- Película: La clase de piano (Au bout des doigts), 2018

- Director: Ludovic Bernard

- Reparto: Jules Benchetrit, Lambert Wilson, Kristin Scott Thomas, Karidja Touré, Elsa Lepoivre, Michel Jonasz, André Marcon, Vanessa David, Samen Télesphore Teunou, Xavier Guelfi.

Lo peor de una película es que te aburra. Y eso es lo que pasa viendo La clase de piano, del director francés Ludovic Bernard. No solo porque sepas lo que va a ocurrir al final, que también es así en filmes románticas o de acción (los buenos siempre ganan y la chica se va con el chico…), pero en algunos de estos, mientras tal cosa se produce en la hora y pico de duración de la cinta, sueles estar entretenida en cómo te cuentan la historia. Esto en aquella película no pasa.

Así sucede porque su director y también coguionista quiere tocar muchos aspectos en su largometraje: la discriminación racial y social, la pérdida de un hijo, la búsqueda de la identidad, la ruptura matrimonial, el primer amor… Son demasiados platos en el aire para que no se te caiga alguno. En este caso, se le cae la vajilla completa. No sabe estructurar ni dar forma a los personajes secundarios que rodean al trío principal.

Bernard narra la historia de un joven brillante de los suburbios parisinos al que descubre el director del Conservatorio Nacional Superior de Música mientras tocaba en un piano gratuito de la estación del norte. A partir de ahí, comienza un tira y afloja entre ellos, en el que joven no quiere aceptar esa ayuda (porque no se cree digno de nada) y el director emprende una lucha quijotesca para conseguir que entre en el conservatorio y participe en un prestigioso concurso de música internacional, incluso poniendo en juego su trabajo y su matrimonio.

Qué es lo mejor de la cinta, pues sin duda la música. Las piezas musicales son excelentes y no se abusa de ellas. Es impecable no solo la ejecución sino también la explicación en algunos casos de las partituras interpretadas.

Otro punto a su favor es el trío de actores, encabezado por Jules Benchetrit, joven intérprete francés hijo de actores que ya destacó en películas como La comunidad de los corazones rotos. A su lado, Lambert Wilson (De dioses y hombres y Barbacoa de amigos), en el papel de descubridor y casi padre adoptivo del joven promesa, y luego Kristin Scott Thomas, como la condesa estirada profesora de piano. Y ya sabemos lo bien que se le da a Scott Thomas interpretar a mujeres altivas y con carácter; larga es la lista de largometrajes desde Cuatro bodas y un funeral hasta ahora.

En definitiva, fallido intento de película edulcorada que recuerda en muchísimas ocasiones a la gran El indomable Will Hunting, donde sí se transmite esa situación durísima de falta de identidad y de apoyo que puede sufrir un joven brillante en una sociedad donde solo se le ve como la escoria de un barrio marginal.

- Película: Old man and the gun (2018)

- Director: David Lowery

- Reparto: Robert Redford, Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Tika Sumpter, Elisabeth Moss, Keith Carradine, Tom Waits, Isiah Whitlock Jr., Robert Longstreet

Decir adiós a algo que te apasiona debe ser muy complicado. Debe ser una decisión difícil de tomar en cualquier situación, pero, si encima millones de personas van a ver tu despedida profesional, la carga es mucho más grande.

No ha debido de ser fácil para Robert Redford, icono del mejor cine que se ha hecho en EEUU (no solo como actor, sino como director y referente del cine independiente con su festival de Sundance), elegir su último trabajo en la gran pantalla.

Para ello, se ha decidido por una película a su medida: la historia real de un atracador de bancos que ha estado más tiempo en la cárcel que fuera de ella y de la que se ha fugado la histórica cantidad de 16 veces. Eso sí, un ladrón que todos, (hombres y mujeres) describen como agradable, correcto, educado y siempre sonriente… Feliz. Un personaje a la medida del gran Redford.

Pero no es solo su presencia en el filme. La elección de los actores secundarios ha sido perfecta. Por un lado, la maravillosa Sissy Spacek, en una relación ya madura, sin histrionismo ni grandes escenas, donde las miradas de ambos y los silencios marcan un ritmo perfecto a la relación.

Por el otro, Casey Affleck, que ya trabajó con el director de la cinta, David Lowery, en En un lugar sin ley. Affleck es el contrapunto a Redford; es su media naranja en el papel de policía entrañable que, para colmo, está dentro de uno de los bancos que estaba robando y ni se había enterado. La relación entre ambos y el encuentro en los baños de una cafetería son geniales.

Qué nos queda, pues una película agradable, bien hecha, que se deja ver sin ningún problema y que, aunque te puedes imaginar cómo va a terminar, disfrutas de cada momento de la proyección. Aunque eso sí, la última parte, con tantos fundidos en negro para ir atando los cabos sueltos que va dejando la película, se hace un poco pesada y puede que sea hasta innecesaria.

En definitiva, se trata de una película a la mejor gloria de este gran personaje del cine americano que ha elegido para su despedida interpretar a un encantador puretilla de más de setenta años, que solo es feliz robando bancos y desafiando al destino… ¿Le pasará lo mismo a Redford y no será esta su última película? El tiempo lo dirá.

- Película: El vicio del poder (Vice) (2018)

- Director: Adam McKay

- Reparto: Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, Jesse Plemons, Eddie Marsan, Alison Pill, Stefania Owen, Jillian Armenante, Brandon Sklenar, Naomi Watts, Alfred Molina, Lily Rabe

El vicio del poder no es, ni mucho menos, otra película sobre los entresijos que se vivieron en la Casa Blanca con Bush hijo en el poder y la toma de decisiones sobre la guerra de Irak. Es mucho más.

Teniendo como centro de la historia al oscuro personaje de Dick Cheney, su director, Adam Mckay, narra cómo el poder se convierte en un vicio y cómo utilizando la ley a su manera se puede cambiar la historia siendo “nada más” que el vicepresidente de los Estados Unidos. Y lo pongo entrecomillado, porque, como ya es sabido, este puesto es casi honorífico, pues apenas toma decisiones ni participa en los grandes acontecimientos, pero todo esto cambió con la llegada de Cheney.

Y pensarán: pero ¿por qué no es otra película más? Por su forma de contar la historia. No es un biopic sobre la vida del vicepresidente: es un documental camuflado de película con voz en off, escenas incluidas que nada tienen que ver con la historia…, con frases sobreimpresionadas y siempre utilizando un tono cómico, irónico y en muchos casos hasta faltón para explicar y hacer entender al espectador cómo se pudo llegar a todo eso.

Para conseguir esa obra nada mejor que el director y también guionista Adam Mckay, que ya nos enseñó cuál era su tono a la hora de contar historias basadas en hechos reales en su anterior película, La gran estafa, con la que consiguió el Oscar al mejor guión original. Su desenfado y desenfreno marcan el ritmo de la película en la que no sabes qué va a pasar en la siguiente secuencia, ya puede explotar una bomba que salirte un tipo pescando o el propio Cheney conduciendo borracho.

Pero esta obra no hubiera sido así de completa si no contara con Christian Bale en el papel protagonista. No solo hay que hablar de la gran caracterización que sufre el actor británico. Kilos y canas fuera, Bale consigue meterse absolutamente en la piel del político republicano, con un gesto que no transmite nada, pero que lo dice todo, tal y como era Cheney.

Lo mismo hay que decir de Steve Carell, como Donald Rumsfeld; Amy Adams, como Lynnie Cheney, y Sam Rockwell, como George W. Bush. Estos dos últimos, junto a Bale, nominados a los Oscar como actor principal y actores de reparto, respectivamente.

