijo Carles Medina tras el concierto: “Esa escena, con jazz pausado, la puesta de sol y el niño llorando, me inspiró durante la noche al ser todo parte de ese momento”. Y llevó la voz de su saxofón hacia una dedicatoria cargada de sentido: “A Palestina y a toda la gente que lo está pasando mal en el mundo”.

De entre el público, un hombre de unos cuarenta años lucía una camiseta con la bandera palestina y letras en árabe, un mensaje directo, sin intermediarios ni sandías (símbolo del apoyo a Palestina). Ese gesto se fusionó con la música, como si arte y compromiso nacieran de la misma melodía. El espacio estuvo completado con dos rincones: uno con vino de la variedad autóctona malvasía y otro con cerveza Món, producida en Sineu por Alfonso Muñoz, un madrileño ya mallorquín y muy entrañable.

De entre el público, un hombre de unos cuarenta años lucía una camiseta con la bandera palestina y letras en árabe, un mensaje directo, sin intermediarios ni sandías (símbolo del apoyo a Palestina). Ese gesto se fusionó con la música, como si arte y compromiso nacieran de la misma melodía

Mientras la música fluía, Sa Baronia, propiedad de la familia Amorós, desplegaba su herencia en la sombra: escudos heráldicos labrados en capiteles, la bodega centenaria con bóveda de arista, la torre que ha vigilado el mar desde el siglo XIII. Cabe recordar que familias con pedigrí como los Torrella, los Lloscos o los Zaforteza habían dejado su huella aquí, así como la fama de su variedad de uva malvasía en tiempos del legendario General Cotoner, que la condujo a premios internacionales.

Allí, aunque no presentes, también flotaba el eco de figuras culturales como Carme Riera, una habitual de los muros de Sa Baronia y cuyo su discurso de ingreso en la RAE describió su isla como “un lugar parecido a la felicidad”. Junto a ella, la presencia intangible de Carme Pinós, íntima de la propiedad: su pensamiento arquitectónico también gravita en ese entorno donde la cultura, ya sea en forma de palabra, música o arte, siempre late.

Un cartel anclado a la tierra, sin humo ni nocturnidad

El cartel del Banyalbujazz 2025 lleva la firma del dibujante mallorquín Pere Joan, autor de sólida trayectoria y mirada aguda. Al recibir el encargo, lo primero que le llamó la atención fue el anclaje visual de los carteles de años anteriores: todos parecían atrapados en la estética del jazz de los años treinta, cuarenta o cincuenta del siglo pasado, como si este lenguaje musical no hubiera evolucionado, como si el jazz aún viviera encerrado en clubes oscuros, con humo y luz tenue, siempre de noche. Frente a esa imagen congelada, Pere Joan propuso lo contrario: un cartel que respirara naturaleza y contemporaneidad.

Inspirado por los escenarios abiertos del festival —el Port des Canonge y el claustro de Sa Baronia, ambos rodeados o definidos por su verticalidad y la omnipresencia del paisaje—, el artista quiso fundir música y entorno. Así surgió una imagen en la que los instrumentos se transformaran en cuerpos orgánicos, con acabados vegetales: un micrófono que se prolonga como una falange para acabar en flor o espinas que brotan como pequeñas defensas naturales. Todo esto dialoga con uno de los elementos más representativos del paisaje de Banyalbufar: las marjades, esas terrazas agrícolas construidas con piedra seca que escalonan la montaña y han sido clave en la vida rural mallorquina.

“El jazz aquí no sucede bajo techos bajos ni con humo, sino entre vegetación y piedra viva”, añade Pere Joan, quien se describe con ironía como un “falso neorural”, un urbanita con vistas al mar con sentido del humor agudo y cálido y que convive con una idea clara: “Hoy todos quieren llegar a los sitios en línea recta… pero para venir aquí hay que trazar curvas. Y eso nos protege; nos separa del mundo”.

La medición de un festival

Con un presupuesto de 12.000 euros, subvencionado en su totalidad por el Consell de Mallorca y a repartir entre artistas, montaje y sonido, el Banyalbujazz 2025 vuelve a demostrar que el verdadero valor de un festival no se mide en cifras, sino en sensibilidad artística, coherencia y paisaje. En palabras de Francesca Iuculano, regidora de Medio Ambiente, Igualdad y Fiestas del Ayuntamiento de Banyalbufar: “Intentamos siempre que el cartel tenga una presencia femenina en equilibrio con la masculina, así como con una visión intercultural real”, una apuesta que da forma a una programación diversa y comprometida.

La siguiente cita del festival es el 7 de agosto y estará protagonizada por Tria, una formación peninsular integrada por tres músicos de procedencias dispares que confluyen en la música antigua, el folk ibérico, el balfolk y el jazz contemporáneo. Su primer disco, grabado en Santa Eugènia de Relat (Catalunya), ofrece once piezas que hablan de vínculos, territorio, emoción y resistencia cultural. Mientras, el 21 de agosto (reprogramado del 24 de julio por meteorología adversa), tendrá lugar el proyecto de jazz contemporáneo de la mallorquina Aina Tramullas, Miscel·lània, en el Port des Canonge con un repertorio donde la voz se convertirá en raíz y en vuelo.

El festival concluirá el 14 de agosto con la actuación de Triopiniquim, un trío brasileño que promete cerrar el ciclo en Sa Baronia con una mezcla sabrosísima de forró, samba y choro condimentada con improvisaciones jazzísticas. Una fiesta mestiza de ritmo y calidez tropical, pensada para bailar y dejarse llevar por el aire templado de la Tramuntana.

Aquella noche en Sa Baronia, el jazz no fue solo ritmo: fue pulsación humana. Entre murallas ancestrales y brisas de sal, aprendimos que bajar las revoluciones y la vorágine a la que estamos acostumbrados últimamente permite descubrir lo esencial. Que el llanto de un niño puede fundirse con la música; que una bandera simple puede ser un acto de solidaridad, y que la Bradicàrdia —cuando se practica con intención— revela un instante como una eternidad compartida, sobre todo si se hace, como dijo Joan Vives, concejal de Cultura, en “el lugar más propicio para hacer un concierto”.

