El Centro Párraga, adscrito al Instituto de las Industrias Culturales y las Artes, ofrece este viernes 12 de abril, dentro del ciclo experimental de danza contemporánea 'Movere', el espectáculo 'Apoyatura', en el que el creador sonoro y perfomer Óscar Bueno pone en relación la música, la imagen y la acción para buscar nuevos paisajes.

El espectáculo forma parte del proyecto de investigación 'Los paisajes ajenos', que parte de la idea de que dar un paso atrás resulta indispensable para lograr una nueva perspectiva y contemplar el paisaje. Así, en esta pieza se establece una relación coreográfica, musical y visual entre el cuerpo del creador, un piano y un cielo ficticio.

La investigación de Óscar Bueno se fija en la fuerza que experimenta el cuerpo cuando decide no hacer nada, partiendo de la tensión entre ligereza y gravedad. Pianista de formación, en esta obra trata de olvidar lo aprendido y se centra en los sonidos que el cuerpo provoca en el piano por el simple hecho de apoyarse en él y qué potencialidades y qué nuevos espacios pueden abrir.

Así, a partir de una premisa aparentemente simple, “late un interés por la suspensión del desarrollo musical, que también acaba siendo una suspensión de la productividad y del progreso entre la realidad y la imaginación”, señala la Consejería de Cultura en una nota de prensa.

El director general del Instituto de las Industrias Culturales y las Artes, Manuel Cebrián, indicó que “en el ciclo 'Movere' del Centro Párraga buscamos contar con los espectáculos más relevantes del panorama nacional de arte en movimiento y danza experimental. Ese es el caso de 'Apoyatura' de Óscar Bueno”.

Para más información del espectáculo, que tendrá lugar este viernes, 12 de abril, a las 21:00 horas, se puede consultar la sección de Programación de la web del Centro Párraga.

Toda la práctica de Óscar Bueno se mueve entre lo musical, lo coreográfico y lo visual, de modo más o menos premeditado. Ha desarrollado diversas investigaciones sobre el sonido y la escena en proyectos como 'Sonidación' formado por Soundtrack, 'Estudios para sonidación', 'Amarillo Chillón' y 'Los paisajes ajenos' compuesto por 'Apoyatura' y 'Vientos'. Es autor, pero también trabaja acompañando procesos de otros creadores que desembocan en teatros y contextos híbridos de la escena experimental europea. Ha colaborado con artistas como Cuqui Jerez, María Jerez, Cris Blanco y Anto Rodríguez.

Estos días, hasta el 11 de abril, se puede ver en la sala de Máquinas del Centro Párraga la exposición 'En el melón y en las tajás', en la que la diseñadora Alexandra Cánovas del Rey dispone a lo largo del espacio rectangular de la sala una selección de las piezas del traje regional releídas por ella misma, además de un collage de imágenes y palabras, un pequeño altar, un vídeo y un bordado en proceso. En realidad todo el proyecto es un trabajo en marcha que comenzó hace dos años, que le atraviesa por dentro y que no tiene fin, entre otras cosas porque es lo que más le ha gustado hacer hasta el momento. Comisariada por Ulises Ferrándiz Soriano, 'En el melón y en la tajás' es una lectura contemporánea del traje regional donde se aúnan el profundo respeto a la tradición, la investigación y el diseño, la espiritualidad, la conciencia de clase, la liberación de las marcas de género y la alegría y la belleza incontenibles del baile.

Qué es 'En el melón y en las tajás', ¿una reinterpretación del traje regional, una actualización o es una lectura personal?

Es las tres cosas. Por un lado es reinterpretación. El traje regional no es una muestra fidedigna de lo que se llevaba, sino que se ha ido romantizando. Hay grupos etnográficos que se dedican a mantener el traje tal cual era al principio, pero no creo que la gente fuera a trabajar al campo de blanco impoluto, como vemos que son los trajes de hoy. Llevarían lino, algodones, cáñamos, tejidos naturales... pero no ese blanco que llevan ahora los trajes. Así que hay reinterpretación del traje regional, pero no el original sino lo que nos ha llegado a nuestros días. Por otro lado, es una visión mía, porque como diseñadora me gusta darle a todo una conexión de colección, de coger unos ciertos colores y ciertas texturas. Y es una lectura personal, sin duda; creo que es la primera vez que he hecho algo tan autobiográfico.

¿Por qué decides hacer este proyecto?

Creo que fue por una cuestión natural. Empecé en 2020 con Mantekillah, y enseguida nos encerraron, lo que me permitió pensar bien qué quería hacer de manera creativa, y no tanto pensando en un negocio artesano como es Las Culpass. Después de varias colaboraciones con diferentes personas me di cuenta de que cuando estaban más enfocadas al folklore me gustaban mucho, porque me siento muy cómoda. En mi casa las tradiciones del día del Bando se han vivido mucho, aunque mi familia no esté metida en peñas, ni hay nazarenos. Pero siempre han sido de llevarnos a todas las cosas que se hacen en la ciudad: a la feria del ganado, a la feria de septiembre, he hecho la Romería, he ido al Bando, al Entierro y a las procesiones, siempre. A mi abuelo le encantaba llevarnos y mis padres han seguido con esa tradición. Así que en este proyecto me sentía reconectando mucho con mi familia. También tuvo que ver irme a vivir a Blanca una temporada, en medio del monte, estar en algo tan murciano como el Valle de Ricote.

Hablas de que se ha romantizado el traje huertano, que en realidad era un traje de faena. Hay muchas tradiciones que se han domesticado, de alguna manera. ¿Cómo recuperar ese origen, también el del día del Bando?

Es que el inicio del Bando de la Huerta fue una burla de los señoritos de la ciudad a la gente del campo. Se reían de ellos disfrazándose de huertanos. Al cabo de unos años la gente del campo se reapropió de eso. Ese origen ha cambiado, y también las fechas, como pasa con las del Entierro de la Sardina.

Pero al margen del día del Bando de la Huerta, que estaría bien trabajar sobre él y que la gente lo sienta como algo más suyo, a mí me gustaría hablar más de la Región al completo. El traje regional murciano es el traje de huertano, y es de toda la Región. A veces nos quejamos de que Madrid es centrista, pero lo mismo pasa con Murcia, que para muchos está la capital y luego ya el resto de la Región. Pero es que ese resto es muy identitario de Murcia. Hay cosas muy interesantes en todos lados y todas esas cosas nos identifican como murcianos y murcianas. Murcia la crea toda la gente de todos los pueblos y de las pequeñas ciudades. 

¿En qué consiste tu interpretación del traje?

En cuanto a los tejidos, uso mucho algodón. También seda, porque además me parece importante darle relevancia a la industria de la seda que hubo aquí. Y también me gusta aprovechar cosas, reutilizarlas. 

Ahora que estoy bordando el refajo, una cosa que veo es que a mucha gente le gustaría hacerlo también, cada persona con el suyo. Yo entiendo este proyecto también como una tarea de divulgación. Ojalá que la gente se anime a quedar para hacer su propia pieza. Porque en realidad sólo vas a tener una en tu vida, escogida por ti misma, sin contar la que tienes de pequeña.

Es una forma de pensar el traje muy diferente a la actual, donde lo que funciona mercantilmente es el usar y tirar.

Claro, y no sólo por el refajo. Los zaragüeles, la camisa... Lo importante es que la ropa que te vayas a poner te guste mucho y que de verdad no la quieras maltratar porque tu fin ese día sea ponerte ciego. Que tu fin sea otro, que no sea una nochevieja en primavera.

Además de los tejidos, pones el foco en diferentes partes del traje. Hemos hablado del refajo que estás bordando pero hay también otros elementos.

El corpiño, por ejemplo, intento recuperarlo también. Hay muchos casos en los que se ha hecho como un trampantojo, en el que se le pone a una especie de corpiño las mangas de camisa. Según tengo entendido, y que aparte me parece mucho más chulo estéticamente, lo suyo es ponerse la camisa y encima el corpiño, y atártelo bien. Ahora bien, yo en ningún momento pretendo designar género con la ropa. Me da lo mismo que se ponga refajo o zaragüelles quien quiera. Yo misma sólo he tenido un refajo, desde que tenía 8 años quise siempre ir con zaragüeles, y mis padres me dijeron que sin problema. He ido siempre con camisa, chaleco, zaragüeles, faja. Lo importante es que la gente vaya bien ataviada.

¿En los zaragüeles hay algún cambio? Me da la impresión de que tienen poca historia textil, digamos, es más plano.

No te creas, hay muchos más patrones de zaragüeles de los que nos pensamos. Está el típico tableado, pero hay otros que se anudan y llevan como para mucha talla, que es como el refajo, con una cinta y vas tirando y tirando, y otros más fruncidos. Me encantaría meterles más estampados, bordados... o color. ¿Por qué no pueden estar bordados los zaragüeles?

También propones cambios en el dibujo de los bordados.

Sí, otra cosa importante en la que estoy trabajando es que el dibujo de los bordados no sean sólo referidos a flores. Hay muchas otras cosas que se pueden bordar. El que está en proceso y se puede ver en la exposición va sobre la industria de la seda. En mi investigación vi que en los refajos que llevan bordados de flores suele haber un gusano bordado, lo que pasa es que la gente no suele identificarlo, lo confunde con una hoja extraña. Pero me parece muy importante que no se nos olvide todo lo relacionado con la seda, como he dicho antes, y por eso en mi bordado hay desde una barraca, que es el lugar donde empieza la producción, hasta la fábrica de seda. Hay otros estampados que están más relacionados con las herramientas...

¿Esos estampados sobre herramientas los harás más adelante? Porque dices que este proyecto no tiene fin.

