La Fundación Comillas enriquece la programación del curso de ópera 'Universos líricos' con dos conferencias extraordinarias dedicadas a sendas novedades editoriales: 'The Cambridge History of Music in Spain' y 'La música y la vida' de Joaquín Rodrigo.

Las sesiones extraordinarias, de acceso libre hasta completar aforo, tendrán lugar los lunes, 26 de octubre y 23 de noviembre, a las 18.00 horas, en el Aula 2 de CASYC, en Santander.

Durante estas jornadas, los ponentes, acercarán al público el contenido de estas dos publicaciones que son de especial interés para comprender la evolución y el legado de la música española.

Según ha explicado el coordinador del curso, Jesús Ferrer, ambas actividades son una primicia, pues el primer libro se acaba de presentar en el Museo Nacional del Prado y el segundo lo hará en noviembre en la librería madrileña de El Argonauta.

La primera conferencia se celebrará el lunes 26 y estará dedicada a 'The Cambridge History of Music in Spain', una obra colectiva que ofrece una visión amplia de la historia musical española, desde sus manifestaciones medievales hasta la creación contemporánea.

La música española lleva siglos sonando en los escenarios del mundo, pero nunca había tenido una historia completa escrita en inglés, señalan desde la organización. Cambridge University Press lo publica ahora en 'The Cambridge History of Music in Spain', coordinado por Walter Aaron Clark, Ana Llorens y Álvaro Torrente; un volumen que reúne a diecinueve especialistas cuyas áreas abarcan desde la música medieval y el Renacimiento hasta el siglo XX, con capítulos dedicados al Barroco, la Ilustración, el nacionalismo, el flamenco, las tradiciones regionales, el teatro lírico y la música popular.

Una intervención historiográfica sobre cómo España ha sido narrada o ignorada en el relato cultural europeo, y sobre qué implica que esa narración se produzca ahora desde el marco editorial de mayor proyección internacional del mundo anglosajón.

La presentación correrá a cargo de Álvaro Torrente, coordinador del volumen, catedrático de Historia de la Música de la Universidad Complutense de Madrid y director del Instituto Complutense de Ciencias Musicales.

La segunda cita, prevista para el lunes 23 de noviembre, tendrá como protagonista el libro 'Una luz en la oscuridad: La música y la vida' de Joaquín Rodrigo, cuya presentación correrá a cargo del guitarrista, musicólogo y catedrático de la Universidad Complutense de Madrid, Javier Suárez-Pajares, coautor del volumen y traductor de la edición española.

Publicado originalmente en inglés en 2024, el volumen llega ahora al mercado editorial español, con fecha de publicación prevista para el 5 de noviembre. Antes de la conferencia en Santander, la obra se presentará el 11 de noviembre en la librería madrileña El Argonauta.

El libro, escrito por Javier Suárez-Pajares y Walter Aaron Clark, profundiza en la biografía y en la producción musical de Joaquín Rodrigo (1901-1999), conocido internacionalmente por el 'Concierto de Aranjuez'. También pone de relieve cómo Rodrigo, ciego desde los tres años, encontró en la creación musical una manera de superar cualquier límite y por el camino dio forma a una de las voces más originales de la música española.

Con rigor y sensibilidad, este libro descubre al hombre y al artista detrás de un compositor cuya obra, un siglo después de sus primeras creaciones, continúa gozando de un reconocimiento internacional excepcional.

La presencia de Álvaro Torrente y Javier Suárez-Pajares permitirá al público acercarse a dos publicaciones recientes de especial relevancia y conocer de primera mano las investigaciones que contribuyen a ampliar el conocimiento sobre la música española y sus protagonistas.

Ambas actividades se enmarcan en la programación del curso de ópera Universos Líricos, organizado por la Fundación Comillas con el apoyo del Festival Internacional de Santander y la colaboración de la Fundación Caja Cantabria.

Toledo acogerá el próximo la actuación de Spark · Die klassische Band, el quinteto alemán del que forma parte la toledana Isabel García Castro.

El grupo, galardonado con el prestigioso Echo Klassik en la categoría 'Música clásica sin fronteras', ofrecerá sendos conciertos en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Madrid el sábado 24 de octubre y el domingo 25 en el Teatro de Rojas de Toledo.

Su nuevo trabajo, con el que ha obtenido un rotundo éxito de crítica y público a lo largo del verano durante su gira de presentación en los más prestigiosos escenarios alemanes, lleva por lema 'Libertad, fantasía y chispas ardientes' e incluye música de George Bizet, Hector Berlioz, Fréderic Chopin, Leo Delibes, Francis Poulenc y Ernest Krähmer; la Sérenade de Pauline Viardot-García y Paris 1830 de Sebastian Bartmann, así como piezas de Adam Ilyas Kuruc, Elena Kats-Chernin y Michael Nyman, además de sendas composiciones de la flautista Andrea Ritter y del pianista Christian Fritz, que junto con Daniel Koschitzki (flauta de pico, melódica), Stefan Balazsovics (violín) y la mencionada Isabel García Castro integran Spark_Die_Klassische_Band.

Una identidad artística singular

Spark ha construido una identidad artística singular a partir del diálogo entre la tradición musical europea y los lenguajes de nuestro tiempo. El quinteto alemán se define como una formación que “reinventa lo clásico”, situando el patrimonio histórico junto a nuevas composiciones, arreglos y sonoridades que amplían las posibilidades expresivas de la música de cámara y la abren al presente y al futuro.

El grupo destaca por su singular combinación instrumental y por una propuesta en la que conviven rigor interpretativo, innovación artística y una concepción abierta del repertorio.

“Una pandilla de rockeros con instrumentos musicales clásicos” -en definición del Ausburger Allgemeine- que interpretan “música de cámara al más alto nivel y al ritmo de la actualidad”, de acuerdo con la crítica musical del Frankfurter Allgemeine.

“Queremos abrir la música clásica también a personas que hasta ahora no la hayan escuchado. Nos gusta utilizar patrones del rock, el pop y la música de cine, lo que facilita la conexión con el público joven y con amantes de la buena música que no se habían interesado por los repertorios clásicos”, señalan los músicos de Spark.

“Una de las ideas de Spark es que sobre el escenario tienen que suceder cosas. Que el público no tenga delante únicamente atriles y pies, sino que pueda ver actuar a los intérpretes y que éstos también interactúen con él”.

“Nos agrada, nos entusiasma, la doble oportunidad de ofrecer este otoño nuestra música al público español. Hacía tiempo que no tocábamos en España, lo hicimos en el Liceo de Barcelona hace unos catorce años a través del Goethe-Institut. La incorporación de Isabel a Spark en mayo del año pasado reavivó nuestro deseo de regresar a los escenarios españoles”, explican sobre la participación de la toledana.

“Valoramos y agradecemos muchísimo el interés del Centro Superior de Investigación y Promoción de la Música de la Universidad Autónoma de Madrid” por incluir a Spark en la 54 edición de su festival anual ‘Grandes autores e intérpretes’ en el Auditorio Nacional; y la oportunidad y las facilidades que nos ha brindado la gerencia del Teatro de Rojas para llevar también nuestro “espíritu bohemio” a la maravillosa “ciudad de las tres culturas”, señalan los y las integrantes del quinteto.

Para muchos expertos se trata de la empresa dramática más ambiciosa de la música clásica. Concebida como una monumental obra de arte total y estrenada en el verano de 1876 en la ciudad bávara de Bayreuth, “El anillo del nibelungo”, de Richard Wagner, constituye la tetralogía que abarca 14 horas de representación divididas en una velada preliminar y tres jornadas consecutivas. A lo largo de esta colosal epopeya, el compositor alemán revolucionó las normas del teatro lírico tradicional y condensó su visión filosófica sobre el poder, la codicia y la redención humana. Con una orquestación deslumbrante y una profundidad única, este ciclo operístico sigue siendo a día de hoy la obra cumbre e insuperable de su ilustre creador.

El proceso de concepción de esta obra maestra destaca por una paradoja fascinante: su libreto fue redactado en sentido inverso, comenzando formalmente por el desenlace. En el verano de 1848, Wagner escribió un primer esbozo basado en el Cantar de los nibelungos y redactó el texto de “La muerte de Sigfrido”. No obstante, al percatarse de que el público requería comprender los antecedentes que desencadenaban la tragedia del héroe, decidió componer “El joven Sigfrido”. Posteriormente, comprendió que debía explicar las intrigas originales de los dioses, lo que lo llevó a redactar “La valquiria” y finalmente “El oro del Rin”. Tras casi tres décadas de trabajo, este método regresivo permitió tejer una arquitectura dramática perfectamente pulida y coherente.

A diferencia de la creación de los textos, la composición de la partitura musical avanzó en estricto orden cronológico a partir de noviembre de 1853 con los primeros compases del prólogo. Sin embargo, el agotador proceso creativo sufrió un prolongado paréntesis en 1857, cuando el compositor interrumpió el trabajo durante doce años tras concluir el segundo acto de Sigfrido. Durante esta extensa pausa, motivada por dificultades financieras y vivencias personales, Wagner creó otras dos grandes obras maestras: “Tristán e Isolda” y “Los maestros cantores de Núremberg”. Fue en 1869 cuando retomó la partitura bajo el mecenazgo del rey Luis II de Baviera, concluyendo la gestación del ciclo completo en 1874.

La compleja trama argumental gira en torno al robo del oro protegido por las hijas del Rin a manos del enano nibelungo Alberich, quien forja un anillo mágico de poder absoluto tras renunciar al amor. El dios supremo Wotan despoja con engaños a Alberich de la joya para saldar sus deudas con los gigantes constructores del Valhala, provocando que el nibelungo lance una terrible maldición sobre todo aquel que posea el anillo. Esta espiral de codicia, traición y tragedias atraviesa a diversas generaciones de seres mitológicos, héroes mortales y valquirias como Brünnhilde, culminando inevitablemente en la destrucción del reino celestial y el trágico colapso del antiguo orden divino.

En el plano estrictamente musical, la tetralogía revolucionó para siempre el concepto de ópera mediante la implantación de la célebre melodía infinita y el desarrollo sistemático del leitmotiv. Wagner diseñó una densa trama polifónica donde motivos conductores cortos identifican de manera descriptiva a personajes, objetos, sentimientos y situaciones abstractas a lo largo de la historia. A través de más de cien motivos entrelazados con maestría técnica, la gran orquesta no funciona como un mero acompañamiento vocal, sino como un narrador omnisciente capaz de revelar los secretos más íntimos del drama y conectar acontecimientos separados por numerosas horas de representación.

