En estricta vertical: así ha hecho coincidir y dialogar el Museo del Prado dos exposiciones diferentes pero con mucho en común. En la planta baja del Edificio de los Jerónimos se encuentra Goya. Dibujos. Solo la voluntad me sobraGoya. Dibujos. Solo la voluntad me sobra, exposición inaugurada el día del aniversario de los 200 años del museo. Una antología que reúne por primera vez más de trescientos de los dibujos del artista de Fuendetodos, procedentes de las propias colecciones del Prado y otras públicas y privadas de todo el mundo.

Y justo dos plantas más arriba, en el Claustro de los Jerónimos, se encuentra El Roto. No se puede mirar, colección de ilustraciones realizadas por Andrés Rábago, más conocido como El Roto, desde 2017 e inspiradas por la obra de Goya. Una exposición que se completa con la publicación del nuevo libro del artista madrileño, lanzado por Reservoir Books, que sirve de catálogo de la misma y se completa con varias estampas inéditas.

Casualidad o no, ambas exposiciones conversan de forma grata, ahondando en la naturaleza interrogante de las obras de Goya sobre los tiempos que le tocaron vivir. Exactamente lo mismo que El Roto hace en sus viñetas y su obra, con espíritu crítico e irónico, y con firme voluntad de denuncia.

“En ambos creadores nos encontramos con temas íntimamente ligados al comportamiento y la condición humana, sobre todo sus miserias”, escribe José Manuel Matilla, jefe de Conservación de Dibujos y Estampas del Prado, en El Roto. No se puede mirar.

“El control ideológico que los poderosos ejercen sobre el pueblo, el borreguismo de las multitudes, la ignorancia como raíz de todos los males, la violencia consustancial al macho -sí, al macho, no a la mujer- en sus diferentes formas y el sometimiento en las relaciones de pareja”, son los temas en los que se abunda, según Matilla. Rescatamos algunas estampas de la exposición, que se podrá ver hasta el 16 de febrero.

Autorretrato / Goya

AutorretratoGoya

El Roto. No se puede mirar, nace como un proyecto allá por el año 2017. Andrés Rábago había recibido la propuesta de realizar una serie de dibujos que tuviesen alguna relación con el Museo del Prado. Y estuvo trabajando en ello un tiempo sin encontrar un hilo conductor claro, sin poder discernir un discurso unificador.

“A punto de cerrar el cuaderno de notas y las visitas semanales [al museo]”, cuenta el ilustrador en el libro homónimo publicado por Reservoir Books, “di con las salas de Goya y me vi envuelto en el torbellino de su ya antiguo y poderoso influjo”.

La imagen de la derecha es la visión particular que El Roto infiere de Francisco de Goya y Lucientes. La de la izquierda es un retrato perteneciente a la serie de los célebres Caprichos. Se trata de una colección de 80 estampas que Goya empezó a vender en 1799, uno de los momentos de mayor auge de su carrera.

Había sido nombrado primer pintor de cámara y se había ganado cierta fama como retratista. Y se acababa de inaugurar la ermita de San Antonio de la Florida en la que había pintado un grandioso conjunto pictórico que aún se puede visitar hoy. Así que aprovechó el momento para publicitar la venta de las ochenta estampas. Hoy, la serie de los Caprichos es una de las más célebres del artista.

Quien lo creyera! / Lleva su sombra

Quien lo creyera!Lleva su sombra

“El trabajo realizado únicamente pretende ser un modesto y sentido homenaje a aquel admirable y generoso investigador del alma humana”, confiesa El Roto en su libro.

Lo cierto es que las estampas de No se puede mirar, a su modo, también auscultan el sentir del ser humano contemporáneo. Goya se preocupó siempre, hasta su fallecimiento en 1828, por intentar captar el sinsentido, el dolor y el temor de las personas de su tiempo y de toda condición.

En la imagen de la derecha, El Roto retrata a una persona que carga a su sombra, atada a él como un peso muerto. A la izquierda vemos la representación de dos brujas ahogándose -como el anónimo protagonista de la viñeta de Rábago-, que Goya pintó entre 1797 y 1799. Corresponde al grupo temático de “fortuna y muerte” y ambas se están disputando su rivalidad en el arte maléfico.

Las resultas / Moribundo entregando su alma

Las resultas Moribundo entregando su alma

Jugando con la rima en la composición y con figuras metafóricas semejantes, Goya y El Roto parecen apuntar en estas dos imágenes hacia un mismo discurso. Según la descripción que facilita el Museo del Prado, la interpretación que más consenso genera de Las resultas de Goya -aguafuerte pintado entre 1814 y 1815-, la situaría como crítica al absolutismo que supuso el regreso a España de Fernando VII.

Con esta estampa, Goya volvía sobre el estilo que había trabajado en la serie de los Caprichos, utilizando un lenguaje pictórico de tono alegórico que se convertiría en una constante más tarde con los Disparates y las Pinturas Negras. Como respuesta a la crítica planteada por el artista de Fuendetodos, El Roto imagina un muerto que, como el sistema absolutista, a su fallecimiento exhala un fantasma. Nada puro puede salir de un alma corrupta.

El sueño de la razón produce monstruos / Habladurías

El sueño de la razón produce monstruos Habladurías

El sueño de la razón produce monstruos es una de las estampas más célebres de Goya. Su influencia llega hasta nuestros días y, de hecho, sigue inspirando a artistas como los que rastrearon la influencia de Goya en el arte contemporáneo en el Centro Cultural de la Villa hasta hace escasos días. Con ella el artista inició un trabajo discursivo que le llevó, durante años, a expresar gráficamente una de sus mayores preocupaciones: la ignorancia.

El imaginario goyesco abunda en estampas que critican las supersticiones, todavía muy extendidas entre el pueblo a finales del siglo XVIII. Para el artista, el desconocimiento y la incultura eran herramientas de control de la ciudadanía por parte del poder y de los estamentos religiosos. La estampa ofrece un mundo de pesadilla en el que la razón no produce verdad, solo monstruos.

En Habladurías, El Roto investiga el mismo discurso, apoyando su estampa sobre una razón hecha verbo. La palabra es la que se convierte en monstruos a su parecer, ampliando así la crítica goyesca al rumor y el cotilleo, tan presentes en el siglo XVIII como en el XXI.

Saturno / Saturno devorando salchichas

Saturno Saturno devorando salchichas

Una de las imágenes más poderosas y brutales de la historia del arte, y uno de los cuadros más célebres del conjunto de catorce escenas que forman las llamadas Pinturas Negras.

Se conocen con ese nombre por la abundancia de pigmentos oscuros y composiciones truculentas. Las Pinturas Negras decoraron en su momento dos habitaciones de la Quinta del Sordo, casa de campo a las afueras de Madrid adquirida por Goya en 1819. Se pintaron directamente sobre la pared seca, no al fresco, y se pueden ver en la sala 67 del Museo del Prado.