- Película: La sociedad literaria y el pastel de piel de patata (2018)

- Director: Mike Newel

- Reparto: Lily James, Michiel Huisman, Glen Powell, Jessica Brown Findlay, Matthew Goode, Tom Courtenay, Penelope Wilton, Kit Connor, Tim Ingall

La última película del director británico Mike Newel (Cuatro bodas y un funeral, La sonrisa de la Mona Lisa), La sociedad literaria y el pastel de piel de patata, es una cinta agradable de ver. Sin sorpresas, ni buenas ni malas. Cumple su cometido a la perfección: pasar dos horas viendo una película encantadora y ambientada después de la Segunda Guerra Mundial. Aunque se echa de menos que no te lleguen más al corazón las historias que esta narra.

Las películas que cuentan situaciones relacionadas con la Segunda Guerra Mundial son muchas y muy variadas. Ya parece que no hay más cosas que contar sobre esa desgarradora situación bélica que castigó a Europa. Da la sensación de que ya todo está dicho. Pero no es así, siempre quedan pequeñas historias, situaciones concretas que te hacen ver y conocer de qué distinta manera afectó la contienda mundial a millones de personas.

En este caso, lo que cuenta la cinta inglesa es cómo en 1946 una joven escritora conoce por medio de una carta a un grupo de personas que han formado un club de lectura que lleva por nombre La sociedad literaria y el pastel de piel de patata de Guernsey. A la protagonista le llama la atención el nombre de la iniciativa y decide ir a la isla de Guernsey a conocerlos. Es ahí donde descubre el porqué del nombre y cómo pasaron ellos la guerra.

A esta cinta no le falta el romance ni la intriga. Por un lado, el triángulo amoroso que forma la protagonista con su prometido americano, rico y un pelín pretencioso, y el porquero (sí, sí, tiene una granja de cerdos) que conoce al llegar a la isla, hombre pobre pero de gran corazón. La intriga, por su parte, se cierne a través de la historia oscura que nadie quiere contar acerca de la fundadora de la sociedad literaria, a la que se llevaron los nazis y de la no habían vuelto a tener noticias.

Todo esto hace que se disfrute de una peli agradable, sin grandes pretensiones ni dramas. Todo en una línea recta, sin altibajos, que hace que te salga alguna lágrima, pues puede pasar, pero no que se te encoja el corazón (y hay historias para ello) ni que se te llene de felicidad con la parte romántica (principalmente por la poca química que hay entre los protagonistas).

La película está basada en la novela homónima de Annie Barrows y Mary Ann Shaffer. Es una obra epistolar, y si les gustó la película, recomiendo que lean el libro, ya que, como suele pasar, la obra narrativa permite profundizar mucho más en cada personaje.

Lo mejor, la ambientación british total, los diálogos chispeantes que hay en algunos momentos y la actuación de actores ingleses veteranos como Tom Courtenay (45 años, Doctor Zhivago). Estos le dan el toque de credibilidad absoluta a la dureza de la historia. Lily James (Mamma Mia 2, El instante más oscuro) y Michiel Huisman (Alma salvaje y El secreto de Adeline) cumplen su trabajo pero no lo bordan, no llegan, sobre todo en la relación entre ellos.

Mike Newel sigue en esta película su costumbre de sorprender a la hora de elegir proyectos, en una línea de trabajo muy dispar que va desde su archiconocida Cuatro bodas y un funeral a Fuera de control, El rey de Persia, Harry Potter o su anterior cinta, Grandes esperanzas, entre otras. ¡A ver qué nos depara su próximo trabajo!

- Película: Book Club (2018)

- Director: Bill Holderman

- Reparto: Diane Keaton, Jane Fonda, Candice Bergen, Mary Steenburgen, Andy García, Craig T. Nelson, Alicia Silverstone, Don Johnson, Richard Dreyfuss, Ed Begley Jr., Wallace Shawn

Book Club, traducida en España como Cuando ellas quieren, es una película simpática, sin más pretensiones que las de pasar un rato agradable viendo cómo cuatro mujeres mayores (no maduras, mayores…) se plantean sus relaciones sexuales desde distintas perspectivas de ver la vida. ¿Y cómo empieza esto? Porque llevan más de cuarenta años reuniéndose todas las semanas para compartir una lectura y este mes tocó 50 sombras de Grey.

Las personas que vayan a ver esta película saben perfectamente lo que van a hallarse en la gran pantalla. Una comedia sobre las vidas amorosas de cuatro mujeres sexagenarias que, por influencia de una, se han puesto de acuerdo para leer 50 sombras de Grey. Esa es la peli. Ahora, este filme puede estar bien hecho y ser divertido o puede volverse una comedia absurda. Lo que está claro es que no se va a ver la película del año si el título elegido es Book Club.

Teniendo eso claro, que no vas a ver una obra magnífica y que lo que quieres es pasar un rato agradable, el trabajo de Bill Holderman es más que aceptable. Este guionista estadounidense da el salto a la dirección, tras varios años como guionista de Hollywood (tiene cintas tan dispares como La conspiración o Un paseo por el bosque), con una comedia ligera, simpática y sin demasiadas pretensiones.

Aparte de escribir el guión, Holderman se ha apoyado en cuatro grandísimas actrices que una vez más vuelven a demostrar cómo 50 años después siguen manteniendo su caché. Ellas son Diane Keaton, que sigue haciendo películas con cierta asiduidad; Jane Fonda, que a sus 80 años ha vuelto a las salas de cine pisando fuerte; Candice Bergen, a la que siempre se recordará por la serie Murphy Brown y que desde entonces lo que más ha hecho son papeles secundarios, y Mary Steenburgen, que puede ser la menos conocida porque sus papeles suelen ser de personajes de reparto, pero que cautiva a los espectadores desde el momento que aparece en escena.

El elenco masculino corre a cargo de conocidísimos actores como Andy García, Richard Dreyfuss o Don Johnson. Pueden que lo que más chirríe de la película es la diferencia de edad entre las parejas, sobre todo en el caso de Jane Fonda y Don Johnson. Pero, repito, no importa porque al final con lo que te quedas es con la sensación de haber visto una cinta divertida, topiquera a más no poder, pero también con ese toque ñoño y tierno que equilibra los golpes cómicos.

Son golpes cómicos bien ejecutados y bien estructurados, donde el guión demuestra un control de la comedia romántica, con diálogos ligeros y divertidos, aunque en algunas ocasiones eran bastante previsibles.

Lo peor, los estereotipos de las protagonistas: una viuda, una felizmente casada, una divorciada y una soltera que huye de las relaciones serias pero que se lía casi con cualquiera. Tengas 30, 50 o 70 años, al final siempre se cataloga a la mujer por su estado civil. Pero ese no es el asunto principal en esta película... Aquí de lo que se trataba, nada más entrar al cine, es de pasar un buen rato, y eso se consigue.

- Película: ¡Mamma mia! Una y otra vez (Mamma mia! Here we go again!), 2018

- Director: Ol Parker

- Reparto: Amanda Seyfried, Lily James, Christine Baranski, Julie Walters, Pierce Brosnan, Colin Firth, Stellan Skarsgard, Dominic Cooper, Andy García, Cher, Meryl Streep, Jeremy Irvine, Alexa Davies, Jessica Keenan Wynn, Josh Dylan, Hugh Skinner, Togo Igawa, Naoko Mori, Omid Djalili

La primera película Mamma Mia no te dejaba indiferente: o la amabas o te parecía la mayor chorrada con música que hubieras visto en los últimos años. Yo fui del primer grupo. A mí me encantó, me dio un subidón de buen rollo y disfruté no solo de las canciones sino del desafinar de sus protagonistas. Era un pack completo: podías aceptarlo o no. En esta segunda parte, se mejora considerablemente la parte musical y escénica, pero pierde frescura y sobra ñoñería.

