El cantante, compositor y guitarrista británico Chris Rea, conocido internacionalmente por temas como 'On The Beach' o el navideño 'Driving Home For Christmas', ha fallecido a los 74 años, según informó este lunes su familia.

Rea murió hoy en un hospital tras “una breve enfermedad”, rodeado de sus familiares, de acuerdo con el comunicado distribuido en nombre de su esposa y dos hijos por la agencia británica de noticias Press Association (PA).

El músico fue diagnosticado de cáncer de páncreas en el año 2000 y se sometió a una operación al año siguiente, mientras que en 2016 sufrió un ictus.

Rea vendió más de 30 millones de copias de sus 25 discos durante sus cinco décadas de carrera.

Nacido en 1951 en Middlesbrough (norte de Inglaterra) de padre italiano y madre irlandesa, Christopher Anton Rea, con siete hermanos, pasó la adolescencia ayudando en la heladería familiar y hasta se sacó el carné de conducir con la furgoneta de venta de helados de su padre, Camillo.

Descubrió su pasión por la música y la guitarra en su juventud, cuando se compró su primer instrumento, una Hofner V3 de 1961, y, según los expertos, su amor por la conducción y los viajes influyó en muchas de sus canciones.

Rea estuvo en dos bandas, Magdalene y The Beautiful Losers, antes de lanzar su carrera en solitario con el sencillo 'So Much Love' en 1974.

Su primer álbum, 'Whatever Happened To Benny Santini?', se publicó en 1978, y la canción 'Fool (If You Think It’s Over)' fue nominada a un Grammy.

El músico, conocido por su voz grave y distintivo estilo al tocar la guitarra, alcanzó la fama en los años setenta y ochenta con éxitos como 'Let’s Dance' y 'The Road to Hell'.

Su primer éxito en Estados Unidos le llegó en 1978 con su canción 'Fool (If You Think It's Over)', que le reportó una nominación al Grammy como mejor artista revelación. Su álbum de 1985, 'Water Sign', fue un éxito en toda Europa.

A lo largo de su carrera grabó 25 discos en solitario, de los cuales dos alcanzaron el número uno en las listas británicas: 'The Road to Hell' (1989) y 'Auberge' (1991). Vendió más de 30 millones de copias de sus álbumes.

Lanzado en 1986, el tema 'Driving Home For Christmas' es hasta el día de hoy un clásico de la Navidad, tanto en el Reino Unido como en el extranjero.

Este año volvió a figurar en las lista de éxitos del periodo festivo, alcanzando el puesto 30 la semana pasada, y también se incluyó en la campaña publicitaria navideña de los conocidos grandes almacenes británicos M&S.

Según explicó en su página web, la canción, ideada cuando viajaba con su mujer en coche, relata “la historia de un viajero cansado que regresa a casa, un momento de calidez, humor y espíritu festivo que ha conservado su encanto con el paso de los años”.

Sin embargo, en un principio él no quiso que su discográfica la publicara, dado que estaba tratando de labrarse una reputación por su habilidad con la guitarra.

“En ese momento, lo último que necesitaba era tener una canción navideña dando vueltas. Hice todo lo posible para que no publicaran ese disco. ¡Por suerte, lo hicieron!”, reconoció después.

La última vez que Eric Clapton pisó un escenario en España fue hace 20 años, en 2004 en Barcelona. El músico anuncia ahora su ansiado regreso con dos únicos conciertos para 2026: uno el 7 de mayo en el Movistar Arena de Madrid; otro el 10 de mayo en el Palau Sant Jordi de Barcelona. El célebre artista internacional volverá a tocar su guitarra para el público español con 81 años.

Las entradas de Madrid estarán disponibles el miércoles 22 de octubre a partir de las 10.00 horas en MovistarArena.es, según explica la promotora en la página web. Las de Barcelona, en la página de Love Nation. La preventa estará disponible desde el mismo día 20, pero la venta generalizada de entradas para pista y grada en el Palau se abrirá el día 22 a partir de las 10.00 de la mañana.

Eric Clapton, nacióen 1945 en Ripley, en Inglaterra, y es una de las figuras más influyentes de la historia del rock y el blues. A lo largo de más de seis décadas de carrera, ha dejado una huella imborrable como guitarrista, cantante y compositor, consolidándose como una leyenda viva de la música.

Tuvo una infancia complicada:creció hasta los nueve años, creyendo que sus abuelos eran sus padres, y cuando estos pensaron que Eric tenía la suficiente edad para saber la verdad, le contaron que su hermana, era en realidad su madre. Ella se marchó de casa poco tiempo después.

Con 16 años fue admitido en el Kingston College Of Art, gracias sobretodo a sus magníficos trabajos de arte. Aunque eligió estudiar diseño de vidrio, no logró acabar la mayoría de los trabajos que le encargaban porque que dedicaba la mayor parte del tiempo a tocar la guitarra. Más tarde encontró trabajo en la construcción, y cuando logró ahorrar una buena cantidad de dinero, se compró la que sería su segunda guitarra, una Kay eléctrica de 100 libras.

Su talento emergió en los años 60 con bandas icónicas como The Yardbirds, John Mayall’s Bluesbreakers y Cream, donde redefinió el sonido de la guitarra eléctrica y marcó una era. Posteriormente, formó Derek and the Dominos, con quienes grabó el clásico atemporal Layla.

En su etapa en solitario, Clapton ha firmado álbumes esenciales como 461 Ocean Boulevard o Unplugged, que le valieron reconocimiento mundial y premios Grammy, incluyendo por la emotiva “Tears in Heaven”. Su versatilidad le ha permitido colaborar con artistas como Aretha Franklin, Bob Dylan, Elton John y Sting, entre muchos otros

El mes de noviembre está a la vuelta de la esquina y con él, como viene ocurriendo desde hace ya 14 años, llega a Santiago el Outono Códax, el festival que trae a la ciudad una muestra del mejor rock, soul y rythm & blues que se está haciendo actualmente en distintas partes del mundo. El evento ha conseguido hacerse con una clientela fiel que espera con ansiedad cada año el anuncio del cartel, tanto en Galicia como en otros lugares de la Península. Un año más no se sentirán decepcionados ya que en este año llegan artistas internacionales muy conocidos por el público musical entendido como Fantastic Negrito, Shannon and the Clams o The Courettes, entre otras.

Fran Villasenín, que codirige el festival con Javier Freire y Martín Calviño, explica que este año se ha redoblado la apuesta que ya se viene haciendo en las últimas ediciones para traer a bandas de trayectoria no tan extensa y que puedan servir de gancho para atraer a un público más joven al evento.

“En las primeras ediciones apostamos sobre todo por traer a grandes figuras del soul y el rythm&blues de los 60 y 70 que aún seguían en activo pero cada vez quedan menos y las pocas que hay no salen de gira, por esto tenemos que buscar otro tipo de bandas que, además, contribuyen a renovar al público que nos sigue”, explica Villasenín.

Pero a pesar de estos pequeños cambios, que además ya se venían realizando en los últimos años, el festival sigue contando con un público fiel que compra los abonos con mucha antelación, desde distintos puntos de Galicia y de otros lugares de España y que ya sabe que en noviembre va a poder contar con varios fines de semana en el que podrá ver a grupos de sus estilos musicales favoritos y que, además, son poco habituales en la cartelera de otros locales de conciertos de toda España.

Una vez más la sala Capitol y el Riquela Club serán los escenarios de los conciertos que arrancarán el 31 de octubre en esta última sala con la actuación del dúo británico The Courettes, una banda avalada por el prestigioso sello británico Damaged Records y que cultiva estilos como el garaje, el surf-rock o el blues, lo que supone casi una identificación perfecta con el espíritu que alienta al Outono Códax.

En las semanas posteriores pasarán por el festival bandas como los canadienses The Sheepdogs, los Tiki Phantoms, los californianos Shannon and the Clams, los británicos The Jive Aces y el cierre con Fantastic Negrito, ganador de dos premios Grammy, y Madame Bird el día 23 de noviembre, para el que ya se han agotado las entradas disponibles. En medio habrá oportunidad también para ver a bandas gallegas como Mambas Negras (21 de noviembre) que serán teloneros de Shannon and the Clams y ofrecerán su particular homenaje a la música que se escucha en las películas de Quentin Tarantino.

Cine, exposición, catas y pinchadas

Villasenín señala que además de los conciertos durante el mes de noviembre habrá diversas actividades paralelas, siempre con la música como eje principal. La sala Riquela acogerá una exposición titulada Los rostros del jazz, compuesta por imágenes coloreadas del mitíco fotógrafo y periodista estadounidense William Gottlieb y también tendrá lugar un ciclo de cine en la sala Numax, donde se podrá ver el estreno de un documental sobre la banda de rock norteamericana The Black Keys. Además, habrá catas de vinos, presentaciones de libros y pinchadas post-conciertos. Aquí puede encontrarse toda la información.

El objetivo final –según explica Villasenín– es que los que vengan a Santiago a disfrutar del festival puedan hacerlo también de una ciudad que ofrece muchas posibilidades de ocio, cultura y gastronomía “más allá del Camino de Santiago y la Catedral”. El director del Outono Códax confiesa sentirse apenado cuando ve que en los conciertos que se celebran en pubs y pequeñas salas de la ciudad apenas se ven turistas. “Tenemos una ciudad llena de gente y no se ve a estas personas en las opciones culturales que ofrece Santiago. No sé si es falta de información o a qué se debe pero es una pena”, concluye.

En cambio en el Outono Códax sí que se detecta que se está produciendo una cierta renovación del público que hace que la supervivencia del festival parezca garantizada. “Vemos a muchos veinteañeros en los conciertos de soul que organizamos y eso es muy buena señal. Nuestra filosofía podría resumirse ahora en traer a grupos que cultivan géneros clásicos pero con una trayectoria no tan larga y que atraen también a los jóvenes. También hay que destacar que tenemos la posibilidad, gracias a nuestros patrocinadores, de traer a bandas muy buenas y ofrecer precios de entradas muy inferiores a los de otros lugares ”, indica Villasenín.

John Mayall, el pionero del blues británico, que llegó a tocar con estrellas de la talla de Eric Clapton, Peter Green y algunos de los miembros de Fleetwood Mac, ha fallecido en su casa de California a los 90 años, anunció su familia. Según sus familiares, cuando falleció estaba con sus seis hijos, Gaz, Jason, Red, Ben, Zak y Samson, 7 nietos y 4 bisnietos, además de las que fueron sus esposas Pamela y Maggie.

“Con el corazón encogido damos la noticia de que John Mayall falleció en paz en su casa de California el 22 de julio de 2024, rodeado de su querida familia”, se lee en el mensaje de Instagram sobre el músico nacido en Reino Unido.

“Los problemas de salud que obligaron a John a poner fin a su épica carrera de giras han llevado finalmente a alcanzar la paz a uno de los mayores guerreros de la carretera de este mundo. John Mayall nos dio 90 años de incansables esfuerzos por educar, inspirar y entretener”, agregó el mensaje.

En el texto colgado en la red social, sus familiares recuerdan la entrevista que el músico ofreció al diario The Guardian en la que Mayall reflexionaba: “(el blues) trata -y siempre ha tratado- de esa cruda honestidad con la que (expresa) nuestras experiencias en la vida, algo que todo confluye en esta música, también en las letras”.

“Algo que está conectado con nosotros, común a nuestras experiencias”, agrega el mensaje de su familia que destaca “su honestidad, su conexión, su comunidad y su forma de tocar” que seguirán “influyendo en la música y la cultura de hoy y de las generaciones venideras”. “Para ser sincero, no creo que nadie sepa realmente qué es (el blues) exactamente. Simplemente no puedo dejar de tocarlo”, dijo el músico en la mencionada entrevista.

John Mayall fue nombrado Caballero del Imperio Británico, tuvo dos nominaciones a los premios Grammy y recientemente fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Nos bares sempre naceron grandes ideas no mundo da música e a historia do Festival Outono Códax non é unha excepción. Xa no ano 2010, o promotor cultural Fran Villasenín e algúns dos seus amigos máis novos, todos tolos pola música, estaban charlando e soñando en voz alta en Santiago sobre o xenial que sería poder achegar á cidade a grandes intérpretes de soul e rock Anos 50 e 60 que aínda estaban activos, aínda que moitos deles non vivían momentos moi boiantes Dito e feito, ao ano seguinte fíxose realidade un festival que este ano celebra a súa décimo terceira edición e que se converteu nun referente dentro e fóra de Galicia da música. seguidores con ecos dos primeiros tempos de estilos musicais que se consolidarían na segunda metade do século XX como o rock e o soul.