El Saturno de la izquierda, pintura también conocida como Saturno devorando a un hijo -así figuró en el catálogo del Prado en 1900-, es una aproximación goyesca a la enajenación y la locura como sentimiento humano -y humanizador, pues humaniza a una deidad como Cronos/Saturno-, así como el poder total como fuerza corruptora. Pero lo que parece proponer El Roto en la imagen de la derecha es una vuelta de tuerca satírica del original. En lugar de comerse a un vástago -en la mitologíalo hacía por miedo a que le destronasen-, vemos a un dios mucho más orondo comiéndose unas salchichas.

Duelo a garrotazos / Sin título

Duelo a garrotazos Sin título

Otra de las estampas célebres del pintor, que también decoraba la Quinta del Sordo. Antes de conocerse por el nombre actual se llamó Dos forasteros, bautizada por el pintor Antonio Brugada, y más tarde como Dos boyeros, debido a la influencia del escritor francés Charles Yriarte, que así se refería a ella. Y hasta 1900 no se la conoció por el nombre actual.

Duelo a garrotazos ha pasado a la historia, entre muchas interpretaciones fundadas en la expresividad de la violencia, como la representación quintaesencial de la naturaleza cainita hispana. Joaquín Ruíz-Giménez la describía como “un claro mensaje contra la guerra” en el programa Mirar un cuadro de RTVE, por su condición histórica. Con su particular reinterpretación, El Roto parece estar en consonancia con la lectura sobre la naturaleza cainita que se ha derivado de la obra.

En la obra original, pintada entre 1820 y 1823, Goya atrapa el sentir crispado del momento: la sublevación de Riego había puesto en jaque el poder de Fernando VII. Duelo a garrotazos captaba el enfrentamiento entre partidarios de la revolución y los leales a la corona, o lo que es lo mismo: el pueblo llano enfrentado entre sí. Fernando VII siguió en el poder hasta 1833, pero Rafael de Riego fue arrastrado, ahorcado y luego decapitado en la plaza de la Cebada de Madrid en 1823.

La Torre de Don Borja acogerá este sábado 9 de noviembre el encuentro 'Arte y humor gráfico', en el que conversarán el artista y dibujante satírico Andrés Rábago, El Roto, y el poeta y crítico Luis Alberto de Cuenca. Ambos creadores, que han sido reconocidos con sendos Premios Nacionales de Ilustración y Poesía, respectivamente, dialogarán sobre la obra de Andrés Rábago, tanto en su trabajo como humorista gráfico como en su trayectoria como pintor.

El encuentro, que será moderado por Marcos Díez, poeta y director de la Torre de Don Borja, servirá también para reflexionar sobre las fronteras que separan lo que se considera arte de lo que no. El aforo, dadas las características del espacio, está limitado a cincuenta personas, por lo que será necesaria invitación para poder asistir. Los interesados en recibir información sobre los encuentros de la Torre de Don Borja pueden escribir a contacto@torrededonborja.es.

Un referente del dibujo satírico

El Roto se ha convertido, con su viñeta diaria con un marcado carácter social, en un referente dentro de los dibujantes satíricos. Su obra, publicada en una treintena de libros y catálogos, fue reconocida con el Premio Nacional de Ilustración en el año 2012. Durante los años 70 y 80, bajo el seudónimo OPS, colaboró en numerosos medios, como Hermano Lobo, La Codorniz, Triunfo o Madriz. Con el paso de los años, pasó a firmar bajo el seudónimo actual.

En una entrevista concedida en 2016 aseguraba que “más que concienciar, lo que busco es clarificar o ayudar a dar a luz a lo que está ahí. Hago un trabajo un poco de partera, de ayudar a que salga a la luz o al menos alimentar algo que ya está vivo en el lector”.

En paralelo a El Roto, ha ido creciendo la obra de Rábago como pintor. Sus creaciones pictóricas lo sitúan dentro de la tradición plástica de la pintura metafísica italiana y española. Su obra como artista plástico ha sido expuesta en numerosas galerías privadas e instituciones públicas y ha sido reconocida con la Medalla de Oro a las Bellas Artes en 2017.

Andrés Rábago considera que entre el pintor y el humorista gráfico hay puntos en común y diferencias. Entre los puntos en común destaca que en sus cuadros, al igual que en sus dibujos, busca la máxima sencillez y expresividad y la huida de toda retórica. “Todo aquello que enturbie o confunda lo elimino. Me parece deshonesto utilizar falsas complejidades; cuando lo que buscas es la claridad, es la luz, el utilizar ciertas ambigüedades me parece un contrasentido”, asegura. En cuanto a las diferencias, el artista considera que mientras que con el humor gráfico se dirige a la consciencia, con sus cuadros trata de dirigirse “a aquello que está más allá de nuestro nivel de consciencia”.

Un poeta aficionado al cómic

Luis Alberto de Cuenca, por su parte, es poeta, traductor, ensayista, columnista, crítico y editor literario. Fue distinguido con el Premio Nacional de Poesía en 2015, es académico de número de la Real Academia de la Historia, vocal del Real Patronato del Museo del Prado y miembro del jurado del Premio Princesa de Asturias de las Letras.

Al margen de su trayectoria como creador, Luis Alberto de Cuenca es un aficionado incondicional del cómic, que considera el noveno arte y que ha defendido con afirmaciones como “tan importante es un buen cómic de Frank Miller como la Ilíada de Homero”. En 1996, cuando dirigía la Biblioteca Nacional, Cuenca ya organizó una exposición sobre los 100 años de los tebeos en España y su poesía se ha convertido en cómic en 'Viñetas de plata'.

Torre de Don Borja

La Torre de Don Borja, que fue sede de la Fundación Santillana durante cuarenta años, inició el pasado mes de julio una nueva etapa dedicada a rendir homenaje a Jesús Polanco y Pancho Pérez González, editores de libros e impulsores de medios de comunicación. El proyecto, impulsado por las familias Polanco y Pérez Arauna, gira alrededor de las que fueron sus principales pasiones: los libros, el arte contemporáneo español y los medios de comunicación.

El centro se puede conocer a través de visitas guiadas que recorren todos los rincones de este edificio del siglo XV que, en la actualidad, acoge varias bibliotecas, espacios dedicados a los medios de comunicación y una exposición de arte contemporáneo español con obras procedentes de la Colección Rucandio. La entrada tiene un coste de cinco euros y se pueden concertar visitas personalizadas llamando al 699 265 469 o escribiendo a contacto@torrededonborja.es

Al margen de las visitas, la Torre de Don Borja acoge actividades culturales a lo largo de todo el año. El pasado mes de julio organizó un foro de editores que fue inaugurado por José Guirao, ministro de Cultura, y un encuentro entre los artistas Guillermo Pérez Villalta y Juan Navarro Baldeweg que fue moderado por el crítico de arte Juan Manuel Bonet. Este mes de octubre se celebró un encuentro entre Mario Camus y Manuel Gutiérrez Aragón.

