Piasco es un pequeño municipio piamontés situado en la provincia de Cuneo, justo a la entrada del pintoresco valle Varaita. Este enclave histórico, que perteneció al Antiguo Marquesado de Saluzzo, destaca por albergar el único museo del mundo dedicado exclusivamente al arpa. La localidad combina sus raíces medievales con una vibrante tradición cultural que atrae a numerosos visitantes. Sus paisajes alpinos proporcionan el escenario perfecto para un viaje a la música, y es que el pueblo se ha convertido en un punto de referencia internacional gracias a la visión de la familia Salvi.

El Museo dell'Arpa Victor Salvi fue inaugurado oficialmente el 28 de enero de 2006, marcando un hito en la historia de la región. Es una institución gestionada por una asociación sin ánimo de lucro que busca difundir la cultura de este instrumento. Desde su apertura, miles de personas han cruzado sus puertas para explorar la evolución técnica y artística de las cuerdas. Se trata del primer espacio polifuncional diseñado para rendir homenaje a la historia sonora del arpa antigua y moderna. La instalación no solo ofrece exposiciones, sino que cuenta con un auditorio y una tienda especializada. Su misión principal es educar a las nuevas generaciones sobre la importancia de este instrumento milenario. El museo es el resultado de un sueño que buscaba reunir la artesanía y la pasión musical, un referente absoluto tanto para arpistas profesionales como para simples amantes del arte.

La estructura del museo es una obra maestra de la arquitectura contemporánea firmada por el arquitecto Dario Castellino. Se ubica sobre una antigua fábrica textil del siglo XIX. El diseño exterior utiliza paredes metálicas reflectantes que contrastan deliberadamente con el ladrillo visto del edificio industrial original. Al entrar, los visitantes acceden mediante una gran escalera de caracol suspendida por cables que evocan las cuerdas. El interior está revestido de madera para simular la caja de resonancia de un arpa, creando un ambiente inmersivo. Grandes ventanales permiten observar los bosques del valle, integrando la naturaleza alpina con el espacio expositivo. El techo cuenta con aperturas estratégicas que invitan a contemplar el cielo, reforzando la sensación de abstracción.

El alma detrás de este proyecto fue Victor Salvi, un arpista, luthier y empresario de origen estadounidense. Salvi comenzó su carrera musical tocando en orquestas de gran prestigio como la Filarmónica de Nueva York. Sin embargo, su verdadera vocación siempre fue la construcción de arpas, creando su primer prototipo en 1954. Tras pasar por Londres, Suiza y Génova, decidió establecer su producción definitiva en la provincia de Cuneo. Su búsqueda constante de la mejor mano de obra especializada en madera lo llevó finalmente a Piasco. Allí fundó Salvi Harps, una marca que se convertiría rápidamente en la líder mundial indiscutible del sector. Recibió numerosos reconocimientos internacionales por su servicio a la comunidad musical y su labor innovadora. Victor Salvi falleció en mayo de 2015, dejando un legado incalculable a través de sus colecciones y su museo.

La colección permanente del museo alberga más de 110 arpas antiguas seleccionadas con un rigor filológico extraordinario. Estas piezas muestran la evolución del instrumento desde los albores de la humanidad hasta la tecnología moderna. Los visitantes pueden apreciar desde prototipos históricos hasta los diseños revolucionarios de Sébastien Erard y el propio Salvi. Las arpas se exhiben de forma rotativa para ofrecer siempre una perspectiva fresca y variada de la muestra. La exposición ilustra tres siglos de transformaciones técnicas que permitieron ampliar las posibilidades sonoras del instrumento. Entre las piezas más destacadas se encuentran modelos únicos que pertenecieron a figuras de la alta nobleza. El recorrido es una clase magistral de historia de la música y de ingeniería aplicada a la luthería.

La elección de Piasco como sede de la fábrica y el museo no fue una cuestión de azar. La zona es famosa desde tiempos remotos por la extraordinaria habilidad de sus artesanos en el trabajo de la madera. Maestros, escultores e intarsiadores locales cautivaron a Victor Salvi con su destreza técnica tradicional. El empresario supo ver en estos talentos la clave para perfeccionar sus arpas y elevar la calidad de su marca. De esta fusión nació una cultura del producto que conquistó los teatros más importantes de todo el mundo. En la actualidad, la fábrica produce cerca de mil arpas anuales, siendo la mayoría de ellas modelos de pedales.

Cultura accesible

El museo no es solo un lugar de exposición, sino un centro cultural activo con una amplia oferta educativa. Se organizan temporadas de conciertos como “Armonie d'Autunno”, donde la música resuena en un auditorio de acústica perfecta. Además, la institución realiza seminarios, talleres didácticos y laboratorios pensados para todas las edades y niveles escolares. Un aspecto pionero es su compromiso con la inclusión, siendo el primer museo de Cuneo con recorridos tiflológicos. Gracias a esta formación del personal, las personas ciegas o con discapacidad visual pueden disfrutar plenamente de la visita. Estas iniciativas buscan que la cultura del arpa sea accesible para el público más amplio posible.

Más allá del museo, este rincón de Italia ofrece otros encantos que completan la experiencia de cualquier viajero curioso. El pueblo cuenta con joyas arquitectónicas como la iglesia de San Giovanni Battista, que data del siglo XI. También se puede visitar el castillo de los Porporato, decorado con hermosos frescos de siglos pasados. Para los amantes del aire libre, hay senderos que recorren las Alpi Cozie ofreciendo vistas panorámicas inolvidables. La gastronomía local deleita con platos típicos piamonteses como los agnolotti y la famosa bagna cauda. Durante el año se celebran eventos tradicionales como la Sagra d'Autunno en octubre y las fiestas patronales. Es un lugar, en definitiva, donde el folclore occitano revive en cada rincón, en su arte y en sus sabores.

Barcelona va a vivir este fin de semana una experiencia musical muy original en el emblemático Saló del Tinell. Bajo el título de “Human Requiem”, el Orfeó Català presenta una propuesta que rompe las barreras más tradicionales de un concierto de música clásica. Este espectáculo se integra en la programación del Grec 2026 de la capital catalana y la gran novedad será la inmersión total del público en el espacio escénico durante toda la obra. Cantantes y asistentes compartirán un mismo entorno, eliminando la distancia habitual de los conciertos. Esta coproducción artística promete ser una gran experiencia, marcando el esperado debut catalán de este innovador montaje escénico. La arquitectura histórica del Saló del Tinell, en pleno centro de la ciudad, servirá como marco para una meditación sobre la vida.

La base de esta creación es la majestuosa obra “Un rèquiem alemán” de Johannes Brahms. Compuesta originalmente entre 1861 y 1868, la pieza nació tras la pérdida de seres muy queridos. Brahms decidió alejarse de la liturgia tradicional en latín para usar textos bíblicos en alemán. El objetivo no era rezar por los difuntos, sino consolar a los que todavía siguen vivos. En esta ocasión, se interpreta la conocida como “Versión de Londres” para piano a cuatro manos. Pau Casan y Paul Perera son los encargados de ejecutar esta partitura de gran intimidad expresiva. El resultado es un viaje espiritual que transita desde la oscuridad hacia la luz y la esperanza. La música de Brahms se convierte así en una reflexión compartida sobre la mortalidad humana.

El concepto escénico ideado por Jochen Sandig transforma la audición pasiva en un acto participativo. Sandig, fundador de instituciones culturales en Berlín, propone que el coro se mueva libremente. Los espectadores no dispondrán de sillas y deberán permanecer de pie o sentarse en el suelo. Al mezclarse los intérpretes entre el público, el sonido envuelve a cada asistente de forma única. Esta disposición busca borrar las fronteras físicas y emocionales habituales de un concierto coral. La coreografía, que cuenta con la colaboración de Sasha Waltz, guía los movimientos de los cantantes. Es una invitación a dejarse llevar por un baño emocional que trasciende las creencias religiosas. La presencia física de los artistas y la acústica del lugar crean una atmósfera sobrecogedora.

La dirección musical recae sobre Simon Halsey, una de las figuras más destacadas del mundo coral. Halsey ha sido un pilar fundamental para el Orfeó Català durante la última década de trabajo. Este concierto representa el final de su etapa como director invitado principal y gran embajador. Junto a él, la soprano Mireia Tarragó y el barítono Ferran Albrich aportarán sus voces solistas. El equipo artístico se completa con asistentes de coreografía y un cuidado diseño de iluminación. Jörg Bittner es el responsable de iluminar el espacio para realzar la carga dramática de la obra. La colaboración entre todos estos artistas permite una interpretación de altísima intensidad emocional. La batuta de Halsey asegura que el mensaje de consuelo llegue a cada rincón del salón.

El Orfeó Català, fundado en 1891 por Lluís Millet y Amadeu Vives, asume un reto histórico. Esta formación es una de las instituciones corales más emblemáticas y reconocidas. Por primera vez, un coro que no es el Rundfunkchor Berlin interpretará este montaje específico. Los miembros del Orfeó han trabajado intensamente para integrar el movimiento con el canto coral. Su participación en el Grec 2026 subraya la proyección internacional que ha alcanzado el conjunto. La versatilidad de sus cantantes es clave para lograr la inmersión que requiere el “Human Requiem”. Se trata de una experiencia donde la voz humana se siente cerca, vibrando junto al espectador.

La producción original de este réquiem humano se estrenó en el año 2012 en Berlín. Fue desarrollada por el Rundfunkchor Berlin mientras Simon Halsey era su director principal. Desde entonces, el montaje ha viajado a ciudades como Nueva York, Hong Kong y Ámsterdam. Su éxito internacional ha sido rotundo, recibiendo elogios de la crítica en múltiples continentes. Incluso fue incluido en la prestigiosa lista de música clásica del diario “The New York Times”. La colaboración con Sasha Waltz & Guests ha sido vital para definir su estética y movimiento. Ahora, Barcelona se une a esta lista de ciudades que han acogido esta experiencia espiritual y el Saló del Tinell se suma así a los espacios singulares que han albergado esta obra.

Una gran expectación

El contenido del espectáculo se aleja del juicio final para centrarse en el amor y la alegría. A través de siete movimientos, la música de Brahms ofrece una meditación filosófica profunda. Pasajes bíblicos sobre la siembra con lágrimas y la cosecha con alegría guían el relato. La obra habla de la brevedad de la vida, pero también de la esperanza en una eternidad. Se invita al espectador a una elevación artística que cura las heridas de la pérdida personal. El “Human Requiem” es, en esencia, un mensaje universal de paz que traspasa cualquier frontera. La arquitectura del Tinell, cargada de historia, potenciará esta sensación de atemporalidad y respeto.

La expectación por estas dos funciones en el Grec es máxima. El éxito de convocatoria demuestra el interés del público barcelonés por propuestas innovadoras. Tras estas funciones, Simon Halsey continuará vinculado al Palau de la Música en proyectos artísticos futuros. Además, el Orfeó Català ya prepara una repetición de la obra para el próximo 20 de septiembre. Dicho concierto tendrá un carácter benéfico para los damnificados por el terremoto de Venezuela. Aquella interpretación se llevará a cabo en el propio Palau de la Música pero en un formato distinto. Mientras tanto, el “Human Requiem” en el Tinell quedará como un recuerdo imborrable de comunión musical.

El programa musical conmemorativo para el VIII Centenario de la Catedral de Toledo contará, de cara al próximo otoño, con dos batallas de órganos, así como interpretaciones de arias y motetes del siglo XVIII y piezas maestras de compositores como Haydn y Cherubini.