Fran Reixa, como é coñecido no panorama musical santiagués, explica que naquela primeira edición de 2011 as cousas parecían ir mal cando Nick Curran, que tiña previsto ser titular, non puido asistir xa que estaba enfermo do cancro que acabaría. a súa vida o ano seguinte. Pero no seu lugar acudiu ao acto a cantante Maxine Brown, unha desas divas da escena soul escurecida pola enorme figura de Aretha Franklin pero que colaborara con grandes artistas como Otis Redding, Sam Cooke ou Ray Charles. “Deu un gran concerto e vendemos todas as entradas. Ese foi o comezo dun soño feito realidade que ao longo destes anos permitiu achegar a Galicia e coñecer en persoa verdadeiras lendas do rock, o soul e o blues”, explica Fran.

Desde entón, moita auga correu e artistas tan destacados como Lala Brooks (cantante de The Crystals), Tommy Hunt (The Flamingos), Judith Gray ou The Pretty Things pasaron polos escenarios do festival e, ademais, puideron coñecer Santiago e Galicia porque a filosofía do evento é conseguir unha certa implicación dos músicos para que saiban onde chegaron a tocar e non sexa un concerto máis. Ademais, en varias ocasións os artistas que actuaron no festival estiveron acompañados por músicos locais cos que mesmo estableceron unha relación profesional que posteriormente continuou.

Entre as innumerables historias suculentas que aconteceron estes anos, Fran lembra, por exemplo, unha excursión a Fisterra con Lala Brooks que contaba anécdotas de cando tiña quince anos e podía ver a Frank Sinatra interactuando con personaxes da mafia ou cando Maxine Marrón Gardou todo o diñeiro (en dólares) que ía recibir pola súa actuación entre os seus calcetíns e saíu ao escenario con esa gran cantidade de diñeiro agochada. “Hai que ter en conta que estes artistas foron enganados moitas veces e non se fían de ninguén, por iso decidiron non deixar o diñeiro no hotel e gardalo onde estaba máis seguro”, sinala divertida a promotora.

Co paso dos anos o festival tivo que evolucionar en canto ao cartel que presenta xa que a maioría das vellas glorias do soul, o blues e o rock dos anos 50 e 60 xa morreron ou son anciáns que apenas poden subir ao escenario, como pasou a hai uns anos a Naomi Shelton, falecida hai un par de anos, que actuou en Santiago en 2015 sostendo o micrófono porque xa apenas podía levantarse. Dende o inicio do festival pero aínda máis nos últimos anos, o cartel está formado por bandas que seguen apostando por estilos vencellados aos inicios do rock ou por artistas que lle dan un toque máis moderno ao soul, blues ou funk. Pokey Lafarge, Nick Waterhouse e Nikki Hill, que forman parte da formación deste ano, son o mellor exemplo diso.

Outono tamén en Madrid

Nesta edición, o festival tamén ten programado por primeira vez un par de concertos en Madrid, co fin de promocionarse fóra de Galicia, aínda que o certo é que o evento xa é bastante coñecido noutros puntos de España e, como Fran Reixa indica, Cada vez chegan máis persoas doutras partes da Península. “Ofrecemos moito máis que música porque tamén organizamos presentacións de libros, proxeccións de documentais e películas musicais, catas de viños e DJ sets despois dos concertos. ”Quen veña ao festival pode gozar duns días de inmersión musical total“.

Este ano, por exemplo, antes do tan esperado concerto de Nick Waterhouse haberá un programa en directo de Radio 3, conducido polo presentador Diego RJ de El Sótano. “É unha oportunidade máis para dar a coñecer o festival e lembrar o que se facía nos anos 50 e 60 na radio dos Estados Unidos cando se retransmitían en directo este tipo de eventos”, di Fran.

A pesar destas presentacións fóra de Santiago (hai uns anos tamén se facían actuacións en Asturias), Fran Reixa ten claro que se trata dun festival para Galicia e que así se seguirá facendo nas vindeiras edicións. Xa o ano pasado Outono tivo un fillo pequeno, HolaNola, outro festival no que Fran está implicado e que une Galicia con Nova Orleans e con música doutras partes de España. Ambos festivais colaboran entre si e, por exemplo, o ano pasado estivo en Outono o gran xefe indio Monk Boudroux, referente cultural e social en Nova Orleans. “Foi emocionante ver o nervioso que estaba antes da súa actuación en Santiago para a que estreou un traxe indio moi especial que acabou de coser no seu hotel os días previos ao concerto. Son momentos impagables para os locos da música coma nós”, di Fran Reixa.

Santiago conta na actualidade con varios festivais (a Outono e HolaNola, hai que engadir WOS) cunha programación exquisita que non se atopa noutros puntos de España nin sequera de Europa. Trátase dun tipo de evento musical que marca distancias co modelo de macrofestival que parece impoñerse ultimamente e no que o marketing e o mainstream acaban impoñéndose no que se supón que é máis importante, a música.

Las grandes ideas en el mundo de la música siempre han nacido en los bares y la historia del Outono Códax Festival no es una excepción. Allá por el año 2010 el promotor cultural Fran Villasenín y algunos de sus amigos más jóvenes –todos locos por la música– charlaban y soñaban en voz alta en Santiago sobre lo bueno que sería poder traer a la ciudad a grandes intérpretes del soul y el rock de los años 50 y 60 que aún seguían en activo, aunque muchos de ellos no vivían momentos muy boyantes.Dicho y hecho, al año siguiente se hacía realidad un festival que este año cumple trece ediciones y que se ha convertido en un referente dentro y fuera de Galicia para los seguidores de la música con ecos de los primeros tiempos de estilos musicales que se consagrarían en la segunda mitad del siglo XX como el rock y el soul.

Fran Reixa, como es conocido en el ambiente musical de Santiago, explica que en aquella primera edición de 2011 las cosas parecieron torcerse cuando Nick Curran, que estaba previsto como cabeza de cartel, no pudo asistir al encontrarse enfermo del cáncer que terminaría con su vida al año siguiente. Pero en su lugar acudió a la cita la cantante Maxine Brown, una de esas divas de la escena soul oscurecidas por la enorme figura de Aretha Franklin pero que habían colaborado con grandes artistas como Otis Redding, Sam Cooke o Ray Charles. “Ofreció un gran concierto y vendimos todas las entradas. Aquello fue el inicio de un sueño cumplido que a lo largo de estos años nos ha permitido traer a Galicia y conocer en persona a auténticas leyendas del rock, el soul y el blues”, explica Fran.

Desde entonces ha corrido mucha agua y artistas tan destacados como Lala Brooks (cantante de The Crystals), Tommy Hunt (The Flamingos), Judith Gray o The Pretty Things han pasado por los escenarios del festival y, además, han podido conocer Santiago y Galicia porque la filosofía del evento es conseguir una cierta implicación de los músicos para que sepan a qué lugar han venido a tocar y no se trate de un bolo más. Además, en varias ocasiones los artistas que han actuado en el festival han sido acompañados por músicos locales con los que incluso han entablado una relación profesional que se ha prolongado posteriormente.

Entre la infinidad de historias jugosas que han tenido lugar estos años, Fran recuerda, por ejemplo, una excursión hasta Fisterra con Lala Brooks que contaba anécdotas de cuándo era una quinceañera y podía ver a Frank Sinatra alternando con personajes de la mafia o cuando Maxine Brown se guardó entre las medias todo el dinero (en dólares) que iba a percibir por su actuación y salió al escenario con esa gran cantidad de dinero escondida. “Hay que tener en cuenta que a estos artistas les han engañado muchas veces y no se fían de nadie, por eso decidió no dejar el dinero en el hotel y guardarlo donde más seguro estaba”, señala divertido el promotor.

Con los años el festival ha tenido que ir evolucionando en cuanto al cartel que presenta ya que la mayoría de las viejas glorias del soul, del blues y del rock de los 50 y 60 ya han fallecido o son ancianos que apenas pueden subirse a un escenario, como le ocurrió hace unos años a Naomi Shelton, ya fallecida hace un par de años, que actuó en Santiago en 2015 sosteniéndose con el micrófono porque apenas ya podía mantenerse en pie. Ya desde los inicios del festival pero más aún en los últimos años, el cartel lo integran bandas que siguen apostando por estilos vinculados a los inicios del rock o por artistas que dan un toque más actual al soul, el blues o el funk. Pokey Lafarge, Nick Waterhouse o Nikki Hill, que forman parte del cartel de este año, son el mejor ejemplo de esto.

Outono también en Madrid

En esta edición además el festival ha programado por primera vez un par de conciertos en Madrid, con el fin de promocionarse fuera de Galicia, aunque la verdad es que el evento ya es bastante conocido en otros puntos de España y, como indica Fran Reixa, cada vez es más numeroso el público que acude de otros puntos de la Península. “Ofrecemos mucho más que música porque también organizamos presentaciones de libros, pases de documentales y películas musicales, catas de vino y pinchadas con DJs después de los conciertos. Quien viene al festival puede disfrutar de unos días de inmersión musical total”.

Este año, por ejemplo, antes del esperado concierto de Nick Waterhouse se hará un programa en directo de Radio 3, conducido por el presentador Diego R.J. de El Sótano. “Es otra oportunidad para difundir el festival y recordar lo que se hacía en los años 50 y 60 en la radio de Estados Unidos cuando se retransmitían en directo este tipo de eventos”, indica Fran.

A pesar de estas presentaciones fuera de Santiago (hace unos años también se celebraron actuaciones en Asturias), Fran Reixa tiene claro que este es un festival para Galicia y que así seguirá haciéndose en próximas ediciones. Incluso el año pasado al Outono le nació un hijo pequeño, el HolaNola, otro festival en el que está implicado Fran y que une Galicia con Nueva Orleáns y con músicas de otros puntos de España. Ambos festivales colaboran entre sí y, por ejemplo, el año pasado estuvo en el Outono el gran jefe indio Monk Boudroux, un referente cultural y social de Nueva Orleáns. “Fue emocionante ver lo nervioso que estaba antes de su actuación en Santiago para la que estrenó un traje indio muy especial que él mismo acabó de coser en su hotel en los días antes al concierto. Son momentos impagables para locos de la música como nosotros”, señala Fran Reixa.

Santiago cuenta actualmente con varios festivales (al Outono y el HolaNola habría que sumar el WOS) con una programación exquisita y que no se encuentra en otros puntos de España e incluso de Europa. Es un tipo de evento musical que marca distancias con el modelo de macrofestivales que parece imponerse últimamente y en el que el marketing y el mainstream acaban por imponerse a lo que se supone que es más importante, la música

Hay tipos a los que la inminente vejez les llega antes de tiempo. Suele pasar cuando alguien más joven se acerca a hacer lo mismo que hacen ellos y lo hace mejor, o eso piensan, aunque luego nada indique que sea así. Son falsas percepciones originadas por la inseguridad; al viejo le produce desconfianza todo lo que huela a joven.  

Ocurrió con Camarón, cuando el gitanico rubio se midió en el cuarto de cabales con el monarca del flamenco, Manolo Caracol. “Un gitano rubio no pue cantar bien”, parece ser que dijo Caracol cuando el joven Camarón traspasó con la voz el umbral del dolor de su maestro. Y también sucedió en Kinshasa (Zaire), en medio de África, cuando Muhammad Ali y George Foreman se enfrentaron por el título mundial de los pesos pesados en octubre de 1974. Semanas antes, durante tres días, del 22 al 24 de septiembre, se montó un festival de música con un buen puñado de artistas en cartel, entre los que se encontraban James Brown y B.B King. En un principio, el festival iba a coincidir con la velada pugilística, pero al final el combate se retrasó por una lesión de Foreman. 

Así que, de madrugada, con un calor que hacía sudar los cuerpos, Ali y Foreman ejecutaron su danza animal hasta el octavo asalto, que fue cuando Ali tumbó de un derechazo a Foreman y, con ello, se convirtió en campeón mundial de los pesos pesados. Un combate legendario donde los espectadores gritaban Ali bumaye (Ali, mátalo) y del que Norman Mailer escribió un reportaje más legendario aún si cabe, titulado The Fight; un trabajo fundacional que hoy se sigue estudiando en las escuelas de periodismo de medio mundo. En castellano se reeditó hace unos años con el título El combate (Contra).

El discípulo de Mailer y periodista Daniel de Visé se sirve de la derrota de Foreman como metáfora para identificar a B.B King con Ali y a Foreman con James Brown. Lo hace en la biografía de B.B King recientemente publicada por Kultrum, una galería de espejos que nos conduce hasta el festival de Kinshasa, donde el soul de James Brown salió vencido frente a un B.B King vencedor con su blues de alta costura. 