Sí, este proyecto no tiene fin. Hasta que me canse. Es lo que más me apetece hacer. Nunca había hecho una cosa que me llenara tanto. De hecho, ahora que está el refajo en la exposición lo echo en falta. Estoy tan metida en el proyecto que me siento huérfana por no tener el refajo a mano.

Otro elemento fundamental de la exposición es el vídeo.

La idea era por un lado que salieran las bailarinas bailando con otras prendas que no están en la exposición. Y que salieran bailando y no posando es fundamental porque la ropa en movimiento es lo más bonito que hay. Son Nuria y Clara, bailarinas increíbles del grupo titular de La Crilla, la peña donde estamos metidos tanto Ulises [Ulises Ferrándiz Soriano, comisario de la exposición] como yo. Un refajo en movimiento es una de las cosas más bonitas que hay en el mundo, me parece precioso cuando se pone como una campana... Me encanta. Y aparte, quería también meter todos los vídeos relacionados con la investigación que llevo haciendo y el trabajo que hay detrás, y los procesos, como el tintado, por ejemplo.

Claro, porque aquí los colores también son protagonistas.

El tintado para mí en este proyecto está siendo muy importante. He metido colores de las verduras frescas, en general, de naranjas, pimientos, tomates... De las Salinas de San Pedro, hay mucho rosa y naranjita. Hay también grises, tanto de la pirita, porque mi abuelo trabajaba en una mina de pirita de La Unión, y de las acequias. Y luego también he metido azules, por el cielo y el mar, y de la tela vaquera, que es en realidad un tela de trabajo, aunque aquí no la conectemos mucho con ese origen.

¿Cómo es tu relación con la mina? Me parece que es uno de los espacios laborales del pasado con los que es más difícil convivir de manera amable, porque pasa a la historia como un espacio de trabajo durísimo, oscuro, que provoca enfermedades... Las minas de hoy ya tienen otras condiciones, aun siendo también difíciles.

Mi abuelo, que era maquinista, era una persona muy bonica. Vivió muchos años con nosotros, porque cuando enviudó se vino a vivir a mi casa. Ha sido toda la vida un currela, que es lo que son toda mi familia, gente que no ha hecho en su vida nada más que trabajar. Pues bien, como mi abuelo era alguien que de todo lo que hablaba, aunque hubieran sido los peores años de su vida, siempre te lo contaba todo muy bonito, y lo hacía todo con tanto cariño, pues para mí hablar de la mina es darle una dignidad a todo eso. También pasa con los uniformes de trabajo, sea el que sea (en Cartagena, por ejemplo, hay muchos trabajos muy duros, ya sea en la mina, ya sea en los astilleros..., y hay mucho espíritu de trabajo, hay peña muy curranta). Además mis padres siempre han tenido un taller de uniformes de trabajo. Me parece que los monos de trabajo son algo tan representativo de todas esas generaciones, para tantas personas significa tanto, que creo que hay que ponerlos en valor. Aparte de que estilísticamente están muy chulos. Es como el traje regional, de huertano, que habla de la gente que labra la huerta, la tierra. Y la tierra es para quien la trabaja, y eso no se nos tiene que olvidar. 

¿Por qué la exposición se titula con el refrán 'En el melón y en las tajás'?

Los refranes me encantan, desde siempre. He sido toda la vida una vieja. Con la comida me pasa igual, con todo. Mi abuela era muy refranera (y mi abuelo le decía: mujer refranera, mujer puñetera), y cada vez que escucho uno tengo una lista en el móvil y me lo apunto. En el melón y en las tajás significa para la gente que no puedes estar en las dos cosas, y yo digo que sí. Puedes ser una persona consciente de la era en que vivimos, en cuanto a derechos, libertades y obligaciones, y por supuesto seguir teniéndole mucho respeto a todas las gentes que han estado antes y gracias a quienes, precisamente, tenemos lo que tenemos hoy en día. Se puede estar en las dos cosas. Y si se puede hacer con un refrán, pues mejor.

De hecho, lo que se veía en la inauguración es un ejemplo claro de esto que dices. Había contemporaneidad y había tradición, no había compartimentos estancos. Estaba también lo espiritual, en el altar que hay un lado, junto al bordado, al entrar a la sala.

Me considero un persona espiritual, siempre lo he sido. Estuve trabajando en China como diseñadora y la peña tenía un altarcito a Buda, con sus flores, y yo me decía: por qué no voy a tener yo uno personal, con mis cosas. Me transmitía paz. También he viajado mucho a la India, por trabajo, y me gustaba mucho ir a los templos, hacer mis meditaciones a mi bola... Esa parte de conectarme con el alma me gusta, al margen de lo que piense de la institución de la religión como tal. En lo que creo es en la naturaleza, en que nos morimos y nos deshacemos, y ese resto se convierte en otras cosas, y eso me parece increíble: que yo me coma un tomate y que eso me de una energía para hacer cosas. Es una tripada, la verdad.

Así que me gusta tener altares. Es como tener ese rinconcito al que venerar, al que encender una vela o un incienso cuando no estás bien, con cosas de mi casa, de mi familia, de la gente que ya no está... Me hace sentir bien la conexión. No sé si están o no, o si me escuchan o no, pero a mí me tranquiliza contarles mis cosas. El altar marinero que está en la exposición lo reciclé en Málaga de la basura, lo tengo en casa y cuando empezó la expo quería que estuviera. Le puse una huertana, que está pegada a la tierra, que es la naturaleza.

Bárbara Sánchez es coreógrafa, bailarina y actriz. El próximo sábado 29 de febrero presenta en el Centro Párraga su último trabajo escénico, ‘Várvara’, un solo de danza con textos a ritmo de música bakalao e intención mística. Una conversación directa con Dios, sin ironía ni sarcasmo.

La coreógrafa sevillana de 45 años denuncia la situación insostenible de una gran parte del sector de las artes escénicas, especialmente, de los artistas sin estructura económica, el pluriempleo y desatención institucional. Un desencanto instalado en la comunidad artística que recorre España de cabo a rabo. Mucho esfuerzo y poca recompensa en la búsqueda artística de lo sagrado.

En el espectáculo recurres a textos propios y de otros autores que van desde San Juan de la Cruz, Angélica Liddell o Emilio (reputado cañero valenciano) ¿qué has encontrado en la unión de textos tan dispares?

La pieza es un encuentro entre la música bakalao y la mística, es un diálogo. A todos los textos les une el amor, Dios y la mística. En la pieza hay una parte centrada en el amor y otra en lo espiritual, cómo enfrentamos nuestra guerra interior. Después está Emilio, que evoca la parte cultural de lo que supuso el bakalao. En todos los demás está la mística, está Dios.

¿En Emilio no?

En Emilio hay espiritualidad (risas). Hay, también, crítica social y política a un sistema basado en el trabajo, de tanto trabajar.

¿Visitaste la ruta del bakalao?

Sí, una vez estuve en Alicante, en la discoteca Central. El movimiento se extendió por toda España y en Andalucía teníamos nuestra pequeña ruta del bakalao. Básicamente consistía en moverse en coche a las cuatro de la madrugada de una discoteca a otra.

¿Puedes explicar qué es el bakalao místico?

Utilizo la música bakalao como puerta de entrada a la mística, a la unión y al éxtasis. La música como motor de apertura a la unión con Dios y a la unión de todas las presentes. Hay autores como Luis Costa, entre otros, que hacen referencia a la unión de almas que se dio en la cuna del bakalao, en Valencia. En este sentido, mezclar la música bakalao con la mística me vino dado.

¿Quién es Várvara?

Bárbara con doble v son muchos entes a la vez. A nivel coreográfico trabajo con la posesión, salirse de sí. Cuando aparece Emilio también es Várvara. El arquetipo de María Magdalena está en el centro de la obra porque la atraviesa de principio a fin, es la gran amante.

Recientemente, Willy Toledo ha pisado un juzgado acusado de ofensa religiosa, ¿alguien se ha sentido ofendido en tu espectáculo?

Para nada. En Sevilla hay mucha devoción con la Semana Santa. Aquí, las imágenes religiosas están encarnadas en cuerpos muy cercanos a la gente. Doy clase de Pilates a particulares. Hay señoras mayores en mis clases que vinieron al estreno. Me dijeron que el tema está tratado con mucho respeto. Si mis alumnas de Pilates, sevillanas de 70 años, capillitas de Semana Santa no se han ofendido, que no venga ninguna moderna o moderno a ofenderse.

Hablo de Dios claramente, digo la palabra muy clara. Se confunde la institución de la Iglesia con la mística y la religiosidad íntima, es una pena.

Bárbara Sánchez, la que firma los contratos y paga los impuestos como dices en tu biografía, ¿es creyente?

Sí.

Durante muchos siglos el texto dramático se ha privilegiado en la escena en detrimento de otros signos escénicos. Después se le apartó de su posición hegemónica por castrador. Hoy en día, en las prácticas escénicas contemporáneas, ¿la expresividad del cuerpo está sobrevalorada? ¿puede llegar a limitar la práctica escénica como le pasó en su momento al texto dramático?

Hay mucho teatro mezclado con otras disciplinas. No había escuchado que en las artes contemporáneas el cuerpo está en el centro. En la danza y las artes en movimiento, sí. Un cuerpo en escena es muy potente, va más allá de la palabra, tiene una potencia muy especial.

¿Sobrevalorado? Para mí, no. Quizá están sobrevalorados los textos dramáticos de autor, sobre todo hechos por hombres, siguen derritiendo a la gente. Afortunadamente las líneas divisorias entre disciplinas se están disolviendo. A pesar de las controversias, hace tiempo que la danza y la palabra se disolvieron.