Habría que empezar haciendo un estudio sobre el éxito de la primera película ¡Mamma mia! ¿Las canciones de ABBA? ¿Meryl Streep saltando en la cama? ¿La historia en sí? ¿Que ningún actor supiera cantar? O ¿el buen rollo que parecía que había entre todos ellos? No lo sé, el asunto es que se ha convertido en una peli de referencia para levantar el ánimo del espectador y pasar un rato más que agradable. La fórmula dio resultado y a nadie le molestó; es más, gustaron los desafines de Meryl Streep y sus tres enamorados.

Tras el éxito de esta película, diez años después se vuelven a reunir para hacer una precuela/secuela, ya que, como todo el mundo sabe, en esta segunda parte se cuenta cómo Donna llegó a la isla griega, conoció a los tres protagonistas y decidió formar allí su familia al saber que estaba embarazada. También de muestra qué ha sido de los personajes principales cinco años después, con Sophie, hija de Donna, a punto de reinaugurar el hotel de su madre.

La película, dirigida por Ol Parker, realizador de la maravillosa Rosas rojas, es una más que agradable comedia musical. El director británico consigue darle un empaque a la cinta que no tenía su predecesora. Las canciones, los bailes, alcanzan un buen nivel haciendo más “profesional” esta secuela en el aspecto musical y coreográfico.

La elección de Lily James para interpretar a Donna de joven es perfecta. James actúa, baila y canta y tiene una sonrisa que llena la pantalla. No era tarea fácil hacer el papel de Meryl Streep de joven y hay que decir que lo bordó.

No puedo decir lo mismo de sus tres enamorados, los actores elegidos para los papeles de Sam, Harry y Bill de jóvenes, que no llegan a transmitir la misma espontaneidad y vida que su compañera. Como curiosidad, hay que comentar que Jeremy Irvine, que interpreta el papel de Sam (Pierce Brosnan de joven), ya hizo de joven de otro de los actores de esta cinta, en este caso de Colin Firth (Harry) en Un largo viaje. Ahí les dejo que opinen a cuál de los dos se parece más.

A estos personajes hay que sumar dos grandes incorporaciones, la de Andy García y la de una fabulosa Cher, haciendo de abuela de Sophie y madre de Donna. Su presencia impone, pero sobre todo deslumbra a la hora de cantar Fernando. Esa voz, es mucha voz.

Y sobre el resto del reparto… pues que son los de siempre con 10 años más y eso pasa factura a unos más que a otros. Su complicidad, su estilo y su personalidad se mantienen impolutos una década después. En cuanto salen en la pantalla no puedes evitar el esbozo de una media sonrisilla, que, en la mayoría de los casos, se convierte en una sonrisa total. Es en esos momentos cuando disfrutas de lleno de la cinta, ahí, y por supuesto luego el momentazo Dancing Queen…, que, una vez más, vuelve a ser una ráfaga de aire fresco brutal, como ya pasó en la primera parte.

Pero solo me queda una duda: si con esto se podía hacer una película tan completa, ¿por qué abusar tanto de la melancolía y la ñoñería? Este aspecto de la cinta se me escapa. Creo que no hacía falta buscar la lágrima tan fácil.

- Película: Ocean's 8 (2018)

- Director: Gary Ross

- Reparto: Sandra Bullock, Cate Blanchett, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Rihanna, Mindy Kaling, Sarah Paulson, Awkwafina, Eric West, Dakota Fanning

Ocean's 8 es una fiel continuación de la saga iniciada en 2001 por Steven Soderbergh y protagonizada por George Clooney, Brad Pitt y compañía, Ocean's eleven. Casi 20 años después, Gary Ross toma el relevo con un matiz fundamental: esta vez son ocho ladronas las protagonistas de la historia. Es la película perfecta para los fans de Ocean's eleven, y menos para los de La cuadrilla de los once, de Lewis Milestone, base de todos los demás remakes.

El verano es la época elegida para las secuelas, aunque también es verdad que este año las precuelas han cogido protagonismo. Se trata, sin duda, de una forma cómoda y lucrativa de hacer cine. Además, se ha cogido por costumbre que, si una película tiene éxito, hay que hacer su secuela. La calidad, la originalidad y la historia en sí son secundarias.

Algo parecido se puede decir de la última película de Gary Ross, Ocean's 8. Es una copia calcadita de la saga que comenzó Steven Soderbergh allá por 2001 y que contó con la presencia de George Clooney, Brad Pitt, Andy García y Julia Roberts, entre otros. Esta saga tuvo dos secuelas más a las que se le iban añadiendo cada vez más actores de renombre, no dando por eso mayor calidad que a la primera. Pero lo que no se puede olvidar, por supuesto, es que la cinta de Soderbergh es un remake de La cuadrilla de los once (1960), de Lewis Milestone. Así que, como ven, la originalidad no es parte básica de esta cinta veraniega.

Pero vayamos al grano... Ocean's 8 es una película sin grandes pretensiones, correcta, simpática y hasta entretenida. Pero ahí se acaban los encantos de esta cinta norteamericana protagonizada por varias de las actrices más cotizadas de la industria, como son Sandra Bullock, Cate Blanchett o Anne Hathaway.

De resto, nos encontramos con una estructura calcada a la de sus predecesoras, sin sorpresas y sin ambiciones de ningún tipo. La historia se repite: un grupo de ladronas, cada una con una especialidad diferente, se juntan capitaneadas por un Ocean, en este caso Debbie (Bullock), hermana de Danny Ocean (Clooney), y deciden dar el mayor golpe de la historia. Pero, en vez de los casinos de Las Vegas, el robo tendrá lugar en el MET de Nueva York y el botín será una joya valorada en más de 150 millones de dólares.

Así que lo dicho, agradable, simpática, pero sin ninguna originalidad ni vuelta de tuerca que la distinga del resto de cintas anteriores.

- Película: Borg McEnroe (2017)

- Director: Janus Metz Pedersen

- Reparto: Sverrir Gudnason, Shia LaBeouf, Stellan Skarsgard, TuvaN ovotny, Marcus Mossberg, Leo Borg, Robert Emms, Ian Blackman, James Sobol Kelly, Jackson Gann.

Un duelo de titanes, sobre esto versa la película Borg McEnroe, la lucha entre el caballero sueco y el villano estadounidense. Un enfrentamiento auténtico entre dos de los más grandes jugadores de tenis de todos los tiempos. Sus vidas, sus enfrentamientos, sus miedos e incongruencias quedan plasmados en esta película del poco conocido director Janus Metz Pedersen.

¿Qué hay detrás de un partido de dos grandes del tenis? Esto es algo muy llamativo para todos nosotros. Saber qué piensan antes de entrar en la pista, qué supersticiones tienen o simplemente conocerlos un poco más como personas hacen que el filme Borj McEnroe sea un buen reclamo para todos los espectadores. Se trata de una cinta con gancho inicial, sobre todo cuando el partido es la final de Wimbledon y Borj se juega ser el primer tenista en ganar cinco copas seguidas con tan solo 24 años.

Pero no nos engañemos, aunque mantiene el ritmo y sobre todo la tensión en el enfrentamiento final, la cinta tiene momentos más flojos en los que la repetición de algunas situaciones hace que se te haga un poco cuesta arriba. Estos momentos no duran mucho. En seguida la película coge el ritmo final para saber qué pasa en ese gran encuentro (mucho mejor si no se acuerdan y mantienen la intriga sin buscarlo en YouTube).

Lo mejor de la cinta sueca son las interpretaciones de los dos personajes principales. Sverrir Gudnason es prácticamente un calco del tenista sueco, pero, aunque su parecido es brutal, la forma de moverse en la pista, sus gestos… también son su vivo retrato.

Con más diferencia física pero con la misma calidad de copia, interpreta Shia LaBeouf al tan odiado y a la vez adorado John McEnroe. Sus gritos, sus broncas con los árbitros y sus raquetas rotas son igualitas que las del tenista americano.