Hay que advertir que B.B King contaba con más años que James Brown, pero se comportó como si tuviera menos, atacando cada tema con una energía y un entusiasmo propio de un chaval con ganas de ganarse la escena. El libro de De Visé no tiene falta ni desperdicio; nos cuenta la ascensión y reinado, como dice el subtítulo, de un tipo que creció a orillas del Misisipi, haciendo arder la liturgia de la negritud en cada una de las seis cuerdas de su guitarra. 

Más de quince mil conciertos en noventa países a lo largo de sesenta años, esos son los números aproximados, pues las cuentas nunca le salieron a B.B King. Era generoso y derrochaba a manos llenas. Raimundo Amador recuerda que cada vez que se veían, B.B King regalaba dólares a los niños como si fueran caramelos. “Trae suerte”, decía. La elegancia de su sonido, el bocado triste del blues y la sombra clavada al suelo de una guitarra de nombre Lucille, todo eso y más aparece en un libro que se deja escuchar. Se titula B.B King, rey del blues, y lo traduce Iñigo García Ureta. 

A la vez que he ido leyéndolo, he ido escuchando las grabaciones que atesoraba en el fondo del armario. De todas ellas me quedo con dos, una es la de marras, la del festival de Kinshasa, en VHS, y otra es la de la cárcel de Chicago, un vinilo grabado poco antes, donde la guitarra de B.B King traspasa con sentimiento algodonero las paredes del penal y hace vibrar las rejas.

La organización de consumidores Facua ha denunciado ante Kontsumobide al certamen musical Bilbao Blues Festival, celebrado del 28 al 30 de julio pasado en la capital vizcaína, por imponer como único método el pago con tarjeta de crédito, además de lo que considera “otras irregularidades” de la promotora, como no informar sobre los fines y tratamiento de datos de carácter personal que recabó durante la cita. Por este último extremo, la asociación ha elevado una instancia a la Agencia Española de Protección de Datos contra la promotora del evento, tal y como ha informado Facua en un comunicado.

Entre otras irregularidades detectadas, Facua-Consumidores en Acción ha denunciado que, en la web del festival, “no se informa de qué persona, física o jurídica es la titular o del número de registro o identificación fiscal de la entidad organizadora”.

En su comunicado, Facua ha explicado que, en primer lugar, ha elevado una instancia al Servicio Territorial de Bizkaia del Instituto Vasco de Consumo, Kontsumobide, donde ha denunciado que, tal y como se desprende de la propia página web del Bilbao Blues Festival, “la promotora del evento prohibió el pago de las consumiciones y abonos en la moneda de curso legal: el euro”. De esta forma, y tal como podía leerse, “para poder agilizar la atención durante el festival, el único método de pago aceptado será la tarjeta de crédito”. “Por lo tanto, el abono de cualquier tipo de consumición, así como las camisetas y otros productos de merchandising sólo se podrá realizar de esta forma”, cita la web.

Ante estos requisitos, la asociación ha advertido de que “no es de recibo que, durante el desarrollo de un espectáculo público, como en el presente caso, se impida que un consumidor haga sus compras utilizando billetes y monedas que se correspondan con la moneda de curso legal en España”.

Al respecto, Facua ha recordado que “la única limitación” es la que deviene del artículo 7 de la Ley 7/2012, de 29 de octubre, de modificación de la normativa tributaria y presupuestaria y de adecuación de la normativa financiera para la intensificación de las actuaciones en la prevención y lucha contra el fraude, que establece “un importe máximo menor o igual a 1.000 euros que se puede abonar con monedas y billetes de euro”.

Por tanto, a su entender, esta práctica que se aplicó en el Bilbao Blues Festival “podría suponer una infracción sancionable por la autoridad de consumo conforme a la Ley 4/2023, de 27 de abril, del Estatuto de las personas consumidoras y usuarias, que recoge expresamente en su artículo 139, apartado 30, que ”constituyen infracciones en materia de contratos con personas consumidoras y usuarias la realización de transacciones en las que se impongan injustificadamente a la persona consumidora o usuaria condiciones, recargos o cobros indebidos, así como la no aceptación de los medios de pago admitidos legalmente u ofertados“.

Facua ha subrayado que ha podido comprobar “cómo en la página web del Bilbao Blues Festival no se informaba en ninguno de sus apartados de qué persona, física o jurídica, es la titular de esta web, ni ninguna clase de número de registro o de número de identificación fiscal”.

Además, meses después de la celebración del evento, el “aviso legal” sigue sin ofrecer la información exigible que permita a los consumidores identificar a la promotora, obstaculizando el derecho que le asiste, por ejemplo, a poner una reclamación“.

La asociación ha denunciado ante la Secretaría de Estado de Digitalización e Inteligencia Artificial estos presuntos incumplimientos de la Ley 34/2002, de 11 de julio, de Servicios de la Sociedad de la Información y de Comercio Electrónico (LSSI) cometidos en la página web del festival, donde no se recogían los datos que la normativa obliga a que sean proporcionados a los usuarios.

Así, el artículo 10 de la citada normativa indica, entre otros, que debe aportarse “nombre o denominación social”, “datos de inscripción en el Registro Mercantil” y “número de identificación fiscal” de los promotores del evento.

Para Facua, la promotora del festival “está obligada”, conforme a este artículo, a ofrecer información sobre “los datos relativos a dicha autorización y los identificativos del órgano competente encargado de su supervisión” así como del “número de identificación fiscal que le corresponda”, o sobre los precios de los productos y servicios que ofrezca, “indicando si incluye o no los impuestos aplicables”.

En la misma línea, el apartado primero del artículo 43 de la Ley 34/2002 menciona que “la imposición de sanciones por el incumplimiento de lo previsto en esta Ley corresponderá, en el caso de infracciones muy graves, a la persona titular del Ministerio de Asuntos Económicos y Transformación Digital, y en el de infracciones graves y leves, a la persona titular de la Secretaria de Estado de Digitalización e Inteligencia Artificial”.

Datos personales

En otro orden de cosas, Facua ha elevado asimismo a la Agencia Española de Protección de Datos (AEPD) una denuncia contra la promotora del Bilbao Blues Festival por no informar a los usuarios de los fines y del tratamiento de los datos de carácter personal que la entidad recaba.

Como pudo verificar la asociación antes de formular la denuncia, “nada se mencionaba en la web relación a los datos personales que pudieran obtener de los usuarios que accedan a esta plataforma”.

Tampoco, prosiguen desde Facua, “ni de cuáles serán los fines que darán a estos datos ni cómo los interesados pueden ejercitar sus derechos sobre el tratamiento de sus datos personales, ni si existe algún responsable designado para esta clase de menesteres”.

Este jueves en Madrid, en el agradable escenario del ciclo de conciertos Noches del Botánico, Chris Isaak parecía muy interesado en convencer al público de que estaba allí sin grandes ambiciones. “Somos bastante profesionales pero no nivel Taylor Swift”, vino a decir. De varias maneras quiso explicar que no había que poner el listón muy alto, que allí se había venido a disfrutar de un poquito de rock’n’roll, y agradecía que se hubiera comprado la entrada para que los niños no le señalaran con asombro en su vagar perdido y desamparado por las calles de Madrid, sin nada que hacer, “vestido con un traje como este”, dijo Chris Isaak señalando su atuendo azul celeste cubierto con deslumbrantes piedras cristalinas y enormes paramecios.

Isaak podría haberse construido un personaje oscuro y enigmático. Su voz y su alianza con David Lynch daba para ello. Pero es un buen tipo y, al final, su mayor extravagancia son sus vestimentas. Cultiva una relación tan cercana con su público que a la tercera canción ya se había bajado del escenario y caminaba entre las personas que le escuchaban de pie y por las primeras filas de las gradas. Sin dejar de cantar, iba chocando esos cinco con las manos que le aparecían en su camino. Se hacía querer tanto que muchos tuvieron que contener sus ganas de convertir la palmada en abrazo mientras cantaba Don’t Leave Me On My Own, de su disco Forever Blue de 1995. “No me dejes solo”, iba pidiendo casi fan a fan.

El músico californiano –que es también actor y presentador de televisión– ha arrancado en Madrid su gira europea, que le hará pasar también por el festival BBK Bilbao Music Legends este sábado 24 de junio. Hay cantantes que se ven obligados a esconder el paso del tiempo y la merma de la voz bajo una puesta en escena espectacular o cualquier otro arte del disimulo. Pero resultó que si Isaak se ponía hablador, simpático, halagador y hasta chistoso, no era una táctica de distracción. Y que si usaba el reverb, era porque la canción realmente lo pedía. Su característica voz sigue brillante y cristalina como los reflejos de sus trajes. Sube y baja con naturalidad como los doce compases del blues sobre el mástil de la guitarra.

No hizo esperar mucho al público para abordar su canción más emblemática que causó el efecto contrario a lo que se podría esperar de un gran hit. Cuando el crooner cantó Wicked Game, la audiencia pasó de un caluroso recibimiento inicial con gritos de asombro al reconocer sus primeros acordes a la guitarra, a un silencio general, un aliento contenido, que sí que era verdaderamente asombroso, durante la interpretación. La canción, tan perfecta, misteriosa y perversa, habría llegado lejos por sí sola, pero la inserción en la película de David Lynch Corazón salvaje la catapultó a un olimpo. Isaak y su grupo la interpretaron correctamente, pero con cierta gana de quitársela pronto de encima.

Crítica y público consideran a Chris Isaak el heredero de Roy Orbison. Con la humildad que le caracteriza, el músico acepta ese cetro interpretando de manera respetuosa pero impecable Oh Pretty Woman (1964) y Only The Lonely (1960). En esta última, fue nombrar al hombre de negro para que el público emitiera un unánime grito de pleitesía. 

El músico de 66 años advirtió que “pásame la mantequilla” es lo único que sabía decir en español, a pesar de que en el bis le dio a la ranchera La tumba será el final de manera muy convincente. Pero la relación con España que más conmovió al público fue la que contó antes de interpretar Blue Spanish Sky, cuya letra dice: “It's a slow sad Spanish song / I knew the words but I sang them wrong / The one I love has left and gone / Without me” (“Es una canción española lenta y triste / Me sabía la letra pero la canté mal / Mi amada se ha largado / Me ha abandonado”). La escribió aquí la primera vez que visitó España. No sabemos si la chica le dejó plantado realmente pero sí que fue su hermano quien le animó a conocer España: “Vente, que la gente es estupenda y la comida también”, le dijo. Isaak, tan complaciente con su público como siempre, dijo que su hermano tenía razón.

Por supuesto no faltaron otros éxitos de su carrera como San Francisco Days y la maravillosa Can’t Do A Thing (To Stop Me) de 1993 que con sus delicados arreglos y su armonía vocal hace de ella una de las mejores baladas pop de la época.

Aunque es evidente la filiación de Chris Isaak, hijo no solo de Orbison sino también de Elvis Presley, Ricky Nelson o Gene Pitney, su versatilidad es también parte de su definición, pues hace suyo el pop pero también el rock’n’roll y por supuesto el blues. Speak Of The Devil, su canción de 1998 del álbum homónimo, fue un gran momento del concierto y es un tema que por sí mismo demuestra que no solo le da a cada género por separado si no que es capaz de hacerlos confluir todos en una sola canción.

Si el traje azul ya le iluminaba bastante, el cambio de vestuario para el bis ofreció un atuendo literalmente deslumbrante: una chaqueta y un pantalón tejidos con escamas de espejo, a la manera de una bola disco humana. Y todo le quedaba bien.

En una trayectoria llena de conquistas, Javier Vargas (Madrid, 1958) ha tocado recientemente techo. Fue escogido con su grupo, la Vargas Blues Band, para telonear a los Rolling Stones en su cita madrileña del pasado 1 de junio. “Abrir para una de las bandas más grandes del planeta, o la que más, ha sido para mí increíble”, afirma el músico. “Tuve acceso a Mick Jagger y al entorno stoniano, sobre todo con su sobrino, John Byron Jagger, y ha sido un honor. A lo largo de estos años he conseguido cosas sorprendentes, he conocido a los más legendarios músicos y hasta he podido tocar con ellos, pero lo de los Stones fue algo muy especial”.

La conversación con elDiario.es tiene lugar días antes de que la Vargas Blues Band desembarque en el III Festival de la Guitarra de Sierra Morena, que tendrá lugar el 7 y el 8 de octubre en las localidades sevillanas de Cazalla de la Sierra y Alanís. Allí compartirán cartel con el dúo británico Febueder, afín al indie rock, y Ohad Levy, creador israelí que ha colaborado con gente como Jorge Pardo, Miguel Campello, Luis Pastor o María Peláe.

