En el invierno de 1852 el pintor John Everett Millais contrató a una modelo y poeta de 19 años para que posara como Ofelia. Elisabeth Siddal, que ese era su nombre, se pasó largas horas metida en una bañera en el estudio del pintor, y aunque Millais había colocado algunas velas debajo para calentar el agua, el tiempo transcurrido hizo que algunas de las velas comenzaran a apagarse. Siddal, que notaba como el agua se iba enfriando, no dijo nada, soportando la temperatura del agua en un gesto que se ha calificado de obediencia o de sumisión. La sesión de posado terminó con una Siddal enferma de neumonía y con Millais pagando de mala gana las facturas médicas.

Esta anécdota, casi tan conocida como la propia pintura, revela el coste humano detrás de la creación de un icono: la Ofelia de Millais que ha pasado a la historia del arte convertida en un arquetipo, está marcada por el sufrimiento silencioso de Siddal, haciéndose eco del sufrimiento de Ofelia en la obra de Shakespeare. Ambas historias se entrelazan por la sumisión al régimen patriarcal.

En Hamlet, Ofelia es primero una herramienta en los juegos de poder de su padre Polonio, quien la usa para espiar al príncipe. Pero Hamlet, herido por el rápido matrimonio de su madre con el asesino de su padre, proyecta su misoginia en la joven. Tras la muerte de Polonio a manos de Hamlet y el rechazo brutal del príncipe, Ofelia enloquece. Su ahogamiento —narrado con lirismo por la reina Gertrude— transforma el dolor en espectáculo. Una tragedia que, cuatro siglos después, sigue fascinando precisamente por lo que esconde: la voz de una mujer reducida, silenciada.

La psiquiatría victoriana convirtió a Ofelia en un estereotipo

La crítica feminista Elaine Showalter aborda la fascinación cultural por Ofelia en sus ensayos Representando a Ofelia y El mal de las mujeres, donde analiza cómo la iconografía psiquiátrica del siglo XIX convirtió a 'la loca' en un estereotipo visual. Curiosamente, esta obsesión moderna por el personaje comenzó a gestarse en 1820, cuando una compañía teatral inglesa popularizó su figura en los escenarios franceses. Poco después, hacia 1840, las primeras representaciones pictóricas consolidarían el mito: la Ofelia de Delacroix (1838) sentaría las bases visuales que inspirarían a generaciones de artistas, incluido Millais dos décadas después.

En el mismo año en que Millais pasaba seis meses pintando el paisaje de Hogsmill River at Ewell en Surrey que acompañaría a la figura de Ofelia sumergida, otro pintor británico, Arthur Hughes, pintaba otra de las Ofelias más famosas de la historia del arte, retratándola como una 'campanilla' que mezcla una feminidad aniñada e inocente, acompañada de un aura de martirio cristiano, una versión que se contrapone a la de Millais y su belleza 'fatal' y que adoptaron algunos otros pintores como Pierre Auguste Cot.

Las representaciones de Ofelia, como apunta Showalter, se convirtieron en el prototipo no solo de mujer trastornada en la literatura y el arte victorianos, sino también de la paciente joven en los manicomios. Su tipo de locura se inscribía en el trastorno que los psiquiatras calificaban de “erotomanía”: un delirio amoroso en el que quien lo sufre cree que una persona está enamorada del sujeto.

Para 1860, Ofelia ya era el paradigma de la loca victoriana con el que los psiquiatras de la época acostumbraban a moralizar, ya fuera con las imágenes de las pinturas académicas o en el reciente uso de la fotografía como elemento de control social. Un ejemplo de esto fueron las fotografías que tomó Hugh W. Diamond en el sanatorio de Surrey a una interna a la que vistió con una guirnalda de flores silvestres y un chal negro.

Precisamente, la omnipresencia de las flores en la representación no era casual o un mero guiño shakespeariano. Como destaca Showalter, “procedían de la iconografía de la sexualidad femenina en el Renacimiento; su ofrenda era una 'desfloración' simbólica”. Incluso su muerte por ahogamiento se asociaba a lo femenino y lo irracional: “El agua es el símbolo orgánico de los fluidos femeninos: la sangre, la leche, las lágrimas”. Esta simbología se materializó en pinturas donde los elementos botánicos y acuáticos cobraron protagonismo, desde las Ofelias de John William Waterhouse, hasta la versión hipnótica de Hébert (1876) o el lirismo oscuro de Cabanel (1883).

A finales del siglo XIX, la figura de Ofelia se reprodujo hasta la saciedad, trascendiendo fronteras fuera del ámbito anglosajón y francés. Pronto se convirtió en un motivo internacional, reinterpretado en otras corrientes artísticas, y pintores como el alemán Friedrich Heyser o el belga Constantin Meunier la adaptaron a sus estilos, pero siempre manteniendo el aura de enigma femenino.

Ofelia emerge del agua

Conforme el avance de la psiquiatría y de la visión sobre la mujer y su contribución en la sociedad iban cambiando, la figura de Ofelia fue a su vez evolucionando. Algo que ya puede observarse en las escenas oníricas del simbolismo que pinta Odilon Redon sobre la heroína de Hamlet entre 1900 y 1905. “La pintura ilustra un momento particular de la obra, en el que Ofelia encuentra su camino hacia el arroyo, donde se encuentra con su final entre las flores que ha recogido”, señala en un ensayo en The London Magazine Gillian Murtagh. “Este momento, puede interpretarse como un escape del dominio patriarcal que la ha moldeado en la persona en la que eventualmente se convierte”.

La liberación del yugo patriarcal también pasó por reapropiarse de esta figura tan manoseada por los psiquiatras y la sociedad victoriana. Sarah Bernhardt, la célebre actriz y escultora francesa, lo demostró en su audaz relieve Ofelia (1880), donde la joven no yace sumergida como en Millais, sino que emerge de las aguas con un gesto extático. A ella se le une la visión de las pintoras Violet Oakley con su La rosa de Ofelia (1918), que imagina una protagonista de luto, pero aún viva y reflexiva, y Madelaine Lemaire, que pinta en 1880 a una Ofelia desafiante y sensual.

Para liberar a Ofelia del texto de Hamlet, reflexiona Showalter, tendríamos que profundizar en la historia de su representación, poniendo el foco en su propio personaje y cómo se le niega una voz si no es en relación a los hombres que la rodean y condicionan. En ese sentido, obras teatrales como Opheliamachine de Magda Romanska —una crítica feminista escrita en 2005— han abierto nuevos caminos. En el prólogo, Idinca Tolut resume la idea de la obra: “Ofelia casi nunca ha hablado antes, ahora es el centro de la historia”.

Trauma en vez de locura: la Ofelia del siglo XXI

En las últimas décadas, y gracias a trabajos como el de la propia Showalter, esta reivindicación ha ido más allá del arte: los estudios contemporáneos de psicología y humanidades han analizado el posible síndrome postraumático que sufriría Ofelia tras la muerte de su padre y el rechazo de Hamlet. Ya no es solo la “loca” del imaginario victoriano, sino una figura compleja cuyos gestos se leen como síntomas de un trauma real. La artista Marlene Dumas lo amplifica en From Ophelia to Medusa (2004), donde funde la imagen cruda de una Ofelia muerta con la de otras heroínas castigadas, contestando y desafiando a la idealización de Millais.