El viñetista Andrés Rábago, más conocido como El Roto, presentará en la Librería Gil su último libro 'Contra muros y banderas' acompañado de la periodista cántabra Marta San Miguel y de la abogada y presidenta del Consejo General de la Abogacía Española, Victoria Ortega. A partir de las 13.00 horas, esta histórica librería de la Plaza de Pombo se convertirá en un lugar para debatir sobre el auge de los nacionalismos y el enfrentamiento surgido con la crisis catalana.

A través de una recopilación de las mejores viñetas sobre Cataluña, y contando con la guerra de banderas que se lleva presenciando en España desde hace años, El Roto da en este libro las claves del entendimiento, que según el autor, reside “en el pensamiento común”.

En una entrevista a eldiario.es hace poco más de un mes, el dibujante confesaba que este “no es un libro específico sobre Cataluña, sino contra la fragmentación”, ya que según su criterio, el orgullo patrio “es una absurdez”. Satíricamente y siguiendo con su particular estilo, El Roto aúna el humor y la sencillez con una cuestión particularmente complicada y que hiere sensibilidades como son los nacionalismos.

El dibujante madrileño presentará este 7 de julio en Santander 'Contra muros y banderas' , una novedosa recopilación de viñetas que, para Rábago, expresan “que la única utilidad de las banderas es la de convertirse en instrumentos de poder, de diferenciación y de separación”.

Andrés Rábago García (Madrid, 1947), conocido por los seudónimos de Ops y El Roto, es un dibujante satírico e historietista, además de uno de los humoristas gráficos españoles más importantes.

De formación autodidacta, comenzó a publicar viñetas e ilustraciones en 1968 en revistas como Hermano Lobo. Siguió colaborando en numerosos medios impresos hasta que en 1978 inició su colaboración con las revistas del incipiente boom del cómic adulto. A su vez, continuó publicando en prensa en medios como Diario 16 o El Periódico de Catalunya. En la actualidad y desde hace años publica en El País.

Los muros físicos se construyen con ladrillos, pero es mucho menos trabajoso erigir los ideológicos: basta con un trapo y un palo. La guerra de banderas que se ha desatado a raíz de la crisis en Catalunya es la semilla que inspiró la nueva recopilación de viñetas de Andrés Rábago (Madrid, 1947). El Roto: Contra muros y banderas (Reservoir Books) es su peculiar interpretación del uso partidista que se ha hecho en los últimos meses de la rojigualda y la estelada.

“Las banderas deberían estar solo en los espacios institucionales. Más allá de eso, el abuso que haga un partido de ella es espurio porque la bandera es de todos”, asegura el veterano viñetista mientras bebe a sorbos muy pequeños su vaso de agua. Sobre la mesa, un par de ejemplares de su libro lucen en la portada una reinterpretación de la célebre Riña de gatos de Goya. En lugar del ladrillo desgastado del original, un felino se posa sobre la bandera española y el otro sobre la senyera.

Aunque todo indique lo contrario, El Roto asegura que “no es un libro específico sobre Catalunya, sino contra la fragmentación”. No distingue entre la repartición del rojo y el amarillo sobre la tela porque, en su opinión, ambas “han dejado de ser símbolos para transformarse en instrumentos de poder, de diferenciación y de separación”.

Dice Rábago que la bandera española no debe tener más función que la de identificar a un país, “como a un navío en alta mar”, pero no ha sido ese su uso desde el pasado octubre. Ahora, buena parte de los ciudadanos españoles identifican la rojigualda con una postura en el debate soberanista con la que quizá no se sientan cómodos. Para El Roto, “es una utilización espuria por parte del Gobierno de un elemento común”, pero también porque “la izquierda ha mantenido esa vieja visión de la bandera como parte del imaginario franquista”.

Lo que es innegable es que el auge de los nacionalismos ha traído consigo una imagen aterradora de banderas ondeantes. En Hungría, Grecia o Austria, la ultraderecha se ha lanzado a las calles enfundada en la bandera del país a la vez que lanzaba consignas xenófobas y supremacistas. En España, el discurso por la unidad también brindó un hueco privilegiado a estos grupos para redoblar y visibilizar su mensaje ultra. “Son las sociedades más débiles las que se reorganizan alrededor de estos símbolos y adquieren identidades impostadas”, explica El Roto.

“El orgullo patrio es una absurdez. Sentirse orgulloso de ser de un sitio en concreto, una estupidez”, asevera. “El orgullo debería surgir por algo más que por un sentimiento de pertenencia. Porque tu nación sea más justa con sus ciudadanos o más culta. Pero ni siquiera eso es atribuible a uno mismo, sino a terceras personas”, piensa el Roto. Contra el “patriotismo de pulserita”, Rábago apela a la voluntad de trabajar por un país a través de nuestro propio comportamiento, no enarbolando una bandera. “¡Robaba, sí, pero pensando en la patria!”, como reza una de sus viñetas.

Las viñetas de la “concordia”

Aunque su opinión sobre el uso partidista de la rojigualda es inclemente, El Roto no es más sutil cuando le toca dibujar sobre el independentismo. Un aguijón de avispa, unas setas alucinógenas o un arcoíris bicolor que se alza en un horizonte de la tierra prometida son algunas de las hipérboles que ha usado en Contra muros y banderas.

“La sátira tiene unos mecanismos caricaturescos que le son propios, como la exageración”, reconoce el viñetista. “Pero no deja de haber algo de alucinógeno en todo esto, sobre todo de manipulación del consciente colectivo. Una hipnosis muy pegadiza”, resume.

Él, nacido y criado en Madrid, asegura que “los temas identitarios no me interesan”, pero que aún así le habría gustado realizar las viñetas desde Catalunya. “Es un asunto que nos afecta a todos, pero allí se vive con mucha más intensidad”, reconoce. En muchas de sus tiras hace referencia al socavón, casi precipicio, que ha generado la incapacidad de comunicarse de los políticos. “¿Y este abismo? Lo cavamos entre tú y yo, ¿no te acuerdas?”, dicen dos figuras negras marcadas con distintas banderas en una de las imágenes.

“Ha habido una dejación por parte del Estado de lo que debería haber sido su trabajo. Al poder central le interesaba ceder este territorio porque esos gobiernos locales le permitían ganar elecciones. No ha tenido en cuenta el interés ciudadano frente al interés partidista de cada momento”, atribuye el dibujante.

Respecto a las posibles salidas, El Roto no se muestra demasiado optimista. “Es un problema de largo alcance. Vamos a tener que convivir con él durante bastante tiempo. Este libro fija una posición y servirá de souvenir de una época que espero que, en algún momento, se convierta en un recuerdo de lo que pasó”, confía. “Es el momento de que la sociedad catalana se sienta acompañada, y todos debemos ayudar a reconducir la situación”.