Sin palcos

Para albergar una producción de semejante magnitud y complejidad, el compositor concibió un edificio verdaderamente único en el mundo: el Gran Teatro de los Festivales de Bayreuth. Diseñado con una arquitectura inspirada directamente en los anfiteatros de la Grecia clásica, el recinto eliminó por completo los palcos para colocar a todos los espectadores en estricta igualdad de condiciones frente al escenario. Además, Wagner introdujo la genial e histórica innovación de ocultar el foso de la orquesta bajo las tablas y apagar la iluminación de la sala durante la función. Esta atmósfera de inmersión total sumergió al público en una concentración absoluta durante el estreno del ciclo completo en agosto de 1876.

Transcurrido un siglo y medio desde su histórico estreno absoluto, “El anillo del nibelungo” sigue siendo el reto artístico más imponente que puede afrontar cualquier teatro de ópera en el planeta. La colosal influencia cultural de esta tetralogía traspasa ampliamente las fronteras de la música clásica, habiendo sentado los cimientos de la literatura fantástica moderna e inspirado las grandes bandas sonoras del cine contemporáneo. Sintetizando mitología, filosofía y vanguardia estética, la obra maestra de Richard Wagner perdura intacta en el tiempo como el testimonio supremo de una mente genial que transformó el arte universal para siempre.

El gran órgano de la siempre impresionante catedral de Notre Dame de París, el instrumento musical más grande de toda Francia, resuena en el templo desde 1733. Esta joya de la organería cuenta con cerca de ocho mil tubos distribuidos en 115 registros y cinco teclados manuales. Ubicado a trece metros de altura bajo el rosetón occidental, resume la historia de la música gala con piezas que abarcan desde el siglo XV hasta aportes del siglo XIX. Tras sobrevivir a múltiples vicisitudes, este majestuoso artefacto resguarda la memoria sonora del histórico y renovado edificio.

Durante el devastador incendio de abril de 2019, que destruyó la techumbre y la aguja, el imponente instrumento logró salvarse del fuego directo y del agua. Sin embargo, la fusión del tejado de plomo liberó un espeso polvo tóxico que cubrió sus tubos y las ranuras de las teclas. Esta fina capa de hollín y partículas pesadas contaminó toda la maquinaria interna sin dañar su estructura básica. Además, las fuertes variaciones térmicas y olas de calor afectaron la estabilidad de sus delicados componentes de madera y metal.

La operación de restauración no iba a tardar en arrancar y de hecho lo hacía en agosto de 2020, coordinada por el templo y dirigida por maestros organeros como Mario D'Amico Holzmann y Christian Lutz. La primera maniobra crítica consistió en instalar un andamio para descender la consola de roble de 500 kilos desde trece metros de altura en apenas veinticinco minutos. A continuación, los artesanos iniciaron el desmontaje individual del 95% de los tubos, retirando cerca de 7.600 piezas de variadas dimensiones, desde colosos de diez metros hasta finos tubos tipo bolígrafo.

Las piezas desmontadas se embalaron en 250 cajas guardadas en contenedores estancos antes de ser trasladadas a tres talleres en Francia para su limpieza profunda. Debido a la grave contaminación por plomo, el proceso exigió un estricto protocolo sanitario que obligaba a trabajar con escafandras en turnos de noventa minutos. Especialistas como Aurélia Azéma analizaron la huella del metal mientras los talleres eliminaron residuos tóxicos sin alterar las aleaciones. En esta tarea internacional colaboraron expertos franceses, el belga Johan Deblieck o el uruguayo D'Amico.

El reensamblaje del órgano representó un desafío logístico al ejecutarse simultáneamente con trabajos de albañiles, pintores y carpinteros. El mayor reto de los restauradores fue manipular cada tubo con precisión para evitar deformaciones en las frágiles aleaciones de estaño y plomo. Asimismo, la fase de afinación requería un silencio absoluto, imposible de lograr durante las ruidosas jornadas diurnas de obra. Para resolverlo, el equipo organizó dos turnos: un grupo preparaba el material de día y otro realizaba la afinación fina en la tranquilidad de la noche.

Durante seis meses de trabajo nocturno, los técnicos colaboraron estrechamente con los cuatro organistas titulares de Notre Dame, entre ellos el maestro Olivier Latry, vinculado al templo desde 1985. La experiencia de los músicos fue clave para ajustar los registros y devolver al instrumento su timbre característico anterior al siniestro. Latry describió la experiencia como el reencuentro con un viejo amigo tras cinco años de separación, resaltando el lazo espiritual con la catedral. Esta alianza logró recuperar la emblemática acústica del gran órgano.

Un rito tradicional

El esperado renacimiento acústico culminó en diciembre de 2024 durante la ceremonia de reapertura de la catedral que se realizó ante líderes internacionales. Siguiendo el tradicional ritual católico para el despertar de un órgano, el arzobispo de París, Laurent Ulrich, invocó al instrumento en ocho ocasiones consecutivas. A cada llamado, el colosal artefacto respondió con potentes fanfarrias interpretadas por sus cuatro organistas titulares, conmoviendo al público. Durante la jornada, se rindió homenaje con ovaciones a los 160 bomberos y artesanos del proyecto.

La exitosa recuperación del gran órgano consagra el triunfo del trabajo artesanal y la cooperación internacional en la salvaguarda del patrimonio cultural de la humanidad. Junto al instrumento principal de ocho mil tubos, se incorporó un nuevo órgano positivo móvil fabricado por Johan Deblieck para acompañar al coro en el presbiterio. Además, la participación de Mario D'Amico impulsó proyectos para instalar órganos en otras ciudades, proyectando este legado. Hoy, el órgano más grande de Francia vuelve a sonar con esplendor para acompañar a millones de fieles y visitantes.

El Colegio Oficial de Arquitectos de Cantabria, COACan, ha organizado este viernes, 9 de octubre, un encuentro homenaje a Antonio Gaudí que coincide con el centenario de su muerte.

La actividad forma parte de la VII Semana de la Arquitectura en Cantabria e incluye la proyección de dos documentales y un concierto de violín y piano a cargo de Carlos Benito de la Gala y Teresa Saiz.

El documental 'Antoni Gaudí, un arquitecto mesiánico', de Gabriel Petit, y el cortometraje 'Gaudí', dirigido en 1954 por Josep María Font, son los dos audiovisuales que se podrán ver, a partir de las 17:00 horas, en el Centro de Arquitectura Ricardo Lorenzo.

A su término, el violinista Carlos Benito de la Gala y la pianista Teresa Saiz ofrecerán, desde las 18:20 horas, el recital 'Arquitectura musical. Centenario de Gaudí'. El repertorio reúne obras de músicos vinculados al contexto cultural del modernismo español junto a una pieza de Johann Sebastian Bach, un compositor especialmente admirado por Gaudí.

Los compositores escogidos, Toldrà, Morera i Viura y Granados, junto a Bach, comparten un territorio marcado por la libertad de expresión, la búsqueda de lo auténtico y la combinación de tradición e innovación.

La relación entre Gaudí y la música ocupa, además, un lugar central en la propuesta. El arquitecto fue un gran admirador de Bach y concibió su arquitectura atendiendo también a su dimensión acústica. El proyecto establece asimismo una conexión especial con El Capricho de Comillas, obra de Gaudí en la que su pasión por la música aparece estrechamente vinculada a la concepción del edificio y a la figura de su promotor, Máximo Díaz de Quijano.

El emblemático carillón del Palau de la Generalitat de Catalunya es considerado como una de las joyas musicales de la ciudad de Barcelona. Situado en el Barrio Gótico, este singular instrumento celebra su 50 aniversario tras haber sido inaugurado el 21 de diciembre de 1976, pocos meses antes del restablecimiento de la propia Generalitat. Su instalación respondió a la tenacidad de la carillonista Maria Dolors Coll, impulsora de una iniciativa que permitió reemplazar el antiguo carillón de 1927, un modesto instrumento que “únicamente” contaba con trece campanas.

Fundido en los prestigiosos talleres de la casa Petit & Fritsen en Aarle-Rixtel, Países Bajos, la llegada del nuevo carillón marcó el inicio de una brillante etapa para la música urbana de la capital catalana. Y es que en el aspecto estrictamente técnico, la estructura de esta monumental obra arquitectónica e instrumental impresiona por sus extraordinarias dimensiones y precisión acústica. Este inmenso carillón está compuesto por un total de 49 campanas de bronce que alcanzan un peso conjunto de 4.898 kilos de masa metálica suspendida en la torre. Dicha cantidad de campanas le otorga una extensión tonal de cuatro octavas cromáticas completas, característica fundamental que le otorga la categoría oficial de carillón de concierto.

Gracias a esta amplia tesitura, el instrumento figura como uno de los dos únicos carillones de concierto existentes en todo el territorio español, permitiendo una riqueza armónica insuperable. La versatilidad sonora del carillón del Palau radica en sus dos modalidades complementarias de funcionamiento: la ejecución automática y la interpretación manual. Por un lado, el sistema automático se halla programado para ofrecer breves toques melódicos de dos minutos a cada hora en punto, desde las ocho de la mañana hasta las ocho de la tarde. Estas piezas matutinas y vespertinas difunden canciones tradicionales catalanas de gran valor histórico sobre los tejados del centro urbano. Por otro lado, la consola manual dotada de teclados y pedales transforma el mecanismo en un instrumento vivo donde el intérprete controla con sensibilidad el matiz dinámico y la expresividad de cada nota.

El impacto cultural del carillón se proyecta directamente sobre la vida cotidiana de la ciudad a través de sus constantes audiciones públicas. De lunes a viernes o los fines de semana, los acordes del instrumento resuenan por los estrechos pasajes y emblemáticas plazas del Barrio Gótico. Esta música “aérea” acompaña de forma totalmente anónima el andar cotidiano de vecinos y turistas, creando un paisaje acústico irrepetible que trasciende con fuerza las paredes de la sede institucional. Sin ver físicamente la figura del músico, los transeúntes disfrutan de un arte accesible que convierte el espacio urbano en un gran auditorio abierto a todos los ciudadanos y visitantes.