Este año se ha cancelado, después de 26 ediciones, el festival Mes de Danza en tu ciudad natal, Sevilla, por falta de apoyo institucional, ¿tan mal está la cosa?

Está fatal. La comunidad está muy cansada del desinterés y falta de apoyo y respeto de las instituciones. Las creadoras escénicas estamos completamente abandonadas. No tenemos espacio para ensayar, han desaparecido los programas de residencias. No hay programas de apoyo a la producción. Es una situación desesperada que durante años se ha intentado solucionar y no hay manera.

El ‘Mes de Danza’ se ha cancelado por una mala gestión que lo ha llevado a una situación insostenible. Te reúnes en los despachos y ahí se queda todo. Es de chiste. Crees que puedes confiar. Espero que el movimiento en Sevilla salga a la calle. Estamos muy cansadas. Todo el mundo quiere crear en su tierra en condiciones dignas. Hay recursos, espacios y dinero pero ¿cómo están repartidos?

A tus 45 años, ¿cómo es la realidad de una coreógrafa y performer en España?

(Risas) Para empezar tienes que tener otro empleo. Es muy difícil vivir de la escena, de la creación, por no decir imposible. Vives de actividades paralelas como talleres de formación. Yo doy clase de Pilates, otra gente da clase en otros centros, la educación va de la mano para muchos artistas.

Hay muy pocos espacios para ensayar. La anterior pieza la creé saltando de espacios en Sevilla y un par de residencias fuera, sin dinero. Mis colaboradores, iluminador y acompañante de dramaturgia, no cobraron durante el proceso de creación.

Con ‘Várvara’ sí tuve una ayuda económica del Banco de Proyectos, una iniciativa del ayuntamiento de Sevilla que ya ha desaparecido. Gracias a Graner, en Barcelona, y al Centro danza Canal, de los Teatros del Canal en Madrid, esta creación ha sido un lujo. Es un lujo tener espacios para crear y un mínimo de dinero para pagar a los colaboradores. Tiro de amigos y gente que se embarca en el proyecto por ilusión y después le pago con los bolos.

No somos una estructura. El tejido artístico andaluz y sevillano, en general, no somos estructuras consolidadas ni sociedades anónimas. Somos artistas independientes, personas físicas que no estamos boyantes, no tenemos 6.000 euros para invertir en una producción. A algunos le parecerá irrisorio, pero para nosotras no lo es. Vivimos al día.

Es la primera vez que actúas en el Centro Párraga y no sé si en Murcia, ¿qué dirías para que vengan a verte el próximo sábado?

He estado en varias ocasiones en Centro Negra, que dirige Abraham Hurtado. He presentado trabajos y realizado talleres. Quería actuar en el Centro Párraga desde hace mucho tiempo y estoy muy contenta. Tengo muchas ganas de compartir la pieza y que la gente pueda unirse en esta misa extraña. El espíritu hay que cuidarlo, hay que alimentarlo. Vengan porque la espiritualidad nos es de suma urgencia.

El Centro Párraga de Murcia acoge desde el jueves la exposición ‘Más allá del cuerpo’ de la artista murciana María Carbonell. La muestra, que se podrá visitar en el Espacio 2 hasta el próximo 1 de marzo, plantea cómo el cuerpo y la desnudez se han utilizado históricamente como formas de protesta sobre determinados hechos de la sociedad.

La exposición reúne una treintena de piezas entre cuadros y fotograbados, en los que la artista ha utilizado principalmente el óleo y la pintura en espray para recrear situaciones extraídas de instantáneas encontradas en Internet, imágenes descontextualizadas que mezclan manifestantes desnudos con paisajes desubicados, varios de ellos bosques y, en algunos casos, nevados.

El director general del Instituto de las Industrias Culturales y las Artes, Juan Antonio Lorca, indicó que “con este proyecto, la autora presenta su mirada personal e incluye a hombres y mujeres en sus obras, asumiendo que la lucha por la paridad es una causa que incumbe a ambos géneros. Bajo esta premisa, María Carbonell crea una escenografía surrealista, donde se ubican a estos personajes de ficción”.

Artista con proyección internacional

María Carbonell (Molina de Segura, 1980) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Valencia (2003). Ha realizado diferentes exposiciones individuales como ‘Sobre-expuestos’(ES/UM, Espacio para el arte, Universidad de Murcia, 2012), ),‘Those who look/Aquellos que miran’ (BJ Art Gallery, París, Francia, 2013), ‘Miscellaneous Works’ (Palacio de Garcigrande, Salamanca, 2013), ‘Dans l’interstice du silence’ (L’Escalier Espace d’Art, Montreuil, Francia, 2014) o ‘Fake’ (Fundación Cajamurcia, Madrid, 2015), que reflejan la proyección internacional de su obra.

Entre las exposiciones colectivas y proyectos donde ha participado en los últimos años se encuentran la Biennal de Mislata Miquel Navarro (Centro Cultural de Mislata, 2017), Estampa (Galería T20, Madrid, 2018), Mano sobre Mano’ (estand de ABC Cultural en Arcomadrid 18) y ‘La cabeza antes que el ojo’, (Galería Birimbao, Sevilla, 2019).

A lo largo de su trayectoria artística ha sido galardonada con diferentes premios como las Becas y Premios Pilar Juncosa y Sotheby’s de la Fundació Pilar i Joan Miró (2018). Además, fue artista residente en el VI Encontro de Artistas Novos ‘Cidade da Cultura’ (Santiago de Compostela, 2016).

Más de 300 personas disfrutaron anoche en el Espacio 0 del Centro Párraga. El 'sold out' fue colgado antes de lo previsto por esta plataforma de moda formada por los diseñadores más prestigiosos de la Región de Murcia.

Pedro Lobo, Las Culpass, Constanza+ y Corbalán Studio presentaron anoche sus últimas colecciones, donde mostraban su particular visión del mundo a ritmo de pasarela.

Salvador Corbalán con su 'Pornografía Astral' fue el primero en impresionar con su forma de percibir el mundo configurada por un viaje astral real que tuvo a la edad de 15 años. El diseñador transportó a los espectadores “desde la vigilia hasta la lucha por volver del plano astral” con un desfile limpio y estructurado. Su colección se inspira en la noche y el sueño a través de brillos y formas ambiguas.

La siguiente en desfilar fue Constanza+, con su 'Lunatic', colección basada en tres principios: centenario de la Bauhaus, con sus formas simples y colores primarios; la ortogonalidad de las líneas de Mondrian y el cincuenta aniversario de la llegada del hombre a la luna, con su tecnología. En esa colección mostró ese punto de locura que necesita la unión de la tecnología con la moda.

'Historia nº 6' fue la colección que presentó el diseñador Pedro García en la que busca su identidad representando a la gente que en realidad construyen su marca, Pedro Lobo.

Esta colección mezcla tejidos laborales con tejidos más ricos creando así esa evolución hacia su nueva etapa. Lobo inaugurará nueva tienda el próximo viernes.

Finalmente Las Culpass sorprendieron presentando su colección GRRRL con un vídeo de ficción en el que cuentan su filosofía a través de un videojuego. Las diseñadoras siguen con su fuerte compromiso social desde el feminismo, la sostenibilidad y la autogestión.

Esta colección está basada en el reciclaje con “cero inversión en material y más en personal creativo”, comentó Martaé Martinez, cocreadora. GRRRL pone en alza el talento murciano y el total respeto por el planeta.

“Las Culpass son el futuro de la moda”, dijo Amanda Paz, asidua a este evento y cocreadora de Hermanas Arden Vintage.

El Centro Párraga acoge desde el miércoles 6 de marzo la exposición ‘Infinitas’ en la que las artistas murcianas Verónica Navarro y Teresa Navarro cuestionan los imaginarios culturales como fuente de desigualdad de género. El origen del proyecto expositivo es el libro ‘Suelas en el umbral’ de Fátima Marnissi, donde se recogen, entre otras, las narraciones de ‘La mujer con alas’ y las historias de ‘Las mil y una noches’.

La muestra gira en torno a la pregunta ‘¿Se hace necesario un cambio de imaginario?’, donde la pintura y la escultura se bañan de literatura y matemáticas abriendo un espacio de diálogo que permite al espectador reflexionar y participar de una posible metamorfosis. 

‘Infinitas’ se exhibe en el Espacio 3 del Centro Párraga hasta el próximo 14 de abril.

Teresa Navarro combina su formación académica en Magisterio con Bellas Artes y es doctora por el Departamento de Lengua y Literatura de la Universidad de Murcia. Sus álbumes ilustrados funden arte, literatura y matemáticas y en su trabajo expositivo se cuestionan los lazos entre oriente y occidente, el papel de la mujer y los espacios que ocupa y la forma de percibir la realidad. Su obra es fruto de una visión global que transita jugando entre imágenes y palabras, entre analizar y relacionar, entre ciencia y arte, en la que sonidos y silencios tejen redes entre conceptos y emociones.

Verónica Navarro es licenciada en Bellas Artes y doctora en Educación por la Universidad de Murcia. En su trabajo el arte plástico se combina con las matemáticas y la literatura y desde el año 2007 fija su interés en el formato libro y el estudio de la geometría. La geometría euclidiana y en particular la geometría fractal (atendiendo estudios realizados por B. Mandelbrot, entre otros), son los patrones que la artista explora para acercarse a la naturaleza y/o a otras culturas y generaciones.

