El actor Steve Carell vuelve a la comedia televisiva con una nueva serie, ‘Rooster’, que se estrena en HBO Max con 10 episodios de media hora cada uno. Esto ha hecho que el intérprete se haya embarcado en una gira promocional, en la que ha repasado también otros puntos de su carrera, como el de una de sus películas más recordadas, que se estrenó hace 15 años.

Hablamos de ‘Crazy, Stupid, Love’, en la que coincidió con nombres que siguen de actualidad en Hollywood como es el caso de Ryan Gosling y Emma Stone, y que se ha convertido en una de las películas de comedia romántica más queridas de la década de 2010, sobre la que uno de sus protagonistas ha desvelado una curiosidad poco conocida.

A Steve Carell no le gustó el título de ‘Crazy, Stupid, Love’

Han pasado quince años desde su estreno en 2011, pero ‘Crazy, Stupid, Love’ sigue estando entre una de las comedias románticas más populares, algo que no es de extrañar con un reparto como el que tuvo con Ryan Gosling, Emma Stone, Juliane Moore y Steve Carell, que también es conocido por éxitos como ‘The Office’, ‘Virgen a los 40’ o ‘Sigo Como Dios’.

Con motivo de su último estreno, la serie ‘Rooster’, Carell habló con medios como Entertainment Tonight, donde desveló una anécdota desconocida por los 15 años de la película y que ha llamado la atención como es el hecho de que no le gustó el título de la mencionada comedia romántica: “Nunca me gustó ese título, pero ahora sí. Cuando Dan Fogelman lo escribió, no le puso título. No le puso ningún nombre, era ‘Proyecto Dan Fogelman sin título’ cuando entré en ella”, reconoció.

De hecho, Carell también contó la peculiar manera con la que se dio finalmente con título definitivo: “Todos tenían una idea de cómo debería llamarse la película, pero nadie se le ocurrió una sola. Así que finalmente Warner Bros. dijo: ‘La llamaremos 'Loco, estúpido, amor’”. Igualmente, el actor declaró que “si una película es buena, a la gente le gustará el título. Da igual como se llame”.

Un éxito de crítica y taquilla hace 15 años

Estrenada en 2011, esta comedia romántica fue escrita por Dan Fogelman y dirigida por Glenn Ficarra y John Requa, y fue tanto un éxito comercial como de crítica con una recaudación de más de 145 millones de dólares en todo el mundo, que superaron el presupuesto inicial de 50 millones.

Además, en premios obtuvo nominaciones a Mejor Comedia en los Premios de Críticos de Cine y Ryan Gosling obtuvo nominación en los Globos de Oro. De hecho, para el actor canadiense fue uno de sus primeros papeles conocidos en la comedia, que luego explotaría en “Dos buenos tipos”, “Barbie” y “El especialista”.

En la película interpreta a Jacob Palmer, un soltero que ayuda a Cal Weaver (Steve Carell) a cambiar su imagen y su vida después de divorciarse de su novia de toda la vida. Más tarde, se entrelazan diferentes personajes, lo que lleva a una combinación de humor y romanticismo que fue clave de su éxito.

Desde el pasado 27 de agosto, se celebra la 82ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, con grandes títulos para competir por el León de Oro como ‘La Grazia’ de Paolo Sorrentino, ‘El mago del Kremlin’ de Olivier Assayas, ‘Frankenstein’ de Guillermo del Toro o ‘No other choice’ de Park Chan-wook.

Otro de los títulos destacados que compiten en la 82ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia es ‘Bugonia’, la última película del director griego Yorgos Lanthimos, que vuelve a contar con Emma Stone como protagonista por cuarta ocasión y cuyo título guarda referencia a la mitología grecorromana.

‘Bugonia’: una referencia mitológica clásica a las abejas

La última película de Yorgos Lanthimos gira en torno al secuestro de Michelle, una CEO de una farmacéutica a la que aseguran es una extraterrestre que viene a destruir la Tierra, por parte de Teddy, un apicultor cuya vida se complica por la crisis climática, y su primo Don.

Un filme protagonizado por Emma Stone, Jesse Plemons y Aidan Delbis, que es un remake de una película coreana ‘Save the Green Planet’ de principios del siglo XXI, y que cambia su título para dar referencia mitológica a las abejas, pero también a la regeneración de la vida.

Y es que ‘Bugonia’ hace referencia a una creencia difundida en la antigüedad y durante la Edad Media, de que las abejas podían dar lugar a generación espontánea de vida que tenía su base en una historia mitológica clásica que recogió también el escritor Virgilio.

El mito de ‘Bugonia’ tiene como protagonista a Aristeo, en muchas fuentes hijo del dios Apolo y de Cirene, una ninfa, y al que se le relacionaba con la apicultura y la producción de miel, debido a que intenta raptar a la ninfa Eurídice, esposa de Orfeo, que en su huida encuentra la muerte debido a una serpiente, y con ello mueren también las abejas de Aristeo.

Aristeo, para recordar a las abejas y a Eurídice, por órdenes de Proteo, levantó altares y sacrificó ganado como un ritual en su honor, por lo que dejó el cadáver de los animales sin enterrar y de ellos surgieron abejas, lo que supone la ‘bugonia’ como idea de generación de vida.

Cuando se estrena ‘Bugonia’ en España

La nueva película de Yorgos Lanthimos y Emma Stone ha sido presentada dentro de concurso en el Festival de cine de Venecia 2025, pero en los cines españoles hay que esperar hasta el próximo 7 de noviembre para su estreno en las salas de cine, en uno de los largometrajes que podrían estar presentes en los próximos premios Oscar.

La presencia de George Clooney era una de las más esperadas en la 82 edición de Venecia. El actor y director presentaba su nueva película, Jay Kelly, a las órdenes de Noah Baumbach, pareja de Greta Gerwig, guionista de Barbie y habitual de Venecia con títulos como Historia de un matrimonio. El filme es una de las grandes apuestas para la temporada de premios de Netflix, productora del filme y cuyo logo fue abucheado por un espontáneo en el pase de prensa del filme en Venecia, donde ha tenido lugar su premiere mundial.

Sin embargo, Clooney causó baja de última hora. El actor llegó a viajar hasta el Lido, pero el día anterior ya canceló algunas entrevistas que tenía concertadas y el jueves, día oficial de la proyección, se ausentó de la rueda de prensa ante la decepción de los periodistas. Decepción porque era el rostro más conocido de la producción, pero principalmente porque él es la estrella absoluta del filme de Baumbach en el que ofrece una de sus mejores interpretaciones.

Clooney saldrá, casi seguro, aupado como uno de los grandes favoritos para el que sería su primer Oscar como actor protagonista. Los otros dos los logró como actor de reparto por Syriana y como productor de Argo, el thriller de Ben Affleck. Su interpretación es incontestable y, además, tiene algo que es un caramelito para Hollywood, ya que interpreta a un actor que en su madurez tiene una crisis —se da cuenta de que ha sido un padre ausente— y decide enfrentarse a su pasado haciendo un viaje por Europa en el que afrontará cuestiones como la ambición, el ego, la fama, la paternidad, la amistad y las relaciones de poder entre actores, representantes y otros miembros de su séquito.