Pero no solo esto ocurre con los dos tenistas: en el resto de personajes es igual, con la novia y el entrenador de Borj, el padre de McEnroe… Todos ellos consiguen imitar e igualar las figuras de sus imitados. Algo más flojos están el resto de tenistas, pero eso ya es menos importante.

Otro factor a resaltar es la historia en sí, la forma de ir narrando en paralelo la infancia y juventud de estos dos grandes deportistas de élite, así como sus manías y miedos, y cómo, en el fondo, al ser tan distintos en carácter y forma de juego, se completaban. De ahí ese partido angustioso a cinco sets interminables. La prensa los enfrenta, los compara, pero ellos dos se respetan y se admiran, y se envidian mutuamente.

Cinta muy recomendable para los amantes del tenis, para rememorar un gran partido. Para los que les guste el buen cine, también es una opción para disfrutar y conocer un poco más a Borj y McEnroe.

- Película: Campeones (2017)

- Director: Javier Fesser

- Reparto: Javier Gutiérrez, Juan Margallo, Luisa Gavasa, Jesús Vidal, Daniel Freire, Athenea Mata, Roberto Chinchilla, Itziar Castro, Gloria Ramos, Alberto Nieto

Marco, interpretado por Javier Gutiérrez y tras ser expulsado como segundo entrenador del Estudiantes, tiene que cumplir tres meses de sanción por conducir borracho entrenando a un equipo de baloncesto formado por discapacitados intelectuales. Como es previsible, intenta escaquearse, los mira como bichos raros, pero, al final, no le queda otra que asumir el cargo y trabajar con ellos… y, evidentemente, su percepción, no solo de ellos sino de la vida en sí, cambia por completo.

Tengo que empezar diciendo que no me gustó el inicio de la película, para qué engañarnos. Que el centro de las risas salga de las reacciones que tiene un grupo de chicos con discapacidad intelectual, la verdad, no me gusta. Me suena a burla, a distanciamiento aún mayor entre los mal llamados normales y ellos. Pero es verdad que eso solo lo sentí al principio de la cinta.

Según van pasando los minutos, te vas dando cuenta de cómo Fesser (El milagro de P. Tinto, Camino) te presenta una realidad clara y cierta, siempre desde ese punto de vista diferente que tiene ese director, lo que hace que ninguna de sus obras te sean indiferentes.

Su objetivo es muy claro: ¿quiénes son los normales?, ¿pero hay gente normal?, ¿por qué los miramos y tratamos como bichos raros, si nosotros también lo somos? Estas cuestiones están latentes a lo largo de toda la película de una manera muy nítida, llenas en todo momento de mucho humor, pero también de gran ternura y respeto.

Para ello, hay momentos con tono de documental, donde te narra el día a día de los miembros del equipo de baloncesto, sobre todo con el propósito, entiendo, de romper esa barrera tan patente que hay entre los dos mundos.

En esa mezcolanza de documental, cine de humor y toque tierno pero sin pasarse, Javier Fesser rueda esta película que está llenando todos los cines de España. Y es normal. Te ríes con ellos, te agobias con ellos y sufres por ellos; es la mezcla perfecta para enganchar al espectador. Y mucho más con temas tan delicados como la discapacidad intelectual y cómo prácticamente todos miramos hacia otro lado si pasan cerca de nosotros.

Por su puesto, hay que destacar la gran labor de los actores noveles y de su director, que ha sabido sacar la esencia de todos ellos y conseguir un gran resultado. Y cómo no, todo vuelve a estar a favor del actor del momento en España, Javier Gutiérrez (El autor, El olivo), que una vez más borda su trabajo, en este caso el de un tipo en principio desagradable y con ganas de bronca constante que luego se va transformado en una persona de gran corazón.

Como dije al principio, película que no te deja indiferente, con buenos diálogos, aunque con alguna laguna en el guión a la hora de presentar las historias secundarias.

- Película: Sin rodeos (2017)

- Director: Santiago Segura

- Reparto: Maribel Verdú, Toni Acosta, Candela Peña, Diego Martín, Rafael Spregelburd, David Guapo, Cristina Castaño, Santiago Segura

Mi opinión sobre la película la resumo en una frase: me pensaba reír más. No soy amante de la saga de Torrente, no. Y no era ese tipo de risa salvaje la que esperaba. Pero sí algo más divertido para soltar un par de buenas carcajadas en el cine, y no lo hice. Me resultó agradable, se deja ver, pero ya está, no aporta nada más.

Está claro que el humor más fino y digamos, delicado, no es donde mejor se mueve Santiago Segura, o por lo menos es la sensación que me dio a mí viendo su último trabajo. La cinta se divide en dos partes. La primera en la que nos presenta a la prota, Paz, una mujer aparentemente realizada, pero que en el fondo, como es incapaz de decir no a nada, se encuentra angustiada y sola, ya que su círculo más cercano no le hace mucho caso. Y una segunda en la que se toma supuestamente una pócima por la cual soltará todo lo que piensa de verdad de los demás. Es ahí donde la película coge algo de gracia, porque en la primera parte es hasta para echarte una pequeña siesta.

La única que salva esta situación es, cómo no, Maribel Verdú. Esta gran actriz, aunque no está en uno de sus mejores papeles, vuelve a hacer creíble cualquier personaje. En este caso el de una mujer normal en una vida aparentemente normal. Eso sí, rodeada de gente que mejor echarles de comer aparte (sobre todo al hijo de su pareja…).

De los actores secundarios, quien se salva de la quema es Candela Peña, una vez más y con solo un par de escenas te llena la película y la pantalla. Te hace que mires y que te salga la sonrisa. Solo ella. A partir de ahí todos son personajes salidos de contexto, histriónicos y poco creíbles que no aportan nada a la película. Eso sí, quédense con los títulos de crédito finales, la canción de Alaska y los actores bailando. Merece la pena.

También tengo que decir, en defensa de la película, que el tráiler te cuenta los cuatro golpes buenos de la cinta, de tal manera que cuando los ves no te hacen ni pizca de gracia y esperas que haya más y nunca llegan. Y eso tampoco ayuda.

Sin rodeos es un remake de una cinta chilena dirigida por Nicolás López. Será cuestión de ver esta primera cinta (de la cual creo que han salido más versiones en Latinoamérica) y comprobar si de verdad en sus orígenes tenía más gracia.

- Película: Lady Bird (2017)

- Directora y guionista: Greta Gerwig

- Reparto: Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Lucas Hedges, John Karna, Beanie Feldstein, Tracy Letts, Timothée Chalamet, Danielle Macdonald, Bayne Gibby, Victor Wolf

Greta Gerwig, pese a su juventud, 34 años, lleva muchos años en el cine, ya sea como actriz (A Roma con amor, Maggie’s plan) o como coguionista (Mistress america, Frances Ha). Ahora, por fin, ha dado el paso a la dirección con Lady Bird, cinta muy aclamada en todos los sectores y que ha conseguido  cinco nominaciones a los Oscars este año, de los cuales, sinceramente, no creo que se lleve ninguno.

La cinta es sencilla, honesta, sin grandes pretensiones y por eso gusta. Una peli que llega por su aparente despreocupación por cumplir los cánones de las grandes industrias cinematográficas y con una estética indie que la hace agradable y, si me permiten, “simpática”.

Pero no deja de ser otra película sobre adolescentes buscando su sitio en el mundo, que quieren salir de la vida que les ha tocado vivir, donde se sienten ahogados e incomprendidos. Y qué quieren que les diga... De ésas hay muchas en la historia del cine reciente.