Una cita que le viene como anillo al dedo, puesto que lleva ejerciendo décadas como embajador español de la guitarra en el mundo entero, como prueba su último trabajo, Back to Memphis. “España es una potencia en este instrumento, un país que está representado con la guitarra en el blues, el rock, la vanguardia, y muy especialmente en la clásica y el flamenco. Tenemos verdaderos virtuosos y, lo que es mejor, hay muchísimos guitarristas increíbles que aún no se conocen, que ahora están en su habitación echando ocho o diez días para prepararse, pero que van a emerger en cualquier momento”.

El motor de la vida

Cuando se le pregunta si hay en el país una conciencia de esa pujanza, y su apoyo correspondiente por parte de los poderes públicos, balancea la cabeza. “Los políticos y los medios han apoyado, nunca mucho, pero algo se ha hecho. Lo que ocurre es que siempre hay algo más que hacer. Hay que seguir haciendo cosas nuevas, no podemos quedarnos en la mirada histórica, ni las instituciones, ni los músicos. Todavía se puede aportar mucho a la cultura, que es el motor de la vida, la gasolina que nos mueve”.

Con esa filosofía concibieron hace ya algún tiempo Irina Soriano y Miguel Delgado la idea de un festival dedicado a la guitarra en el entorno único de la Sierra de Sevilla. “Soy una consumidora de cultura y llevaba ya muchos años trabajando en la Consejería de Turismo, cuando Miguel me dijo que quería organizar algo relacionado con la música en vivo, pero que tuviera sello propio, y me preguntó si podía echarle un cable. Le dije que no solo iba a echárselo, sino que iba a organizarlo con él. Y que sería en la Sierra Norte, donde hay un tejido empresarial que podía responder muy bien”.

Por qué concretamente la guitarra, es una cuestión fácil de responder para Miguel. “Es el instrumento más popular del mundo, que además tiene su origen en un luthier almeriense, es decir, que es un invento nuestro, andaluz. Queríamos poner eso de manifiesto, y destacar su versatilidad, que va de la música clásica al heavy metal, pasando por el jazz. Nosotros no nos ceñimos a un único estilo, nuestro público es gente a la que simplemente le gusta la música de calidad”.

En las tres ediciones celebradas hasta ahora, han desfilado por el Festival nombres como los de Rafael Riqueni, Andres Herrera Pájaro o Lolo Ortega. Pero este año se han ampliado fechas –de uno a dos días– y se ha expandido la cita al municipio de Alanís, además del tradicional emplazamiento de Cazalla de la Sierra. “No son solo actuaciones en un escenario”, apunta Irina. “Aprovechando que esta zona posee un reconocimiento de la Unesco por la calidad de su cielo, proponemos cosas como un avistamiento de estrellas con música. También hacemos catas musicalizadas de los vinos de la tierra, que elogió Cervantes; clases magistrales con el Conservatorio de Cazalla, y también se revaloriza el patrimonio cultural, disfrutando de un recital en el interior de una ermita del siglo XIV”.    

Pico y pala

Para Javier Vargas, “la pasión musical fue fundamental para ser quien soy. Vengo de una época en la que te enterabas de que llegaba un guitarrista a la ciudad y tratabas de acercarte, hacerte amigo suyo y aprender de él. De hecho, me fui a Estados Unidos por eso, para poder ver cada noche a grandes músicos. Algo muy distinto de la generación actual, que tiene a golpe de clic infinidad de información y tutoriales, además de acceso a instrumentos más baratos. A mí me impulsó escuchar a Tony Lommi, a Ritchie Blackmore, a Eric Clapton, a John McLaughin… Ahora tienes doce años y cuentas con toda la Historia de la música al alcance de un botón”.

Probablemente, Javier Vargas sea hoy para muchos chavales lo que aquellos nombres fueron antaño para él. Y aunque su trayectoria es intachable, no se siente especialmente reconocido. “Tengo ocho discos de platino y millones de descargas, a pesar de lo cual cada día tengo que seguir demostrando algo nuevo. He pasado por todos los palos: la música experimental, el blues, el rock… Pero el territorio en el que me muevo en España es de pico y pala”, asevera.

“Hay quien cree que el público es como un niño pequeño, pero yo nunca he querido hablarle con palabras fáciles”, concluye el músico. “Me siento un afortunado por hacer lo que quiero, y no voy a cambiar un ápice para que ese niño pequeño me entienda. A ese niño hay que darle lo mejor para que los oyentes crezcan, aprendan y la música los convierta en seres especiales”.    

Bilbao quiere convertirse en punto de referencia para los amantes de blues y ha completado el cartel de la primera edición del Bilbao Blues Festival con nombres de grandes estrellas que llenarán de ritmo las calles de la capital vizcaína durante tres días, del 29 al 31 de julio, en conciertos gratuitos. Artistas de primer nivel internacional como el legendario Bob Stroger, -que actuará en el I Bilbao Blues Festival con Kim Johnson y otros intérpretes formando la banda efímera Chicago All Stars-, Dana Fuchs o Raimundo Amador compartirán escenario con bandas locales de blues entre las que destacan los Travellin’ Brothers, que este jueves han estado presentes, y han tocado, en la inusual rueda de prensa en el Ayuntamiento de Bilbao en la que se ha presentado el cartel definitivo del festival.

Xabier Ochandiano, concejal de Desarrollo Económico, Comercio y Empleo del Ayuntamiento de Bilbao, patrocinador principal del festival, y el promotor musical y director del mismo, Carlos Malles, han señalado que este certamen nace con el objetivo de colocar a Bilbao en el circuito mundial de los aficionados al blues y con “voluntad de permanencia”, para asentarse con el paso de los años, y que la oferta sea cada vez más importante. “Posiciona aún más a Bilbao como ciudad de la cultura”, ha destacado Ochandiano, mientras que Malles ha puesto en valor que el programa que se ha cerrado es “de lo más variado” para tocar todos los estilos existentes dentro del blues y llegar a la vez al público especializado y a los que quieran acercarse a este estilo musical por primera vez. Sonará desde el blues clásico, de Chicago, blues rock y otros estilos afines como el boogie woogie, swing o rock and roll clásico. “Habrá incluso un toque flamenco de la mano de Raimundo Amador, único guitarrista español que ha tocado junto a BB King”, ha destacado Malles. “Objetivos muy bien marcados para divulgar este género, que es el origen de tantos estilos musicales”.

Euskadi ha demostrado ya que puede ser un foco de atracción de aficionados al blues. De hecho, Bilbao recoge el testigo de Hodarribia, que durante 13 años albergó el Hondarribia Blues, con importante éxito de público y de relevancia internacional, también bajo la promoción de Carlos Malles. El año 2018 fue el último que se celebró el certamen en la localidad guipuzcoana después de lo que se consideró un “error de procedimiento” en la concesión de las subvenciones de forma nominativa por parte del Ayuntamiento, que dejó como perjudicado a los organizadores del festival. También su momento surgieron denuncias de contrataciones durante el certamen que beneficiaron al grupo Montai, vinculado con un miembro del PNV.

“En 2019 ya no hubo festival, luego vino la pandemia y el PNV, que dirige la alcaldía, no quiso volver a apostar por el blues”, dice Igor Enparan, concejal de Abotsanitz, principal fuerza de la oposición en el Ayuntamiento de Hondarribia. La subvención para el festival dejó de consignarse en los presupuestos y “lo que el alcalde del PNV, Txomin Sagarzazu, no quiere hacer en Hodarribia, otros de su mismo partido demuestran que se puede hacer en Bilbao”. “Y, mientras, Hondarribia se ha quedado sin ese foco de atracción y de escaparate que era muy importante para la ciudad”, critica. Sin nombrar en ningún momento su experiencia en Hondarribia, Carlos Malles ha mostrado su “satisfacción” por presentar el festival de Bilbao después de “tres años duros”, ha señalado en referencia a los años en los que no se ha celebrado.

Quince conciertos y blues desde el Arenal al Guggenheim

En el primer festival de blues de Bilbao se podrá escuchar a artistas internacionales en el escenario al aire libre que se instalará en el Arenal o en el Kiosko: Ronnie Baker Brooks, Dana Fuchs, Raimundo Amador, Shemekia Copeland, Fantastic Negrito, Wax & Boogie feat Drew Davies, Noa & The Hell Drinkers, Flamingo Tours, Blues Triumvirate y Micky & The Buzz. Además de Bob Stroger, que subirá al escenario junto a Kim Johnson y otros intérpretes, formando la banda efímera Chicago All Stars, recibirá la txapela que le acreditará como Premio Bilbao Blues Festival. La banda local Travellin’ Brothers cerrará los conciertos el domingo, aunque otras bandas locales tendrán también presencia en el festival.

L fiesta del blues se extenderá del Arenal hasta el Casco Viejo, “al más puro estilo de Nueva Orleans”, gracias a los pasacalles que desplegará la ‘dixie band’ 'Granujas a todo ritmo’. El festival no acabará en la música, porque la programación se completa con conciertos pedagógicos para niños en el Guggemhein, y diversas charlas sobre la mujer y el blues.

Los representantes de los Travellin' Brothers, presentes en la rueda de prensa, han bromeado sobre el tipo de público que asiste a estos conciertos. “Más bien de mediana edad”, han dicho, entre risas, y, por lo tanto, se entiende que con mayor capacidad para gastar en la ciudad que los que acuden a otros festivales. Una apreciación que ha celebrado Ochandiano. “Se trata de abrir nuevos nichos”, ha señalado, con el objetivo de que tenga un retorno importante para la ciudad. El ayuntamiento financia este festival a través de un patrocinio que supera los 200.000 euros. Con el objetivo de que atraiga a la mayor cantidad de público posible, el Bilbao Blues Festival ya ha sido presentado en los circuitos internacionales del blues.

Mucho antes de que Kim Gordon, bajista de Sonic Youth, animara a “bombardear el centro neurálgico de la falocracia del rock”, las mujeres ya llevaban tiempo demostrando que podían ser excelentes guitarristas y aportar páginas a la evolución de la historia de las seis cuerdas. No ha sido un camino fácil, pero, a pesar de la tradicional falta de visibilidad y de oportunidades, la situación está cambiando.

Aún así, cuando una guitarrista solista se baja del escenario, puede que entre las enhorabuenas se cuele algún 'tocas como un tío'. June Millington, fundadora de las históricas Fanny, tampoco entiende el matiz negativo que tiene la frase 'tocar como una chica': “Claro que toco como una chica —explica convencida a elDiario.es—. Los ritmos están en mi cuerpo, en mi ADN. No trato de copiar a nadie, es que literalmente soy eso”.

Sentada en su cama, con un póster de Bob Marley a sus espaldas, la joven promesa del R&B Melanie Faye se lo toma un poco a broma. “En estos momentos, ¿qué es música de chicos o de chicas? ¿Es el metal de chicos o el pop para chicas? No lo creo”, explica por videollamada. Susan Santos, nombre clave del blues en España y con reconocimiento internacional, coincide con sus compañeras de profesión. Quiere, como todas, que se las valore únicamente por las notas que arrancan de sus instrumentos: “Si cierras los ojos y la música que escuchas te transmite algo, qué más da quien la toque. La música no tiene género”. 

Desde los fabricantes de guitarras hasta la industria discográfica empiezan a dedicar más espacio a mujeres intérpretes como la virtuosa Lari Basilio o la metalera Nita Strauss, que este año ha ocupado el primer puesto en la lista de los diez mejores guitarristas del momento de la revista Total Guitar. El reconocimiento llega también, aunque con años de retraso, para pioneras como Beverly 'Guitar' Watkins (1939 – 2019), una mítica guitarrista de blues, que limpiaba casas cuando la música no le pagaba lo suficiente, y que finalmente grabó su primer álbum a los 60 años.

Un lanzamiento pionero

“Mi madre nos acompañó a la tienda de música y alquiló los instrumentos”, recuerda Millington. Eran los años sesenta, en California, y al padre de June y Jean no le entusiasmaba que sus hijas fueran a dar su primer concierto. “Ella creyó totalmente en nosotras. Al final de año, ya lo habíamos pagado todo —rememora Millington—. ”¡Tienes que tener a tu madre apoyándote si vas a montar una banda de rock!“.

El resultado: las hermanas Millington acabaron formando una banda, Fanny (coño, en inglés) que pasó a la historia en 1970 como la primera formación de mujeres que consiguió grabar un álbum con una de las grandes discográficas, llegar a las listas de éxitos y coincidir en sus conciertos con lo mejor de la escena, como Slade o Jethro Tull. 