Para quienes desean contemplar la interpretación viva desde el propio interior del palacio, la institución organiza actualmente conciertos el primer domingo de cada mes a las doce del mediodía. Con una duración aproximada de una hora y entrada gratuita mediante reserva previa, los asistentes se ubican en el emblemático Pati dels Tarongers o en la regia Galería Gótica si las condiciones meteorológicas así lo requieren. Durante la audición, un moderno circuito cerrado de televisión proyecta en directo los movimientos del carillonista sobre los teclados de madera, permitiendo al público apreciar la enorme exigencia física y técnica que demanda este arte mientras las bellas melodías se expanden armoniosamente entre los naranjos.

Repertorio versátil

La gran proyección internacional del instrumento alcanza su verdadero cénit durante el mes de julio con la celebración anual del afamado Festival Internacional de Carilló de Barcelona. Este prestigioso certamen estival reúne a distinguidos virtuosos procedentes de Japón, Bélgica, Polonia, Países Bajos, Francia y la propia Catalunya, quienes ofrecen emotivos recitales nocturnos en la agradable calma del atardecer barcelonés. El amplio repertorio del festival demuestra una versatilidad asombrosa, abarcando desde grandes obras clásicas de Mozart, Chopin o Vivaldi hasta conocidas bandas sonoras de cine, música popular, tangos y piezas contemporáneas compuestas especialmente para esta gran ocasión.

La carillonista titular del Palau, Anna Maria Reverté, encabeza en la actualidad el alto compromiso de preservar y divulgar la maestría de este singular legado sonoro. Bajo su experta dirección artística, el carillón sigue renovando continuamente sus programas para tender puentes entre la tradición centenaria de las campanas y la sensibilidad contemporánea del público actual. A medio siglo de su histórica inauguración, este magnífico gigante de bronce fabricado en tierras holandesas perpetúa con orgullo su papel como símbolo de la identidad cultural catalana, proyectando su música armónicas con la misma brillantez, majestuosidad y profunda calidez que en aquel primer día de diciembre de 1976.

“Mi voluntad es tocar hasta que me muera”. Montserrat Torrent lo dice alto y claro. La organista centenaria cuenta con una de las carreras artísticas más longevas de Europa, pero no quiere que se termine. “La música, para mí, es como respirar”, afirma.

Hablar con Montserrat Torrent es hablar de órgano, de barroco, de Johann Sebastian Bach, de Francisco Correa de Arauxo… Y también de la reivindicación de la intérprete en favor de los derechos de las personas mayores: “La sociedad es injusta con los viejos. Muchas veces se decide su porvenir y se les mete en una residencia sin su permiso”.

Torrent recibe a elDiario.es en su domicilio de Barcelona. Hoy todavía no ha ensayado, pero cada día se sienta delante de su órgano. Acaba de llegar de un concierto en Santiago de Compostela, y en las próximas semanas tiene actuaciones programadas en Lleida, Salamanca o Granada.

La gira de conciertos que este año la ha llevado a decenas de ciudades de España y Europa forma parte de los actos para conmemorar el centenario de la artista. Uno de los puntos culminantes de las celebraciones fue la inauguración del órgano que lleva su nombre en la iglesia de Sant Felip Neri de Barcelona. “Fue muy especial y precioso, y además suena muy bien”, recuerda la intérprete, que agradece todo el trabajo de la Fundació Montserrat Torrent y de los organeros de la familia Blancafort para conseguirlo.

Nacida el 17 de abril de 1926 en el barrio del Raval de Barcelona, Torrent fue la sexta de siete hermanos. De niña, por iniciativa de su madre, tocaba el piano con su hermana. “Pero era una cosa desastrosa”, confiesa. “Ni disfrutábamos ni hacíamos disfrutar”. Todo cambió cuando, con 18 años, entró en la iglesia de Santa Coloma de Farners (Girona) y oyó tocar el preludio y fuga de Bach a Narcís Jubany, quien luego sería cardenal de Barcelona.

De la mano del profesor Paul Franck, Torrent se convirtió en organista profesional. “Lo primero que me emocionó del órgano fueron sus tres sonoridades, pero después me emocionó todavía más su sentido coral”, rememora.

Torrent cita una de las recomendaciones de Bach a sus alumnos para explicar la labor del organista: hay que “hablar” a través de la articulación, el fraseo y el color para transmitir la emoción de la partitura. “El órgano no es solo sonido, su música está centrada en el sentido del texto: esto es mucho más profundo y tiene un sentido teológico muy fuerte”, destaca Torrent.

La organista fue una mujer pionera en un mundo, el del órgano, considerado durante años un terreno exclusivamente masculino. Más aún en la España de la dictadura. “En aquellos tiempos no era capaz de valorar lo que pasaba”, admite la organista.

La espléndida biografía de Torrent, La dama del órgano (Ficta, en catalán y castellano, 2020), escrita por Albert Torrens, recoge episodios de machismo recalcitrante contra la artista, como cuando, en la misma iglesia, primero se le vetaron los ensayos y, años después, al escucharla, el cura exclamó: “Mujer tenías que ser”.

Torrent superó todos los obstáculos hasta convertirse en una organista de prestigio internacional. Ha dado conciertos por todo el mundo y puesto sus dedos en las teclas de centenares de órganos. Y ha visto la evolución en su diseño y construcción: “Antes para ahorrarse dinero hacían los tubos más estrechos, y los agudos pinchaban, era inaceptable”.

Cada instrumento tiene algo distinto. De los órganos de Haarlem (Países Bajos), donde Torrent dio varios cursos de verano, la artista destaca su sonido “lleno, que aumenta de intensidad”. De varias iglesias danesas, Torrent rememora el “sonido extraordinario y las escalinatas tremendas” que permitían sus órganos. Y recuerda con especial ilusión la primera vez que tocó el órgano del Palacio Real de Madrid: “Tiene una sonoridad muy intensa, pero nunca estridente”.

Gran conocedora del barroco, Torrent se especializó en el repertorio ibérico de los siglos XVI al XVIII. De los autores de la tradición española y portuguesa, destaca a Antonio de Cabezón, Joan Cabanilles, Sebastián Aguilera de Heredia, Pablo Bruna y Antonio Soler. Para ella, Bach y Correa de Arauxo no tienen comparación por su dimensión espiritual y humana.

Además de su faceta como intérprete, Torrent enseñó a decenas de discípulos de distintas generaciones, como Juan de la Rubia o David Malet. Su legado, además, permanece en los alumnos de la Escuela Superior de Música de Catalunya (ESMUC), que reciben sus clases en el órgano Montserrat Torrent de Sant Felip Neri.

Cuando termino me duele la espalda, el brazo… ¡Pero mientras toco, me siento joven y feliz!

Torrent deja este consejo para los jóvenes alumnos: “Que no tengan prisa, que no corran y que quieran llegar a la cima no por su ego, sino para el bien de la música”. “Hacen falta muchas horas de estudio, perseverar y repetir y repetir la partitura”, agrega.

Antes de terminar la entrevista, pide poder decir algo sobre la vejez. Reclama con contundencia el buen trato hacia las personas mayores, en especial su derecho a poder morir en su casa bien atendidas. Todavía recuerda a una de sus vecinas de rellano, que murió al cabo de un mes de ingresar en una residencia.

“Tenemos raíces. ¿Qué hay en esta casa que valga tanto? Nada, pero también todo. Si un día decidieran ingresarme en una residencia, creo que moriría por el camino. Echaría de menos este jarrón que no vale nada, echaría de menos... todo”, asevera Torrent, que reclama a la sociedad “ponerse en el lugar y respetar la voluntad de los mayores que todavía tienen la cabeza bien”.

Ella misma reconoce los achaques de la edad en su cuerpo, pero todo cambia al sentarse delante del órgano: “Me alejo de todo lo corriente y cotidiano y entro en el mundo mágico de la música”. “Cuando termino me duele la espalda, el brazo, una lista que no se termina… ¡Pero mientras toco, me siento joven y feliz!”, concluye la dama del órgano.

En el coro alto de la iglesia de Santa María de la Consolación, en la villa cacereña de Garrovillas de Alconétar, se custodia una de las joyas más extraordinarias del patrimonio musical europeo. Erigido entre finales del siglo XV y mediados del siglo XVI, este instrumento destaca por conservarse en perfecto estado de funcionamiento y por ser considerado el órgano renacentista en uso más antiguo de toda la península. Su elegante mueble exterior con puertas abatibles evoca la estética gótica, resguardando en su interior una valiosa tubería histórica cuya sonoridad original sigue cautivando a oyentes y especialistas de todo el mundo.

La memoria documental del instrumento atestigua su profunda arraigambre comunitaria e histórica desde hace casi 500 años. El primer testimonio escrito conservado data de 1578, año en que se estipuló un salario anual de 6.000 maravedíes para su primer organista conocido, Francisco Díaz. Situado en la patria chica de Domingo Marcos Durán, autor del primer tratado musical impreso en castellano, el instrumento contó con el constante patrocinio de los Condes de Alba de Liste. A lo largo de los siglos posteriores, notables maestros organeros como Horacio Fabri o Joan Amador mantuvieron viva su voz litúrgica.

En el ámbito técnico, el órgano resalta por su genuina arquitectura armónica y su diseño renacentista. Su fachada exhibe cinco castillos con cinco tubos cada uno y un teclado de 42 teclas con octava corta. Su secreto de tablones, reformado en 1677, sostiene un conjunto de registros afinados mediante un temperamento mesotónico histórico. Además, el instrumento conserva una entonación singularmente alta, identificada con el tradicional tono de cantadores o de nueve palmos glosado por Juan Bermudo en 1555, lo que convierte a su afinación viva en un testimonio acústico verdaderamente único en el planeta.

Tras padecer décadas de abandono en el coro, la recuperación del monumento fue posible gracias al empeño del organista Miguel del Barco Gallego y del archivero Carmelo Solís Rodríguez. Su impulso llevó a la Diputación de Cáceres a financiar una rigurosa restauración entre 1987 y 1990, encargada al reputado organero holandés Gerard de Graaf. La compleja intervención restituyó la funcionalidad del secreto y de los tubos originales sin traicionar su autenticidad. La reinauguración fue celebrada con un memorable concierto a cargo del propio Del Barco, devolviendo la vida musical a una pieza emblemática de Extremadura.

