10 años no son nada, pero dejan mucho. Prueba de ello es la trayectoria de Cibeles de Cine, que cumple una década en Madrid volviendo a regalar una programación variada que le sitúa como una referencia en las pantallas veraniegas de la capital. Este año no será menos, y volverá a concentrar grandes estrenos y clásicos imperecederos en la Galería de Cristal, junto a la sede del Consistorio de la capital.

Será del jueves 26 de junio al jueves 11 de septiembre, cada día salvo el 5 de julio. Este evento cinematográfico, cita imprescindible para las noches de verano de la capital, está organizado por CentroCentro e ideado y producido por la compañía mk2. Durante 12 semanas, los espectadores podrán disfrutar de una programación muy especial, pensada para todos los públicos y compuesta por más de 70 títulos.

Dentro de la programación de esta décima edición de Cibeles de Cine se han seleccionado desde los grandes éxitos de taquilla de la temporada (Anora, Wicked, Los pecadores, The Brutalist, Emilia Pérez, La sustancia), hasta lo mejor del cine independiente (Aún estoy aquí, Por todo lo alto, Flow, Parthenope), pasando por esperados títulos de estreno (La trama fenicia, Fórmula 1, Materialistas) y cine de culto de los 70, 80 y 90 como Annie Hall, Dirty Dancing, Pulp Fiction). También se proyectarán las películas españolas más premiadas del año (Sorda, La infiltrada, El 47, La habitación de al lado o Sirat), a través de sesiones especiales con presencia de parte del equipo.

Los clásicos tendrán su espacio los domingos en el ciclo TCM Nights con películas tan icónicas como Dos en la carretera, Desayuno con diamantes o West Side Story. Además, se conmemorarán los aniversarios de títulos tan imprescindibles en la historia del cine como La quimera del oro de Charles Chaplin (100 aniversario), El crepúsculo de los dioses de Billy Wilder (75 aniversario), El apartamento, también de Billy Wilder (65 aniversario), Tiburón de Steven Spielberg (50 aniversario) o Deseando Amar de Wong Kar-Wai (25 aniversario). Y se rendirá homenaje al cineasta David Lynch, fallecido a principios de año, con la proyección de la icónica Mulholland Drive.

Y como ya es habitual, los sábados serán los días elegidos para disfrutar en familia con películas como Lilo & Stitch, La princesa prometida, Cómo entrenar a tu dragón, Vaiana 2 o Robot Salvaje. Las sesiones Sala Glamour (Maria Callas, La sustancia, Anora, Dirty Dancing) contarán con un coloquio previo a cargo del equipo de la citada revista femenina e invitadas como Cristina Trenas, Marina Salas, Jimina Sabadú, Denisse P. Molina, Martín Cuervo o Ariane Hoyos.

La programación se completa con Pop Icons, una exposición aérea de ilustraciones de retratos de estilo pop de grandes iconos del cine a cargo de la artista francesa Flore Maquin, quien ha trabajado con Universal Pictures, Paramount Channel, The Hollywood Reporter o el Festival de Cannes, y quien ha diseñado el cartel de esta décima edición.

Algo hay en el aire que hasta Wes Anderson lo huele. Los tiempos apestan a caos, a guerra, a capitalismo, a individualismo. Al sálvese quien pueda. A empresarios que siempre ganan. Un ambiente tan enrarecido se tenía que impregnar hasta en el cine esteta y de cuento del director de Moonrise Kingdom. Sus fábulas modernas, preciosas pero muchas veces vacías, ahora han cogido un giro que nunca se pensó que aparecería. Lo hace en su nueva película, La trama fenicia, que no nos engañemos, cumple a rajatabla todas las leyes del universo wesandersiano. Personajes de cartoon, estética simétrica, una dirección artística fascinante y ese humor tan peculiar. 

Pero si normalmente sus historias se centran en el amor, la familia y los traumas personales, aquí se escuda en una imposible historia de espionaje empresarial con un protagonista (magnético Benicio del Toro) que es un ejecutivo conocido por sus trapicheos en los negocios. 'Mr. 5%' le llaman por las famosas mordidas que mete en cada asunto que trata. Muchos de ellos con países de oriente medio. La trama fenicia consiste en los tejemanejes que quiere realizar el empresario para cerrar un último pelotazo, y también —la familia siempre presente en sus películas— para hacer las paces con su hija, una monja a la que quiere dejar el negocio cuando él muera (intuye que quieren asesinarlo) y que interpreta Mia Threapleton, hija de Kate Winslet.

Así, el empresario avaricioso acabará, en la fábula de Wes Anderson, abanderando un cambio de paradigma y abogando por la abolición de la esclavitud, la subida de los salarios y el bien común. Todo por el perdón de su hija, pero de repente esa historia ambientada en los años 50 se convierte en algo tremendamente contemporáneo y hasta político. 

“Hicimos esta película antes de las elecciones de noviembre”, responde Benicio del Toro cuando elDiario.es le pregunta por esos vínculos en el pasado Festival de Cannes, donde se presentó —como es habitual— la película de Wes Anderson antes de su estreno en salas. Sus referentes eran otros nombres. “Un magnate multimillonario llamado Calouste Gulbenkian, armenio de principios del siglo XX, Onassis, películas como Ciudadano Kane”, confiesa.

Pero sabe que al ver la película en el contexto actual, “se está viendo con otros ojos”. “La película ha tomado una nueva forma, pero realmente no es nueva. Lo que me gusta de la película es que tiene muchas capas. Hay muchos arcos argumentales. El de mi personaje habla de que, a pesar de lo odioso que es al principio, hay esperanza para el cambio. Creo que la gente puede cambiar. No todos, pero creo en el cambio. Tal vez haya algo de esperanza para las personas que están en el poder tomando decisiones. Quizás hay esperanza de que hagan algo bueno”, explica.

Más contundente se muestra su compañero de reparto Jeffrey Wright, otro de los habituales de Wes Anderson desde que se incorporara a la troupe del cineasta con La crónica francesa. Para el actor, lo “fascinante” del universo del autor es que “aunque vive profundamente en su imaginación y sus películas lo reflejan, siempre hay algo muy cercano a la actualidad”. “Es un universo fantástico y, al mismo tiempo, maravillosamente actual. No sé cómo lo logra. Creo que esta película lo logra”, valora. 

Para él, en La trama fenicia hay “una exploración de muchas cosas”, entre ellas “el poder, el materialismo, la ambición y el capitalismo, además de los temas más personales”. “Ciertamente, estamos experimentando fuera del cine esta especie de explosión de capitalismo desenfrenado, descontrolado, implacable y despiadado, al menos en EEUU, y eso es relevante y la película lo refleja”, subraya.

Estamos experimentando esta especie de explosión de capitalismo desenfrenado, implacable y despiadado, al menos en EEUU, y la película lo refleja

Jeffrey Wright — Actor

Comparte esa visión de que Wes Anderson consigue hablar del presente desde su colorido mundo Riz Ahmed, el actor de Sound of metal o la serie The Night of, que debuta con el cineasta y que, aunque aclara que Anderson se basó en su suegro para el magnate que interpreta Benicio del Toro, el hecho de que ambiente su película en los años 50 hace que “se pueda ver el presente con mayor claridad”. 

“Muchas de las cosas que consideramos problemas actuales, como la inestabilidad política, los intentos fallidos de cooperación internacional, países que intentan adaptarse a la modernidad a la vez que preservan su tradición, son problemas que han existido durante mucho tiempo. La gente dice que esta película podría ser una crítica sobre algunos de los magnates y mandamases de la industria que dominan nuestro mundo actual. Creo que hay algo muy esclarecedor en mirar el presente a través de la lente del pasado. Y también algo tranquilizador, porque nos hace ve que ya hemos pasado por esto antes. Nos invita a aprender lecciones del pasado también”, apunta.

Hasta el propio Wes Anderson se mojó, un poquito, en la rueda de prensa de La trama fenicia en Cannes cuando le preguntaron por uno de los temas que centró el festival: los aranceles. “No soy experto en esa área de economía, pero ¿un arancel del 100%? Me parece que eso significa que Trump se va a quedar con todo el dinero, ¿y qué obtenemos entonces?, ¿pueden retener las películas en la aduana? Creo que no se envían de esa manera. Quiero saber los detalles, así que no daré una respuesta oficial”, dijo con ironía pero demostrando que, como dice su película, al final en algún momento todos tienen que actuar para cambiar las cosas, hasta los empresarios que meten mordidas del 5%.