El Centro Párraga de Murcia, espacio gestionado por la Consejería de Turismo y Cultura, acoge este sábado, 23 de febrero, la primera edición del Festival de Amigos y Conocidos de la Ilustración 'Fácil', concebido como un espacio de intercambio entre creadores y usuarios para poner en valor la ilustración como recurso comercial y artístico, y cuyas entradas están agotadas.

'Fácil' se enmarca en las actividades transversales que acoge el Centro Párraga a lo largo de la temporada, realizadas muchas de ellas en colaboración con instituciones, empresas o colectivos y que contribuyen a fortalecer el tejido cultural de la Región, ofreciendo a los artistas un espacio en el que mostrar su trabajo y fomentando la participación y el interés de la sociedad por la cultura. Dentro de estas actividades se incluyen este año varias centradas en el mundo del diseño que responden al interés que despierta este sector en la Región.

A lo largo de la mañana del sábado, serán varios los profesionales que participarán en las diferentes ponencias y mesas redondas organizadas. En el Centro Párraga contarán su experiencia, hablarán sobre su proceso creativo, la relación con las marcas y sobre la necesidad de difundir y fomentar el interés por esta disciplina, así como la de apoyar su mayor profesionalización en la Región de Murcia.

La ilustración y la creación gráfica se ha convertido en los últimos años en uno de los recursos de creatividad más importantes y utilizados. Los expertos coinciden en que se encuentra en pleno crecimiento y, en este sentido, 'Fácil' nace con el objetivo de dotar a la Región de Murcia de un foro de encuentro y debate que dé visibilidad a estas nuevas tendencias y, sobre todo, al trabajo que desarrollan los creadores murcianos.

El festival está organizado por los estudios 'Casa Chiribiri' y 'Atosío' y acogerá las ponencias de cuatro diseñadores que trabajan en el panorama regional y nacional. A las 10:00 horas, tras el acto de apertura, intervendrán el murciano José David Morales y la jienense c, ilustradora que ha trabajado para Google, Samsung, 'Wall Street Journal' o 'The New York Times', además de publicar diferentes libros entre los que destacan 'Once upon a star: a poetic journey through space' y 'Un paseo por la vida de Simone de Beauvoir'.

A partir de las 12:30 horas será el turno de Romualdo Faura, murciano que se formó en Bellas Artes en Valencia especializándose posteriormente en diseño gráfico, y la autora de cómics e ilustradora murciana Ana Galvañ, celebrándose posteriormente una mesa redonda. La programación de encuentros se complementará con un concurso de dibujo rápido programado a las 11:00 horas. Se puede obtener más información en la web de Centro Párraga.

Este próximo viernes 18 enero se presenta la nueva programación del Centro Párraga. Un centro dedicado a las artes escénicas y el arte contemporáneo ubicado en el barrio de El Carmen de Murcia. En concreto, en uno de los pabellones de El Cuartel de Artillería compartido con el CENDEAC y la Factoría Cultural.

Sergio Porlán (1983) es director del Centro Párraga desde el año 2011. Gestor cultural y artista plástico nacido en Lorca, Porlán es afable, risueño y con una concepción del arte contemporáneo rigurosa. Algo que aprehendió muy pronto, en su infancia. De cerca destila una cierta timidez, una especie de reserva insondable que confiesa estar quitándose. Paralelamente al desempeño de cargos institucionales ha desarrollado una carrera artística donde el apoyo de la galería de arte murciana ARTNUEVE ha sido fundamental.

Llegó a la dirección del Centro Párraga en el peor momento, “sólo para abrir las puertas”. La crisis dejó la dotación presupuestaria en su mínimo histórico. A lo largo de estos años, con una gran capacidad de trabajo y voluntad, ha devuelto al espacio una vitalidad alejada de grandes nombres y grandes cachés. El Centro Párraga vuelve a ser un pequeño y valioso rincón del mundo donde contemplarnos y reflexionar a través del prisma de las artes escénicas y el arte contemporáneo.

¿En qué momento decidiste ser artista o siempre lo tuviste claro?

En mi familia no hay tradición artística. Mi padre es mecánico y mi madre ha trabajado en una fábrica textil. Sin embargo, de los ocho a los dieciocho años estudié en una escuela municipal de artes plásticas en Lorca muy singular. Juan Jiménez Asensio, una persona con un nivel de exigencia muy alto, ha sido el director hasta su reciente jubilación. Esta actividad, en la que el arte se tomaba de forma rigurosa y seria, ha sido fundamental para mí y otros compañeros como Nico Munuera, Sonia Navarro o Fod que posteriormente hemos desarrollado una carrera artística.

Y de ahí a estudiar Derecho

El arte formaba parte de mi cotidianeidad, pero consideraba que podía hacer otra cosa en el ámbito profesional. En aquel momento me interesaba el Derecho hasta que entendí que no era lo mío. Entonces comencé los estudios de Bellas Artes. Conecté enseguida con Pedro Alberto Cruz y Miguel Ángel Hernández, que en ese momento estaban montando el CENDEAC, y formamos un grupo de gente interesada en el arte contemporáneo.

Cuando cursaba el tercer año de carrera Pedro Alberto Cruz (entonces consejero de Cultura) me llamó para dirigir un proyecto nuevo, el LAB (Laboratorio de Arte Joven). En esa época era muy rebelde, me dejé la carrera y me dediqué por completo a la dirección del LAB. De ahí pasé a la gestión cultural muy joven, tenía 22 años. Tiempo después comprendí la importancia de la titulación académica y retomé los estudios de Bellas Artes.

Siendo tan joven, ¿te resultó duro aprender el lenguaje y quehacer del poder político de turno?

Los políticos han entendido siempre el Centro Párraga como un centro de libertad y nunca me han cuestionado ninguna programación. Las únicas discrepancias han sido en relación al presupuesto. Mi labor ha consistido, fundamentalmente, en transmitir cuáles son las necesidades de los artistas y explicar qué implica poner en pie una obra en el teatro.

Llegué al Centro Párraga en un momento de presupuesto mínimo, solamente para abrir las puertas. La crisis fue tan brutal que nos quedamos dos personas en la coordinación. No teníamos ni un técnico en el teatro; era como tener la cocina de El Bulli sin cocinero.

Antes de la crisis el Centro Párraga era un referente de las artes vivas en España. Actualmente contamos con un presupuesto de 160.000 euros repartido en partes iguales entre artes escénicas y contemporáneo, lo que representa el 20% del presupuesto destinado en 2007.

En julio de este año se cumplen ocho años en la dirección del Centro Párraga y unos meses antes hay elecciones autonómicas y municipales. ¿Estamos ante la última programación de Sergio Porlán?

Nunca me pregunto si es la última. Siempre pienso en desarrollar la programación que preparamos cada año y también en los proyectos y compromisos adquiridos a medio plazo. Pertenezco al ICA (Instituto de las Industrias Culturales y de las Artes) y puedo estar aquí o en cualquiera de las instituciones que gestionan.

¿No es un puesto político?

Ahora mismo, no. En sentido estricto soy coordinador. Un técnico cultural que se ha hecho cargo de la coordinación del Centro Párraga. Aunque, en la práctica, sí ejerzo la función de dirección.

Marta López Briones ha sido muy criticada por su gestión al frente del ICA por diversos agentes culturales vinculados a las artes escénicas y otros sectores de la Región de Murcia. ¿Cuál es tu punto de vista en este desencuentro?

La función del artista es apelar a la administración para que los recursos sean cada vez mayores. Me parece bien que el sector teatral de la Región esté organizado y demande a la administración lo que considera justo.

Pero la realidad es que como sector no puedes ser atendido desde una institución que no tiene recursos. El presupuesto del ICA es pequeñísimo y esto es un problema que trasciende la labor de dirección de Marta. Es un problema estructural, no exclusivo de la Región de Murcia. España no ha apostado por la cultura.

¿Cómo compaginas esta doble naturaleza de artista y gestor cultural?

Sigo en activo como artista e intento ser muy escrupuloso con las interferencias que puedan existir entre la gestión cultural pública y mis propios intereses como artista. En otros países esta figura del artista gestor cultural es muy común. Lo positivo, bajo mi punto de vista, es que como artista puedo entender mejor las dificultades del oficio y aplicar ese conocimiento a la gestión cultural.

En la evolución de tu obra plástica de base formalista, ¿ha influido el conocimiento adquirido estos años de las artes escénicas?

La obra es el depósito de experiencias de todo tipo. El contacto a lo largo de estos años con el mundo del teatro ha sido fundamental. Al final, no hay tantas diferencias entre las artes escénicas y el arte contemporáneo.

Por otro lado, he aprendido mucho del artista escénico a nivel personal. Hay que perder el sentido del ridículo y ser valiente. Un elemento a tener muy en cuenta para cualquier interesado en la producción cultural. En España tenemos mucho miedo al ridículo y a equivocarnos.

¿Te veremos algún día como performer?performer

Qué va… me cuesta mucho comunicar con el cuerpo.

Mucha gente del barrio de El Carmen, por no hablar de los pueblos, no sabe qué es o qué pasa allí dentro. ¿La programación del centro es elitista?

Algunas veces nos han tachado de elitistas, pero nosotros somos específicos. Es decir, tratamos contenidos específicos de la cultura contemporánea, esencialmente la investigación y la experimentación, centrada en dos ámbitos como son las artes vivas y el arte contemporáneo que conviven y tienen muchos puntos en común. Lo que se muestra en el Centro Párraga te puede gustar o no, comprender o no, pero es lo que están haciendo los artistas en este momento.

El barrio de El Carmen debería ser el primer usuario del Centro Párraga por pura proximidad. Estamos haciendo un trabajo en colaboración con el ayuntamiento de Murcia para darlo a conocer a través de las asociaciones presentes en el barrio.

