Viernes, 25 de octubre

20.47 h. Centauro llegando al Teatro Central. Vengo a ver lo último de Pablo Remón. Ganas de Remón, ganas de empezar la temporada en el Central.

21.05 h. Un tipo habla con otro tipo al que no vemos. La comunicación es circular y, al mismo tiempo, ambigua. Uno acaba de ser abandonado por su mujer, el otro sufre por la procesión de cabezudos de su pueblo. Luego, descubrimos que son dos hermanos y que hay un tercero que también anda por allí. Por allí es en algún lugar de La Mancha, en la casa del primo que vive en Madrid. Los tres hermanos se terminan metiendo unas rayas en el retrato de la abuela. Justo entonces, llega el primo madrileño, que ha sido portada de todos los periódicos por corrupción.

21.57 h. Me estoy riendo tela.

22.27 h. El final quiebra el humor en herida. Hay una conversación entre un padre (el primo, el mariachi, el político corrupto) y su hijo. En su deriva le dice a su hijo cosas que no debería decir ningún padre. Mi psicóloga diría que le está asegurando un sistema de apego dañado. Justo esa mezcla de egoísmo y generosidad en un mismo gesto explica mucho de lo que España fue y sigue siendo: gente de pueblo que se ha disfrazado de urbanita, que quieren enterrar lo que fueron; pero lo llevan en la sangre, en la mirada y los ademanes. Esa huida y el desprecio de eso que fueron, que fuimos, es una (parte de) la explicación de la corrupción endémica de este país.

Lunes, 28 de octubre

12.03 h. Estoy en la Fábrica de Artillería para ver la performance que culminará la confección del cartel de la próxima Bienal de Flamenco. Políticos y artistas, en esa extraña simbiosis de los lenguajes artísticos con prestigio de identitarios: ay, mis gitanos, os recibimos con alegría. Me presentan a la nueva Directora de Programas del ICAS, Getsemaní de Marcos. Le pregunto que cuánto lleva aquí, me dice que una semana. Entonces todavía le caerás bien a todo el mundo, le respondo. Medio sonríe. Ojalá le vaya bien y meta dos o tres cosicas en verea.

12.12 h. Se me ha ocurrido pensar que, ya que se ha montado este tinglado para una sola vez, se podían haber sorteado un puñado invitaciones entre personitas normales, a las que seguro que les haría mucha ilusión. Es populista sí, pero al menos habría diluido una mijita este microclima de elitismo de alcanfor, esta sensación de que los políticos y las mañanas han sustituido a los señoritos y la madrugada. Míralo, David. Es venir a estos sitios sin desayunar y nada más que ves lo negativo.

12.17 h. Aparecen Rocío y Lilita. Descuelgan el óleo que estaba en un bastidor y se acercan a dejarlo en el escenario. Rocío zapatea en los alrededores del lienzo. Cada vez tiene menos miedo al silencio y al vacío. Se me viene una palabra: post-virtuosismo. Se me viene una expresión: la bailaora dejó de buscar el ole del público, esa adrenalina, esa confirmación, y espera el ole interno. Un ole silencioso.

12.34 h. La bailaora y la artista ponen bocabajo el lienzo. Rocío zapatea sobre él, lo pliega intentando no interrumpir su danza. Yo quisiera verla suspender la danza para ir hacia esa performatividad que se promete, no ser la bailaora sino la rompeora. Se detiene. Yo no puedo evitar sentir que esta performance tiene algo de anacrónico, de remake del expresionismo abstracto.

12.55 h. Rocío y Lilita le dan la vuelta al lienzo y lo contemplan. Lilita no está contenta totalmente con el resultado y le indica a Rocío la zona por donde quiere que zapatee. Será porque no he desayunado, pero yo creo que una performance es una performance. Si te entregas al azar, aceptas su veredicto, no lo corriges. Eso sí, gracias a eso, me vivo el mejor momento de la pieza: la Molina con el rostro en el suelo, el óleo desquebrajado por sus tacones adherido a su cara. Hay algo carnal en ese momento, inevitable y, por tanto, real.  

13.03 h. Aparece por el fondo Juana la del Pipa y canta seguiriyas y remata por bulerías con el baile entregado y atento de la bailaora malagueña.

13.20 h. Lilita y Rocío nos cuentan. La pintora dice que el cartel tendrá dos partes: el lienzo intacto y después de la intervención de Rocío. Será así para, según ella, defender que el flamenco es tradición y modernidad. Para mí, decir estas dualidades es lo mismo que no decir nada. Me declaro queer de lo flamenco, cuestiono esta cosa binaria, no soy ni antigua ni moderna. Me voy a desayunar o a tomarme un brunch o un lo que sea.  

Martes, 29 de octubre

20.43 h. Con un resfriado de los de quiero dormir hasta que haya Gobierno, voy camino del Teatro Alameda a ver la nueva propuesta de Alberto Cortés que inaugura el Mes de danza.

21.07 h. Toso. Arranca Masacre en Nebraska con el patio de butacas hasta la corcha. La pieza tiene tres intérpretes fijos: Alberto, Andrea Quintana y Rebeca Carrera. En cada sitio que se representa incorpora, además, a voluntarios no profesionales como intérpretes y co-creadores. Vuelvo a toser.