La sonrisa del actor luce como nunca, y Baumbach le ha regalado un personaje en el que no solo da rienda suelta a su carisma, sino en el que vemos un reflejo donde muchas veces se confunden la persona real y el personaje —algo acrecentado en una emocionantísima y brillante escena cerca del final que conviene no desvelar—y que él aprovecha para construir un personaje tierno, pero también contradictorio, a veces cargante, pero que tiene algo de esa aura que tenían los actores clásicos. Los mismos nombres que él recita delante de un espejo en una escena antes de repetir después el suyo, ese Jay Kelly que da nombre al filme.

Aunque la película gira en torno a él sería injusto concentrar el mérito solo en su persona, porque lo que hace es terminar de dar brillo a un inteligente y emotivo guion escrito por Baumbach junto a la actriz Emily Mortimer, que se reserva un pequeño papel como la peluquera del protagonista. Jay Kelly sería la versión sentimental de la serie The Studio. Si la ficción de Apple TV+ juega a la sátira salvaje y a mostrar todas las miserias de la industria del cine, Baumbach y Mortimer suavizan y aunque se rían de su profesión intentan convertir sus problemas en universales.

Lo hacen, también, con la ayuda de un reparto en donde sorprende Adam Sandler, finísimo y contenido como manager de Clooney, y Laura Dern, a la que el cineasta ya regaló un personaje que le valió el Oscar en Historia de un matrimonio y para la que reserva también alguna de las mejores frases de la película. Es cierto que a Baumbach se le atasca el guion en su último tercio, con esa Italia llena de clichés donde se siente tan perdido como su personaje, pero se recupera en un clímax final que es pura emoción.

Lanthimos pierde la fe

Quien sabe lo que es ganar el León de Oro es Yorgos Lanthimos. Lo logró con Pobres criaturas. Con su protagonista, Emma Stone, regresa al Lido con Bugonia en la que es su cuarta colaboración juntos. Un remake del filme coreano Save the Green Planet con el que Lanthimos se muestra más desesperanzado que nunca con el momento actual. Bugonia, que cuenta la historia de dos conspiranoicos que secuestran a una ejecutiva de una farmacéutica porque aseguran que es un alien, es un filme que desprende el descreimiento de su cineasta.

Bugonia nos dice que no hay esperanza en el ser humano, que todo lo que tocamos nos lo cargamos. La negatividad de su propuesta es un agujero negro que la engulle por completo, y Lanthimos, como viene siendo habitual en él, acaba regocijándose en las desgracias a las que somete a sus protagonistas. No solo es que el mundo se vaya a la mierda, es que parece que disfruta con ello.

Están claras sus intenciones, pero uno acaba muy cansado del circo de la crueldad al que somete a Emma Stone y al espectador. Bugonia mantiene el ADN del cineasta, que sigue retorciendo todo para hacer daño. Hay sangre, sudor, violencia… pero el problema es que Lanthimos nunca tiene ninguna empatía por sus personajes. Se ha hecho el rey de un cine misántropo que en vez de proponer soluciones estéticas o narrativas se limita a decir: esto es lo que hay. Su humor negro a veces funciona, y Emma Stone y Jesse Plemmons se entregan en dos interpretaciones que son un salto sin red que muchos intérpretes no están dispuestos a asumir.

El propio Lanthimos reconocía en su rueda de prensa que no ve esta película como una distopía, sino como “un reflejo del mundo real”. “Creo que esto es lo que está pasando en nuestra civilización, es lo que está pasando ahora y la película se ha vuelto más real según ha ido pasando el tiempo. La humanidad se enfrenta a muchos retos y no sé cuánto tiempo nos queda con todo lo que está pasando. La guerra, el cambio climático, la IA, el negacionismo… esto es una reflexión sobre el ahora y espero que a la gente le haga pensar en lo que está pasando en el mundo”, dijo el director que portaba una chapa de Palestina.

Plemmons, que hace del incel negacionista, abordó el tema de la violencia del filme, que entiende que a algunas personas no les guste verla, pero que cree que es importante abordarlo. “Tenemos un instinto para cerrar el libro y no mirar las cosas que nos asustan, porque son difíciles de entender, pero para mí, como actor, abordarlas es la forma de darle sentido a esas cosas. Hay un riesgo en decir que mi personaje no es humano, pero lo es, esta gente existe”, zanjó otro habitual de Lanthimos que con Kind of Kindness logró el premio al mejor actor en Cannes y que ahora también ha logrado el elogio unánime de la crítica.

¿En qué momento se jodió el Perú? Se preguntaba Mario Vargas Llosa en Conversación en La Catedral. Parece que Ari Aster se lleve tiempo preguntando “¿en qué momento se jodió EEUU?” O al menos, en qué momento todo se salió de madre. Los problemas de su país no son de ahora, ni llevan pocos años —ese capitalismo exacerbado del sálvese quien pueda no se creó ayer—, pero es cierto que tanto allí como en todo el mundo, ha habido un punto de inflexión reciente que ha hecho que todo se desboque. Fue la pandemia. Aquella que nos iba a unir y de la que íbamos a salir más fuertes, pensando en lo común. Mentira. La pandemia acrecentó lo que ya había, y hasta legitimó discursos que hasta entonces estaban escondidos en las sombras, avergonzados. Así hasta acabar con líderes como Milei o Trump elegidos como colmo del delirio colectivo.

Es en ese momento donde Ari Aster, el director de dos excelentes películas de terror como Hereditary o Midsommar, coloca la trama de su nueva película, Eddington. Así se llama el pueblo cercano a la frontera de México donde un acontecimiento en principio mundano, un sheriff —espectacular Joaquin Phoenix— que se niega a colocarse la mascarilla para entrar en los sitios, se convierte en el pulsador que provoca una serie de catastróficas desdichas. El sheriff, casado con una mujer (Emma Stone) traumatizada que vive junto a su madre, adicta a las teorías conspiratorias, acabará presentándose a las elecciones locales frente a un hombre latino aparentemente perfecto, Pedro Pascal.

Aster comienza Eddington como una sátira llena de mala leche en la que muchos hasta podrán criticarle de equidistancia. Parece que sus dardos atacan a todos, a la derecha, a la izquierda… pero no es cierto. Lo que hace Aster es crear un caldo de cultivo donde uno es capaz de creer todo porque ya nada es fiable. Sin embargo, frente al nihilismo individualista de directores como Ruben Ostlund, que en sus películas ofrece un retrato despiadado culpando al hombre de ser un lobo para el hombre, Aster apunta al sistema. Un sistema donde los empresarios (de Inteligencia Artificial ni más ni menos), son capaces de colocar líderes políticos a su antojo. Donde el único ideal de EEUU es el dinero.

Es verdad que Aster también muestra la hipocresía del progresismo (del hombre blanco), con esos jóvenes que son capaces de apuntarse a una manifestación para ligar, o que repiten como papagayos mantras que ni siquiera entienden. Jóvenes obsesionados con las redes sociales, con los móviles —qué importantes como elemento narrativo en esta película— y con el relato que venden de ellos mismos, como muestra en ese giro final en el que un joven se convierte en estrella de las redes por un vídeo subido. Del Black Lives Matter a incel casado con una trad wife a ritmo del Little Bit of Love de Tom Grennan en una secuencia maravillosa.

Lo hace con la ayuda inestimable de Joaquin Phoenix, que también protagonizó su anterior película Beau tiene miedo y que aquí se entrega en cuerpo (con un desnudo final al que pocas estrellas accederían) y alma en una interpretación en la que comienza como un pavisoso con el que empatizar para terminar sumido en el delirio colectivo que plantea la película.