En su opinión, el “librito” Contra muros y banderas es su modesto intento de aportar al entendimiento. Haciendo referencia a viñetistas clásicos como Forges, Chummy Chúmez o Máximo, El Roto entiende la sátira como una herramienta “para criticar a los que abusan del poder y acompañar al que está sufriendo”. “Hay momentos en los que tienes que echar una madera al agua donde alguien se pueda agarrar o sentirse en compañía”, dice en referencia al “servicio público” del gremio de la viñeta.

Tampoco pierde la esperanza de alcanzar a los que hoy ondean banderas con tanto convencimiento. “Cuando estás en medio de una corriente de opinión poderosa, debes de ser muy, muy fuerte para mantenerte al margen”, admite. Con sus breves aforismos y el lenguaje visual de sus gruesas pinceladas, El Roto aspira a “elevar el pensamiento común” y a evitar que los poderosos “nos conviertan en sus banderas”.

La Fundación CajaCanarias ha inaugurado este martes, en su Espacio Cultural de San Cristóbal de La Laguna (plaza del Adelantado, 1), la exposición titulada Entreluces. Andrés Rábago, compuesta por pinturas y grabados del artista madrileño, más conocido por el pseudónimo El Roto. La muestra, que permanecerá abierta hasta el 23 de junio, es de acceso gratuito y podrá visitarse en el siguiente horario: lunes a viernes (10.00-13.30 y 17.30-20.00) y sábados (10.00-13.30). Los domingos y días festivos, la exposición no estará abierta.

Entreluces. Andrés Rábago se inauguró con la presencia del citado pintor, dibujante e ilustrador, acompañado por el presidente de la Fundación CajaCanarias, Alberto Delgado, que destacó que Rábago es un autor poco conocido como artista plástico, “a pesar de haber superado los treinta años de carrera como pintor y de haber sido reconocido con la Medalla de Oro a las Bellas Artes en 2017”.

En palabras de Alberto Delgado, la pintura de Rábago “parece sencilla, pero no debemos dejarnos engañar, pues siempre nos lleva a un trasfondo metafísico donde nada es lo que parece. Andrés trabaja desde la contención, huyendo de la pompa y la espectacularidad que hoy rodea al mundo del arte. Sus temas son humanistas: el silencio, el trabajo del hombre, la vanitas o la soledad”.

Rábago explicó que “la exposición cubre dos épocas distintas, pero con continuidad buscamos un equilibrio, sin disonancias internas, a pesar de que las obras de la segunda época son más complejas”. Asimismo, en relación con la significación de su obra, el artista madrileño señaló que “en la sociedad actual el aturdimiento por el martilleo de los medios de comunicación nos hace ser poco sensibles y mirar poco hacia el interior. En esta exposición se refleja precisamente ese espíritu dormido, se persigue despertar lo que ha sido aniquilado de nuestro interior”.

Andrés Rábago, más conocido como El Roto u Ops, continúa apuntando su bolígrafo contra aquello que merece reflexión y crítica en la sociedad española. Las viñetas de este humorista gráfico, armado con tinta y sátira, se centran en ahondar en las “vergüenzas nacionales”. En concreto, la fiesta nacional es una de sus dianas por excelencia. El ilustrador acaba de publicar 'Antitauromaquia', junto con Manuel Vicent, quienes llegan este jueves a la Librería Gil de Santander para la presentación oficial.

El Roto dibuja la recopilación de columnas antitaurinas que su compañero Manuel Vicent ha escrito durante 20 años, crónicas de eventos como la Feria de San Isidro, textos críticos y directos, en los que se pueden leer lemas como: 'Si el toreo es cultura, el canibalismo es gastronomía'.

'Antitauromaquia' es un manifiesto “en repulsa de todos los tipos de violencia que se expresan en la fiesta nacional, es un aviso para no dejarse torear y mantenerse despierto ante ese sector de la España profunda que pretende liturgar la tortura y, además, tratar de elevarla al rango de cultura”.

Andrés Rábago es considerado como uno de los humoristas gráficos español más relevantes. Aprendió a dibujar de manera autodidacta y a partir de 1968, comenzó a publicar viñetas e ilustraciones en revistas como Hermano Lobo. Ha colaborado con multitud de medios impresos y, actualmente y desde hace años, publica sus viñetas en El País.

Las mulillas arrastran al desolladero un cuerpo al terminar la faena. Es el fin del espectáculo, de la 'fiesta nacional'. El público aplaude enfervorecido en los tendidos. Agitan sus pañuelos blancos pidiendo al presidente los trofeos del animal. Una oreja. La otra. ¡El rabo! Pero en esta ocasión no vemos un toro ensangrentado, con la lengua fuera, rebozado por el albero al son de los cascabeles. El arrastrado es el torero. Porque esta no es la imagen de una tauromaquia al uso: esta es la de El Roto.

Andrés Rábago (Madrid, 1947) ilustra la recopilación de columnas antitaurinas que su compañero Manuel Vicent ha escrito durante 20 años al calor de eventos como la Feria de San Isidro. Textos críticos y directos que no se andan con ambages, empezando con un lema que grita en la primera página: “Si el toreo es cultura, el canibalismo es gastronomía”.

Rábago, más conocido como El Roto, salpica las páginas de AntiTauromaquia (Random House) con 36 ilustraciones como 36 banderillas, dirigidas a clavarse en la conciencia de aquellos que todavía defienden ese espectáculo.

El resultado es, como define Vicent en el prólogo, “un panfleto” contra la crueldad en el que las “terribles y misteriosas imágenes de El Roto no dan ninguna escapatoria”.

La serie vuelve del revés el toreo, pinta las reflexiones del animal y, sobre todo, lo hace visible. Porque, según explica El Roto en conversación con eldiario.es, en la plaza no se le ve. “Nadie ve al toro. Si lo viesen, serían incapaces de estar allí. Saltarían al ruedo a detener al torero, gritando: ”¡Pero qué está haciendo! ¡Está usted loco! ¡Pero si no le ha hecho nada!“, enfatiza el dibujante.

Un animal invisible que es torturado sin tregua en un cruel juego de espejos en el que el público se ve reflejado en el matador. “El toro es un comparsa”, añade, “los espectadores solo ven al torero porque, en el ruedo, se ven a sí mismos y se figuran allí delante”.

Para abordar la labor de ilustrar esta AntiTauromaquia, El Roto se documentó buscando información gráfica, centrándose en la etapa en la que se produjo la transición previa al boom de las corridas con la explosión del turismo en los años 60. “Busqué en las revistas, como El Ruedo, que es muy interesante desde el punto de vista sociológico. Y a partir de ahí fueron surgiendo algunas ideas”.

En la serie, que “prácticamente podrían ser carteles o estampas populares”, se reflejan las distintas fases de las corridas de toros, desde las dehesas hasta el matadero. En ocasiones, los toros hablan.