Las famosas batallas de órganos de la Catedral de Toledo son conciertos monumentales en los que los siete de estos instrumentos del templo se utilizan de forma conjunta para crear una “experiencia sonora y espiritual única”.

Los órganos se convierten en las “propias voces del edificio”, narrando su grandeza y transformando espacios como las bóvedas en “montañas de sonido”. La música representa una “lucha entre la luz y la sombra”, donde cada resonancia busca “desencadenar la épica escondida en la arquitectura de la catedral”.

El programa de otoño de 2026 incluye la XXXI Batalla dedicada a San Ildefonso y el Milagro de la Virgen, y la XXXII Batalla centrada en la propia Catedral de Santa María de Toledo. Estos eventos forman parte del Festival de Música 'El Greco' de Toledo y están diseñados para resaltar el valor histórico y el funcionamiento de los órganos de la Catedral Primada.

Programación

Con carácter general, el programa musical de otoño de 2026 para la conmemoración del VIII Centenario de la Catedral de Toledo se divide en grandes conciertos, un ciclo dedicado a músicos locales y un programa educativo.

Los conciertos principales serán en la propia catedral, a las 20.00 horas, los siguientes días:

Además, habá un ‘Ciclo Músicos Toledanos’, con entrada libre hasta completar aforo, y que pone en valor el talento local y la historia musical de la ciudad:

Finalmente, también se llevará a cabo el programa educativo ‘Catedral Musical Toledo 800’: a partir de septiembre se realizarán visitas didácticas diseñadas para centros escolares. El objetivo es explicar de forma amena la importancia de la música catedralicia y el valor histórico y técnico de los órganos de la Catedral Primada a los estudiantes.

Las noches de julio en Cornellà de Llobregat, en la provincia de Barcelona, se visten de gala una vez más gracias al programa cultural “Nits d'estiu” que organiza anualmente el ayuntamiento de la localidad. Este ciclo, que llena de música y arte los rincones más emblemáticos de la ciudad, ha preparado una cita ineludible para los amantes de la ópera en el patio del majestuoso Castell de Cornellà. La brisa nocturna y la historia que emana de los muros de este edificio gótico servirán de telón de fondo para una velada que promete ser inolvidable para todos los asistentes.

La ciudad recupera de esta manera su pulso cultural mediante propuestas gratuitas y al aire libre que invitan a toda la ciudadanía a disfrutar del patrimonio local de una forma lúdica y cercana, permitiendo que la cultura llegue a cada rincón de este histórico municipio del Baix Llobregat. El motivo central de esta celebración musical es el homenaje al gran maestro italiano Giuseppe Verdi en el 125 aniversario de su fallecimiento. Bajo el nombre de Tutto Verdi, la programación busca rendir un sentido tributo a uno de los compositores más influyentes de toda la historia de la música lírica universal. Esta importante efeméride se convierte en la excusa perfecta para acercar la fuerza dramática de sus famosas composiciones a un público diverso en un entorno de belleza arquitectónica singular.

Los asistentes tendrán el privilegio de realizar un viaje emocionante a través de los fragmentos más célebres de las grandes obras maestras del genio de Busseto. Durante el concierto, sonarán las notas apasionadas de “La Traviata”, la majestuosidad de “Aida” y el profundo sentimiento patriótico que se desprende de las melodías de “Nabucco”. No faltarán tampoco la intensidad dramática de “Rigoletto” ni la belleza melódica de “Il Trovatore”, completando un repertorio que está lleno de pasión y de fuerza dramática. Cada pieza ha sido seleccionada cuidadosamente para transmitir la esencia del legado de Verdi en un formato que resalta la proximidad con los intérpretes. Será una oportunidad de oro para repasar la trayectoria de un autor que supo retratar como nadie las emociones del alma humana.

La interpretación de este ambicioso programa correrá a cargo de la reconocida formación titulada como La Petita Companyia Lírica de Barcelona, expertos en el género operístico. El elenco está hoy compuesto por la soprano Romina Krieger y la mezzosoprano Caitlin Redding, cuyas voces darán vida a las heroínas verdianas con gran maestría. Les acompañarán el tenor Eduardo Ituarte y el barítono Joan Garcia Goma, encargados de aportar la potencia y el matiz necesario a los roles masculinos. La dirección musical y el acompañamiento al piano estarán en manos de Elke Sanjosé, quien va a garantizar la armonía necesaria para que cada nota resuene con perfección. Juntos, estos músicos profesionales ofrecerán un espectáculo de gran nivel técnico y profundidad emocional para todo el público asistente.

El escenario elegido, el Castell de Cornellà, es un gran casal gótico que cuenta con más de siete siglos de historia documentada en sus antiguos cimientos de piedra natural. Situado estratégicamente sobre una colina que domina el tramo final del río Llobregat, el edificio ha sido testigo de la evolución de la ciudad desde el siglo XIII. Tras ser adquirido y reformado por el ayuntamiento en el año 2000, sus dependencias acogen hoy el Archivo Histórico Municipal y diversas salas para exposiciones. Su patio central, donde tendrá lugar el concierto, se ha consolidado como un marco incomparable para la celebración de actividades culturales de primer nivel. Es un espacio que combina la sobriedad de la arquitectura medieval con la acústica ideal para el disfrute del canto lírico.

El concierto está programado para el próximo jueves 23 de julio, comenzando puntualmente a las diez de la noche para aprovechar la frescura del atardecer veraniego. Con una duración prevista de una hora, la actividad se integra perfectamente en la variada oferta que las “Nits d'estiu” ofrecen durante todo el mes de julio. La música clásica al aire libre se suma así a otras propuestas de cine, danza y festivales que animan los diferentes barrios de la localidad catalana. Es una oportunidad única para vivir la ópera en un ambiente distendido pero cargado de la debida solemnidad que requiere el homenaje a un músico eterno. La noche de verano garantiza una temperatura agradable que invita a la contemplación artística bajo el cielo estrellado del Baix Llobregat.

Gratis y sin inscripción previa

Como es habitual en este ciclo cultural, el acceso al evento es totalmente gratuito, eliminando las barreras para que toda la ciudadanía pueda participar de la excelencia lírica. Debido a las características del recinto, el aforo es limitado y la entrada se realizará estrictamente por orden de llegada hasta completar la capacidad máxima del patio. No es necesaria la inscripción previa, por lo que se recomienda a los interesados acudir con cierta antelación a la calle de Mossèn Jacint Verdaguer. El ayuntamiento busca así fomentar el acceso a la cultura de calidad y poner en valor el rico patrimonio arquitectónico que posee el municipio para el disfrute común de sus vecinos. Se trata de una apuesta firme por democratizar el arte y acercarlo a todos los ciudadanos de Cornellà.

La noche del 23 de julio, Cornellà se transformará en un pequeño rincón de Italia donde el espíritu de Giuseppe Verdi volverá a latir con una fuerza inusitada. La combinación de voces muy excepcionales, un piano magistral y un entorno medieval creará una atmósfera de ensueño para conmemorar este significativo 125 aniversario de su muerte. Los ecos de sus arias más famosas resonarán entre las piedras del castillo, recordándonos por qué su música sigue siendo capaz de conmover a las generaciones actuales.

Arnedillo se vuelve a posicionar en el centro de la cultura clásica municipal los próximos 4 y 11 de julio con la XVIII edición del “ClasicArnedillo”. Este certamen, organizado por el Ayuntamiento de Arnedillo con la colaboración del Gobierno de La Rioja, combina patrimonio, paisaje y excelencia artística, reuniendo a intérpretes de primer nivel y ofreciendo, además, un espacio para la proyección de músicos emergentes.

La programación de esta edición incluye cuatro conciertos. Las dos actuaciones principales se celebrarán a las 20.00 horas en la iglesia de San Servando y San Germán, y los dos conciertos de cámara, protagonizados por el alumnado del Conservatorio Profesional de Música de Calahorra, tendrán lugar a las 23.00 horas en distintos establecimientos hosteleros de la localidad.

La nueva edición ha sido presentada por el director general de Cultura, Roberto Iturriaga, el alcalde de Arnedillo, Pedro Montalvo, y el director artístico del festival, Pablo Muro.

Iturriaga ha destacado que “alcanzar la decimoctava edición de ”ClasicArnedillo“ demuestra la solidez de un proyecto cultural que ha sabido crecer y consolidarse gracias al compromiso del Ayuntamiento de Arnedillo, de su dirección artística y del público que, año tras año, respalda esta propuesta. Hablamos de un festival que ha convertido a un municipio de menos de 500 habitantes en un referente de la música clásica durante el verano riojano”.

Por su parte, Pedro Montalvo ha señalado que “para Arnedillo es un orgullo acoger un festival que cumple ya su mayoría de edad y que se ha convertido en una de las citas culturales más reconocidas de nuestro verano. Gracias a la colaboración del Gobierno de La Rioja y al trabajo de la organización, conseguimos acercar una oferta cultural de máxima calidad a vecinos y visitantes, enriqueciendo además la amplia propuesta turística y patrimonial de nuestro municipio”.

Esta es la programación

La programación, según ha destacado el director del festival, Pablo Muro, mantiene la esencia de ClasicArnedillo: combinar la presencia de intérpretes de primer nivel con el impulso a las nuevas generaciones de músicos. El cartel de este año incluirá desde un concierto para dos arpas hasta un recorrido por más de tres siglos de historia de la música, además de la participación de jóvenes talentos riojanos.

El festival arrancará el 4 de julio con “El arpa olvidada”, un concierto protagonizado por los arpistas Susana Cermeño y José Antonio Domené, que ofrecerán un recorrido por algunas de las obras más representativas del repertorio para este instrumento, junto a adaptaciones de compositores españoles.

El segundo concierto principal será el 11 de julio llamado “Recapitulación: un viaje musical”, un espectáculo que reunirá a la soprano Paloma Friedhoff, los violinistas David Martínez y el joven arnedano Fabio Muro, junto a la orquesta de cámara Camerata del Prado, dirigida por Tomás Garrido.

El programa ofrecerá un recorrido por más de tres siglos de historia de la música a través de compositores como Purcell, Vivaldi, Bach, Händel, Mozart, Schumann, Gershwin o Kurt Weill, y contará además con obras de compositores riojanos abriendo una nueva oportunidad para ver sobre el escenario a Fabio Muro, una de las jóvenes promesas de la música clásica.

El certamen se completará con dos conciertos de cámara protagonizados por alumnado del Conservatorio Profesional de Música de Calahorra, que se celebrarán ambos días a las 23.00 horas en distintos espacios hosteleros de la localidad, reforzando la apuesta del festival por acercar la música clásica a nuevos públicos y apoyar el talento emergente.

La villa medieval de Pedraza ultima ya los preparativos para transformarse un año más en un escenario de ensueño durante los dos primeros sábados del inminente mes de julio. En esta 33ª edición, el alumbrado público desaparecerá por completo para ceder todo el protagonismo a más de sesenta mil pequeñas llamas que bañarán de calidez cada rincón del municipio. El silencio que reina en las calles y las sombras que se proyectan sobre los antiguos muros de piedra crean una atmósfera verdaderamente sobrecogedora para todo aquel que visita esta localidad de la provincia de Segovia. La Noche de las Velas permite a miles de turistas perderse entre balcones y ventanas adornadas con una iluminación original.