Sin embargo, observa Gabrielle Dane en Reading Ophelia's madness, “con su identidad construida siempre en referencia a otra, Ofelia es, en esencia, un cifrado vacío que espera ser infundido con significado”. Quizá por eso el arquetipo ha pasado tan fácilmente desde la Inglaterra isabelina y se ha infiltrado en el inconsciente colectivo de manera que sigue siendo una representación tanto de la sumisión femenina como de la rebeldía; una ambigüedad que refleja el conflicto con los propios deseos y la falta de agencia.

Esta evolución ha llegado también al cine. En producciones recientes, como Ophelia de Claire McCarthy (2018), la joven noble se redefine como protagonista dueña de sus deseos y voluntad, al margen de los hombres que la rodean. Otras películas han reinterpretado su figura: desde el icónico cartel de Kirsten Dunst en Melancholia de Lars Von Trier hasta la escena de suicidio en la bañera de Las vírgenes suicidas de Sofia Coppola. En todas estas versiones, el personaje muestra una vulnerabilidad que trasciende lo estético para volverse político: su suicidio, aunque a veces idealizado, se revela como consecuencia directa de la violencia estructural que la ahoga.

Pero el giro más reciente ocurre en redes sociales, donde la imagen de Ofelia está lejos de estar agotada. La estética prerrafaelita de la Ofelia de Millais se ha convertido en el lenguaje visual de una generación que se identifica con el personaje y la estética a través de fancams en TikTok y memes en los que las jóvenes reinterpretan su dolor no como locura, sino como resistencia: decepciones amorosas, ansiedad o simplemente la belleza melancólica de sentirse incomprendida. La misma imagen que sirvió como instrumento para controlar a las mujeres, hoy es un símbolo que fluye entre el arte, la moda y la cultura digital.

Cuenta Chela de Ferrari (Lima, 1956) que cuando el teatro que dirige en la capital peruana, La Plaza, anunció el estreno de un Shakespeare interpretado por actores con Síndrome de Down, la respuesta del público fue más que entusiasta. “Los likes eran brutales, todo el mundo nos felicitaba por la iniciativa”, recuerda. “Pero a la hora de estrenar, eso no se tradujo en una asistencia al teatro. Me decían cosas como ‘me da un poco de nervio verlos’. Ahí me di cuenta de que todo el mundo defiende la existencia de proyectos como este, pero nuestros prejuicios nos alejan de la posibilidad de disfrutar de ellos”.

Poco a poco, el Hamlet de Teatro La Plaza fue convenciendo al respetable limeño de que valía mucho la pena pagar la entrada, y llegaron a mantener la obra en cartel durante dos meses trabajando todos los días, antes de iniciar una exitosa gira internacional que les trae este fin de semana (viernes 27 y sábado 28, 21.00 horas) al Teatro Central de Sevilla. Pero la reflexión ya estaba sobre la mesa.

La propia De Ferrari admite que ella tuvo que cuestionar sus propias reservas para embarcarse en un proyecto tan ambicioso, pues nunca antes había trabajado con actores neurodivergentes. “Yo amo a Shakespeare, es un autor muy generoso con quienes hacemos sus montajes, y soñaba con hacer un Hamlet. Pero cada año lo descartaba por la misma razón: no encontraba al actor adecuado. Hasta que di con Jaime Cruz, que trabajaba como acomodador de sala, pero para mi sorpresa se me presentó como actor. Nos tomamos un café y, por alguna razón, empecé a verlo con la corona de príncipe. Y me di cuenta de que, en realidad, era la primera vez que hablaba con una persona neurodiversa”.

Romper mitos

Aquel primer encuentro fue el germen de un proyecto que iba a desbordar todas las previsiones de Chela de Ferrari. “Me confrontó con mis prejuicios y mi monumental desconocimiento de la realidad de Jaime, pero también despertó un deseo de intercambio muy profundo. Nuestro Hamlet es el fruto de todo ello”, afirma la directora, cuyo primer pensamiento fue preguntarse cómo influiría Shakespeare sobre un elenco de aquellas características. Lo que no podía imaginar era cómo ellos aportarían a Shakespeare.

Junto a Cruz, el elenco se fue conformando con la llegada de Octavio Bernaza, Lucas Demarchi, Manuel García, Diana Gutiérrez, Cristina León Barandiarán, Ximena Rodríguez y Álvaro Toledo. “Empezamos por lo esencial de la obra, el Ser o no ser. ¿Qué es ser en espacios en los que a estas personas no se las tiene en cuenta? En nuestra versión re-contra-libre, hacemos un tejido entre el texto de Shakespeare y los reclamos y reivindicaciones de los actores y actrices. Trabajamos para encontrar puntos de coincidencia, ¡y hay tantísimos! En el caso de Ximena, llegó un momento en que era difícil distinguir si hablaba como Ofelia o como ella misma. Vimos, por ejemplo, la sobreprotección de los padres, que es algo que ellos conocen como los protagonistas de la obra. Hasta el amor entre Hamlet y Ofelia se dio en la realidad”.

Ideas que son corroboradas por el elenco, que aterriza en Sevilla con la motivación de haber puesto a sus pies al público de varios escenarios franceses. A Cristina, que en la obra se mete en la piel de Ofelia, de Hamlet y de la narradora, todavía le parece estar flotando. “Cuando actuamos en Lyon, nos aplaudieron cinco o seis veces”, dice exultante. Ahora, en Sevilla, cuando se dirigía al Teatro Central, su atención reparó en el Parque de Isla Mágica, y está deseando poder tener un rato para visitarlo con sus compañeros, “porque en Perú no hay parques así”. Pero la responsabilidad está por delante: “Venimos a contar nuestra historia y a romper mitos. No somos niños eternos ni angelitos; hacemos las cosas que hacen los demás, tan bien como lo hacen los demás”.

Llorar y hacer llorar

A su lado, Manuel García, que defiende los personajes de Polonio, de uno de los guardias y de Hamlet, confiesa que nunca había hecho antes un Shakespeare, pero adora a Hamlet. “Mi mayor reto ha sido hacer de Polonio. Es una obra muy fuerte, muy potente, no es en absoluto un trabajo para niños. Hablamos de lo que está pasando en el mundo, de nuestros derechos, de los de todos”.

Manuel también comparte la excitación que supone poner al público europeo en pie. “Esta obra es un privilegio que me ha cambiado la vida. Era la primera vez en mi vida que veía a todo el mundo parado delante de nosotros. Yo mismo lloro y siento que algo de mí penetra en la gente y los hago también llorar. También veo a los padres de gente neurodiversa y me gusta que salgan del teatro sabiendo que sus hijos pueden soñar, viajar, ver el mundo”.

Chela de Ferrari insiste en la idea de que este Hamlet “es un montaje absolutamente profesional, que nos interpela y nos muestra nuestra propia realidad. Las preguntas de Shakespeare son para todos, y están ahí. Hay coreografías, montajes de vídeo, decisiones estéticas… Y todo el mundo acaba bailando con ellos en el escenario”.