La relevancia del órgano fue consolidada institucionalmente con su declaración como Bien de Interés Cultural por la Junta de Extremadura, siendo el primer instrumento histórico de la región en lograr este máximo rango de protección. Este hito vino acompañado por decisivas obras de consolidación arquitectónica en la iglesia de Santa María de la Consolación entre 2005 y 2010, destinadas a reparar la bóveda y el arco del coro. Gracias a estos trabajos y al desmontaje preventivo del organero Manuel Luengo, el instrumento quedó plenamente asegurado en un entorno arquitectónico restaurado que garantiza su preservación para las futuras generaciones.

Prestigiosos organistas

Actualmente, el órgano garrovillano no es un mero objeto de museo, sino el eje vibrante de una intensa actividad cultural. Cada año protagoniza los Memoriales Domingo Marcos Durán de Música Renacentista, cita que atrae a consagrados intérpretes y musicólogos internacionales. Asimismo, organistas de reconocido prestigio como el italiano Francesco Cera han acudido al templo para grabar dobles álbumes con obras de Francisco Correa de Arauxo para el sello Brilliant Classics, aprovechando la sonoridad matizada y la mecánica original de un teclado que exige al intérprete una comunión plena con la música de los siglos XVI y XVII.

En conclusión, el órgano de Garrovillas de Alconétar encarna un testimonio excepcional de supervivencia artística y de gestión patrimonial comunitaria. Su perenne aliento musical demuestra que la investigación rigurosa, la restauración respetuosa y el compromiso social son capaces de transformar una joya renacentista en un dinámico vector de desarrollo cultural. Cada concierto celebrado bajo las bóvedas de Santa María reafirma que este vetusto instrumento de tubos y madera no solo conserva la voz del pasado, sino que continúa proyectando una experiencia estética viva y profunda hacia el panorama de música clásica contemporánea.

La Orquesta y solistas del Festival de Bayreuth, creado por Richard Wagner en 1876, clausurarán este lunes, 31 de agosto, el 75 Festival Internacional de Santander con un concierto que forma parte de las celebraciones de su 150 aniversario, que también pondrá el broche a la efeméride del FIS.

El maestro español Pablo Heras-Casado, uno de los grandes especialistas wagnerianos y director habitual en Bayreuth, liderará un programa dedicado a 'El anillo del Nibelungo', con una selección de los números más conocidos de esta Tetralogía, que se desarrollará en el escenario de la Sala Argenta a las 20.00 horas. El cierre contará con la participación de tres destacados intérpretes wagnerianos: Catherine Foster, Klaus Florian Vogt y Nicholas Brownlee.

El FIS se despedirá con ópera, tal y como comenzó, en una cita “histórica” para el Festival, para Santander y para el público y que ha estado marcada por la presencia “de grandes instituciones musicales europeas”, ha destacado la organización en un comunicado.

Después de la recuperación de la ópera representada con 'La flauta mágica' en la inauguración (3 y 5 de agosto), y de la presencia de formaciones como la Mahler Chamber Orchestra, la English Chamber Orchestra, The Constellation Choir & Orchestra, la Orquesta Real de Suecia o la Filarmonica della Scala, el FIS sitúa la lírica y la gran tradición sinfónico-operística, junto con la danza, en el centro de su celebración.

La clausura con la Orquesta del Festival de Bayreuth es “uno de los grandes hitos” de una programación concebida para conmemorar tres cuartos de siglo de historia, en una celebración “compartida con el público”, ha concluido el Festival.

La sección Marcos Históricos del 75º Festival Internacional de Santander (FIS) llevará su última semana de programación, del 24 al 30 de agosto, a espacios singulares como el faro de Cabo Mayor (Santander); el Seminario Mayor de Comillas o la cueva El Soplao (Rionansa).

La clausura de la sección tendrá como protagonista a la centenaria organista Montserrat Torrent, que ofrecerá un recital en la iglesia de Nuestra Señora de la Asunción (Torrelavega), organizado en colaboración con el Ayuntamiento y la Asociación para la Conservación de los Órganos de Cantabria (Acoca), ha informado el FIS.

El recorrido de esta semana de despedida comenzará este lunes 24 de agosto, a las 21.00 horas en la iglesia de Santa María de la Asunción (Castro Urdiales), con el programa 'Falla imaginado', con motivo de las celebraciones por el 150 aniversario del nacimiento de Manuel de Falla (1876-1946).

A cargo de Moisés P. Sánchez (piano, composición y arreglos), Ana María Valderrama (violín) y Pablo Martín Caminero (contrabajo), aborda la idea de qué pasaría si estas partituras “fueran soñadas hoy por un músico libre, sin ataduras de estilo, pero profundamente respetuoso de la tradición”, a lo que responde con un recital que invita a redescubrir el legado del compositor desde una visión “actual, sofisticada y llena de contrastes”.

El concierto transitará entre el jazz, la armonía moderna, el rock sinfónico y la música clásica, con piezas populares como 'La vida breve', 'Siete canciones populares españolas' o 'El amor brujo', que conviven con otras menos frecuentes, como la 'Mazurca', 'Fantasía bética' o el 'Nocturno', ampliadas al formato de trío.

Al día siguiente, este martes 25 de agosto, el Seminario Mayor de Comillas acogerá, a las 20 horas, el concierto del Cuarteto Casals, que, tras casi 30 años de trayectoria, es un referente internacional en el formato del cuarteto de cuerda.

Formado por los violinistas Vera Martínez-Mehner y Abel Tomás, la violista Cristina Cordero y el violonchelista Arnau Tomás, ofrecerá un programa sobre Franz Schubert (1797-1828) con sus los cuartetos 'Rosamunda' (Cuarteto n.º 13 en la menor, op. 29) y 'La muerte y la doncella' (Cuarteto n.º 14 en re menor).

El FIS organiza esta cita en colaboración con el Ayuntamiento de Comillas y la Fundación Comillas.

Ese mismo día, martes 25 de agosto, y el miércoles 26, gracias a la colaboración con la Autoridad Portuaria de Santander, Marcos Históricos llegará a un nuevo espacio, el faro de Cabo Mayor, donde Adolfo Gutiérrez Arenas interpretará, dividida en dos jornadas, la integral de las 'Suites para violonchelo solo' de Johann Sebastian Bach (1685-1750).

Así, el día 25 abordará las suites número 1, 4 y 5 y al día siguiente la 2, la 3 y la 6, hasta completar una de las pocas composiciones que trascienden su propia escena musical para convertirse en piedras angulares del instrumento para el que fueron compuestas.

Nacido en Múnich, de padres españoles, Adolfo Gutiérrez Arenas es el violonchelista español de mayor proyección internacional. Toca un instrumento hecho en Cremona en 1673 por Francesco Ruggeri, prestado por mecenas anónimos con la colaboración de Thomas Wei en Florian Leonhard Ltd. London.

También el miércoles 26, y tras incorporarse a Marcos Históricos el año pasado, la Cueva El Soplao será el escenario para el espectáculo flamenco del bailaor José Maya 'Liturgia'.

Junto a Delia Membrive y José del Calli (cante), el violonchelo de Barnabás Hangonyi 'Batio' y la dirección musical de Rafael Jiménez 'Falo', presentará un programa inspirado en la liturgia de la misa católica, para abordar obras como las 'Cantigas de Santa María' de Alfonso X el Sabio (Estela do dia); el 'Der Voghormia', que cantan los armenios en el Santo Sepulcro de Jerusalén, o una de Enrique 'el mellizo' adaptada por Rafael 'Falo' y Antonio Fouro al canto gregoriano.

También sonarán 'La saeta' de Antonio Machado, una caña a capella o unos fandangos seguidos por un Aleluya mozárabe.

El grupo Taracea será el protagonista de tres conciertos. En Santoña, el jueves 27 (iglesia de Santa María del Puerto, a las 21.00 horas); Viérnoles, el viernes 28 (iglesia de San Román, a las 21.00 horas), y Reinosa, el sábado 29, en la iglesia de San Sebastián, a las 20.30 horas.

Formado por Belén Nieto (flautas de pico y traverso barroco), Isabel Martín (voz y percusiones), Miguel Rodrigáñez (violone) y Rainer Seiferth (vihuela y dirección musical), presentarán el programa 'Desvíos a Santiago', un peregrinaje musical por Europa y que culmina en la capital gallega.

El repertorio tradicional de los peregrinos se cantó en multitud de idiomas y se recrea con multitud de variaciones. Taracea ha creado para este concierto versiones de obras tradicionales de Francia, Galicia o el País Vasco, junto a composiciones de Etienne Moulinié, Heinrich Isaac, Juan del Encina, Alfonso X el Sabio o Vincenzo Capirola.

En ellas, unen tradición y presente mediante la improvisación basada en el lenguaje del jazz, y en ritmos ibéricos y mediterráneos; música políglota y sin fronteras que habla de una Europa rica y ancestral.

Clausura de Marcos Históricos

Por último, la clausura, el 30 de agosto en Torrelavega, conmemorará el cien cumpleaños -celebrado el pasado 17 de abril- de la organista Montserrat Torrent.

Este recital ofrecerá composiciones de Francisco Correa de Arauxo, Jan Pieterszoon Sweelinck, Johann Sebastian Bach, Robert Schumann, Eduardo Torres y Jesús Guridi, a las 21 horas, en la iglesia de Nuestra Señora de la Asunción.

Montserrat Torrent es una de las organistas más destacadas de España. Sus actuaciones han sido y siguen siendo un referente del más alto nivel, tanto por su rigor académico como por su calidez y musicalidad.

En los años sesenta, fue pionera de la renovación del órgano, entrado el instrumento en decadencia como consecuencia de la posguerra, en un momento en que ser organista, y especialmente siendo mujer, significaba nadar contracorriente.

Actualmente, son innumerables los órganos que ha tocado y los discípulos que ha tenido. La Creu de Sant Jordi, el Premio Nacional de Música y un doctorado honoris causa son algunos de los reconocimientos que ha recibido.

Las localidades de los conciertos pueden adquirirse en las taquillas del FIS, a través de la web o, cada día, en la propia sede desde una hora antes de su inicio, siempre y cuando queden localidades disponibles y únicamente con pago en efectivo.