El momento culminante llega con la denominada hora azul, ese instante donde el cielo oscuro se funde cromáticamente con el fuego de las velas. Es una experiencia sensorial completa donde el olor a cera y la visión de las fachadas históricas transportan al viajero a otra época lejana. Las fechas señaladas para este gran acontecimiento de 2026 son los próximos sábados 4 y 11 de julio, respectivamente. Desde que se celebrara la primera edición en 1993, esta cita organizada por la Fundación Villa de Pedraza ha forjado una identidad propia inconfundible.

Durante estas noches de verano, las farolas se apagan a partir de las diez de la noche para dar paso a un espectáculo de luz inigualable en toda la provincia. Es habitual que los turistas comiencen a colaborar en el encendido de las velas desde horas antes junto a los habitantes de la villa. Se trata de una fiesta espectacular que atrae no solo a personas de Segovia, sino de toda la geografía española y el extranjero. Además del efecto de las velas, el gran aliciente es la música clásica. El primer concierto de la programación tendrá lugar el sábado 4 de julio en la imponente explanada del castillo de la villa. En esta ocasión, la Orquesta de la Comunidad de Madrid será la encargada de inundar el aire con piezas de la música clásica más sublime. Bajo la batuta del carismático José Luis López-Antón, el repertorio se centrará en obras maestras de autores de la talla de Mendelssohn y Beethoven. 

La primera parte incluirá la obertura de Las Hébridas y la Sinfonía número 4. Tras el intermedio, los asistentes podrán disfrutar de la energía de la Sinfonía número 7 de Beethoven. Esta agrupación, que es la titular del Teatro de la Zarzuela, cuenta con casi cuatro décadas de trayectoria y un gran reconocimiento a nivel mundial. El director López-Antón de hecho es considerado una de las promesas más brillantes de la nueva generación de directores de orquesta españoles.

Para el segundo sábado, el 11 de julio, el protagonismo recaerá en la formación holandesa Kamerata Stradivarius y su propuesta bajo las estrellas. Este concierto contará con el virtuosismo del violinista Razván Stoica como solista, quien dirigirá un programa centrado en el mundo del cine. La primera parte del recital ofrecerá piezas de Mozart y Paganini que han sido utilizadas en famosas producciones de la gran pantalla. En la segunda mitad, el público vibrará con melodías de Brahms, Sarasate y Massenet presentes en películas icónicas como El Lobo de Wall Street. 

La Kamerata Stradivarius es reconocida en toda Europa por su sonoridad homogénea y su capacidad para emocionar a audiencias muy diversas. Stoica, ganador del Premio Stradivarius, toca un instrumento de 1729 que garantiza una calidad sonora excepcional durante toda la velada. Es una oportunidad de oro para acercarse a la música clásica a través de temas que forman parte de la memoria colectiva.

Debido a la gran afluencia de público, el acceso a la villa se encuentra restringido a un máximo de cinco mil personas diarias. Para garantizar la seguridad y evitar aglomeraciones, no se podrá entrar al casco urbano sin disponer de una entrada o pase oficial. El control del aforo permite que la experiencia sea cómoda para todos y facilite cualquier posible proceso de evacuación necesaria. Aquellos que deseen asistir a los conciertos principales deben adquirir sus localidades, las cuales ya incluyen el derecho de acceso a la villa medieval. 

Respecto al transporte, se recomienda llegar a Pedraza con bastante tiempo de antelación para evitar problemas con los desplazamientos finales. El acceso de vehículos al interior de la villa amurallada quedará totalmente prohibido a partir de las seis de la tarde de cada sábado. Por ello, se han habilitado aparcamientos especiales en el arcén de la entrada y en la colina frente a las murallas. 

Patrimonio inagotable

Visitar Pedraza durante la mañana de estos dos sábados permite además descubrir un patrimonio artístico de incalculable valor histórico. El recorrido puede comenzar en la Puerta de la Villa, una construcción del siglo VIII que sirve como entrada principal al recinto. No se debe dejar de visitar la antigua cárcel del siglo XIII, hoy reconvertida en museo, o la emblemática iglesia de San Juan Bautista. El castillo es otro de los pilares fundamentales del municipio, destacando especialmente su imponente Torre del Homenaje de origen medieval. La Plaza Mayor, con sus soportales castellanos del siglo XVI, es el epicentro social del pueblo. Pasear por calles como la de las Cuestas o la de la Florida revela la belleza de la arquitectura tradicional de la zona. 

En definitiva, la Noche de las Velas supone una comunión perfecta entre la música, la historia y la luz tenue de miles de pequeñas velas. Los beneficios obtenidos a través de la venta de entradas al concierto se destinan a la reconstrucción de la iglesia y el centro cultural. La labor de la Fundación Villa de Pedraza vela por mantener intacto el espíritu de este encuentro artístico año tras año. Es la oportunidad perfecta para vivir dos días inolvidables en un entorno en el que parece haberse detenido en el tiempo.

Una partitura inédita del maestro de la música clásica Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) fue descubierta recientemente en la Biblioteca Nacional de Francia (BnF), en París, y será interpretada por primera vez este domingo en la capital francesa para celebrar la anual 'Fiesta de la Música'.

Se trata de un cuaderno de 44 páginas manuscritas por el propio Mozart en 1778, que contiene siete piezas cortas para flauta y harpa: una combinación de instrumentos para la que el austríaco apenas compuso.

El hallazgo sucedió el pasado febrero en el departamento de la música de la BnF, cuando el conservador François-Pierre Goy, encargado de las colecciones anteriores a la época contemporánea en dicha institución, reconoció el trazo del maestro en el viejo cuaderno.

“Reconozco la escritura de Mozart: su manera de trazar los corchetes; las claves de sol redondeadas y curvadas hacia adelante; y las dobles barras finales con calderones abajo y arriba”, explicó al medio francés Le Monde.

Fuentes de la BnF afirmaron a EFE que este cuaderno “no estaba estampado con el sello de la Biblioteca y no estaba aún catalogado”, por lo que las observaciones de Goy fueron verificadas por su compañera Laurence Decobert y, posteriormente, fueron corroboradas por la directora de la Biblioteca Mozartiana del 'Mozarteum' de Salzburgo, Armin Brinzing.

Los expertos concluyeron que las piezas fueran compuestas para las lecciones que Mozart impartió durante su estancia en París a Marie-Louise-Philippine de Bonnières de Guines, hija del duque de Guines, un poderoso aristócrata próximo a la reina María de Austria (1755-1793), la celebérrima consorte francesa decapitada durante la Revolución Francesa (1789-1799).

Según Goy, “la hipótesis más probable” para que el manuscrito acabara en las colecciones de la BnF es que este formara parte de las “confiscaciones revolucionarias” que se produjeron en el mismo periodo, puesto que varios artículos de la familia de Guines fueron requisados antes de que estos emigraran a Inglaterra en 1794, durante el llamado “Terror” revolucionario.

En un comunicado emitido por la BnF, el presidente de la institución, Gilles Pécout, afirmó que, “según los especialistas, este hallazgo es sin duda uno de los más importantes de las últimas décadas”.

“Permite documentar la última estancia de Mozart en París y nos revela, a través de su vida cotidiana, cómo era la actividad del joven profesor Mozart en su relación con su alumno”, explicó, en referencia a la extraordinaria precocidad del músico, que entonces tenía 21 años.

La composición se grabó este miércoles por primera vez en la Casa de la radio de París, pero el público no podrá escuchar sus notas hasta el próximo domingo, cuando se interpretará en la Sala Oval de la BnF para celebrar la 'Fiesta de la música'.

Este festejo es un evento anual que celebra dicho arte con múltiples conciertos gratuitos y actividades de toda clase repartidas por la capital francesa.

Mozart es considerado uno de los músicos más importantes e influyentes de la historia, destacado desde una temprana edad por su impacto en el clasicismo, con obras como 'La flauta mágica' o su 'Réquiem'.

La playa de Sant Sebastià en Barcelona se prepara para transformarse en todo un auditorio sinfónico masivo este próximo verano. Bajo el nombre de ‘Clàssica a la Platja’, este evento gratuito acercará melodías muy célebres a miles de personas frente al Mediterráneo. La arena sustituirá al habitual patio de butacas de los grandes teatros, permitiendo que el sonido de las olas acompañe al repertorio. Esta iniciativa cultural busca romper con la solemnidad tradicional de la música clásica en un ambiente relajado y mediterráneo, con lo que familias y turistas podrán disfrutar de una experiencia única bajo el cielo barcelonés.

El evento es una de las citas más importantes y esperadas del periodo estival en la ciudad condal, una oportunidad dorada para quienes jamás se han planteado asistir a un concierto sinfónico formal en un auditorio. La brisa marina y la calidad artística se fusionarán en un escenario monumental. La primera jornada del ciclo tendrá lugar el 8 de julio con la participación de la Orquesta del Liceu. Bajo la batuta del maestro Josep Pons, el conjunto interpretará un programa lleno de ritmo, color y una vibrante energía sinfónica. Este concierto específico se celebra en el marco del 25º aniversario del Petit Liceu, enfocado a públicos de todas las edades. El repertorio ha sido cuidadosamente seleccionado para invitar a los asistentes a reconocer páginas emblemáticas de la música universal.

La propuesta es un viaje emocional a través de obras que transformaron el folclore y las identidades culturales en arte sonoro. La orquesta desplegará su potencia en un escenario de 20 metros de ancho cubierto por una cúpula tipo órbit. El objetivo primordial es que la música más exquisita salga de sus espacios tradicionales para abrazar directamente a la ciudadanía. Esta noche inaugural promete ser una celebración inolvidable de la creatividad humana en un entorno natural privilegiado.

Entre las piezas más esperadas de esta primera noche destacan hitos musicales como la selección de El cascanueces de Piotr Ilich Chaikovski. El público podrá deleitarse con la Marcha, la Danza del Hada de Azúcar y el célebre Vals de las flores directamente sobre la arena. Asimismo, la pasión de Manuel de Falla cobrará vida con la interpretación de la Danza ritual del fuego de El amor brujo. Estas obras, cargadas de lirismo y fuerza evocadora, garantizan atrapar incluso a aquellos que no tienen formación musical previa. El punto álgido del programa llegará con el cierre apoteósico que ofrecerá el hipnótico e icónico Bolero de Maurice Ravel. 

La precisión rítmica de Ravel resonará contra el horizonte marino, marcando uno de los momentos cumbres de la temporada cultural. Otras obras de Brahms, Dvořák y Borodín completarán una lista de temas que son sinónimo de excelencia artística mundial. Es una selección que busca conectar emocionalmente con una audiencia diversa, amplia y predispuesta al disfrute artístico.

El relevo musical llegará el 9 de julio con la actuación de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya. La formación, conocida como la OBC, estará dirigida por su titular Ludovic Morlot en una velada titulada Una sinfonía imaginaria. Este segundo concierto continuará el viaje iniciado la noche anterior, explorando diversos estilos, atmósferas y sensibilidades europeas. Se interpretarán movimientos de sinfonías muy queridas por el público, combinando el drama ruso con la melancolía del romanticismo centroeuropeo. 

Obras de compositores como Rajmáninov, Brahms, Dvořák y Borodín ofrecerán una experiencia llena de contrastes y ricas melodías orquestales. El programa destaca por su potencia sonora, diseñada especialmente para resonar en un espacio tan abierto como el litoral. Esta propuesta de la OBC refuerza el papel de Barcelona como una capital internacional líder en la música clásica.