Millington es rápida en mencionar a quienes les ayudaron a crecer, pero también señala las resistencias que encontraron: “Mucha gente tenía prejuicios contra nosotras y creo que es porque llegamos demasiado pronto al juego. Cuestión de misoginia, no podían soportarlo”. The New York Times dijo de ellas en 1971 que eran “extremadamente buenas” pero también apuntaba que suponían “un desafío al ego masculino”. Ante los obstáculos, el camino estaba claro. “Ensayar—subraya, una y otra vez, Millington—. Nosotras estábamos totalmente obsesionadas”. 

“La madre del rock and roll”

Si en los sesenta había prejuicios, la cosa empeora si se retrocede a los Estados Unidos de los años treinta, cuando llegaron las primeras guitarras eléctricas y nadie imaginaba que se convertirían en reinas de la música moderna. Eran los tiempos de Sister Rosetta Tharpe, guitarrista cuyo legado llega mucho más lejos que su nombre. Los llamados padres del rock ‘n’ roll reconocieron la contribución de esta cantante de gospel que, ya en 1938, grabó su primer éxito, Rock me. Parece justo que ahora se le suela presentar como “la madre del rock ‘n’ roll” y que la revista Guitar Player la haya nombrado número uno en su lista de 50 guitarristas mujeres sensacionales. Con todo, Rosetta Tharpe no entró en The Rock ‘n’ Roll Hall of Fame hasta 2018.

“Si miramos la historia del blues, las pioneras eran mujeres, con el añadido de que encima eran negras. Pero cuando el blues se empieza a mezclar con el rock y los blancos se apropian del estilo, se empieza a masculinizar”, explica Susan Santos. Esta compositora, cantante y guitarrista —reconocida en los European Blues Awards como Best Musician Performance en 2018— cree que es vital que se conozca más esa parte de la historia:  “Mucha gente aún se sorprende al ver vídeos y darse cuenta de que esa mezcla de blues y rock and roll, que muchos conocieron por Chuck Berry o Elvis, ya la tocaban mujeres antes”.

Esas mujeres acompañaron a la guitarra eléctrica desde sus primeros pasos, dentro del folk, el blues o el country. Pese a que la historia no les ha concedido siempre el lugar que merecen, no deben olvidarse talentos como la blues woman Memphis Minnie (1897-1973), Mary Ford (1924-1977) o la artista country Maybelle Carter (1909-1978), a quien la guitarra debe el Carter scratch, una técnica rítmica que combina acordes con melodía y que fue muy emulada después.

Tampoco a Elisabeth Cotten (1893-1987), creadora de la técnica Cotten picking. Pioneras que allanaron el camino para artistas como Bonnie Raitt y, más recientemente, para blues woman como Susan Tedeschi o Ana Popović. También ha habido mujeres que han destacado ocupándose de las notas graves del bajo: la amplísima hoja de servicios de la bajista Carol Kaye abarca más de 10.000 sesiones, desde La bamba a Good vibrations de The Beach Boys, pasando por el tema de Misión Imposible.

El relevo generacional

“Nunca he tenido una canción en la radio o en la televisión, pero he trabajado con Quincy Jones. ¡Lenny Kravitz me sigue!”, dice, casi como si no se lo acabase de creer, Melanie Faye. La carrera de esta guitarrista de 22 años explotó en Instagram en 2017, gracias a un vídeo viral en el que demostraba cómo conjuga el sabor de los acordes de jazz con ritmos R&B y que es capaz de rendir homenaje tanto a Jimi Hendrix como a Mariah Carey. Toda una prueba de que las nuevas generaciones buscan abrir nuevos caminos y canales, como hicieron sus antecesoras.

Hasta llegar a nuestros días, sorteando barreras y apoyándose en quienes sí creían en ellas, muchas mujeres fueron consiguiendo reconocimiento. En el jazz, nadie discute el talento de Emily Remler o Mary Osborne; en el rock, la originalidad y carisma de la propuesta de Jennifer Batten se traduce en tres discos en solitario, giras y grabaciones con Michael Jackson o Jeff Beck y muchos, muchos viajes para enseñar su excelente técnica. Con planteamientos muy distintos, Joan Jett o el movimiento Riot Grrrl demostrarían que los registros más crudos también contaban con mujeres talentosas.

Empujando los límites del instrumento, los caminos descubiertos por aportaciones como la experimentación con afinaciones abiertas de Joni Mitchell enlazan con la exploración, ya en en siglo XXI, que propone Kaki King o, en otro plano, St Vincent, que incluso ha diseñado su propia guitarra con la marca Ernie Ball. Estrellas en estilos tan distintos como Lita Ford, Orianthi, Badi Assad, Ani DiFranco, Poison Ivy, Gabriela Quintero, Yvette Young o las hermanas Rebecca y Megan Lovell (Larkin Poe) dan fe de que hay audiencias dispuestas a valorar lo que tienen que ofrecer. 

Es imposible repasar todas las instrumentistas que, de una u otra manera, han contribuido a que la guitarra eléctrica se convirtiera en la reina omnipresente de la música moderna. Mucho más si se amplía el foco para incluir a la guitarra clásica, con nombres como Sharon Isbin y Charo; o a la flamenca, con la que destaca Antonia Jiménez. Incluso ahora, con los ritmos urbanos ganando cada vez más terreno a los estilos que abrazaron la guitarra como bandera y parte indisoluble de su ADN, nuevas compositoras e intérpretes se añaden a la lista, y muestran que es precipitado dar por muerto a este instrumento. 

“La guitarra va a sobrevivir siempre que los músicos se adapten, como sobrevivió el piano —dice Faye cuando se le recuerda que hay quien cree que el instrumento está en coma—. Los estilos se adaptan a los nuevos tiempos”. Faye descubrió la guitarra y el rock a través del videojuego Guitar Hero III. Cambió el mando de plástico por una eléctrica real, estudió música en serio y, cuando Internet la descubrió, empezaron a pasarle cosas como que Bibi McGill, la guitarrista y directora musical de la banda de Beyoncé, le pidiera una de sus clases particulares. 

Estas mujeres insisten en la importancia de esforzarse por mejorar, dejar a un lado los insultos y seguir adelante. “En el circuito del blues hace diez años había muy pocas mujeres, y menos jóvenes. Yo iba a las jam sessions y, al principio, por ser chica no me daban la oportunidad de subir al escenario. Los inicios fueron muy complicados, con el tiempo fue cambiando y ahora me siento muy querida en Madrid. Hoy es más fácil ver mujeres —apunta Santos—. Si tienes algo que aportar a la música al final encuentras tu sitio, pero lo tienes que luchar más que los hombres”. 

Revolucionar la industria

La industria ha cambiado por el camino. “En los últimos años, muchos medios de comunicación, e incluso muchos hombres, han intentado apoyar a aquellas mujeres que tienen algo que aportar. Pero aún están en minoría —apunta Santos, que acaba de publicar The L.A. Sessions—. A la mujer, por el hecho de ser mujer, se le exige más: ser guapa, maravillosa y hacerlo bien”.

“Tienes que ver quién eres, qué quieres y hacer eso. Si eres buena, nadie va a ser capaz de detenerte. Pero ser buena significa trabajar mucho, muy duro”, subraya Millington, la guitarrista de Fanny, que también es cofundadora de Institute for the Musical Arts (IMA), una organización sin ánimo de lucro para empoderar a las mujeres que quieren ser músicas. “Hay mucha información que estamos pasando a la siguiente generación, y ellas la transmitirán a la siguiente”, apunta. Es el mismo espíritu que ha empujado su canción Play like a girl, surgida de un comentario desafortunado que las Millington han transformado en lema: «Si te dicen que no puedes hacerlo, simplemente sube el volumen y toca como una chica».

La icónica marca Fender, creadora de la omnipresente stratocaster, desveló en 2018 que el 50% de las ventas a guitarristas debutantes correspondían a mujeres. Ese mismo año, Nita Strauss se convertía en la primera mujer espónsor de Ibanez, marca que desde este año también representa la brasileña Lari Basilio. En Fender, han rematado 2020 confirmando el modelo signature diseñado para H.E.R., la primera artista negra en firmar este tipo de acuerdo con la marca; también el de la multinstrumentista Tash Sultana. 

Santos, que ha sido endorser de Fender, y ahora de la también icónica Gibson, cree que hay marcas que están intentando apoyar: “Gracias a eso, vaya a donde vaya, me dan una guitarra y amplis. Hay que potenciar y ayudar a las mujeres que se dedican a la música. Esto hace diez años, era muy raro. Era inusual que en un catálogo de guitarra vieras a alguna guitarrista como referencia o endorser”. Un gran cambio que ha saltado también al marketing, donde las fotografías sexistas de modelos van dejando paso a las músicas. 

Da igual lo que digan las listas de tops, las convenciones sociales o las crónicas y portadas dictadas por la industria musical. Desde el blues al hip hop, de lo más técnico a lo más instintivo, ejemplos de mujeres con talento hacen sonar su música en los silencios que la historia les ha querido imponer. “Establecer tu propio estilo, tocar tus canciones y volar: esa es la libertad definitiva —dice June Millington—. Nadie puede atarme cuando estoy tocando la guitarra. Nadie”.

De todos los folclores musicales que enriquecen nuestra península, el flamenco es el más dinámico. La prueba de ello es su relación, siempre abierta, con otras músicas. En los últimos años, los aficionados hemos sido testigos de cómo el flamenco se ha fusionado sin perder su origen.

Por ejemplo, el grupo Pata Negra ha conseguido mestizar el flamenco con el blues de manera original, tomando el patrón rítmico de la negritud para conjugarlo con la raíz más festera de la gitanería, es decir, con la bulería, dando lugar a lo que Raimundo Amador ha bautizado como “blueserías”. Tampoco el grupo Ketama se quedó atrás en lo que a relación musical con otras músicas se refiere. En su caso, la conjugación armónica ha sido con la salsa, dando lugar a la “bulesalsa”.

Pata Negra y Ketama son dos ejemplos que nos explican cómo el flamenco actual ha puesto a hervir sus juegos de compás en el caldero primigenio, aderezándolo con otras músicas, pero sin perder el fondo de aquellos sonidos negros de los que hablaba el cantaor Manuel Torre. Porque el flamenco llegó un lejano día desde el oriente nómada, dispuesto a quedarse en nuestra tierra para siempre, y abriéndose a todas las músicas posibles.

En estos tiempos de pandemia y confinamiento, viene a bien recomendar el estudio de las raíces del flamenco, tal y como hizo el acordeonista extremeño Pedro Lópeh un buen día, o una buena tarde. En su trabajo titulado Ramo de coplas y caminos (Akal), el bueno de Pedro Lópeh nos cuenta cómo empezó todo para él, confinado en una pequeña habitación a la hora de la siesta, condenado a guardar silencio para no despertar a sus mayores. Fue durante aquellas horas de encierro, cuando empezó a escribir siguiendo el ejemplo de unas soleares primitivas que dicen así:

Mira que tengo talento

que he puesto una escribanía

dentro de mi pensamiento.

Con el tiempo, Pedro Lópeh seguiría el compás de la tierra libertaria y fue entonces, en aquel camino, cuando se puso a desmenuzar cada palo. Lo hizo con intención humilde, dispuesto a aprender de todos los giros posibles de cada copla, dejándose seducir por el hechizo de una música demasiado bella para ser ignorada. Lópeh diseccionó el cuerpo flamenco hasta llegar al esqueleto de cada cante. Asunto difícil, pues, para volver a componerlo de nuevo, se hace necesaria la presencia de un duende que no admite geometrías.

Con todo, en su libro, Pedro Lópeh se atreve a desmenuzar el patrón rítmico y sus acentos llevados a la velocidad frenética de las bulerías; conducidos hasta su pesadumbre en las soleares y conservando su serenidad en las alegrías.

Pedro Lopeh va descifrando cada cante de manera didáctica, haciendo fácil lo difícil. Desde las soleares, donde artistas como el Agujetas o Fernanda de Utrera ponen voz “a todo el dolor y belleza que la música encierra” hasta ese batiburrillo de cancioncillas aflamencadas que conforman el mirabrás. Con este método, Pedro Lópeh va desgajando todos y cada uno de los palos flamencos sin olvidar que el pueblo, desde donde surge el arte, siempre ha sido, es y será sujeto político.

Porque Pedro Lópeh es un libertario de raíz, un artista de los que dejan huella allá por donde pasean. Siempre armado con su acordeón, lo luce como algo más que un instrumento; una herramienta de conciencia que parece decir lo mismo que apuntó Woody Guthrie en su maltrecha guitarra: “Esta máquina mata fascistas”. Por lo dicho, no pierdan de vista, ni de oído, al bueno de Pedro Lópeh. Lo agradecerán.