 21.57 h. La obra es la reconstrucción de una supuesta pieza escénica que hizo historia en el teatro sevillano que es, en realidad, una combinación de recuerdos de obras emblemáticas de la escena contemporánea. Hay guasa y retranca. Tras la guasa, late un deseo de cuestionar esa jerarquía artística o, al menos, señala su peligro de paralizarnos, de convencernos de que es mejor que inventen ellos. Y no, nosotras también tenemos cosas que contar y maneras de hacerlo. Masacre en Nebraska es un dispositivo que trastoca el lugar de emisor y receptor en la comunicación escénica, la rigidez de esos roles.

22.07 h. Pienso que en la obra de Cortés están cada vez más presentes dos elementos: remezcla y pueblo. Esos dos vectores centran el discurrir de la obra, más allá de su contenido. Lo que se masacra aquí es el escenario como lugar en el que unos profesionales comunican una verdad al público. Pero el malagueño no se conforma con la destrucción. Tras ella, se reconstruye el teatro (esa vieja palabra que define a un edificio en que se junta la gente) como asamblea en la que todas somos protagonistas y todas tenemos que aportar.

22.35 h. Salgo corriendito del teatro casi sin decir adioses porque ya no aguanto más de pie. No voy a dormir hasta que haya Gobierno, que no quiero ser la nueva bella durmiente. Bueno, o fea durmiente, eso ya va en los gustos. Pero sí que voy a dormir hasta mañana. 

El grupo de música Nebraska presentará su nuevo trabajo, 'Origen', en la sala Black Bird (Calle Vista Alegre, 13) de la capital cántabra. El concierto tendrá lugar este viernes 8 de diciembre y dará comienzo a las 21.30 horas. En el evento les acompañarán los cantantes de ADN, Stock y The Black Girls. La entrada costará 2 euros y por 6 la entrada estará acompañada del disco 'Origen'.

El grupo ha presentado este completo EP con seis canciones inéditas. 'Dulce Veneno', 'Fuera de combate', 'Cristal Blindado', 'Corazón de hueso', 'Caída libre' y 'No me mires así', componen el nuevo disco de una banda que quiere seguir trabajando en su música y poco a poco hacerse un hueco en la escena musical nacional.

Apenas ha pasado un año desde que se formó a manos de Rubén Méndez y Carlos Moreno, y posteriormente incluyeron a Daniel Ruiz y Victor Gimeno al grupo para dotarlo de mayor calidad. Juntos forman una de las bandas cántabras con mayor recorrido por delante dentro del rock español.

Nebraska también ha participado con anterioridad en la tercera edición del Festival Rock en la Feria, donde compartió cartel con El Drogas, Sinkope, Warcry, Barón Rojo, La Pegatina o Amaral. Ahora presentan su nuevo trabajo.

La banda cántabra Nebraska participará en la tercera edición del festival Rock en la Feria, que se celebrará del 11 al 13 de agosto en el exterior de la Feria de Muestras de Torrelavega, y que contará también con grupos de la talla de El Drogas, Sínkope, Warcry, Barón Rojo, La Pegatina o Amaral.

Este joven grupo de rock se incorpora al cartel de Rock en la Feria en sustitución de Carroña, que ha tenido que suspender su actuación, prevista para el viernes 11 de agosto, por un problema de salud de uno de sus integrantes.

Nebraska nació a principios del año 2016 con el impulso de Rubén Méndez y Carlos Moreno, que incorporaron posteriormente a Daniel Ruiz y Víctor Gimeno al grupo, con el objetivo de aportar su amor por la música al panorama del rock cántabro.

Después de meses de intenso trabajo, comenzaron su periplo con diversos directos en salas como Escenario Santander y recientemente han grabado su primera maqueta y los tres primeros temas de su futuro EP en el estudio de Nando G. Miguel, guitarrista de La Fuga.

En esta primera jornada del festival compartirán escenario con El Drogas, que presenta en Cantabria su exitosa gira ‘Un día nada más’; con los extremeños Sínkope, que, tras más de 25 años de carrera y 12 discos, siguen recorriendo su camino con paso firme, y con Gritando en Silencio, que se encuentran en plena gira de ‘La edad de mierda’.

Además, para la jornada del sábado 12 de agosto, el festival torrelaveguense ha programado las actuaciones de Warcry, Barón Rojo, Tregua, DJ Fénix y Emboque, que pondrá el toque cántabro a la noche. Como cierre de Rock en la Feria, para el domingo 13 de agosto, está prevista la actuación de Amaral, La Pegatina, Maneras de Vivir, Poetas de Botella y DJ Mystique.

Entradas a la venta

Desde la organización del Festival Rock en la Feria se sigue apostando por precios populares, con entradas de día a 15 euros, y entradas de primera fila a 33 euros. Las entradas de primera fila permiten el acceso a la zona más cercana al escenario, separada del recinto general, y cuentan con zona de baños y hostelería propios. También se pueden adquirir abonos para todos los conciertos a un precio de 30 euros y abonos de primera fila por 71 euros.

Las entradas están a la venta en la web del festival, www.rockenlaferia.com y en El Corte Inglés, tanto en sus establecimientos como en la web www.elcorteingles.es/entradas y en el teléfono 902 400 222, así como en todos los puntos de venta físicos habituales.