Pero Eddington no es equidistante. Lo que muestra es que EEUU es un país absolutamente corrompido donde una sola gota podía colmar el vaso. Fue la covid, y con ella todo desembocó, como su film, en un despiporre paranoico y desquiciado. Así es su tercer acto, una orgía sangrienta y terrorífica donde el mal, y los tiros, pueden venir de cualquier sitio. El director da un sopapo con la mano abierta a un país que niega sus problemas con el racismo (el supremacismo blanco también hace acto de presencia), o las fronteras, o con las armas. 

Todo eso aparece en Eddington, que encima se permite coquetear con el wéstern, género fundacional de EEUU, el que marcó unas pautas de en qué había que creer. No es casualidad que Aster elija ese género como referencia para crear una versión moderna que desmitifica todos los valores que se encargaron de contar John Wayne y compañía. Los sheriffs se parecen más al que interpreta Joaquin Phoenix, apocado pero capaz de lo peor montado en su furgoneta que acusa a las vacunas, a Soros y a Bill Gates. En Eddington hay indios —o en las afueras o de cartón piedra en ese museo de los nativos como homenaje vacío y desmemoriado del pueblo a su pasado— y vaqueros adictos a las armas.

Eddington comienza como una sátira retorcida e inteligente, de esas de risa congelada porque uno ve reconocido el mundo en el que se mueve, pero poco a poco todo va pudriéndose, como la sociedad, hasta sacar su peor cara. No hay esperanza para Aster, para el que el sistema nunca se destruirá, solo se transformará y donde siempre sobreviven los mismos: los grandes empresarios. 

El cine de autor tiene grandes ejemplos de autores que han hecho de la crueldad la materia prima de muchas de sus películas. Casi todos han sido encumbrados por los festivales de cine, con Cannes a la cabeza. Los primeros nombres que siempre vienen a la cabeza son los de Michael Haneke y Lars Von Trier. El primero tiene dos Palmas de Oro; el segundo, una. Pero incluso ellos han bajado el pie del acelerador en algún momento. De vez en cuando, en sus películas se colaba un resquicio de algo parecido al humanismo. De hecho, la segunda Palma de Haneke llegó por una película como Amour, que aunque muchos vieron en ella un nuevo ejercicio cruel, su giro final era el acto de amor más extremo que alguien podía hacer por el ser querido. 

El griego Yorgos Lanthimos entró en el circuito festivalero con una apuesta que lo unía a ambos cineastas. Canino y Alps, su segunda y tercera obra, sacudieron a todos los cinéfilos con su apuesta por un cine incómodo que nunca daba un respiro ni un asidero emocional al espectador. Sin embargo, su tono y sus propuestas eran claras. No podía haber guiño a la bondad en la familia de Canino y al espectador no le importaba. Lanthimos se convirtió en uno de los enfant terribles del cine europeo, pero al contrario de sus compañeros, el griego aprovechó su fama para hacer proyectos más grandes en Hollywood.

Por mucho que él diga que no, y lo repitió en la rueda de prensa de Cannes donde ha presentado su nueva película, Kinds of kindness -algo así como Formas de bondad-, los datos no le dan la razón. Desde que rodó en inglés Langosta todos sus proyectos han sido cada vez más grandes y con más estrellas. En La favorita conoció, además, a Emma Stone, y la dupla creativa se ha prolongado en Pobres criaturas, que llegó el año pasado y le dio a Stone su segundo Oscar, y ahora en esta nueva aventura conjunta en la que recurre al guionista de sus primeras películas, el griego Efthymis Filippou, pero sin renunciar a un star system rendido a sus propuestas, mucho más provocadoras y a contracorriente que el cine de Hollywood habitual.

Los actores y actrices buscan en estos cineastas la oportunidad de hacer filmes más arriesgados, y Lanthimos lo está aprovechando para sacar adelante proyectos que de otra forma nunca podría haber rodado en inglés ni con esos presupuestos. En Kind of kindness el cineasta apuesta por una comedia muy negra, negrísima, con toques de tragedia griega que presenta tres historias independientes donde los mismos actores interpretan diferentes personajes con Emma Stone a la cabeza.

El problema es que como comedia le ocurre lo peor que le puede pasar, y es que no es graciosa. No lo es porque Lanthimos está constantemente preocupado por provocar y epatar. Por ser incómodo y retorcido. Tanto que se pasa de vueltas todo el rato. Disfruta torturando a sus personajes hasta los límites más insospechados. Nunca les da una salida ni una oportunidad. Un cineasta cínico en tiempos donde es cinismo precisamente lo que sobra y obras humanistas como la de Kaurismaki, por poner un ejemplo reciente, lo que falta.

Kinds of kindness es un elogio a la crueldad. La prueba de ello, y de lo que disfruta Lanthimos haciendo sufrir al espectador y a sus creaciones está en el gag final de su última historia. El último giro sádico en forma de chimpún final supuestamente divertido. Lanthimos es como el humorista que solo hace bromas negras y le echa la culpa al público que no se ríe de ser unos pacatos. 

En su arsenal de provocaciones hay dedos amputados, sangre, vísceras, sexo supuestamente incómodo, muchos desnudos (oh, sorpresa, principalmente femeninos) y todo tipo de perversiones que agotan por acumulación. No se trata de una cuestión moralista, sino de que la propuesta no cuadra por su obsesión de hacer que nos sintamos mal e incluso no miremos. Si en sus anteriores dos filmes de EEUU se había contenido, aquí ha vuelto a desatarse. La apuesta por el humor no le viene bien a esta propuesta. Lanthimos comienza a dar síntomas de ser un cineasta que repite las mismas fórmulas sin encontrar nuevas formas de abrir diálogos con los espectadores. 

Al menos abandona el ojo de pez, aunque siempre encuentra trucos efectistas de puesta en escena para que le miremos también en ese sentido. Aquí hay bailes hechos para ser memes; coches morados que aparcan derrapando, flashbacks en un blanco y negro precioso y una paleta de colores y trajes que parecen un catálogo de Pantone. Eso sí, con un reparto que se les nota encantados de estar allí pasándoselo pipa en ese circo de la crueldad. Todos están perfectos (con Jesse Plemons a la cabeza), aunque algunos que incluso salen en el tráiler y el cartel tienen meros cameos. 

Es una pena que esa tendencia al retorcimiento le haga desperdiciar una propuesta tan interesante. Porque en el fondo de Kind of kindness hay una disección sobre el poder y la dependencia en todos los sitios. En el trabajo con el jefe idolatrado; en la pareja con el novio al que le darías tu vida y en la religión por la que abandonarías a tu familia. Pero cuando su propuesta va a tocar hueso, cuando va a calar, siempre aparece un nuevo giro con el que Lanthimos subraya su mirada misántropa de un mundo en el que es imposible la bondad.

Era el favorito en todas las apuestas y no ha fallado. El director griego Yorgos Lanthimos ha logrado su primer León de Oro por Pobres criaturas, su adaptación de la novela de Alasdair Gray en la que revisita el mito de Frankenstein desde una mirada feminista. Aquí el monstruo es una imponente Emma Stone, una mujer a la que han puesto el cerebro de un bebé en el cuerpo de una joven. Su adaptación a las normas del mundo, cuando ella no se rige por ninguna convención social, es el mecanismo que permite a Lanthimos proponer una crítica a los tabúes, las normas establecidas y desatar un cuento perverso sobre la liberación sexual femenina y las violencias que sufren las mujeres. 