“No creo que los toros piensen lo que dibujo”, cuenta el ilustrador sobre los aforismos que introduce a veces en sus estampas. “Nosotros somos incapaces de conocer al animal por dentro, pero podemos, sin más, como seres vivos, imaginar lo que eso les puede suponer”, expresa.

En la imaginación de El Roto, los toros intentan dialogar con el matador, llueven libros en lugar de almohadillas en el ruedo, el capote se transforma en un lienzo y el estoque en un pincel. Toreros que salen a hombros de indigentes después de haber bordado una faena matando moscas. Toreros que sonríen pese a haber sido corneados, de tan valientes que son.

En ocasiones, un dibujo mudo lo dice todo. En otras, basta una frase o un título. Y luego están las ilustraciones que transmiten algo diferente cada vez que se pasa por ellas.

“Muchas imágenes tienen un contenido casi metafórico y no se pueden traducir directamente a palabras porque entonces serían literatura”, explica El Roto sobre sus creaciones más crípticas. “Es algo que te produce sensaciones y esa es la función de una buena imagen, despertar algo en ti: emociones, sensaciones, estados de ánimo”, añade.

“Escándalo mayúsculo”

A veces, transmiten rabia. Porque los que tienen en su mano acabar con este espectáculo reman en la dirección contraria.

“Tenemos que cambiar de Gobierno”, clama tajantemente el dibujante ante el hecho de que se sigan dando subvenciones a la tauromaquia y además sin transparencia, “en un territorio poco claro”. Arremete también contra la bajada del IVA a las corridas de toros: “Lo han bajado a un 10% mientras que al cine lo mantienen al 21%. Es un escándalo mayúsculo”.

En sus viñetas antitaurinas hay banqueros, curas y hasta un Franco torero. Ante esa parte de la autodenominada modernidad, que reivindica ahora las corridas de toros, y en ocasiones desde la izquierda, El Roto aplica la misma vara de medir que “a la derecha cavernícola y rancia”, ya que se sitúan “en el mismo lugar que los otros”.

Aun así, ve mayoritariamente que surgen “movimientos a favor de un mejor trato a los seres vivos, a los que necesariamente deberíamos considerar como hermanos menores” y lamenta que pueda “haber una pequeña partida de gente” que hoy en día abogue por lo contrario.

Los argumentos de los taurinos son para El Roto “adornos” y una manera de “lavar la imagen de lo que, en algún lugar de ellos mismos, claramente les avergüenza”.

Para el pintor, no cabe ninguna duda de que no hay un ápice de cultura en las corridas de toros. “Lo que objetivamente ocurre es que un animal sale a un ruedo, intenta huir y es sometido hasta su muerte, eso es lo que hay”, denuncia. “Si lo quieren llamar cultura, son libres de llamarlo como quieran, pero objetivamente lo que hay ahí es la tortura del animal”, apostilla.

Manuel Vicent critica en AntiTauromaquia que los toros sigan ocupando espacio en las páginas del diario en el que escribe y pide no darle cobertura para que “el lector sensible no tenga que pasar por la humillación de contemplar”, en la sección de Cultura de El País, “esa morcilla acribillada y sangrante que un día fue un bello animal”.

El Roto también considera inadecuado que se dedique espacio a los toros en Cultura, o “que simplemente, se le dedique una página a algo así”. Y destaca que para él las lecturas de esas crónicas “reflejan la decadencia y la miseria del espectáculo”.

“Solo con leerlo te das cuenta de que es algo muerto. Lo que se llama ‘la fiesta’ está en una clara decadencia, es un moribundo que se mantiene vivo artificialmente a través de subvenciones”, señala.

Lamenta El Roto que por este motivo “todavía falte algún tiempo” para que podamos ver el fin de este muerto viviente que son las corridas de toros, “una decadencia penosa con la que habrá que acabar en algún momento”. Tal vez sea solo cuestión de darle la puntilla.

Andrés Rábago (Madrid, 1947) es El Roto, aunque antes fue OPS. Bajo estas dos firmas lleva más de cuatro décadas poniendo imagen al inconsciente colectivo español a través de sus viñetas. Hoy publica en El País, como antes lo hizo en Hermano Lobo, La Codorniz, Madriz, El Independiente o Diario16. Rehúye la etiqueta «humorista», prefiere referirse a sí mismo como «dibujante satírico». Al tiempo que el dibujo y bajo la firma A. Rábago ha desarrollado una obra pictórica que, si bien menos conocida, resulta tan magnética e inquietante como sus viñetas. En su haber cuenta con varios reconocimientos, entre los que destaca el Premio Nacional de Ilustración en 2012. Ha publicado una veintena de libros con sus trabajos, como los recientes Viñetas para una crisis (2011), Camarón que se duerme (se lo lleva la corriente de opinión) (2011), El libro verde (2014) o Desescombro (2016).

Nos citamos en Valle de Cabuérniga, en Cantabria, un entorno apacible que invita a la reflexión, marco inmejorable para hacer un recorrido por la trayectoria de una de las figuras clave del humor gráfico español del último medio siglo.

Mientras preparábamos la entrevista, no dejábamos de pensar en la figura de los heterónimos de Pessoa a propósito de los tres nombres con los que usted firma su obra, esto es, OPS, El Roto y A. Rábago. ¿Cómo los concibe y qué relación hay entre ellos? Porque hay un momento en el que OPS y El Roto incluso conviven…OPSEl RotoA. RábagoOPS El Roto

La desaparición de OPS tiene que ver con razones históricas: el contexto social y político había cambiado y el lenguaje que corresponde a OPS ya no resultaba útil. La utilidad de todos mis trabajos es esencial para mí; los concibo como un tipo de servicio que puede traducirse en cierta influencia. Creo que, en un momento determinado, al cambiar la sociedad, OPS pierde sentido; pertenece al tardofranquismo, una época en la que el silencio se imponía de muchas maneras. De hecho, una obra de aquella época, un cortometraje, se titulaba La edad del silencio. OPS practicaba un lenguaje mudo y nunca quise ensuciar ese vehículo con el recurso al texto. Entonces, digamos que fue de forma casi natural, orgánica, el desarrollo de nuevas formas de expresión y lenguajes que iban aproximándose a lo que yo quería hacer. De hecho, aunque parece que pasó desapercibido, El Roto ya estaba en la época de OPS, con dibujos en la revista Hermano Lobo, si bien éste era el actor principal. Aunque OPS dejó muchos blocs de ideas sin realizar, creo que podría haber tenido algo más de trayectoria en un terreno entre poético e ilustrativo, pero yo percibía que necesitaba otro vehículo que me llevase más adelante en el tiempo.