Eso sí, hay algo que la diferencia del resto, que sí consigue engancharte y formar parte de la vida de esta familia: la relación madre e hija. Es una relación totalmente auténtica, en la que la madre es buena gente, es una madre que sabe lo que le espera a su hija en el futuro y que se ha pasado la vida luchando por conseguir algo que al final no ha podido tener: una estabilidad económica, una casa mayor…, y poder no contar los céntimos a final de mes.

Ante esto lucha por que su hija haga lo que ella cree que es mejor, y claro, Lady Bird (nombre que la prota se inventa) no está de acuerdo, quiere su vida, su universidad, cometer sus propios errores. Esos diálogos (comprando el traje para la fiesta de graduación, por ejemplo) son lo mejor de la película.

No es de extrañar que, por ello, sus dos actrices relevantes, Saoirse Ronan y Laurie Metcalf, estén nominadas a mejor actriz principal y actriz de reparto, respectivamente. Ellas mantienen el ritmo de la cinta, marcan la diferencia con todo lo que pase más allá de sus diálogos.

De resto, lo siento por Greta Gerwig, directora y guionista, es otra historia más sobre chicos de instituto, primeros amores, diferencias de clases y desubicación en la vida. Muy topiquera en chica pobre y niño rico; amiga fea o gordita y chicas populares. Lo dicho, más de lo mismo.

- Película: El gran showman (The greatest showman), 2017

- Director: Michael Gracey

- Reparto: Hugh Jackman, Michelle Williams, Zac Efron, Zendaya, Rebecca Ferguson, Fredic Lehne, Diahann Carroll, Keala Settle

El gran showman es la primera cinta del director australiano Michael Gracey, que decidió estrenarse tras la cámara para contar la vida de Phienas Taylor Barnum, el creador del circo: “El mayor espectáculo del mundo”.

La película narra las peripecias de ese visionario del espectáculo a la hora de triunfar en la vida, circunstancia que consigue gracias a que junta en la misma sala a personas con una serie de peculiaridades físicas que despiertan la curiosidad de los demás. Ya conocemos a quién nos referimos, a la mujer barbuda, al hombre más gordo del mundo, enanos, albinos… Todos ellos van al escenario para que las personas “normales” los vean.

Con esa premisa y contado como un gran musical, Gracey narra la historia de Barnum desde que era un niño pobre y huérfano hasta que triunfa. El problema de la cinta es que el director australiano se pierde en la forma y deja muy de lado el fondo de la historia. No voy a entrar en lo edulcorada que está la vida del protagonista, pues en la cinta el director del circo parece hasta buena persona, cuando en realidad Barnum era un tipo que solo pensaba en hacer dinero a costa de lo que fuera. Pero no es eso, no, la historia se desdibuja, naufraga entre tanto baile y tanta explosión musical. Y ello hace que pierda autenticidad cinematográfica.

Eso sí, la parte estética del largometraje es fabulosa: maquillaje, vestuario, efectos especiales… Todo está muy bien gestionado, por no hablar, claro, de lo que son los bailes, canciones y coreografías, que sí que llegan a rozar la genialidad.

En este aspecto, se nota la mano de Benj Pasek y Justin Paul, ganadores del Oscar a la Mejor Banda Original por La la land, que compusieron Rewrite the starts o Never enough, canciones que pueden llegar a estar nominadas a los Oscar, aunque la que más reivindica el sentido de la cinta puede que sea This is me, cantada por la mujer barbuda, que interpreta Keala Settle.

Una baza fundamental en esta película es la actuación de Hugh Jackman, que una vez más vuelve a demostrar que no solo canta, como ya hizo en Los Miserables, sino que además es un gran bailarín y esto sabe combinarlo con una actuación más que correcta. A las puertas se quedó de alzarse con el Globo de Oro a mejor actor de comedia o musical, que se lo llevó James Franco.

Al lado del actor australiano, están Michelle Williams, Zac Efron, Zendaya y Rebecca Ferguson. Todos ellos desempeñan bien su papel, pero en el fondo no te llega su dolor, ni su angustia ni amargura o miedo. Todo eso, como comenté, se queda atrás. No son malas interpretaciones, ni mucho menos, pero esto se debe a un guión falto de vida y de drama.

- Película: Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express)(2017)

- Directora: Kenneth Branagh

- Reparto: Kenneth Branagh, Michelle Pfeiffer, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Jonny Deep, Judi Dench, Daisy Ridley, Josh Gad, Derek Jacobi, Manuel Garcia-Rulfo, Tom Bateman

Una de las obras más conocidas de Agatha Christie, Asesinato en el Orient Express, ha sido llevada de nuevo a la gran pantalla de la mano del director británico Kenneth Branagh. Si algo caracteriza las adaptaciones del realizador nacido en Irlanda del Norte (recordemos que ha llevado al cine varias obras de William Shakespeare, como Hamlet, Mucho ruido y pocas nueves o Como gustéis), es el punto personal que da a toda su obra, punto que no siempre ha gustado al público y a la crítica, como ya ocurrió con otro clásico: Frankenstein de Mary Shelley, que fue un rotundo fracaso.

En esta ocasión, hay que decir que sí lo consigue: consigue enganchar al espectador en una historia en la que casi todos sabemos el final y esto tiene mucho mérito. Lo consigue con dos aspectos fundamentales: la majestuosidad del paisaje y algunas escenas de acción, acompañadas de una gran banda sonora que completa una obra grandilocuente, una creación que, en principio, tenía más visos de ser una obra teatral que una cinta de acción.

A estas ventajas se suma una nueva imagen del protagonista, Hercules Poirot, interpretado por el propio Kenneth Branagh, en el que controla a la perfección la impertinencia y la desmesura del personaje con la sensibilidad y la nostalgia que requiere.

Si algo destaca en esta película, y seguimos hablando de la parte interpretativa, es el gran elenco de actores que interviene, como Michelle Pfeiffer, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Jonny Deep, Judi Dench… Sin ninguna duda, la esperada vuelta de Pfeiffer a la gran pantalla es lo mejor de esta lista, sin menospreciar, por supuesto, al resto. La veterana actriz norteamericana, que retoma su carrera tras su regreso con Madre, vuelve a hacer una gran interpretación, la de uno de los personajes principales de esta trama policíaca.

Nos faltaría contar de qué va…, pero yo creo que eso, a estas alturas, ya lo sabemos todos…

- Película: El autor (2017)

- Directora y guionista: Manuel Martín Cuenca

- Reparto: Javier Gutiérrez, Antonio de la Torre, María León, Adelfa Calvo, Adriana Paz, Tenoch Huerta, Rafael Téllez

Qué difícil es aceptar que eres mediocre. No inútil o limitado, simplemente mediocre, del montón; vamos, que no vas a triunfar en la vida como a ti te gustaría. Y mucho más si tu mujer, encima, es una de las novelistas que más libros ha vendido en el último año y hace justamente lo que a ti te gustaría hacer: escribir novelas.

Esto es lo que le pasa a Álvaro, el protagonista de la última película de Manuel Martín Cuenca, El autor. Ante esta situación, agravada por problemas personales y laborales, Álvaro decide “impregnarse de la vida”, como le dice su profesor del taller de escritura. Pero no solo se impregna de ella, sino que manipula la vida de sus vecinos para contar su historia. Este es el quid de la cuestión de esta trama muy bien realizada por el director andaluz, conocido por trabajos como Caníbal o La flaqueza del bolchevique.

Para llevar a cabo esta historia, basada en el libro El móvil de Javier Cercas, Martín Cuenca ha contado con dos de los actores más prolíficos y demandados del cine español en los últimos años: Javier Gutiérrez (El olivo, La isla mínima) y Antonio de la Torre (Tarde para la ira, Abracadabra), que por fin hace un papel de persona normal, sin hacer de tipo raro o loco.

