A finales de la década de los 70, Japón vivía una inaudita escasez de monedas de 100 yenes. Una extendida leyenda, más cercana al mito que a la realidad, cuenta que el culpable de la falta de calderilla no era otro que un recién llegado videojuego que supondría una auténtica revolución y que acabaría con la crisis que la industria vivía desde 1977. El público, cansado del mítico Pong y de sus innumerables clones, encontró en el nuevo título una excusa para volver a los recreativos.

Comenzaba así la edad de oro del arcade, protagonizada por unos marcianitos pixelados y una sola nave especial preparada para cargárselos a todos: Space Invaders conquistó a aficionados de todo el mundo con una idea sencilla pero tremendamente innovadora para la época, haciéndose un hueco en la lista de títulos que han marcado un antes y un después en el sector, junto con el antes citado Pong y el inolvidable Pac-Man.

El juego, que acaba de celebrar su cuadragésimo aniversario, vio la luz en junio de 1978, lanzado por la empresa Taito y concebido por el diseñador Tomohiro Nishikado TaitoTomohiro Nishikadocomo uno de los primeros integrantes del género de disparos. Con pocos ejemplos y normas que seguir en un terreno aún yermo, este pionero japonés se inspiró en títulos previos de la desarrolladora estadounidense Atari y de la firma donde trabajaba y en películas como Star Wars o La guerra de los mundos.

La idea inicial de Nishikado, sin embargo, no era poner en pantalla hordas de extraterrestres, sino que pensó en utilizar figuras bélicas como tanques, aviones y soldados. Mientras que los primeros no encajaban bien con la dinámica del juego, los últimos planteaban a este artista tecnológico cuestiones morales. Fue entonces cuando se fijó en la popular franquicia galáctica y la obra de H. G. Wells y sus criaturas marcianas similares a los pulpos para crear sus entrañables alienígenas.

Space Invaders marcó varios hitos. Por un lado, fue el primer título en asignar a los jugadores varias vidas, en asociar la obtención de puntos a la progresión y en introducir la posibilidad de guardar las puntuaciones en la máquina arcade, convirtiéndolas en un indicador de la habilidad del usuario. Popularizó de este modo el concepto de puntuación más alta (high score)high score entre sus fans, que volvían una y otra vez a la misma recreativa para batir los récords de sus rivales.

Por otro lado, añadía un grado de complejidad que no entrañaba ninguno de sus escasos predecesores: el jugador no era el único capaz de disparar, sino que, por primera vez, el objetivo de sus balas virtuales era capaz de responder al ataque. Nishikado también fue pionero en colocar barreras de protección, en emplear una curva de dificultad progresiva y ascendente durante el juego y en utilizar una música de fondo continua, dinámica y que cambiaba en ciertas situaciones, como cuando se acercaba el enemigo.

Los encantos del título japonés desviaron la atención de la industria de los videojuegos de deportes inspirados en el Pong y basados en situaciones del mundo real, abriendo la puerta a un universo de escenarios fantásticos y acción que ha sido el germen a multitud de aventuras posteriores, desde los Asteroids de Atari hasta franquicias más recientes como Call of Duty.

Cuando los videojuegos se desarrollaban en el hardware

hardwareMás allá de las cuestiones de diseño, uno de los objetivos de Nishikado era desarrollar el videojuego directamente en el microordenador con el que trabajaba y no a través del hardware. Hasta entonces, lo habitual era crear los programas integrando diferentes componentes electrónicos y circuitos en una placa de arcadeuna placa de arcade. Si bien las limitaciones impuestas por la escasa capacidad de los microprocesadores de la época no le permitieron cumplir del todo su deseo, el diseñador consiguió confeccionar sus propias herramientas y personalizar el hardware combinando tecnología japonesa y estadounidense.

El resultado, sin embargo, no fue exactamente el que esperaba: el sistema no tenía la potencia suficiente para mostrar gráficos a color y los marcianitos se movían demasiado despacio para su gusto. Pero descubrió que, cuantos más enemigos destruía el jugador, más rápido se procesaban (y movían) los restantes. Así es que, en lugar de rediseñar el juego para compensar el aumento gradual de velocidad de los extraterrestres, lo dejó como un desafío más para los usuarios.