Si pensamos en el fenómeno fan y sus orígenes, nos viene a la mente la década de los 50 y 60 del siglo XX con ‘The Beatles’ y Elvis Presley como protagonistas, pero ellos no fueron las primeras superestrellas de la historia de la música, sino que fue un pianista del siglo XIX por el que había un furor tan grande que se compraban mechones de pelo y las personas se desmayaban al verlo.

Esta ‘superestrella’ fue Franz Liszt, que desde las salas de conciertos de música clásica de la Europa del siglo XIX desató un fenómeno fan que sería el germen de lo que surgiría ya en el siglo XX con la música pop. Además, con una historia de niño prodigio en clase humilde a ser todo un personaje célebre del sector musical.

La primera celebridad de la historia

Tal y como recoge la BBC, Franz Liszt fue la primera celebridad de la historia, de hecho, el Diccionario Oxford de la Lengua Inglesa usó esta palabra por primera vez precisamente en la década de 1830 en el contexto en el que el pianista alcanzó su fama.

De hecho, al igual que con artistas como los Beatles, el efecto que causaba el pianista también recibió un nombre concreto, el de ‘Lisztomanía’, que fue acuñado por el poeta alemán Heinrich Heine, que fue contemporáneo del músico de origen húngaro y nacido en un pequeño pueblo del imperio austríaco en 1811.

Franz Liszt llegó a la fama tras un camino de niño prodigio, que fue educado por su propio padre al descubrir el talento de su hijo en la música, y actuando desde muy pequeño se ganaría al público de Viena, París o Londres por su técnica prodigiosa y especialmente su imaginación, pero también por su apariencia, pues cuando tocaba el piano, con una larga melena que balanceaba en ese momento.

El pianista cambió las reacciones que eran habituales del público en la música clásica, que se caracterizaba por su decoro, y así había casos de gente que incluso cogió un cigarro de la boca del músico y lo fumó, o mujeres baronesas o condesas que se peleaban por conseguir objetos como un vaso o un pañuelo. Nada extraño para los que hemos crecido en el siglo XX y XXI.

Los orígenes humildes de Franz Liszt

Franz Liszt desarrolló su talento y capacidad motivado por su familia, que le comenzaron a dar clases de piano desde los siete años, y compondría desde los ocho, con las improvisaciones ya en su marca. Con tan solo nueve años ya daba conciertos en Sopron o Brastislava, y más tarde fue presentado ante la corte de la Casa de Esterhazy como niño prodigio.

Así fue como consiguió fondos para que el pequeño estudiara en Viena con Karl Czerny, discípulo de Beethoven, y donde llegaría también a estudiar composición con Antonio Salieri, conocido por su “rivalidad” con Mozart. Es así cuando se daría su debut en la capital austríaca en diciembre de 1822 que ya fue todo un éxito, reuniéndose más tarde con Schubert y con Beethoven.

De aquí se desataría la Lisztomanía, un fervor masivo entonces sin precedentes en Europa, hasta que en 1848 dejó las giras y se embarcó en ser compositor y director de la orquesta en Weimar, donde inventaría el poema sinfónico y apoyó la carrera de compositores emergentes como Richard Wagner. Su vida personal y varias tragedias le llevaría a vivir una etapa religiosa en Roma, hasta que pasaría sus últimos años entre la capital italiana, Weimar y Budapest, enseñando de forma gratuita a cientos de jóvenes pianistas de todo el mundo, mientras escribía obras oscuras y experimentales que anticiparon estilos como el impresionismo o el atonalismo. Fallecería a los 74 años en Bayreuth, región de Baviera, en Alemania debido a una neumonía.

'La flauta mágica' abre este lunes, 3 de agosto, la 75ª edición del Festival Internacional de Santander (FIS), que ha programado 52 propuestas de música y danza hasta el 31 de agosto.

La Sala Argenta del Palacio de Festivales de Cantabria acogerá esta nueva producción de la Semana Mozart de Salzburgo -que conmemora el 270 aniversario del nacimiento del genial compositor- a partir de las 20.00 horas, y que se repetirá este miércoles, 5 de agosto.

Estrenada en enero, David Afkham se pondrá al frente de su dirección musical, con la Orquesta de la Escuela Reina Sofía y un reparto liderado por estrellas de la lírica como Javier Camarena o Kathryn Lewek.

Además, esta ópera contará con un espectáculo familiar a cargo de Gustavo Moral (este martes 4 de agosto) y verá el nacimiento de la nueva Academia Vocal de Cantabria.

El 75º FIS será clausurado el 31 de agosto con la presencia, por primera vez en España, de la prestigiosa Orquesta del Festival de Bayreuth, dirigida por el maestro Heras-Casado.

Del total de citas, 19 se desarrollarán en el Palacio de Festivales y dos en el Centro Botín. Al margen de Santander, la sección Marcos Históricos contempla otras 31 propuestas en otros 18 ayuntamientos.

Se trata de una de las ediciones con mayor dotación económica, 2,8 millones de euros, ya que tanto el Gobierno de Cantabria como el Ayuntamiento de Santander han hecho “un esfuerzo” con motivo del 75 aniversario.

Piasco es un pequeño municipio piamontés situado en la provincia de Cuneo, justo a la entrada del pintoresco valle Varaita. Este enclave histórico, que perteneció al Antiguo Marquesado de Saluzzo, destaca por albergar el único museo del mundo dedicado exclusivamente al arpa. La localidad combina sus raíces medievales con una vibrante tradición cultural que atrae a numerosos visitantes. Sus paisajes alpinos proporcionan el escenario perfecto para un viaje a la música, y es que el pueblo se ha convertido en un punto de referencia internacional gracias a la visión de la familia Salvi.

El Museo dell'Arpa Victor Salvi fue inaugurado oficialmente el 28 de enero de 2006, marcando un hito en la historia de la región. Es una institución gestionada por una asociación sin ánimo de lucro que busca difundir la cultura de este instrumento. Desde su apertura, miles de personas han cruzado sus puertas para explorar la evolución técnica y artística de las cuerdas. Se trata del primer espacio polifuncional diseñado para rendir homenaje a la historia sonora del arpa antigua y moderna. La instalación no solo ofrece exposiciones, sino que cuenta con un auditorio y una tienda especializada. Su misión principal es educar a las nuevas generaciones sobre la importancia de este instrumento milenario. El museo es el resultado de un sueño que buscaba reunir la artesanía y la pasión musical, un referente absoluto tanto para arpistas profesionales como para simples amantes del arte.

La estructura del museo es una obra maestra de la arquitectura contemporánea firmada por el arquitecto Dario Castellino. Se ubica sobre una antigua fábrica textil del siglo XIX. El diseño exterior utiliza paredes metálicas reflectantes que contrastan deliberadamente con el ladrillo visto del edificio industrial original. Al entrar, los visitantes acceden mediante una gran escalera de caracol suspendida por cables que evocan las cuerdas. El interior está revestido de madera para simular la caja de resonancia de un arpa, creando un ambiente inmersivo. Grandes ventanales permiten observar los bosques del valle, integrando la naturaleza alpina con el espacio expositivo. El techo cuenta con aperturas estratégicas que invitan a contemplar el cielo, reforzando la sensación de abstracción.

El alma detrás de este proyecto fue Victor Salvi, un arpista, luthier y empresario de origen estadounidense. Salvi comenzó su carrera musical tocando en orquestas de gran prestigio como la Filarmónica de Nueva York. Sin embargo, su verdadera vocación siempre fue la construcción de arpas, creando su primer prototipo en 1954. Tras pasar por Londres, Suiza y Génova, decidió establecer su producción definitiva en la provincia de Cuneo. Su búsqueda constante de la mejor mano de obra especializada en madera lo llevó finalmente a Piasco. Allí fundó Salvi Harps, una marca que se convertiría rápidamente en la líder mundial indiscutible del sector. Recibió numerosos reconocimientos internacionales por su servicio a la comunidad musical y su labor innovadora. Victor Salvi falleció en mayo de 2015, dejando un legado incalculable a través de sus colecciones y su museo.

La colección permanente del museo alberga más de 110 arpas antiguas seleccionadas con un rigor filológico extraordinario. Estas piezas muestran la evolución del instrumento desde los albores de la humanidad hasta la tecnología moderna. Los visitantes pueden apreciar desde prototipos históricos hasta los diseños revolucionarios de Sébastien Erard y el propio Salvi. Las arpas se exhiben de forma rotativa para ofrecer siempre una perspectiva fresca y variada de la muestra. La exposición ilustra tres siglos de transformaciones técnicas que permitieron ampliar las posibilidades sonoras del instrumento. Entre las piezas más destacadas se encuentran modelos únicos que pertenecieron a figuras de la alta nobleza. El recorrido es una clase magistral de historia de la música y de ingeniería aplicada a la luthería.

La elección de Piasco como sede de la fábrica y el museo no fue una cuestión de azar. La zona es famosa desde tiempos remotos por la extraordinaria habilidad de sus artesanos en el trabajo de la madera. Maestros, escultores e intarsiadores locales cautivaron a Victor Salvi con su destreza técnica tradicional. El empresario supo ver en estos talentos la clave para perfeccionar sus arpas y elevar la calidad de su marca. De esta fusión nació una cultura del producto que conquistó los teatros más importantes de todo el mundo. En la actualidad, la fábrica produce cerca de mil arpas anuales, siendo la mayoría de ellas modelos de pedales.

Cultura accesible

El museo no es solo un lugar de exposición, sino un centro cultural activo con una amplia oferta educativa. Se organizan temporadas de conciertos como “Armonie d'Autunno”, donde la música resuena en un auditorio de acústica perfecta. Además, la institución realiza seminarios, talleres didácticos y laboratorios pensados para todas las edades y niveles escolares. Un aspecto pionero es su compromiso con la inclusión, siendo el primer museo de Cuneo con recorridos tiflológicos. Gracias a esta formación del personal, las personas ciegas o con discapacidad visual pueden disfrutar plenamente de la visita. Estas iniciativas buscan que la cultura del arpa sea accesible para el público más amplio posible.