Durante el verano de 2021, una troupe de ‘forasteros’ colonizaron de forma temporal Chinchón. No era un grupo de amigos cualquiera, sino que entre ellos estaba Tom Hanks, Scarlett Johansson, Adrien Brody y otras tantas estrellas de Hollywood comandadas por el jefe de todo aquello, Wes Anderson. El director, dueño de una de las puestas en escena más reconocibles e imitadas del cine actual, eligió Chinchón como centro neurálgico para rodar Asteroid City, su último filme que se estrena este fin de semana en cines tras presentarse en el pasado Festival de Cannes.

Un homenaje a los dramaturgos de los años 50, a la ciencia ficción clásica y al cine del oeste que se rodó en un descampado a pocos kilómetros de la localidad madrileña. Los vecinos del lugar que acudan a ver la película descubrirán que de Chinchón no se ve nada. Ni su reconocible plaza mayor ni sus hermosas calles. Sabrán que es Chinchón porque se lo han dicho, por los meses con extremas medidas de seguridad y por los innumerables técnicos españoles que aparecen en los créditos. Anderson, que reside en Francia y que teme a los aviones, eligió España por sus cielos azules y, cómo no, por sus incentivos fiscales, como reconocían sus productores en una entrevista con Screen Daily.

Allí, en un descampado, construyeron de la nada un poblado donde todo era de verdad. A Anderson no le gustan los efectos digitales, y levantaron un hostal, una gasolinera, un restaurante y cantidad de elementos con los que los intérpretes interactúan en la ciudad ficticia de Asteroid City. Mientras tanto, todos se quedaban como una familia conviviendo a pocos kilómetros. Los que ya conocían el método andersoniano no se sorprendían con la experiencia comunal de cenar juntos, cantar y establecer una especie de campamento. Los nuevos ya quieren repetir.

Desde el Festival de Cannes, el reparto de la película explicaba la inolvidable experiencia de haber salido de Hollywood poco después de que EEUU abriera las fronteras tras la pandemia. Hope Davis define el rodaje como “increíble”. “Me hizo darme cuenta de que hay muchos lugares maravillosos para vivir y escapar de EEUU, como Chinchón”, recuerda la actriz que define el pueblo como “hermoso”, a la gente como “maravillosa” y, cómo no, a la comida como “increíble”. “Los años que hemos pasado en EEUU han sido muy tensos, y el ritmo de vida en Chinchón era otra cosa”, añade.

Uno de los más veteranos en el equipo de Wes Anderson es Jason Schwartzman, que ya ha trabajado en ocho ocasiones con el director y que da más señas sobre el rodaje. “Se construyó todo el decorado encima de un huerto de sandías, pero ninguna sandía fue dañada durante el rodaje”, dice riendo pero dejando claro que no aplastaron la cosecha. “Espero que la temporada de cultivo sea buena ahora… Seguro que lo es. Espero que sea así”, dice el actor con su habitual sarcasmo. “Wes tiene un ojo muy bueno para ciertas cosas, y una de ellas es las localizaciones. Fue todo muy auténtico. Todo se construyó, y eso ayudó a encontrar la verdad en ese universo en el que interpretábamos. Hizo que fuera más fácil meternos en los personajes. 

Schwartzman nunca había trabajado en una película en la que hasta las perspectivas que se aprecian en la pantalla estuvieran ya creadas a través del atrezo y los decorados. “Era como si fuera Willy Wonka, porque era más alto que los postes de teléfono que había. Es un ingeniero de la artesanía. Era un entorno real pero falso, era algo extraño. Era América en los 50 pero en España en una plantación de sandías”.

Wes tiene un ojo muy bueno para ciertas cosas, y una de ellas es las localizaciones. Fue todo muy auténtico. Todo se construyó, y eso ayudó a encontrar la verdad en ese universo

Jason Schwartzman — Actor

No solo rodaron en un descampado, sino que la parte que simula un antiguo teatro, rodada en blanco y negro, se realizó “en una fábrica donde almacenaban ajo”. “Había cierto olor, pero tenía su encanto. Si no sabías dónde estaba el set podías encontrarlo fácilmente”, dice otra vez riendo. Cuando se le cuenta que Victoria Beckham se convirtió en la mujer más odiada del momento por decir que España olía a ajo, recoge cable y asegura que lo dice hasta como un halago. “No, no, a mí me encanta el ajo. Soy Mr. Ajo”, dice para zanjar el tema y no meterse en un charco involuntario.

Las fiestas en el Parador

Jason Schwartzman desvela dónde se ubicó el cuartel general del equipo de la película. Fue en el Parador de Chinchón, “a 30 minutos del rodaje”. Un sitio que se convirtió en su casa, y donde, siguiendo el código de buenas prácticas de cualquier rodaje de Anderson, se convivía y cenaba como si fuera un grupo de jóvenes en una casa rural de fin de semana. Para Bryan Cranston esta película le ha mostrado “la dualidad del trabajo”. Por un lado la parte “dura y desafiante” del rodaje. Por otro “estar en compañía de esta gente y las cenas familiares que había todas las noches”. 

El actor de Breaking Bad desempolva una de las veladas más divertidas de todas, en la que él pidió si podía “organizar una noche de tacos” en vez de sentarnos a la mesa como a Wes Anderson le gusta. El director le dijo que por supuesto, y Cranston tomó la iniciativa: “Me traje mi mezcal y ahí estaba, agitando margaritas y palomas. Wes vino y me dijo que estaba disfrutando de la fiesta pero que tenía que irse a la cama y trabajar en las cosas del rodaje de la mañana siguiente. Así que subió a su habitación, pero había un balcón que daba a donde estábamos nosotros, y yo estaba temblando y miré hacia arriba y le vi abrir las puertas del balcón, salir y mirar hacia el patio donde estaba todo el elenco y el equipo divirtiéndose. Se apoyó en la barandilla y recuerdo que estuvo allí durante unos 12 minutos, simplemente sonriendo y mirando hacia abajo y viendo lo que él había creado. Trajo a toda esta gente allí y todos lo estaban pasando muy bien y eso lo puso muy feliz. Fue una cosa tan hermosa”.

En Asteroid City hay apariciones especiales como la del músico Jarvis Cocker, que se convirtió en parte de aquella troupe y amenizaba las veladas y las sesiones de rodaje. Esa es otra de las cosas que sigue sorprendiendo a los actores de las películas de Anderson, que cuando menos te lo esperas aparece alguien que no imaginabas. “Llegué un día y Francis Ford Coppola estaba sentado en la mesa. Me senté y tomé un café con él”, recuerda Adrien Brody y explica la anécdota. Uno de los colaboradores de Anderson y coguionista de Asteroid City es Roman Coppola, sobrino del director y gran amigo de Brody. 

El encuentro casual fue algo emocionante para el actor. “Trabajé con Francis en mi primera película. Hice un cásting para Historias de Nueva York, cuando yo tenía 12 años y fue algo único. Suma eso a esas cenas nocturnas con toda esta gente, maravillosos intérpretes a los que admiro, y con Wes, con Robert Yeoman —el director de fotografía—, con los que llevo 15 años trabajando y que son gente maravillosa”, opina.

Nadie está sentado con su móvil entre tomas o solo en su caravana por la noche. Era como una especia de compañía de teatro

Hope Davis — Actriz

Una de las novatas del grupo es Maya Hawke, hija de Ethan Hawke y Uma Thurman y una de las estrellas de Stranger Things. Hawke se sintió un poco “intimidada los primeros días”, sintiéndose como “el nuevo niño”. “Me acuerdo que alguien me dijo, esta noche hay cena y te sentarás en esta mesa y tienes que estar a esta hora. Llegué y no había nadie. Poco a poco la gente fue llegando y era muy difícil decidir dónde sentarse porque no querías estar en el lugar equivocado, pero muy rápidamente me di cuenta de que todas estas personas tenían tanta curiosidad por mí como yo por ellos. Aprendí mucho de todas ellas. Fueron unos momentos maravillosos”, dice y deja claro que repetiría con Anderson.

Ese es otro de los secretos del director. Todos quieren repetir con él. Rupert Friend tiene claro por qué es. En una industria donde todo son estrellas, divas y divos, aquí se encuentra “el tipo opuesto al director llevado por el ego, que hace trucos, que divide y conquista, que es punitivo y que entierra al actor bajo esa energía”. También es una bajada a la realidad a los actores. Hope Davis avisa. Si eres una estrella que no quiere relacionarse con nadie, estar todo el día con tu móvil y meterte en tu caravana, no ruedes con Wes Anderson: “Nadie está sentado con su móvil entre tomas o solo en su caravana por la noche. Era como una especie de compañía de teatro. En el cine hay personas que no salen de su tráiler o llegan una hora tarde a rodar y hacen que todo el equipo este parado, con los actores listos. Eso no ocurre aquí”. Una camaradería extraña, construida de la nada en un descampado de Chinchón y que es un oasis en un Hollywood donde esto es impensable.