¿Has entendido algo del comportamiento de eso tan codiciado que llamamos público?

Lo que he percibido es que cuando la propuesta no es comercial (sea por la presencia de un actor famoso o un personaje mediático) no hay un consumidor de cultura. Echo de menos un grupo amplio de personas que elija consumir cultura y no sea de forma accidental.

Hemos tenido experiencias muy buenas. La danza, por ejemplo, es minoritaria en público, pero cada vez que programamos algún espectáculo viene mucha gente. Las actividades relacionadas con el diseño o la moda también tienen mucho éxito. Parece que existe algo más comprensible para el público. Sin embargo, en las propuestas más específicas y experimentales todavía hay poco público, aunque en los últimos años se ha incrementado.

Los grandes cachés y grandes nombres no pasan, a día de hoy, por el Centro Párraga por falta de recursos. Pero sí se puede ver el panorama actual en el ámbito nacional de la creación escénica contemporánea y en el arte también. En este sentido, el Centro Párraga sigue siendo un referente. No es falsa modestia, no tenemos que estar acomplejados.

El festival TNT (referente en nuevas tendencias escénicas) tiene, desde hace unos años, una sección dedicada a los niños. ¿Han sido los grandes olvidados de las artes vivas?

Muchas veces vamos a lo urgente y lo importante se descuida. Es cierto que las prácticas contemporáneas no prestan la atención que debieran al público infantil. Nosotros hemos llevado a cabo acciones puntuales en artes escénicas y contemporáneo como “danza en familia” y cada vez que desarrollamos guías didácticas de las exposiciones hay un apartado para niños, pero sigue siendo una asignatura pendiente.

Planes de futuro más allá de la dirección del Centro Párraga

Soy poco planificador, la verdad. Con quince años nunca hubiese imaginado que iba a dirigir el LAB y después el Centro Párraga. Ni que estaría tan vinculado al mundo de las artes escénicas. Ahora tampoco imagino mi futuro.

Me gustaría desarrollar una carrera artística coherente y sincera conmigo mismo. En mi trayectoria artística ha sido fundamental la galería ARTNUEVE y en concreto, María Ángeles Sánchez, que fue una persona que confió en mí desde el principio.

Parece que la ultraderecha ha llegado al panorama político para quedarse, ¿preocupado?

Estamos viviendo una época complicada a nivel social. Tenemos necesidad de aferrarnos a algo y lo hacemos a algo engañoso como son las imágenes, la falsa moral y el rechazo al otro. Me preocupan los extremismos. Mi estructura es socialdemócrata, algo que Europa ha conseguido después de muchas dificultades y guerras.

Es un fenómeno mundial que tiene que ver más con la desesperación y el deseo de simbolizar un sujeto contemporáneo que está enfermo. Vuelve la propaganda, el miedo y la manipulación. Son lamentables todos los fenómenos radicales que se dan en la sociedad. Quizá puedo parecer conservador, pero todavía creo que en una sociedad democrática existen instrumentos para favorecer el diálogo y evitar la confrontación violenta o directa.

Y para finalizar, un sueño cumplido

Hay días en los que todo encaja y se da el milagro de la cultura, eso que es inasible. El público ha acudido, ha salido bien el teatro o la exposición es rotunda... Cada vez que la cultura comunica, habla y se produce ese flujo con el espectador es un sueño cumplido.

El Centro Párraga de la Región de Murcia acoge mañana jueves (21:00 horas) un espectáculo de la actriz, coreógrafa y performer canaria Acerina Amador, en el que mostrará los resultados de la residencia realizada en este espacio de la Consejería de Turismo y Cultura. El proyecto que se encuentra desarrollando y que compartirá con el público se titula 'The Last Animal'.

Acerina Amador continúa con este proyecto su investigación sobre la relación sustentable con el otro, mirando con curiosidad a fenómenos como la sobrepoblación, la extinción masiva y las condiciones necesarias para el nacimiento de un nuevo paradigma, un 'Nuevo Renacimiento'. Pensadores como Daniel Quinn o Donna Haraway y conceptos como 'ecocidio', ‘ecología profunda’ o 'ecofemenismo' se encuentran en este trabajo que intenta vislumbrar un camino alternativo y utópico frente a la distopía.

La directora general del Instituto de las Industrias Culturales y las Artes (ICA), Marta López-Briones, afirmó que “las residencias artísticas como esta son una de las herramientas más efectivas para el apoyo a la creación”. Asimismo, consideró que “es una magnífica oportunidad, tanto para el público como para los artistas, poder compartir los resultados de estos procesos de investigación y construcción dramatúrgica o coreográfica, ya que el 'feedback' entre ellos ayuda a entender y mejorar los procesos de creación escénica”.

Amador vuelve a estar acompañada en este trabajo por el coreógrafo portugués Miguel Pereira, cuyo trabajo ha sido presentado en toda Europa y Brasil.

Trayectoria

Nacida en Tenerife, Acerina Amador se formó como bailarina en su ciudad natal, Berlín y Barcelona, y fue seleccionada para el Programa de Investigación y Creación Coreográfica (PEPCC), en el que continuó su formación con creadores de la escena internacional como Meg Stuard, Vera Mantero o André Lepecki, entre otros. Posteriormente, se formó también como actriz en diversos centros de Nueva York.

Su trabajo ha sido presentado en diferentes contextos en Europa, China, Cuba, Sudáfrica y Nueva York. 'Placeres Extraños, repito Placeres Extraños', 'A propósito do Vermelho', 'Les Striptease de Aidi Eisdi' y 'Cualquier tiempo pasado nos parece mejor' son las piezas que se han podido ver en estos escenarios internacionales.

Ha sido invitada a varios encuentros internacionales de coreógrafos como SKITE, dirigido por Jean Marc Adolphe en Caen (Francia); Interferencias (México) y No Borders (China). También ha impartido seminarios de creación coreográfica en el Encuentro Internacional de coreógrafos Danza en Construcción (Santa Clara, Cuba) y en la Universidad de Johannesburgo. Además, ha dado clases magistrales a la compañía de danza Moving into Dance Mophatong (Sudáfrica) y a la compañía residente del Museo Nacional de Arte en Tanzania.

El Centro Párraga de la Región de Murcia acoge durante esta semana a la compañía murciana Sabotaje Teatro en una residencia artística en la que ultiman los resultados de la investigación sobre trabajo y extranjería llevada a cabo durante los últimos meses. Los resultados se podrán ver en escena este viernes, 30 de noviembre a las 21:00 horas, en una muestra abierta al público.

‘Was Soll Ich Tun?’, traducida como ‘¿Qué debo hacer?’, es el título de esta segunda producción de la compañía, que forma parte de una trilogía en torno al trabajo que comenzó con ‘Azul Kieslowski’ y que combinaba danza, performance y artes visuales.

En esta ocasión, el tema de la extranjería se aborda desde un doble punto de vista, el de los que vienen y el de los que se van. Para ello, cuentan con el testimonio de personas extranjeras que desarrollan su labor profesional en el campo de Cartagena o en el cuidado de niños y ancianos, y también con el testimonio de españoles que recientemente han tenido que marcharse a trabajar a Alemania, Francia o Inglaterra.

Con dirección y dramaturgia de José Antonio Fuentes Rivera, el proyecto conjuga música en directo, danza integrada, teatro documental y una práctica escénica poética que se complementa con la performance de Úrsula Bravo, quien traslada la experiencia escénica a los territorios de conflicto en un camino de ida y vuelta. La producción y dirección adjunta corre a cargo de Eva Libertad García; la música, de Manuel Soler; las animaciones, de Alfonso Burgos, y el diseño de iluminación, de Joaquín Lisón. En escena, los protagonistas son Isabel Martín, Edna Yolima, Mustapha Ziadi, Manuel Soler, Diego Jiménez y el propio Rivera.

La entrada para la muestra que se ofrecerá el viernes es gratuita y, al finalizar, fieles al espíritu de intercambio social y cultural que distingue a la compañía, se realizará un encuentro con el público para reflexionar sobre las condiciones de la nueva esclavitud de muchos trabajadores, con el objetivo de enriquecer esta propuesta artística en la que la irrupción de lo real se fusiona con la dramaturgia.

La directora general del Instituto de las Industrias Culturales y las Artes (ICA), Marta López-Briones declaró que “los trabajos de investigación teatral sobre migraciones, identidad y trabajo, como el de Sabotaje Teatro y el mostrado hace unos meses por Juan Montoro Lara, son una oportunidad para visibilizar de otra forma las noticias sobre estos asuntos, poniendo rostro y nombre a las miles de personas que atraviesan nuestras fronteras”. En este sentido, prosiguió, “esta pieza se nutre de un intenso trabajo de campo que se lleva a escena en lo que acaba siendo un juego de espejos entre realidad y ficción”.

La Fundación SGAE ha organizado la segunda edición de DanzaEñe, Muestra de Danza Contemporánea Española para Programadores Internacionales. Esta iniciativa tiene como objetivo la internacionalización de la danza española y propone una serie de espectáculos que tendrán lugar del 22 al 24 de noviembre en el Centro Párraga de Murcia (C/Elisea Oliver Molina, s/n. Precio: 5€ por sesión, 8€ sesión doble, 20€ abono para todo el festival. Entradas a la venta en taquilla y reserva aquí), espacio colaborador del proyecto.

A lo largo de tres días, nueve compañías de danza españolas presentarán, en formato showcase de 50 minutos, sus espectáculos. En concreto: Thomas Noone Dance, Compañía Jesús Rubio, Compañía Sharon Fridman, Poliana Lima, La Phármaco, Babirusa Danza, El Manisero, Leonor Leal con Alfredo Lagos y Antonio Moreno y la Compañía Nómada.