El festival cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Torrelavega, la Consejería de Innovación, Industria, Turismo y Comercio del Gobierno de Cantabria, Viesgo, Parte Automóviles, Alsa, Amstel Ballantine’s y Gallofa&Co y está organizado por Mouro Producciones y MG Producciones.

Este domingo, 2 de marzo, se desvelarán todas las incógnitas. ¿La Academia apostará por su episodio americano de redención? ¿O por la magnificencia técnica del espacio? No sabremos si premiará a su niño olvidado por su papel de lobo, o si se inclinará ante un renovado McConaughey. Entre guiones originales y conmovedores, ¿se quedará con Her o con Nebraska? Y eso sin hablar de la categoría de actriz secundaria, más reñida que nunca.

De momento sólo podemos analizar los precedentes de sus directores y actores, y las impresiones que despertaron en sus respectivos estrenos. Tampoco te pierdas los vídeo-resúmenes, una forma rápida y aclaratoria de repasar las categorías a las que aspiran estas nueve magníficas.

12 años de esclavitud

12 años de esclavitud

«El director de Shame y Hunger es especialista en hacer del cine una denuncia y de la denuncia una huella imborrable en la memoria del séptimo arte. Ya lo hizo en 2008 con un homenaje a la huelga de hambre de los republicanos norirlandeses y tres años más tarde con un provocativo y explícito film sobre la adicción sexual. Ahora le toma el relevo a Tarantino en el reflejo de uno de los episodios más traumáticos de la historia del continente americano. Pero McQueen, con su crudeza característica, se ha alzado como el mejor retratista de este drama racial.

Es conocida la presión psicológica y física a la que el cineasta británico somete a sus actores para magnificar sus interpretaciones. En esta ocasión, Ejiofor como Solomon Northup y Fassbender -sempiterna cara en el cine de McQueen- como el despiadado extorsionador, son los encargados de prestar su cuerpo y alma. El canje es un resultado vibrante y estético que les ha catapultado diectamente hacia los Oscar. Se les une un plantel de extraordinarios secundarios, una música evocadora y una fotografía sencilla y certera. O lo que es lo mismo, un triunfo antes de proyectarlo en la gran pantalla.» - Mónica Zas

Gravity

Gravity

«Entre un mar de estrellas y basura espacial, encontramos a los dos personajes que Alfonso Cuarón decide sumir en el caos y el desastrel. Al margen de su ausente calidad en el guión, escrito por su hijo Jonás, el mexicano hace uso de una perfecta narrativa y técnica para implicar al espectador como un astronauta más sumergido en la gravedad cero. Infectado de metáforas y meta-referencias, es necesario ver esta película en más de una ocasión para, primero entender todos los homenajes a su filmografía; segundo, encontrar las pasiones más claras de Cuarón - su amor por el plano secuencia -; y tercero, la lectura metafórica que uno puede llegar a hacer.

Su dinámico diálogo y rítmico montaje nos embaucan en una increíble experiencia sensorial que indudablemente ha de disfrutarse en tres dimensiones. La nueva propuesta de Cuarón abandona la narrativa moderna para sumergirse en la pantalla verde, cuya dirección ya le ha hecho ganar un reñido Globo de Oro.» - Alejandro Navarro

Capitán Phillips

Capitán Phillips

«La aventura en alta mar de Paul Grengrass no ha despertado tantas pasiones como se esperaba. Pese a su ritmo ágil y neurótico, que te mantiene pegado a la butaca como una centrifugadora, el thriller pasará sin pena ni gloria por el Dolby Theatre. La excepción quizá la encontramos en Barkhad Abdi, un antiguo conductor de limusinas, rescatado para imponerse sobre los restantes piratas. Él cuenta con una oportunidad porque ya se sabe lo dada que es la Academia a colgarse medallas heroicas. Pero no el cabecilla del cartel ni el artífice de la reconstrucción, que no necesitarán marcar en rojo en el almanaque el día 2 de marzo.» - Mónica Zas

El lobo de Wall Street

El lobo de Wall Street

«Con el reciente sabor de boca de las nominaciones a los Oscar de este 2014, resuena una pregunta ya conocida: ¿será esta la vencida de Leonardo DiCaprio? Sin duda, la interpretación del broker desorbitado que se pasa el día entre billetes, botellas y caderas, le ha situado de nuevo en el mapa. No sin la ayuda de su apadrinador Marty, como él le llama. Scorsese ha confiado en su actor fetiche hasta los límites del absurdo. Le ha escrito un papel extravagante y pirotécnico que nada tiene que ver con la comedida imagen a la que nos tiene acostumbrados el niño mimado de Hollywood (y odiado de Tarantino).

Howard Hughes en El aviador, Amsterdam en Gangs of New York, Billy Costigan en Infiltrados, Teddy Daniels en Shutter Island y ahora el lobo de Jordan Belfort. Cinco regalos, cinco colaboraciones y cuatro de ellas desdeñadas en las alfombras rojas. Los Globos de Oro nos han puesto en precedentes. Veremos si el tiempo sitúa en su lugar a este tándem el próximo 2 de marzo también en el Dolby Theatre.» - Mónica Zas

La gran estafa americana

La gran estafa americana

«Llega a nuestras carteleras el estreno que ha monopolizado titulares desde el pasado 16 de enero. La nueva cinta de David O. Russel conquistó a los académicos con sus tupés, escotes imposibles y la vistosa recreación de los años 80. Quién se atreve ahora a insinuar que el director de El lado bueno de las cosas va dando tumbos como pollo sin cabeza. Quién afirma ahora que no es el camaleón más astuto de Hollywood. Ese bamboleo de identidades tan criticado culmina con un éxito rotundo y unas cuantas bocas cerradas. Progresión es una palabra que no reconoce este nuevo O. Russel, que ha irrumpido en el mapa estelar como una supernova.