Ambos, uno en el papel de escritor mediocre y el otro en el de profesor, respectivamente, vuelven a realizar dos actuaciones excepcionales. Pero no solo con ellos se escribe esta historia. No se puede pasar por alto la actuación de Adelfa Calvo (El secreto del puente viejo) como portera del edificio. Su naturalidad fluye por todas partes acompañando la evolución de su personaje. No puedo decir lo mismo del trabajo de María León (Carmina y amén, La voz dormida), que interpreta a la mujer del prota, personaje plano y sin fuerza alguna.

La intensidad que va tomando la historia se ve acompañada por una fotografía maravillosa, sobre todo en las sombras que hacen los personajes de una de las viviendas que el protagonista espía. Ese contraluz, y la habitación blanca, casi sin mobiliario y en la que escribe su novela totalmente en contraposición a las viviendas recargadísimas de sus vecinos, envuelve la trama en una intriga aparentemente inofensiva, pero que poco a poco y con sus partes nobles encima de la mesa (literalmente) el protagonista va dirigiendo sin ninguna compasión.

Se trata de una cinta irónica y llena de sensaciones incómodas, en la que al espectador no puede dejar de caer bien el protagonista o que, de alguna manera, le dé pena o simpatice con él, aunque cada vez este mediocre, pequeño y a veces casi invisible personaje vaya liando la vida de sus vecinos, simplemente porque él no sirve para escribir.

- Película: La librería (The Bookshop) (2017)

- Directora y guionista: Isabel Coixet

- Reparto: Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Billy Nighy, Honor Kneafsey, Gary Piquer, Lance Harvey Bennett, Jorge Suquet

Del amor a los libros y de la libertad que te aporta leer... De esto trata esta maravillosa obra cinematográfica de la directora catalana Isabel Coixet, La librería. La película, basada en la novela de Penelope Fitzgerald, es una oda a todo lo que te transmite la lectura de un buen libro. Cinta imprescindible para todas aquellas personas que no se pueden plantear su vida sin un buen libro cerca.

Isabel Coixet consigue que el espectador se sumerja durante dos horas en un mundo lleno de pequeñas historias, donde cada personaje tiene mucho que decir y contar, y donde una espléndida Emily Mortimer (Match Point, Shutter Island) consigue transmitirte sus ganas de vivir y de luchar por lo que ella considera primordial en su vida: el amor por los libros.

Esta historia está triangulada por ella, como punto principal, y por dos personajes más: mister Brundish, un hombre mayor, solitario y lector impenitente, interpretado por Billy Nighy (Love actually, Una cuestión de tiempo), y por la villana de la historia, a la que da vida una formidable Patricia Clarkson, que repite con Coixet tras haber trabajado con ella en las películas Aprendiendo a conducir y Elegy. Ellos son el núcleo de esta cinta que va acompañada de varios personajes que pincelan una historia nada común acaecida a finales de los años cincuenta en un pueblo británico costero.

Con esta cinta, Coixet vuelve a su cine más personal y más sincero, el que pudimos disfrutar tiempo atrás. La sencillez con la que narra esta historia, donde los sentimientos y las sensaciones marcan el ritmo lento y delicado del cinta, hacen que aflore una historia de lo más real y actual.

Los ricos con su poder y su falta de escrúpulos; los pobres con sus limitaciones marcadas por los poderosos; la relación inexistente entre ellos; la amistad y el amor… Ese amor imposible pero que está por encima de todo y que te pone los pelos de punta con solo una mirada. Todo esto se halla marcado por el coraje de una mujer con las ideas claras y con la fuerza necesaria para lidiar con todo ello.

Coixet narra todo esto con una delicadísima sutileza, con imágenes maravillosas impregnadas de un gusto exquisito.

- Película: La llamada (2017)

- Directores y guionistas: Javier Ambrossi y Javier Calvo

- Reparto: Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta, Gracia Olayo y Richard Collins-Moore

En cine hacer comedia no es fácil. Parece que sí, pero no lo es. Hacer reír, reír de verdad, es muy complicado. Y a mí me gusta reírme en el cine. Pero no a base de caídas tontas o chistes fáciles: me gusta la risa auténtica, la que no te esperas, la que te contagia. Y eso se consigue en esta película, La llamada, dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo.

Ambrossi y Calvo son una pareja de directores y guionistas cuyo trabajo no pasa inadvertido. Es verdad que roza lo irreverente en más de una ocasión y que incluso puede que hiera algunas sensibilidades. Pero sus historias llegan, como sucedió con la webserie Paquita Salas, que se llevó el premio Lobo Feroz a la mejor comedia y al mejor actor.

Tras esa serie, y con varios años representando el musical La llamada en el teatro, estos directores decidieron llevar su obra al cine. La película plantea una situación algo surrealista: cómo una chica de 17 años a la que le gusta el reguetón y el electro-latino, estando en un campamento de religiosas en Segovia, ve que Dios se dirige a ella cantando temas de Whitney Houston, con la imagen de un cantante vestido de negro. No vamos a negarlo… la cosa pinta rara.

A partir de esa circunstancia, los directores y guionistas aprovechan para tratar temas como la fe, la identidad sexual, la soledad, la rebeldía adolescente…, problemas comunes y normales que nos afectan a todos. y todo ello contado desde la ironía, la ternura y también la provocación.

La elección de sus protagonistas ha sido fundamental. Ambrossi y Calvo trabajan con tres de las mejores actrices revelación: Macarena García, en el papel de María, la que ve a Dios y siente su llamada (Goya por Blancanieves); Anna Castillo, Susana, su amiga, alucinada con todo esto (Goya por El Olivo), y Belén Cuesta, Milagros, la religiosa joven y amiga de las protas (nominada a los Goya por Kiki el amor se hace).

Las tres realizan grandes trabajos, igual que la cuarta en discordia, la veterana y conocida por ser una de las integrantes de Las Veneno, Gracia Olayo, esta en el papel de sor Bernarda, la religiosa responsable del campamento. Las cuatro consiguen integrarse en sus papeles y los hacen creíbles, por muy incongruentes que parezcan en algún momento.

La música es base fundamental de esta cinta, que corre a cargo de Leiva, con su tema principal La llamada, a la que se suman los temas de Whitney Houston y, sobre todo, la canción de Presuntos Implicados Todas las flores, en uno de los momentos más emotivos de la cinta.

Esta peli representa el futuro del cine español, con directores jóvenes y actrices de gran veteranía ante las cámaras y con mucha vida profesional por delante. Puede que el filme no guste a todo el mundo, evidentemente, pero hay que decir que tiene un signo propio, una marca de la casa que, en mi caso, dejó buen sabor de boca.

- Película: Kingsman: el círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle), 2017

- Director: Matthew Vaughn

- Reparto: Taron Egerton, Colin Firth, Julianne Moore, Mark Strong, Halle Berry, Pedro Pascal, Channing Tatum, Jeff Bridges, Elton John, Bruce Greenwood, Emily Watson, Michael Gambon,

Los guionistas Matthew Vaughn (también director de la peli) y Jane Goldman repiten receta de éxito en la secuela de Kingsman. Pero en esta ocasión ingredientes como los efectos especiales, las peleas al estilo Matrix y los chistes facilones son puestos en la coctelera en cantidades puede que excesivas, por no hablar de las casi dos horas y media de metraje que se hacen más bien pesadas.

Aun así, es una cinta que se deja ver. Pasas un buen rato y, como lo normal es que hayas visto la primera, sabes perfectamente qué te vas a encontrar en esta segunda película. La historia sigue cierto tiempo después con la destrucción de todas las sedes y miembros de Kingsman, a excepción de dos de sus agentes, interpretados por Taron Egerton y Mark Strong. Al verse totalmente aniquilados, su única salida es una licorería que hay en Estados Unidos, que, igual que ellos, también representa una agencia secreta dirigida por un siempre más que correcto Jeff Bridges. Con esta ayuda lucharán contra la gran malvada y reina del narcotráfico, Julianne Moore, papel con el que esta gran actriz ha tenido que disfrutar porque su personaje está como una auténtica regadera (máquina de hacer hamburguesas incluida… Ya se acordarán de mí cuando la vean).