Gratuito e inclusivo

El éxito rotundo de Clàssica a la Platja reside en su carácter totalmente gratuito y abierto a toda la población barcelonesa. No es necesaria ninguna reserva previa de entrada, lo que permite que miles de personas se congreguen en la arena. Para garantizar una visibilidad óptima, la organización instalará dos pantallas gigantes conectadas a una sofisticada unidad móvil de televisión. Estas pantallas permitirán seguir el detalle de la dirección y la ejecución de los músicos desde cualquier punto de la playa. El sistema de audio se reforzará con dispositivos especiales para que el sonido viaje con nitidez por toda la extensión del recinto. Se trata de un esfuerzo logístico sin precedentes que busca que nadie se quede fuera de esta gran fiesta sinfónica. 

La organización de este magno evento une a las tres instituciones musicales referentes de la ciudad, el Gran Teatre del Liceu, L'Auditori y el Palau de la Música Catalana. Gracias a esta unión de fuerzas, se logra proyectar una imagen de la ciudad como un lugar alegre, familiar y abierto. El evento también busca promover la marca Barcelona internacionalmente, vinculándola con la excelencia cultural y la hospitalidad mediterránea. La cesión del espacio por parte del Puerto de Barcelona es clave para situar el escenario en una ubicación tan icónica. Barcelona demuestra así que la música clásica es un patrimonio vivo que pertenece a todos sus ciudadanos. De hecho, la inclusión y la accesibilidad son pilares fundamentales en esta edición de los conciertos en la playa. Se han previsto espacios reservados con visibilidad directa para personas con movilidad reducida en el Passeig del Mare Nostrum. Además, se pondrán a disposición del público con discapacidad auditiva mochilas vibratorias y bucles de inducción magnética individual, tecnologías que permiten que las personas sordas puedan sentir físicamente las frecuencias de la orquesta, democratizando la emoción musical. 

En el corazón del barrio gótico de Barcelona, la iglesia de Sant Felip Neri es considerada un magnífico ejemplo de arte barroco, estilo poco frecuente en el trazado de la capital catalana. Este templo, que data de mediados del siglo XVIII, ha sido testigo silencioso de la historia y ahora renace con una nueva voz musical que resuena en su plaza. La discreta ubicación de este conjunto arquitectónico, rodeado de árboles y coronado por una fuente, ofrece un contraste único frente al bullicio turístico. Sant Felip Neri es una de las pocas joyas de arquitectura de estilo barroco que sobreviven en Barcelona, destacando por su fachada de líneas simples y su nave única con crucero. El edificio, que fue sede del convento de los felipones desde 1673, conserva hoy una atmósfera recogida que invita a la contemplación y al descubrimiento de su patrimonio.

Este espacio acaba de sumar un hito histórico a su trayectoria con la culminación de un instrumento largamente esperado por la comunidad. La inauguración oficial del órgano llamado “Montserrat Torrent” marca un antes y un después en la vida cultural de este emblemático rincón barcelonés. El acto de inauguración fue un encuentro cargado de emoción que no solo reunió a las máximas autoridades de las instituciones catalanas, sino que contó con la protagonista absoluta de la jornada, la propia Montserrat Torrent, quien a sus cien años de edad demostró una vitalidad asombrosa al tocar el instrumento. Con una interpretación magistral de piezas barrocas, la organista centenaria cautivó a un público que guardó un silencio reverencial en la nave del templo. 

El evento no solo celebró la música, sino también la perseverancia de una mujer que ha dedicado su vida entera a la difusión de la cultura del órgano. Este homenaje ciudadano se convirtió en el acto central del Año Montserrat Torrent, que conmemora un siglo de legado musical ininterrumpido. La música del nuevo órgano ya forma parte viva del paisaje sonoro de una ciudad que agradece su inmenso compromiso patrimonial.

La historia de este instrumento es un relato de tenacidad que comenzó en el año 1967 bajo la dirección de los maestros organeros Gabriel Blancafort y Georges Lhôte. En aquel entonces, Montserrat Torrent ya ejercía como asesora musical, imaginando un órgano que pudiera cubrir el vacío sonoro de la ciudad de Barcelona. Sin embargo, las dificultades económicas y técnicas de la época provocaron que el proyecto quedara interrumpido durante más de cincuenta años de espera. No fue hasta el año 2020 cuando la Fundación Montserrat Torrent pudo retomar la construcción definitiva de la pieza. El organero Albert Blancafort ha sido el encargado de culminar esta joya, instalando los últimos tubos de la fachada durante el pasado mes de abril. Estos últimos elementos, responsables de los sonidos más graves del teclado, cerraron un ciclo de trabajo que ha atravesado casi seis décadas de historia. 

El resultado es el quinto órgano que ha tenido el Oratorio desde su fundación en el siglo XVII, siendo el mejor en tamaño y calidad. Desde el punto de vista técnico, el nuevo órgano de Sant Felip Neri es una pieza excepcional que cuenta con un total de 3.481 tubos y 49 registros. El instrumento dispone de tres teclados manuales de 56 notas y un pedal de 32 notas, lo que permite una versatilidad sonora de primer nivel. Su transmisión mecánica y su concepción barroca lo sitúan como un referente nacional para estudiantes y profesionales de la música de órgano. La acústica inmejorable de la iglesia de Sant Felip Neri potencia cada nota, creando una atmósfera envolvente que llega a todos los rincones del templo. 

La arquitectura que acoge a este gigante de metal y madera es, en sí misma, una rareza digna de mención dentro del panorama artístico de la capital catalana. Construida hacia 1750, la iglesia de Sant Felip Neri presenta un barroco austero que huye de las ornamentaciones excesivas de otros territorios. Su fachada principal, coronada por un acabado semicircular y presidida por la figura del santo titular, es de una elegancia sobria. En su interior, la nave única se abre a capillas laterales donde se pueden admirar pinturas del reconocido artista modernista Joan Llimona. 

El templo forma parte de un conjunto que originalmente servía como dependencia del convento de los felipones establecidos en el lugar. Los altares de estilo neoclásico complementan la estructura, creando un diálogo visual entre diferentes periodos de la historia del arte catalán. Este entorno barroco proporciona el marco visual y acústico perfecto para que el órgano “Montserrat Torrent” despliegue toda su potencia armónica. La vinculación histórica de la iglesia con figuras como Antoni Gaudí refuerza su importancia como símbolo de la identidad cultural barcelonesa.

Sin embargo, la belleza de Sant Felip Neri no está exenta de las cicatrices que el tiempo y los conflictos han dejado grabadas en sus muros. En su fachada exterior todavía se pueden observar los impactos de metralla que recuerdan el trágico bombardeo de enero de 1938. Aquel suceso, ocurrido en plena Guerra Civil, terminó con la vida de 42 refugiados, la mayoría de ellos niños que buscaban protección. Las autoridades decidieron conservar estas heridas en la piedra como un testimonio duradero del sufrimiento pasado y un mensaje de paz. 

Listo para sonar

La plaza, que ha mantenido su aire romántico a pesar de su ubicación céntrica, es ahora un espacio donde la memoria convive con el arte. Este contraste entre la dureza de los agujeros en la pared y la delicadeza de los tientos de Correa de Arauxo es conmovedor. La inauguración del instrumento refuerza el pulso cultural de un barrio Gótico que busca recuperar su esencia más profunda y auténtica. Sant Felip Neri se consolida así como un lugar donde el patrimonio, la memoria colectiva y la música se encuentran.

En definitiva, la culminación del órgano “Montserrat Torrent” en la iglesia de Sant Felip Neri representa un triunfo del espíritu humano sobre el olvido. Este instrumento no solo es una maravilla de la ingeniería y la música, sino también un símbolo de la constancia de su impulsora. Con sus cientos de tubos ya operativos, el órgano está listo para sonar durante los próximos siglos en una de las pocas iglesias barrocas barcelonesas. La ciudad recupera una voz perdida y ofrece a las nuevas generaciones de músicos un espacio de formación de prestigio internacional. El eco de la interpretación de la organista centenaria todavía resuena en las piedras heridas por la historia de la plaza. La inauguración marca el inicio de una nueva etapa donde la música de órgano volverá a ser protagonista de la vida espiritual y artística. 

El Festival Internacional de Santander (FIS) pone a la venta este martes, 12 de mayo, a partir de las 11.00 horas, los abonos 'general' y 'bienvenida' para su 75 edición, que se desarrollará del 2 al 31 del próximo mes de agosto.

Desde la organización del FIS informan que, ante la petición del público, estos abonos podrán adquirirse tanto en la taquilla de la plaza Porticada como en la del Palacio de Festivales, además de a través de la página web del FIS (festivalsantander.com) o mediante la venta telefónica. El horario de atención en las taquillas será de 11.00 a 13.00 y de 17.00 a 20.00 horas, de martes a sábado.

El abono general, desde 319 euros, incluye13 espectáculos de la programación de la Sala Argenta, comenzando por la función inaugural del 3 de agosto, con el estreno de la ópera 'La flauta mágica', hasta finalizar con el concierto de clausura, el día 31, con la histórica presencia en Santander de la Orquesta y solistas del Festival de Bayreuth, para interpretar una selección de la tetralogía 'El anillo del Nibelungo comandados por el maestro Pablo Heras-Casado'.

Entre ambas fechas, los abonados podrán disfrutar y garantizar su butaca en las citas con grandes sinfónicas internacionales, solistas y compañías de danza como la Orquesta Real de Suecia con la violinista María Dueñas, la Filarmónica de la Scala de Milán y el maestro Riccardo Chailly, Sir John Eliot Gardiner al frente de The Constellation Choir & Orchestra, la Mahler Chamber Orchestra y la English Chamber Orchestra, los pianistas Grigory Sokolov, Elisabeth Leonskaja, Daniil Trifonov y Alexander Malofeev, Le poème harmonique o las compañías Nacional de Danza, de María Pagés y de Blanca Li, entre otros.

Un día antes, hoy 11 de mayo, el Abono General estará ya disponible para los mecenas del Festival, únicamente en la taquilla de la Plaza Porticada.

Junto a los abonos generales, el Festival mantiene el abono 'bienvenida', destinado a nuevos públicos y limitado a la zona D1 del Palacio, disponible a través de todos los canales de venta del 12 al 19 de mayo y del que se pondrán a la venta 150 unidades para disfrutar de la misma programación incluida en el abono general, con un precio único de 250 euros.

Otras opciones de abono

Para su 75 edición, el Festival Internacional de Santander consolida sus abonos de ciclo, que podrán adquirirse del 21 al 28 de mayo. A esta modalidad pertenecen los abonos 'Universo Lírico', con cuatro espectáculos (el estreno de 'La flauta mágica' el 3 de agosto, el concierto de The Constellation Choir & Orchestra dirigidos Sir John Eliot Gardiner el día 21, la Gala Lírica del sábado 22 y el concierto de clausura el lunes 31 de agosto) a partir de 196 euros.

También el dedicado a Orquestas, con precios desde los 162 euros y que incluye cuatro conciertos (la Mahler Chamber Orchestra el día 7, la English Chamber Orchestra el día 9, la Orquesta Real de Suecia el 20 de agosto y la Filarmonica della Scala el 28), con precios desde 111 euros por el conjunto de actuaciones; y el abono de Danza, que reúne las actuaciones de las compañías de María Pagés (14), Le Pème harmonique (18), Blanca Li (24) y la Compañía Nacional de Danza (30), con abonos a partir de 68 euros.

Completa los Abonos de Ciclo el Pereda, con los dos espectáculos programados en esta sala del Palacio, los días 25 (Rodrigo Leão) y 26 (Cuarteto Quiroga), a partir de 15 euros.