Alguien a quien le interesen los coches más allá de su sentido utilitario, podría preguntarse qué se siente conduciendo un Ferrari o un Lamborghini, epítome del desarrollo automovilístico y de la perfección automotriz. La comparación viene a cuento porque lo que ayer pudo contemplarse y escucharse en el Gran Teatre del Liceu durante la representación del musical West Side Story –en la versión de concierto sinfónico que el autor de la partitura, Leonard Bernstein, arregló para una grabación histórica en 1984– seguramente debe ser lo más cercano que muchos estaremos de sentirnos frente a un Ferrari musical del que podemos disfrutar en todas sus facetas.

Hablamos de una conducción –de la orquesta del Liceu– tan acelerada, y temeraria, como perfecta y virtuosa por parte de Gustavo Dudamel, genio y agitador incondicional desde su entusiasmo tropical; también de un elenco interpretativo en el que la fluidez y altura vocal, la teatralidad y en general la luz que irradia la soprano Nadine Sierra en su papel de María, pone la guinda a un pastel que sostiene la voz perfecta y ponderada del tenor peruano Juan Diego Flórez, que hace de Tony, junto al resto del reparto.

Lo de Sierra, la gran voz femenina de los últimos años a nivel mundial, es impresionante; tanto por la facilidad para alcanzar las notas más difíciles como para dotar a su canto de una coloratura que, aunque a veces innecesaria, da fe de su gran talento. A su vez, Juan Diego Flórez, sabiendo bajar al nivel de la canción popular, puso con su voz madura y aterciopelada el aposento a la fuerza superior, y un tanto excesiva, de Sierra y Dudamel. Y, por si fuera poco, con estas tres estrellas del firmamento musical clásico, cabe añadir una ejecución orquestal perfecta, que acompañó en todo momento a los frenéticos gestos de un Dudamel desatado.

También destacar un coro del Liceu que supo dar a sus intervenciones el fuego vocal latino que exige la obra, algo que tal vez pueda sonar impostado con coros de otras latitudes, pero que en este caso se antojó natural. Y, por supuesto, sobresalientes los secundarios de lujo, que fueron interpretados por el barítono estadounidense Jarred Ott en el papel del pandillero Riff; la mezzo también estadounidense Isabel Leonard en el papel de Anita, novia de Bernardo; el baritono serbio Milan Persic como Bernardo; Pau Camero como A-RAb o Cristófol Romaguera como Baby John. Y junto ellos Montserrat Seró, Laura Brasó, Tànit Bono, Guillem Batllori, Nauset Valerón o Dimitar Darlev.

Estuvieron todas y todos al nivel de la ocasión, sosteniendo con excelencia las escenas entre las arias y duetos del dúo protagonista que sobrevivieron a la versión orquestada de Bernstein. Y a todo ello hay que sumar la gran sorpresa de la noche, ya que para cantar el tema Somewhere, el más icónico y versionado de todo el musical, apareció la soprano estadounidense Sondra Radvanovsky, que acredita una larga relación musical con el Liceu (Aida, Tosca y Norma). La Radvanovsky no estaba anunciada, pero rindió al público con su voz llena de morbidez, que le dedicó buena parte de los aplausos finales.

Vuelta de tuerca latina a Bernstein

Esta crónica podría terminar con los cinco párrafos anteriores y, a pesar de dar los datos principales sobre lo sucedido ayer en el gran Teatre del Liceu, no explicaría más que una parte de la historia que acarrea la versión sinfónica de West Side Story que su creador musical –que no el único, puesto que cabría incluir al coreógrafo Jerome Robbins y el letrista Stephen Sondheim en la confección del musical que se estrenó a principios de los años 50 en Broadway– concibió más de 30 años después de su estreno como musical –en 1984– para una grabación histórica para Deustche Grammophon.

Bernstein suprimió entonces muchas de las partes dialogadas y dotó a la partitura de un mayor empaque sinfónico, haciendo hincapié en los arreglos más expresionistas en detrimento del ambiente más jazzístico de la obra original para teatro, la misma que triunfó en el cine en 1961. Para la grabación contó además con las dos estrellas del momento en el firmamento operístico de los 80: el tenor Josep Carreras y la soprano neozelandesa Kiri Te Kanawa.

Fue una interpretación pensada para el vinilo, en aquellos días en pleno auge, y el resultado fue óptimo, si bien Bernstein y Carreras se las trajeron para conseguir el tono que buscaba el volcánico maestro estadounidense. Pero de aquellos roces históricos, con insultos incluidos, salió Carreras considerado por la crítica como el mejor Tony jamás interpretado. No consta que la relación con Te Kanawa fuera tan turbulenta, pero la neozelandesa también está considerada una de las grandes intérpretes del personaje de María. En todo caso, los tres se convirtieron con aquella grabación en leyendas de la historia del canto lírico.

Conviene la explicación para tomar dimensión del reto que suponía para el actual trío Dudamel, Sierra y Flórez estar a la altura de sus antecesores, si bien, por ejemplo, esta no es la primera ocasión en que el director venezolano se enfrentaba a la obra, pues ya lo hizo en 2016 en Salzburgo con Cecilia Bartoli en el papel de María con resultados dispares. Pero en esta ocasión se circunscribía a la versión de 1984 y contaba con dos primeras espadas en su mejor momento y con edad todavía para representar a los adolescentes María y Toni.

No obstante, tras comprobar la solvencia del duo vocal, siempre desde el respeto a la grabación de Deustche Grammophon, en este caso no superada pese al magno resultado, el gran aliciente se encontró en la vuelta de tuerca que Dudamel dio a la orquestación ideada por Bernstein. En este punto tal vez sí el venezolano logro superar a Bernstein, o por lo menos innovar sobre lo propuesto por el legendario director y compositor de Massachusetts.