Con esta puesta en escena se desarrolla esta larga comedia de acción, rodeada de grandes y conocidos actores como los ya nombrados Mark Strong, Jeff Bridges y Julianne Moore, así como Halle Berry y Pedro Pascal, sin olvidar la resurrección del para todos muerto en la primera parte, Colin Firth, que reaparece con ciertos lapsus (físicos y mentales) que le hacen estar en una de sus versiones cinematográficas más divertidas. Con ellos y con la aparición de Elton John, se consigue un equipo de lo más completo para la realización de esta cinta. Ah, también aparece Channing Tatum, pero para lo poco que interviene no haría falta ni nombrarlo.

En definitiva, lo mejor es que pasas un buen rato, y que una vez más Mark Strong demuestra su gran calidad, sobre todo en su última escena. Lo peor es el extenso metraje, la poca intensidad final y los chistes facilones entre los british y los yanquis. Lo dicho, si gustó la primera cinta esta se puede ver, pero si la dejan para hacerlo en casa, la verdad, tampoco pasa nada.

Amable, hablador y muy cercano, el director y guionista tinerfeño Andrés M. Koppel charla sobre su primer trabajo como realizador en un largometraje, en La niebla y la doncella, un filme que adapta la novela homónima de Lorenzo Silva. Koppel también reflexiona en esta entrevista sobre la situación actual del cine español.

Usted lleva muchos años trabajando como guionista. En esta función lo tenemos en películas como Intacto o Zona hostil. Pero ¿cómo ha sido esta nueva experiencia de adaptar una novela?IntactoZona hostil.  

Adaptar una novela es mucho más fácil que hacer un guión propio, sobre todo si tienes cierto nivel de falta de pudor. He adaptado con toda la libertad del mundo. Lorenzo Silva solo puso tres reglas: la primera, que se respetara la relación entre los personajes; la segunda, que se diera una visión normalizada de la Guardia Civil, y por último, que la cinta fuera realista, nada de ciencia ficción. A partir de ahí, he hecho lo que he querido, y sí, se han cambiado muchas partes del libro, sobre todo la segunda.

¿Se siente atado a la hora de escribir con una idea preestablecida?

No. Me gusta el proceso de reinventar historias, de contar la historia desde lo que parece que ya está contado. Esto es bonito porque al final vas al detalle. No tienes que preocuparte de la gran trama. Luego, los personajes tienen su propia evolución. La clave es saber si esa novela tiene dentro una película o no, y sobre todo saber cuándo algo es para ti, para tu universo creativo. A estas alturas de mi carrera ya sé cuándo puedo asumir o no un proyecto.

Ha sido su primer largo como director. ¿Cómo  ha sido la experiencia?

Muy dura, durísima, pero también muy gratificante, la verdad. En un principio pensaron en mí como guionista por mi condición de canario, que eso iba a ayudar a la hora de la adaptación. Yo hice el primer guión y se lo entregué al productor, Gustavo Ferrada. Tiempo después fue Gerardo Herrero quien se hizo cargo del proyecto y me propuso dirigirlo, ya que no había contado con la colaboración de ningún director a la hora de hacer el guión, que suele ser lo normal. De esta forma me embarqué en la aventura.

La película se rueda en Canarias, con mucho equipo tanto técnico como artístico de las islas. ¿Cómo ha sido el proceso?

Hemos tenido la suerte de que Tornasol, la productora, tuviera un equipo en Canarias, ya que ha realizado muchas películas en las islas. Por eso, al comenzar a rodar, me encuentro con que en el equipo de trabajo hay muchos integrantes canarios. Es más, hasta la productora pone a un director de arte canario, Rafa Castro. Además de Castro, también contamos con Gara Hamad en el vestuario. Su trabajo fue fantástico, y tanto es así que hasta la Guardia Civil nos felicitó por cómo iban vestidos sus agentes. “Es como vamos nosotros”, nos llegaron a comentar. 

¿Cómo fue trabajar con la Guardia Civil para conocer mejor lo que hacen?

Fantástico. Nos ayudaron y aportaron mucha información sobre su forma de moverse y de trabajar, algo fundamental para los personajes principales de la película. Para ellos era importante que se les viera con normalidad, que no solo son tipos con uniforme verde y que, aunque su trabajo, sobre todo el de la UCO (Unidad Central Operativa), no es nada normal, su apariencia y personalidad sí que lo son.

Usted rodó en Tenerife y La Gomera y en el largometraje también trabajó con actores locales. ¿Cómo ve el nivel de la interpretación en Canarias?

Para mí era importante contar con gente de las islas. Quería transmitir una imagen real de Canarias, que de verdad se viera cómo es la gente. Para ello necesitaba actores locales. Los personajes canarios eran importantes, pequeños, pero importantes. Por eso pedí a la productora un equipo de dirección de casting canario. El casting para elegir al personaje de Desirée, papel fundamental en la trama, fue muy difícil. Yo sabía que Alba Tonini tenía muy buena calidad; tiene muy buenos instintos y lleva mucha formación. Consiguió dar con el perfil del papel a la perfección. Con el resto de personajes, también se trabajó muy bien. Sobre el nivel de los actores en Canarias, debo decir que hay una buena cantera, pero es muy difícil dar el salto y triunfar. Ahora mismo tenemos a Álex García como mayor referente canario. Su lucha es constante por conseguir buenos papeles.

¿Cómo está siendo acogida la película?

La verdad es que bien. Hay que recordar que es muy difícil estar ahí, en la cartelera al lado de las grandes producciones. Hemos tenido una muy buena publicidad, pero, aun así, hay mucha gente que no tiene idea de que esta peli está en cartel. Las grandes superproducciones son las que mandan. No es que tengamos que competir con ellas, sino que tenemos que llegar a nuestro público.

¿Cuál es el público de esta cinta? ¿Por qué puede enganchar?

La niebla y la doncella es una peli de público adulto, de treinta en adelante, preferiblemente con hijos y dispuesto a ver pelis sin persecuciones constantes ni tiros. Una de sus virtudes es la tranquilidad con la que se hablan ciertos temas, como si nada. Hay drogas, prostitución, asesinatos a un ritmo sosegado. Todo es muy diferente de lo que el público suele ver. No hay juicios de valor. Hay distancia narrativa. Es una película muy contenida, muy sueca, tranquila. No es fría, pero sí contenida.

Los personajes principales apenas muestran sus sentimientos. ¿Fue difícil conseguir esa contención?

Sí que lo fue. Hubo que repetir muchas escenas porque al final siempre sale el juicio, la opinión o el sentimiento reprimido, ya sea en un gesto o en el tono de la voz. La pareja de la Guardia Civil no puede juzgar a la hora de preguntar, simplemente recabar información, y esto es muy difícil. Son personajes que no muestran sus sentimientos, pero los tienen. Esa dualidad es muy difícil de interpretar.

Quim Gutiérrez, Aura Garrido, Verónica Echegui, Roberto Álamo, Marian Álvarez... ¿No se podrá quejar del nivel interpretativo?

Para nada. Tengo que decir que yo no pensé en Quim para el papel de Vila. Me lo propuso la productora, a él y a Verónica Echegui. Él ha hecho más comedia y esta vez hace un papel muy comedido y controlado. Tiene un par de toques de humor, pero no es lo que destaca en su papel. Se ve su evolución, que está relacionada con sus sentimientos. Cuanto más sufre, más lo esconde y menos lo cuenta. A Aura Garrido la elegí yo en el casting. Es una gran actriz. Fue un casting muy duro. Hay muy buenas actrices españolas, espléndidas. En esta selección me di cuenta del gran nivel interpretativo femenino que existe en España. Tenemos interpretación femenina para rato. Y qué voy a decir de Roberto y Marian... Que aceptaran el papel fue como la carta de los Reyes Magos. Son dos monstruos del cine español.