Completa los Abonos de Ciclo el Pereda, con los dos espectáculos programados en esta sala del Palacio, los días 25 (Rodrigo Leão) y 26 (Cuarteto Quiroga), a partir de 15 euros.

En el apartado de Abonos Combinados, a la venta del 29 de mayo al 5 de junio, el FIS mantiene el Abono <30, hasta 30 años, que incluye tres citas (los conciertos de la Mahler Chamber Orchestra el día 7, el espectáculo flamenco de Arcángel el 16 y la Orquesta Real de Suecia con María Dueñas el 20 de agosto) a partir de 36 euros por abono; y la selección de Domingos de Festival, con citas los días 9 (English Chamber Orchestra), 16 (Arcángel) y 30, con la Compañía Nacional de Danza, desde 42 euros.

A estos se incorporan el abono Piano, para los días 7, 9 y 11 de agosto (Daniil Trifonov con la Mahler Chamber Orchestra, Elisabeth Leonskaja junto a la English Chamber Orchestra y el esperado recital de Grigory Sokolov); y Fin de semana flamenco, que reúne los espectáculos de María Pagés (14 de agosto) y Arcángel (16 de agosto).

Marcos históricos y entradas sueltas

Para la programación de Marcos Históricos, un recorrido musical por 19 municipios con 31 actuaciones, la venta se adelanta, para satisfacer las peticiones de los aficionados, al martes 12 de mayo, con un precio único de 15 euros por espectáculo, y a través de todos los canales de distribución. Las localidades de esta sección del FIS podrán adquirirse también en la sede de cada concierto, desde una hora antes del inicio de cada espectáculo, siempre y cuando queden localidades disponibles y solo con pago en efectivo.

En el caso de la programación del Palacio de Festivales, las entradas fuera de abono saldrán a la venta el 11 de junio a las 11 horas, también a través de todos los canales disponibles.

Las personas con movilidad reducida que utilicen silla de ruedas tendrán acceso gratuito, previa acreditación en la taquilla; y sus acompañantes podrán adquirir sus localidades con un descuento del 50% sobre la tarifa oficial de precios de la zona reservada a tal efecto (aforo limitado), en venta preferente y un día antes de la venta al público general, a partir de las 11.00 horas.

El pianista armenio Sergei Babayan y la obra teatral 'La ópera de los tres centavos', protagonizada por Coque Malla, llegarán esta semana al Palacio de Festivales de Cantabria.

En concreto, el músico lo hará el jueves 14 y ofrecerá en la sala Argenta el recital 'Songs' ('Canciones'), un programa en el que explora la evolución del 'lieder' -género musical vocal característico del romanticismo alemán-, la canción popular y el arte de la melodía.

Así, combina piezas en solitario con transcripciones para piano de canciones de compositores como Schubert, Schumann y Rachmaninoff, Harold Arlen, Charles Trenet y el armenio Komitas, cuyas obras han sido transcritas al piano por el propio Babayan.

La cita será a partir de las 19.30 horas y constará de dos partes, cada una de 50 minutos, con un descanso entre ambas.

Por otra parte, 'La ópera de los tres centavos', producida por Barco Pirata, Unahoramenos Produccciones y Teatro Pérez Galdós, recalará en el escenario de la sala Argenta el viernes 15, también a las 19.30 horas.

Sobre las tablas estará el cantante Coque Malla acompañado de Omar Calicchio, Miquel Mars, Carmen Barrantes, Andrea Guasch, Esther Izquierdo, Paula Iwasaki y Ruth Sánchez, bajo la dirección de Mario Vega.

Con música de Kurt Weill y libreto en alemán de Bertolt Brecht, la producción trae a la actualidad esta pieza, estrenada en Berlín en 1928, que pretendía denunciar la prostitución, la miseria y el abuso de poder en plena crisis económica de la década de los años 20.

Hace pocos días ha soplado 100 velas. La reconocida organista barcelonesa Montserrat Torrent ha alcanzado dicha histórica cifra en plena actividad artística. Considerada la decana del órgano en España, su trayectoria no es solo un ejemplo de longevidad, sino de un compromiso inquebrantable con la excelencia musical y la investigación. La efeméride se celebra con una extensa programación que incluye conciertos, exposiciones y también conferencias temáticas que recorren su vida dedicada por entero al teclado y a la música. Y es que resulta prodigioso observar cómo, un siglo después de su nacimiento, la maestra sigue ofreciendo interpretaciones que son referentes internacionales de rigor académico y calidez.

Nacida en una familia de siete hermanos, su formación musical comenzó a los cinco años con su madre, Ángela Serra, quien fuera discípula de Enrique Granados. Aunque inició su camino en el piano en la Academia Marshall y debutó en Radio Barcelona a los siete años, la Guerra Civil interrumpió sus estudios. Tras el conflicto, finalizó su titulación superior de piano, pero fue una fuga de Bach escuchada en el órgano de Santa Coloma de Farners la que cambió su destino. Aquel impacto la llevó a matricularse en el Conservatorio Municipal de Barcelona, encontrando en el órgano un instrumento que le permitía olvidarse de sí misma y alcanzar la paz espiritual que tanto anhelaba mediante su voluntad y gran esfuerzo. Desde entonces, aquel instrumento fascinante que escuchaba de niña se convirtió en el eje central de toda su vocación vital.

El desarrollo profesional de Montserrat Torrent ha estado marcado por una dualidad ejemplar entre la interpretación concertística y una vocación pedagógica que ha formado a numerosas generaciones. En 1958 fue nombrada catedrática de órgano del Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona, puesto que desempeñó con dedicación hasta su jubilación en 1991. Su método de enseñanza, basado en una disciplina férrea y un respeto absoluto por el texto y la ornamentación, ha creado una verdadera escuela de organistas. Para sus alumnos, Torrent representa la roca sobre la que se construye una técnica sólida, inyectando un amor por el trabajo bien hecho que perdura en el tiempo. Incluso tras su retiro oficial, ha continuado impartiendo lecciones, asistiendo a clases magistrales y tomando apuntes como una principiante.

Uno de sus mayores logros ha sido la recuperación y dignificación de la música ibérica antigua, campo en el que se la considera una autoridad indiscutible a nivel mundial. A través del estudio profundo de tratados históricos, devolvió a la vida obras que durante siglos habían carecido de una interpretación práctica rigurosa y fiel a su origen. Su devoción por la figura de Francisco Correa de Arauxo es tan profunda que se afirma que el compositor sevillano no existiría hoy de igual forma sin su incansable trabajo. Torrent ha sabido transmitir a sus discípulos una relación de cercanía y ternura con este repertorio, combinando siempre la rectitud técnica con la libertad expresiva. Además, su labor de recuperación organológica ha permitido que muchos instrumentos históricos volvieran a sonar con total limpieza y claridad.

Ser mujer en el mundo del órgano durante los años sesenta y setenta en España supuso para Montserrat Torrent un reto de dimensiones sociales y profesionales mayúsculas. En una época en la que la presencia femenina en este ámbito era escasa, tuvo que nadar a contracorriente para demostrar su valía y alcanzar puestos de alta responsabilidad académica. Su tenacidad y disciplina personal fueron las herramientas clave para derribar prejuicios y consolidar una carrera internacional que la ha llevado por toda Europa, América y África. El respeto que hoy inspira su figura es el resultado de décadas de lucha silenciosa y una dedicación absoluta que no admitía concesiones ante las dificultades de género. Su éxito no solo abrió caminos para otras mujeres, sino que transformó la percepción del órgano en la sociedad.

La proyección internacional de la maestra se refleja en una discografía extensísima grabada en órganos históricos de gran relevancia, obteniendo galardones como el prestigioso Grand Prix du Disque. Sus giras la han llevado a actuar con la Orquesta Nacional de España y a impartir cursos en universidades de prestigio como Harvard, Stanford o la Academia de Londres. No obstante, su compromiso con la música nunca se detuvo en el pasado, pues ha mantenido un vínculo constante con los compositores contemporáneos de su tiempo. Autores como Frederic Mompou o Xavier Montsalvatge le han dedicado obras, reconociendo en ella a una intérprete capaz de conectar la tradición con la vanguardia. Esta faceta investigadora se suma a su actual trabajo de digitalización de grabaciones históricas que su fundación promueve.

Conciertos y exposiciones

Los actos centrales de este centenario incluyen eventos en el Palau de la Música Catalana, la catedral de Barcelona o el Auditorio Nacional de Madrid, que han programado conciertos homenaje que destacan la longevidad artística y la relevancia de su figura. En el ámbito museístico, las exposiciones “Montserrat Torrent. A punto de órgano” y “Cien años, toda una vida” permiten al público acercarse a su archivo personal. Estas muestras recorren su relación con los órganos del barrio gótico de Barcelona, reflejando una vida entrelazada con el patrimonio sonoro de su ciudad. La participación de organistas venidos de toda Europa subraya el impacto global que su pedagogía ha tenido en el último siglo.

A sus cien años recién cumplidos, Montserrat Torrent continúa sorprendiendo al mundo musical con una actividad que muchos calificarían como un auténtico prodigio de la naturaleza. Sigue ofreciendo conciertos y realizando grabaciones, demostrando que la música es un motor vital que trasciende las barreras del tiempo y el lógico desgaste físico. Su humildad y cercanía siguen siendo sus señas de identidad, tratándose de una artista que prefiere siempre la comunicación directa con sus alumnos, una mujer que ha hecho de su vida un tiento infinito de belleza y rigor.

El violonchelista y compositor toledano Chiki Serrano estrena su adagio 'Idea Universal', una experiencia inmersiva de violonchelos como una de las propuesta “más cuidadas del panorama neoclásico actual”.

Con una duración superior a seis mintuos, la pieza “trasciende el formato convencional para convertirse en un auténtico refugio sonorio”. El artista explica que está cocebida como respuesta al “ritmo acelerado y al ruido de la vida contemporánea”. Una obra que propone una experiencia inmersiva construida sobre la profundidad y la expresividad del violonchelo “invitando al oyente a detenerse, respirar y reconectar con una idea esencial de armonía”.

Proyección internacional desde Toledo

El lanzamiento cuenta con una ambiciosa estrategia de difusión internacional que “sitúa a Toledo en el mapa de la alta cultura digital”. La campaña alcanzará a oyentes en 16 países, entre ellos Japón, Alemania, Austria y Estados Unidos, con especial foco en públicos afines a la música clásica y al repertorio contemporáneo para violonchelo. Además de en YouTube puede escucharse en todas las plataformas en el perfil oficial del artista.

El Partido Popular propondrá en el próximo pleno del Parlamento de Cantabria, el lunes 20 de abril, reclamar al Gobierno de España la declaración, a la mayor brevedad posible, de la 75 edición del Festival Internacional de Santander (FIS) como Acontecimiento de Excepcional Interés Público (AEIP).

El diputado regional del PP Alejandro Liz ha destacado que el 75 aniversario del FIS, que se celebrará en agosto de 2026, “no es una edición más”, como, a su juicio, demuestra el hecho de que los Reyes hayan aceptado la presidencia del Comité de Honor de este festival.

Liz ha señalado que la petición ante el Ministerio de Cultura de dar al FIS esta categoría fue “formulada en tiempo y forma” a través del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, en el marco del Patronato del festival.

Y que dicha petición ha sido reiterada al ministro de Cultura, una vez conocida su desestimación inicial, por la presidenta del Gobierno de Cantabria, María José Sáenz de Buruaga, en su calidad de presidente del Patronato del FIS, ejecutando así el acuerdo unánime del Patronato.