Y lo logró Dudamel en cierto modo regresando a la versión original de West Side Story, esto es recuperando el tono jazzístico y latino frente al sinfónico, si bien siempre respetando la partitura. Pero bajo la batuta del genio venezolano, con su conducción frenética –a ratos parecía que Dudamel bailara una danza de vudú antillano–, la orquesta hizo mayor hincapié en las percusiones con aroma de descarga de rumba cubana, en los vientos propios de los mambos que se tocaban en los clubes de la calle 45 y en las danzas tradicionales mexicanas, que en los arreglos más expresionistas.

Así, la Orquesta del Gran Teatre del Liceu devino una suerte de big band de jazz latino, mágica y vibrante desde el minuto cero, que a la velocidad de un Ferrari en una autopista alemana llevó la visión de Dudamel del West Side Story de Leonard Bernstein por la senda del gozo para los oídos y la gloria para él y sus cantores.

Un año más el jazz envolverá al municipio de Munilla con la 21 edición del Festival Munijazz. Una cita que ofrecerá siete conciertos gratuitos y al aire libre del 15 al 17 de agosto. Así, la Plaza de San Miguel de Munilla volverá a convertirse en el principal escenario al aire libre de los siete conciertos gratuitos que, los días 15, 16 y 17 de agosto, ofrecerá la vigesimoprimera edición del Festival de Jazz de Munilla. Un año más, organizado por la Asociación Amigos de Munilla con el apoyo del Gobierno de La Rioja, Munijazz permitirá a vecinos y visitantes disfrutar en un entorno rural del talento consolidado y emergente de músicos procedentes de Argentina, Brasil, Dinamarca, Venezuela y España.

El director general de Cultura, Roberto Iturriaga, junto al presidente de la Asociación Amigos de Munilla, Jesús Montiel, y Raúl Jiménez, como miembro de la organización del festival, han desgranado “un cartel plagado de novedades que incluye actuaciones de dos tríos, cuatro cuartetos y un octeto con las que se podrá hacer un recorrido sonoro por diferentes vertientes del jazz actual, volviendo a convertirse la cultura en el mejor atractivo turístico y dinamizador de los municipios riojanos, en este caso, de la comarca del Alto Cidacos”, ha destacado Iturriaga.

El cartel de esta edición se abrirá la tarde del viernes 15 de agosto con Alejandro Esperanza Trío y su proyecto ‘Olivos’, título del álbum del pianista y compositor Alejandro Esperanza, un músico aragonés acompañado al contrabajo por Manel Fortià y a la percusión por Marcelo Woloski, multi-percusionista, productor y compositor de Buenos Aires, galardonado con tres Grammy y un Latin Grammy.

Por la noche, será el turno de Juan Saiz Quartet con su trabajo ‘Pindio II’; el segundo capítulo del proyecto que Saiz inició con el respaldo del histórico sello británico Leo Records. En este trabajo, el artista profundiza en las corrientes más vanguardistas del jazz europeo con un estilo vibrante, libre y personal. El cuarteto lo integran: Juan Saiz (flauta, saxo y composición), Genis Bagés (batería), Xavi Torres (piano) y Manel Fortià (contrabajo).

La tarde del sábado 16 la protagonizará Quirico’s Quartet, con su proyecto ‘Back to Jazz’, jazz acústico, liderado por Pedro Quirico, que combina grandes standards con composiciones propias, con una estética íntima, sobria y melódicamente rica. El cuarteto lo integran: Pedro Quirico (viola y composiciones), Roberto Natal (batería), Raquel Vega (piano y armónica cromática) y Miguel Lezcano (contrabajo).

Por la noche, el festival ofrecerá, por tercer año, un programa doble. Abriendo la sesión Antonio Lozano Trío, seguido a continuación por The Yes Octet con su proyecto ‘Four Suites’. Nuevamente, fruto de la colaboración de Munijazz con los conservatorios superiores del entorno en la especialidad de jazz, participará Antonio Lozano Trío, elegido por la dirección del Centro Superior de Música del País Vasco, Musikene, de entre sus mejores alumnos, para actuar en esta vigesimoprimera edición como teloneros del grupo principal de la noche. El trío está integrado por Antonio Lozano (saxo), João Fontenla (contrabajo), Ager Alzola (batería). La segunda

parte del programa la protagonizará The Yes Octet con el proyecto ‘Four Suites’. El octeto está integrado por: Jaume Vilaseca (piano y teclados), Sergio del Boccio (voz), Adrià Pinto (contrabajo), Estefy Chamorro (batería), Roger Mir (saxo alto), Víctor Carrascosa (trompeta), Martí Carrasco (saxo tenor) y Gil Boleda (trombón).

La tarde del domingo día 17, el cartel sonará a jazz danés/español, con Anders Boye Knudsen Quartet. El cuarteto está integrado por: Anders Boye Knudsen (contrabajo), Álvaro del Valle (guitarra), Daniel Juárez (saxo) y Daniel Buades (batería).

Y por la noche, cerrando el festival, Marcelo Escrich Silent Quartet, con su proyecto ‘Remembering Charlie’; un homenaje a la figura de Charlie Haden, cuando se cumple el décimo aniversario de su fallecimiento, con una formación de guitarra, contrabajo, saxos tenor y soprano, y saxos alto y soprano. Este grupo, junto con otros siete, fue seleccionado entre 250 proyectos para representar a España en el JazzEñe 2024.