La receta se encuentra en el milagro alquimista que le ha llevado a copar la pantalla con un puñado de apellidos infalibles. Nada de “actores amuleto” como Scorsese, él no se anda con chiquitas y reúne a toda una liga fetiche. Pone de nuevo a Cooper en la mesa de los mayores; ficha a Lawrence y Adams, las más rifadas del panorama actual; mima a su Jeremy Renner para que le regale una actuación de miedo; y transmuta a Bale en una suerte de líder canalla. Voilà.» - Mónica Zas

Her

Her

«Pocas veces veremos a Joaquin Phoenix en una vis tan adorable como en lo nuevo de Spike Jonze. Una película romántica y cuidada al milímetro que está levantando pasiones allá por donde pasa. Aunque su guión no deja de ser un merengue de amor imposible, el conceptualizarlo en uno especialmente complicado le otorga un irreal aura de originalidad. Lo que no se puede negar es que nunca la historia del cine asistió a esa química, que desafía los límites espacio-temporales, entre un humano y una voz artificial. Un ramalazo de peculiaridad que recuerda a anteriores obras del cineasta, no menos tiernas, como Donde viven los monstruos.

Pero no todo es trama, con unos colores propios de caleidoscopio y una estética vintage, Jonze nos traslada a un futuro cercano pero reconocible. Aunando pantalones altos de pinzas con los eternamente iluminados rascacielos y una limpieza pulcra de escenarios, logra que nos colguemos de la pantalla. La banda sonora y la naturalidad de la voz de Johansson ponen la música a este producto que no disimula sus intenciones de enamorar. Y enamorar sin tópicos y pasteladas, ojo, que no es fácil. El conjunto convence y nos da una buena lección sobre de las intimidades y los acechantes progresos tecnológicos. Aunque eso no sea lo que pretende su director.» - Mónica Zas

Nebraska

Nebraska

«Al compás del engaño televisivo “¡Ha ganado usted un millón de dólares!”, surge esta historia emocionalmente real. Bebiendo de Bogdanovich y David Lynch, el director de Entre copas regresa a su tierra natal, Nebraska. La excusa será un viaje redentor por Ítaca para desvelarnos una relación paternofilal que, como repetitivo leit motiv de Payne, nada tiene que ver con lo convencional. El esqueleto de la cinta tiene mucho de Los descendientes, una expedición personal y melancólica, con toques absurdos y el particular trasfondo cínico.

Aunque el guión estaba escrito y pensado para el actor Gene Hackman, finalmente Bruce Dern se puso en la piel del disparatado cabecilla. Él lidera, pero su premiada interpretación se completa con un veterano y delicioso plantel de secundarios. Payne demuestra así que es capaz de maridar todo tipo de estilismos y formatos, y que se siga reconociendo su sello en ellos. En esta ocasión coquetea con el género road movie y con las tramas homéricas sin perder su patentada nostalgia. Madura y redonda.» - Mónica Zas

Dallas Buyers Club

Dallas Buyers Club

«Desde la propuesta problemática más extraña, Matthew McConaughey transforma a su personaje, Ron Woodroof de un ser despreciable y difícil de ver en alguien por el que sentir compasión. Como cuando, hasta que no te afecta a ti, no te das cuenta de lo que te puede llegar a importar. Esa podría ser una clara definición de lo que Dallas Buyers Club puede llegar a ser. De ser gamberra a intimista.

La destacable interpretación de McConaughey no hace sombra a la de Jared Leto que es impecable y conecta perfectamente con Woodroof. Sin duda se lo han puesto muy difícil este año a DiCaprio, Ejiofor, Abdi y Fassbender, que venían pisando fuerte.» - Alejandro Navarro

Philomena

Philomena

«El sentido común enfrentado a la ironía o lo que es lo mismo, Philomena contra Martin. Así se nos pone sobre la palestra la candidez de una madre en busca de su hijo y acompañada por un periodista venido a menos. Bajo la apariencia de no abusar de un hecho ignominioso como es el de los niños robados por la iglesia, nace este verdadero dramón. Frears pretende disimular la intención de conmover, utilizando el contrapunto sarcástico de Steve Coogan, pero no parece que lo haya conseguido. Se queda en un limbo entre la intensidad, como El Intercambio de Eastwood, y la calamidad de la madre coraje.