A lo largo de su obra previa, Wes Anderson no se ha interesado demasiado por el periodismo. Cuando lo ha hecho, no obstante, ha sido suficiente para percibir que era algo importante para él, o que al menos le merecía una fuerte reacción, capaz de dialogar con sus inquietudes recurrentes. El mejor ejemplo lo encontramos en la que con toda probabilidad es su mejor película, Fantástico Sr. Fox, producción animada que adapta a Roald Dahl tomándose múltiples licencias. Por ejemplo, cuando el zorro protagonista deja atrás sus actividades depredadoras para formar una familia y abrazar, sí, el periodismo, ser convierte en columnista. El guion de Anderson y Noah Baumbach no duda en hacer mofa del intento del señor Zorro por ser alguien que no era.

El periodismo, entonces, no constituía tanto una impostura como, vinculándolo al tema principal de la película, una garantía de civilización. Fantástico Sr. Fox narra la trágica historia de un animal que deja atrás su naturaleza primigenia para abrazar una humanidad que echa a perder sus instintos y hace peligrar su rol como defensor y proveedor familiar. Escribir cada semana un articulillo de opinión se antojaba ridículo e inoperante cuando los suyos corrían peligro, y este malestar existencial entronca fácilmente con el catálogo restante de personajes de Anderson: seres que no se encuentran cómodos en su propia piel, que se engañan a sí mismos, que intentan proyectar una imagen tan cuidadosamente falsa y manufacturada como el estilo visual de este director texano. El periodismo apuntaba a ser, por tanto, una puerta de entrada a esa socialización finalmente ingrata, algo así como un pacto colectivo que domestica subjetividades.

Teniendo esto en cuenta, era inevitable acercarse a la décima película de Wes Anderson con suspicacia. El firmante de La crónica francesa es consciente de cómo el periodismo, sobre todas las cosas, nos sitúa en la sociedad y nos perfila como grupo, pero teniendo en cuenta que esta sociedad siempre ha sido mostrada en su cine como algo conflictivo y asfixiante, no cabía esperar una reflexión optimista sobre él. O, al menos, una reflexión con interés por lo material. Fue quedando claro cuando La crónica francesa apenas tenía terminado el guion, y Anderson se refirió a la temática que trataba con una desgana elocuente: “No es una película sobre la libertad de prensa”, aclaró, “pero cuando se habla de los periodistas supongo que también se habla de lo que ocurre en el mundo real”.

Los mundos de Wes

Más o menos desde Academia Rushmore, su segundo largometraje, el desinterés de Wes Anderson por la realidad aprehensible ha ido trascendiendo el guion para contagiar su puesta en escena al completo. Los delirios de los protagonistas de su debut Bottle Rocket se chocaban contra las carencias de nuestro mundo, pero este no dejó de mutar en las películas posteriores para adecuarse a los delirios susodichos y reflejar la insatisfacción de un modo distinto, que acabó consagrando a Anderson como uno de los autores más reconocibles de su generación. Planos cuidadosamente simétricos, de colores exquisitos, con una tipografía concreta y afloración de temazos de la invasión británica: Anderson había diseñado un mundo a su medida en el cine, definido por un control absoluto de lo que en él sucedía que, paulatinamente, iba marcando distancia frente a los espectadores.

Quizá podamos distinguir dos puntos de inflexión en esta huida de la realidad. En primer lugar, cuando Fantástico Sr. Fox le reveló que la animación era el medio idóneo para exacerbar este control y le motivó a repetir jugada en Isla de perros. Y en segundo, muy emparentado con La crónica francesa, cuando El Gran Hotel Budapest refrendó este ensimismamiento utilizando una narrativa al estilo “muñeca rusa”: una historia dentro de una historia dentro de una historia, con varios interlocutores contando lo que otros interlocutores les habían contado previamente.

La superposición de puntos de vista estrechaba los márgenes de la ficción central, transformándola en algo pequeño y constreñido —la maqueta convirtiendo “el gran hotel” en una cápsula— donde Anderson, más que nunca, podía disponer de sus personajes a placer. El mundo de Wes era, pues, una maqueta diminuta, cuya pequeñez intensificaba la claustrofobia de sus habitantes sin que pudieran hacer nada para escapar. Y quien dice personajes, dice la posibilidad de una narración mínimamente interesada por lo que ocurría fuera de la maqueta.

Así llegamos a La crónica francesa, ambientada en un escenario aún más pequeño como es el último número de una revista. La Crónica Francesa de Liberty, Kansas Evening Sun, una publicación estadounidense que se ocupa de la actualidad francesa gracias a la localización de su oficina en la ficticia ciudad de Ennui-sur-Blasé. La nueva película de Wes Anderson nos propone una lectura en clave audiovisual de este número de despedida, con sus textos cobrando vida y destacando tres reportajes a modo de historias independientes que ocupan la mayor parte del metraje de La crónica francesa. En este sentido, y frente a la sensación de gratuidad que exhibía la enrevesada diégesis de El gran hotel Budapest, el emplazamiento de La crónica francesa es más sofisticado y posee un encanto indudable, invitándonos a contemplar las portadas del kiosco como puertas de entrada a mundos enigmáticos, polifacéticos y llenos de interés. Claro está, no cualquier publicación valdría para un empeño así —o para una película de Wes Anderson que los fans reconocieran como suya—, y la elección del modelo también resulta enormemente reveladora.

La Crónica Francesa viene a ser el álter ego del famosísimo New Yorker, de casi un siglo de antigüedad. Fundada por Harold Ross (clara inspiración del personaje que encarna Bill Murray) y Jane Grant, esta publicación se ha erigido durante décadas como un referente del periodismo inquisitivo, también pudiendo ser entendido este como un ejercicio rabiosamente literario y estético. Las firmas de las que ha presumido durante su trayectoria —de Salinger a Hemingway pasando por Capote o Arendt— lo confirman tanto como el cuidadoso envoltorio que ha acompañado sus escritos.

El New Yorker tiene un look propio, desde esas caricaturas que han ido más allá de las páginas hasta una tipografía concreta, y la totalidad de su armazón conceptual otorga distinción a quien lo adquiere. Si pensamos en el New Yorker pensamos, con total seguridad, en imágenes atractivas. Por supuesto que Wes Anderson es un orgulloso suscriptor, y por supuesto que La crónica francesa lo homenajea de arriba abajo. Olvidando, oportunamente, el periodismo en sí.

La mirada fetichista

Es decir, La crónica francesa no olvida el periodismo, pero sí su energía sociopolítica. El viaje que nos propone a las páginas de un suplemento está tan marcado por el regodeo en su belleza plástica como por la asunción de que esta está llamada a desaparecer, víctima de la digitalización —de la que también ha sido objeto el New Yorker, por otra parte— y de la consecuente desaparición de los kioscos. Por supuesto, Anderson no apela directamente a este asunto —eso significaría molestarse en poner los pies en la tierra por una vez—, pero se antoja obvio desde el aire melancólico y el abundante blanco y negro que baña la película, presentándonos situaciones únicamente posibles en una era analógica e inocente. Tampoco es de recibo calificar la mirada de Anderson como reaccionaria, sin embargo, ya que su ímpetu es exclusivamente estético y está marcado por la misma pulsión que se ha adueñado de toda su filmografía según se consolidaba su desdén por el mundo y el pacto social: el fetiche.

El espíritu fetichista de la filmografía de Wes Anderson también tiene un punto de inflexión, correspondiente a cuando utilizó la India al completo como paño de lágrimas para sus protagonistas blancos en la espantosa Viaje a Darjeeling, y constatado alegremente a través de esa ejemplar dosis de orientalismo destilado que es Isla de perros. La crónica francesa, quizá por lo acotado de sus márgenes, es algo menos irritante que los títulos mencionados, e incluso se las apaña para acicalarse con un poco de honestidad extra.

No solo por el legítimo esfuerzo de que alguien quiera homenajear la revista que baja a comprar cada semana, sino también por cómo su otro gran referente forma parte inseparable de la educación cultural y sentimental de Anderson: la admiración por 'lo francés' que se reconoce plebeya, expresada por un texano que contempla maravillado Europa. Ya ocurría en El gran hotel Budapest con respecto a la obra de Stefan Zweig, pero La crónica francesa amplía más el tiro, y enfatiza mucho mejor los elementos que siempre han formado parte de la filmografía de Anderson, hasta el punto de que no sea descabellado considerar este último film como una “obra compendio”: una síntesis absoluta de lo que ha sido su cine, refrendada por la ausencia de un guionista que no sea él mismo.