Las máquinas que Taito lanzó por primera vez en Japón mostraban gráficos monocromáticos, aunque las pantallas parecían tener color debido a una lámina de diversas tonalidades que llevaban superpuesta. En todas sus versiones, repartidas por medio mundo, las paredes exhibían pinturas de paisajes estelares y extrañas criaturas humanoides que en nada se parecían a los monigotes del juego. Los artistas se habían basado para crearlas en el primer título de la obra, Space Monsters, de ahí las diferencias.

Poco después de su estreno, Space Invaders se convirtió en un éxito absoluto que proporcionó a la firma nipona pingües beneficios. A finales de 1978, la empresa había instalado 100.000 máquinas en todo el país y se había embolsado 600 millones de dólares (algo más de 515 millones de euros al cambio actual).

En cuatro años, el número de aparatos en todo el mundo ascendió a 400.000 y la cifra monetaria a 3.800 millones de dólares (unos 3263 millones de euros), convirtiéndose en el videojuego más rentable de todos los tiempos y superando por entonces en ingresos, incluso, a la película Star Wars. Su popularidad fue tal que era el único título que permitía a los compradores de una máquina arcade amortizar su precio en tan solo un mes.

Space Invaders sirvió de adelanto a la explosión de la industria japonesa del videojuego que, prácticamente, supondría una invasión cultural en Estados Unidos. A pesar de que los aficionados disfrutaban con los regalos que llegaban de Asia, los ciudadanos del gigante occidental miraban con recelo al otro lado del Pacífico mientras defendían el poder del individualismo americano frente a la eficacia del corporativismo nipón.

Pero en la industria sabían que el mercado japonés producía tantos títulos como el estadounidense o el europeo. De hecho, Space Invaders se convirtió en uno de los éxitos de la productora de videojuegos estadounidense AtariSpace Invaders, que acabaría perdiendo su posición dominante en 1983, en parte, debido a que las producciones patrias habían dejado de interesar al público. Pocos años después, Nintendo y sus consolas ocuparían de alguna manera el puesto hegemónico dejado por la firma.

Con el paso de los años, los marcianitos de Nishikado se han convertido en un símbolo e inspirado diferentes leyendas y rumores, como el que habla del despilfarro en monedas de los nipones. Otro asegura que acudían tantos jugadores a los recreativos que se formaban grandes colas, a pesar de que hubiese muchas máquinas. Ya estuvieran realmente esperando su turno o simplemente mirando, lo cierto es que estas aglomeraciones pudieron haber inspirado los encuentros y competiciones del mundillo.

Aunque no fue el primero videojuego de disparos —el MIT se había adelantado en los 60 con Spacewar!“—, sí puede considerarse uno de los más imitados. Existen más de un centenar de clones e incluso al menos uno publicitario, Pepsi Invaders. Puede que sea complicado, a estas alturas, matar a los marcianitos del Space Invaders original en una máquina arcade de la época, pero los más curiosos o nostálgicos siempre pueden bucear en internet en busca de algún simulador para pasar un buen rato disparando a los monigotes concebidos por Nishikado.

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Las imágenes de este reportaje son propiedad, por orden de aparición, de Jordiferrer, Jordan y Coentor

Son innumerables las leyendas y anécdotas que existen en torno a Atari, una compañía que marcó un antes y un después en la historia de los videojuegos. Y no solo por sus creaciones, sino también por la singular forma en que se originaban. Más allá del impacto que supuso su primera videoconsola (la mítica Atari 2600 o VCS) o la revolución que provocó poder jugar en casa a PONG o Breakout, los fundadores de la firma consiguieron crear un clima de trabajo donde reinaba la improvisación y nadie se arrugaba a la hora de dar rienda suelta a su creatividad. De ahí que se vivieran tantas y tantas situaciones disparatadas.

En la compañía que fundaron Nolan Bushnell y Ted Dabney en 1972, los videojuegos eran mucho más que el producto. Sus creaciones, además de ser uno de los pasatiempos favoritos de los empleados, formaban parte indispensable del propio funcionamiento de Atari. Tanto es así que, en ciertas situaciones, llegaban a convertirse en un elemento primordial a la hora de tomar decisiones.

Así ocurrió cuando la firma decidió abordar la adaptación del mítico Breakout, un clásico de las recreativas, a su primera videoconsola, la ya citada Atari VCS. Eran tantos los trabajadores que querían tomar partido que uno de los responsables del proyecto tuvo que zanjar la situación de la manera menos convencional. “Ya es suficiente. Id a la máquina y jugad al Breakout”, escuchó George Kiss decir a algún mandamás en la oficina. “Una partida cada uno. El que saque la puntuación más alta lo hace”.