Además, como actividad complementaria y para animar la asistencia de los jóvenes al festival, el violinista y violista Pedro Quirico, impartirá un taller gratuito de improvisación y técnicas de música moderna, especialmente dirigido a instrumentos de cuerda, en la mañana del domingo día 17, en el salón del Albergue de Munilla. Los músicos o estudiantes de música interesados, podrán alojarse en dicho albergue durante los tres días del festival, realizando sus reservas (hasta completar aforo) a través del correo info@munijazz.es

“Dos semanas antes de que falleciera mi primo Brian, cantamos juntos”, comenta Mike Love algo apenado y nostálgico. El músico californiano viste una camisa con estampado floral, una gorra negra y dos anillos de oro en su mano derecha. Se encuentra en el Museo San Telmo, en una dulce mañana donostiarra del periodo estival, en la sala dedicada a la exposición del fotógrafo Lolo Vasco, quien se ha ocupado de captar la esencia del festival en los últimos 25 años, con motivo de su sexagésima edición. A su alrededor, figuras míticas como Miles Davis, Hank Jones o Celia Cruz visten las paredes de la sala. Puede que dentro de poco, él también forme parte de ellas.

A sus 84 años, Mike Love conserva una vitalidad envidiable, con ese toque entrañable entre un hippie espiritual y un hombre de negocios. Lleva un estilo de vida totalmente saludable, en parte gracias a la meditación trascendental que práctica desde 1967, cuando decidió visitar al gurú Maharishi Mahesh Yogi en la India, junto a miembros de The Beatles como George Harrison o John Lenon. “Gracias a la meditación, puedo hacer frente a momentos difíciles; puedo bajar a un nivel que me permite sacar la energía necesaria para afrontar los problemas”, comenta.

Después de unas fotos distendidas entre periodistas y preguntas comedidas, cuando se le pregunta sobre su primo Brian Wilson —uno de los fundadores de la banda, junto a sus hermanos Carl y Dennis Wilson, Al Jardine y el propio Mike Love—, Love valora el momento que pudieron compartir cantando juntos. De hecho, lo han estado haciendo desde que eran niños, cuando Wilson y Love pasaban muchas de las noches cantando con la radio de fondo.

Más tarde fundaron The Beach Boys, que terminarían siendo consideradas como una de las bandas estadounidenses más laureadas de los siglos XX y XXI, creadoras de la banda sonora de millones de jóvenes en la década de los 60, en plena época hippie y de la contracultura, la cual se prolongó hasta finales de esa década con el festival Altamont y los asesinatos de Charles Manson.

1966: el año del nacimiento del festival de Jazz y ‘Pet Sounds’

La primera edición del festival se celebró en septiembre del año 1966. En plena dictadura, Fomento era una institución que intentaba empujar el turismo para que afectara positivamente en la economía de la ciudad. Eligieron septiembre con la intención de alargar la temporada de verano y atraer a más visitantes fuera de la temporada. Según cuenta Patxi Berradre, el jefe de prensa del Festival de Jazz de Donostia, “cuando se dieron cuenta de que en septiembre también se celebraba el Zinemaldi —el Festival Internacional de Cine—, los organizadores dijeron: bueno pues nos adelantamos”. Agosto ya estaba cubierto, así que decidieron trasladarlo a julio.

Mientras tanto, en las costas californianas, The Beach Boys lanzaban ‘Pet Sounds’. En realidad, la obra fue una creación de Brian Wilson, que se encontraba plenamente focalizado en componer, tras haber abandonado las grandes giras. Wilson no solo firmaría para muchos el mejor disco de la historia de la música, sino que entraría en una competencia directa con los propios Beatles. En aquellos años, ambas eran las bandas más grandes del momento, luchando por superarse mutuamente, pero la obsesión de Wilson le pasaría factura. Aguantaría solo un asalto más, con su segundo número uno: ‘Good Vibrations’. A partir de ahí, caería en un espiral de locura, drogas, problemas mentales y obsesión. Mientras tanto, The Beatles pasarían a la historia como la banda más grande de todos los tiempos.

Sesenta años después, The Beach Boys aterrizan en Donostia por primera vez. Esta vez sin Wilson –fallecido recientemente– y con un Love como último superviviente. Aun así, no ha sido tarea fácil traer a la legendaria banda, después de varios intentos fallidos en el pasado. “La pandemia tuvo también cierta influencia en el asunto, y una cosa llevó a la otra. Al final hemos conseguido que viniesen este año. No ha sido fácil; no es fácil traer a grupos como The Beach Boys”, comenta Berradre.

También explica que organizar este tipo de eventos requiere una planificación constante: “En realidad no paramos de organizar. Ahora mismo ya estamos trabajando en cosas para 2026. De hecho, te diría que en torno al 30 o 40% del programa de pago del año que viene ya está medio cerrado”.

En el camino entre San Telmo y el Kursaal, alrededor de las 18:00 de la tarde de un día ventoso, la gente va acercandose al auditorio. Dentro, minutos antes del comienzo, fans con sus discos, personas con camisas de flores y visitantes extranjeros se amontonaban, sin querer perderse la primera vez que los chicos de la playa tocaban en la capital guipuzcoana.

Clásicos del surf rock y recuerdos de juventud

Después de un video de presentación que repasaba los hitos y los momentos más importantes del grupo, sonó el ritmo de la batería que daba inicio a ‘Do it again’, canción del álbum '20/20', que llegó al número 1 en el Reino Unido. El público aplaudió desde el principio el ritmo adictivo de la canción.

Desde el primer momento, se vio a Mike Love como dueño y señor del escenario, dirigiendo el grupo con la responsabilidad de ser el último ‘beach boy’ de la formación clásica. John Stamos –actor conocido por su trabajo en televisión, especialmente por la serie ‘Full House’–, transmitía una energía juvenil a pesar de sus muy bien llevados 61 años. Por su parte, Bruce Johnston, un miembro clave dentro de la idiosincrasia de la banda, se le veía disfrutar y aplaudir como un niño con zapatos nuevos. Entre los demás miembros, cabe destacar al guitarrista y cantante Christian Love –uno de los hijos de Mikel Love (tiene otro que se llama Brian Love, en honor a su primo)– y al bajista Keith Hubacher, que fue un músico clave en muchas de las canciones.