El cine de Wes Anderson siempre ha estado muy influido por la Nouvelle Vague y por François Truffaut, hallando en el gran héroe de la obra de este último, Antoine Doinel, un espejo perfecto para sus personajes desubicados e inmaduros. Doinel, interpretado por Jean-Pierre Léaud desde Los cuatrocientos golpes, es cada joven que busca su lugar en el mundo con una mueca entre la superioridad y el analfabetismo emocional, y posiblemente nunca ha encontrado un epígono tan apropiado en nuestro tiempo como el rostro de Timothée Chalamet. Este actor protagoniza el segmento más interesante de La crónica francesa, por cómo articula al completo la propuesta política (o antipolítica) de Anderson.

Revisiones de un manifiesto nos lleva a las revueltas estudiantiles del mayo del 68 francés, donde se desplaza una periodista encarnada por Frances McDormand (inspirándose, a su vez, en la Mavis Gallant que cubrió estos acontecimientos para el New Yorker). Gracias a la implicación de la periodista y a la inmadurez del líder que interpreta Chalamet, el discurso revolucionario del movimiento es totalmente desacreditado, y no precisamente atendiendo a las críticas de índole feminista que han releído mayo del 68 en años posteriores: el esfuerzo de estos chavales es ridículo simplemente porque quieren cambiar su mundo desde una hipocresía que el egoísmo y los dramas románticos desmantelarán.

Mayo del 68 antecedió por muy poco el estreno de Besos robados, tercera aventura cinematográfica de Antoine Doinel. Y si bien Doinel ya bastante tenía en esta película con sobrevivir y encontrar el amor, el cobarde escepticismo de Anderson ante un verdadero cambio social —ante la noción de lo social como algo positivo o en camino de estarlo— contrasta con el propio rol desempeñado en aquella época por Truffaut, apoyando a los manifestantes e incluso movilizándose para que el Festival de Cannes no se celebrara. Prueba última de que Anderson, abismado en la superficialidad y el descreimiento, ha terminado siendo incapaz de corresponder a la actitud de sus ídolos, y de ofrecer una visión del periodismo que vaya más allá de lo cuqui.

El imaginario de Wes Anderson no tiene límites. Y si los tiene, todo parece indicar que es probable que nos los alcance en esta vida. En su particular visión del universo cinematográfico en stop-motion, algo se le removió en su inescrutable cerebro creador cuando ‘Fantástico Sr. Fox’ rescató la mejor esencia de la literatura infantil de Roald Dahl. Ese zorrito doblado por George Clooney encandiló a medio planeta, mientras el otro medio se quedó pensando en si realmente eso era un cuento para niños. Es decir, igual que con sus películas de no animación. Porque la capacidad de la cara pasmada (animal o humana) mirando al frente o de perfecto perfil y sus juegos de simetrías son los mismos.

¿Qué ha ocurrido con ‘Isla de perros’? Para empezar es una historia original de Anderson -que obtuvo el Premio al Mejor Director en el pasado Festival de Berlín- junto con Roman Coppola, Junichi Nomura y Jason Schwartzman. Un guion a cuatro bandas que viaja hasta Japón para contarnos una distopía delirante en Megasaki City, cuyo alcalde, procedente de una saga milenaria que odia a los perros, decide exiliar a todos estos animales a una isla que es un vertedero, bajo argumentos falsos y manipulación informativa de las masas. Allí, los perretes sobreviven como pueden: mal. Pero el destino de todos ellos cambiará con la llegada inesperada de un niño que quiere recuperar a su mascota.

La pasión perruna se desata entonces en cada escena de la película. Wes Anderson no solo retrata a diferentes variedades de canes con una maestría asombrosa sino que construye en esa isla un universo portentoso de paisajes infernales y desolados. Con la visión de la metrópoli siempre en el horizonte, ese pedazo de tierra alberga no solo millones de toneladas de basura, sino ciudades industriales abandonadas, reflejo de un pasado siniestro que los protagonistas convierten, no obstante, en una aventura llena de humor y triste sarcasmo.

Los “sellos de calidad” de Anderson

En paralelo, se sucede la vida sin perros en la ciudad. Allí hay una pequeña resistencia que todavía quiere que los canes regresen en base a la revolución científica. Hay en este bloque algunos sellos de calidad del cineasta que han sido interpretados por muchos críticos como altibajos en la narración, pero que no son más que estampas del universo japonés, de su cultura y de la estructuración de varios detalles. De hecho, la película necesita más de un visionado para captar los múltiples guiños a su gastronomía, su arte, sus haikus y su concepción de la vida y la muerte. Todo eso por si no han quedado ya claras las referencias con los fabulosos tambores que retumban en la banda sonora del genio Alexandre Desplat.

¿Es una película para niños? Es probable que no. También es probable que sí. Wes Anderson no es ‘mainstream’ ni para sus chistes. A veces incluso parece que lo intenta, pero no le sale. Algo que da absolutamente igual. Para eso ya tenemos otras grandes productoras como Pixar que nos rompen las barreras sentimentales por muchos apuntalamientos que pongamos.

Lo que le sale a este mago de la fricada es animalismo a más no poder reflejado en los ojos fijos y abrumados de sus perros; y también humanidad a raudales en su mensaje de amor universal. Raruno, pero universal. Pocos lo consiguen así. Y así nos gusta y enternece.

La fusión de la obra de Wes Anderson y la música en directo de Raül Refree dará comienzo, en el Teatro Circo de Albacete, al XX aniversario de Abycine, el Festival Internacional de Cine de Albacete, que éste año se celebrará del 18 al 28 de octubre de 2018. Es la nueva apuesta del proyecto Laboratorio de Creación, producido por el propio festival y que ya se ha convertido en una de sus señas de identidad.

Lo que se ofrece es una reinterpretación en directo de la banda sonora de una película o filmografía mítica a cargo de una banda o músico de indie-rock nacional. En otros ediciones, músicos como Lagartija Nick, Los Pilotos o Paco Román de Neuman han homenajeado entre otros a Luis Buñuel, Hayao Miyazaki o a Terrence Malick.

Refree estará acompañado en el escenario por Susana Hernández, más conocida como Ylia, interpretarán en directo una banda sonora “única” para un montaje de la filmografía de Wes Anderson realizado en exclusiva para la ocasión por el creador albaceteño José Manuel Borrajeros, programador de Abycine, además de responsable audiovisual del espectáculo.

El cine de Wes Anderson se ha logrado situar en un espacio “singular” de la cinematografía contemporánea, gracias a sus constantes estéticas y su elegante personalidad visual que hacen del director norteamericano un creador “único” que ha abanderado “como pocos” la filosofía del cine independiente de la última década, marcando un estilo narrativo tan genuino como maravillosamente estético. “Tal es así, que el propio Martin Scorsese afirmó de él que se convertiría en su sucesor más inmediato”, recuerdan desde Abycine.

El músico y productor Barcelonés Raül Refree, compositor de algunos de los discos más interesantes de la actualidad y productor de artistas como Christina Rosenvinge, Lee Ranaldo, Silvia Pérez Cruz, Kiko Veneno y Rosalía, pondrá música a ese universo vintage de simetría escrupulosa y perfecta, slow motion, miniaturas, personajes de fantasía, localizaciones encantadas, familias rotas y colores pastel, de uno de los directores de culto favoritos del cine moderno, que acaba de anunciar como su próximo proyecto un musical situado en la Francia de la post guerra.

El cine de Wes Anderson es también el protagonista del cartel de la XX edición de Abycine. Un fotograma de 'Moonrise kingdom', con Llaneia, la mítica muñeca manchega icono del festival, convertida en Susy Bishop, es la imagen que este año representará al festival en un aniversario cargado de contenidos de cine, música y cultura que iremos desvelando en los próximos días.

- Título: Isla de perros (Isle of dogs), 2018

- Dirección: Wes Anderson

- Guión: Wes Anderson (basado en una historia de Roman Coppola, Kunichi Nomura, Jason Schwartzman y Wes Anderson) 

- Reparto: Bryan Cranston, Liev Schreiber, Edward Norton, Scarlett Johansson, Greta Gerwig, Bill Murray, Jeff Goldblum (voces)

Wes Anderson jamás decepciona. Es lo primero que debemos decir, sin dar rodeo alguno. Hablamos de un director con una visión tan auténtica, propia y original que cualquiera de sus proyectos siempre será infinitamente bienvenido. Más aún cuando decide volver a apostar por este estilo tan peculiar de animación como canal para expresar su historia. Su resultado es de matrícula.

Con un guión inocente que deja entrever el maravilloso trabajo habido detrás, Isla de perros es una preciosa, emotiva y simpática historia acerca de la consideración de los canes como muchísimo más que meros animales de compañía. Algo que parece obvio y que debería ser fácil conseguir trasmitir sin esfuerzo pero que sigue siendo meritorio a la hora de contagiar al espectador, de introducirlo en su universo. Es quedar a merced de lo que el director quiera y necesite de nosotros. Incluso más que con su anterior trabajo de animación, El fantástico Sr. Fox, también sobresaliente y de comparación inevitable, que, sin embargo, buscaba más la comedia que la empatía. Isla de perros va muchísimo más lejos, dando personalidad a cada uno de los protagonistas caninos muy por encima de los humanos. Se agradece el cambio de perspectiva sin caer en el infantilismo.