Lanthimos ya rozó el premio gordo de la Mostra de Venecia en 2018, cuando se conformó con el segundo premio por La favorita ante la victoria cantada de Roma. Esta vez no ha dejado opción a sus rivales y desde su presentación el primer día se colocó como el rival a vencer. Pobres criaturas sale lanzada directa a los Oscar y Emma Stone hacia su segunda estatuilla. Resulta irónico que en una edición marcada por la huelga de guionistas e intérpretes haya ganado una película producida por una major y que no ha podido traer a sus estrellas.

El segundo premio en importancia, el León de Plata, Gran Premio del Jurado, confirmó a Riusuke Hamaguchi como el director del momento. El director japonés conquistó a todos en Cannes con Drive my car, y aunque no ganó la Palma de Oro salió aupada hasta el Oscar a la Mejor película de habla no inglesa con nominaciones en las categorías más importantes de camino (Película, dirección y guion adaptado).

Desde entonces todo el mundo había estado pendiente de cuál sería su siguiente proyecto, y cuando el Festival de Venecia anunció su sección oficial todos se sorprendieron al escuchar el nombre de Hamaguchi en la lista. Nadie sabía que había rodado otra película. Como ocurrió en Cannes, a Hamaguchi se le ha vuelto a escapar el premio gordo, pero ya nadie duda de que es uno de los grandes autores del cine del momento y en Evil does not exist vuelve a mostrar su especial mirada y una poética única para contar una historia sobre gentrificación, con un pueblo que sufre la llegada de una empresa de glamping (camping de lujo) que amenaza con destruir su estilo de vida y sus recursos.

Un sopapo a Europa

Si ha habido un tema que ha centrado la Sección Oficial de Venecia -además de la huelga de intérpretes y guionistas de Hollywood- ese ha sido la inmigración. Dos películas llegaron como dos sopapos a mano abierta para avergonzar a Europa por sus políticas migratorias. Ambas se fueron con premio en un palmarés que reivindica el cine político, aunque no con su máximo galardón. El León de Plata a la Mejor dirección fue para Matteo Garrone por Io Capitano, la odisea de un inmigrante desde Senegal a Italia contada con inteligencia, la distancia exacta, huyendo de excesos dramáticos y con mucha humanidad. El filme se llevó, además, el premio Marcello Mastroianni a la mejor interpretación joven para Seydou Sarr, maravilloso en el filme, que casi no pudo hablar por las lagrimas y la emoción. Su plano final en el filme de Garrone bien vale este premio.

La otra película fue Green Border, de una mítica del cine europeo como Agniezska Holland. La directora de Europa, Europa trajo a la Mostra el filme más contundente a nivel político y se llevó el Premio Especial del Jurado. Una mirada desoladora a la situación en la llamada frontera verde entre Polonia y Bielorrusia, donde los migrantes son lanzados de un país a otro, como si fueran objetos y no seres humanos. Una película rodada en clandestinidad y por la que ha sido acusada de hacer propaganda por el gobierno polaco. La directora ya tiró de las orejas el día de la presentación de su filme al cine europeo por su poco compromiso, y ahora hizo lo mismo con los políticos europeos. “Estas personas son privadas de sus derechos humanos, de su dignidad, y algunos pierden sus vidas en Europa, y no porque no tengamos los recursos, sino porque no queremos”, dijo y dedicó su premio a los activistas que trabajan por ayudar en estas situaciones.

El chileno Pablo Larraín ganó el premio al mejor guion -junto a Guillermo Calderón- por su sátira contra Pinochet El conde, donde presenta al dictador como un vampiro que se niega a morir y que sigue chupando la sangre y comiendo los corazones de los chilenos. Una mirada llena de mala leche, de momentos hilarantes y un mensaje muy claro que remarcó el director en su única frase en castellano en el escenario: “No a la impunidad”. El Conde es una película que desde el género aboga por la importancia de la Memoria Histórica, especialmente en países como Chile o España, donde los dictadores murieron en la cama sin ser juzgados, lo que les otorgó una impunidad y un halo de eternidad cuyas consecuencias se notan en la actualidad.

Hollywood y los actores

Hollywood se alzó como gran triunfador de la noche, ya que no solo se alzó con el León de Oro, sino que los dos premios interpretativos fueron para un actor y una actriz de dos películas habladas en inglés. Eso sí, fueron para dos producciones independientes que lograron la exención de los sindicatos para poder presentar sus filmes ya que cumplían con las normas pedidas en las negociaciones. El de Peter Sarsgaard es impepinable. Aunque Jessica Chastain tiene el papel más 'premiable' de Memory, el filme que ambos protagonizan a las órdenes de Michel Franco, es su retrato de una persona con demencia prematura el que se eleva por la luminosidad y la humanidad del que lo dota. No hay miserabilidad, sino esperanza. Una composición desde la contención que merece la Copa Volpi.

Sarsgaard fue el único que habló de la huelga en la ceremonia de clausura y mostró sus miedos si esta situación no se soluciona. Apuntó a los salarios y subrayó el problema con la inteligencia artificial. “Creo que todos podríamos estar de acuerdo en que un actor es una persona y que un escritor es una persona. Pero parece que no, y eso es aterrador porque este trabajo que hacemos trata sobre la conexión humana. Y con lo que está pasando, este espacio entre nosotros, este sacramento, esta experiencia de ser humano será entregada a las máquinas y a los ocho multimillonarios que las poseen. Si perdemos esa batalla nuestra industria será la primera de muchas en caer, incluyendo quizás la forma en que tratamos a los pacientes médicos hasta la forma en que libramos guerras. La desconexión allana el camino para las atrocidades”.

No se mojó la joven Cailee Spaeny, sorprendente premio de interpretación femenina por su interpretación en Priscilla. No estaba en ninguna quiniela, y la especulación hace creer que ese premio tenía el nombre de Emma Stone, a la que las normas del palmarés -el León de Oro no puede ganar ningún otro galardón- la podría haber privado de su segunda copa Volpi tras la lograda por La La Land. El lado oscuro de Elvis que trajo Sofia Coppola se conforma con este premio a pesar de ser una de las sorpresas de la mostra. Peor le fue a una de las películas más arriesgadas y sorprendentes de esta 80 edición, La bete, de Bertrand Bonello, que se fue de vacío en una edición marcada por la huelga pero que ha dejado una sensación de más que buena cosecha.

El Festival de Venecia trae suerte a Yorgos Lanthimos. El director griego, que sorprendió a todos con Canino, comenzó aquí la carrera de premios de La favorita en 2018. Ganó el Gran Premio del Jurado (el segundo en importancia el año que Roma se llevó el León de Oro); y además la Copa Volpi a la Mejor actriz para Olivia Colman, un galardón que luego repetiría en los Oscar, donde el filme obtuvo 10 nominaciones. También fue el comienzo de todo para Emma Stone, ganadora de la Volpi a la Mejor actriz por La La Land en 2016 y del premio de la Academia de Hollywood unos cuantos meses más tarde. 