Junto al público asistente, DanzaEñe contará con la presencia de representantes de diversos festivales y promotores de danza contemporánea de todo el mundo, invitados por la Fundación SGAE para mostrarles la creación de los coreógrafos españoles que desarrollan su labor en nuestro país. Entre ellos: Tipperary Dance Platform (Irlanda), Hong Kong Arts Festival (Hong Kong), International Festival Zero Point (República Checa), FUNDarte Inc (Estados Unidos), Festival Internacional de Danza Contemporánea del Uruguay (FIDCU) (Uruguay), FIND-Festival Internazionale Nuova Danza (Italia) y L1DanceFest (Hungría).

De este modo, además de coreografías en directo, se han organizado encuentros profesionales entre los grupos participantes con los directores de festivales y programadores internacionales para que den a conocer sus propuestas y abrir así nuevas vías de colaboración entre ellos.

Un comité artístico seleccionado por la Fundación SGAE se ha encargado de diseñar el programa de compañías participantes entre más de 40 proyectos recibidos. Este jurado ha estado integrado por Sergio Porlán, director del Centro Párraga, en calidad de presidente; Laura Lizcano, bailarina y coreógrafa, Mercedes López Caballero, crítica de Unblogdedanza, propuesta por la FECED, Omar Khan, director de la revista de danza susyQ, y Eduardo Bonito, director artístico de festivales.

Tres días de espectáculos, a las 19.00 horas y 21.30 horas

DanzaEñe ofrecerá un total de nueve espectáculos de danza en dos sesiones: sesión de tarde, a las 19.00 horas, y sesión de noche, a las 21.30 horas.

Inaugurarán la muestra el 22 de noviembre, a las 19.00 horas, Thomas Noone Dance con Closer, una peculiar incursión de las acrobacias y el universo del clown en la danza, y la Compañía Jesús Rubio que reflexiona sobre el paso del tiempo con Ahora que no somos demasiado viejos todavía. En la segunda sesión (21.30 horas), la Compañía Sharon Fridman, llevará al Centro Párraga su espectáculo All Ways, un peregrinaje por cinco caminos de las inquietudes humanas.

Al día siguiente, viernes 23 de noviembre, Poliana Lima que propone un viaje desde lo viejo hasta lo nuevo en el que reside la danza de Hueco. Tras ella, será el turno de La Phármaco que hará una vista atrás hacia nuestras tradiciones con música en directo en La errancia. (Un espejo contra el que mirarnos). A las 21.30 horas, despedirá DanzaEñe Babirusa Danza que interpretará No title yet… y si fuéramos tragados por un animal?, un trabajo sobre la naturaleza y el control humano.

El Manisero abrirá la última jornada de actuaciones el 24 de noviembre, a las 19.00 horas, con Black Noise, que afronta con dolor la batalla perdida del hombre contra la eternidad. A continuación, será el turno de Leonor Leal con Alfredo Lagos y Antonio Moreno,que interpretará Nocturno, un juego que fusiona los cuerpos, el ritmo y la guitarra. Cerrará esta muestra la Compañía Nómada con su última producción, Dulces Bestias en la que el ser humano vuelve a encarnarse en su condición más animal.

El Centro Párraga de la Región de Murcia acogerá mañana, 31 de octubre a las 21:00 horas 'Gimnástica OFF', el trabajo en proceso que la artista Carlota Mantecón desarrolla sobre las exigencias que recaen en los cuerpos contemporáneos, y que ha contado con una residencia de dos semanas en la caja escénica de este espacio de la Consejería de Turismo y Cultura.

El proyecto nació hace dos años, como una reflexión político-filosófica sobre los cuerpos y en el que se utiliza la gimnasia artística como metáfora. En los inicios de este trabajo surge ‘ENTRE Nadia y yo’, una primera aproximación en la que compara la figura de Nadia Comaneci, nacida en Rumanía en 1961 y primera gimnasta en obtener una calificación de 10 puntos, con los ritmos trepidantes y capitalistas de esta disciplina hoy en día.

Según la responsable del ICA, “es una línea de trabajo en la que se avanza en muchos espacios de creación nacionales e internacionales, y a la que se suma el Centro Párraga, que viene desarrollando residencias de forma intensiva desde los últimos años”. De hecho, tras Carlota Mantecón, el Párraga acogerá las residencias de Sabotaje Teatro y Acerina Amador, mientras continúan las de la compañía Pekarna y el dúo formado por Joaquín Berenguel y Amber Kay.

¿Qué tipo de cuerpos se nos presentan hoy día? ¿Qué se le exige al cuerpo de una deportista, de una gimnasta, de una bailarina? ¿Merece un cuerpo no virtuoso ser contemplado? Estos y otros interrogantes guían ‘Gimnástica OFF’, que ha pasado por diferentes espacios durante 2018.

Una vez finalizado, el trabajo de Mantecón se estrenará dentro del marco del Festival Internacional de las Artes en Movimiento (FAM), en el Auditorio de Tenerife en 2019.

Trayectoria de Carlota Mantecón

Es coreógrafa, bailarina, performer y facilitadora. Su trabajo se centra en la investigación del cuerpo en movimiento, en el diálogo con otras disciplinas artísticas y en el pensamiento y la atención como espacio de trabajo para la acción. Mantecón se formó entre el London Contemporary Dance School y diversos espacios en Barcelona y su carrera como bailarina comenzó con la compañía londinense Edge 09.

Como creadora, ha presentado diversas piezas cortas como 'El corazón de Ofelia' o 'Awake in the dream', premiada en el Certamen Coreográfico de Madrid (2012). De sus procesos de larga duración destaca 'Principiantes', desarrollada con mujeres mayores de 65 años, estrenada en LEAL LAV y que viajará en julio al Festival EIMA para seguir trabajando con mujeres del contexto local.

El Centro Párraga de la Región de Murcia, espacio dependiente de la Consejería de Turismo y Cultura, amplía su programación con el objetivo de atraer a diferentes públicos y ha organizado hasta diciembre actividades que acercan a los más pequeños a este espacio de arte contemporáneo para desarrollar, visibilizar y explorar su talento.

La primera de estas actividades ha tenido lugar esta semana y estuvo dirigida por el artista Rafael Fuster, quien traslada su experiencia en circuitos de arte contemporáneo a la educación plástica con el objetivo de dar visibilidad al arte infantil. El taller ‘El arte de los niños’ es una propuesta que se trasladará a diferentes espacios de arte de dentro y fuera de la Región donde el público infantil (de entre 4 y 12 años) reinterpreta las piezas incluidas en las exposiciones que visitan.

El proyecto concluirá con la exposición de una selección de obras infantiles y la edición de un catálogo fotográfico con esos trabajos con el objetivo de despertar la sensibilidad artística, no solo en los más pequeños, sino, gracias a esa exposición y al catálogo, en los adultos.

La consejera de Turismo y Cultura, Miriam Guardiola, recordó que “uno de los objetivos de la Consejería de Turismo y Cultura es ofrecer actividades en las que todo el público se sienta integrado, cuidando las formas y los contenidos para que la experiencia del usuario en cada uno de nuestros centros sea significativa”.

En esta línea, prosiguió, “el Centro Párraga deja patente en la programación para esta nueva temporada su interés para que el público más joven participe de sus instalaciones, disfrute dentro de ellas y adquiera herramientas con las que mejorar su presente y futuro, desarrollando sus capacidades creativas y un interés por la cultura que confiamos en que les acompañará de adultos”.

Futuras actividades

Centrada en el movimiento, la danza y el juego nace la iniciativa ‘Contakids’ a cargo de la bailarina y docente Chussa Alcaraz. Dirigido a menores de 2 a 4 años, esta actividad profundiza en la comunicación entre padres, madres y niños y se estructura en sesiones de 50 minutos donde los pequeños tienen la capacidad de fortalecer sus capacidades motoras y la confianza en sí mismos.

Este taller tendrá lugar una vez al mes. En concreto, se desarrollará el 5 de octubre, 5 de noviembre y 3 de diciembre, de 17:00 a 18:00 horas. El precio por cada sesión será de 10 euros por pareja (adulto más niño) y no es necesaria inscripción previa.

Asimismo, durante esta temporada las salas de exposiciones del Centro Párraga acogerán por segundo año un proyecto sobre arte e infancia enmarcado dentro de ‘Paula: Una experiencia social y educativa’, que se celebrará los días 26 y 27 de octubre en la Fundación Caja Mediterráneo y en el Museo Molinos del Río.

Paralelamente a este proyecto de ‘La Verdad’ sobre innovación educativa, en el Espacio 3 del Centro Párraga desde el día 26 de octubre y hasta el 4 de noviembre se podrá disfrutar del proyecto ‘Campo de juego 1/3’ que la ilustradora polaca Susie Hammer desarrollará junto al comisario Miguel Ángel Cayuela. Se trata de una exposición abierta a la exploración y el juego libre por parte del público infantil; un proyecto de estimulación mediante el arte y una reivindicación de los espacios culturales como espacios pedagógicos.

El Centro Párraga de la Región de Murcia, espacio dependiente de la Consejería de Turismo y Cultura, estrena mañana, 13 de septiembre (19:00 y 21:00 horas), ‘Chocando contra árboles sagrados’, un proyecto escrito y dirigido por el dramaturgo murciano Juan Montoro Lara sobre la delicada intersección entre adaptación sociocultural y capitalismo.

El espectáculo plantea ‘el otro viaje’ al que se enfrentan muchos inmigrantes después de su llegada a Europa, aquel que comienza tras haber conseguido un contrato y el permiso de residencia. Es éste un proceso en el que la adaptación cultural pasa por la asimilación de unos valores que antes eran cuestionados por el protagonista de esta historia y que, poco a poco, lo van transformando.