El humor de Anderson no se oculta para nada en esta cinta, llegando a ser impactante en esas escenas que separan este filme de una película de animación e infantil al uso. Que las hay, aunque introducidas de una manera tan natural, que representan a la perfección lo que significan realmente: momentos que son han sido parte de nuestro mundo, de nuestra propia historia.

Isla de perros consigue que nos emocionemos, que riamos, que saquemos nuestro lado más humano, pues no hay nada más compasivo que el comportamiento de muchos animales. Una pena que actualmente la ecuación también resulte a la inversa. De eso nos habla la cinta: de la sistematización e infravaloración por parte de los hombres de unos animales que muchas veces tienen una motivación y una personalidad más digna, de sobra, que la humana.

No es que todos los aspectos de Isla de perros estén cuidados, eso es obvio. Es que hablamos de una película tan diferente que crea un universo de la nada, con una estética única, unos personajes icónicos y hasta los elementos menos interesantes de la producción, a priori, están pensando con una determinada intención, ya sea estética o narrativa.

Si queremos encontrarle algún defecto, quizá se pueda llegar a hacer repetitivo el uso del flashback en la sucesión de la historia; o quizá se pueda echar en cara tanto viaje emocional de la risa a la empatía más emotiva. Personalmente, preferimos catalogar estos elementos que puedan chirriar a los no introducidos en el cine de Wes Anderson como iconografía de su director, que es la verdad al fin y al cabo, y así disfrutar de una experiencia cinematográfica completamente diferente al resto de opciones actuales.

Es la mejor definición que podemos otorgarle al trabajo de este realizador, que ha levantado un proyecto auténtico en su totalidad y que vuelve a elevar el cine a donde pertenece cada vez que estrena largometraje. Algo por lo que debemos estar agradecidos los que disfrutamos de este arte y que necesitamos actualmente con mucha más frecuencia de la que pueda parecer.

Isla de perros va a ser sin duda una de las películas del año por ser lo que es, por estar hecha de esa manera y, sobre todo, por el cerebro creador de este maravilloso universo que es absolutamente todo el cine de Wes Anderson.

Disfrútenla.

El de Wes Anderson es un universo complejo. Siempre fiel a un estilo recargado con tonos pastel y de ambientación sesentera como el mercadillo de Camden Town. Habrá quienes echen de menos la espontaneidad en sus sets de cartón piedra y otros que aplaudan su constante idiosincrasia. Pero todos ellos tendrán que admitir que el cuidado por los detalles no está en discusión. Cada caja de cartón, letrero o diseño de una llave es un reflejo del propio Anderson, pero sería injusto decir que solo lleva su firma.

El torbellino de ideas que surge en la cabeza de un director necesita unas manos que las filtren y las hagan palpables. Esa es la misión del departamento creativo. Pero cuando las tres cuartas partes de una película se basan en la imaginación, esta tarea se vuelve todo un desafío. En Gran Hotel Budapest, el estado ficticio de Zubrowka fue creado al milímetro desde un papel en blanco. Todos los rótulos del hotel, paquetes de galletas, mapas y periódicos dejan un rastro que lleva hasta el estudio de una mujer: Annie Atkins.

La diseñadora gráfica estuvo en el Brief Festival de Madrid para hablar de su trabajo en Hollywood y de cómo convertir objetos mediocres en piezas de coleccionista. Nos reunimos con ella en el centro Conde Duque, la última parada en su larga ruta de conferencias por otros eventos de creación gráfica, como el Offset de Dublín. Atkins se ha convertido en la cabeza visible de un sector desconocido y menospreciado por el gran público. Aunque reivindica la importancia de su trabajo, también defiende que está pensado para pasar desapercibido.

Hace años que los profesionales que trabajan entre las bambalinas del cine exigen un reconocimiento acorde al de los actores o directores. Pero para Annie Atkins eso no es una prioridad. “Muchas veces nuestro trabajo es invisible, porque así debe ser. No podemos desviar la atención del público de la trama con los detalles del fondo”, piensa la diseñadora.

Atkins empezó a trabajar en una agencia de publicidad en Reikiavik, pero pronto se trasladó a Irlanda, su país natal, para trabajar en la serie Los Tudor. Fue ahí donde se enamoró de la vorágine de los rodajes y dio el salto a la animación con Los Boxtrolls, del estudio Laika. Cuando todavía se estaba adaptando a la técnica del stop-motion, recibió sin saberlo el email que lanzaría su carrera por todo Hollywood.

Una semana después estaba en lo alto de una montaña alemana, cerca de la frontera con Polonia, en pleno rodaje de Gran Hotel Budapest. Atkins se incorporó al equipo de Adam Stockhausen, también ganador de un Oscar por 12 años de esclavitud, y juntos diseñaron cada centímetro cuadrado de los fotogramas de Wes Anderson. “Investigamos muchísimos documentos de la Europa del Este de los años 30, pero la verdadera inspiración fueron las películas de Ernst Lubitsch”, confiesa.

El primer paso para el artista gráfico es leer el guión que el director ha subrayado en amarillo para él. Para sorpresa de Atkins, el de Gran Hotel Budapest estaba lleno de marcas fosforitas para crear sellos, señales de la estación de tren o incluso el propio material promocional. A partir de ahí, los horarios del departamento varían según la disponibilidad de los actores principales. “Los de gráficos estamos al final de la cadena alimenticia de un rodaje”, cuenta.

Acostumbrada a trabajar con periodos como los templarios o la Inglaterra del siglo VIII, el reino de Zubrowka fue todo un reto creativo para la artista. “Le ofrecí a Wes unos documentos basados en Alemania de principios de siglo y me dijo, 'están bien, ahora hazlos de color rosa”, ríe Atkins. Reconoce que la mayor virtud del cine de Anderson es saber encontrar ese equilibrio entre la imaginación y la realidad histórica.

La cantidad de objetos necesarios para una escena es otra pesadilla para el equipo de diseño. “Los accesorios son muy frágiles. En un rodaje normal necesitas seis piezas de cada uno, pero en un rodaje de Wes necesitas 30 o 40”, bromea Atkins. Este trabajo termina, con suerte, en un segundo o tercer plano, pero el director lo cuida con tanto mimo como a cualquiera de sus intérpretes. “Siempre se involucra mucho con nuestro departamento y nos da instrucciones muy claras”, admite.

Una gran muestra de esto último son los tres periódicos que aparecen en Gran Hotel Budapest. Wes Anderson decidió que la prensa de su país ficticio debía de ser tan genuina como cualquier rotativo nacional, así que escribió él mismo los artículos del Trans Alpine Yodel, el Daily Fact y el Continental Drift. “Casi todos los directores dejan esa parte en nuestras manos o incluso utilizan un programa que genera un texto automático”, compara Atkins.

Annie comparte y admira la filosofía meticulosa de su trabajo, por eso se sonroja cuando confiesa una anécdota de aquél rodaje. Después de diseñar y reproducir miles de cajas de la mítica pastelería Mendl's, Wes Anderson se dio cuenta de que había incluido una errata. “Somos responsables tanto de la tipografía como de la gramática, por eso no me lo podía creer”, recuerda. La artista se había equivocado al escribir la palabra francesa patisserie y lo tuvieron que arreglar en montaje. “Pero ahí descubrí que, además de ser un genio, Wes es un buen tío”, concluye relajada.

Tras finalizar el rodaje, Annie Atkins regresó a Dublín, pero en seguida recibió otra oferta de trabajo. Esta vez tendría que ambientarse en la Guerra Fría para colaborar en El puente de los espías, de Steven Spielberg. Reconoce que prefiere trabajar en su propio estudio irlandés, pero también admite que lo ideal es mantenerse a caballo entre los proyectos locales y Hollywood.

“Después de rodar allí Penny Dreadful, descarté asentarme en Los Ángeles por el momento”, admite la artista. Ahora se encuentra trabajando en la siguiente película de animación de Wes Anderson y en las próximas semanas comenzará en el equipo creativo de Park Chan-Wook. “Aún así mi género favorito sigue siendo el infantil. Disfruté muchísimo con Los Boxtrolls y sigo haciéndolo con Wes”, dice sin pensárselo demasiado.

Lo que parece seguro es que su futuro está detrás de la gran pantalla. Aunque los diseños gráficos y los accesorios duran menos que un estornudo en escena, es aquí donde Atkins ha encontrado su zona de confort profesional. “No trabajamos siempre para el público. Sin nosotros, los actores están perdidos cuando llegan a un set de rodaje lleno de focos y de cables”, asegura con orgullo.