Quizás por ello parece lógico que sea en el Lido donde presenten Pobres criaturas su nueva colaboración juntos tras La favorita (y con otra nueva ya rodada). Ambos quieren que este sea el comienzo de una nueva temporada de premios para ambos, y puede que así sea. Puede que esta adaptación de la novela Alasdair Gray (¡Pobres criaturas! Episodios de la juventud del Dr. Archibald McCandless, funcionario de Salud Pública. Anagrama 1996) no sea tan redonda como su revisión de la figura de Ana Estuardo, pero Pobres criaturas tiene muchos elementos que pueden hacerla desarrollar una carrera igual de satisfactoria: una forma visual tan brillante como efectista; una interpretación principal soberbia y una mirada al feminismo original y con un punto provocador.

Si en La favorita, que también tenía en el guion a Tony McNamara, analizaba las relaciones de poder usando como trampantojo a la reina Ana; aquí se sirve del clásico Frankenstein para entregar una visión desde el punto de vista de una mujer. Sí, ya sabemos que realmente Frankenstein era el doctor y no la criatura, pero en el imaginario colectivo ocurre al revés, cuando uno menciona ‘Frankenstein’ es el monstruo el que aparece en el cerebro. Si no, que se lo digan al PP, que lleva años diciendo ‘Gobierno Frankenstein’ para referirse al de coalición y sigue empeñado en el error.

Aquí ese Frankenstein es una Emma Stone renacida gracias a la figura de un científico loco con gases (literalmente) interpretado con humanidad por Willem Dafoe. Es una niña en el cuerpo de una mujer y vive encerrada para no enfrentarla con el mundo real. Cuando su creador le conceda el deseo de salir fuera tendrá que integrarse en un mundo del que no conoce las reglas. El personaje de Stone no tiene habilidades sociales, y su edad mental no coincide con su cuerpo, lo que hace que se comporte de forma imprevista.

Ahí radica parte del ‘chiste’ de Lanthimos, en colocar a un personaje que pueda decir lo que quiere, actuar sin ataduras morales ni sociales y resultar a la vez provocador e hilarante. Lo consigue, pero el chiste se acaba pronto. Pobres criaturas comienza maravillando, pero poco a poco pierde todo su fuste y se convierte en una experiencia llena de momentos brillantes, pero también en una obra irregular. El guion se empeña en repetir la estrategia una y otra vez hasta agotarla. 

En el aprendizaje del personaje aparece la sexualidad. A Emma Stone las hormonas se le desatan pronto, y comienza un arsenal de escenas en la que su personaje se masturba con lo primero que pilla, porque, por si no había quedado claro hasta ese momento, como no tiene ninguna norma social que rija su comportamiento, no sabe que eso está moralmente mal visto. Ella habla de sexo, lo practica y se libera de una forma salvaje, lo que en pantalla resulta algo novedoso durante un rato, pero que vuelve a saber a chicle mascado cuando el recurso se repite.

Eso sí, hay que agradecer que haya al frente de un personaje así una actriz como Emma Stone, que se arriesga en un papel complicado que podía haber caído en la parodia y en el que se pasa desnuda y diciendo salvajadas casi todo el tiempo de la película. Se ve que disfruta y que está comprometida al 100% con el proyecto. Consigue pillar un tono complicado, algo que no hace Mark Ruffalo como el hombre que le enseña el mundo, excesivamente caricaturesco y paródico. 

De la actriz y de las escenas de sexo habló el propio Lanthimos en la rueda de prensa del filme, que no contó con la actriz por la huelga de intérpretes, pero sí con todo el equipo técnico. El director griego dijo que para él “era muy importante no hacer una película que fuera mojigata, porque sería como traicionar completamente al personaje principal”. “Teníamos que estar seguros de que Emma no debía avergonzarse de su cuerpo, de su desnudez o de participar en esas escenas, y ella lo entendió de inmediato”, añadió.

Lanthimos repite aquí las obsesiones visuales de La favorita, y ocurre igual que con su apuesta narrativa. Uno acaba también cansado de su barroquismo visual. Ahí están los ojos de pez, la música disonante, los planos aberrantes, la dirección artística recargada y la fotografía saturada. Una artificialidad buscada y tan pendiente de epatar en cada fotograma que también acaba cansando. Quizás a Lanthimos se le juzga con una vara demasiado estricta, y es cierto que hay en Pobres criaturas talento y genio, pero empieza a sonar a algo ya visto que pide a gritos avanzar hacia algún lado.

Donde Pobres criaturas resulta más satisfactoria es en su retrato de todos los tipos de machismo que sufre una mujer en su vida. Desde el paternalismo de su creador, el romanticismo tóxico del aliado, la violencia explícita del maltratador, la supuesta indiferencia del canallita controlador… y así una innumerable lista. Algo que se reafirma en ese maravilloso plano final donde imagina un nuevo mundo mejor en forma de matriarcado y donde Lanthimos sí apunta, por fin, a algo nuevo en su carrera (y que ya se deja ver en la reveladora conversación de Emma Stone con el personaje de Jerod Carmichael): en este mundo toca dejar de lado el nihilismo y el cinismo y apostar por el optimismo para cambiar las cosas.

‘La favorita’ está repleta de pasillos. Pasillos donde se ambiciona, se sufre y se desea. Corredores donde se respira venganza, se manipula o se ama con misterios que solo pueden ser resueltos por mujeres que se dejan caer en la trampa a conciencia. En la última película del cineasta griego Yorgos Lanthimos las gentes se apresuran de un lado a otro del palacio de la reina Ana Estuardo para huir de la miseria, hacer equilibrios en lo alto del poder o para encaramarse al mismo y hacer el amago de conquistarlo.

Siempre hay un recorrido vertiginoso en esta película donde todo resulta raro, pero nada incomprensible, y donde un capítulo de la historia de Inglaterra se cuenta desde un lugar singular: una imaginación barroca, desbordante y sin sentido de la medida. Desde la libertad desconcertante de un cineasta que ha sabido perfeccionar su estilo hasta lograr establecer una comunicación eficaz con un amplio espectro de espectadores, más allá de los que, desde hace algún tiempo, le han profesado devoción (son muchas las voces que opinan que esta es la película de Lanthimos más legible).

Los largos corredores de ‘La favorita’ nos dejan pasar a la corte de Ana Estuardo (S. XVIII), donde una monarca (Olivia Colman), cada vez más enferma, permite que su amiga y confidente, Lady Sarah Churchill (Rachel Weisz), gobierne el país. Una muchacha (Abigail Hill, Emma Stone), una noble venida a menos, inteligente y con un instinto de supervivencia voraz, irá escalando posiciones hasta ganarse el favor, primero de su benefactora (Churchill), y después, de su Majestad.

Hay mucho artificio en la puesta en escena de la película, pero ello no impide ver algo esencial: el poderoso entramado de intrigas, ambiciones y manipulaciones que se establece en el triángulo de mujeres protagonistas. Es una película de contrastes con secuencias llenas de diálogos feroces, en pie de guerra, y momentos de dolor punzante, capaces de producir un corte en la yugular del ánimo del espectador para, al rato, disolverse el impacto emocional en un instante cómico de inteligente frivolidad.

El espectáculo visual que ofrece ‘La favorita’ es toda una aventura. El relato se deja enmarcar en grandes angulares y en perspectivas de ojo de pez. Se deja llevar por contrapicados de vértigo y enloquecidas cámaras lentas que retuercen la desidia de unos cortesanos acostumbrados a matar el aburrimiento con carreras de patos o con ‘tomatazos’ a señores en cueros que calzan peluca. El estilo de la película puede resultar cargante porque tiene demasiado protagonismo en la narración, pero la realidad es que su originalidad, su atrevimiento y la belleza de su fotografía terminan por llevarnos al huerto.