Más allá del museo, este rincón de Italia ofrece otros encantos que completan la experiencia de cualquier viajero curioso. El pueblo cuenta con joyas arquitectónicas como la iglesia de San Giovanni Battista, que data del siglo XI. También se puede visitar el castillo de los Porporato, decorado con hermosos frescos de siglos pasados. Para los amantes del aire libre, hay senderos que recorren las Alpi Cozie ofreciendo vistas panorámicas inolvidables. La gastronomía local deleita con platos típicos piamonteses como los agnolotti y la famosa bagna cauda. Durante el año se celebran eventos tradicionales como la Sagra d'Autunno en octubre y las fiestas patronales. Es un lugar, en definitiva, donde el folclore occitano revive en cada rincón, en su arte y en sus sabores.

Barcelona va a vivir este fin de semana una experiencia musical muy original en el emblemático Saló del Tinell. Bajo el título de “Human Requiem”, el Orfeó Català presenta una propuesta que rompe las barreras más tradicionales de un concierto de música clásica. Este espectáculo se integra en la programación del Grec 2026 de la capital catalana y la gran novedad será la inmersión total del público en el espacio escénico durante toda la obra. Cantantes y asistentes compartirán un mismo entorno, eliminando la distancia habitual de los conciertos. Esta coproducción artística promete ser una gran experiencia, marcando el esperado debut catalán de este innovador montaje escénico. La arquitectura histórica del Saló del Tinell, en pleno centro de la ciudad, servirá como marco para una meditación sobre la vida.

La base de esta creación es la majestuosa obra “Un rèquiem alemán” de Johannes Brahms. Compuesta originalmente entre 1861 y 1868, la pieza nació tras la pérdida de seres muy queridos. Brahms decidió alejarse de la liturgia tradicional en latín para usar textos bíblicos en alemán. El objetivo no era rezar por los difuntos, sino consolar a los que todavía siguen vivos. En esta ocasión, se interpreta la conocida como “Versión de Londres” para piano a cuatro manos. Pau Casan y Paul Perera son los encargados de ejecutar esta partitura de gran intimidad expresiva. El resultado es un viaje espiritual que transita desde la oscuridad hacia la luz y la esperanza. La música de Brahms se convierte así en una reflexión compartida sobre la mortalidad humana.

El concepto escénico ideado por Jochen Sandig transforma la audición pasiva en un acto participativo. Sandig, fundador de instituciones culturales en Berlín, propone que el coro se mueva libremente. Los espectadores no dispondrán de sillas y deberán permanecer de pie o sentarse en el suelo. Al mezclarse los intérpretes entre el público, el sonido envuelve a cada asistente de forma única. Esta disposición busca borrar las fronteras físicas y emocionales habituales de un concierto coral. La coreografía, que cuenta con la colaboración de Sasha Waltz, guía los movimientos de los cantantes. Es una invitación a dejarse llevar por un baño emocional que trasciende las creencias religiosas. La presencia física de los artistas y la acústica del lugar crean una atmósfera sobrecogedora.

La dirección musical recae sobre Simon Halsey, una de las figuras más destacadas del mundo coral. Halsey ha sido un pilar fundamental para el Orfeó Català durante la última década de trabajo. Este concierto representa el final de su etapa como director invitado principal y gran embajador. Junto a él, la soprano Mireia Tarragó y el barítono Ferran Albrich aportarán sus voces solistas. El equipo artístico se completa con asistentes de coreografía y un cuidado diseño de iluminación. Jörg Bittner es el responsable de iluminar el espacio para realzar la carga dramática de la obra. La colaboración entre todos estos artistas permite una interpretación de altísima intensidad emocional. La batuta de Halsey asegura que el mensaje de consuelo llegue a cada rincón del salón.

El Orfeó Català, fundado en 1891 por Lluís Millet y Amadeu Vives, asume un reto histórico. Esta formación es una de las instituciones corales más emblemáticas y reconocidas. Por primera vez, un coro que no es el Rundfunkchor Berlin interpretará este montaje específico. Los miembros del Orfeó han trabajado intensamente para integrar el movimiento con el canto coral. Su participación en el Grec 2026 subraya la proyección internacional que ha alcanzado el conjunto. La versatilidad de sus cantantes es clave para lograr la inmersión que requiere el “Human Requiem”. Se trata de una experiencia donde la voz humana se siente cerca, vibrando junto al espectador.

La producción original de este réquiem humano se estrenó en el año 2012 en Berlín. Fue desarrollada por el Rundfunkchor Berlin mientras Simon Halsey era su director principal. Desde entonces, el montaje ha viajado a ciudades como Nueva York, Hong Kong y Ámsterdam. Su éxito internacional ha sido rotundo, recibiendo elogios de la crítica en múltiples continentes. Incluso fue incluido en la prestigiosa lista de música clásica del diario “The New York Times”. La colaboración con Sasha Waltz & Guests ha sido vital para definir su estética y movimiento. Ahora, Barcelona se une a esta lista de ciudades que han acogido esta experiencia espiritual y el Saló del Tinell se suma así a los espacios singulares que han albergado esta obra.

Una gran expectación

El contenido del espectáculo se aleja del juicio final para centrarse en el amor y la alegría. A través de siete movimientos, la música de Brahms ofrece una meditación filosófica profunda. Pasajes bíblicos sobre la siembra con lágrimas y la cosecha con alegría guían el relato. La obra habla de la brevedad de la vida, pero también de la esperanza en una eternidad. Se invita al espectador a una elevación artística que cura las heridas de la pérdida personal. El “Human Requiem” es, en esencia, un mensaje universal de paz que traspasa cualquier frontera. La arquitectura del Tinell, cargada de historia, potenciará esta sensación de atemporalidad y respeto.

La expectación por estas dos funciones en el Grec es máxima. El éxito de convocatoria demuestra el interés del público barcelonés por propuestas innovadoras. Tras estas funciones, Simon Halsey continuará vinculado al Palau de la Música en proyectos artísticos futuros. Además, el Orfeó Català ya prepara una repetición de la obra para el próximo 20 de septiembre. Dicho concierto tendrá un carácter benéfico para los damnificados por el terremoto de Venezuela. Aquella interpretación se llevará a cabo en el propio Palau de la Música pero en un formato distinto. Mientras tanto, el “Human Requiem” en el Tinell quedará como un recuerdo imborrable de comunión musical.

El programa musical conmemorativo para el VIII Centenario de la Catedral de Toledo contará, de cara al próximo otoño, con dos batallas de órganos, así como interpretaciones de arias y motetes del siglo XVIII y piezas maestras de compositores como Haydn y Cherubini.

Las famosas batallas de órganos de la Catedral de Toledo son conciertos monumentales en los que los siete de estos instrumentos del templo se utilizan de forma conjunta para crear una “experiencia sonora y espiritual única”.

Los órganos se convierten en las “propias voces del edificio”, narrando su grandeza y transformando espacios como las bóvedas en “montañas de sonido”. La música representa una “lucha entre la luz y la sombra”, donde cada resonancia busca “desencadenar la épica escondida en la arquitectura de la catedral”.

El programa de otoño de 2026 incluye la XXXI Batalla dedicada a San Ildefonso y el Milagro de la Virgen, y la XXXII Batalla centrada en la propia Catedral de Santa María de Toledo. Estos eventos forman parte del Festival de Música 'El Greco' de Toledo y están diseñados para resaltar el valor histórico y el funcionamiento de los órganos de la Catedral Primada.

Programación

Con carácter general, el programa musical de otoño de 2026 para la conmemoración del VIII Centenario de la Catedral de Toledo se divide en grandes conciertos, un ciclo dedicado a músicos locales y un programa educativo.

Los conciertos principales serán en la propia catedral, a las 20.00 horas, los siguientes días:

Además, habá un ‘Ciclo Músicos Toledanos’, con entrada libre hasta completar aforo, y que pone en valor el talento local y la historia musical de la ciudad:

Finalmente, también se llevará a cabo el programa educativo ‘Catedral Musical Toledo 800’: a partir de septiembre se realizarán visitas didácticas diseñadas para centros escolares. El objetivo es explicar de forma amena la importancia de la música catedralicia y el valor histórico y técnico de los órganos de la Catedral Primada a los estudiantes.

Las noches de julio en Cornellà de Llobregat, en la provincia de Barcelona, se visten de gala una vez más gracias al programa cultural “Nits d'estiu” que organiza anualmente el ayuntamiento de la localidad. Este ciclo, que llena de música y arte los rincones más emblemáticos de la ciudad, ha preparado una cita ineludible para los amantes de la ópera en el patio del majestuoso Castell de Cornellà. La brisa nocturna y la historia que emana de los muros de este edificio gótico servirán de telón de fondo para una velada que promete ser inolvidable para todos los asistentes.

La ciudad recupera de esta manera su pulso cultural mediante propuestas gratuitas y al aire libre que invitan a toda la ciudadanía a disfrutar del patrimonio local de una forma lúdica y cercana, permitiendo que la cultura llegue a cada rincón de este histórico municipio del Baix Llobregat. El motivo central de esta celebración musical es el homenaje al gran maestro italiano Giuseppe Verdi en el 125 aniversario de su fallecimiento. Bajo el nombre de Tutto Verdi, la programación busca rendir un sentido tributo a uno de los compositores más influyentes de toda la historia de la música lírica universal. Esta importante efeméride se convierte en la excusa perfecta para acercar la fuerza dramática de sus famosas composiciones a un público diverso en un entorno de belleza arquitectónica singular.

Los asistentes tendrán el privilegio de realizar un viaje emocionante a través de los fragmentos más célebres de las grandes obras maestras del genio de Busseto. Durante el concierto, sonarán las notas apasionadas de “La Traviata”, la majestuosidad de “Aida” y el profundo sentimiento patriótico que se desprende de las melodías de “Nabucco”. No faltarán tampoco la intensidad dramática de “Rigoletto” ni la belleza melódica de “Il Trovatore”, completando un repertorio que está lleno de pasión y de fuerza dramática. Cada pieza ha sido seleccionada cuidadosamente para transmitir la esencia del legado de Verdi en un formato que resalta la proximidad con los intérpretes. Será una oportunidad de oro para repasar la trayectoria de un autor que supo retratar como nadie las emociones del alma humana.