A juicio del diputado, no se entiende que el Gobierno de España no haya incluido en el RDL 8/2025, de 8 de julio al FIS como “Acontecimiento de Excepcional Interés Público”, como así lo han sido otras iniciativas y acontecimientos.

“La no declaración del FIS como acontecimiento de excepcional interés público por parte del Gobierno central es un agravio injustificable y un perjuicio claro del estímulo de ciertos patrocinios, por eso es crucial que el Ministerio de Cultura enmiende su decisión e incluya al FIS en la categoría señalada”, ha advertido Liz.

Y ha destacado que el Festival Internacional de Santander es un recurso cultural “importantísimo” para Cantabria, además de un valor económico “incontestable”. 

El Ballet de l’Opéra National du Capitole llegará este viernes al Palacio de Festivales de Cantabria para recrear 'Sémiramis' y 'Don Juan', de Christoph Willibald von Gluck, con una inmersión única en el repertorio del compositor alemán.

El espectáculo, a partir las 19.30 horas en la Sala Argenta, es una coproducción entre el Théâtre de l’Opéra National du Capitole de Toulouse, el Théâtre National de l’OpéraComique de París y el Liceu de Barcelona.

Jordi Savall, prestigioso violagambista y uno de los directores que ha revolucionado la interpretación de la música, ha deseado durante mucho tiempo hacer una incursión en el mundo de la danza a partir de la música que Gluck escribió para su 'Don Juan', señala el Palacio de Festivales en un comunicado.

Esta obra fue escrita un año antes de 'Orfeo et Eurídice'; el compositor renovaba el ballet adaptando en 1761 una obra de Molière para el público vienés. Al año siguiente seguiría 'Sémiramis'.

Estas dos obras son innovadoras porque ofrecen, por primera vez, una narración coherente donde todos los recursos de la orquesta se ponen al servicio de la expresividad.

Jordi Savall y Le Concert des Nations, Ángel Rodríguez, Edward Clug y el Ballet du Capitole de Toulouse suman sus energías para recuperar todos los colores de estas partituras y recuerdan que, un cuarto de siglo antes de Mozart, otra destacada personalidad pasaba por los escenarios de Europa con todo el poder evocador de la música de C.W. Gluck.

Las noticias del alzamiento militar sumieron Barcelona en la histeria y el caos el 18 de julio de 1936. El president Lluís Companys multiplicaba sus reuniones, los sindicatos hacían acopio de armamento para resistir, los conspiradores aguardaban en los cuarteles… Y en medio del nerviosismo, en el Palau de la Música, de noche y a puerta cerrada, un grupo de músicos decidía interpretar, por última vez y a modo de despedida, la 9ª Sinfonía de Ludwig Van Beethoven. 

Era la Orquesta Pau Casals, dirigida por el afamado violoncelista catalán y con Concepción Conxita Badia como soprano. El golpe de Francisco Franco les sorprendió ensayando para el concierto que tenían en agenda para el día siguiente: el de la inauguración de la Olimpiada Popular que debía acoger la capital catalana, y que nunca se llegó a celebrar. Tampoco hubo actuación, prevista en el Teatro Grec de Montjuïch. La Guerra Civil que se acababa de desatar puso fin también a quince años de la pionera orquesta privada que lideró uno de los músicos más influyentes del siglo XX en España. 

Ahora, 90 años después, el Palau de la Música acoge un homenaje a ese concierto. Más concretamente, en memoria de Conxita Badia, puesto que se conmemoran también los 50 años de su fallecimiento. La Orquesta Sinfónica de Sant Cugat, dirigida por Salvador Brotons, interpretará este 14 de abril la 9ª Sinfonía de Beethoven y otras canciones dedicadas a la soprano, menos conocida que Casals, pero una de las voces más reclamadas por los grandes músicos de su tiempo y que también quedó marcada por el exilio y su oposición al franquismo.

“Es una bonita forma de conmemorar ese canto a la alegría con el que se despidieron para siempre”, señala Mireia Domènech, comisaria del Año Conxita Badia y nieta de la cantante. La 9ª Sinfonía de Beethoven, de 1 hora y 15 minutos de duración, concluye con el universal Himno de la Alegría. “Su mensaje de hermanamiento entre los pueblos y de paz es muy potente, sin mencionar la dificultad, encanto y belleza de la obra”, relata Josep Ferré, director artístico de la Orquesta Sinfónica de Sant Cugat. 

“La sinfonía completa antes de separarnos”

El 18 de julio de 1936, Pau Casals debía dirigir el último ensayo de su orquesta antes de la apertura de la Olimpiada Popular que Barcelona acogía en respuesta a los Juegos Olímpicos de Hitler. Por aquel entonces, la agrupación de 88 músicos, fundada por él a su vuelta de París, cumplía 16 años de actuaciones e incluso la Generalitat debatía si convertirla en la orquesta nacional de Catalunya. “Era algo extraordinario en esa época, que ya existía en Europa pero no aquí: una orquesta privada que Casals pagaba de su bolsillo”, expone Domènech.

Una de las artistas más destacadas de la orquesta era Badia, discípula de Enric Granados y Manuel de Falla, musa del propio Casals y años después maestra de voces como Montserrat Caballé. 

Casals se despertó ese día en El Vendrell y, debido a los incidentes, no contaba llegar al Palau de la Música. Así lo recoge en sus memorias Joan Balcells, director del Orfeó Gracienc, encargado de la parte coral de la obra. Finalmente, el ensayo arrancó con su director, aunque ya con varias bajas. Al descanso, un enviado de la Generalitat, según algunos el conseller de Cultura Ventura Gassol, se desplazó al lugar para comunicarles que el concierto del día siguiente quedaba suspendido y que debían finalizar las pruebas e irse a casa.

El propio Casals lo relató al escritor Josep Maria Corredor, que lo publicó en Converses amb Pau Casals. “El ensayo iba muy bien. Y, en el momento en el que el coro se preparaba para cantar, se presentó un emisario de la Generalitat”, explica. “Teníamos que evacuar rápidamente la sala, porque el tiroteo por las calles podía comenzar de un momento a otro. Imagínese mi consternación”.

Sin embargo, tras comunicarles la situación a los músicos, les animó a coger los instrumentos por última vez. “Como no sé cuando podremos volver a reunirnos, os propongo que ejecutemos la Sinfonía completa antes de separarnos”, les dijo. 

La 9ª Sinfonía, la misma que la Orquesta Pau Casals interpretó el 15 de abril de 1935 para celebrar la proclamación de la Segunda República, en el Teatro Nacional de Montjuic, marcó para ellos el inicio de la guerra. Muchos músicos acabaron en el frente o en el exilio. La Orquesta todavía pudo actuar dos veces, a finales del 36 y en julio del 37, durante el Congreso internacional de Escritores en Defensa de la Cultura. Ambas actuaciones fueron en el Gran Teatre del Liceu. 

El periplo posterior de Casals es conocido: desde su exilio a Prada de Conflent (sur de Francia) y a Puerto Rico, el concierto en la Casa Blanca, la Medalla de Naciones Unidas, y la repatriación de su cuerpo, en 1979, una vez restablecida la democracia en España.

La soprano comprometida con la cultura catalana

En cambio, menos divulgada ha sido la vida de Conxita Badia, dedicada sobre todo al lied y una de las voces más reconocidas entre sus coetáneas. También era pianista. “No se consideraba compositora, porque era soprano, pero hizo muchas canciones en la intimidad”, señala Ferré. A lo largo de su trayectoria, estrenó obras de Casals, De Falla, Mompou, Montsalvatge o Millet, y cosechó elogios de figuras como Schönberg. 

Tras el estallido de la Guerra Civil, Badia huyó a París acompañada de Jaume Miravitlles, jefe del Comisariado de propaganda de la Generalitat. Desde el exilio, relata Domènech, “se convirtió en la voz de la cultura catalana para representar el patrimonio artístico vivo”. Como embajadora cultural catalana, celebró conciertos de la Generalitat para promocionar el arte catalán. 

Más que comprometida con la Segunda República, señala su nieta, Badia lo estaba con el catalanismo. Con su marido en Sudamérica, sola y con tes hijas, llevó a cabo numerosos conciertos por toda Europa. Finalmente, se trasladó a Brasil y Argentina, donde se reunió con su marido, y regresó a España en 1946. 

A lo largo de su vida (falleció en 1975), combinó su faceta de intérprete con la de maestra de canto, lo que la llevó también a dar clases por medio mundo y a tener discípulas como Montserrat Caballé. Pero uno de los episodios que explican su aprecio entre los compositores ocurrió también en torno a la Guerra Civil. Eduard Toldrà, otro destacado músico catalán, le dedicó en 1936 la canción La rosa als llavis, pero su estreno quedó también frustrado por el golpe de Estado. Aun así, Toldrà quiso esperar a Badia para cantarla, algo que no ocurrió hasta once años después: el 14 de noviembre de 1947, 50 aniversario de la cantante.

Esta canción, La rosa als llavis, forma parte también del repertorio ideado por la Orquesta Sinfónica de Sant Cugat para su concierto en el Palau de la Música. Habrá también canciones de la propia Conxita Badia. Las sopranos, en esta ocasión, son Begoña Alberdi y Èlia Farreras-Cabero. “Recuperar la 9º Sinfonía en este contexto no es solo un recuerdo, es rescatar el espíritu de ese último ensayo y convertirlo en un mensaje de paz, con Beethoven, Casals y Badia unidos de nuevo”, resume Domènech. 

En el imaginario católico, Jesús resucitó tres días después de ser crucificado. En el imaginario de los fans de Rosalía, que ha abrazado con descaro y algo de morro los símbolos religiosos en Lux, se podrá decir que la artista resucitó en Madrid cinco días después de que cayera en Milán. La cantante cancelaba la semana pasada a mitad de concierto en la ciudad italiana por una intoxicación alimentaria —ya ha anunciado que a pesar de que cantara 50 minutos devolverá el dinero a los asistentes— y hacía saltar todas las alarmas por si estaría en condiciones de abrir su Lux Tour en España, donde la esperaban cuatro fechas en Madrid y otras tantas en Barcelona.

La respuesta es que claro que pudo, lo hizo en un concierto espectacular, de una belleza plástica apabullante —concebido junto a su hermana Pilar Vila, con la dirección escénica del barcelonés Ferran Echegaray y del belga Dennis Vanderbroeck—, un homenaje al teatro, a la ópera y la música clásica donde despliega su talento torrencial. Una voz que no falló en los momentos más importantes y una entrega que dejó en éxtasis a todos. “Yo venía a cantar a Casa Patas y sentí ahí el duende como en ningún otro lugar”, dijo en su primera intervención al público subrayando las vueltas que ha dado su vida. 

Rosalía volvió a abrazar el imaginario religioso y resucitó delante de las más de 17.000 personas que abarrotaron el Movistar Arena y que levitaron con fuerza en el primero de sus conciertos en su país. Un concierto que, casualmente y como si fuera el último detalle de su campaña de promoción, ha llegado en plena Semana Santa. 

Una de las señas de identidad de su disco ha sido, sin duda, las constantes referencias a la espiritualidad, las santas y dios. Los aledaños del recinto estaban llenos de jóvenes que han adoptado el pañuelo/velo monjil que viste en la carátula del disco o que portaban coronas o cruces (que no les dejaron meter por seguridad). Porque, Rosalía, y eso quedaba claro nada más entrar en el Movistar Arena, es una máquina promocional y de hacer dinero como dejaban claro las constantes publicidades de los productores de los que es imagen que había en cada acceso al recinto.