Tema aparte es Judi Dench. Haciendo una odiosa comparativa con su fantástica y desencantada Amande Voizin en Chocolat, Philomena se presta a menos matices. Sin embargo, los suficientes para arrasar en los palmarés de moda. Aunque las posibilidades de acompañar a aquella estatuilla por Shakespeare in Love son casi inexistentes, siempre es un gusto verla en la alfombra roja. Y en la pantalla, por supuesto. Por lo menos el director de The Queen ha demostrado una vez más que sabe orquestar a las veteranas más brillantes, ¿o será al revés?» - Mónica Zas

[Vídeos: Alejandro Navarro Bustamante]

La libertad en Hollywood no es derecho natural, sino un privilegio que debe ganarse película tras película. Después de dos éxitos como “Entre copas” y “Los descendientes”, el director Alexander Payne era libre para acometer cualquier proyecto. Eso es “Nebraska”: un ejercicio de plena libertad.

Rodada en blanco y negro y sin estrellas en el reparto, “Nebraska” se erige ya como el manual de la perfecta película independiente. De acuerdo, poca independencia puede haber cuando se tiene detrás a un gran estudio como Paramount. Pero si observamos el cine independiente bajo una lente más ética que monetaria, desde luego “Nebraska” participa de ese espíritu y lo hace con todos su riesgos y consecuencias. Tiene la complejidad que sólo las películas sencillas saben tener. Es directa y contundente como un puñetazo, suave y cálida como una caricia. Sobre todo, es un tratado de humanidad comprimido en apenas dos horas en las que se cuenta la relación entre un padre y su hijo. El espectador no llega a saber mucho sobre ellos ni sobre el resto de la familia, en realidad poco importan los detalles. Se percibe que han estado mucho tiempo distantes y que ahora buscan cualquier excusa para estar juntos, por ejemplo, emprender un viaje para ir a recoger un absurdo premio. Como tantas otras veces, el premio será el propio viaje.

Pero “Nebraska” no es una road movie convencional, en parte por el guión escrito por Bob Nelson y en parte por el trabajo de los actores. No se sabe bien dónde termina uno y dónde comienza el otro, en qué momento la palabra escrita incide sobre los intérpretes y viceversa. Hay tanta credibilidad y tanta química, que la autoría de “Nebraska” está bien repartida: Bruce Dern y Will Forte consiguen introducir sus personajes debajo de la piel, hasta el punto que cuesta creer que están representando una ficción. Lo mismo sucede con sus compañeros de reparto, figuras enmarcadas en un paisaje poco habitual en el cine.

El retrato que hace Payne de la América profunda que resiste como puede los embates del desempleo y la precarización de una economía mermada, aparece en “Nebraska” con toda su crudeza. El director evita la tentación de incidir en las desgracias o de esterilizarlas bajo el filtro de la cámara de cine. Como en anteriores películas, aquí también el humor se convierte en el catalizador de las tristes vidas de los personajes y hace tolerable sus soledades. Es un humor agridulce, que lo mismo convoca la risa que la congela un instante después.

Lo divertido de las situaciones contrasta con lo amargo de las imágenes, y esta dicotomía es una de las señas de identidad del film. Frío y calor, blanco y negro, comedia y drama. Elementos que se conjugan bien en la película, como la fotografía de Phedon Papamichael y la música de Mark Orton. Ambos respiran el mismo aire, contribuyen a construir el estilo de la película que Payne basa en la ocultación. La cámara permanece la mayoría de las veces a la altura de los personajes, sin efectos ópticos ni movimientos innecesarios, atenta únicamente a lo que tiene delante: el espectáculo del ser humano, con sus grandezas y sus miserias. Eso es honestidad, lo que también puede ser un estilo.

Se diría que Payne recorre el camino inverso al de tantos cineastas, y en lugar de prolongar sus aciertos o de enriquecer un estilo, lo depura hasta el límite haciendo suya la máxima de que menos es más. Lo que para muchos directores es un problema: la escasez presupuestaria y la necesidad de aprovechar los mínimos recursos, para Payne resulta ser un estímulo, casi un reto. Aquí no hay retórica ni coartadas que valgan, se impone el cine en crudo, sin aditivos ni colorantes. Cine de madurez, que nos invita a vaticinar los buenos momentos que nos deparará con los años el cine de Alexander Payne.

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Rodada enblanco y negro y sin estrellas en el reparto, “Nebraska” se erige yacomo el manual de la perfecta película independiente. De acuerdo, pocaindependencia puede haber cuando se tiene detrás a un gran estudio comoParamount. Pero si observamos el cine independiente bajo una lente más éticaque monetaria, desde luego “Nebraska” participa de ese espíritu y lohace con todos su riesgos y consecuencias. Tiene la complejidad que sólo laspelículas sencillas saben tener. Es directa y contundente como un puñetazo,suave y cálida como una caricia. Sobre todo, es un tratado de humanidadcomprimido en apenas dos horas en las que se cuenta la relación entre un padrey su hijo. El espectador no llega a saber mucho sobre ellos ni sobre el restode la familia, en realidad poco importan los detalles. Se percibe que hanestado mucho tiempo distantes y que ahora buscan cualquier excusa para estarjuntos, por ejemplo, emprender un viaje para ir a recoger un absurdo premio.Como tantas otras veces, el premio será el propio viaje.

Pero“Nebraska” no es una road movieconvencional, en parte por el guión escrito por Bob Nelson y en parte por eltrabajo de los actores. No se sabe bien dónde termina uno y dónde comienza elotro, en qué momento la palabra escrita incide sobre los intérpretes yviceversa. Hay tanta credibilidad y tanta química, que la autoría de“Nebraska” está bien repartida: Bruce Dern y Will Forte consiguenintroducir sus personajes debajo de la piel, hasta el punto que cuesta creerque están representando una ficción. Lo mismo sucede con sus compañeros dereparto, figuras enmarcadas en un paisaje poco habitual en el cine.