Comodidad versus curiosidad

En el Teatro Central se ha repetido la historia: aunque la taquilla va animándose en los días previos a las funciones, la acogida de Hamlet ha sido más entusiasta en la teoría que en la práctica. “El primer prejuicioso fui yo”, reconoce el director del teatro, Manuel Llanes. “Fui al Grec de Barcelona, donde estaba programado el espectáculo, y si no llega a ser por una amiga que me insistió, quizá no habría ido a verlos. Esto me recuerda que seguimos lo mediático en el teatro, la danza, la música, y tenemos poca pasión por descubrir. La comodidad mata la curiosidad”,

Para Llanes, esta propuesta se enmarca en la línea de montajes que están cambiando la manera de recibir los espectáculos realizados por intérpretes neurodiversos. “Es un momento en que todos reivindicamos la igualdad y la diversidad, aunque sabemos que los prejuicios están ahí. Sí, son diversos, todos lo somos. El proceso va a ser lento y las ideas preconcebidas difíciles de mover. Lo que sí aseguro es que esto es teatro-teatro, una lección de ambición y alegría a la que no hay que ir con condescendencia, sino con la misma exigencia con la que venimos a ver a Peeping Tom o cualquier otra gran compañía. Ellos mismos no van a permitir esa condescendencia”.  

La Asociación Cultural Octubre de Torrelavega acogerá el próximo sábado 23 de octubre la gira de presentación de 'Berlín', el último trabajo de estudio de Hamlet. El mítico grupo recalará en Cantabria dentro del extenso tour que el quinteto madrileño ha previsto para presentar en sociedad e interpretar en directo un disco que llega tres años después de 'La ira'.

“Con tres décadas a sus espaldas y tras más de diez trabajos de estudio, Hamlet sigue teniendo uno de los directos más potentes del país, ya sea en grandes festivales o en sala, como ya demostraron en su última visita hace casi dos años en la sala Black Bird”, explican los promotores de este concierto.

Si su pasada gira se extendió durante tres años e incluyó más de cien directos, con este nuevo trabajo esperan, como mínimo, igualar ese número. La banda llega a Cantabria con su nuevo álbum, 'Berlín', bajo el brazo. La cita en la Asociación Cultural Octubre en Torrelavega comenzará a las 21.00 horas, aunque la apertura de puertas se producirá a las 19.30 horas.

Las entradas, que tienen un precio de 11 euros para socios y de 13 euros para no socios, se pueden adquirir en Groez (Torrelavega), La Libre (Santander) y Varuko (Vioño).

Vivimos tiempos desquiciados, dislocados, fracturados y ni siquiera tenemos un Hamlet cuya suerte le aboque a remediarlos. El tiempo se ha abierto y se traga en su sima la razón y la templanza. Absorbe el discurso lógico y despide vaharadas de emoción irracional. Es muy difícil romper ya la costra de esa lava rugiente que inflama más que calma y que anega el discurso cegándolo. Ni un príncipe de una lejana y podrida Dinamarca podría conseguirlo. 

En los tiempos dislocados, los discursos aparentemente llenos de sentido común pero vacíos de principios y de lógica hacen fortuna. Las arengas de lo aparente, de lo que se dice evidente, de las fórmulas mágicas, firmes y decididas para problemas que no tienen ninguna solución fácil ni clara ni evidente ni inmediata son la pócima del éxito. Cierto es que tales soluciones son sometidas al nigromante demoscópico y al augur de las urnas. Y así a los complejos retos de un tiempo que apenas llegamos a comprender, tal es el misterio de todo nacimiento, se oponen ocurrencias que ni siquiera respetan la lógica de las normas que nos dimos y que aún no hemos sido capaces de transformar siquiera en otras más acordes a los tiempos.

Por eso no hay que perder pie ni olvidar de dónde viene el peligro. El mal no nos cercará con una música de percusión que nos haga sentir que se abate sobre nosotros. Su llegada será banal -Arendt, dixit- y envuelta en sonrisas y líderes hermosos que nos ofrecerán una senda sencilla, aunque todos deberíamos saber que no existe tal simplicidad. Es lo que está sucediendo por doquier. Gentes que venden pócimas ideológicas, bálsamos para el miedo de los tiempos, a ignorantes o temerarios que prefieren creer que el mundo es un lugar seguro en el que caben tales ingenuidades. El barco en el que cabe el pensamiento crítico está presto para el naufragio.

Durante décadas felices pastamos en los prados de la inevitabilidad del progreso hacia un futuro mejor. Todo futuro sería mejor. La humanidad, y nosotros con ella, escalaría cimas de progreso y felicidad sin retorno. El confort de la realidad era irreversible. No seríamos nunca ni más pobres ni más infelices ni tendríamos menos libertad de la que ya habíamos logrado. Citius. Altius. Fortius. Con la misma banalidad alegre con la que aceptamos que el cuerpo humano podría llegar cada vez más alto, avanzar más rápido o ser más fuerte sin drogas y sin ninguna ayuda exterior, aceptamos que cada vez seríamos más ricos, más felices, más libres y más iguales. La marcha atrás no solo no es un método aceptable, sino que ni siquiera era posible. La pura marcha de nuestra sociedad se había convertido en una teleología cuyo fin concreto era la felicidad perfecta. La inevitabilidad del avance perpetuo, un coma intelectual inducido en el que hemos vivido y en el que se han criado las generaciones que están llamadas a recambiarnos.

La realidad hizo estallar el mito, aunque haya todavía masas de ciudadanos que avanzan como boxeadores sonados porque estaban tan imbuidos de su esencia que no alcanzan a entender lo que ha pasado. Buscan respuestas, recambios, un camino que les devuelva ese horizonte de una vida siempre mejor.

Snyder ya formuló que, ante esta política rota, como un muñeco al que nosotros mismos le hemos arrancado los brazos o la cabeza al jugar, están surgiendo los políticos de la eternidad. Aquellos que ven la solución en la añoranza de una historia pasada, en el retorno a unos mundos mejores y perfectos, a unos estados y países, que en realidad nunca existieron. La política de la eternidad es como una hipnosis que amenaza con devolvernos a nuestras peores pesadillas, esas que ni en sueños recordamos. “El peligro al que nos enfrentamos ahora es el de pasar de la política de la inevitabilidad a la política de la eternidad, desde una república democrática ingenua y con imperfecciones a una especie de oligarquía fascista confusa y cínica”, concluye el pensador de Yale.

Perdónenme que me ponga pesada con lo que importa, pero cada vez que veo propuestas enloquecidas, ocurrencias inaceptables o proposiciones alocadas por parte de algunos que aspiran a gobernar, tiemblo. No podemos quedarnos en la anécdota. No podemos combatir exclusivamente la iniquidad de proponer acabar con principios básicos de nuestro sistema para combatir ideas políticas concretas, como es pretender reformar “la ley” para los que no han sido juzgados ni condenados pierdan sus derechos políticos o que se apliquen medidas coercitivas graves a priori de los hechos porque se sospeche que estos van a producirse, sino que tenemos que reflexionar sobre el origen de las mismas y el peligro intrínseco que conllevan.

Los totalitarismos del siglo pasado fueron reacciones a la globalización, las desigualdades reales o imaginadas, a la pobreza producida por una economía ajena a las personas y a la aparente falta de elementos de las democracias para resolver los problemas. Todos somos responsables de lo que suceda. Todos tenemos un papel para arrojar luz sobre los que quieren medrar sin importarles las tinieblas.

El patriotismo consiste no en negar los abismos sino en alumbrarlos haciendo una promesa firme de impedir que nos traguen.

Disculpen si las bodas, los chalés, los tuits descerebrados o las banderas hay días que no me importan nada. Es que, como diría Hamlet, engordo de esperanzas.