El próximo 6 de julio tendrá lugar la vigésima edición del Festival La Isla del Blues, que se celebrará en el Auditorio Parque Laulhé en San Fernando (Cádiz) a partir de las 21.00 horas. 

Al encuentro acudirán varios artistas relacionados con este tipo de música, destacando la participación de Joanne Shaw Taylor como cabeza de cartel. Junto a ella también estarán la cantante Dani Wilde acompañada de Will Wilde y su armónica, y la estrella del soul Koko-Jean con su banda Koko-Jean & The Tonics.

Este festival, que ha contado en su XX edición con un presupuesto de 26.000 euros, lleva celebrándose desde la década de los 90. La idea surge cuando muchos de sus precursores regentaban el BluesBar en San Fernando con la voluntad clara de continuar con iniciativas relacionadas con este estilo musical. Un género musical vocal e instrumental que nace en el sur de Estados Unidos a comienzos del siglo XX de la mano de las comunidades afroamericanas. Este tipo de música se desarrolló a través de las canciones de oración, de trabajo y de los gritos de campo. De esta manera, se puso en marcha el primer festival de blues en la provincia de Cádiz y uno de los pioneros en Andalucía. 

A pesar de las dificultades que la empresa BlueShow Producciones, encargada de este evento, ha tenido a lo largo de todo este tiempo, han conseguido mantener uno de los festivales de blues más llamativos de España con un reducido presupuesto. En su historia cuentan con la participación de artistas aclamados en el mundo del blues. Desde la productora comentan el reto que ha supuesto traer a Joanne Shaw Taylor. “La descubrimos hace cuatro años y desde entonces la seguimos. Tuvimos que cambiar las fechas del Festival para así poder traerla de cabeza de cartel. Es la futura reina del BluesRock mundial. Ya lo es en el Reino Unido”. 

Ellas son las protagonistas

Joanne Shaw Taylor, británica nacida en 1986, se ha establecido como la estrella número uno de blues rock en Reino Unido. En 2018, grabó su sexto álbum y se está consagrando como una de las jóvenes talentos mundiales en este género musical. 

Dani Wilde, cantante, y Will Wilde a la armónica han sido estrellas del blues durante muchos años. En el caso de Will, la primera vez que cogió una armónica tenía 16 años y, como reza en su biografía, la tocó hasta que sus labios sangraron.

Koko-Jean & The Tonics es un grupo de Barcelona compuesto por cuatro artistas (Koko-Jean, Anton Jarl, Víctor Puertas y Dani Baraldés) que mezclan varios estilos musicales como el blues, el soul o el rock&roll. 

El grado de participación de este festival ha ido in crescendo con el paso de los años y para esta edición esperan “recuperar el espíritu que lo llenaba año tras año”. Además, La Isla del Blues siempre cuenta con artistas femeninas, algo que recalcan especialmente este año: “son las grandes protagonistas y muy merecidamente”.

El blues comienza a sonar antes en Lugo en este 2019. En la estela de la buena acogida de las dos primeras ediciones del festival Blues Museum, que en 2017 y 2018 trajo a formaciones como Travellin' Brothers, Aurora&The Betrayers y The Cyborgs en fechas antaño desiertas de citas musicales en la ciudad de la Muralla, en esta ocasión el blues suena ya en primavera. Comienza a hacerlo este 31 de marzo (13:30), en el epicentro del vermú lucense domincal, en la calle del Bispo Basulto, a medio camino entre la Praza do Campo y la Catedral, y con entrada libre.

El blues comienza a llegar este año a Lugo de la mano de una referencia internacional del género, Gisele Jackson, toda una obrera de estas músicas con un amplio currículo. La cantante de Baltimore se ha curtido durante lustros en giras de nombres consagrados como Ray Charles o Donna Summer y ascendió a los cielos de la Billboard con Love Commandments. Porque Gisele es blues, pero también house y dance a pesar de venir de la escuela del soul más clásico.

Los principales clubes de jazz de los Estados Unidos, pero también numerosos países de Europa y Asia han escuchado ya a la artista que este 31 de marzo pone en Lugo los primeros compases de la primavera. Han confiado en ella artistas como Bette Midler o Perico Ponte para abrir sus conciertos, pero también ha tenido encargos de repercusión mundial como cantar en la toma de posesión del presidente estadounidense Bill Clinton, entre otras muchas.

Cine, teatro, televisión e incluso campañas publicitarias internacionales han ido ligados a la carrera musical de una artista que llega a Lugo con la intención de que el público se quede con ganas de más blues. No en vano, Diputación y Ayuntamiento lucense avanzan que ya están trabajando en la “nueva programación del Festival de Blues”, la tercera edición, que será presentada próximamente. Lo de este domingo es, luego, un aperitivo “de lo que va a venir después”.

“Es una cita para disfrutar del blues” pero también para “abrir boca”, dice la responsable de Cultura del ente provincial, Pilar García Porto. La tercera edición del festival de blues lucense será otra vez en julio, confirma. En las dos anteriores los conciertos estuvieron además acompañados de una parte formativa, como clases magistrales con referentes del género impartidas en enclaves singulares como los jardines del Museo Provincial.

Tenemos un programa de Pata Negra dedicado a los hermanos Rafael y Raimundo Amador y a uno de los discos más importantes de la historia del flamenco moderno y el pop español, Blues de la frontera, un disco en la orilla del rock y del flamenco, una obra maestra en la que se ha sumergido el periodista musical Marcos Gendre para escribir: “Blues de la frontera. Anarquía y libertad de los Amador”.

Carne Cruda cumple 10 años gracias a sus oyentes Ayúdanos una temporada más. ¡A por la décima!

.

La noche del reciente sábado, 21 de Julio, en el XXI Jazz San Javier ha sido de ensueño ya que a un primer concierto delicioso de música de jazz con el trío del pianista Ignasi Terraza y su invitado, el armonicista Antonio Serrano, que lograron transformar un auditorio en un pequeño club de grandes amigos que ven y escuchan a los músicos y disfrutan y participan con ellos de sus evoluciones, a tener una segunda parte totalmente diferente pero sin alejarse de esta línea que los españoles establecieron en el comienzo de la jornada.

El blues que nos traía el norteamericano Walter “Wolfman” Washington acompañado por The Roadmasters mantuvo esa familiaridad con el público regalando, sin duda, uno de los conciertos más elegantes del género que se han celebrado en este escenario del Parque Almansa, sede oficial de Jazz San Javier. Como resultado, una noche preciosa de música, en suma, con la que todos los aficionados disfrutaron por completo y con una temperatura que acompañó bastante, para los severos grados nocturnos que se suelen registrar en esta parte del Sureste español.

La organización de Jazz San Javier diseñó una de las veladas de esta XXI edición, con la unión entre el trío del pianista catalán Ignasi Terraza y el armonicista madrileño Antonio Serrano. Dos de los más importantes músicos nacionales del género y que, además, han visitado este festival en diversas ocasiones regalando noches inolvidables. En esta ocasión, también regresaban con ellos el contrabajista Horacio Fumero y el baterista Esteve Pi quien, por cierto, atraviesa un momento sumamente dulce en su trayectoria musical ya que, para mí, ha logrado un punto muy alto en su ejecución. Pues bien, con este diseño se daba inicio a la décima jornada de la presente edición que abrió el trío de Ignasi Terraza, con una pieza de su creación titulada “Groovin’ for Jaume”, en la que ya marcaban los primeros trazos de lo que pretendían que fuera este concierto.

Tras ello, Terraza presentó al trío y llamó al armonicista Antonio Serrano, con el que atacaron una de las piezas que aparecen en su álbum de 2013 titulada “Emotional Dance” y que terminó por perfilar esas intenciones: Transformar el auditorio en un club de jazz al que asisten los amigos y con los que ambos, músicos y asistentes, se establece una comunión total e intensa que da como resultado el poder disfrutar de hora y media de música y buenas sensaciones.

“Relaxing At Camarillo”, con el cuarteto, daba paso a un momento más íntimo entre Terraza y Serrano solos “tal y como nos conocimos”, recordó en voz alta el armonicista, para dejarnos una impresionante y delicada versión a piano y armónica de “Alfonsina y el Mar” y “Old Friend” que puso a este club en éxtasis total. Ignasi Terraza se le puede catalogar como el mejor pianista español en estos momentos, mientras que la cromática de Antonio Serrano puede optar, a decir de muchos, a la sucesión del recordado Toots Thielermans a quien Serrano veneraba, como estaba demostrando en esta actuación en la que estuvieron presentes unas cuantas piezas del recordado armonicista belga.

De regreso al cuarteto, precisamente “Bluesette”, de Thielermans, para continuar con una pieza de Serrano: “Estudios para Armónica Cromática” en la que las réplicas entre piano y cromática se sucedían reflejándose en el rostro de ambos una satisfacción absoluta. Y el final llegaba con otro clásico, “Sweet Georgia Brown”, que puso a los amigos de este club en pie aplaudiendo y ovacionando a estos cuatro músicos españoles (aunque Horacio Fumero sea argentino, también es español por los muchos años que reside en nuestro país). El público pidió más y apenas tardaron en aparecer de nuevo para dejarnos una divertida “Sesame Street” (“Barrio Sésamo”), que fue como esa guinda especial del sabroso pastel musical que nos regalaron, una noche más, el trío de Ignasi Terraza y la armónica de Antonio Serrano. Chapeau.

La segunda parte iba a diferir en género aunque no en el ambiente que ya habían creado los músicos españoles. Nos referimos al blues elegante que dejó, en su primera visita, el norteamericano Walter “Wolfman” Washington & The Roadmasters redondeando una noche auténticamente deliciosa y con un encanto que nos dejó a todos embriagados de música y sensaciones placenteras. Walter Washington está reconocido como uno de los músicos más originales de blues y lo demostró a lo largo y ancho de su extenso concierto en Jazz San Javier. Lo hizo a través de piezas como “Valdez In The Country”, “Shake Your Bootie From Side To Shide”, “Share Your Love” o “Glass House”, en las que daba siempre –y así continuó durante toda la actuación- rienda suelta a sus músicos como el bajista Jack Cruz, que dirigía un poco el cotarro (sobre todo para el joven baterista, Terry Scott Jr., que fue uno de los dos cambios de última hora, en relación a lo anunciado en programa); el pianista y organista Steve Detroy; el saxofonista Tom Fitzpatrick, o el otro cambio en relación a lo anunciado, el trompetista con residencia en Barcelona, Paul Evans. Con ellos, la guitarra y voz de Walter se desenvolvía con total libertad pasando de un blues a un swing, con la misma facilidad que cualquiera de nosotros nos bebemos un vaso de agua.

El club en el que se había transformado el auditorio del Parque Almansa con los españoles, se mantenía como tal y los americanos supieron continuar con ese ambiente cercano y amigable dejando sonar otra serie de piezas como “Nobody’s Fault But Mine”, continuó con “Cadillac Woman” o “Ain’t That Loving You” (por no citarlas todas), en la que hizo sonar las cuerdas de su guitarra durante unos compases, con parte de su dentadura (numero de espectáculo) para, finalmente, introducir una versión excelente del viejo “The Chicken” del recordado Jaco Pastorius que enervó, irremediablemente, a todos los asistentes. Qué fiesta tan grande la que se estaba viviendo, con una fusión de ritmos que iban desde el propio blues, pasando por el funky, un poquito de rock, otra pizca de goslped y algo de swing; y todo de una manera elegante. Menuda noche.

Bueno. Por si esto no fuera suficiente, los músicos de Walter “Wolfman” Washington parecían no tener ninguna prisa y regalaron dos temas más: “Only You” y “Out Take”, con la que finalizaban, tras repetir varias veces el final de la pieza, su brillante actuación en la presente edición de Jazz San Javier. El público, puesto en pie, les aclamaba y vitoreaba; querían más de esa música, de estos músicos que nos llegaban desde la misma cuna del jazz como es Nueva Orleans y ellos lo concedieron. Se mostraban muy satisfechos y como si estuvieran en casa. Y vaya si lo estaban. Walter y los suyos ya son de los nuestros, de Jazz San Javier. Así es que una pieza más, para agradecer tanta hospitalidad: “You Can Stay, But The Noise Got To Go” colocaba el broche final a este concierto que fue, para muchos o para la mayoría, una experiencia maravillosa de un blues brillante y elegante poco habitual por este escenario.

En definitiva, una deliciosa noche de jazz y blues en San Javier de la que, seguro, vamos a guardar su recuerdo durante mucho tiempo.