¿En qué estado de salud se encuentra el cine español?

El nivel medio de las películas ha mejorado considerablemente. Hay directores nuevos muy buenos, y los cineastas hemos hecho nuestro trabajo. No tiene nada que ver con decenios atrás. Cada vez se oye menos lo de que “no nos gusta el cine español”. Hay muy buenos directores que están haciendo cosas muy interesantes.

¿Qué le pareció la elección de Verano de 1993 como representante del cine español a los Oscar?Verano de 1993

A mí me pareció una película maravillosa. En los Goya seguro que es una de las ganadoras. Me encantó.

Tras su experiencia detrás de la cámara, ¿cuáles son sus próximos proyectos? ¿Va a seguir en la dirección o retoma su faceta de guionista?

Vuelvo a mi labor como guionista. Tengo dos proyectos en este momento, aunque todavía están muy verdes. Por un lado, una serie policiaca, también para Tornasol, en la que volvería a colaborar con Lorenzo Silva. Por otro, estoy metido de lleno en el guión del último proyecto de Daniel Calparsoro, que me está gustando muchísimo.

- Película: Verano de 1993 (Estiu de 1993), 2017

- Directora y guionista: Carla Simón

- Reparto: Laia Artigas, Bruna Cusí, David Verdaguer, Paula Robles, Paula Blanco, Etna Campillo, Jordi Figueras, Dolores Fortis, Titón Frauca, Cristina Matas, Berta Pipó, Quimet Pla, Fermí Reixach

Y tú, ¿por qué no lloras? Esta es la frase que marca el principio y la esencia de esta maravillosa historia intimista que es Verano de 1993. De la imposibilidad de llorar de la protagonista tras la muerte de su madre, cuando ella contaba solo con seis años, y sobre su proceso de duelo, trata la ópera prima de Carla Simón, que relata esta trágica experiencia desde los ojos y los sentimientos de Frida, su protagonista.

Que sí, que hay que verla. Que el éxito de las críticas y su galardones en el Festival de Berlín como Mejor Ópera Prima y en el Festival de Málaga con la Biznaga de Oro y el Premio Feroz de la Crítica, son más que merecidos. Es una película intimista, delicada a la vez que cruel en ciertos momentos y muy, muy real y cautivadora.

Verano de 1993 es la primera película de su directora y también guionista Carla Simón. La realizadora catalana relata en esta cinta su propia experiencia, su dolor tan grande y tan incontrolable que no le permitió llorar el día que su madre murió. Y desde esa culpa, desde ese sentimiento de erróneo desapego hacia el ser más querido para ella, arranca el verano de Frida.

La cinta detalla cómo con seis años Frida, al perder a su madre y tres años antes a su padre, los dos por el sida, se marcha a vivir con sus tíos, dejando su Barcelona natal para irse a un pueblecito cerca de los Pirineos. Desde la visión de la niña, Simón nos muestra con gran ternura los procesos de duelo que sufre Frida, su rabia, su esperanza, su incomprensión, su necesidad de cariño y, cómo no, su impertinencia y lado oscuro.

Con cámara al hombro y en constantes primeros planos, se van tejiendo los verdaderos sentimientos de Frida, interpretada por una espléndida debutante Laia Artigas, que, sobre todo con sus miradas, consigue transmitir todas las sensaciones que sufre a lo largo de ese intenso verano de 1993. Y junto a ella su desde ese momento nueva hermana, antes prima, Paula Robles, que parece que no interpreta, que simplemente está viviendo todo lo que está sucediendo a su alrededor. Sus conversaciones, su complicidad y su relación amor-odio son el punto básico de esta sencilla y conmovedora cinta. Y si ellas transmiten sencillez y naturalidad, pasa lo mismo con los nuevos padres, antes tíos, interpretados por una casi desconocida Bruna Cusí y por David Verdaguer (No culpes al karma de lo que te pasa por ser gilipollas, Requisitos para ser una persona normal), que irradian vida real por todas partes.

Carla Simón no solo dirige a la perfección a los actores, tanto niños como adultos, sino que ha escrito un guión sincero y nada pomposo que va creciendo cada minuto en intensidad y realismo hasta llegar al final, una escena íntima y estremecedora que hace que el corazón se te arrugue y, en el caso de muchos, nos salga una lágrima llena de ternura.

La directora catalana trata como quien no quiere la cosa, como quien lo hace por casualidad, pero sabiendo darle la importancia y el tono necesario, no solo la muerte de una madre para una niña de seis años sino asuntos como la enfermedad del sida, su desconocimiento en los años noventa y los sentimientos de estos segundos padres que también han sufrido una pérdida muy importante pero que no han podido ni pararse a pensar en ello con la llegada de Frida, a la que acogen y quieren sin ningún rastro de titubeo ni vacilación, sino a corazón abierto.

Son pinceladas de lo que vivió y recuerda Simón de ese verano, pinceladas que están llenos de apuntes y matices que impregnan y perfilan esta pequeña obra maestra. Imprescindible.

- Película: Una cita en el parque (Hampstead), 2017

- Director: Joel Hopkins

- Reparto: Diane Keaton, Brendan Gleeson, Lesley Manville, James Norton, Jason Watkins, Simon Callow, Alistair Petrie

Hay películas para pasar el rato, para estar tranquilo en el cine y no esperar grandes dramas, ni grandes historias, sino, simplemente, que te cuenten algo agradable durante dos horas. Una cita en el parque es una de estas pelis. No te aporta nada nuevo, es previsible, la historia suena más a cuentito de hadas que a algo que pueda suceder de verdad, pero, aun así, la ves y sales a gusto del cine tras su proyección.

Y cómo se consigue esto, pues, en primer lugar y sobre todo lo demás, por los actores principales de ese filme: Diane Keaton (Manhattan, No es tan fácil) y Brendan Gleeson (Calvary, El irlandés), que hacen que todo lo que ocurre en ella te lo puedas llegar a creer.

Son dos personajes hechos a medida para esos artistas. Keaton interpreta a una americana afincada en Londres que se ha quedado viuda y que se ha dado cuenta de que su vida siempre ha sido dependiente de su marido, mientras que Gleeson es un hosco irlandés que se ha autoconstruido su casa en pleno parque de Hampstead, ganándose la animadversión de todo el barrio residencial y pijo.

Con su presencia ya te vas a creer todo lo que cuenten y lo que sientan, pero no todo lo que les pase. Ahí está el problema. La dirección de Joel Hopkins sobre sus protagonistas es impecable, no hay que olvidar que Hopkins ha contado para sus papeles protagonistas en sus últimos largometrajes con actores veteranos de la talla Dustin Hoffman y Emma Thompson (Nunca es tarde para enamorarse), y repitió con Thompson esta vez, acompañada de Pierce Brosnan (Un golpe brillante). Pero el guión chirría y la historia también.

Al final se termina convirtiendo más en un cuentito idílico que en una historia real de dos personas reales que viven en un mundo real. Y repito conscientemente este término porque a lo largo del metraje se tratan temas que nos afectan a todos en distintos momentos de la vida, como el arrepentimiento, la soledad, la falsa amistad…, pero están tratados de puntillas, dejando paso a una situación extraña en la que se ve envuelto el personaje de Gleeson por culpa de su casa y en la que ella intenta ayudar.

Sinceramente, si la ven en casa, cuando la pongan en la televisión, tampoco pasa nada.