‘Surfin Safari’ –del primer álbum de la banda–, ‘Catch the wave’ y ‘Don’t back down’ trasportaron a todos los presentes a aquellos veranos de la adolescencia, cuando la inocencia y la ingenuidad eran el pan de cada día. Entre mucho de los presentes se observaban personas de más de 60 años acompañadas por sus hijos. Sin embargo, la primera sorpresa vino de la mano de una versión popera de ‘Rockaway Beach’ de los Ramones, una banda que estuvo influenciada por el sonido surf rock de los californianos.

Mientras seguían con su suite surf particular –una secuencia hilada de clásicos playeros de los inicios de la banda– con canciones como ‘Surfin USA’ o ‘Surfer girl’, uno no podía evitar preguntarse si existía una forma mejor de disfrutar el verano que escuchando a los Beach Boys. Porque no nos engañemos: en aquella primera etapa de la banda todo era diversión, chicas, playa, surf, coches... todo un paquete que fue bautizado como el ‘American dream’.

De hecho, mientras las canciones se sucedían sin pausa, una tras otra, en la pantalla trasera se mezclaban imágenes de coches, chicas en bikini y playas soleadas, que evocaban una mezcla de libertad juvenil, sensualidad superficial y ‘kitsch’ obsoleto.

La fase más barroca

Con ‘Cottonfields’, versión del bluesman Leadbelly, el espectáculo entraba en otra fase más madura, que daba pie a canciones más elaboradas, propias de la segunda mitad de los años sesenta. ‘You’re so good to me’, es un claro ejemplo de cómo Brian Wilson quería alejarse de las canciones 'hit singles' surfistas y adentrarse en el arte más abstracto y barroco. Por otra parte, con ‘I can hear music’ y ‘Darlin’, ofrecieron el momento soul y rhythm and blues de la noche, reflejando el espíritu de ‘Wild honey’, el ‘albúm soul’ de los californianos.

La parte más romántica y amorosa de la noche vino a manos de las joyas ‘In my room’ y ‘Don`t worry baby’. Antes de que empezara la última canción, Mike Love pidió al público que encendieran las luces de sus móviles para crear un mar de luces, evocando el fenómeno fan que vivió la banda en sus años de máximo esplendor.

De nuevo se dio paso a otra suite, pero esta vez centrada en canciones de temática automovilística –'Little deuce coupe', '409', 'Shut down', 'Litlle honda'–, antes de entrar en la fase más experimental del concierto, que mostró la faceta más crepuscular de la banda, intercalando canciones de la década de los 70, de la era Pet Sounds y otras menos conocidas.

‘I get around’ marcó el inicio, seguido por el momento más emocionante de la noche: Mike rindió homenaje a su primo Brian a través de la canción ‘Brian is back’ del año 1976, que celebraba el regreso de Brian Wilson a los escenarios tras una década de ausencia. A continuación, se proyectó un emotivo video de la canción, que recogía algunos de los momentos más bellos y hermosos del músico fallecido junto a la banda, sus hermanos y, por supuesto, su primo. Al finalizar, el auditorio rompió en aplausos para ovacionar a la figura del ‘Mozart del pop’, el resonante agradecimiento duró un minuto, como despedida a uno de los últimos genios de la música contemporanea.

Stamos nos recordó con ‘Forever’ aquella época de finales de los 80, cuando la banda volvía a la palestra después de un paso difuso por los felices ochenta, incapaces de dar con la tecla adecuada para llegar al publico que les había dado la espalda. Con la incorporación de Stamos –que en aquel momento era una estrella absoluta de la televisión–, los Beach Boys recuperaron cierta notoriedad, en parte gracias a la nueva versión de ‘Forever’ con la voz del actor.

‘God only knows’ dejo también uno de los puntos álgidos de la tarde. Christian Love asumió la enorme y difícil tarea de suplir Carl Wilson –fallecido en el 1998 a causa de cáncer de pulmón–. Mientras cantaba, su padre lo observaba desde el fondo del escenario visiblemente emocionado, pues, como el mismo había comentado: “para la historia de la banda, la harmonía y la familia son fundamentales”. Acto seguido, unos acordes mágicos dieron paso a la introducción de ‘California girls’, un preludio sinfónico que evocaba al más bello de los cuentos californianos.

El crepúsculo de los dioses

‘Then I kissed her’, ‘California dreamin’ de The Mamas & the Papas, ‘Sloop John B’, ‘Wouldn’t it be nice’, ‘Help me Ronda’ o ‘Do you wanna dance?’–homenajeando a Dennis Wilson, el menor de los tres hermanos, que murió ahogado a la edad de 39 años en 1983– desataron la euforia del público, que se volcó a bailar, cantar, aplaudir y sonreír. Varias generaciones se unieron al son de los clásicos de los últimos clásicos: desde niños de entre 9 y 12 años hasta personas de más de 70 años.

‘Good Vibrations’ aumentaba las vibraciones positivas. Según Love: “un psicologo de Sheffield, en Inglaterra, dice que ‘Good vibration’ es la canción que más feliz hace a la gente”. Y, en parte, tiene razón, ya que la alegría flotaba por todos los costados en el Kursaal. Después del hit ochentero ‘Kokomo’ –que formó parte de la banda sonora del largometraje ‘Cocktail’, con Tom Cruise como protagonista–, llegaba el momento de decir adiós.

Y lo harían del mismo modo como habían comenzado: versionando dos clásicos de los años 50 –el doo wop ‘Barbara Ann’ y el rockabilly ‘Summertime blues’– antes de cerrar con el surf rock de ‘Fun, Fun, Fun’. Algunos dirán que sonaron cursis; otros, que faltaban miembros clásicos; e incluso puede que haya quien ya no se crea el sueño estadounidense –teniendo en cuenta la situación actual en las tierras de Trump–. Pero la verdad sea dicha: son la banda más veterana de aquellos que cambiaron la música en los años 60, tanto por cronología como por longevidad. Y parte de culpa la tiene el amado y odiado a partes iguales Love.