Con el poder de la fascinación

El retrato de la época, que tiene algo de imaginada, también tiene su poder de fascinación. Las gentes se expresan y juran con el lenguaje de nuestros tiempos, se dejan llevar por danzas de coreografía disparatada y en la banda sonora, se escuchan piezas inmortales de Bach, Vivaldi, Händel y también de Elton John… Y como telón de fondo, cuenta con el aliciente de asomarse a un momento histórico de convulsiones políticas donde la nobleza ‘subversiva’ amenazaba con montar su propia revolución doméstica, si no se les exoneraba de costear una guerra internacional, que había perdido su norte mucho tiempo atrás.

Olivia Colman, Rachel Weisz y Emma Stone son tres actrices que se han enamorado de sus respectivos personajes y eso queda retratado en tres interpretaciones virtuosas y apasionadas. Aunque bien es cierto que la Ana Estuardo de Colman se ha llevado la palma y ha dejado boquiabierto a medio mundo, cosechando un buen número de premios (Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Venecia, Globo de Oro de Comedia 2019 y Premio Bafta a la Mejor actriz protagonista…). La actriz británica se mete en la piel de una reina inteligente, de voluntad quebradiza, atrapada por la gula, la pasión y la gota. Una mujer con miedo a “quedarse dormida y hundirse”, que siente algo parecido a la felicidad rodeándose de sus mascotas. Unos conejos que mantienen viva su tragedia.

- Título: La favorita (2018)

- Dirección: Yorgos Lanthimos

- Guión: Deborah Davis, Tony McNamara

- Reparto: Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz, Nicholas Hoult

Cada década surgen unas pocas perspectivas cinematográficas originales, enfrentadas a la mediocridad y dignas de halagar, como la de Yorgos Lanthimos, quien nos ha dejado en los últimos años títulos impresionantes que el gran público ignora como Canino, El sacrificio de un ciervo sagrado, Langosta… y esta semana, La favorita.

El triángulo que conforman sus protagonistas es inmejorable. Alucinante Olivia Colman interpretando a una reina en decadencia, que ve como su cuerpo enferma como lo hace su entera realidad, bajo la traición y deslealtad que rezuman los recovecos del palacio en el que pasa sus últimos días deseando ser amada.

Al lado de la reina, Rachel Weisz representa, bajo el nombre de Lady Sarah Marlborough, el valor del status quo. En su personaje se encierran el costumbrismo protocolario y la seguridad en la norma.

Frente a las dos actrices, el personaje de Abigail, luchando como puede por recuperar lo que cree suyo, contra un poder que la desprecia y que, sencillamente, resulta en otra actuación digna de Oscar para Emma Stone.

Coherente con el resto de su trabajo, La favorita marca un ritmo paciente. Lenta introducción a un desastre que se acerca inevitablemente, bailando una música siempre austera, por cierto. Los planos persiguen el aspecto pictórico por delante mientras, por la espalda, acarician influencias de los mastodontes cinematográficos de los sesenta. Combinación cuidada al más simbólico y barroco detalle, literalmente hablando.

En contra de la producción juega el gran visible defecto de las cintas de Lanthimos: centrarse demasiado en la fanática contextualización de sus personajes, haciendo que la película, ya de por si apoyada más en lo visual que en lo narrativo, llegue a pecar de exceso de un metraje que insiste en la sobriedad emocional proveniente del barroquismo de sus escenarios.

Está claro que el director griego no es enormemente accesible, pero si no fuera por su estilo opuesto a todo, por las contenidas historias que cuenta, o simplemente por los misterios que encierra la simbología animal que siempre emplea, su trabajo sería radicalmente distinto, muy inferior. Y La favorita, así como el resto del cine de Lanthimos, accesible o no, bien merece su recomendación.

Ir a ver una película política supone entrar en la sala de cine cargado con una gran mochila de expectativas. No importa que se trate de cine político puro y duro, basta con que la cinta abandere una causa de cierto impacto social: en este caso, la lucha por la igualdad [salarial, para empezar] entre hombres y mujeres. Da lo mismo. Es casi obligatorio que lo que se ve en la pantalla supere lo que se espera previamente. Y no nos referimos al nivel de calidad artística del cine que vemos, no, lo que queremos es más madera. Queremos que la película refuerce nuestras posiciones, que nos dé completamente la razón. Salir aún más convencidos que cuando entramos.

La batalla de los sexos falla ampliamente en ese terreno. Y, por hacer de nuevo la distinción, no es que no sea entretenida [que lo es] o que no esté correctamente rodada o interpretada [que lo está]. Es que agarra la lucha feminista con las manos llenas de aceite, y la causa se resbala. Se escapa entre nuestros dedos como si fuera un mero artificio para hacer avanzar la trama. Y eso no es que esté mal, pero no es a lo que hemos venido. La decepción llega. En lugar de presenciar cómo Billie Jean King, la ganadora del US Open femenino de 1972, derrota dialéctica y deportivamente a Bobby Riggs, el excampeón fanfarrón, los directores parecen más inclinados a señalar hacia el interior de la protagonista, sus dudas sexuales y sus miedos.

Jonathan Dayton y Valerie Faris, los directores de Pequeña Miss Sunshine y Ruby Sparks, escogen para la película un hito del showbusiness que tuvo lugar en 1973. Riggs [Steve Carell], extenista profesional, retó ante las cámaras a Billie Jean King [Emma Stone] a un partido de tenis destinado a demostrar que las mujeres no pueden jugar en las mismas pistas que los hombres. El revuelo mediático y deportivo que se generó está presente en la película, pero buena parte del metraje se empeña en conducir al espectador hacia la vida íntima de King, que bien habría servido de base para una película distinta [no en vano ha sido durante décadas una ardua defensora de los derechos LGTB].

Las aceradas réplicas de Stone, sosteniendo los argumentos de una mujer profesional en un contexto machista, se nos quedan cortos; las contradicciones de una sociedad americana aún muy enferma de testosterona parecen anecdóticas. Eso sí, como decíamos más arriba, en el plano estrictamente narrativo La batalla de los sexos sí funcionaLa batalla de los sexos, se ve con facilidad y demuestra, una vez más, que con una mirada y media sonrisa Emma Stona puede secuestrar a todo un patio de butacas. No les convencerá en torno a ninguna causa, pero las dos horas se les pasarán volando.

KKKKKK - [6] - [Festival de Zürich]

El cine puede ser un gran acto de rebeldía. Una experiencia liberadora que nos permite soñar sin temor a ser sorprendidos y, en el mejor de los casos, recuperar la alegría de vivir. Este motín emocional es un acontecimiento que sucede, por ejemplo, cada vez que un espectador se abandona y disfruta de los musicales clásicos de Vincente Minnelli, Stanley Donen o Gene Kelly. Sencillamente, dan ganas de quedarse a vivir en ellos para siempre. En el cine de nuestros tiempos, sin embargo, se ha perdido algo de aquella valiente ingenuidad, de aquella magia absurda que se producía en nuestra mente cuando veíamos, por ejemplo, a un tipo con cara de chiste que bailaba ‘subiéndose por las paredes’ o a una pareja que se dejaba querer entre pasos de danza clásica, claqué y un París impresionista. 'La La Land', un musical de nuestros tiempos que está recorriendo un camino plagado de éxitos y cuenta con 14 nominaciones a los Oscar 2017, es uno de esos lugares asombrosos donde a muchos no les importaría echar raíces.