Rábago, por su parte, está desde el principio, pero era una fase de aprendizaje lento y tortuoso, porque dibujar y pintar son dos cosas que no he nacido sabiendo, sino que he tenido que ir aprendiéndolas poco a poco y con bastante esfuerzo. Durante los primeros tiempos, el trabajo de Rábago estaba centrado en aprender a pintar, si bien ya intuía un territorio potencial, pero aún no lo tenía claro. Así, el dibujo y la pintura, que diría que ha sido mi primera afición, están unidas desde el principio. Incluso más, hasta mucho más tarde no tuve en el dibujo referentes importantes, dado que mi fuente de inspiración la encontraba en los grandes maestros de la pintura.

¿Cómo se introduce en el mundo de la ilustración? ¿Qué nutre el imaginario de un muchacho de entonces?

Curiosamente, en mi casa siempre ha habido libros de arte, por lo que siempre he sido más visual que lector y desde niño he tenido en mis manos libros de arte que creo que fomentaron mi afición. Por otro lado, no cabe duda, casi todos los dibujantes, como casi todo el mundo, han tenido papeles y realizado dibujos desde muy pequeños, sólo que algunos decidimos proseguir con ello después. Creo que la voluntad de dibujo es innata en el ser humano. Entonces, el nutriente principal de esa época eran los libros de arte. Además, me recuerdo desde niño haciendo dibujos tipo chistes. El primer libro que cayó en mis manos y que fecundó esa línea fue uno de [Joaquín] Xaudaró, donde vi por primera vez dibujos de humor. Eso fue lo que encendió la mecha, pero la mecha ya estaba ahí. De alguna manera creo que todos seguimos una línea trazada, que indica aquello que venimos hacer, y que podemos hacer o no hacer -depende de muchos factores-, pero en mi caso lo he podido llevar a cabo por razones que ni yo mismo comprendo. Tuve facilidad para publicar en los medios desde muy pronto y mantenerme en ellos de forma casi mágica. El primer sitio en el que publiqué, por ejemplo, fue en La Estafeta Literaria, del Ateneo de Madrid, aunque no recuerdo ni siquiera qué hice, porque no guardo ningún recorte. Y poco después empecé a colaborar con algunas de las revistas más avanzadas políticamente de la época.

¿Ya firmaba como OPS?OPS

No recuerdo si los dibujos en La Estafeta Literaria iban bajo esa firma, pero los demás sí. Ese seudónimo está desde el principio, porque OPS pertenece a una época en la que todo eran siglas. OPS era una sigla más.

A OPS corresponde un estilo más visceral, más crudo si lo comparamos con El Roto, quizás más sutil. ¿Qué significó OPS y qué pervive hoy de aquel primer desarrollo conceptual? OPSEl RotoOPS

Depende. Creo que OPS también tenía una veta subterránea. Lo que sí hacía era mostrar de una forma más cruda ese territorio sumergido, oculto, pero yo creo que en ambos habita una cierta ternura detrás de una aparente brutalidad. De todos modos, no hay que perder de vista la época, ya que entonces el surrealismo aún tenía cierta vigencia, y ese lenguaje está presente en muchos trabajos de OPS. Aunque debo añadir que nunca he practicado las técnicas de pensamiento automático que caracterizaba a esa corriente. Yo creo que en ese momento había una mayor libertad para hacer cosas en medios no marginales, cosas que hoy probablemente no interesarían o serían apartadas.

Quisiéramos conocer su opinión sobre si debe haber límites en la sátira. Tenemos en mente casos muy controvertidos, tales como las publicaciones Charlie Hebdo en Francia o El Jueves en España, por mencionar sólo dos ejemplos.Charlie HebdoEl Jueves

No es un problema de la sátira, sino de los que la utilizan para crea problemas a su vez. Los casos que mencionas no tienen un contenido problemático en sí; son los que quieren usar ese contenido para sus agendas políticas los que hacen de eso un problema. Es decir, el problema no está en la sátira, sino en aquellos que atentan contra los dibujantes que hacen sátira. Eso hay que dejarlo bien claro. No podemos entrar a juzgar si esto o aquello se puede o no se puede. Es cierto que, primero, el límite de hasta dónde se quiere llegar lo marcan los directores de las publicaciones, pero considero que el dibujante debe ser libre para hacer aquello que crea que es útil o que tiene sentido. Luego podemos entrar a valorar si lo es o no, pero eso ya es otra cuestión. Pero si decidimos que lo que molesta a alguien concreto no se debe publicar, entonces no publicaríamos nada. Yo creo que el foco hay que ponerlo en los violentos, no en los dibujantes.

Bajo la firma de OPS, los dibujos no van acompañados de texto. Sin embargo, en El Roto los textos son parte fundamental de las viñetas. ¿Cómo se produce ese cambio y qué significó?OPSEl Roto

El nivel de OPS es más interno, está en el territorio de lo psicológico. Trabaja más con las emociones, con la parte más inconsciente del hombre, no la parte más elevada o profunda, sino algo más visceral. Es una especie de limpieza de fondos, de ver qué hay dentro, qué pulsiones hay dentro de cada uno de nosotros. Esa limpieza de fondos era útil, porque no era sólo necesaria para cada uno de nosotros -dado que yo considero que la totalidad de cada sociedad está en cada individuo-, sino que también era algo que la propia sociedad tenía que hacer. Es decir, que la sociedad española de esa época tenía una cantidad de basura y podredumbre acumulada a lo largo de décadas y décadas de franquismo que había que sacar a la luz, había que sacar fuera todo aquello que estaba oculto. Esa fue la labor de OPS y por ello algunas de sus imágenes eran bastante revulsivas para la época. Fue un trabajo esencial, muy importante para saber qué había más allá.

Una vez producida esa introspección y liberados todos esos fantasmas, había que salir a la calle y enfrentarse con lo que había fuera, que es lo que la propia sociedad en aquel momento realizó: empezaron las manifestaciones, las protestas… empezó la expresión libre de lo que estaba ahí larvándose. Esto ya correspondía a otro nivel mental, más superficial o externo. Y ese es el trabajo que ha realizado El Roto básicamente, intentar explicar qué hay ahí fuera y de esa manera ayudar a esa visibilidad de las cosas.

Hace unos años, en una entrevista para la revista Jot Down declaró: «Mi trabajo no busca un brillo propio, sino que siempre intenta ser útil socialmente». ¿Se puede decir que el objetivo de El Roto es concienciar al lector?Jot Down El Roto

Más que concienciar, lo que busco es clarificar o ayudar a dar a luz lo que está ahí. Hago un trabajo un poco de partera, de ayudar a que salga a la luz o al menos alimentar algo que ya está vivo en el lector. Nunca he creído mucho en el término «creadores», ni siquiera para los aparentemente grandes creadores. Siempre trabajamos sobre algo que ya está ahí, con el material que se nos da, tanto interno como externo. Entonces, y sobre todo en épocas como la actual, en la que cada vez hay más medios que tienen como función introducir en el ser humano cosas que no están en él o manipular sus opiniones para beneficiar a los grandes poderes, creo que esa función de clarificar o sacar a la luz lo que está ahí es mucho más útil.