La obra de teatro '¿Hamlet es nombre... o apellido?' se podrá disfrutar los días 1, 2 y 3 de diciembre en el Teatro Escena Miriñaque (Calle Isaac Peral, 9) de Santander. El espectáculo busca ahondar en el drama escrito por Shakespeare y responder a algunas de las cuestiones que su creación dejó en el aire hace más de cinco siglos.

Un relato ameno, de 70 minutos de duración, donde, con aire distendido, se hará partícipe a los espectadores de otra versión de la misma historia. En ella se aproximará a los allí presentes a la perspectiva de Claudio, el tío de Hamlet que asesina a su hermano, y se cuestionará si tal vez tenía motivos para actuar de aquella manera.

Escrita por Ozkar Galán, autor también de otras obras como 'Edith Piaf. Taxidermia de un gorrión', ha organizado la estructura de la obra en diez escenas que exponen, de manera discontinua, su particular visión de la obra. Manteniéndose fiel al relato del escritor inglés pero aportándole esa vuelta de hoja que caracteriza '¿Hamlet es nombre... o apellido?'.

Dirigido por Gorka Martín, e interpretado por Eva Bedmar, Ricardo Cristóbal, Laura García-Martín y Antonio Nieves, quieren acercar preguntas tales como “¿Alguien preguntó a Claudio por qué lo hizo?”, “¿Alguien preguntó al fantasma de Hamlet por qué volvió? ¿Por justicia?”, o, por ejemplo, “¿Alguien preguntó qué opinaba de todo esto Yorick?” “¿Es Hamlet idiota?”.

La mítica banda de metal Hamlet actuará este sábado, día 26, en el XI Festival Rockablanca de Suances, que se celebra en el auditórium de El Espadañal, a partir de las 20.00 horas.

Este concierto, en el que la banda presentará su disco 'La ira', que será el “plato fuerte” de esta edición. El cartel se completa con las bandas Sez-Naus, con su personal propuesta de metal melódico con temática social, que está promocionando su trabajo 'Retales'; Aranea Adventus, con una propuesta de heavy metal clásico; Nautilus, cuya música se mueve entre géneros como el postmetal o el sludge; y Mice Hole, una joven banda suancina de punk rock.

Así lo han explicado el concejal de Juventud, Fran Gascón, y los integrantes de Sez Naus, organizadores del festival, un evento “ya consolidado” que, año tras año, atrae hasta la villa a numerosas personas dispuestas a disfrutar de la buena música en vivo. La entrada a los conciertos es libre y gratuita.

El concejal ha animado a los aficionados a esta música a acercarse a la villa y disfrutar de este encuentro que, por un lado, reúne a grupos ya consolidados y de calidad contrastada; y, por otro, ofrece a las bandas noveles un espacio donde mostrar su talento.

Por último, Gascón ha recordado que durante toda la jornada se instalará un punto de información juvenil y un taller de prevención de drogodependencias y consumo responsable.

Sennsa Laboratorio Teatro plantea este sábado en Sagunt a Escena su última producción, 'Dead Hamlet', una “original aproximación” al clásico de William Shakespeare desde el sentido rítmico de las acciones, el gran simbolismo escénico y el uso del canto y la danza y con una escenografía radical, llena de juegos simbólicos (el puñal, el trapo rojo) al servicio del despliegue físico y artístico de los actores.

Según ha informado la Generalitat en un comunicado, se trata de una revisión “desde el teatro poético y con la gran fuerza expresiva que caracteriza la trayectoria de la compañía que dirige J. M. Mudarra”.

“El mito de Hamlet es una herramienta perfecta para hablar de la lealtad, de la duda, de la vida, de la muerte”, indica Mudarra sobre un montaje que “intenta de depurar al máximo el texto shakesperiano, dejarlo en su más pura esencia”.

Con esta propuesta, Sennsa Laboratorio Teatro vuelve a uno de los grandes personajes de la historia del teatro, Hamlet, cuya complejidad dramática ya abordaron años atrás. “Hamlet es la tragedia del ser consciente, del hombre y la mujer despiertos que se debate entre luchar o rendirse, de aquí su permanente vigencia”, destaca el director de la compañía.

'Dead Hamlet' es una versión libre de Hamlet para teatro físico y danza que se inspira en el clásico y toma como referencia los valores filosóficos, éticos y artísticos de la obra de Shakespeare, expresado en un lenguaje escénico físico y poético.

Los intérpretes de este montaje son Sandra Pozo, Fernando Lahoz, Thais N. Izquierdo, Adrian A.B. Blanca Garcia de Arboleya, Rebeca García, Conso Muñoz, Renata Edison, A. Cornejo y Karim Bedda.

La trayectoria de Teatro Clásico de Sevilla (TCS) es ejemplar. Desde su nacimiento en 2005 ha sido capaz no sólo de sobrevivir sino de crecer en medio del naufragio generalizado de compañías que han provocado la crisis y los recortes. Hace más de un lustro que la dirección de escena de una gran parte de sus espectáculos recae en Alfonso Zurro y el elenco de actores se mantiene relativamente estable, por lo que han ido desarrollando una manera propia de hacer los clásicos que se ha visto reconocida con premios y el favor del público en toda la geografía nacional.

En esa trayectoria, Hamlet es la primera incursión de la compañía en un texto ajeno a la tradición española. Y, para este encuentro entre Zurro/TCS y Shakespeare, ahondan en sus señas de identidad: una estética impactante y cuidadísima, un lenguaje singular y equilibrado y un reparto afinado, en el que destaca Pablo Gómez-Pando, capaz de salir airoso del tour de force que exige encarnar al atribulado príncipe de Dinamarca.

La propuesta escénica pivota en torno a la impresionante escenografía de Curt Allen: una media luna de espejos inclinados encuadra un piso irregular cubierto por una tela blanca. Este espacio acogerá todos los espacios que exige la pieza, cambiándose solamente el suelo (de blanco a negro, de aquí a rojo, luego césped y tierra). Las cárceles que son el palacio real y Dinamarca (una cárcel dentro de otra cárcel, dentro de otra que es el mundo entero) lo son aquí por la extrema visibilidad: nada escapa al reflejo que multiplica y confunde las imágenes. Florencio Ortiz afronta y supera el desafío de iluminar ese endiablado juego de espejos y el propio Allen firma un vestuario que escapa de la reproducción del topos clásico para colocarse en un no tiempo que incluye todos los tiempos.

El fantasma del poder

A la altura de la propuesta estética están la escénica y dramática. Zurro parte de la primera traducción al español del Hamlet, firmada por Moratín, para elaborar su versión: una versión que elimina la trama de Fortimbrás y que apuesta por potenciar la ambigüedad del protagonista en vez de resolverla. Tras ver este trabajo y ante la pregunta simple pero pertinente de si Hamlet es bueno o malo, tendríamos que responder que ambas cosas. Y esa complejidad, esa ambivalencia nos inquietan y revuelven más que una respuesta en uno de los dos sentidos. Durante la función, se va repitiendo como estribillo o leit motiv con distintos protagonistas: “¿Cómo estás? Bien, bien”. Esta falsedad (bien en Hamlet no está nadie) refleja la hipocresía que reina en la corte, inevitable en quienes sólo luchan por mantener sus puestos y medrar. La ambición corrompe y deshumaniza a todos. La suerte de Ofelia es la ilustración perfecta de ese horror: una mujer que llega a la locura y al suicidio víctima impotente de la podredumbre de la política, ese mundo masculino que está demasiado ocupado consigo mismo para pensar en los “daños colaterales”.