‘Chocando contra árboles sagrados’ es una propuesta escénica que combina, en 35 minutos, el teatro de texto, la acción performativa, el movimiento y el trabajo con objetos junto a la interpretación del actor Saúl Lozano, quien se mueve en escena bajo la asesoría de Nazaret Martín y sobre la escenografía de José Ruiz Saura. Las proyecciones de Jorge Fullana y el diseño de iluminación de El Paula completan el equipo de este proyecto producido por Teatro del Limo.

El espectáculo se podrá ver en dos pases de 35 minutos. La entrada tiene un precio único de seis euros y parte de la recaudación irá destinada a la ONG para el desarrollo ‘Amigos de Mali – Proyecto África’. Las reservas se pueden realizar a través del teléfono del Centro Párraga (968 351 410) y las entradas estarán disponibles mañana en taquilla a partir de las 18:00 horas.

Trayectoria

Juan Montoro Lara (Murcia 1973) estudió Magisterio y ha desarrollado su labor educativa en distintos ámbitos. Paralelamente, realizó estudios de interpretación, escritura dramática, guion y realización cinematográfica.

En su trayectoria como dramaturgo ha estrenado obras como ‘Bailando con lobas’ (Alquibla teatro y Nacho Vilar Producciones, 2012), ‘A bocajarro’ (Ferroviaria, 2012), ‘Oluz-zulo’ (Los Menos, 2012), ‘La Aventura de Tarik y Salah’ (Nacho Vilar Producciones, 2014), ‘Desnudos por dentro’ (pieza incluida en el Festival Fringe Madrid, 2014) y ‘Curriculum Inmaculata’ (dirigida por Jorge Fullana, 2015).

Dentro de la escena ha participado también en varios proyectos como actor, entre los que destaca ‘El sudor del signo’, la primera parte de la trilogía sobre los procesos de creación de la compañía Los Menos, dirigida por Joaquín Lisón y protagonizada por Montoro Lara.

Su labor artística se completa con la dirección de cuatro cortometrajes y la publicación de varios títulos entre los que figuran el libro de poesía para niños ‘Calles, Plazas y Tejados’ (Antares ediciones, 2007), el relato ‘La casa de la frontera’ en ‘Mi casa en 22 microrelatos’ (Editorial Región de Murcia, 2011), el libro de cuentos ‘El viaje increíble al planeta Ajedro’ (Aguaclara, 2014) y el texto dramático ‘Ibn Hud, el último suspiro andalusí’ (Biblioteca Civitas Murciae. Colección Historia y Teatro, 2014).

El Centro Párraga de la Región de Murcia acoge a partir del lunes, 10 de septiembre, el proyecto expositivo y performativo ‘Sístole sin diástole’, de la artista murciana Alba Martínez. La muestra es un reconocimiento a la figura personal y profesional de Pilar Miró y ocupará la Sala de Máquinas de este espacio de la Consejería de Turismo y Cultura.

A través de esta iniciativa, Alba Martínez indaga en la vida de Pilar Miró para reivindicar derechos básicos que hoy en día siguen requiriendo una reflexión profunda, como son las cuestiones de género relacionadas con el papel de la mujer. Miró rompió con los parámetros marcados en su época y superó las tradicionales conductas que imperaban, tanto en el plano familiar como en el plano laboral, por lo que la creadora sostiene que resulta un modelo para las siguientes generaciones de mujeres.

La directora general del Instituto de las Industrias Culturales y las Artes (ICA), Marta López-Briones, declaró que “la Sala de Máquinas del Centro Párraga es un espacio perfecto para descubrir a artistas emergentes que están iniciando sus carreras pero que ya tienen un trabajo estructurado que mostrar; unos creadores a los que apoyamos desde la Consejería a través de diferentes actuaciones para dar a su trabajo la máxima visibilidad”.

En el caso de la muestra que se inaugura el lunes, la responsable del ICA avanzó que “el proyecto de Alba Martínez nos acerca a una figura emblemática de la historia reciente de la cultura en España, un referente de creatividad, fuerza y tenacidad que llevó al cine y la cultura contemporánea a la excelencia y que ahora recordamos desde el Párraga”.

Durante las próximas semanas, la Sala de Máquinas acogerá, además de una selección de fotografías, dos performances protagonizadas por la actriz María Luisa Tomás que traerán de vuelta al presente la fotografía viva de dos trabajos emblemáticos de la filmografía de Miró: ‘El perro del hortelano’, cuya acción tendrá lugar el mismo día de la inauguración (20:00 horas), y ‘Gary Cooper que estás en los cielos’, que servirá como clausura, el 21 de septiembre (18:00 horas).

La exposición ‘Sístole sin diástole’ se inaugura el lunes 10 de septiembre, a las 20:00 horas, y permanecerá abierta hasta el próximo 21 de septiembre. Se podrá visitar de lunes a viernes desde las 09:00 hasta las 20:00 horas.

Trayectoria

TrayectoriaAlba Martínez (Lorca, 1991) es graduada en Derecho y centra su trabajo artístico en la relación que se establece entre las normativas de los Derechos Humanos y cómo visibilizar a través del arte ciertas injusticias sociales, utilizando como herramienta la performance y la fotografía.

Es miembro de la Subcomisión de Igualdad de Género CEAJ, entidad que le otorgó en 2018 el primer premio de su certamen por una fotografía sobre el Derecho a la Infancia.

El Centro Párraga de Murcia acogerá del 22 al 24 de noviembre la Segunda Muestra de Danza Contemporánea Española ‘DanzaEñe’, una iniciativa orientada a programadores y creada para fomentar la internacionalización de los creadores y los artistas españoles.

Durante tres días, doce compañías, entre las que se seleccionarán algunas de la Región de Murcia, mostrarán su trabajo a programadores nacionales e internacionales y se organizarán asimismo entrevistas con los representantes. La participación se organizará a través de una convocatoria lanzada desde la SGAE y los espectáculos serán abiertos al público.

Los objetivos del programa ‘DanzaEñe’ son, por tanto, promocionar de forma directa la danza española, incentivar la participación de compañías españolas de danza en festivales, promover giras internacionales para coreógrafos de la SGAE y favorecer los encuentros y el intercambio de experiencias y conocimiento entre profesionales del sector de España y del resto de Europa.

En el Centro Párraga, dijo la consejera de Cultura Miriam Guardiola, “numerosos directores y programadores de festivales europeos interesados en conocer la realidad de la danza española podrán conocer el trabajo que realizan destacadas compañías nacionales y entre ellas estarán algunos de los mejores artistas de la Región, lo que contribuirá a dar a conocer el nombre de Murcia fuera de nuestras fronteras”.

La convocatoria lanzada por la SGAE para participar en ‘DanzaEñe’ estará abierta hasta el próximo 10 de septiembre y está dirigida a los coreógrafos socios de la fundación, así como a compañías de danza contemporánea españolas (máximo de cinco componentes) que utilicen repertorio coreográfico registrado en todas sus representaciones.

Cada coreógrafo o compañía podrá presentar hasta un máximo de tres obras coreográficas. Las solicitudes deberán cursarse, aportando la correspondiente documentación, a través de la página web de la Fundación SGAE, donde está disponible toda la información sobre la muestra.

El Centro Párraga, espacio dependiente de la Consejería de Turismo y Cultura, programa para los próximos meses de septiembre y octubre dos talleres centrados en el cuerpo en movimiento de la mano del bailarín norteamericano Wes Howard y de la artista belga Sophie Thirion, especialista en teatro físico.

El bailarín y coreógrafo Wes Howard (EE UU, 1942), considerado uno de los pioneros de la danza moderna en Europa, ofrecerá un taller práctico en el que se trabajará la conciencia corporal, mental y emocional, descubriendo de manera divertida todo aquello que está en nuestro cuerpo y las sensaciones que genera. El taller, que finalizará con un maratón de danza entre los asistentes, está dirigido a aquellas personas que deseen experimentar el movimiento natural del cuerpo convertido en danza.

Howard se formó en la compañía de Merce Cunningham y Trisha Brown y ha trabajado con David Gordon, Valda Sutherfield, Wendy Perron, Steve Paxton, John Cage y Kalheinz Stockhausen, entre otros. Desde 1970 trabaja sobre todo en Francia, Italia y Portugal, países en los que organiza infinidad de talleres, eventos y espectáculos. Actualmente reside en Castelnaudary (Francia) y preside la asociación 'Ile de Danse', con la que realiza, junto a jóvenes bailarines, novedosas 'performances' al aire libre en espacios urbanos patrimoniales.

Su taller se desarrollará en el Centro Párraga los días 24, 25 y 26 de septiembre de 9:00 a 13:00 horas. Se puede obtener más información sobre la actividad y realizar las inscripciones a través del correo electrónico ajempacart@gmail.com o llamando al teléfono 611 430 085.

'La Lírica física' es el título del workshop de danza-teatro que Sophie Thirion impartirá en octubre. El objetivo es generar un espacio para la creación y expresión del cuerpo escénico, donde Thirion aportará herramientas que ayuden a desarrollar la parte más instintiva e intuitiva de cada alumno para que pueda encontrar un lenguaje corporal propio.

Esta propuesta ofrece también la posibilidad de trabajar con vestuario o materiales propios en la búsqueda de ese movimiento o ese personaje único, ampliando así las posibilidades creativas de la experiencia.