El día anterior, sonreía cuando se le preguntaba cómo seguía con tanta energía a pesar de sus 84 años, contaba: “Por dos razones: la genética y la meditación trascendental”. Fuera del Kursaal, Cullum ofrecería el segundo concierto en la playa de la Zurriola. Mientras tanto, Altxerri volvía a abrir sus puertas para los amantes del jazz. Luis Cortés, el propietario, comentaba: “Aquí se juntan muchos músicos de jazz que vienen a tocar al Jazzaldia”.

Puede que los músicos de los Beach Boys se pasaran por el pub de jazz de referencia en la ciudad, o puede que, tal y como hacían desde pequeños, cantasen unidos en familia aquellos viejos clásicos de The Four Horsemen en algún otro rincón de la ciudad antes de que cayera el atardecer. Porque como decía Love: “Me encantó la idea de venir aquí, nos encanta el paisaje y estamos cerca de la playa”.

Al Café Central le quedan dos meses y medio de vida después de 43 años de historia. Sus responsables han hecho público que tendrán que dejar su mítico local de la plaza del Ángel al finalizar su contrato de alquiler en otoño y no querer la propiedad renovar el acuerdo.

Aunque los responsables de este negocio querían, ha sido imposible incluso sentarse a negociar una posible prórroga. “El propietario ha decidido no seguir alquilándonos, para cerrar durante un año, y luego ver qué ofertas le llegan”, contaba su programador al ABC, medio que adelantó la clausura.

La especulación inmobiliaria y el alto precio de los alquileres en la zona donde se ubica, el entorno de la plaza de Santa Ana han forzado un cierre que deja huérfano al jazz en Madrid con la pérdida de uno de sus templos, un negocio abierto desde el año 1982, que ha celebrado más de 14.000 conciertos y por el que han pasado desde Tete Montoliu a Javier Krahe, pasando por muchas otras figuras de la música nacional y de fuera de nuestras fronteras.

El cierre tendrá lugar 12 de octubre, la fecha en la que acaba el contrato. Antes habrá muchas actuaciones que servirán como despedida. Y mientras los responsables del negocio mantienen la esperanza de encontrar otro local para salvar el Café Central y el empleo de sus 35 trabajadores. Han creado un email (central2.0@cafecentralmadrid.com) por si existe algún espacio con las características adecuadas para acogerlo. Ellos, de momento, no lo han encontrado.

El cierre del Café Central llega poco después de la clausura de la Sala Barco en Malasaña, otro de los lugares de referencia para el jazz en Madrid que se despidió por sorpresa también para acoger un tipo de negocio más rentable.

Estas clausuras llegan en un mal momento para la pervivencia de locales históricos en la capital: una de cada cuatro salas de conciertos en Madrid que cierran nunca vuelven a reabrir. Lo asegura un estudio publicado hace unos meses llamado El cierre de las salas de Madrid. Impacto del mercado inmobiliario. Y algunas de las que reabren lo hacen con otros formatos, como discotecas que programan algún concierto o restaurantes con ambientación musical.

En los cinco años analizados por la autora del estudio, Vanesa Gevers, cerraron 18 salas en la almendra central, de las cuales 5 ya no abrieron. El resto, sí que lo hizo, con nuevos negocios relacionados con la música, aunque a menudo con otro concepto. La ola de cierres se ha cebado especialmente con las salas de rock, género que acumula el 40% de las clausuras del último lustro.

A estas alturas de la película, la figura de Jamie Cullum significa para Donostia mucho más que la de un mero músico trovador que viene, toca y se va. El pianista y cantante británico se ha ganado a pulso un lugar en el corazón de los donostiarras, quienes celebran un año más la vuelta del genio de Ronford. Y por partida doble en este sexagésimo Jazzaldia.

En la ciudad, ya se ha ganado el mérito de pertenecer al selecto grupo de artistas internacionales más adorados, como es el caso de Viggo Mortensen, Juliette Binoche, Robert De Niro o Bruce Springsteen, que hace apenas un mes ofreció dos veladas mágicas en Anoeta. Así lo atestigua Iñigo Ortega, miembro del comité organizador del Jazzaldia. “Es muy querido en Donostia. En el cincuenta aniversario estuvo una semana entera. Además, su banda es muy surfera, les encanta el surf”, apunta.

Finales de julio suele ser una época de transición en la ciudad. Después de la “resaca” del Donosti Cup y antes de la antesala de la Quincena Musical —el festival de música clásica más antiguo de España y unos de los más veteranos de Europa—, el Festival de Jazz trae a la ciudad algo más que jazzistas para puristas. Hace años que el festival ofrece un abanico amplio de artistas para todos los públicos, esparcidos en diferentes espacios por la ciudad, con el fin de satisfacer tanto a los amantes del género, como a quienes prefieren propuestas más contemporáneas.

Tras los conciertos de Bancolombia e Iñaki Salvador/Marco Mezquida -dichosos tributos en el fin de semana pasado en Chillida Leku. Jamie Cullum daba inició al grueso del festival que prolongará hasta el 27 de julio. Lo paradójico de este año es que el músico británico hace ‘doblete’, con un segundo concierto en la playa de la Zurriola, ofreciendo dos shows completamente diferentes cada día. En el Kursaal, según él mismo, ha sido un concierto más íntimo, mientras que en la playa, simplemente, fiesta.

Cullum es una persona que a través de los años ha conquistado el corazón de miles de donostiarras. Desde la organización del festival comentan que es igual dentro y fuera del escenario. “Es un hombre simpatiquísimo con el que da gusto estar. Es igual en el escenario. Esa humildad es de los grandes”, señalan.

En la rueda de prensa celebrada por la mañana, el músico no para de hacer bromas con los periodistas, siempre cercano. Pero cuando se le pregunta acerca del concierto que le espera esta noche, se pone serio y muestra su faceta profesional: “Humildemente, veréis una versión mejorada de mí mismo. Me he seguido formando, en piano, en voz, en composición durante estos años”. Cullum se encuentra tranquilo. Tras la rueda de prensa de la mañana paseó por la Parte Vieja junto a su mujer y sus hijos, de 'pintxos'.