La puesta en escena con la mayoría de las transiciones y cambios escénicos “a vista” extrae todo el potencial de esa teatralidad y va dibujando metáforas visuales que encarnan los temas fundamentales de la pieza: la silla-trono que Hamlet agita y del que se cae en la primera escena, la tela blanca movida por el viento para sugerir sin mostrar la presencia del fantasma, la imagen de Ofelia destrozada por su encuentro con Hamlet e ignorada por el rey y su propio padre (ese “daño colateral”), las manchas de sangre en el espejo que Gertrudis se afana inútilmente en borrar como Lady Macbeth las de sus manos, la fugaz muestra del sexo de Ofelia en su locura que provocó murmullos en una parte del público (sí, la visión de esa parte del cuerpo femenino sigue inquietando), ... Al final, la tierra y la calavera, a modo de vanitas barroca, que nos recuerda que ése es el destino inevitable de todo lo que vive, hacen risible la ambición y el afán de poder. Hamlet, moribundo, se debe contentar con la memoria que deja de sí y encarga a Horacio contar lo ocurrido.

Una interpretación brillante y generosa

Pablo Gómez-Pando, que ya había regalado un primoroso trabajo en El Buscón, encarna un Hamlet a la altura de las expectativas. Su generosidad en escena es igual a su talento y destreza técnica: cambia de la fragilidad a la brutalidad en un instante, pasa del desgarro a la bufonada en otro, dice los textos con verdad y precisión, y se bate en cuerpo y corazón para transitar el viaje que exige el rol del príncipe danés. Una maravilla. A la altura está el elenco que lo acompaña: Juan Motilla dibuja un Claudio sibilino, Amparo Marín (a la que diríamos que le espera un gran papel como a Pablo esperaba Hamlet) una Gertrudis atormentada y turbia, Manuel Monteagudo se luce en un Polonio al que extrae toda la comicidad del charlatán impenitente, Rebeca Torres está conmovedora en la locura, Antonio Campos encarna un Horacio leal, José Luis Verguizas aporta sensibilidad y mesura al difícil rol de Laertes, José Luis Bustillos defiende un Rosencratz divertido e inquietante, Manuel Rodríguez un cómico sobrio y todos los que doblan papel cumplen en sus otros roles. A ello ayuda el sutil y eficaz trabajo de sonorización de las voces.

En suma, un trabajo sobresaliente que sigue recogiendo premios y reconocimientos, a la larga lista que ya atesora se suman ahora tres candidaturas a los premios Max, y que muestra como, desde la empresa privada, se pueden afrontar retos de envergadura y salir airoso. Mientras, seguimos a la espera de un Centro Andaluz de Teatro que contribuya a visibilizar dentro y fuera de Andalucía las artes escénicas andaluzas.

Una versión “canalla” del Hamlet de William Shakespeare, el Hamlet Canalla escrito por el autor valenciano Manuel Molins, llega a partir de este viernes, 14 de octubre, al Teatre Micalet de Valencia para hacer reflexionar sobre temas actuales pero también presentes en el mundo de este histórico personaje como la corrupción, la política, el machismo y el teatro.

La obra, dirigida por Joan Peris e interpretada por Josep Manel Casany y Ximo Solano, da mayor presencia y voz a personajes del Hamlet original a los que Shakespeare hizo pasar sin protagonismo Y “silenciados” como la madre, el espectro del padre u Ofelia para ayudar a generar la reflexión que se busca.

Este montaje, que podrá verse en este teatro hasta el próximo 6 de noviembre, es la primera coproducción del Institut Valencià de Cultura (IVC) y la Companyia Teatre Micalet y también la primera propuesta con la que arranca el ciclo de cuatro coproducciones de la entidad autonómica con compañías valencianas para la temporada 2016-2017.

Así lo ha precisado el director del IVC, Abel Guarinos, en la rueda de prensa celebrada este jueves para presentar Hamlet Canalla, una convocatoria en la que han participado el autor, el director, los actores, la directora artística de la Companyia Teatre Micalet y la diseñadora de vestuario, Isabel Requena.

Guarinos ha explicado que propuestas como la visión del mito de Hamlet creada por Molins pretenden ayudar a “relanzar el tejido profesional” del teatro valenciano, “respaldar a autores contemporáneos valencianos y en valenciano” y vertebrar la Comunitat Valenciana a través de estas iniciativas culturales.

La intención es que tras su estreno y paso por el Teatro Micalet 'Hamlet Canalla' salga de la ciudad de Valencia y visite también Alicante y Castellón y otras ciudades con el fin de “circular por el circuito” teatral y poder ser “disfrutado por más gente”, como ha expuesto el responsable del IVC, que ha dicho que “no se ha producido un espectáculo para dos meses sino con intención de continuidad”.

La obra se representará en el Micalet sobre unas tablas situadas en el centro del teatro, con público a ambos lados, para que sus dos actores puedan ser vistos desde todas las perspectivas. Esta escenificación se mantendrá cuando el montaje vaya a otros recintos. A este respecto, su director ha comentado que la versión de Molins es “un texto contemporáneo muy bueno que ayuda a hacer el teatro desnudo”, sin necesidad de grandes vestuarios y escenografías.

En la misma línea, el autor, que durante su intervención ha recordado la figura y el “espíritu crítico” del dramaturgo italiano Dario Fo fallecido esta jornada, ha expuesto que “con textos potentes no hace falta nada”. “El texto es una historia, unos magníficos actores llevados por una dirección y el público. No hace falta nada más”, ha declarado Manuel Molins.

“Un trabajo desnudo”

Por su lado, Ximo Solano, que interpreta a Hamlet, ha valorado la posibilidad de “hacer un trabajo desnudo” y “de riesgo”, para el cual “no hay nada en escena, sólo los actores para sacarle el jugo a esta pieza”. Del mismo modo, Josep Manel Casany, que interpreta a varios personajes como el espectro del padre de Hamlet, Gertrudis su madre, Horacio su amigo, y Ofelia, ha aseverado que “desnudo se pueden transmitir las emociones” porque “se puede llegar con el discurso”.

En cuanto al contenido de la obra, todos han coincidido en destacar que se logra dar la imagen de un personaje “canalla”. Su intérprete ha afirmado que para preparar el personaje se ha inspirado más en “la palabra canalla” que en el nombre de Hamlet, del que según el autor de la obra se da una imagen diferente a la del “príncipe modelo” y al personaje histórico.

Joan Peris ha asegurado que el montaje, divididos en seis escenas, consigue “transmitir emociones” porque tiene “todos los ingredientes” para ello y para hacer pensar al público sobre temas como la lucha contra la corrupción, la política, el machismo, las miserias e, incluso, el teatro.

Solano ha agregado que 'Hamlet Canalla' “da lugar a la paradoja” y las plantea en relación con “el mundo actual”. Molins ha apuntado que la reflexión que se busca se plasma también con el espectro del padre del personaje principal que tras el encargo que hace a su hijo al inicio de la historia “vuelve al final a pedirle explicaciones y plantearle retos”. La interpretación de Josep Manel Casany ayuda también a generar esta reflexión a través de los diversos personajes que representa.