Su inventario es mucho más que el relleno de un plano, es la puerta que conecta la realidad con la magia del cine. Y por eso, merecerían lucir su labor en la alfombra roja como cualquier estrella.

Hay en todas las películas que triunfan en el Festival de Sundance una atmósfera muy parecida. Como si todos los directores tuvieran el mismo mundo interior, el mismo bagaje intelectual y sentimental, como si la pesadilla de Michael Shanon en Take Shelter ocurriera en el mismo universo en el que John Hawkes acosaba a Elizabeth Olsen en Martha Marcy May Marlene o muy cerca de donde Miles Teller y Shailene Woodley se enamoraban en The Spectacular Now, por decir tres ejemplos de este último lustro.

En el Festival de Sundance se siguen descubriendo nuevos directores y ensalzando pequeñas joyas que de otro modo caerían en el olvido, como la incontestable (y última ganadora) Whiplash. Pero cada año se acumulan en taquilla títulos que llegan apadrinados desde allí y que repiten argumento, estilo, actores y ese tufillo indie. Las historias de amor amargas como Blue Valentine o En un lugar sin ley se multiplican. Actores como John Hawkes o Juno Temple parecen abonados al festival. Las películas son cada vez más mainstream y menos independientes. Aunque eso tampoco importa demasiado, lo molesto es la falta de sustancia de algunos títulos: películas tan vacías como La vida en una canción protagonizada por Anne Hathaway o tan lamentablemente manipuladoras  como Furtive Station, que ganó el festival en 2013.

La última en ganar el premio del jurado y el premio del público se titula Yo, él y Rachel, y cuando el espectador se siente delante de esta película basada en el best-seller de Jesse Andrews puede que lo haga porque sencillamente es la última criatura de Sundance. Y sí, pero no. La cinta de Alfonso Gomez-Rejon ha transformado la adaptación de Andrews en una metaficción donde caben muchos títulos más. Estamos ante un collage de historias y de estilos donde dos géneros no paran de enfrentarse todo el rato, la comedia más negra y el drama más triste. Donde aparece Michael Gondry, la nouvelle vague, El graduado y Wes Anderson, sobre todo, Wes Anderson.

La película narra la amistad de Greg Gaines, un estudiante de secundaria cínico y torpe, con Rachel, una chica de clase a la que acaban de diagnosticar leucemia. La historia está contada desde la perspectiva de Greg y es la madre de éste la que le obliga a socializar con ‘la moribunda’. El estilo de Andrews es hilarante y de una comicidad radical, ¿cómo si no puede construir una historia tan divertida sobre el cáncer? Aunque no es el cáncer el tema principal, claro, todo esto va sobre la amistad, el amor y sobre aprender y crecer siendo fieles a nosotros mismos.

Cómo ser Wes Anderson

La película en sí misma podría definirse como un gran intento de ser Wes Anderson, precisamente, uno de los hijos de Sundance. A continuación, las pistas:

–Rachel es como una heroína del universo Anderson. Olivia Cooke, que interpreta a Rachel, es inteligente, divertida y entra en el juego de Greg porque no está por la labor de que la compadezcan. Rachel roza la genialidad, como Margot Tenenbaum. Su imaginación es explosiva. Es melancólica y no tiene la risa fácil. Excéntrica, compleja y en definitiva arrebatadora cuando ya la conoces. Y lo maravilloso es que Gomez-Rejon evita caer en el melodrama y nunca deja que sus protagonistas se enamoren.

–Greg se ve anulado completamente por la chica más guapa y popular del instituto (la primera que ha desarrollado sus encantos). Contar esa sensación universal por la que pasan todos los chicos tímidos a lo largo de su adolescencia puede hacerse de muchas formas, pero el director de Yo, él y Rachel opta por hacerlo al estilo de Mr. Fox, a través de stop motion con escenas llenas de ironía y un excéntrico sentido del humor.

–Planos, contraplanos, travelling, picados y cenitales. Todos los encuadres que Anderson utiliza en sus pintorescos montajes también están aquí: en las conversaciones de Greg y Rachel, en los vídeos caseros de Greg y Earl o en la caricaturización de los secundarios, en los pasillos del instituto y en la habitación de la niña moribunda. Solo falta el encuadre más peculiar (y popular) del universo Anderson, ese plano perfectamente simétrico que es una auténtica obsesión para el director de Viaje a Darjeeling.

Rebobine, por favor

Pero ¿por qué exactamente Yo, él y Rachel no termina siendo una descarada copia de Wes Anderson ni tampoco la típica criatura de Sundance? Afortunadamente, el filme se mueve entre muchos tonos y homenajea a tantas películas distintas que la obsesión de Gomez-Rejon por el director de El Gran Hotel Budapest, y por mantener una actitud indie, se diluye por todo el metraje.

Greg es un adolescente muy listo, tan listo, que prefiere no relacionarse con nadie para no dar explicaciones de su excéntrico genio. Solo habla con Earl, que es su único amigo, y ni siquiera eso, es su compañero de trabajo. Ambos se dedican a hacer remakes absurdos de clásicos con títulos tan locos como Eyes Wide Butt, 2:48 Cowboy o A Sockwork Orange. A través de estas piezas maestras Greg pone el cinismo y Earl la sabiduría a una visión del mundo que cambia radicalmente con la irrupción de Rachel en la historia. Ambos deben hacer una película sobre ella.

Este ejercicio cinematográfico de reverenciar clásicos con gracia y segundas lecturas lo hizo Michel Gondry con Rebobine, por favor, una película igual de libre e hilarante, y casi tan conmovedora como Yo, él y Rachel. La película protagonizada por Jack Black y Mos Def tenía más de metaficción, más de cine dentro de cine. En la última ganadora de Sundance lo que hay es más vida dentro de vida.

Gomez-Rejon, con sus referencias a El graduado a través del divertido personaje de la madre de Rachel, a los 400 golpes de François Truffaut (Greg es un poco Antoine Doinel) o con ese final tan sensible que recoge reminiscencias de Cinema Paradiso, nos desafía con esta celebración de la adolescencia llena de ironía y creatividad donde el cáncer aparece como tensor dramático de forma moderada pero despiadada. No estamos ante la típica película de Sundance, esto es una pieza audiovisual (casi un puzle) bastante complejo.  

El director Wes Anderson alcanza la quintaesencia de su cine con “El Gran Hotel Budapest”, un tributo a su pasión por la vieja cultura europea “El Gran Hotel Budapest”

Pocos directores cuentan con un universo tan personal y reconocible como Wes Anderson. Su cine es una amalgama de referencias que van desde la literatura europea de entreguerras hasta los dibujos animados, pasando por la nouvelle vague, la iconografía camp y la screwball comedycampscrewball comedy, todo bien agitado en una coctelera que trasciende los límites de lo cinematográfico. Sus películas son también novela, ilustración, música, cómic... en definitiva, son Wes Anderson. El cineasta norteamericano ha sabido convertirse en su propio género, exaltado hasta el delirio en “El Gran Hotel Budapest”.

El argumento se enmarca en mitad de un paisaje alpino donde se erige el fastuoso hotel que da título al film, un lugar de encuentro para aristócratas extravagantes y millonarios sin complejos. Al frente se encuentra Gustave H, conserje entregado en cuerpo y alma a perpetuar la gloria del hotel, que de pronto se verá inmerso en una serie de aventuras en torno a la herencia de una importante obra de arte. En el camino se cruzará con una numerosa fauna de personajes, a cada cual más excéntrico, completando una estampa imaginaria más cercana a la idealización que a cualquier referencia histórica.

En los títulos de crédito de “El Gran hotel Budapest”, Anderson declara haberse inspirado en los textos de Stefan Zweig. ¿Qué pensaría el escritor austríaco del film, se habría reconocido en su atropellada locura o en su desbordante imaginación? Es algo que nunca sabremos, lo que se hace evidente es el gozo que transmite esta película nacida de la pasión. Porque hace falta mucha pasión para sacar adelante este complicado proyecto y para embarcar en él a tanta gente con talento. Pasión por el relato, por el viejo oficio de contar historias. Y sobre todo, pasión por la imagen. La carga visual de la película es tan exuberante, la cámara se mueve con tanta elocuencia que el espectador corre el peligro de salir del cine con agujetas en los ojos. Anderson recuerda a veces a Scorsese, a Ophüls, a Sternberg y a otros fantásticos estetas que estrujaron la pantalla hasta apurar la última gota de sus posibilidades formales.