Dos horas antes del primer concierto de Cullum, en el hotel María Cristina —cerca del auditorio donde se iba a celebrar el concierto— Patxi Berradre, jefe de prensa del festival, explica la intrahistoria del porqué de los dos conciertos. “Cuando dijo que este año sí venía, puso como condición que quería tocar en la playa. Y entonces, como ya teníamos medio cerrado que iba a actuar también el Kursaal, pues decimos: si quieres playa y Kursaal”, dice. Además, Berradre añade que no es la primera vez que repite en dos escenarios diferentes: “Ha habido años en los que, ha hecho un concierto en la Trini, luego ha estado haciendo de DJ en la playa, y luego ha actuado en algún otro sitio. Está muy a gusto aquí, le gusta el festival, y cuando viene, en vez de tocar solo un concierto, se siente cómodo haciendo más cosas”.

Inicio íntimo en el Kursaal

Una delicada versión al piano de 'I’ve got you under my skin’ , el clásico de Frank Sinatra, marcaba el inicio del recital. La sala, en completo silencio, disfrutaba de las versiones desnudas de 'Don't stop the music' —otra versión, en esta ocasión de la estrella de Barbados Rihanna— y 'Taller', pieza que bautiza el álbum, antes de ofrecer una interpretación de 'Get Your Way' acompañado ya por toda la banda. Del minimalismo original, pasó a una versión enriquecida por una potente sección rítmica y arreglos de metales. Es en esta canción cuando comenzó a desplegar su faceta más performativa, incluyendo una de sus señas de identidad: subirse al piano. La versión del 'What'd I say' de su querido Ray Charles sirvió para acercarse aún más al público, entre aplausos y juegos de frases. Con los vítores aún resonando, aprovechó para dar paso a 'Work of art', una alegre canción, a medio camino entre el funk y el espíritu de las big bands.

“Donostia. San Sebastián. 60 años. Estamos muy orgullosos de estar de vuelta en vuestra hermosa ciudad y en este increíble festival. Mi nombre es Jamie Cullum”, se presentaba el británico al comienzo de la canción, antes de presentar a sus músicos. Lo acompañaban Tom Richards (saxofón, percusión, coros), Rory Simmons (trompeta, guitarra, coros), Tom Varral (guitarra, coros), Brad Webb (batería, coros), Loz Garratt (bajo, coros), Marc Henderson (coros) y Aisha Stuart (coros). Además, aprovechó para ofrecer el primer solo de la noche, en este caso, al piano.

“Es mi quinta vez aquí Donostia”, comentaba un Cullum ya entrado en calor, que parecía echar de menos a un íntimo amigo, al inicio de la canción 'These are the days', del álbum 'Twentysomething', el disco que lo catapultó a la fama y que, además, se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos en el Reino Unido.

La marchosa 'Everybody wants to be a cat' —perteneciente a la película de Disney 'Los Aristogatos'—, con solos de contrabajo y trompeta incluidos, y la archiconocida 'Singin' in the rain' —donde Cullum golpeaba la caja del piano para crear percusión— mostraban a un Cullum entragado en cada nota y, lo más importante, disfrutando. Con el final delicado de la canción que da título a la película musical dirigida por Gene Kelly, unía con un dulce fraseo vocal que hacía de puente hacia 'Next Year Baby', ofreciendo uno de los momentos de mayor conexión entre el público y el artista. El solo de saxofón de Richards entre las olas de coros del público, hacía incendiaba un Kursaal que aún se mantenía algo tímido.

'Mankind', que vino procedida de un hermoso solo de guitarra, llevó al cantante a recorrer el Kursaal, tal vez con la intención de alentar a ese público frío mencionado anteriormente. Cullum subió las escaleras del patio de butacas, mientras se acercaba a la gente y se sacaba fotos con los más cercanos. El de Essex tiene esa facilidad para ganarse al público, con gestos tan sencillos como trascendentales para muchos de los presentes.

Con ese nuevo nivel de calor, llegaron canciones como 'Twentysomething' —con solo de piano incluido—, 'Cry me a River' —su versión personal, con el eterno riff del contrabajo como raíz—, 'When I get famous' o 'Sinnerman' de Nina Simone, que hacía explotar el anfiteatro, haciendo bailar a todos los presentes. Aquello parecía una escena de la película 'Babylon' del director (y también músico) Damien Chazelle.

'You and me are gone' del disco The Pursuit, sirvió para dar pie al solo de clarinete, al de batería y a la versión atrevida de 'Killing in the name' de Rage Agaist the Machine. “Está desatado”, comentaba Ortega, que había tenido la oportunidad de asistir a todos los conciertos de Cullum.

La siempre emocional 'All at Sea', daba pie a la última pieza de la noche: 'Gran Torino' —coescrita por Cullum junto a Clint Eastwood y Michael Stevens para la película homónima— que cerró la actuación tal y como había empezado: junto a su piano, en silencio y, como ya había anunciado a la mañana, de una forma íntima. Mientras Ortega paseaba, al salir del Kursaal, por el puente de la Zurriola, en una agradable noche veraniega, comentaba que “ha sido distinto a otras veces”. “Le he visto en solitario, cuarteto, quinteto, con big band, de DJ... y esta vez me ha parecido diferente”, resume.

El Jazzaldia de Donostia cumple sesenta ediciones este 2025. Y lo celebra hasta el 27 de julio con una programación de récord: 88 conciertos repartidos en doce escenarios de la ciudad, desde la playa de Zurriola hasta el museo Chillida Leku, pasando por terrazas, teatros, museos y plazas. El 19 y 20 se han celebrado los primeros conciertos por parte de Bascolombia e Iñaki Salvador /Marco Mezquida: Dichosos tributos, pero el grueso del festival comienza este martes, 22 de julio, con el concierto de Jamie Cullum en el Kursaal, el primero de dos. Más de medio centenar de conciertos serán gratuitos y la programación reunirá leyendas del jazz, talentos emergentes, artistas vascos y propuestas dirigidas al público familiar.