Asimismo, tanto Abel Guarinos, como los responsables de esta obra han considerado que puede verse y entenderse y conocer a su protagonista sin tener en cuenta al Hamlet original, “sin saber si existe o no otro de antes”. “La gente que no tenga la referencia de Hamlet, puede ver en cada escena el conflicto y captar el mensaje”, ha dicho el director del IVC.

Jugar a realizar versiones de los clásicos es una costumbre en el teatro. Las obras que han marcado un antes y después siempre se adaptan, sea su trama o alguno de sus personajes más relevantes. Esta vez, y de la mano de Chema Cardeña y de Redola Teatre, se hace una adaptación muy particular de Shakespeare.

Así, los espectadores de la Sala Russafa serán testigos de un salto temporal inédito del mítico personaje denominado 'Hamlet-Jaipur'. Y que consiste en trasladar a Shakspeare desde la corte monárquica de la Dinamarca anterior al cristianismo a la convulsa India del 1946. Eso sí, encarnado en Harjinder, un joven indio que pelea por la independencia frente al imperio del Reino Unido. Todo, mientras se enfrenta al drama personal de asumir la muerte de su padre y sus efectos desoladores.

El director y dramaturgo ha creado un nuevo personaje, encargado de introducir la trama histórica. También ha adaptado el argumento original a la filosofía, religión y orografía hindús. Con ello, se eliminan conceptos como el monoteísmo y los fantasmas, y aparecen otros más propios de la cultura del país asiático. Un ejemplo de ello es la conexión astral mediante la que se encuentran Hamlet/Harjinder y su difunto padre.

Los jóvenes intérpretes Miguel De Aguilar, Pepe Mira, María Muñoz, Cristina Oliva, Raúl Pont, Miguel Serrano, Belén Tejedor, Omar Sánchez, José Ramón Torres y José Zamit serán los actores que darán vida a una historia original. Y que encierra, a su vez, su lado más atrevido y descarado con el cuerpo humano como protagonista. Desnudos en escena y una apuesta destacada por la expresión corporal -característica de las artes escénicas indias- son sus rasgos principales.

La pieza no es lo único que ofrece este fin de semana la Sala Russafa. En su apuesta por combinar teatro para un público adulto y para niños llega a la sala la obra 'Aventura en Entelequia'. Se trata de un espectáculo del grupo valenciano de improvisación 'Què farem?'. Diez actores recrean en esta historia un mundo fascinante de los relatos infantiles para incentivar la curiosidad lectora entre los más pequeños. Qué les pique la curiosidad de las letras es el objetivo.

Miguel del Arco (Madrid, 1965), uno de los directores más aclamados hoy por el público y la crítica, estrena Hamlet  en plena tormenta político-teatral, con unos titiriteros que han pasado cinco días en la cárcel por enaltecimiento del terrorismo. Y está enfadado con la política y cómo se ha tratado este asunto. “Es una vergüenza muy sintomática”, señala en esta entrevista en la que no duda en resaltar que son los propios políticos los que han perdido el norte en los últimos tiempos.

Sin embargo, se muestra esperanzado. Hamlet, que ha montado con su compañía Kamikaze en una versión muy libre, va a llenar durante un mes el Teatro de la Comedia. Es uno de los estrenos más esperados del año. “Hay gente que quiere entrar en un teatro, que es un lugar siempre de diálogo y para mí eso es lo que me hace ser optimista”, comenta.

¿Cómo estar preparado para enfrentarse a Shakespeare?

Hay una contradicción ahí. Desde que uno elige esta profesión o esta profesión le elige a uno, Shakespeare aparece y convive, en mi caso de una manera muy profunda. Seguramente por un enganche muy emocional. Para mí hay algo muy poderoso en la palabra de Shakespeare, hasta casi físico. Y cuando tienes el privilegio de poder elegir, elijo Shakespeare. También necesitas un punto inconsciente para lanzarte porque sabes que te vas a meter en problemas. Es muy complicado porque toda la obra de Shakespeare está llena de contradicciones y pasa de lo sublime a lo vulgar y de la tragedia a la comedia…  Y luego todo el mundo parece saber cómo se tiene que representar. Pero uno tiene que tomar sus propias decisiones y meterse en el barro.

Suele adaptar los textos clásicos. Crear una “versión libre”. ¿Por qué y en qué consiste esta versión de Hamlet?Hamlet

Al meterme en los textos, estos hablan a un hombre del siglo XXI. Siempre lo hago desde el profundo respeto al texto escrito, pero intentando discernir cómo podría ser ahora. Además, cuando son traducciones siempre hay una interpretación. Sé que me van a poner a caldo porque he tocado a Shakespeare, pero me he alejado muchísimo. A partir de ahí yo lo que he pensado es tratar a Shakespeare como un hombre de escena y lo que pienso es en el puesta en escena, qué es lo que quiero contar y cómo lo quiero contar. En este caso no era mi intención traerme a Hamlet al siglo XXI. Hemos querido incidir en el espacio mental, en la cabeza de Hamlet. Y he desestructurado algunas partes del texto y las he recolocado para ver dónde está la cabeza de Hamlet, que es una cabeza en la que se agolpan los pensamientos.

Hamlet es el hombre de las contradicciones. ¿Qué contradicciones ha supuesto este montaje? ¿Y para usted como autor y director?

La contradicción permanente entre el hacer y no hacer. Pensaba, ‘por qué me he metido en esto’. Ha sido un proceso muy largo. Cuando lo escribimos estábamos todavía haciendo El Misántropo…  Y a lo largo de todo el proceso surgían las contradicciones de por dónde tirar. Porque hay días que ves que algo te parece fantástico y al día siguiente no te agarra. Pero esa es la contradicción permanente que tiene que tener el teatro. Para mí, el teatro es fundamentalmente conflicto y este tiene que empezar con las propias decisiones de uno. Yo no doy nunca nada por sentado. Intento buscar que el punto de vista sea siempre el del espectador. Si yo me siento a ver el ensayo y me conmociono y lo que estoy viendo me toca, ese es el camino. Lo que busco siempre es la conmoción.

El texto también habla del teatro dentro del teatro. ¿Qué ocurre para que la “ficción” haya tomado tantos visos de “realidad” últimamente?

A mí me molesta profundamente la nomenclatura teatral que usan los políticos. Porque el teatro es otra cosa. Y lo que creo es que los políticos ahora están profundamente sobreactuados. Se han pasado de vueltas. Y ya no es como Hamlet que, de repente, se da cuenta de cuál es el mecanismo que mueve el mundo, es que ellos no saben ni dónde está el mecanismo. Tienen tal revolución cerebral, tal prisa, tal conmoción de los sitios que ocupar que no se dan cuenta de lo que tienen que hacer. Es una vergüenza lo que ha sucedido [con los titiriteros]. Una vergüenza, además, muy sintomática. Es una vergüenza que estos dos profesionales se hayan pasado cinco días en la cárcel y sin fianza mientras luego tienes que escuchar a los que se inventan los cargos para aforarse y no tener que enfrentarse a lo que han hecho. Y luego además entramos en el campo de la libertad de expresión.