Esa misma pasión se traslada también al reparto, un larguísimo elenco de actores habituales al que se van incorporando nombres nuevos con cada película. Como es casi imposible mencionarlos a todos, bastará con señalar a Ralph Fiennes asumiendo el papel protagonista, en un registro insólito hasta el momento lleno de gracia y comicidad. Tanto él como sus numerosos compañeros irradian una alegría que traspasa la pantalla y alcanza de lleno al público, dispuesto a participar en el juego del director. Se diría que Anderson hace las películas para sí mismo, y que tiene la suerte de contar con un montón de espectadores fieles a su particular estilo.

Pero no hay que dejarse engañar: bajo el slapstick y los juegos florales subyace un aliento de melancolía, de añoranza por algo que nunca existió, que impregna calladamente el film. Aquí es donde Anderson entrevela sus intenciones, que van más allá de la aventura y de la comedia, y que tienen que ver con la recuperación del territorio perdido de la infancia. Sus películas son el mapa y la brújula para alcanzar ese hipotético Shangri-La del que un día fuimos arrancados sin saber cómo ni cuándo.

Por eso resulta complicado hablar de esta película sin recurrir a la hipérbole. El huracán de coloridas imágenes por el que transcurre la acción convierte la pantalla en un collage donde cualquier cosa es posible y, sorprendentemente, donde todo atiende a una lógica interna. De otro modo, el castillo de naipes que levanta Anderson durante el metraje enseguida se derrumbaría, sino fuese por la precisión con la que trabaja el guión. Son tantas las situaciones y suceden a un ritmo tan rápido, que “El Gran Hotel Budapest” contiene varios visionados en uno: primero se ve en la pantalla, y después en la memoria del espectador, que volverá a ella para reconstruir su torrente narrativo. Una sensación que se prolonga en el tiempo, dejando en la boca el rastro de una placentera sonrisa idiota.

Contra todo pronóstico, Wes Anderson no está diseñado para gustar. El club de intocables de Hollywood venden su alma al diablo por estar en sus cintas, pero sus diálogos protocolarios, las historias peripatéticas y el abuso del color pastel le auguraban un estatus de culto, artífice de placeres reservados para unos pocos capaces de congraciarse con su libro de estilo. Los personajes nerd y la estética sesentera resconquistados por Spike Jonze son parte del imaginario del texano desde finales de los 90. Y emanan esa dulzura bobalicona que gusta, y mucho.

El propio cineasta es una personificación de sus películas. Le define un carácter anacrónico, hipster y profundamente nostálgico que parece comprado en Camden Town. Sus peculiaridades, en ocasiones incomprendidas, nos recuerdan a otros estilistas como Baz Luhrmann, a Nicolas Winding Refn o Wong Kar Wai: o comulgas o te parecen insufribles. Si ya has decidido pertenecer al grupo de fanáticos incondicionales, debes seguir un manual de instrucciones para disfrutar de sus películas con los cinco sentidos.

Un universo de caja de música

1. Fíjate bien en los comienzos. Planos 'travelling' en cola, música britpop y un cuentista que abre la narración. Al inicio de The Royal Tenenbaums Alexandre Desplat recupera el Hey Jude de los Beatles como recién salido de una lenta caja de música. Pero en cuanto comienza la acción, su banda sonora se torna cómica y rabiosa como en un show de Benny Hill. Al principio de Moonrise Kingdom, un grupo de niños se reúne alrededor del sonido de Benjamin Britten. Aunque la asociación que más se reconoce es la de Anderson y Desplat, la llegada a Benaras en The Darjeeling Limited pertenece al compositor hindú Satyajit Ray.

La música inicial es el preludio de lo que te vas a encontrar y es una primera impresión que no miente. Lo más probable es que caigas rendido ante el Shazam o los títulos de crédito para descubrir todos y cada uno de los temas. Cabe mencionar la impostada modernización del Fantástico Mr. Fox con Madonna y los Black Eyed Peas. Cabe mencionar también que fue un fiasco en la taquilla. Para todo lo demás, Rolling Stones, David Bowie, The Kinks, Beach Boys, Francoise Hardy...

2. Haz inventario de los objetos analógicos. O vintage, como mola decir ahora. Anderson es el maestro de los bodegones de mercadillo y su mirada horizontal da buena cuenta de ello. Estos trastos rebosan en la familia Tenenbaum: el tocadiscos y la máquina de escribir de Margot, el proyector de diapositivas de Chas y el teléfono rojo de Etheline. Pero también la Polaroid de Steve Zissou, las maletas para el viaje a la india de los hermanos Whitman o los artículos scouts del pequeño Sam.

El diseño de atrezzo está tan milimétricamente medido que da una sensacion de artificialidad que, sin embargo, no chirría en el universo Anderson. Esta virtud analógica también se traslada al soporte de sus películas, rodadas casi todas en 35 mm. La única excepción fue la mencionada Fantástico Mr. Fox filmada en digital...y ya conocemos su final infeliz.

3. Una película, un color. En el libro de estilo Anderson el color chorrea por los cuatro costados. Su estética es carne de cartel, animación y álbum de Pinterest. De hecho, tanta fascinación despiertan sus paletas que hay un Tumblr que se ha dedicado a desgranar los tonos de cada fotograma. Wes Anderson Pallette desvela el misterio de ese caleidoscopio añejo que se nos presenta durante los 120 minutos de metraje. Un estudio de sets de rodaje y vestuarios que ha tenido una gran acogida entre los seguidores del cineasta y una moda a la que se han sumado también algunos diseñadores de interior, que copian cada detalle de sus filtros Instagram.

El hecho es que, cuando finaliza la película, nuestro cerebro la relaciona automáticamente con un color. Rushmore es blanco crudo, La vida acuática con Steve Zissou es azul, The Darjeeling Limited son el naranja y fucsia de las especias hindúes, Fantástico Mr. Fox es amarillo, Moonrise Kingdon es verde y Gran Hotel Budapest es morado y rojo.

4. Mete su universo en una bola de nieve. En su imaginario de merengue tiene lugar la comedia, pero también la acidez. Posiblemente el ejemplo más ilustrativo de esto es The Royal Tenenbaums, que bebe directamente de la familia Glass de J.D Salinger. La infancia naif es la única protagonista de Moonrise Kingdom y, si para eso hay que desdibujar los papeles adultos, se hace. Aunque esta melancolía y determinación no alcanza las cotas excepcionales de Rushmore, también es un universo minúsculo que disfruta su propio microclima, como el tren de Viaje a Darjeeling o la cándida Mr.Fox. Anderson sólo ha querido experimentar una vez, con Life Aquatic, y no le salió bien. Se quedó en ensayos con su banda sonora y con el humor surrealista.

Decimos que nos encontramos ante una bola de nieve porque, aunque con su propio microambiente extraterrígena, al agitarla se dan situaciones que te generan una empatía irreal. Su filmografía es una oda a la excentricidad por capítulos pero que jamás traspasa los cristales de la esfera. Estamos ante productos desmesurados que paradójicamente nunca se exceden en sus pretensiones y eso provoca el buen sabor de boca. Es un efecto paralelo al de Her que, sin embargo, va en dirección contraria: Jonze parece frivolidad artística y sorprende con un grato contenido. Anderson parece exagerado pero nunca se sobrepasa.

Si materializásemos esta bola de nieve, el resultado sería el corto (precuela de The Darjeeling Limited) de 13 minutos, Hotel Chevalier.

5. Enamórate de sus heroínas. Bueno, y de todos sus personajes porque no hay ninguno malo. Clave: eternamente uniformados, excéntricos, complejos y con un punto pueril. Owen Wilson y Roman Coppola son sus inseparables amigos y colaboradores, que le ayudan a hacer guiones fundamentalmente masculinos. Pero cuando han decidido incluir aire femenino, el resultado son musas instantáneas que rozan la genialidad como Margot Tenenbaum, Suzy Bishop e incluso Mrs. Fox.

6. Hallo, dream team.dream team “Es llegar, disfrazarse y hacer el tonto”, dijo una vez Edward Norton. Y esa es la pócima secreta para tener planteles como de los que puede presumir el joven Wes. Jude Law, Ralph Fiennes, Angelica Houston, Bill Murray, Willem Dafoe, Harvey Keitel, George Clooney o Meryl Streep. Basta con echar un vistazo al póster promocional de Grand Budapest Hotel para que se te haga la boca agua.

7. Mide tu pantalla con una regla y descubrirás que Wes Anderson es un chico centrado. Casi todos sus planos están concienzudamente calculados y el culpable de ello es Robert D. Yeoman. El director de fotografía -que también ha trabajado con Gus Van Sant- es muy limpio y ordenado, se cuida de tener cada elemento colocado en el lugar que le corresponde antes de gritar “¡acción!”. Tampoco deja titubear la cámara, pero sí que hay movimiento gracias a los ya mencionados travellings y a los zooms sobre los protagonistas. Otro punto, muy en relación con el de los objetos analógicos, es el alto grado de simbolismo en el que este tándem incide.