Su autor, Damien Chazelle, tiene 31 años, es un joven que tuvo una prometedora, pero truncada carrera como batería de jazz y acabó dando con sus huesos en la industria del cine. Un negocio donde ha  sabido reivindicar su potente personalidad artística y convertirse en un autor admirado casi desde el primer momento, cuando sorprendió con su segunda película como director, 'Whiplash'. Chazelle es también un romántico irremediable. Un realizador que quería, en La ciudad de las estrellas, rendir un homenaje a los musicales de siempre y, en especial, a 'Los paraguas de Cherburgo' (Jacques Demy, 1964). Lo ha logrado resultando, al mismo tiempo, original y audaz.

Para dotar alma a su propio musical, escogió Los Ángeles como telón de fondo. Una ciudad que se deja atrapar fácilmente por los atascos y los clichés sobre el éxito y el fracaso, pero desde la cual Chazelle nos habla de las ilusiones y de sus desdichas, de los sueños prestados por los que se lucha ciegamente y de los propios, que se soportan como un calvario  que anula cualquier rastro de humanidad. Y por supuesto, habla del amor, pero de una forma que engancha: como ese inconveniente que habría que evitar a toda costa, pero al que no hay manera de darle esquinazo.

'La La Land' es una película creíble, que resulta perfectamente respirable dentro de su atmósfera de ensoñación. Quizás sea por esa historia de amor que parte del fastidio y que mantiene su tensión en un estupendo tira y afloja, en la mejor tradición de la ‘screwball comedy’. Tal vez tengan algo que ver detalles como esos pies que intentan retener el movimiento, pero no pueden evitar escaparse y perderse  en un fabuloso número musical, el primero, que comparten los protagonistas con Los Ángeles al fondo. Puede que nos la creamos por la crudeza con la que al espectador le llegan a doler los sueños rotos o por ese desenlace que acaba dando rienda suelta a un cinismo inesperado, que se apura con mucha clase.

La mayor parte de las canciones guardan la magia de un sonido que suena a inédito, pero su carácter instrumental y su interpretación rezuman melancolía por los clásicos del género a los que rinden homenaje. Y dan pie a un buen puñado de imágenes y coreografías espectaculares: como ese atasco cotidiano que acaba huyendo hacia un espectáculo coral o el vaporoso y redundante baile interpretado por la pareja protagonista sobre las estrellas de un planetario. Ryan Gosling y Emma Stone abordan con frescura y una habilidad encantadoramente imperfecta todos los números musicales a los que se entregan con una pasión y un entusiasmo contagiosos.

Pero no es la única aventura insólita que nos espera en la película. Porque en 'La La Land' hay un beso inolvidable. Un beso que nos sorprende a traición y que nos lleva a vivir uno de los desenlaces más emocionantes y catárticos de la historia del cine. Un final enfermo de nostalgia por un tiempo que habitó, alguna vez, en la imaginación de las personas condenadas a tomar decisiones.

- Título: La ciudad de las estrellas (La La Land), 2016

- Dirección: Damien Chazelle

- Guión: Damien Chazelle

- Reparto: Emma Stone, Ryan Gosling, John Legend, Rosemarie DeWitt, J. K. Simmons

Es la película del año, sin duda. Con casi total seguridad ganará el Oscar al mejor largometraje. Son frases que ya empiezan a sonar muy obvias pero simplemente se refrendan una vez el espectador acude al cine a ver el nuevo trabajo de Damien Chazelle, director de aquella grandísima clase de batería que fue Whiplash! (2014) y que ahora se encuentra tras la batuta de este homenaje al cine musical que es La La Land.

Como si volviésemos atrás en el tiempo, hasta el año 2011 con The Artist, en la que se rememoraban los años del cine mudo, La ciudad de las estrellas presenta una escenografía propia de aquellos montajes de la época dorada del musical. A propósito, claro. Las referencias son interminables e incluso comienzan antes de la propia acción. Si a eso le sumamos la transposición de grandes e impresionantes lugares abiertos en escenarios de rodaje o la incontenible cantidad de recursos que brinda el cine digital, podremos estar hablando del mejor musical de la historia a nivel técnico. Pero no es así.

Es cierto que la música de esta película es una asignatura más que aprobada y canciones como la ya famosa City of stars o la divertida Another day of sun, con la que comienza el metraje, sitúan perfectamente el enfoque deseado en la historia, llegado a momentos muy emotivos en una escena de la protagonista femenina en una audición.

Sin embargo, el homenaje pesa mucho y la originalidad queda atrapada en esos medios visuales y sonoros, de gran reconocimiento. Damien Chazelle se supera absolutamente creando un Los Ángeles romántico hasta la médula en el que todo puede pasar. Pero además también es capaz de hacer de la cámara un pincel con el que pintar el sentimiento de estar enamorado, el universo interior en el que se pierden los protagonistas de esta historia, una pareja de soñadores enamorados compuesta por una aspirante a actriz (Emma Stone) y un pianista de jazz (Ryan Gosling).

Es cierto que esas dos mitades de la película funcionan como deben y sin embargo un guión que decae en el desarrollo de la cinta hace que haya grandes escenas en los primeros tres cuartos de hora y luego se pierda algo el interés por los personajes (el de él, sobre todo), hasta remontar muchísimo en un catártico y lacrimógeno desenlace. Quince minutos finales para la historia del cine que le dan sentido y seriedad a la trama, la cual tiene momentos de auténtico empalague.

Porque sí, es una película para enamorados. O para enamorarse. O para recordar esa ciudad de las estrellas por la que bailan Gosling y Stone. O simplemente para rememorar el pasado. Eso es realmente La La Land: una nostálgica producción que homenajea tiempos mejores en una época completamente incierta. Curioso mensaje el que se extrae de cómo Chazelle enfrenta esa incertidumbre ya que su película comienza con grandes expectativas, vive un largo presente y… no contaremos más.

La nostalgia en el cine es un arma eficaz y muy útil pero el mensaje que transmite es peligroso. Ni todo tiempo pasado fue mejor ni vivir cualquier presente es tan genial ni mucho menos mirar hacia atrás es algo a lo que la mayoría suela recurrir. En esa melancolía se refugian los creadores que saben qué tecla tocar en el público y con la que transmitir lo que quieran, pero también la falta de ideas que se apropia de la videoteca de turno para rentabilizar historias de esos tiempos pasados tan mejores que siempre querremos recordar.

El director de esta historia de amor es, en este caso, tan consciente de ello que critica y parodia ese aspecto de Hollywood con gran acierto. Un detalle muy importante que refuerza su independencia, que, unida a su juventud y su desproporcionado talento, lo convertirán -empezando por ganar el Oscar este año- en uno de los grandes directores del cine actual. Es lo que Chazelle se merece. Es lo que se ha ganado con La ciudad de las estrellas.

Y los espectadores… bueno. Saldrán de la sala enamorados, bailando por los pasillos del cine cogidos del brazo de su particular Ryan Gosling o Emma Stone… O realmente podrán estar torciendo el gesto en su interior mirando al infinito, hacia esos tiempos pasados que algunas veces, con el rabillo del ojo y la media sonrisa en los labios, vale la pena mirar y guardar.