¿Cómo es el día a día en el trabajo de El Roto? ¿Tiene plena libertad para expresarse?El Roto

Siempre, la libertad es una de las premisas sobre las que se basa mi trabajo. Desde el principio cuando entro en cualquier medio, lo primero que pido es que no me den temas y que no me impidan tampoco tocar temas. Pero eso también está equilibrado con el ejercicio de la responsabilidad. Cuando estás en un medio público, sea cual sea, procuras ser educado, lo cual no te impide decir lo que tengas que decir, naturalmente.

En el día a día me baso en la prensa escrita, sigo creyendo en su función extraordinaria como testimonio de una época. Incluso cuando falsean, cuando mienten o cuando manipulan queda el testimonio de su manipulación, de su mentira. Todo está ahí escrito, es un documento. De la misma manera, creo en el dibujo físico como documento y no creo en el dibujo digital, que no deja testimonio.

Internet y las nuevas tecnologías han cambiado la forma en que se elabora, publica y difunde la información. ¿Han cambiado también su trabajo?

No, en lo básico sigo los mismos métodos. Siempre he trabajado con el medio-largo plazo, y la inmediatez excesiva de lo digital me ha alejado aún más de los hechos aparentemente inmediatos. Yo creo que ya ni siquiera los propios periódicos siguen lo que acaba de ocurrir, sino que ya empiezan a trabajar con otra dimensión temporal.

Lo que sí noto es la dificultad de la lectura en la pantalla; es mucho más fácil en papel y se fija mucho mejor en la memoria. Mi opinión sobre esto es que hay una voluntad de que desaparezca ese tipo de lectura, porque es útil para este sistema en el que estamos ya inmersos. Es útil que las mentes sean frágiles, que sean fácilmente manipulables y eso lo da mucho mejor ese tipo de lectura, rápidamente cambiante, que otro tipo de lectura que va construyendo edificios mentales mucho más sólidos. Esto no es casual. No es que sea un cambio tecnológico el que ha llevado a esto, sino que se aprovecha ese cambio tecnológico para llevarlo en la dirección más acorde con los intereses de los grandes poderes.

En 2011 publicaba su libro Viñetas para una crisis (Reservoir Books), en cuyo prólogo aseguraba que: «Es evidente que todos hemos participado de alguna manera en la creación del monstruo económico que nos devora». Cinco años después, ¿cree que hemos aprendido algo de todos estos años de crisis?Viñetas para una crisis

Yo creo que ya vemos con mucha más claridad de qué iba todo. Creo que ya todo el mundo tiene claro que más que una crisis, estamos ante una voladura controlada de un sistema que había dejado de interesar, ya sea por razones económicas, ideológicas o de pura maldad incluso. Detrás de todo ello hay una voluntad de dominio o de hegemonía por parte de un sistema de pensamiento que quiere ocupar la totalidad. No se conforman con que un área ya muy importante del mundo esté bajo su sistema de pensamiento, sino que quieren exportarlo a la totalidad. Y esto es solo una primera fase, las fases siguientes las iremos viendo.

En estos últimos años y muy especialmente con la crisis, algunas de sus viñetas se han convertido en un símbolo para los jóvenes, que pueden sentirse fácilmente identificados en los temas que aborda El Roto -el movimiento 15-M o la emigración, por ejemplo-. ¿Siente preocupación por la situación de los jóvenes tras la crisis?El Roto

Son de ese tipo de cosas que ni siquiera piensas, sino que surgen por sí mismas, y generalmente son las mejores. Ese tipo de cosas son las que más me gustaría poder hacer, no sólo mostrar lo que está mal sino las posibilidades de transformación que existen. Lo que tenemos enfrente es mucho más frágil de lo que aparenta, y sin embargo no tenemos conciencia de la fuerza que existe en cada uno de nosotros. Estoy convencido de que los jóvenes darán respuesta y probablemente será una respuesta fuerte, pero requiere mucha inteligencia y saber cómo canalizar toda esa inteligencia, esa voluntad y ese esfuerzo que está en ellos. No me gustaría hablar exclusivamente de los jóvenes sino más en general, porque inevitablemente tenemos que partir de cada uno de nosotros. Esa confianza tiene que partir de cada uno de nosotros y esa es la fuerza transformadora, no es una fuerza externa sino interna.

Hablemos de su obra pictórica. A grandes rasgos, la pintura de Rábago se caracteriza por su sencillez, tanto en el dibujo, que recuerda al de las viñetas, como la paleta de color, que es plana y muy vibrante. Hay un elemento de vanguardia y un elemento primitivo. ¿Qué motiva esta elección técnica?Rábago

Es el mismo sistema de pensamiento que utilizo para el dibujo: máxima sencillez y máxima expresividad o, dicho de otra manera, la huida de toda retórica. Todo aquello que enturbie o confunda lo elimino. Me parece deshonesto utilizar falsas complejidades; cuando lo que buscas es la claridad, es la luz, el utilizar ciertas ambigüedades me parece un contrasentido. El uso de colores potentes es porque quiero que tenga una alta vibración. En realidad, mi pintura se dirige a otros niveles de la consciencia. Mientras que OPS estaba en el inconsciente, El Roto está en lo consciente, Rábago pretende dirigirse a lo supraconsciente, lo que está más allá de nuestro nivel de consciencia o al menos esos pasos que estamos intentando dar hacia ese territorio, a pesar de que siempre habrá quien trate de cortocircuitarlo. He llegado a la conclusión que la revolución sin evolución es a la larga volver al punto de partida, si no hay evolución no hay posibilidad de revolución. Entonces, el primer paso es el nivel evolutivo, y es ahí donde se mueve Rábago, que va dejando constancia del caminar en esa dirección. De hecho, creo que parte de la incomprensión que puede haber respecto a la pintura de Rábago tiene que ver con eso, porque quizás la observación se hace desde un nivel de consciencia inadecuado.

Y la cuestión sobre la nota primitiva o primaria que late en los cuadros, lo puede comentar.

No es de extrañar que así lo veas, porque desde mis inicios tuve claro que la pintura que se hizo en el antiguo Egipto es la cima, es decir, no creo que se haya llegado mucho más lejos. Para mí, es la síntesis máxima de lo transcendente reflejado a través de la imaginería de lo conocido. Posteriormente, me empezó a interesar más la pintura tardomedieval del gótico primitivo, más que lo hecho en el Renacimiento, durante el cual empieza a haber un exceso de presencia del artista en detrimento de la propia obra.

¿Qué ha ocurrido con el arte más próximo a nosotros en el tiempo?

Creo que se ha perdido la conexión con el público y que se trata de recuperarla a través del espectáculo, o también, haciéndose más social o más política. Se intenta recuperar la conexión que el arte había perdido después de una deriva que al público no le interesaba, en la que predominaba la especulación y el juego formal carente, en muchos casos, de calidad y de contenido. Me parece fundamental recuperar esa conexión, aunque a través de otros medios.