El propio George Kiss vivió una situación aún más sorprendente con una partida de por medio. El que fuera director del departamento de 'software' de la VCS no tuvo el más mínimo reparo en jugarse su sueldo matando extraterrestres a bordo de una nave espacial. A su superior, el famoso Larry Kaplan, no se le ocurrió mejor forma de negociar un posible aumento que retarle a una partida de Defender. El resultado marcaría la cifra que iba a figurar en su próxima nómina.

En una empresa que premiaba la genialidad a la hora de contratar a sus trabajadores, como el propio Nolan Bushnell ha afirmado en múltiples ocasiones, Kaplan no dudó en jugarse el tipo con George Kiss aunque hubiera dinero de por medio. Por aquel entonces, Kaplan había regresado a Atari tras fundar Activision para participar en el desarrollo del 'hardware' de una nueva plataforma. Al menos eso creía... Las promesas de sus superiores se desvanecieron por el camino y acabó ocupando el puesto de vicepresidente de 'software', justo por encima de Kiss. Una situación que a él, según contaban, no le motivaba demasiado, pues fundamentalmente su papel era asistir a reuniones.

Como no le contentaba su rol, decidió encontrar alicientes en otros aspectos de su cargo. Cuando llegó el momento de evaluar el trabajo de George Kiss para ofrecerle una renovación y una subida de sueldo, Kaplan vio una oportunidad de oro para añadir algo de diversión a su trabajo. No sabemos si previamente lo consultó o no con sus superiores, pero su decisión fue que la osadía de Kiss fuera lo que decantase la balanza a un lado u otro.

Así, cuando ambos se reunieron, el vicepresidente le dijo a su subalterno: “Lo estás haciendo bien, así que voy a darte a elegir. Puedes coger un aumento de XXXXX dólares [la cifra se desconoce] o puedes jugar una partida de Defender y tú puntuación final será tu nuevo salario. ¿Qué me dices, George?”. Y George, sin dudarlo, dijo que sí. “Vamos a jugar a Defender”, respondió acto seguido. Como era de esperar, el resultado que obtuvo fue elevado, por lo que Larry Kaplan tuvo que cumplir su palabra y ponerle un salario a la altura de su destreza dando caza a extraterrestres.

Algunos años más tarde, preguntaron a Kaplan si había hecho esa misma oferta a algún otro empleado de Atari y si tenía la certeza, cuando tomó la decisión, de que George Kiss sería incapaz de desplumar a la compañía. “No, nunca hice otra oferta como esa y sí, era una apuesta segura con George. Defender es un juego particularmente difícil de dominar y yo sabía de sus altas puntuaciones”, contestó la leyenda de los videojuegos.

Como buen jefe, seguro que ya se había percatado de que Kiss no podía pasar ni un solo día sin acudir a la sala de juegos. Como él mismo cuenta en el documental 'Once Upon Atari', obra de referencia para entender la compañía que fundaron Bushnell y Dabney, los videojuegos no eran solo el producto que creaban y vendían, ni siquiera un elemento más a la hora de tomar decisiones, sino que para algunos habían llegado a convertirse en todo un ritual.

“Cada mañana, cuando llegaba a trabajar, me iba directamente a la sala de juegos y no salía hasta que conseguía más de 100.000 puntos een Defender, RobotronRobotron y Millipede”, contaba George Kiss. Había ocasiones en que lograba estar en su puesto de trabajo en apenas 30 minutos, pero otras veces iba directamente a comer. Aquel era su triatlón diario de vieojuegos. No le importaba lo más mínimo el trabajo que podría acumularse o a qué hora iba a poder salir de la oficina. Sabía que antes de empezar a programar, a cumplir con aquello por lo que le pagaban, tenía que realizar ese ceremonial.

Así era trabajar en Atari. Una compañía en la que la creatividad y la improvisación demostraron dar muy buenos resultados, marcando un antes y un después en la historia de los videojuegos. ¿Que un maloliente Steve Jobs, que allí consiguió su primer trabajo, daba problemas y sus compañeros se quejaban? Se creaba un turno de noche para él donde lograba crear, con la inestimable colaboración de su socio Steve Wozniak, un nuevo éxito para la firma como fue Breakout.

No sabemos si los fundadores de Apple también se pasaban el día metidos en la sala de videojuegos. Lo que sí tenemos claro es que allí se lo debieron pasar en grande y que las bravuconadas se pagaban muy, muy caras.