The Chris O’Leary Band, la formación liderada por el cantante y armonicista estadounidense Chris O’Leary, desembarcará este martes 15 de mayo en Santander dentro de su primera gira por España, en un concierto organizado por Los Huesos de Portobello que se celebrará a partir de las 21.00 horas en El Almacén de Little Bobby.

En esta nueva cita musical se podrá disfrutar en directo de la mejor tradición del blues norteamericano y de los sonidos más característicos de Chicago, Memphis y Nueva Orleans, a cargo de la banda del que es considerado como el heredero del mítico Levon Helm.

Este calificativo que le otorga la prensa especializada llega porque Chris O’Leary empezó su andadura como frontman, cantante principal y armónica de The Barn Burners, la banda de la leyenda y ganador de un Grammy Levon Helm. Durante seis años giraron por todo Estados Unidos y Canadá, “arrasando con su directo y creando una legión de incondicionales”, según explica la promotora del evento.

Chris O’Leary, que ha compartido escenario con artistas como Bobby Keys, Jimmy Vivino o el legendario James Cotton y ha participado en grabaciones de ilustres como Bill Perry o Hubert Sumlin, arrancó su carrera en solitario con el disco 'Mr. Used to Be', que fue premiado en 2011 como el mejor debut discográfico en los Blues Blast Awards y nominado como mejor artista en los American Blues Music Awards.

Desde su nacimiento y puesta de largo solo han pasado dos veces más por el estudio de grabación, que dieron lugar a los álbumes 'Waiting for the phone to ring' en 2012 y 'Gonna die tryin' en 2015). Su otra referencia es un directo grabado en Basilea en 2014 que constituye una puerta de entrada a la banda y un presagio de lo que se podrá ver en su concierto en Cantabria.

A la formación que acompañará a Chris O’Leary sobre el escenario en Santander se suma el guitarrista Chris Vitarello, estrella neoyorquina del blues y uno de los baluartes del jazz blues moderno a lomos de su Fender, la base rítmica a cargo del bajista Matt Raymond y el batería Andrei Koribanics, y una sección de vientos que incluye a Chris DiFrancesco con el saxo barítono y Andy Stahl con el saxo tenor.

El Almacén de Little Bobby (Calle del Sol, 20) abrirá sus puertas este martes 15 a las 20.30 horas y está previsto que el directo de The Chris O’Leary Band comience a partir de las 21.00 horas. Las entradas se pueden comprar de forma anticipada por 17 euros en la Tienda SOF de Santander (Calle Cubo, 1) o a través de internet en entradas.liberbank.es y por 20 euros en taquilla el mismo día del evento.

El concierto de The Chris O’Leary Band en Santander está organizado por Los Huesos de Portobello, una promotora musical que lleva trabajando en Cantabria desde 1996, especializada en la contratación y programación de artistas nacionales e internacionales, programando en salas, teatros, centros culturales y recintos al aire libre, ya sea en festivales o ciclos, tanto en producciones propias como en colaboración con distintas entidades y empresas privadas.

Muddy Waters

Muddy Waters

Electric MudGeffen / UniversalBLUES8/10Electric Mud

1968 fue el año en el que se publicaron The White Album, Electric Ladyland, White Light / White Heat, The United States Of America, Silver Apples o Sweetheart of the Rodeo. El tema estaba realmente complicado para las viejas glorias del blues que habían hecho carrera una década antes, para pesos pesados del calibre de Muddy Waters o Howlin' Wolf.

Al capo de su sello de siempre, Chess Records, se le ocurrió algo: montar un subsello al que bautizó como Cadet Concept Records. Con este intentaría reflotar la carrera de ambos apostando por producciones más acordes con los tiempos, con la fiebre psicodélica que se vivía en el país.

Comercialmente la ocurrencia se vistió de disco conceptual: frente a la sobriedad espartana de sus trabajos previos, que básicamente se limitaban a reproducir el sonido de directo de Waters y su banda, esta era la oportunidad de que el bluesman del Mississippi experimentara todas las posibilidades del estudio. Desde la perspectiva que da el tiempo, el movimiento parecía encaminado a aprovechar el tirón popular de Jimi Hendrix, a exigir el pago de cuentas pendientes con sus mayores.

Una nueva toma de I'm Your Hoochie Coochie Man y otros dos temas originales de Willie Dixon, la versión del Let's Spend the Night Together de los Rolling Stones, una canción propia,… forman parte de un disco que acarreó críticas muy duras entre la élite del blues. Waters igualmente renegó de él. Sin embargo, gracias a esta nueva edición en vinilo 180 gramos con una preciosa carpeta gatefolder y póster adjunto, el tiempo aporta nuevos matices a un trabajo que desde la pegatina exterior no juega al engaño: “¡Uno de los discos de blues más polémicos de todos los tiempos!”.

Car Seat Headrest

Car Seat Headrest

Twin FantasyMatador / Popstock!POP-ROCK★Twin Fantasy

9/10

¿Qué habría sido de Twin Fantasy si Will Toledo, su autor, hubiera contado un más recursos y buenos músicos a su alrededor? La respuesta, en esta reedición. El planteamiento no deja de ser curioso. Uno de los pocos artistas destacados que ha dado el indie de guitarras norteamericano reciente se lanza a regrabar su primer álbum, publicado originalmente en 2011 cuando el proyecto todavía era objeto de culto entre los más avispados rastreadores de rarezas en Bandcamp.

Además, en la edición que acaba de llegar a las tiendas se incluyen las dos versiones del disco. Para que aquellos a los que el original se le escapara en su día ahora pueda comparar. Lo difícil en estos casos es que la nueva versión, obviamente registrada con mejores medios técnicos pero ideas mucho más encorsetadas, no acabe matando la frescura del original. Sin embargo, esta es una de esas raras ocasiones que nos hacen creer en la magia.

Entre arrebatos guitarreros a lo Neil Young, golpes melódicos que le ha valido a Will Toledo la comparación habitual con Pavement, y un tono vocal que recuerda a J. Mascis malherido, Car Seat Headrest convierte su disco más personal en una referencia que se suma a los clásicos del género.

Belle & Sebastian

Belle & Sebastian

How to Solve our Human ProblemsMatador / Popstock!POP7/10How to Solve our Human Problems

Encerrados en un suerte de palacio de cristal desde hace más de dos décadas, Stuart Murdoch y sus amigos buscan fórmulas que mantengan viva la llama de la eterna juventud que una vez fue santo y seña de Belle & Sebastian. Ya lo dice la letra de The Girl Doesn't Got It: “Estás sentada en la noche oscura / Sentada con tus preocupaciones / Porque tu gloriosa juventud está jodida”. Y más líneas, bastantes más, que a lo largo de estas quince canciones capturan un poso de amargura porque el tiempo no pasa en balde. Ni siquiera para ellos.

La búsqueda de estímulos que inyecten nueva energía en la banda se traducía hace tres años en la colección de canciones más festiva de su discografía, Girls in Peacetime Want to Dance, de 2015. Y lo hace ahora en una estrategia que remite a sus años mozos: la publicación de EP's en lugar de largos, aunque a la postre esos tres lanzamientos han terminado por reunirse bajo el título de How to Solve our Human Problems y conformar así el décimo largo de su carrera.

Al igual que en sus conciertos en España del pasado verano, aquí de alguna forma están representados los diferentes estadios de Belle & Sebastian durante sus 22 años de existencia. Melancolía y pop supervitaminado, homenajes a la Motown junto a amagos de sonido disco, parte del espíritu amateur de aquellos chavales que ensayaban en la iglesia de su barrio... Todo ello, además de unos arreglos acordes con la banda profesional en la que se han convertido. Por eso, el disco difícilmente decepcionará a sus numerosos fans, aunque se encuentre lejos de la inspiración que encontramos en Tigermilk o If You're Feeling Sinester.

Everything Is Recorded

Everything Is Recorded

Everything Is Recorded by Richard RussellXL / Popstock!R'n'B / ELECTRÓNICA7/10Everything Is Recorded by Richard Russell

Hoy por hoy, XL posiblemente sea el sello independiente más parecido a una multinacional. Su trascendencia se traduce en una serie de nombres que forman o han formado parte de su catálogo, buena parte de ellos desconocidos antes de llegar a la casa: Adele, Radiohead, The XX, The White Stripes, The Prodigy, Sigur Rós,... Richard Russell es su fundador y aún hoy el capo máximo.

Pero, aunque el día a día de Russell se centra en las labores de A&R y en la toma de decisiones importantes para XL, él siempre ha tenido su corazoncito de artista. Allá a principios de los 90 ya hizo sus pinitos como parte de Kicks Like A Mule, autores de aquel éxito de la era jungle titulado The Bouncer. En cualquier caso, podría decirse que Everything Is Recorded es su proyecto más ambicioso hasta la fecha en su faceta como músico y productor.

This Mortal Coil, aquel capricho del jefe de otro sello, 4AD, marcó una etapa en el terreno afterpunk de los ochenta. Así, de la misma manera que este, Russell convoca a amigos y a algunas de las estrellas en nómina de XL y los pone a trabajar para él: Peter Gabriel, Ibeyi, Sampha, Owen Pallett, Kamasi Washington,…

Todo siguiendo una línea de rhythm and blues contemporáneo, muy de nuestro tiempo, siempre agradable. Aunque, por continuar la comparación con aquella aventura en el seno de 4AD, sin la capacidad que sí tuvo el proyecto de Ivo Watts-Russell para definir todo un estilo musical y hasta una época.

Lichis

Lichis

Mariposas & Torneos de veranoSideralFOLK-ROCK★Mariposas & Torneos de verano

7/10

Lichis, ex de La Cabra Mecánica, se reinventó hace cuatro años con Modo avión, un movimiento que merece el mayor de los respetos, con el que el barcelonés-madrileño buscaba el crecimiento creativo y personal por encima de un incremento en la cuenta de resultados.

Era un paso arriesgado que, efectivamente, ha supuesto poco menos que un reseteo para empezar de nuevo desde cero. En él, Miguel Ángel Hernando se acerca a un folk-rock de aires americanos y versos en castellano, a medio camino del universo “Enemigo”, la sensibilidad del leonés Fabián y el todocampismo de Quique González . Los siguientes pasos fueron dos EPs que exploraban un poco más ese territorio y que ahora ven la luz conjuntamente.

Nos encontramos a un Lichis que un buen día se despierta atónito al observar el mundo que le rodea: “Suena La estaca en el cierre de un mitin / Sigue en pie el Valle de los Caidos / Sintonizo la FM y me pregunto / Cuánto tiempo he estado dormido”. Es la resaca, el catastrófico escenario en el que tienen lugar los naufragios sentimentales de Tu coartada, Ruido, No soy París o la delicada Febrero, que dominan el tono del regreso de este romántico empedernido.

Mark Renner

Mark Renner

Few TracesRVNG Intl. / Popstock!ART POP★Few Traces

9/10

Las notas interiores de este recopilatorio arrancan con una imagen sugerente: Mark Renner subido a la azotea de su apartamento en Baltimore y dejando que las notas de la guitarra eléctrica se las lleve el viento. ¿Le escucharían al corretear por las calles (todavía eran niños entonces…) quienes años después formaron Beach House o Future Islands? ¿Visitaría en algún momento el vecindario Adam Granduciel (The War On Drugs) desde la vecina Philadelphia?

Todos ellos podrían ser alumnos aventajados de la música que Renner practicó durante los ochenta. Sin embargo, la figura de este músico y pintor se pierde en el tiempo y apenas nadie ha reivindicado su legado antes de este maravilloso recopilatorio que recoge grabaciones realizadas entre 1982 y 1990. Un verdadero misterio.

Su música, que el paso del tiempo ha convertido en visionaria, se debate entre el lado más experimental del synth-pop, la new age, la canción americana springsteeniana y el art-pop de The Feelies, escorándose caprichosamente con cada una de las canciones hacia uno u otro de los elementos de esta ecuación. En otro giro rocambolesco para hacer todavía más extraña su historia, Renner reconocía el magisterio de Stuart Adamson de los Skids, una banda escocesa de nueva ola a la que resulta complicado vincular con estas preciosas miniaturas do it yourself.

Además, de la mano de la publicación del disco llega un documental dirigido por Maia Stern sobre la figura de Renner. Bienvenido sea todo lo que nos ayude a profundizar un poco más en una figura hasta hoy tan desconocida como fascinante.

Natos y Waor

Natos y Waor

CicatricesNatos y WaorRAP7/10Cicatrices

Pese a quien le pese, Natos y Waor son de un tiempo a esta parte unos de los fenómenos del rap nacional. Cuestión de números, poco que discutir en ese aspecto. Con apenas dos discos en la mochila -este Cicatrices sería el tercero- los de Aluche se han convertido en el relevo natural del rap español clásico de los noventa: orgullo de barrio, estética macarra, bases sencillas y contundentes,… Pero aunque a Nator y Waor el dichoso trap les pilla bastante lejos, el dúo no renuncia a evolucionar su sonido al tiempo que crece su numerosísima base de fans.