Los temas que predominan están relacionados con la vida cotidiana, costumbristas hasta cierto punto.

Esa es una lectura errónea.  Utilizo un lenguaje metafórico en el que nada es lo que parece a primera vista. Tras una aparente sencillez y cotidianeidad existe todo un trasfondo metafísico al que se accede no por traducción sino por inmersión.

Eso explica el halo místico, la contención contemplativa o, como comenta, la sensación de exploración, de búsqueda que está presente en la obra de Rábago.Rábago

Sí, podríamos decir que es pintura religiosa, pero sin el recurso a los símbolos con que, por cultura, tendemos a identificar con la religión, porque eso sería Iglesia. Y no debemos confundir a los santos con la religión. Dicho de otro modo, creo que se trata de recuperar el concepto de lo sagrado que hemos perdido. Probablemente, el núcleo de nuestros problemas es la ausencia de lo sagrado en nuestras vidas. Te pongo un caso: lo animalistas, a los que respeto mucho, tienen dificultades para explicar el porqué de su postura cuando dicen que hay que respetar a los animales porque son seres vivos. Yo creo que la cuestión es que son más que seres vivos, creo que todas las formas de vida son sagradas y como tal deben ser respetadas. Hemos materializado todo de tal manera, que todo se ha convertido en mercancía y se ha perdido el sentido de lo sagrado. Si no recuperamos ese concepto tendremos problemas para contrarrestar ese avasallamiento por parte de la materia inerte.

Podríamos decir que ha habido una consagración de la mercancía…

Sin duda. La religión es el dinero. Eso es el sistema, pero no quiere decir que esa deba ser también nuestra vida, porque es algo externo a nosotros. Yo entiendo que somos creadores de lo real y que, por lo mismo, tenemos una gran responsabilidad en la configuración de lo visible.

Queremos preguntarle por algunos de los motivos habituales en la pintura de Rábago.Rábago

Hay dos temas fundamentales: la búsqueda de la luz y el trabajo del hombre. Y ambos temas son inherentes a la esencia de la pintura, que es trabajo con la luz. Es decir, que ese elemento está integrado dentro de la propia pintura, porque el pintor lo que hace es trabajar con la luz, con las distintas formas en que la luz se refleja. Así, en el arte pictórico el continente y el contenido viene a ser lo mismo, y es lo que le da más coherencia. ¿Y algunos de los motivos?  Tienen que ver con esta idea: las ventanas, el mismo cuadro es una; los espacios abiertos, que cada vez son más recurrentes, lo mismo que los lugares al aire libre, como los bosques, sitios donde se producen cosas… En fin, es una obra muy abierta, por eso me resulta más complicado hablar de ella, porque, así como con las viñetas lo tengo más claro, está se está aún haciendo.

Las viñetas son de digestión inmediata, pero la obra de Rábago requiere una digestión más lenta.Rábago

Creo que toda la pintura necesariamente requiere más tiempo. Mi idea es que entre, que penetre y luego que actúe. Por eso es que siempre la pintura de Rábago es aparentemente amable; quiere acercarse con amabilidad, porque atropelladamente es más complicado acceder al otro. Luego hay otra cosa: la pintura trabaja a largo plazo, tiene vocación de perdurabilidad y además ha demostrado ser capaz de atravesar el tiempo, incluso el que se cuenta por siglos. ¡Y cómo no confiar en un vehículo temporal tan poderoso! Estas son de las cosas que más me gustan de la pintura.

¿Cuáles son sus fuentes de inspiración de su pintura?

Es muy difícil. Casi todo lo que he aprendido lo he aprendido en los libros y en los museos, que son mis dos grandes aficiones. Pero es casi imposible darte nombres concretos, pero los grandes maestros siempre están ahí. De algunos he aprendido y otros, si no aprendido, al menos los he valorado. Pero se trata de influencias múltiples, más hoy en día, en que esas influencias te llegan de todas partes. Finalmente, pertenecemos a una cultura, somos un punto dentro de una larga tradición, por eso, aunque te guste la pintura oriental, por poner un ejemplo, resulta muy complicado expresarse en un lenguaje que no te es propio aun pudiendo valorarlo. Más cuando nuestra tradición cultural es tan poderosa y su lenguaje y símbolos han atravesado el tiempo y hoy siguen muy vivos.

Para terminar, querríamos conocer su opinión sobre otras formas de expresión artística. Pensamos en casos como la publicidad, en si hay una parte salvable desde el punto de vista estético.

La publicidad es insalvable. De hecho, creo que cualquier artista que entre, aunque sea mínimamente, en el territorio de la publicidad habrá perdido una parte de su alma, quedando inutilizada para otros fines más nobles. La publicidad lo corrompe todo, destruye todo lo que toca. No deja de ser una prostitución y una mentira.

¿Y el graffiti?graffiti

No soy partidario del graffiti porque para mí resulta una forma de imposición a todo el que pasa por allí. Dicho esto, debo añadir que tampoco soy partidario de los anuncios en las calles o en los espacios públicos, que me parecen igualmente una imposición muy molesta, un modo de contaminación visual. El espacio público debe ser preservado lo más posible como lugar de encuentro y meditación.

La escuela ha dado a conocer los avances del contenido de la charla que el ilustrador ofrecerá el viernes en el Castillo de Pilas Bonas de Manzanares, acompañado de 50 de sus dibujos, que se exhiben en el espacio desde el 15 de marzo.

La institución ha indicado que el ilustrador hablará de la sátira como un “estruendo silencioso”, explicando sus múltiples funciones, entre las que se encuentra la de “hacer saltar los plomos de la transmisión de la manipulación informativa, fijar la atención en aspectos al margen del discurso oficial o cambiar la perspectiva para modificar la percepción”. En la misma línea, Andrés Rábago ha adelantado también a la Escuela de Ciudadanos que, a su parecer, la técnica del dibujo está viviendo una pequeña edad de oro y que “la sátira no es ajena a ello”.

El periodista Román Orozco, director de la Escuela de Ciudadanos, será el encargado de presentar al ilustrador. Tras la conferencia se abrirá un debate entre los asistentes y el ilustrador firmará también ejemplares de sus libros. El acto comenzará a las 20.3 de la tarde, y su entrada es gratuita y abierta a todo el público.

La Escuela de Ciudadanos de Manzanares se fundó en 2008 como una institución de promoción del debate abierto entre los ciudadanos. La primera “profesora” fue la escritora Almudena Grandes, a la que se unieron durante los años, diversas personalidades que han ejercido como docentes en los seis cursos que ha acogido la Escuela. En este, su sexto curso, la institución ha asistido a ponencias de Pepa Bueno, José Maríz Izquierdo, la Defensora del Pueblo, Soledad Becerril, el ex ministro de Educación Ángel Gabilondo y recibirá la visita del jurista Baltasar Garzón, quien cerrará el curso 2013-2014.