La interpretación de este ambicioso programa correrá a cargo de la reconocida formación titulada como La Petita Companyia Lírica de Barcelona, expertos en el género operístico. El elenco está hoy compuesto por la soprano Romina Krieger y la mezzosoprano Caitlin Redding, cuyas voces darán vida a las heroínas verdianas con gran maestría. Les acompañarán el tenor Eduardo Ituarte y el barítono Joan Garcia Goma, encargados de aportar la potencia y el matiz necesario a los roles masculinos. La dirección musical y el acompañamiento al piano estarán en manos de Elke Sanjosé, quien va a garantizar la armonía necesaria para que cada nota resuene con perfección. Juntos, estos músicos profesionales ofrecerán un espectáculo de gran nivel técnico y profundidad emocional para todo el público asistente.

El escenario elegido, el Castell de Cornellà, es un gran casal gótico que cuenta con más de siete siglos de historia documentada en sus antiguos cimientos de piedra natural. Situado estratégicamente sobre una colina que domina el tramo final del río Llobregat, el edificio ha sido testigo de la evolución de la ciudad desde el siglo XIII. Tras ser adquirido y reformado por el ayuntamiento en el año 2000, sus dependencias acogen hoy el Archivo Histórico Municipal y diversas salas para exposiciones. Su patio central, donde tendrá lugar el concierto, se ha consolidado como un marco incomparable para la celebración de actividades culturales de primer nivel. Es un espacio que combina la sobriedad de la arquitectura medieval con la acústica ideal para el disfrute del canto lírico.

El concierto está programado para el próximo jueves 23 de julio, comenzando puntualmente a las diez de la noche para aprovechar la frescura del atardecer veraniego. Con una duración prevista de una hora, la actividad se integra perfectamente en la variada oferta que las “Nits d'estiu” ofrecen durante todo el mes de julio. La música clásica al aire libre se suma así a otras propuestas de cine, danza y festivales que animan los diferentes barrios de la localidad catalana. Es una oportunidad única para vivir la ópera en un ambiente distendido pero cargado de la debida solemnidad que requiere el homenaje a un músico eterno. La noche de verano garantiza una temperatura agradable que invita a la contemplación artística bajo el cielo estrellado del Baix Llobregat.

Gratis y sin inscripción previa

Como es habitual en este ciclo cultural, el acceso al evento es totalmente gratuito, eliminando las barreras para que toda la ciudadanía pueda participar de la excelencia lírica. Debido a las características del recinto, el aforo es limitado y la entrada se realizará estrictamente por orden de llegada hasta completar la capacidad máxima del patio. No es necesaria la inscripción previa, por lo que se recomienda a los interesados acudir con cierta antelación a la calle de Mossèn Jacint Verdaguer. El ayuntamiento busca así fomentar el acceso a la cultura de calidad y poner en valor el rico patrimonio arquitectónico que posee el municipio para el disfrute común de sus vecinos. Se trata de una apuesta firme por democratizar el arte y acercarlo a todos los ciudadanos de Cornellà.

La noche del 23 de julio, Cornellà se transformará en un pequeño rincón de Italia donde el espíritu de Giuseppe Verdi volverá a latir con una fuerza inusitada. La combinación de voces muy excepcionales, un piano magistral y un entorno medieval creará una atmósfera de ensueño para conmemorar este significativo 125 aniversario de su muerte. Los ecos de sus arias más famosas resonarán entre las piedras del castillo, recordándonos por qué su música sigue siendo capaz de conmover a las generaciones actuales.

Arnedillo se vuelve a posicionar en el centro de la cultura clásica municipal los próximos 4 y 11 de julio con la XVIII edición del “ClasicArnedillo”. Este certamen, organizado por el Ayuntamiento de Arnedillo con la colaboración del Gobierno de La Rioja, combina patrimonio, paisaje y excelencia artística, reuniendo a intérpretes de primer nivel y ofreciendo, además, un espacio para la proyección de músicos emergentes.

La programación de esta edición incluye cuatro conciertos. Las dos actuaciones principales se celebrarán a las 20.00 horas en la iglesia de San Servando y San Germán, y los dos conciertos de cámara, protagonizados por el alumnado del Conservatorio Profesional de Música de Calahorra, tendrán lugar a las 23.00 horas en distintos establecimientos hosteleros de la localidad.

La nueva edición ha sido presentada por el director general de Cultura, Roberto Iturriaga, el alcalde de Arnedillo, Pedro Montalvo, y el director artístico del festival, Pablo Muro.

Iturriaga ha destacado que “alcanzar la decimoctava edición de ”ClasicArnedillo“ demuestra la solidez de un proyecto cultural que ha sabido crecer y consolidarse gracias al compromiso del Ayuntamiento de Arnedillo, de su dirección artística y del público que, año tras año, respalda esta propuesta. Hablamos de un festival que ha convertido a un municipio de menos de 500 habitantes en un referente de la música clásica durante el verano riojano”.

Por su parte, Pedro Montalvo ha señalado que “para Arnedillo es un orgullo acoger un festival que cumple ya su mayoría de edad y que se ha convertido en una de las citas culturales más reconocidas de nuestro verano. Gracias a la colaboración del Gobierno de La Rioja y al trabajo de la organización, conseguimos acercar una oferta cultural de máxima calidad a vecinos y visitantes, enriqueciendo además la amplia propuesta turística y patrimonial de nuestro municipio”.

Esta es la programación

La programación, según ha destacado el director del festival, Pablo Muro, mantiene la esencia de ClasicArnedillo: combinar la presencia de intérpretes de primer nivel con el impulso a las nuevas generaciones de músicos. El cartel de este año incluirá desde un concierto para dos arpas hasta un recorrido por más de tres siglos de historia de la música, además de la participación de jóvenes talentos riojanos.

El festival arrancará el 4 de julio con “El arpa olvidada”, un concierto protagonizado por los arpistas Susana Cermeño y José Antonio Domené, que ofrecerán un recorrido por algunas de las obras más representativas del repertorio para este instrumento, junto a adaptaciones de compositores españoles.

El segundo concierto principal será el 11 de julio llamado “Recapitulación: un viaje musical”, un espectáculo que reunirá a la soprano Paloma Friedhoff, los violinistas David Martínez y el joven arnedano Fabio Muro, junto a la orquesta de cámara Camerata del Prado, dirigida por Tomás Garrido.

El programa ofrecerá un recorrido por más de tres siglos de historia de la música a través de compositores como Purcell, Vivaldi, Bach, Händel, Mozart, Schumann, Gershwin o Kurt Weill, y contará además con obras de compositores riojanos abriendo una nueva oportunidad para ver sobre el escenario a Fabio Muro, una de las jóvenes promesas de la música clásica.

El certamen se completará con dos conciertos de cámara protagonizados por alumnado del Conservatorio Profesional de Música de Calahorra, que se celebrarán ambos días a las 23.00 horas en distintos espacios hosteleros de la localidad, reforzando la apuesta del festival por acercar la música clásica a nuevos públicos y apoyar el talento emergente.

La villa medieval de Pedraza ultima ya los preparativos para transformarse un año más en un escenario de ensueño durante los dos primeros sábados del inminente mes de julio. En esta 33ª edición, el alumbrado público desaparecerá por completo para ceder todo el protagonismo a más de sesenta mil pequeñas llamas que bañarán de calidez cada rincón del municipio. El silencio que reina en las calles y las sombras que se proyectan sobre los antiguos muros de piedra crean una atmósfera verdaderamente sobrecogedora para todo aquel que visita esta localidad de la provincia de Segovia. La Noche de las Velas permite a miles de turistas perderse entre balcones y ventanas adornadas con una iluminación original.

El momento culminante llega con la denominada hora azul, ese instante donde el cielo oscuro se funde cromáticamente con el fuego de las velas. Es una experiencia sensorial completa donde el olor a cera y la visión de las fachadas históricas transportan al viajero a otra época lejana. Las fechas señaladas para este gran acontecimiento de 2026 son los próximos sábados 4 y 11 de julio, respectivamente. Desde que se celebrara la primera edición en 1993, esta cita organizada por la Fundación Villa de Pedraza ha forjado una identidad propia inconfundible.

Durante estas noches de verano, las farolas se apagan a partir de las diez de la noche para dar paso a un espectáculo de luz inigualable en toda la provincia. Es habitual que los turistas comiencen a colaborar en el encendido de las velas desde horas antes junto a los habitantes de la villa. Se trata de una fiesta espectacular que atrae no solo a personas de Segovia, sino de toda la geografía española y el extranjero. Además del efecto de las velas, el gran aliciente es la música clásica. El primer concierto de la programación tendrá lugar el sábado 4 de julio en la imponente explanada del castillo de la villa. En esta ocasión, la Orquesta de la Comunidad de Madrid será la encargada de inundar el aire con piezas de la música clásica más sublime. Bajo la batuta del carismático José Luis López-Antón, el repertorio se centrará en obras maestras de autores de la talla de Mendelssohn y Beethoven. 

La primera parte incluirá la obertura de Las Hébridas y la Sinfonía número 4. Tras el intermedio, los asistentes podrán disfrutar de la energía de la Sinfonía número 7 de Beethoven. Esta agrupación, que es la titular del Teatro de la Zarzuela, cuenta con casi cuatro décadas de trayectoria y un gran reconocimiento a nivel mundial. El director López-Antón de hecho es considerado una de las promesas más brillantes de la nueva generación de directores de orquesta españoles.

Para el segundo sábado, el 11 de julio, el protagonismo recaerá en la formación holandesa Kamerata Stradivarius y su propuesta bajo las estrellas. Este concierto contará con el virtuosismo del violinista Razván Stoica como solista, quien dirigirá un programa centrado en el mundo del cine. La primera parte del recital ofrecerá piezas de Mozart y Paganini que han sido utilizadas en famosas producciones de la gran pantalla. En la segunda mitad, el público vibrará con melodías de Brahms, Sarasate y Massenet presentes en películas icónicas como El Lobo de Wall Street. 

La Kamerata Stradivarius es reconocida en toda Europa por su sonoridad homogénea y su capacidad para emocionar a audiencias muy diversas. Stoica, ganador del Premio Stradivarius, toca un instrumento de 1729 que garantiza una calidad sonora excepcional durante toda la velada. Es una oportunidad de oro para acercarse a la música clásica a través de temas que forman parte de la memoria colectiva.

Debido a la gran afluencia de público, el acceso a la villa se encuentra restringido a un máximo de cinco mil personas diarias. Para garantizar la seguridad y evitar aglomeraciones, no se podrá entrar al casco urbano sin disponer de una entrada o pase oficial. El control del aforo permite que la experiencia sea cómoda para todos y facilite cualquier posible proceso de evacuación necesaria. Aquellos que deseen asistir a los conciertos principales deben adquirir sus localidades, las cuales ya incluyen el derecho de acceso a la villa medieval. 