Una vez dentro, flamenco, música clásica y religiosa (sonó un Gloria in excelsis deo) amenizaban a los fans. Ni rastro de la setlist chusquera llena de éxitos de las últimas décadas que suele amenizar las esperas. Toda una declaración de intenciones que, unida a ese elemento religioso, han quedado como semillas simbólicas de esta nueva etapa. Elementos que, además, están presentes en esta gira desde la propia puesta en escena, donde la clásica pasarela por la que caminan todos los cantantes aquí desaparece. En su lugar, dos pasillos a ras de suelo y cerca del público se cruzan formando una cruz religiosa. En su centro, 22 músicos en el foso que se convierten en una de las señas de identidad de esta gira.

Sin embargo, ese elemento religioso siempre presente, y siempre marcando el momento actual de la cantante, va acogiendo diferentes partes de un concierto potente, donde Rosalía se marca un despliegue vocal y físico apoteósico y donde más que a la música religiosa se acerca a la ópera, con una estructura compuesta por cuatro movimientos y un intermedio, y un escenario que remite, directamente, a un teatro clásico y que muestra, como fondo, el anverso de un cuadro. Una tela en blanco con la firma de Rosalía. Todo, además, con el gran acierto de su Lux Tour, la presencia de esa orquesta en directo que contrastan con la gira de Motomami, donde no hubo ninguna y toda la música se lanzaba pregrabada. 

Son dos discos que, si bien no están en las antípodas, parten de un concepto difícil de unir, y Rosalía lo logra echándole morro. Aunque sea Lux el disco que sobresale en su setlist, es Motomami el otro al que hace un guiño, como si quisiera contar una evolución clara. Eso hace que, por desgracia, se olvide de todo lo anterior. No hay ni una canción en su concierto de El mal querer. No encaja de ninguna forma éxitos fundacionales en su carrera internacional como Malamente o Pienso en tu mirá. Una pena. Tampoco parece que exista en esta ópera actual Los Ángeles, su íntimo debut que podría haber casado de forma perfecta en esta apuesta con músicos en directo, pero solo aparece con El redentor.

Eso sí, en el escenario se pueden suceder la apabullante Berghain, reconvertida como avanzó en los premios Brit en versión tecno con ese final que remite directamente al club que da título al que fue su primer single, y Saoko o La combi Versace con De madrugá; o más adelante, La rumba del perdón con CUUUUuuuuuute, al que le metió sampleos del mítico Sweet dreams (are made of this) de Eurythmics. No sería la única canción que entrara en forma de cameo dentro de su repertorio, que también abrió sus puertas al Thank you de Dido, canción generacional que introduce en Divinize y que aunque en los primeros compases chirría en su versión acaba haciendo suya. 

Una artista de porcelana

Pero el grueso del concierto pertenece a su nuevo momento, a ese Lux donde lo religioso, lo místico y lo espiritual se mezclan con tropos habituales de su música. Su concierto empezó más de 20 minutos de retraso y ante la impaciencia de un público que ya comenzaba a pitar. Un par de minutos antes que ella entraron los músicos, y se llevaron una ovación apoteósica. No es baladí el gesto de darles ese sitio preferencial cuando una de las principales críticas a su anterior gira fue, precisamente, su ausencia.

Comenzó con Rosalía en una caja de transporte de obras de arte, un objeto frágil que salía como una muñeca de una cajita de música con su tutú en una posición desde la que acometió las primeras canciones, Sexo, violencia y llantas, y Reliquia, tras la que fue desplazada cual muñeca de porcelana al borde de ese teatro construido en el Movistar Arena donde recibió la primera ovación de la noche entre lágrimas. 

Porcelana sería la siguiente canción en donde Rosalía se atrevía, además, a cantarla con movimientos de ballet y bajo unos letreros que mostraban las letras de sus canciones, algo hasta necesario en un disco en donde los idiomas se mezclan sin cesar. Dos pantallas laterales mostraban las actuaciones con una realización elegante centrada en el rostro de la cantante y en hermosos planos cenitales que resaltaban el diseño artístico del escenario. Un primer acto que terminó teniendo que hacer una parada para emocionarse antes de cantar en italiano el Mio Cristo piange diamanti. “¿Tengo el pelo bien puesto? Pues ya está”, lanzó al público antes de clavar una de las canciones vocalmente más complejas del disco y que cantó envuelta en una tela blanca como si fuera una túnica de virgen, algo subrayado por los primeros planos de su cara que recordaban, con los ojos vidriosos, al de María Falconetti en la inolvidable Juana de Arco de Dreyer.

De la iglesia al after

El segundo acto llegó como un terremoto con ese Berghain Goyesco que volvió a mostrar todas las virtudes de un show cuidado hasta el detalle y que abre la parte más electrónica y dance, con ese final ravero que puso a saltar a todo el Movistar Arena, y que encadenó con un Saoko donde el vestuario Goyesco se convirtió en fiesta de carnavales. Fuck el estilo, que diría ella misma. Segunda ovación cerrada de la noche antes de continuar un acto donde dio algo descanso a la orquesta, a la que también se les vio disfrutar del acto más puramente bailable donde encadenó también La fama, La Combi Versace (adaptada para la ocasión) y cerró con De madrugá. 

El tercero comenzó con una marcha que parecía sacada de una procesión y que anticipó El redentor, la única canción de Los Ángeles y su precioso cover de Can't Take My Eyes Off You enmarcada como si fuera una obra de arte y delante de los fans elegidos para subir al escenario convertido en sala de museo.

Pero sobre todo guardaba otro de los momentos más esperados, la actuación de La perla, que desde su estreno en Lyon se ha hecho viral con sus referencias a La venus de Milo y su hermosa coreografía de Dimitris Papaioannou que remite al teatro de sombras y magia. Sin duda, una de las canciones más queridas por los fans a pesar de ser una de las más sencillotas de todo el disco, pero sus compases que mezclan el vals y la música mexicana, además del morbo de estar dedicada a uno de sus ex, la han hecho uno de los himnos ineludibles de Lux. Si a eso le sumamos que la canción comienza en un confesionario al que subió a confesar, en un momento delirante, a Esty Quesada (Soy una pringada) contando una relación tóxica, el momento viral estaba garantizado. 

El humor llegó también con la Art Cam que a modo de la Kiss Cam que jugó una mala pasada en el concierto de Coldplay aquí pedía a los espectadores que imitaran cuadros de la historia del arte que aparecían en pantalla. Fue el preámbulo de la primera vez que bajó Rosalía al público, para cantar Dios es un stalker desde los pasillos a ras del suelo y hasta llegar a su orquesta donde se rindió a La rumba del perdón y les presentó. Un foso que se descubrió como una cruz cuando se iluminó desde arriba y donde convirtió el estadio en su iglesia, con un botafumeiro que se penduleaba echando humo y luces estroboscópicas en ese medley de CUUUUuuuuuute y Sweet dreams, que se convirtió en el momento que define a la perfección su apuesta musical y visual.

Comenzaba así el subidón final. El último redoble de la misa de Rosalía que encadenó Bizcochito y Despechá hasta culminar con Magnolias en forma de bis. Rosalía ha creado su propia religión, una donde no hay normas, donde todo vale. Donde el arte más elevado se mezcla con lo popular —el museo que acogió la primera parte acabara destruido y por el suelo—, con el barrio y con el perreo; y donde lo religioso se convierte en lo más terrenal. Un concierto apoteósico que la confirma como la estrella más importante que la música española ha visto en muchos años.

El prestigioso director de orquesta toledano Ulises Illán y su reconocida orquesta barroca 'Nereydas' actuarán el día 21 de marzo en la Catedral de Toledo en un proyecto pionero. La Lira del Cielo, un instrumento único en el mundo que llegó al templo en el año 1628 y que llevaba más de 200 años sin sonar en su contexto original, volverá a escucharse en una copia moderna reconstruida por Sławomir Zubrzycki a partir del ejemplar histórico e interpretada por Juan José Montero.

El hecho de que esta representación se lleve a cabo con una copia moderna se debe a que el instrumento original -atribuido al fraile dominico Fray Raymundo Truchado en 1625 y conservado en el Museo de Instrumentos Musicales de Bruselas- no puede utilizarse.

El instrumento estuvo activo hasta 1803 sonando de manera exclusiva en la Semana Santa, integrándose en las lamentaciones y misereres que se cantaban tradicionalmente durante el 'Oficio de Tinieblas' (la ceremonia litúrgica católica que se celebrara en los tres días previos a la Pascua).

Tras diversos avatares, en 1902 el instrumento fue comprado por el Museo de Instrumentos Musicales de Bruselas, donde hoy se conserva. El cabildo de la catedral encargó una copia exacta de la Lira a Sławomir Zubrzycki, quien la ha terminado en este año y será interpretada en este concierto por Juan José Montero.

La actuación tendrá lugar en el Día Europeo de la Música Antigua, una jornada internacional que reúne conciertos y actividades en todo el continente para poner en valor el patrimonio musical histórico. Permitirá escuchar un sonido perdido de la Catedral Primada de España en su VIII Centenario, regresar a la atmósfera de la Semana Santa toledana del siglo XVIII y sentir “cómo la historia, cuando se recupera con verdad y belleza, puede volver a hacerse presente”.

“Lo fascinante de este proyecto es que reúne muchas dimensiones: la investigación y edición musicológica, la reconstrucción organológica, la recuperación de repertorio inédito y la emoción artística”, cuenta Ulises Illán, con motivo de la presentación del evento.

Con ello se recuperarán obras de Juan Rossell, maestro de capilla de la Catedral de Toledo, escritas para dos coros y orquesta para la Semana Santa de 1764, con el objtetivo de “devolverlas al espacio para el que fueron concebidas”.

“Hay una dimensión histórica increíble: la idea de un instrumento así, un teclado cuyas cuerdas suenan por fricción y producen una sonoridad mágica, de cuerda frotada, cercana a un consort de violas da gamba”, añade.

Se trata de una idea que ya aparece intuida en el ‘Codex Atlanticus’ de Leonardo da Vinci. “Estamos ante algo muy raro y muy refinado: un hallazgo en el que se cruzan la invención, el arte, la ciencia y la liturgia, y que hoy, gracias a esta iniciativa del Cabildo de la Catedral de Toledo dentro del VIII Centenario, vuelve a cobrar vida de una manera verdaderamente única”, resalta Ulises Illán en torno a una actuación cuyas obras han sido investigadas y editadas por el musicólogo Carlos Martínez Gil, a partir de los fondos del Archivo de Música de la Catedral de Toledo.

Este proyecto tiene para el director de orquesta “un valor inmenso” en su trayectoria porque resume muchas de las líneas que han marcado su camino artístico. Trabaja en la recuperación del patrimonio musical español con una convicción muy clara: “Nuestro pasado musical no es un museo, es una fuente de presente y de futuro”. Ahora, esta iniciativa “lo encarna de manera perfecta”.

“Como director, hay pocos privilegios comparables al de poder devolver a la vida una música que no solo ha dejado de interpretarse, sino que ha dejado de existir en la experiencia real de los oyentes durante más de dos siglos. Es uno de esos proyectos que uno sueña durante mucho tiempo y permite restituir algo profundamente valioso: la memoria sonora de una de las grandes catedrales de Europa”.