El retrato quehace Payne de la América profunda que resiste como puede los embates deldesempleo y la precarización de una economía mermada, aparece en“Nebraska” con toda su crudeza. El director evita la tentación deincidir en las desgracias o de esterilizarlas bajo el filtro de la cámara decine. Como en anteriores películas, aquí también el humor se convierte en elcatalizador de las tristes vidas de los personajes y hace tolerable sussoledades. Es un humor agridulce, que lo mismo convoca la risa que la congelaun instante después.

Lo divertidode las situaciones contrasta con lo amargo de las imágenes, y esta dicotomía esuna de las señas de identidad del film. Frío y calor, blanco y negro, comedia ydrama. Elementos que se conjugan bien en la película, como la fotografía dePhedon Papamichael y la música de Mark Orton. Ambos respiran el mismo aire,contribuyen a construir el estilo de la película que Payne basa en laocultación. La cámara permanece la mayoría de las veces a la altura de lospersonajes, sin efectos ópticos ni movimientos innecesarios, atenta únicamentea lo que tiene delante: el espectáculo del ser humano, con sus grandezas y susmiserias. Eso es honestidad, lo que también puede ser un estilo.

Se diría quePayne recorre el camino inverso al de tantos cineastas, y en lugar de prolongarsus aciertos o de enriquecer un estilo, lo depura hasta el límite haciendo suyala máxima de que menos es más. Lo quepara muchos directores es un problema: la escasez presupuestaria y la necesidadde aprovechar los mínimos recursos, para Payne resulta ser un estímulo, casi unreto. Aquí no hay retórica ni coartadas que valgan, se impone el cine en crudo,sin aditivos ni colorantes. Cine de madurez, que nos invita a vaticinar losbuenos momentos que nos deparará con los años el cine de Alexander Payne.

La libertad en Hollywood no es derecho natural, sino un privilegio que debe ganarse película tras película. Después de dos éxitos como “Entre copas” y “Los descendientes”, el director Alexander Payne era libre para acometer cualquier proyecto. Eso es “Nebraska”: un ejercicio de plena libertad.

Rodada en blanco y negro y sin estrellas en el reparto, “Nebraska” se erige ya como el manual de la perfecta película independiente. De acuerdo, poca independencia puede haber cuando se tiene detrás a un gran estudio como Paramount. Pero si observamos el cine independiente bajo una lente más ética que monetaria, desde luego “Nebraska” participa de ese espíritu y lo hace con todos su riesgos y consecuencias. Tiene la complejidad que sólo las películas sencillas saben tener. Es directa y contundente como un puñetazo, suave y cálida como una caricia. Sobre todo, es un tratado de humanidad comprimido en apenas dos horas en las que se cuenta la relación entre un padre y su hijo. El espectador no llega a saber mucho sobre ellos ni sobre el resto de la familia, en realidad poco importan los detalles. Se percibe que han estado mucho tiempo distantes y que ahora buscan cualquier excusa para estar juntos, por ejemplo, emprender un viaje para ir a recoger un absurdo premio. Como tantas otras veces, el premio será el propio viaje.

Pero “Nebraska” no es una road movie convencional, en parte por el guión escrito por Bob Nelson y en parte por el trabajo de los actores. No se sabe bien dónde termina uno y dónde comienza el otro, en qué momento la palabra escrita incide sobre los intérpretes y viceversa. Hay tanta credibilidad y tanta química, que la autoría de “Nebraska” está bien repartida: Bruce Dern y Will Forte consiguen introducir sus personajes debajo de la piel, hasta el punto que cuesta creer que están representando una ficción. Lo mismo sucede con sus compañeros de reparto, figuras enmarcadas en un paisaje poco habitual en el cine.

El retrato que hace Payne de la América profunda que resiste como puede los embates del desempleo y la precarización de una economía mermada, aparece en “Nebraska” con toda su crudeza. El director evita la tentación de incidir en las desgracias o de esterilizarlas bajo el filtro de la cámara de cine. Como en anteriores películas, aquí también el humor se convierte en el catalizador de las tristes vidas de los personajes y hace tolerable sus soledades. Es un humor agridulce, que lo mismo convoca la risa que la congela un instante después.

Lo divertido de las situaciones contrasta con lo amargo de las imágenes, y esta dicotomía es una de las señas de identidad del film. Frío y calor, blanco y negro, comedia y drama. Elementos que se conjugan bien en la película, como la fotografía de Phedon Papamichael y la música de Mark Orton. Ambos respiran el mismo aire, contribuyen a construir el estilo de la película que Payne basa en la ocultación. La cámara permanece la mayoría de las veces a la altura de los personajes, sin efectos ópticos ni movimientos innecesarios, atenta únicamente a lo que tiene delante: el espectáculo del ser humano, con sus grandezas y sus miserias. Eso es honestidad, lo que también puede ser un estilo.