Algo ya se percibía en Martes y 13 (2015), un año más tarde la creación del proyecto Hijos De La Ruina con Recicled J ejerciendo de productor terminó de confirmarlo, y este Cicatrices se convierte en el primer trabajo del dúo en el que la heterodoxia campa a sus anchas.

En Niño de cristal la sombra de 7 Notas 7 Colores todavía es alargada, pero la aparición de colaboradores diversos se lleva las canciones a territorios insospechados. El amago pop comercial de Pecados (de nuevo con Recycled J en la producción), el flamenco rap de Alfa y Omega junto a Denom o las guitarras AOR de Piratas, el tema con el que empieza el disco, dan fe de la expansión de estos auténticos héroes de barrio.

Superchunk

Superchunk

What a Time to Be AliveMerge / Popstock!PUNK-ROCK8/10What a Time to Be Alive

28 años después de su debut, Mac McCaughan y sus compañeros peinan canas. Aun así, todavía están dispuestos a electrificar al que se ponga delante con sus melodías de indie-punk guitarrero. Un vistazo a su producción discográfica confirma dos cosas. Por un lado que, más allá de una ligera pérdida de velocidad a la altura de Foolish (1994), Superchunk, orgullo de Chapel Hill, se mantienen tercos como mulas en su propuesta. Por el otro, que apenas se perciben bajones en el control de calidad en la decena larga de discos firmados por la banda.

En What a Time to Be Alive diría que hasta vuelven a pisar el acelerador para recuperar parte de la energía infecciosa de los inicios (titular a una canción Reagan Youth es toda una declaración de principios). Algo que les agradecemos de todo corazón en un tiempo en el que las guitarras furiosas se han convertido en especie en peligro de extinción.

La interpretación vocal de McCaughan, con su caracaterístico tono nasal, mantiene la impertinencia de sus comienzos cuando declaraban su amor por Buzzcocks. Y en general estas canciones, en las que encontramos a ilustres como Stephin Merritt (Magnetic Fields) o Katie Crutchfield (Waxahatchee) rindiénoles pleitesía en forma de colaboración, se pasan en un suspiro. Será un placer reencontrarse con ellos dentro de unos meses en el Tomavistas madrileño…

The Nightcrawlers

The Nightcrawlers

The Biophonic Boombox RecordingsArc / Kemado / Popstock!EXPERIMENTAL8/10The Biophonic Boombox Recordings

Tengo un recuerdo fugaz de mi paso por Philadelphia hace algo más de una década en compañía de una amiga norteamericana: “'Filthydelphia', así es como conocemos en mi país a esta ciudad”, aseguraba. El juego de palabras -“filth”, “mugre” en inglés- cobraba todo el significado en el preciso instante de poner los pies sobre las calles de la capital de Pensilvania.

The Nightcrawlers desarrollaron durante la década de los ochenta en Philadelphia una inabarcable discografía registrada en cinta que alcanza las 35 referencias, la mayor parte de ellas objetos de culto de difícil localización a día de hoy. Su música, hipnóticas sinfonías electrónicas levantadas a partir de Rolands, Korgs y Kawais a la manera de los correos cósmicos alemanes, se diría que aspiraban a convertirse en el electrocardiograma de la cuarta ciudad más poblada de los EEUU, y también una de las más degradadas socialmente.

En las generosas notas interiores de Peter D. Gulch, cabeza pensante del proyecto, recuerda aquel concierto que el trío dió en una iglesia “y prácticamente todo el mundo allí terminó dormido”. El comentario tiene mucho de ironía, pero es cierto que en sus performances en directo The Nightcrawlers bordeaban la fina línea entre la vigilia, el sueño y la hipnosis. Y esto, no te equivoques, es todo lo contrario a un reproche.

Este recopilatorio (publicado en doble vinilo o doble CD) recupera parte de aquel material directamente desde las cintas originales, restaurándolo y poniéndolo de nuevo al alcance de todo mundo, en un nuevo ejercicio de admirable retromanía.

U.S. Girls

U.S. Girls

In a Poem Unlimited4AD / Popstock!POP8/10In a Poem Unlimited

Dice Megan Remy que el origen de In a Poem Unlimited hay que ir a buscarlo en la situación de excepcionalidad que vive su país de origen, Estados Unidos, aunque ella viva desde hace años en el “exilio” en Canadá. Para Remy todo el caos que la administración Trump ha venido a traerle al mundo en general y a su país en particular puede explicarse desde una perspectiva de género.

Porque, si justamente en los tiempos del #MeToo el puesto de mayor poder en el mundo recae en un tipo que ha degradado a cuantas mujeres ha encontrado a su paso, verbal y hasta físicamente, es que algo está funcionando mal… rematadamente mal.

Un poco a modo de respuesta del triunfo de Trump, Remy comenzó a escribir esta serie de canciones que relatan de forma cruda el choque de sexos que vive la sociedad occidental, muy especialmente en Norteamérica. No hay mejor ejemplo de ello que el vídeo sobre estas líneas, en el que el miedo cambia de bando y una mujer lidera la cacería de un hombre por las calles de la ciudad.

Curiosamente para ello se ha rodeado por vez primera de una banda -el colectivo canadiense The Cosmic Range, del que forma parte su propio marido- y más de una decena de músicos que le ayudan a dar forma al álbum más orgánico de su carrera, con ecos del soul y el funk setentero entre los que se cuelan sus habituales texturas electrónicas.

Thurston Moore y Kim Gordon de Sonic Youth; Win Butler y Regina Chassagne de Arcade Fire; Bruce Springsteen y Patti Scialfa y, como no, John Lennon y Yoko Ono. Son parejas míticas que conjugaron vida personal con su pasión sobre los escenarios. Como ellos, empieza a despuntar en el panorama musical un dúo acústico que dará mucho que hablar. Ella, la vocalista, es conquense, Sara de la Torre, y su 'partenaire', a la guitarra, es Miguel Guadamillas. Son Saeculum. Recientemente pudimos disfrutar con ellos en la Sala Rothus y prometen volver.

Empecemos con el nombre: Saeculum. Siglo, generación. Un término que algunas civilizaciones han usado para referirse al potencial de vida de una persona, o al tiempo necesario para la renovación total de la población humana…

¿Por qué este nombre para un grupo de música?

Miguel: Desde mi punto de vista, nuestra generación de músicos tiene la obligación de tomar el testigo a la generación anterior que en estos momentos, por desgracia, está llegando a su fin. A pesar de que su música siga en nuestros oídos, necesitamos músicos entregados para difundirla y dar la oportunidad de disfrutarla como siempre y como nunca. Nosotros nos consideramos los sucesores.

Sara: Se podría decir que Saeculum es la representación de una renovación musical porque no es solo estar anclados, sino también de crear nuevo contenido.

¿Cuál es vuestro repertorio?

Sara: Todas las canciones que tocamos en nuestros conciertos son versiones de rock, con algunos toques de pop y blues. Sin embargo, como también toco la batería, grabamos canciones instrumentales para Youtube, siendo el primer tema “Gea”. La segunda composición está de camino.

¿Y de qué fuentes musicales bebéis?

Miguel: entre mis influencias más fundamentales estarían artistas del género Blues como Jimi Hendrix, Johnny Winter, Eric Clapton, BB King… y también me apasionan artistas que pertenecen a la música Soul, Country, Jazz…

Sara: yo, por mi parte, prefiero algo más duro como AC/DC, System of a Down o Ghost, cuyos temas llevamos a la versión en acústico, lo que supone un reto. Eso hace que nuestros setlist sean únicos y variados.

¿Qué tienen de especial para vosotros el rock, el hard y el metal?

Sara: Básicamente, estos géneros musicales han formado parte de mi vida desde pequeña, con mis padres llevando a Iron Maiden o a Megadeth en el coche. En general, el 'hobby' de escuchar y hacer música es casi ya mi día a día y estos géneros me ayudan a inspirarme y a motivarme, tanto en las composiciones como en mi rutina.

Miguel: En mi caso, estos géneros de música me influenciaron mucho al comienzo de mi carrera como guitarrista, aunque en la actualidad me siento más apegado a géneros como el blues y el jazz. Por otra parte, nunca he dejado de escuchar grupos como Pantera, Black Sabbath o Metallica.

Sara, tú eres conquense. De momento os habéis movido más por Toledo, donde resides, aunque recientemente estuviste en tu ciudad natal. ¿Cómo ha sido la experiencia?

Sara: La verdad es que el bar donde tocamos fue muy acogedor y la mayor parte del público que estuvo fue mi familia, siendo la primera vez que nos veían actuar, por lo que ambos estábamos muy tranquilos. En ese sentido, noté mucho el apoyo y quedó todo muy familiar. Las risas con mis primos haciendo travesuras no me las quita nadie.

¿Es complicado para dos jóvenes abrirse paso en este mundillo? Qué otros grupos de vuestra generación consideráis un ejemplo?

Sara: Bastante complejo, y más cuando rondas los 18-21 años, que no te toman demasiado en serio y no consideran el verdadero esfuerzo de estar horas y horas aprendiéndote las canciones. Se piensan que la música emergente es sencilla, pero no lo es. Ha habido conciertos donde ha asistido muy poca gente porque no quieren invertir dinero en la música joven o que la propia organización no te daba ni una botella de agua cuando estábamos montando desde por la mañana. Quiero pensar que la gente se concienciará del tema y ayudará a darnos un empujón. Sin embargo, a veces la pasión por la música y por tocar te hace olvidar estas desventajas.

Miguel: En el ámbito musical de Toledo estamos rodeados por un círculo de amigos que también son músicos de nuestra misma edad. Compartimos locales de ensayo, escenarios, experiencias, y todo el apoyo que podemos darnos unos a otros. Verdaderamente, grupos como Inevitable, Khaotic Existence, Re-Born, Swamp, E, Arthropoda, Cernunos, Penumbra, Incertidumbre Rock, Titular Mads…etc, suponen una verdadera inspiración para continuar trabajando en la música tan duramente como ellos lo hacen.

Estamos grabando nuestro segundo tema propio. Seguiremos dando guerra

¿Hasta dónde os gustaría llegar?

Miguel: Sinceramente, nunca he buscado una compensación monetaria a esta actividad. Sí que me ilusiona la idea de tocar en sitios más grandes con más público y ver a mi grupo y a mí mismo mejorar y crecer en este ámbito. De momento, seguiremos dando guerra para rato y llevando nuestra música a los oídos que nos quieran escuchar.

Sara: Por mi parte, ¡ojalá dedicarme profesionalmente a la música! No descarto la idea de trabajar de ello, o si no es posible, espero poder seguir cantando y tocando la batería con tantas ganas como ahora mismo. Estaría genial poder grabar pronto una maqueta con nuestros temas, telonear a grupos más conocidos o viajar con este fin. Por soñar despierta, no va a pasar nada. Lo importante, es desearlo con ganas y querer hacerlo realidad.

¿En qué trabajáis ahora? Estáis también en otras formaciones, ¿verdad?

Miguel: Efectivamente. A parte de Saeculum, Sara y yo estamos en Arthropoda y en Swamp, grupos que asomarán pronto la cabeza por Cuenca. Por mi parte, desde hace algo más de 3 años, formo parte de Re-Born, un grupo de heavy metal, con el que trabajo paralelamente. Respecto a Saeculum, estamos componiendo más canciones instrumentales y grabando la segunda, sin olvidarnos de preparar nuevas versiones. También estamos buscando grupos con los que colaborar para hacer conciertos conjuntos fuera de Toledo.

¿Cuál ha sido el concierto más especial?

Miguel: Desde mi punto de vista, el primer concierto que dimos fue el que más me llegó porque el público estaba integrado mayoritariamente por amigos que conocían todos los temas y los cantaban con nosotros. Tengo claro que llevamos un rollo bastante tranquilo, lo que nos sumerge en una atmósfera íntima en la que puedes disfrutar de la música a la vez que hablas y te tomas algo con tus amigos.

Sara: Yo también llevo en el recuerdo el primer concierto, ya que para mí fue un reto cantar casi a capella con mi timidez. El haber logrado la hazaña me hace estar orgullosa de Saeculum y lo que ello supone. Al igual que Miguel, noto la conexión entre grupo-público y entre público-música. Y se nota lo bien que nos llevamos Miguel y yo.

¡Hay Saeculum hasta que el cuerpo aguante!