'La lírica física' tendrá lugar entre el 8 y el 11 de octubre, de 10:30 a 14:30 horas y está dirigido a actores, bailarines, performers y a todas aquellas personas que quieran expresarse a través de lo físico. Se puede obtener más información en el correo ayeklauwn@gmail.com y en el teléfono 659 793 347.

El Centro Párraga, espacio dependiente de la Consejería de Turismo y Cultura, ha cerrado la primera mitad del año con un incremento en el número de usuarios y actividades programadas, lo que se une a la inauguración de la terraza como nuevo espacio para el desarrollo cultural de la ciudad.

Los usuarios de este espacio se han incrementado en un 10 por ciento, lo que supone un aumento de más de mil nuevas personas habituales en sus actividades. Este aumento de usuarios, según explicó la directora general del Instituto de las Industrias Culturales y de las Artes (ICA), Marta López-Briones, “coincide con un mayor número de actividades programadas, que este año llegarán al centenar y cuyo objetivo es dar respuesta a las inquietudes culturales que el Párraga recibe de su entorno”.

Así, se creó el apartado de ‘Actividades Transversales’, donde tienen cabida aquellas iniciativas que recogen, visibilizan y fortalecen diferentes aspectos del desarrollo social, cultural, artístico y científico de la Región con un formato que va desde congresos, plataformas y conferencias a proyectos formativos y expositivos, pasando por disciplinas como educación, moda, cultura visual o diseño.

Según explicó la directora general, “estas actividades conviven con los dos pilares de este centro, que recogen las producciones más recientes en artes escénicas y arte contemporáneo, con un nutrido programa de teatro, danza y exposiciones que han situado a este espacio en la vanguardia del arte en España”.

López-Briones destacó este aspecto del Centro Párraga, al que se refirió como “un espacio único en su concepción, pues es poco habitual encontrar un centro de cultura contemporánea que desarrolle de forma paralela una programación donde las propuestas más innovadoras y experimentales en artes escénicas convivan con un programa de arte contemporáneos y que se incluyan, además, actividades transversales que contribuyan a impulsar el tejido industrial creativo de la Región”.

Asimismo, la responsable del ICA recordó que “a este positivo balance en el desarrollo del Párraga hay que incluir la activación de un nuevo espacio para la cultura, su azotea, que, desde que fue reinaugurada el pasado mes de mayo, ha acogido una muestra de artistas murcianos que trabajan en la música experimental y el ‘spoken word’ dentro del ciclo ‘Eclipse Flúor’”

El Centro Párraga de la Región de Murcia, espacio dependiente de la Consejería de Turismo y Cultura, programa entre el 2 y el 20 de julio tres talleres especializados en artes escénicas que reunirán a estudiantes y profesionales en dirección, interpretación y clown.

La directora general del Instituto de las Industrias Culturales y de las Artes (ICA), Marta López-Briones, recordó que “julio es tradicionalmente un mes destinado a la formación en el Centro Párraga, con un programa que este año incluye talleres con profesionales de primer nivel, como Antón Valén, Paco Maciá, Jesús Nieto y María García Vera”.

La responsable del ICA añadió que “desde los centros de la Consejería de Cultura tratamos siempre de dar una mayor visibilidad al trabajo que realizan nuestros creadores y, además, colaboramos con todo tipo de iniciativas destinadas a completar su formación; una intensa labor formativa que, en el caso del Centro Párraga, se combina con la realización de residencias, exposiciones y la programación de espectáculos escénicos”.

Los cursos

El clown y colaborador del Circo del Sol Antón Valén comienza mañana el lunes, 2 de julio, el taller ‘El clown en la pista’, una oportunidad para descubrir de su mano las bases teatrales del clown y cómo ser efectivo ante el público. A través de juegos y técnicas de improvisación, ayudará a que cada participante encuentre su propio clown a través de la sinceridad, la aceptación y la capacidad de reírse de uno mismo.

Valén ha sido el clown principal en ‘Kurios’, la última producción del Circo del Sol. Actualmente dirige a varias compañías teatrales de clown, teatro de calle y comedia del arte; una actividad que combina con su trabajo como formador en cursos que imparte dentro y fuera de España.

‘El clown en la pista’ se desarrollará del 2 al 6 julio, de 15:45 a 19:45 horas. Se puede obtener más información y realizar las inscripciones a través del correo electrónico reservascentroparraga@gmail.com o en el teléfono 968 351 410.

Al día siguiente, martes 3 de julio, comenzará la quinta edición de ‘La persistencia de la memoria’, un taller dirigido por los directores escénicos Paco Maciá y Jesús Nieto que ofrece un exhaustivo entrenamiento actoral y una inmersión profunda en el estudio del objeto. Su finalidad principal es el desarrollo de una dramaturgia conjunta de los objetos y las acciones físicas, creada previa y especialmente para este encuentro por los directores.

Este trabajo se mostrará al público el último día del taller, el 20 de julio. ‘La persistencia de la memoria’ se desarrollará del 3 al 20 julio entre las 10:00 y las 14:00 horas y las personas interesadas pueden escribir un correo electrónico a eloisa@ferroviaria.net.

Paco Maciá es director de la Compañía Ferroviaria y pedagogo de Movimiento y Expresión. Sus planteamientos escénicos parten del estudio de las acciones físicas, los objetos, el espacio o el texto. Ha presentado sus trabajos en las principales ferias y festivales de España, Europa y América.

Jesús Nieto, de la compañía Onírica Mecánica, transita entre el arte visual y de objetos, la instalación interactiva o el arte de acción. Ha mostrado sus creaciones y experiencias en más de 20 países y ha recibido numerosos premios por la originalidad e innovación de sus propuestas.

El último de los talleres tendrá lugar entre el 16 y el 18 de julio y es una propuesta de la actriz e investigadora María García Vera. ‘Escenas (in)móviles’ es un laboratorio teórico-práctico para investigar las relaciones posibles o imaginables entre la imagen cinematográfica y la escena. A nivel práctico, se trabajará a partir de la creación de pequeñas cápsulas escénicas y audiovisuales en las que el foco estará puesto en el cuerpo y en su relación con la imagen.

El Centro Párraga de la Región de Murcia inaugura mañana, 28 de junio (20:30 horas), la exposición de Lorena Amorós 'Escena In-móvil'. Posteriormente, comenzará el concierto del grupo murciano Galleta Piluda, con el que arranca el ciclo 'Eclipse Flúor', que activa La Azotea del Párraga con conciertos, sesiones dj y poesía performativa.

El proyecto expositivo de Amorós combina distintas disciplinas artísticas para reflexionar sobre el fenómeno de la taxidermia, donde se crean escenas dinámicas a partir de cuerpos inertes, una teatralidad que subyace a todas las representaciones y remite también a géneros como la 'naturaleza muerta'. Para todo ello, la creadora alicantina toma como referente histórico la figura de Martha Maxwell (1831-1881), la primera mujer naturalista y taxidermista que se convirtió en una figura pública al tener una notable actividad en defensa de los derechos de la mujer.

Curiosamente, Maxwell y Amorós vivieron una experiencia similar al descubrir que una propiedad familiar había sido ocupada por un cazador y convertida en un taller taxidérmico. De la visión extrañada e impactante de esos escenarios inmóviles, llenos de animales disecados, procede este proyecto que une las narraciones vitales de ambas mujeres, mostrando los paralelismos existentes, y que explora la relación icónica del animal con una estética asociada al revivir de lo muerto.

Lorena Amorós (Alicante, 1974), es artista, investigadora y profesora titular en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Murcia. Doctora en Bellas Artes por la UPV en 2004, en sus proyectos artísticos ha analizado las situaciones límite de la autorrepresentación, los reversos de la autobiografía en los álbumes familiares y la construcción de la subjetividad femenina en las distorsiones forzadas por los condicionantes culturales.

Su obra, en la que alterna la pintura, el video, la instalación y la performance, se complementa con la reflexión teórica a través de ensayos publicados en diversos medios especializados y es autora del libro 'Abismos de la mirada. La experiencia límite en el autorretrato último'. Desde 1997, su labor como artista ha tenido presencia en numerosas exposiciones.

Apertura de La Azotea

Tras la inauguración de la exposición 'Escena In-móvil', el Centro Párraga acogerá un concierto en La Azotea, que se activa como espacio para compartir cultura, con actividades gratuitas relacionadas con la música experimental y la poesía performativa que darán comienzo al atardecer y que tendrán lugar cada jueves durante el mes de julio.

El grupo murciano 'Galleta Piluda', formado por Vicente Navarro (órgano, voz y letras) y Alberto Botías (batería, voz, letras, armónica y kazoo), será el encargado de abrir el nuevo ciclo 'Eclipse Flúor' con su sonido 'sixties', seco y psicodélico de letras irreverentes y provocadoras. La actuación está prevista para las 22:00 horas.

El 12 de julio (22:00 horas), Carrie Palmer, inspirada por las músicas del barrio y por la world music, ofrecerá un 'Dj set' con alusiones al funk, al disco y al afrohouse; mientras que Bartolomé, creador sin prejuicios, intervendrá con un directo donde se mezclará el net music, el trance, el reguetón y los sonidos emo y góticos.

El jueves 19 de julio (22:00 horas), Lujo Berner y Jazznoise colaborarán en una experiencia de poesía y nuevos lenguajes musicales, una performance llamada ‘Harar’ donde Jazznoise pondrá música a los textos que Berner recitará en directo.

Las primeras actuaciones programadas dentro de ‘Eclipse Flúor’ finalizarán el jueves 26 de julio (22:00 horas) de la mano de Alfonso García-Villalba y Cherry, quienes colaborarán en una sesión al estilo ‘spoken word’; un tipo de performance poética donde la música acompaña al lenguaje.