Se diría que Payne recorre el camino inverso al de tantos cineastas, y en lugar de prolongar sus aciertos o de enriquecer un estilo, lo depura hasta el límite haciendo suya la máxima de que menos es más. Lo que para muchos directores es un problema: la escasez presupuestaria y la necesidad de aprovechar los mínimos recursos, para Payne resulta ser un estímulo, casi un reto. Aquí no hay retórica ni coartadas que valgan, se impone el cine en crudo, sin aditivos ni colorantes. Cine de madurez, que nos invita a vaticinar los buenos momentos que nos deparará con los años el cine de Alexander Payne.

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Nebraska

NebraskaDirector: Alexander Payne

Intérpretes: Bruce Dern, Will Forte, Bob Odenkirk,Stacy Keach y June Squibb

País: EE.UU

En V.O: Nebraska

Al compás del engaño televisivo “¡Ha ganado usted un millón de dólares!”, surge esta historia emocionalmente real. Bebiendo de Bogdanovich y David Lynch, el director de Entre copas regresa a su tierra natal, Nebraska. La excusa será un viaje redentor por Ítaca para desvelarnos una relación paternofilal que, como repetitivo leit motiv de Payne, nada tiene que ver con lo convencional. El esqueleto de la cinta tiene mucho de Los descendientes, una expedición personal y melancólica, con toques absurdos y el particular trasfondo cínico.

Aunque el guión estaba escrito y pensado para el actor Gene Hackman, finalmente Bruce Dern se puso en la piel del disparatado cabecilla. Él lidera, pero su premiada interpretación se completa con un veterano y delicioso plantel de secundarios. Payne demuestra así que es capaz de maridar todo tipo de estilismos y formatos, y que se siga reconociendo su sello en ellos. En esta ocasión coquetea con el género road movie y con las tramas homéricas sin perder su patentada nostalgia. Madura y redonda.

La LEGO película

La LEGO películaDirector: Phil Lord y Chris Miller

Intérpretes: Will Ferrell, Liam Neeson, Elizabeth Banks y Morgan Freeman

País: Australia

En V.O: The LEGO movie

Lo que ha conseguido esta película no suele darse en el panorama cinematográfico: descolocar a la crítica. Es un sentimiento que todos describen como común, ilógico y fantástico. La primera de las ventajas es que, teniendo a la Warner de productora, se hace uso de un sinfín de míticos personajes propiedad del emblema corporativo. Desde los superhéroes de DC Cómics, hasta Harry Potter, pasando por el universo de la Tierra Media y el batmóvil. Todos tienen cabida en una aventura que partía como una simple y nada camuflada estrategia de márketing.

El triunfo es que acabas sucumbiendo, acabas pensando que este hierático juguete es lo mejor del mundo. El segundo de los puntos fuertes es la historia, una apología de la libertad artística. Haciendo gala de un humor blanco para los más pequeños y unos guiños cinéfilos para los que no lo son tanto, LEGO está arrasando por todos los rincones del planeta. Así, los artífices de Lluvia de albóndigas firman la gran sorpresa de la temporada.

Pussy Riot: una plegaria punk

Pussy Riot: una plegaria punkDirector: Maxim Pozdorovkin y Mike Lerner

Intérpretes: Mariya Alyokhina, Ekaterina Samutsevich, Nadezhda Tolokonnikova, Andrey Tolokonnikov, Dmitry Medvedev y Vladimir Putin

País: Reino Unido, Rusia

En V.O: Pokazatelnyy Protsess: Istoriya Pussy Riot

La sociedad moscovita se ha visto revolucionada desde que el pasado 21 de febrero de 2012 tres jóvenes artistas irrumpiesen en la catedral más famosa de Moscú. Los medios internacionales han puesto el foco en el país gobernado por Vladimir Putin y sus retrógradas medidas han dado la vuelta al mundo. Faltaba el documental. El grupo punk-rock feminista Pussy Riot ya se ha ganado el puesto en el limbo del activismo, pero queda mucho por conocer.

Después de haber arrasado en el totémico festival norteamericano, Sundance, llegan finalmente a nuestras pantallas. La cinta del director Pozdorovkin, nominado al Oscar por su documental Ida y vuelta al infierno, pretende acercarnos sin medias tintas a los inicios, los por qué y los cómo de este fenómeno global.

Apoyada sobre todo en las interpretaciones y rodada en blanco y negro, en formato cinemascope, Nebraska se ha colado en la carrera al Oscar a la mejor película de este año, copando seis nominaciones. Es la opción sobria frente a competidoras como Gravity, El Lobo de Wall Street, 12 años de esclavitud o La gran estafa americana. Frente a ellas ellas, Nebraska cuenta a su favor con una historia excepcionalmente trabajada donde brillan sus actores y las emociones juegan un papel fundamental.

Woody Grant (Bruce Dern) es un hombre casi octogenario que está de vuelta de todo. Machacado por síntomas de Alzheimer que le van dejando lagunas y ruina personal, se siente ganador de un gran premio al haber recibido una carta para comprar libros. La carta pone claramente que ha ganado un millón de dólares y él se lo quiere creer. “Me dicen que he ganado”, insiste Woody a su mujer (June Squibb) y su hijo David (Will Forte). Es imposible hacerle creer que está equivocado y que solo se trata de un timo promocional.