Ya lo han dicho. Temen que se les acuse de apología del asesinato por Hamlet.Hamlet

O apología del maltrato de género porque Hamlet en un momento maltrata brutalmente a Ofelia. Imagina que metieran en la cárcel a Irra [Israel Elejalde] que es el que actúa y zarandea y hace llorar a Ofelia. ¿Habría que meter por eso a Irra en la cárcel o a mí como responsable de la puesta en escena? Es que no tiene ningún sentido. Y si no fuera tan dramático, realmente sería patético.  

La política siempre ha mirado con cierta desconfianza a la cultura, pero todo esto tiene un punto delirante y casi surrealista.

Sí, pero este delirio no es un mal de ahora. Yo creo que estamos pagando el mal endémico de este país que siempre ha mirado a la cultura mucho más de reojo que en cualquier otro país. Además, los políticos siempre cambian mucho más tarde que la sociedad y también vivimos unos tiempos en los que parece que la conciencia cívica se despierta y la gente sí tiene ganas de cultura, de ir a los teatros. Nosotros vamos a estrenar Hamlet y tenemos todas las entradas vendidas. Eso habla de que hay gente que quiere entrar en un teatro, que es un lugar siempre de diálogo y para mí eso es lo que me hace ser optimista al respecto.

Por otro lado, ¿cómo observa lo que se ha llamado la nueva política’ También se ha criticado su teatralización.

Los que han venido a regenerar hablan desde una soberbia intelectual. Parece que es lo mismo, simplemente que no están tocados por el mal de la corrupción y por tanto parece que pueden hablar con la boca más abierta y erigirse en algo que todavía no se han convertido.

La compañía Kamikaze lleva varios montajes de éxito en los últimos años. Con mucha afluencia de público (lleno ahora en el Teatro de la Comedia) y premios; sin embargo, usted no se ha cansado de repetir que es casi un lujo poder mantener una compañía de siete actores. ¿Cómo se logra esa supervivencia?

Con un grado bastante grande de compromiso. Kamikaze funciona como un gran equipo y eso es algo que intentamos cuidar. Y lleva a ciertas renuncias en muchos casos porque podríamos estar en otros sitios en los que a lo mejor nos pagarían más, pero decidimos cobrar un poco menos. Hay sitios donde nos contratan antes de ver la función, pero son contados. Y esos son los pocos bolos que salen, por lo que a partir de ahora hay que moverse para tener un grado de funciones a lo largo del mes que nos permita vivir. Porque con cuatro representaciones una compañía no vive. Nosotros, siendo la envidia de muchas compañías porque tenemos muchos bolos, nos están envidiando porque tenemos cuatro-cinco bolos al mes. Claro, en el país de los ciegos el tuerto es el rey, pero eso es lo que somos nosotros.

En otras ocasiones ha comentado la precarización de la cultura en los últimos años y que los actores son mileuristas aunque muchas veces se transmite el mensaje de ‘qué bien viven los artistas’.

Eso es una generalización que forma parte de cómo se mira a la cultura en este país. Cuando los políticos se dedican a criminalizar a los titiriteros al final son un termómetro de lo que opina la población. Es cierto que también hay gente que los ha apoyado, pero hay algunos descerebrados que empiezan con que si vivimos de las subvenciones. Ese concepto que los políticos impulsan muchas veces y que es un desprecio profundo por la cultura y por sus profesionales. Y eso va calando de alguna manera en el imaginario colectivo. También cuando se dice que es gente que no paga a Hacienda, que viven del cuento, que somos millonarios, que cobramos más que nadie. Yo soy empresario porque tengo una productora, que es Kamikaze. A nivel de producción somos Aitor [Tejada] y yo, somos empresarios que tenemos un número de trabajadores contratados y hacemos lo que buenamente podemos para salir adelante.

Por cierto, monta un Shakespeare cuando ha habido críticas por no tratar a Cervantes como se merecía, mientras que en Reino Unido tienen el año plagado de eventos shakesperianos.shakesperianos

Esa es una cuestión que tiene que ver con las instituciones. Si somos un país que no mira con cariño a la cultura es difícil que se cuide el patrimonio. Había un chiste en las redes que decía que mientras Cameron había escrito sobre Shakespeare aquí estamos esperando la semblanza sobre Zidane de Rajoy. Y me parece absolutamente significativo de lo que ocurre. Y así nos luce el pelo.

El Ciclo de programación 'Nueva Escena Valenciana“, con el Sala Russafa ha dado cabida desde el 30 de enero a propuestas de compañías autóctonas de reciente creación, se cierra con una pieza de Kalicnicta Teatre.

Este grupo, integrado por 11 jóvenes actores, se ha creado a raíz de uno de los talleres de interpretación de postgrado de Sala Russafa, destinado a profesionales de las artes escénicas e impartido por Chema Cardeña, director del área docente del Centro Cultural.

Una formación de 7 meses en la que se tocaron diversas áreas y que tuvo como trabajo final El moro de Venecia (Otelo), montaje que formó parte del Festival de Talleres de Teatro Clásico de Sala Russafa la pasada temporada, siempre según un comunicado de la sala.

Gracias a la buena acogida del público, los estudiantes se decidieron a constituirse en compañía y a mover esta obra, que del 27 a 29 de marzo podrá verse de nuevo en el teatro de Ruzafa, antes de salir de gira a ciudades como Sagunto. Un reestreno que coincide con el Día Internacional del Teatro, que el centro cultural celebrará leyendo el manifiesto de 2015 por las Artes Escénicas, escrito por el director polaco Krzysztof Warlikowski.

Toni Lloréns, Jaime Vicedo, Eusebio Játiva, Azucena Abril, Lucía Abellán, Mª José Crespo, María Part, María Part, Fran de la Torre, María Poquet, Patricia Pérez y Sandra Perelló son el elenco de este novedoso acercamiento al texto de Shakespeare, dirigido por Cardeña, en el que se da especial relevancia a la expresión corporal y la danza.

Numerosas versiones, tanto en las óperas de Verdi y Rossini, como en el cine, de la mano de directores como Orson Welles (1952) , Oliver Parker (95) o Hammudi Al-Rahmoun en una película española de 2012, han popularizado esta tragedia shakesperiana. Sin embargo, Cardeña propone un montaje diferenciado, en el que, partiendo de la simbología animal, se recrea un mundo en el que dominan los instintos y emociones más primitivas. Un oso, un caballo o una serpiente, por ejemplo, inspiran la creación de personajes y se reflejan en el modo en que los actores dan vida a Desdémona, Otelo y al resto de personajes que interfieren en esta historia pasional, llena de manipulación e intrigas. Una potente historia, marcada por los celos y la codicia, dos de los sentimientos más irracionales y poderosos, capaces de animalizar a cualquier individuo.

La caída de la hache no decae. No cae. Sube. Y sube. Su y be: sube. No sé por qué. Sí lo sé . O no ser... En fin, es imposible emular a Jordi Oriol jugando con las palabras, exprimiéndolas , saboreándolas en un monólogo... “No , no es ningún monólogo”, nos dirían los músicos (sería un “coñazo”, como se le escapa al clarinetista); un recital... “Ni de coña, hablando de coñazos, dirían ahora; un concierto... ”Tampoco hay que pasarse...“; un cabaret... ”Poco sexy, para un cabaret“...; un discurso... ”Basta, basta...“. La caiguda de l’hac lo es todo: monólogo, recital, concierto, cabaret, discurso pero, por encima de todo, teatro: Jordi Oriol ha escrito un texto memorable (imposible de reproducir, pero memorable) y le da vida con un trabajo impecable como actor de teatro.