De su obsesión por la simetría a partir de un eje vertical, nace este estupendo vídeo recopilatorio.

Wes Anderson // Centered from kogonada on Vimeo.

¿Sensible como Richie Tenenbaum o vengativo como Steve Zissou? ¿Decidido como Max o misteriosa como Margot? Jennifer Lewis, de Flavorwire, ha compuesto un chart para que acabes con tu crisis de identidad cinéfila y aceptes a tu personaje de Wes Anderson interior. Bola extra: ¡no es interactivo!

El gran hotel Budapest

El gran hotel BudapestDirector: Wes Anderson

Intérpretes: Saoirse Ronan, Ralph Fiennes, Edward Norton, Willem Dafoe, Jude Law, Owen Wilson, Léa Seydoux, Bill Murray y Adrien Brody

País: EE.UU

En V.O: The Grand Budapest Hotel

Cómo gustan las situaciones estamentarias tipo Arriba y Abajo, y más si las situamos en un hotel con todo lujo de florituras. Esta comedia al más puro estilo Cluedo, que bebe de maravillas como Una noche en Casablanca, conmovió a la platea de la Berlinale y va camino de provocar lo mismo en las butacas internacionales. Divertida, magnética y a mil revoluciones es como se podría definir la nueva obra del creador de los Tenenbaums, tras haber dividido a la crítica con su anterior Moonrise Kingdom.

Nadie puede negar que con el precio de la entrada pagas también por el cascarón del cineasta. Compras 120 minutos y esos planos milimétricamente simétricos, los colores pastel y los diálogos rápidos y cargados de protocolo. Es muy sencillo decir que un director, arraigado a su forma de hacer cine, se ve reflejado en sus películas porque eso ocurre con demasiada frecuencia. Estos pueden ser Woody Allen o David Lynch. Luego están los que respetan su libro de estilo de tal forma que cada película atrape como siempre y sorprenda como nunca. Y este es Wes Anderson.

Byzantium

ByzantiumDirector: Neil Jordan

Guión: Saoirse Ronan, Gemma Arterton, Sam Riley y Daniel Mays

País: Reino Unido

Si Neil Jordan regresa a las pantallas es obligatorio anunciarlo a bombo y platillo. ¿Se olvidan de que es el adaptador de maravillas del género como En compañía de lobos o Entrevista con el vampiro? No hace falta sumar dos y dos para saber que si su última cinta no es promocionada como sería coherente es por razones obvias. También es verdad que la última etapa 'remake' del cineasta ha desprestigiado bastante el renombre de sus licántropas y chupasangres obras.

Con estética a lo Van Helsing, el director orquesta sin embargo una narrativa más cercana a la genial Déjame entrar. Lo vampírico vuelve a tomar protagonismo en un sentido que los fanáticos de su filmografía agradecerán, rozando el gore. Este nuevo proyecto implica el ascenso en la montaña rusa de Jordan y vuelve a situarle más cerca de merecer el puesto que ganó hace décadas en el limbo del terror.

Jimmy P.

Jimmy P.Director: Arnaud Desplechin

Intérpretes: Benicio Del Toro, Mathieu Amalric, Gina McKee y Larry Pine

País: Francia

James Picar fue un indio Piesnegros cuya participación en la II Guerra Mundial le dejó secuelas neuronales irreparables. El conmovedor guión está basado en el ensayo biográfico de doctor que le atendió, George Devereux, Reality and Dream. La terapia como columna vertebral de la cinta, la amistad como final ineludible y la música de Howard Shore nos recuerdan -con sus diferencias- a la cinta de David Cronenberg, Un método peligroso.

El director mueve los hilos de Benicio del Toro y su espléndido acompañante, Amalric, para que formen una dupla que no se lo ponga nada fácil al espectador. El tratamiento pausado y sin exaltaciones se mantiene fiel al texto base y carga su responsabilidad en los diálogos que conforman el grueso de la cinta. Eso no le resta capacidad de emocionar, es más se amplifica si se le regala la paciencia que requiere esta sofisticación francesa.

En tierra de nadie

En tierra de nadieDirector: Tomasz Thomson

Intérpretes: Eva-Katrin Hermann, Reiner Schöne, Thomas Wodianka y Jürgen Rißmann

País: Alemania

En V.O: Snowman's Land

Justo cuando trasciende la chocante noticia de que Hollywood se ha metido de lleno en una serie inspirada en Fargo, llegan los alemanes a ponerse también los zapatos de los Coen. Basta con echarle un vistazo al trailer -que por cierto llega con cuatro años de retraso- para percatarse de las evidentes similitudes. Esta comedia negra nos traslada hasta los Cárpatos para protagonizar una cínica, y en ocasiones horripilante, lucha por la supervivencia.

The Grand Budapest Hotel abrió la 64 edición del Festival Internacional de Cine de Berlín. La nueva casa de muñecas de Wes Anderson es tan nostálgica y preciosista como de costumbre, y con alta densidad de estrellas; Willem Dafoe, Tilda Swinton, Jeff Goldblum, Bill Murray, Edward Norton, Saoirse Ronan y Owen Wilson acompañan a los protagonistas Ralph Fiennes y Tony Revolori.

Está rodada en una explosión de formatos -del blanco y negro al color pasando por el sepia- en un antiguo edificio modernista de Görlitz, la pequeña ciudad sajona en la frontera germanopolaca donde los grandes vienen a rodar versiones de la vieja Europa.

El Gran Hotel Budapest cuenta la historia Zero, hoy director pero otrora botones del Grand Hotel al que acuden las grandes señoras de la más alta sociedad para remojarse en sus famosas aguas termales y florecer bajo los atentos cuidados del más meticuloso y dedicado de los conserjes, el legendario Monsieur Gustave (Fiennes). Su verdadera misión es mantener viva la magia de la Belle Epoque aun cuando el fantasma de la guerra domina Europa-

Un homenaje a Lubitsch y a Stefan Zweig

La película está ambientada en el periodo de entreguerras, en la ficticia república de Zubrowka, pero es una Europa del este que sólo existe en el cine y en la imaginación. “Siempre he pensado que nuestro Budapest está vinculada a El bazar de las sorpresas de Ernst Lubitsch y no a la Budapest real”. Anderson también ha dicho que “la película es más o menos un plagio” de su nuevo escritor favorito, el austríaco Stefan Zweig. Aunque Grand Budapest “no está basada en ninguna de sus historias, están los recursos y su atmósfera y mi intención era construir nuestra propia versión de Zweig”. Los fans encontrarán que Anderson le dedica un guiño al final de la película, que también se ha inspirado en relatos de Irène Némirovsky y los ensayos de Hannah Arendt.

Además de Lubitsch, el director menciona otros clásicos como el inolvidable Grand Hotel y Love Me Tonight (ambos de 1932), Una chica angelical de William Wyler, El Silencio de Ingmar Bergman y Tormenta mortal, con Jimmy Stewart, Margaret Sullavan y Frank Morgan. Grand Hotel es sin duda su película más cinematográfica.

En la rueda de prensa, Anderson sale vestido de impecable tweed y acompañado por un ejército de actores: Fiennes, Jeff Goldblum, Edward Norton, Tilda Swinton, Bill Murray y Willem Dafoe. El Gran Salón del hotel Hyatt está hasta arriba y el equipo responde a los periodistas en un ambiente de hilaridad. Cuando le preguntaron a Murray qué les hacía repetir con el director, el actor exclamó jocosamente: “Nos prometen largas horas, salarios bajos y pan duro. Perdemos dinero, acabamos gastando más de lo que recibimos en propinas. Pero ves mundo y nos permite ayudar a Wes a vivir esa vida mágica y maravillosa en la que sus sueños se hacen realidad y donde, si estamos nosotros, es todo mucho más divertido”. Cuando le preguntan a Edward Norton por qué Wes Anderson le pone siempre en uniforme, el actor responde que “a Wes le gusta ver a un hombre en mallas y charreteras. Y me gusta que sea feliz”.

Grand Hotel es la estrella de esta edición. La Berlinale Palast tiene una réplica de la entrada del Budapest bajo la escalinata de la entrada y el hotel Adlon plantó la puerta de la confitería Mendl, en homenaje a un personaje importante en la trama. Todo el amor es poco, teniendo en cuenta que se trata de una coproducción alemana y que las maquetas y efectos son de los míticos estudios Babelsberg de Berlín.

El cartel de

El Gran Hotel Budapest

incluye a Ralph Fiennes,Tony Revolori, Edward Norton, Willem Dafoe, Harvey Keitel, Tom Wilkinson, Bill Murray, Jason Schwartzman, Adrian Brody y Owen Wilson