La Lira del Cielo no supone “una curiosidad organológica ni un simple guiño histórico”. Es un instrumento “obligado”, con partitura propia y una función específica dentro de la escritura musical, plenamente integrado en la concepción sonora de la Semana Santa toledana durante 175 años. “Un sonido suave, sutil, delicadísimo, casi etéreo, producido por un teclado cuyas cuerdas son frotadas por ruedas”.

Ulises Illán, también divulgador musical, es el fundador de la versátil formación barroca 'Nereydas', referente español en la divulgación del patrimonio musical del siglo XVIII. 'Nereydas' colabora con instituciones y participa en programaciones de Patrimonio Nacional, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), el Teatro Real, el Festival de Música Antigua de Versalles (Francia), la Semana de Música Religiosa de Cuenca, la Fundación Juan March, el Festival de Granada o el Museo del Prado.

El evento del día 21 de marzo arrancará a las 19.00 horas, una hora antes del concierto, en la Sala Capitular de Verano de la Catedral, con la sesión 'Hablamos del concierto' a cargo del musicólogo Carlos Martínez Gil, que ha realizado la investigación y diseño del programa.

Entradas

Esta actividad didáctica pretende facilitar un mayor conocimiento del programa musical que se ofrecerá a continuación, para lograr un pleno disfrute del concierto. La entrada del concierto incluye el acceso gratuito a esta charla hasta completar el aforo.

Las entradas para el concierto, cuyos precios oscilan entre los 20 y 40 euros, pueden adquirirse en la web www.musicagreco.com, en las oficinas de la Real Fundación de Toledo y los días de concierto desde las 19 horas en la taquilla habilitada en la Sala Capitular de Verano de la Catedral.

Este concierto del Festival de Música El Greco en Toledo está organizado por la Real Fundación de Toledo y la Fundación Primatialis Sedes Toletana para conmemorar el VIII Centenario de la Catedral de Toledo, con la colaboración del Ayuntamiento de Toledo, la Diputación y la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha.

Al leer el nombre de Mozart, muchos seguro recuerdan al niño prodigio que, siendo solo un niño, asombró a Europa con su talento musical y compuso algunas de las obras más influyentes del clasicismo. Pero Wolfgang Amadeus no fue el único de la familia Mozart que destacó en el ámbito de la música.

Su hermana Maria Anna, conocida también como Marianne o Nannerl, era la mayor de los cuatro hijos del matrimonio formado por Leopold y Anna Maria. Con solo ocho años, la niña aprendió a tocar varios instrumentos, incluido el clavecín y el piano, bajo las instrucciones de su padre. A estas clases pronto se unió su hermano pequeño, donde ambos demostraron su gran virtuosismo. 

En un artículo publicado en Classic FM, la periodista Sophia Alexandra Hall afirma que Nannerl se convirtió en un ídolo para el joven Amadeus. “A los tres años, Mozart se inspiró para estudiar música al observar las instrucciones de su padre a Nannerl. Quería ser como ella”, recuerda Hall, citando un extracto de la biografía Mozart: A Life, escrita por Maynard Soloman.

Leopold y Anna Maria viajaron con sus hijos a multitud de ciudades europeas, incluyendo algunas de países como Alemania, Praga, Francia, Inglaterra, Italia, Suiza o Países Bajos. Esta gira, que duró más de tres años, hizo al público quedar completamente deslumbrado por el talento musical de aquellos genios, que entonces no eran más que unos niños. Pero esta vida de escenarios se terminó acabando para Nannerl.

‘The other Mozart’: la obra sobre Nannerl

Cuando creció, su padre tomó una decisión: la joven debía quedarse en casa, en Salzburgo, y no volvería a salir de gira. “Beso a Mamá y a Nannerl mil veces. Solo deseo que mi hermana estuviera en Roma, seguramente le gustaría la ciudad”, escribió el Amadeus adolescente en una carta. Maria Anna aprendió entonces las labores del hogar y siguió los consejos de su madre para convertirse en “una buena esposa”, que era lo que la época esperaba de las mujeres. 

La actriz y directora de teatro Sylvia Milo quedó impresionada con esta historia en uno de sus viajes a Viena, cuando descubrió la existencia de Nannerl a través de un cuadro expuesto en el museo dedicado al pianista. “Para mí fue como una epifanía saber que había otra Mozart. De inmediato pensé: ¿cuál es su historia?”, recordó en una entrevista reciente para la BBC. 

Investigar sobre aquella joven la inspiró a escribir The Other Mozart (La otra Mozart), obra de teatro en la que también actúa y que presenta al público la historia desconocida sobre la hermana de Mozart. Actualmente, la obra continúa de gira por todo el mundo, con más de 350 representaciones hasta la fecha, incluyendo 30 estados de EE. UU. y ciudades como Londres, Múnich, Hong Kong, Viena o Salzburgo. 

Nacida en 1827 en París, Lisa Barbier Cristiani surgió como una figura de insurrección silenciosa dentro de la élite masculina. En una época donde el violonchelo era considerado demasiado viril e indecoroso para una dama, ella reclamó el instrumento como propio. Su presencia en los escenarios no fue solo una actuación, sino una afirmación radical de independencia que transformó las normas sociales en melodía. Con un espíritu que se negaba a ser contenido por convenciones, comenzó a reescribir las reglas de la interpretación clásica. Esta joven, que más tarde sería reconocida como una pionera, entendió que su música era una forma de emancipación frente al canon. A través de su arte, logró cerrar la brecha entre el recato femenino y el poder profundo del violonchelo. 

Su viaje comenzó con un arco en la mano, desafiando a un mundo que esperaba obediencia y sumisión de su parte. Para superar el estigma social de la postura del instrumento, Cristiani popularizó el uso de la pica de apoyo o punta metálica. Esta innovación técnica permitió que el violonchelo descansara en el suelo, facilitando una posición aceptable para los estrictos cánones victorianos. Al inclinar el mástil hacia su pecho, creó un abrazo íntimo con la madera, convirtiendo la herramienta en una extensión física. Su instrumento no era común, sino un magnífico Stradivarius de 1700, que hoy lleva su nombre como el chelo “Cristiani”. Esta pieza excepcional había pertenecido a maestros como Duport, pero fue Lisa quien le otorgó su estatus de leyenda eterna. Su técnica permitía una interpretación sensible pero firme que cautivaba a cada audiencia que enfrentaba con gran valor. 

Demostró que el virtuosismo no tenía género, usando la inteligencia cinética en lugar de la fuerza bruta, de ahí que su legado permanezca hoy grabado en cada nota de las chelistas modernas que siguen su difícil camino. La escena musical europea pronto se rindió a sus pies, desde Berlín y Viena hasta los escenarios imperiales de San Petersburgo. Felix Mendelssohn, reconociendo su inmenso talento, le dedicó su delicada “Canción sin palabras Op. 109” específicamente en el año 1845. Este gesto de uno de los gigantes del Romanticismo confirmó su posición como una colega profesional en un mundo restringido. Compartió escenario con otros grandes como Adrien François Servais, consolidando su reputación como una solista de primer nivel. En Dinamarca incluso fue nombrada como la primera mujer violonchelista de la corte real pero, pesar de su ascenso meteórico, su pasión secreta era la exploración de lo desconocido más allá de las salas europeas.

En 1849, impulsada por una ambición insaciable, Lisa emprendió un viaje que la llevaría a los rincones más remotos del Imperio Ruso. Dejando atrás la comodidad de las cortes, viajó desde Moscú antes de sumergirse en la vasta naturaleza salvaje de Siberia. Su objetivo era llevar la voz de su Stradivarius a lugares donde tal música nunca había sido escuchada jamás. Partió acompañada inicialmente por una sirvienta y un pianista, decidida a convertir las estepas en su escenario personal. Para Lisa, esto no era solo una gira; era una misión para expandir los límites geográficos de su tiempo. Navegó el inicio de esta odisea con una mezcla de rigor profesional y la curiosidad de una viajera nata. No sabía que este sendero la llevaría a través de veinte mil kilómetros de terreno traicionero y desconocido. Su decisión marcó el comienzo de una de las aventuras más extraordinarias jamás emprendidas por un artista del XIX.

Al cruzar los montes Urales, Lisa entró en un mundo donde la inmensidad del espacio solo era igualada por la severidad extrema. Actuó en los entornos más improbables, desde hogares refinados de la élite hasta las humildes tiendas de los nómadas. En Irkutsk conoció al general Muravieff, gobernador de Siberia, a cuya expedición hacia el Extremo Oriente terminó uniéndose. Esta alianza le permitió avanzar aún más, viajando hacia la desembocadura del río Amur y la costa del Pacífico. El viaje se realizó a través de diversos medios, incluyendo el uso de trineos conocidos como briskas y caravanas. A pesar de las privaciones, encontró belleza en la naturaleza salvaje y “antehistórica” del paisaje siberiano profundo. 

Su presencia entre poblaciones como los buriatas y las tribus de la Lena fue un fenómeno cultural absoluto. Era una mujer occidental solitaria, portando un instrumento invaluable a través de una tierra de contrastes. La escala de su odisea es asombrosa, cubriendo los mencionados veinte mil kilómetros durante dos años de travesía. Lisa se movió por el paisaje helado en trineo, a caballo y en buques que navegaban los traicioneros sistemas fluviales. Describió sus viajes como una “empresa temeraria”, involucrando renos, perros y, en ocasiones, incluso caminando a pie. Su ruta la llevó a través de Ojotsk y finalmente a Petropavlovsk, en la remota península de Kamchatka. En estas latitudes extremas, logró la hazaña mítica de tocar su violonchelo para las ballenas a orillas del mar. 

Cólera con 26 años

La demanda física de cruzar llanuras nevadas fue un testimonio de su resistencia. Ningún otro chelista occidental se había aventurado tan lejos en los confines orientales del mundo ruso. Sus cartas a Francia ofrecen un relato vívido de una viajera que enfrentó el hielo, la desolación y el viento. Y es que la vida en la ruta siberiana distaba mucho de la imagen romántica que a menudo se encontraba en la literatura gala. Lisa enfrentó un auténtico “infierno de hielo” donde las temperaturas eran extremas y los suministros escaseaban a menudo. En sus cartas, confesó que el eterno manto de nieve congelaba su corazón y la hacía sentir atrapada en una trampa. Los peligros no se limitaban al clima; la amenaza de ataques de bandidos y el aislamiento de las estepas la acechaban. Sintió el peso de la nostalgia, dándose cuenta de que estaba a miles de leguas de su amada patria francesa. 

La desolación del paisaje, donde la vida humana era apenas visible, la llenaba de una soledad trágica constante. A pesar de su fatiga, continuó tocando, y su Stradivarius resonaba en el silencio del gran norte siberiano. Su supervivencia dependió de su resiliencia y de la protección de las expediciones militares que acompañaba. La tragedia golpeó justo cuando su viaje legendario parecía alcanzar su cenit durante su regreso por el interior siberiano. En la ciudad de Tobolsk, Lisa Cristiani contrajo cólera, una enfermedad que acabó rápidamente con su vida en octubre de 1853. Tenía solo 26 años, una mujer cuya breve existencia ya había dejado una marca indeleble en la música. Sus últimas cartas revelaron a una mujer que se sentía triste, sola y desgraciada, pero orgullosa de sus logros. Murió lejos de París, en una tierra que la había fascinado y que finalmente terminó por consumirla del todo. La noticia de su muerte dejó un vacío profundo en el mundo musical europeo, donde ya era considerada un mito. Su fallecimiento prematuro consolidó su estatus como figura legendaria de resistencia y afirmación femenina.