Respecto al transporte, se recomienda llegar a Pedraza con bastante tiempo de antelación para evitar problemas con los desplazamientos finales. El acceso de vehículos al interior de la villa amurallada quedará totalmente prohibido a partir de las seis de la tarde de cada sábado. Por ello, se han habilitado aparcamientos especiales en el arcén de la entrada y en la colina frente a las murallas. 

Patrimonio inagotable

Visitar Pedraza durante la mañana de estos dos sábados permite además descubrir un patrimonio artístico de incalculable valor histórico. El recorrido puede comenzar en la Puerta de la Villa, una construcción del siglo VIII que sirve como entrada principal al recinto. No se debe dejar de visitar la antigua cárcel del siglo XIII, hoy reconvertida en museo, o la emblemática iglesia de San Juan Bautista. El castillo es otro de los pilares fundamentales del municipio, destacando especialmente su imponente Torre del Homenaje de origen medieval. La Plaza Mayor, con sus soportales castellanos del siglo XVI, es el epicentro social del pueblo. Pasear por calles como la de las Cuestas o la de la Florida revela la belleza de la arquitectura tradicional de la zona. 

En definitiva, la Noche de las Velas supone una comunión perfecta entre la música, la historia y la luz tenue de miles de pequeñas velas. Los beneficios obtenidos a través de la venta de entradas al concierto se destinan a la reconstrucción de la iglesia y el centro cultural. La labor de la Fundación Villa de Pedraza vela por mantener intacto el espíritu de este encuentro artístico año tras año. Es la oportunidad perfecta para vivir dos días inolvidables en un entorno en el que parece haberse detenido en el tiempo.

Una partitura inédita del maestro de la música clásica Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) fue descubierta recientemente en la Biblioteca Nacional de Francia (BnF), en París, y será interpretada por primera vez este domingo en la capital francesa para celebrar la anual 'Fiesta de la Música'.

Se trata de un cuaderno de 44 páginas manuscritas por el propio Mozart en 1778, que contiene siete piezas cortas para flauta y harpa: una combinación de instrumentos para la que el austríaco apenas compuso.

El hallazgo sucedió el pasado febrero en el departamento de la música de la BnF, cuando el conservador François-Pierre Goy, encargado de las colecciones anteriores a la época contemporánea en dicha institución, reconoció el trazo del maestro en el viejo cuaderno.

“Reconozco la escritura de Mozart: su manera de trazar los corchetes; las claves de sol redondeadas y curvadas hacia adelante; y las dobles barras finales con calderones abajo y arriba”, explicó al medio francés Le Monde.

Fuentes de la BnF afirmaron a EFE que este cuaderno “no estaba estampado con el sello de la Biblioteca y no estaba aún catalogado”, por lo que las observaciones de Goy fueron verificadas por su compañera Laurence Decobert y, posteriormente, fueron corroboradas por la directora de la Biblioteca Mozartiana del 'Mozarteum' de Salzburgo, Armin Brinzing.

Los expertos concluyeron que las piezas fueran compuestas para las lecciones que Mozart impartió durante su estancia en París a Marie-Louise-Philippine de Bonnières de Guines, hija del duque de Guines, un poderoso aristócrata próximo a la reina María de Austria (1755-1793), la celebérrima consorte francesa decapitada durante la Revolución Francesa (1789-1799).

Según Goy, “la hipótesis más probable” para que el manuscrito acabara en las colecciones de la BnF es que este formara parte de las “confiscaciones revolucionarias” que se produjeron en el mismo periodo, puesto que varios artículos de la familia de Guines fueron requisados antes de que estos emigraran a Inglaterra en 1794, durante el llamado “Terror” revolucionario.

En un comunicado emitido por la BnF, el presidente de la institución, Gilles Pécout, afirmó que, “según los especialistas, este hallazgo es sin duda uno de los más importantes de las últimas décadas”.

“Permite documentar la última estancia de Mozart en París y nos revela, a través de su vida cotidiana, cómo era la actividad del joven profesor Mozart en su relación con su alumno”, explicó, en referencia a la extraordinaria precocidad del músico, que entonces tenía 21 años.

La composición se grabó este miércoles por primera vez en la Casa de la radio de París, pero el público no podrá escuchar sus notas hasta el próximo domingo, cuando se interpretará en la Sala Oval de la BnF para celebrar la 'Fiesta de la música'.

Este festejo es un evento anual que celebra dicho arte con múltiples conciertos gratuitos y actividades de toda clase repartidas por la capital francesa.

Mozart es considerado uno de los músicos más importantes e influyentes de la historia, destacado desde una temprana edad por su impacto en el clasicismo, con obras como 'La flauta mágica' o su 'Réquiem'.

La playa de Sant Sebastià en Barcelona se prepara para transformarse en todo un auditorio sinfónico masivo este próximo verano. Bajo el nombre de ‘Clàssica a la Platja’, este evento gratuito acercará melodías muy célebres a miles de personas frente al Mediterráneo. La arena sustituirá al habitual patio de butacas de los grandes teatros, permitiendo que el sonido de las olas acompañe al repertorio. Esta iniciativa cultural busca romper con la solemnidad tradicional de la música clásica en un ambiente relajado y mediterráneo, con lo que familias y turistas podrán disfrutar de una experiencia única bajo el cielo barcelonés.

El evento es una de las citas más importantes y esperadas del periodo estival en la ciudad condal, una oportunidad dorada para quienes jamás se han planteado asistir a un concierto sinfónico formal en un auditorio. La brisa marina y la calidad artística se fusionarán en un escenario monumental. La primera jornada del ciclo tendrá lugar el 8 de julio con la participación de la Orquesta del Liceu. Bajo la batuta del maestro Josep Pons, el conjunto interpretará un programa lleno de ritmo, color y una vibrante energía sinfónica. Este concierto específico se celebra en el marco del 25º aniversario del Petit Liceu, enfocado a públicos de todas las edades. El repertorio ha sido cuidadosamente seleccionado para invitar a los asistentes a reconocer páginas emblemáticas de la música universal.

La propuesta es un viaje emocional a través de obras que transformaron el folclore y las identidades culturales en arte sonoro. La orquesta desplegará su potencia en un escenario de 20 metros de ancho cubierto por una cúpula tipo órbit. El objetivo primordial es que la música más exquisita salga de sus espacios tradicionales para abrazar directamente a la ciudadanía. Esta noche inaugural promete ser una celebración inolvidable de la creatividad humana en un entorno natural privilegiado.

Entre las piezas más esperadas de esta primera noche destacan hitos musicales como la selección de El cascanueces de Piotr Ilich Chaikovski. El público podrá deleitarse con la Marcha, la Danza del Hada de Azúcar y el célebre Vals de las flores directamente sobre la arena. Asimismo, la pasión de Manuel de Falla cobrará vida con la interpretación de la Danza ritual del fuego de El amor brujo. Estas obras, cargadas de lirismo y fuerza evocadora, garantizan atrapar incluso a aquellos que no tienen formación musical previa. El punto álgido del programa llegará con el cierre apoteósico que ofrecerá el hipnótico e icónico Bolero de Maurice Ravel. 

La precisión rítmica de Ravel resonará contra el horizonte marino, marcando uno de los momentos cumbres de la temporada cultural. Otras obras de Brahms, Dvořák y Borodín completarán una lista de temas que son sinónimo de excelencia artística mundial. Es una selección que busca conectar emocionalmente con una audiencia diversa, amplia y predispuesta al disfrute artístico.

El relevo musical llegará el 9 de julio con la actuación de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya. La formación, conocida como la OBC, estará dirigida por su titular Ludovic Morlot en una velada titulada Una sinfonía imaginaria. Este segundo concierto continuará el viaje iniciado la noche anterior, explorando diversos estilos, atmósferas y sensibilidades europeas. Se interpretarán movimientos de sinfonías muy queridas por el público, combinando el drama ruso con la melancolía del romanticismo centroeuropeo. 

Obras de compositores como Rajmáninov, Brahms, Dvořák y Borodín ofrecerán una experiencia llena de contrastes y ricas melodías orquestales. El programa destaca por su potencia sonora, diseñada especialmente para resonar en un espacio tan abierto como el litoral. Esta propuesta de la OBC refuerza el papel de Barcelona como una capital internacional líder en la música clásica.

Gratuito e inclusivo

El éxito rotundo de Clàssica a la Platja reside en su carácter totalmente gratuito y abierto a toda la población barcelonesa. No es necesaria ninguna reserva previa de entrada, lo que permite que miles de personas se congreguen en la arena. Para garantizar una visibilidad óptima, la organización instalará dos pantallas gigantes conectadas a una sofisticada unidad móvil de televisión. Estas pantallas permitirán seguir el detalle de la dirección y la ejecución de los músicos desde cualquier punto de la playa. El sistema de audio se reforzará con dispositivos especiales para que el sonido viaje con nitidez por toda la extensión del recinto. Se trata de un esfuerzo logístico sin precedentes que busca que nadie se quede fuera de esta gran fiesta sinfónica. 

La organización de este magno evento une a las tres instituciones musicales referentes de la ciudad, el Gran Teatre del Liceu, L'Auditori y el Palau de la Música Catalana. Gracias a esta unión de fuerzas, se logra proyectar una imagen de la ciudad como un lugar alegre, familiar y abierto. El evento también busca promover la marca Barcelona internacionalmente, vinculándola con la excelencia cultural y la hospitalidad mediterránea. La cesión del espacio por parte del Puerto de Barcelona es clave para situar el escenario en una ubicación tan icónica. Barcelona demuestra así que la música clásica es un patrimonio vivo que pertenece a todos sus ciudadanos. De hecho, la inclusión y la accesibilidad son pilares fundamentales en esta edición de los conciertos en la playa. Se han previsto espacios reservados con visibilidad directa para personas con movilidad reducida en el Passeig del Mare Nostrum. Además, se pondrán a disposición del público con discapacidad auditiva mochilas vibratorias y bucles de inducción magnética individual, tecnologías que permiten que las personas sordas puedan sentir físicamente las frecuencias de la orquesta, democratizando la emoción musical.