Este año, el premio Donostiako Jazzaldia reconocerá la trayectoria de tres figuras fundamentales de la música contemporánea: la cantante Dee Dee Bridgewater, el guitarrista Marc Ribot y el batería Bill Bruford. Se tratan artistas que han dejado una huella profunda en generaciones de músicos y que, además de actuar en el festival, recibirán el galardón como homenaje a sus carreras, informa Europa Press.

Cullum, Mehldau, The Beach Boys y más de 30 artistas vascos

Entre los nombres más destacados del cartel figuran Jamie Cullum, que ofrecerá un concierto gratuito en la playa de Zurriola y otro de pago en el auditorio del Kursaal; los históricos The Beach Boys, que pondrán el toque californiano en Donostia; Brad Mehldau, uno de los pianistas más influyentes del jazz actual; el bajista Dave Holland, el multiinstrumentista brasileño Hermeto Pascoal, el saxofonista Chris Potter, el innovador Steve Coleman, el pianista Marco Mezquida, Judith Hill o el grupo EXTC.

La programación también incluye propuestas actuales y eclécticas como The War and Treaty, Crystal Murray, Nala Sinephro, Sidonie, Yerai Cortés, Jordina Millá & Barry Guy, o el Oscar Peterson Centennial Concert, entre muchos otros. El talento vasco también será protagonista en esta edición con 31 conciertos, una selección que incluye tanto a artistas emergentes como consolidados. Diez formaciones han sido seleccionadas mediante el proceso de Grupo Locales de 2025: Thomas Camille, Biper Swing, Ura Duo, Suite Seda, Eneko Diéguez Quarter, Alma Seben, FEMMM & Band, Velasquartet, Soul Cream y La Quinta Planta.

A estos se suman conciertos de Anari y Bulego en la playa, y tres propuestas especiales en Chillida Leku que ya se han celebrado el pasado fin de semana, por parte de Iñaki Salvador y Marco Mezquida, Oreka TX con su proyecto Bascolombia y el grupo Arima Soul.

Txikijazz y Jazzinema: jazz para toda la familia y para la gran pantalla

El Jazaldia no se olvida del público más joven. Entre el 22 y el 27 de julio se celebrará la decimotercera edición de Txikijazz, una propuesta familiar que tendrá lugar en tres espacios: Kutxa Fundazioa en Tabakalera, Chillida Leku y Fnac Gunea en las terrazas del Kursaal. Allí se podrá disfrutar de cinco conciertos dirigidos a diferentes franjas de edad con nombres como Claire Martin, Old School Funky Family, The Amy Winehouse Band, Arima Soul o Irati Bilbao, acompañados de talleres creativos y actividades lúdicas. Además, el festival contará de nuevo con el ciclo Jazzinema. Organizado por la Filmoteca Vasca, la novena edición del ciclo explora la relación entre el cine y el jazz con proyecciones especiales durante los meses de julio y agosto.

Vitoria rebosó de música brasileña y se transformó en ciudad paulista con Toquinho, que cerró la cuadragésima octava edición del Festival de Jazz. El polideportivo de Mendizorroza rebosó con tres conciertos que llevaron la música brasileña a la capital vasca, informa Efe.

El brasileño entró fuerte con la 'Garota de Ipanema', que no se hizo esperar. El veterano artista abrió su concierto con dos temas que descubrió a los 12 años.
Acompañado por Dudu Penz al bajo y Mauro Martinsa a la batería, contó con la colaboración de Camilla Faustino. Hubo tiempo para los homenajes. Como a João Gilberto ('Chega de saudade') y a Chico Buarque ('O que será').
No todo fueron autores brasileños, Toquinho y Camila dieron 'Gracias a la vida' de Violeta Parra.
Todo ocurrió antes de desempolvar sus pinceles para pintar su particular 'Acuarela'.

Fue una metáfora visual que invitó a ver la vida como una obra de arte en constante creación, donde cada uno tiene el poder de pintar su propio destino. Fue una noche cargada de sorpresas porque Yamandu Costa ofreció su propio concierto. El artista recordó su experiencia con Silvia Pérez Cruz sobre el mismo escenario vitoriano en el que volvió a dejar un trocito de cultura del sur de Brasil.
El público captó desde el primer momento su pasión por el instrumento.

Trasladó a los presentes al 'Verano del 42' para escuchar su versión de la banda sonora de la película en un sentido homenaje a su compositor, Michel Legrand, y compartió anécdotas familiares.
A su abuela debemos el último tema que interpretó ante el público gasteiztarra, 'Sarará'.


Otro de los momentos especiales de la noche se vivió cuando el artista anunció el estreno mundial aún sin nombre de una de sus últimas creaciones 'Se puede llamar Vitoria', sugirió el de Passo Fundo.
Para comenzar, Dora Morelenbaum y su banda ofrecieron todo un despliegue de estilos envueltos en un halo de suavidad y modernidad.

Desde el sertanejo de 'A melhor saída' hasta el vals en tono de re mayor 'María bonita' de Agustín Lara, la agrupación paseó por el pop, el funky y el jazz con pinceladas de jazz contemporáneo y de índole experimental.
La cantante y compositora manejó a su antojo sus cuerdas vocales, convirtiéndolas en un instrumento más que se suma a su propia guitarra, la de Guilherme Lirio, el bajo de Guto Wirti y la batería de Daniel Conceiçao.


La joven artista buscó la complicidad del público. No faltaron homenajes a Ryuichi Sakamoto o Joao Donato. Con el tema 'Chorou chorou' de este último aprovechó para presentar a su banda. Y aún quedaba 'Nem te preocupar' que levantó al auditorio para despedir al cuarteto entre aplausos. Antes de todo, Milena Casado abrió en el Palacio Europa con su trompeta de forma magistral.