El hilo del discurso son las inquietudes de la vida (dicho así uno podría darle la razón al clarinetista... ¡pero no !). El ser o no ser; el sé o no sé... ¡ni idea! Oriol aferra al micro y duda. En voz alta y clara, duda de todo, cual príncipe de Dinamarca. Desde el primer momento, con la complicidad de los otros tres músicos, Sasha Agranov, Oriol Roca y el autor de la música, Jordi Santanach, el actor, autor y director de la obra nos atrapa con la palabra, una palabra aliñada con esta orquesta de cámara (clarinete, batería, chelo) que la hace fluir con ritmo, a veces con fuerza atronadora, a veces con suavidad, otras veces a golpes de monosílabos y, cuando toca (siempre en el momento oportuno), con una mirada pícara, tierna, inocente o insinuante. Una mirada que nos interroga, como para hacernos cómplices del discurso, de la duda, “¿verdad que sí?” O con aparentemente simples movimientos de las manos, de los dedos. O con una repentina caída... del micrófono.

Oriol nos lleva por donde quiere y, al igual que él hace, nos hace disfrutar de las palabras, de su musicalidad por encima de su significado, que siempre puede cambiar con una simple letra: una letra rrrrebelde , como la R, transforma “el mot en moRt” (la palabra en muerte). ¡Ahí queda eso! Él mismo se deja enredar y nos enreda, nos hace reír y nos hace pensar. Dudar. Todo ello es un ejercicio dialéctico que contrapone cosas (palabras) y, sobre todo, dudas, para acabar en una especie de bucle (si es que la cosa tiene un final).

La obra viene de lejos. Y se nota. Cuesta pulir un texto tan travieso, tan inquietante, tan intenso, tan meticuloso, tan enrevesado, tan ... ¡tan, tatachán! De la mano de su compañía, Indio-Gest, Oriol lo estrenó en el festival Temporada Alta de 2007, bajo la dirección de Xavier Albertí y el título La caiguda d’Amlet (o La caiguda de l’hac). Habría que ver este espectáculo una infinidad de veces para capturar todos los matices. En cada una de las ocasiones encontraríamos matices nuevos, nuevas licencias escondidas la vez anterior. De momento, los lunes de enero estará en la sala del Maldà, pero seguro que esta hache seguirá cayendo, cayendo, callando, encallando, encantando... (Imposible imitarlo; disculpadme...)

La caiguda de l’hac no decau. No cau. Puja. I puja. Pu i ja: puja. No sé per què. Sí ho sé. O no ser... En fi, és impossible emular el Jordi Oriol jugant amb les paraules, exprimint-les, assaborint-les en un monòleg... “No, no és cap monòleg”, ens dirien els músics (seria un “conyàs”, com se li escapa al clarinetista); un recital... “Ni de conya, parlant de conyassos”, dirien ara; un concert... “Tampoc cal passar-se...”; un cabaret... “poc sexy, per ser un cabaret”...; un discurs... “Prou, prou...”. La caiguda de l’hac ho és tot. Monòleg, recital, concert, cabaret, discurs però, per sobre de tot, teatre: Jordi Oriol ha escrit un text memorable (impossible de reproduir, però memorable) i li dóna vida amb un treball impecable com a actor de teatre.

El fil del discurs són les inquietuds de la vida (dit així un podria donar-li la raó al clarinetista... però no!). El ser o no ser, el sé o no ho sé... Oriol s’aferra al micro i dubta. En veu alta i clara, dubta de tot, qual príncep de Dinamarca. Des del primer moment, amb la complicitat dels altres tres músics, Sasha Agranov, Oriol Roca i l’autor de la música, Jordi Santanach, l’actor, autor i director de l’obra ens atrapa amb la paraula, una paraula amanida amb aquesta orquestra de cambra (clarinet, bateria, cello) que la fa fluir amb ritme, de vegades amb força eixordadora, de vegades amb suavitat, altres cops a cops de monosíl·labs i, quan toca (sempre en el moment oportú), amb una mirada murri, tendra, innocent o insinuant. Una mirada que ens interroga, com per fer-nos còmplices del discurs, del dubte, “oi què sí?” O amb aparentment simples moviments de les mans, dels dits. O amb una sobtada caiguda... del micròfon.

Oriol ens porta per on vol i, igual que ell fa, ens fa gaudir de les paraules, de la seva musicalitat per sobre del seu significat, que sempre pot canviar amb una simple lletra: una lletra rrrrebel, com la R, transforma el mot en moRt. Déu n’hi dó! Ell mateix es deixa enredar i ens enreda, ens fa riure i ens fa pensar. Dubtar. Tot plegat és un exercici dialèctic que contraposa coses (paraules) i, sobretot, dubtes, per acabar en una mena de bucle (si és que la cosa té un final).

L’obra ve de lluny. I es nota. Costa polir un text tan entremeliat, tan inquietant, tan intens, tan meticulós, tan enrevessat, tan... tant, tataxan! De la mà de la seva companyia, Indi-Gest, Oriol el va estrenar al Temporada Alta del 2007, sota la direcció de Xavier Albertí i el títol La caiguda d’Amlet (o La caiguda de l’hac). Caldria veure aquest espectacle una infinitat de vegades per capturar tots els matisos. En cadascuna en trobaríem de nous, noves llicències amagades la vegada anterior. De moment, els dilluns de gener a la sala del Maldà, però a ben segur que aquesta hac seguirà caient, caient, callant, encallant, encantant... (Impossible imitar-lo; perdoneu...)

Arriaga Antzokiak euskarazko lehenengo 'Hamlet' aurkeztuko du. Aurreneko aldiz, ekoizpen batek euskaraz heldu dio Shakespeareren drama famatuari, obra hau mende honetan eta euskal esparruan kokatuz. Euskarazko antzerkiaren aldeko aurrerapauso hau Artedrama, Le Petit Théâtre de Pain eta Dejaburi esker iristen da, horiexek baitira drama eguneratu honen ekoizle eta antzezleak

Ximun Fuchsen zuzendaritzarekin, Xabier Mendiguren arduratu da obra hau egokitzeaz Shakespeare handiak sortutako mitoa berriro interpretatzeko. Bertsio hau gaur egungo gizartearen arazo eta ezaugarriei egokiturik dago, izan ere Skakespeareren lana ez da klasikoa zaharra delako, baizik eta, oroz gain, urteak igaro arren irakurketa berriak iradokitzen dizkigulako. Gure garaiko ‘Hamlet’ honekin, eszenatokira Maika Etxekopar, Ainara Gurrutxaga, Miren Tirapu, Manex Fuchs, Ander Lipus, Urko Redondo eta Iñaki Ziarrusta igoko dira.

Bira Luze Bat

Arriaga Antzokira iritsi baino lehen muntaketa hau Harri Xuri –Luhuson (Lapurdi) eta Azpeitian aurkeztu da. Azaroaren 7tik 10era bitartean ikuskizuna Donostiako Gasteszenan ikusi ahal izango da, eta Larresoro (azaroaren 11n), Hendaia (azaroaren 14an), Hazparne (azaroaren 15ean), Kultur Leioa (azaroaren 16an) eta Durangon (azaroaren 17an) jarraituko du gero. ‘Hamlet’en bira 2014ko apirilara arte luzatu da eta 22 herritara helduko da.