El espectador no tiene dudas: el premio de la lotería es un simple MacGuffin, la excusa para que Woody y David emprendan un viaje iniciático para conocerse de verdad. El ciclo de la vida sigue su curso y los hijos en la treintena parecen olvidar a sus padres, que siguen su hueca existencia. Y ahí es cuando David se da cuenta que aún puede hacer mucho por este anciano cascarrabias al que una vez quiso y que ahora parece un extraño para él. El viaje -físicamente hablando- empieza Montana, en la ciudad de Billings, y llega a su fin en Lincoln, capital de Nebraska.

Recordando vagamente a 'Una historia verdadera'

Esta road movie disfrazada de melodrama familiar encuentra predecesora en Una historia verdadera, la menos lynchniana de las películas de David Lynch. Hay en ambas un personaje de avanzada edad que debe cumplir un objetivo concreto, antes de que llegue su final y ponen todo su empeño en conseguirlo. Pero, mientras en la de Lynch la excusa del viaje era el reencuentro familiar del protagonista con su hermano, en Nebraska la excusa es ese prosaico millón de dólares a la lotería. O, mejor dicho, la convicción de haberlo ganado.

Las obras más conocidas de la filmografía de Alexander Payne -incluyendo Entre Copas, Los Descendientes y Nebraska- tienen como nexo la reconexión familiar y el viaje iniciático. Los Descendientes trataba un divorcio al borde de la muerte con engaño amoroso incluido, pero el tono era amable, con la familia como vehículo de salvación. Nebraska profundiza más en las relaciones paterno-filiales, pero sin caer en la cursilería.

El tono de la película está marcado por sus conversaciones. El trayecto sirve para que padre e hijo se hablen con el corazón en la mano y se digan cosas de este calibre:

-¿Papá, para qué quieres tú un millón de dólares?

-Para comprarme una camioneta nueva.

-Una camioneta no cuesta tanto ¿para qué quieres el resto?

-Eso es para dejároslo a vosotros

-No lo necesitamos, papá. Estamos bien.

En esas charlas hay detalles asombrosos de cinismo y humor. En la crisis sentimental del joven David se ve reflejado el matrimonio plagado de incomprensiones de sus propios padres. Así le pregunta a Woody, entre cerveza y cerveza:

-¿Estuviste alguna vez enamorado de mamá?

-En el pasado sí, supongo.

-¿Pensaste en separarte al dejar de quererla?

-¿Para qué? Hubiera encontrado a otra pero me hubiera dado el coñazo igualmente.

Pero no solo hablando se conoce a uno de tus parientes más cercanos. David llegará a convivir con vecinos y familiares de su padre -tíos y primos que le son aún más lejanos que muchos desconocidos- y, por casualidad, conocerá a una antigua novia de su padre. Todos ellos le ayudarán a construir una visión más intima de un hombre al que ahora sí querrá de verdad, quizá por primera vez en su vida.

Payne es oriundo de Omaha (Nebraska), la segunda ciudad de la región tras Lincoln, capital del estado y donde acontece buena parte del filme. La ciudad es representativa de los valores conservadores que se mantienen en muchos lugares de EE.UU. Por eso Payne quiere que el protagonista tenga allí sus orígenes y será el lugar al que volverá junto a su hijo. Los familiares les acogen con desinterés hasta que Woody dice a todo el mundo que ha ganado la lotería. Todos le intentan pedir viejas cuentas, los vecinos le dan la enhorabuena pero le envidian, florecen las rivalidades y desconfianzas...

Payne parece querer avisar sobre cuidar las relaciones presentes ante la fugacidad de la vida. Porque realmente ¿de qué serviría ganar tanto dinero que casi no da tiempo a gastar cuando ya se está en la ancianidad?

Bruce Dern, en el punto de mira

Aunque el reparto esté a gran altura (William Forte, June Squibb, Bob Odenkirk, Stacy Keach) es el personaje de Woody (Bruce Dern) el que brilla sobre todos. El declive físico y especialmente psíquico del personaje se torna real en Dern, quien retrata a ese viejo cabezota del que es difícil desengancharse. Se resigna a dejar de beber y sigue soñando con su camioneta nueva. Casi ni le importa recuperar aquella cosechadora que prestó hace décadas a quien fuera uno de sus mejores amigos. Lo que quiere es que le dejen en paz y hacer lo que le apetezca, como tomarse una cerveza fresca. Su única ilusión es ir a recoger su “premio”, y aunque nadie le haga caso y no pueda conducir, está dispuesto a llegar a su destino a toda costa.

Dern, que ha trabajado con grandes directores como Hitchcock (Marnie la ladrona, La Trama), Coppola (en esa rareza llamada Twix), Sidney Pollack (Danzad, danzad, malditos) o Elia Kazan (Río salvaje) no para de mostrar alabanzas a Payne: “Nunca me han dado un papel tan fabuloso en toda mi carrera”. A sus 77 años vuelve a estar nominado a un Oscar por una interpretación. Es la segunda vez tras El Regreso (1978) aunque aquella ocasión fuera por un papel de reparto. Parece estar en racha porque ha confirmado que repetirá con Tarantino en The Hateful Eight, nuevo proyecto del realizador.

Junto a Dern son William Forte y June Squibb quienes han copado nominaciones a los Globos de Oro y los Oscar. Su mayor éxito y el de Payne es haber hecho creíble una cinta que, pase el tiempo que pase, se tornará clásica y de obligada recuperación en momentos futuros.