Damien Chazelle y su La La Land, un musical en toda regla ambientado en una Los Ángeles onírica y llena de color, ha abierto esta mañana la sección oficial de la edición número 73 de la Mostra de Venecia. Los periodistas han interrumpido con aplausos la proyección de una película en la que Emma Stone y Ryan Gosling cantan, bailan y se enamoran sin dejar de sonreír. “Damien y yo hablamos antes del rodaje sobre algunos incidentes que yo había sufrido cuando llegué a Los Ángeles, con 15 años”, decía Stone en rueda de prensa sobre su personaje, una actriz frustrada que jamás parece conseguir el papel que le abra las puertas de Hollywood. “He tenido algunas audiciones humillantes”, confesaba.

Ryan Gosling, que no ha acudido a la presentación de su película en el Lido -porque está rodando esa secuela de Blade Runner de la que aún muy poco se sabe- es un pianista de jazz que persigue un sueño, abrir su propio club. Y es que la película habla principalmente sobre los sueños. Sobre no cejar en el empeño de conseguirlos.  “Esta película no es cínica”, continuaba la actriz. “Es una alegría poder enseñársela a los jóvenes. Deberían trabajar para conseguir sus sueños y no ser cínicos”. La sala de prensa del Palazzo del Casino volvía a interrumpir sus palabras con aplausos. El jurado que preside Sam Mendes ya tiene candidata a premios. Y los Oscar, una fuerte contendiente.

Venecia, tomada por la seguridad

La Mostra comienza con las principales instalaciones dedicadas al festival rodeadas por bloques de hormigón -Niza está muy reciente en la memoria y no demasiado lejos en la geografía- e infestada de controles con detectores de metales. Solo se permite el acceso a las inmediaciones del Hotel Excelsior a los viandantes y a las bicicletas. Además, y como gesto hacia los familiares de las víctimas del terremoto de Amatrice, la cena de gala de inauguración que iba a celebrarse esta noche ha quedado suspendida. Sí recibirá el León de Oro a toda su carrera el director polaco Jerzy Skolimowski, de quien el responsable de la Mostra, Alberto Barbera, ha dicho que merece un reconocimiento internacional que aún no ha podido disfrutar.

Dos salen del cine y uno dice “es una película menor de Woody Allen”. Esta frase ha llenado la boca de miles de espectadores durante la última década (y quizá más) cada vez que el genio de Brooklyn estrena película, y lo hace cada año. Se ha pronunciado tanto que ha perdido todo el sentido. Todas las últimas películas de Allen son menores. Ahora se estrena Irrational Man y no pronunciaremos la dichosa frase, pero sin duda no estamos ante La rosa púrpura del Cairo.

Joaquin Phoenix, Emma Stone y Parker Posey protagonizan esta comedia negra en la que un profesor universitario de filosofía en plena crisis existencial que come sin apetito, que sufre de impotencia y que vive por la simple pereza de no morirse, encuentra un nuevo propósito para celebrar la vida cuando decide cometer el crimen perfecto. Mientras tanto, mantiene una relación con una profesora y con una alumna del campus.

A Woody Allen le ha interesado siempre la intriga del asesinato, la culpa, la impunidad, el debate moral y el azar. Allen ha parafraseado en muchas películas el existencialismo de Nietzsche, un tema común con Dostoyevski. La trascendencia de la conciencia y la racionalizad cuando se desafían los límites de lo que se puede o no se puede hacer si consideramos al hombre como un ser extraordinario por encima de la moral en vez de supeditado a la justificación de sus acciones. Es decir, Crimen y Castigo.

En Irrational Man, Joaquin Phoenix reflexiona sobre estos temas durante toda la película. Él, sin duda, es lo mejor del filme en su pose decadente, flirteando con desgana, jugando a la ruleta rusa y parloteando sin sentido. Los gags solo están en su personaje, las frases inteligentes llenas de ironía y afilado sentido del humor escasean. Y a pesar de todo hay momentos, como en la mayoría de su cine, donde el autor juguetea con la brillante comedia que un día le convirtió en un director imprescindible. El problema es que Woody Allen lleva años trivializando su propio universo.

Su cultura y su genio son tan vastos que se puede permitir repetir la misma película varias veces: Annie Hall, Manhattan, Si la cosa funciona… Sin embargo, es imperdonable que llene su cine de argumentos insustanciales. Un sacrilegio, vamos. Su última película es un ejemplo claro de lo que no se debe hacer. Irrational Man es divertida y muy aguda pero no aporta absolutamente nada nuevo a sus anteriores acercamientos a Dostoyevski: Delitos y faltas, Misterioso asesinato en Manhattan,  Match Point y El sueño de Casandra.

Delitos y faltas

Fue la primera vez que Allen se metió en el embarrado territorio del asesinato y la impunidad. En un alarde de ingenio el director contrapone dos historias que avanzan en paralelo, la del pobre Cliff (interpretado por él mismo), un pobre diablo que tiene que hacer un documental sobre la vida de su cuñado, al que odia. Y la de Judah (Martin Landau), cuya ex amante lo amenaza constantemente hasta que él decide tomar medidas drásticas, primero se siente atormentado pero con el tiempo ese sentimiento desaparece y recobra la tranquilidad. Al final de la película los dos personajes coinciden y las historias confluyen en un grandioso diálogo donde Judah le cuenta a Cliff lo sucedido como si se tratara de un guion cinematográfico. Ciff cree que el crimen debe recibir un castigo para que la película funcione a lo que Judah contesta “entonces vaya a ver una película de Hollywood”.

Misterioso Asesinato en Manhattan

Aquí Diane Keaton se obsesiona con la idea de que se vecino, un hombre de avanzada edad, ha asesinado a su mujer aunque la versión oficial es una muerte por infarto. Allen es el marido de Keaton y la tacha de paranoica con frases como: “Guarda algo de locura para la menopausia”. Pero finalmente entra de lleno en el caso empujado por los celos. Es uno de los mejores divertimentos cinematográfico del neoyorkino y aunque esconde el asunto del asesinato entre diálogos icónicos y una química insuperable entre Keaton y él mismo, consigue profundizar en la doble moral y el arrepentimiento. Y ese mítico final en el cine donde se proyecta La Dama de Shangái.

Match Point

Sin duda, este título protagonizado por Jonathan Rhys Meyers y Scarlett Johansson es la última obra verdaderamente importante del cineasta. Estamos ante una descarada revisión de Crimen y castigo, operística, oscura y pasional. Meyers, un tipo de clase baje, consigue entrar en la alta sociedad enamorando a la hermana de un amigo y sin embargo se encapricha de la novia de éste. El miedo a perder su trabajado estatus le llevarán a cometer un asesinato. En este filme donde Allen se pone muy serio para analizar el razonamiento del crimen interviene el azar, como en la mejor literatura de Paul Auster, las casualidades se encadenan para ofrecer una tesis profunda y compleja sobre la existencia y lugar que ocupan los seres humanos. El azar también se da en Irrational Man y sin embargo la simpleza de su utilización solo consiguen llegar al chiste.

El sueño de Casandra

Woody Allen vuelve a escribir un guión en el que una delicada situación económica empuja a los protagonistas a cometer un asesinato, igual que en Match Point. El director se repite en su planteamiento sobre la catadura moral a la que se ponen a prueba los dos protagonistas de este filme. Ewan McGregor y Colin Farrell son dos hermanos con una situación financiera terrible que son salvados por su tío, Tom Wilkinson. El precio será infringir la ley. La historia se repite pero al menos el director y guionista se toma más en serio que en Irrational Man, la última película (menor) de Woody Allen.