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Las imágenes de este artículo son propiedad de Rob DiCaterino y Wikimedia

Los grandes arcade de toda la vida vuelven a estar de moda, sobre todo entre aquellos que no tienen decenas de horas para sumergirse con paciencia en un Triple A y prefieren echarse partiditas rápidas de diez minutos entre tarea y tarea.

Por eso no nos extraña que desde la mítica editora Atari hayan decidido liberar en su web toda una colección con algunos de sus juegos clásicos más potentes, incluyendo el Pong, Super Breakout, Missile Command, Centipide, Asteroids y Yars’ Revenge. Todos ellos están disponibles para jugar de forma completamente gratuita a través del navegador haciendo gala de un profundo lavado de imagen para adaptarse a los tiempos que corren.

De esta forma cualquiera, ya esté en clase, en la oficina o pasando la tarde tirado en el sofá, puede echarse un vicio para rememorar tiempos pasados en el caso de los jugadores ‘veteranos’ o bien descubrir los juegos clásicos que marcaron una era en el caso de los más mozos.

Atari acaba de anunciar que su nuevo proyecto, Pridefest, ya disponible. Un proyecto que, según la compañía, ha sido inspirado por el colectivo LGBTQ -Lesbianas, Gays, Bisexuales, personas Transgénero y otras personas no incluidas en estos grupos- y con el que intentan homenajearlos.

El juego consiste en un simulador social free-to-play, en el que usuarios de todo el mundo podrán conectar. El juego tiene opciones para charlar mediante chats, visitar a otros jugadores, montar desfiles, crear clubs, etc. Según las preferencias de los jugadores, las actividades disponibles variarán.

Según sus creadores busca emular “la atmósfera colorida y el espíritu inclusivo de los cientos de festivales del Orgullo que tienen lugar en todo el mundo”. Fre Chesnais, de Atari, ha comentado: “Pride es sólo una parte pequeña de la cultura diversa de LGBTQ, pero está centrado en la libertad de expresión, la búsqueda de la igualdad y compartir la celebración. Pridefest celebra el progreso que ha hecho la comunidad LGBTQ hacia la igualdad”.

Pridefest ya se puede descargar en la App Store para iPhone, iPad y iPod Touch, y en Google Play para dispositivos Android.

Hace ahora veinte años que Nintendo puso en marcha (el 21 de agosto fue su lanzamiento en EEUU) su particular y desastrosa forma de entender la realidad virtual: Virtual Boy. Una supuesta sofisticación del exitosísimo concepto portátil de Game Boy y que prometía mundos digitales grabados a fuego con fidelidad única en las retinas de los jugadores.

El resultado estaba muy lejos de ser perfecto: unas aparatosas gafas de plástico tan pesadas que no estaban concebidas para llevarlas en la cabeza, sino que debían estar apoyadas en un trípode sobre una mesa. El jugador se asomaba al visor de la Virtual Boy y veía una imagen estereoscópica en 3D, con efectos de profundidad nunca antes vistos. Aunque la impresión estaba relativamente bien conseguida, financieramente fue un desastre: solo 770.000 unidades vendidas en el breve periodo de tiempo que estuvo en las tiendas, una cantidad ridícula si la comparamos con los casi 62 millones de unidades de NES, 40 millones de Game Boy y los 20 millones que por entonces llevaba la Super Nintendo. El motivo, aparte de un exiguo catálogo de juegos en el que pocos destacaban por su calidad (quizás solo Virtual Boy Wario Land, de la propia Nintendo, alcanzaba el mínimo exigible) era que producía terribles migrañas y molestias en los ojos de los usuarios, hasta el punto que Nintendo instaló una especie de temporizador en la máquina que recordaba cada quince minutos a los jugadores que tenían que parar a descansar.

Los problemas de la Virtual Boy no solo eran técnicos. Nintendo se encontraba en aquel momento en una situación complicada debido a la presión de la competencia: la eterna rival de Nintendo, Sega, iba a lanzar la consola que marcó el inicio de su declive, Sega Saturn -aunque entonces no lo sabían, claro-; y Sony, que había sido traicionada por Nintendo en un culebrón demencial de espionaje industrial e innovación tecnológica, estaba a punto de arrasar en el sector con su Playstation. Nintendo no podía tener preparada su nueva consola, Nintendo 64, hasta 1996, y el presidente de Nintendo, Hiroshi Yamauchi, apretó las tuercas al equipo que estaba desarrollando Virtual Boy. Un equipo sobrado de capacidad, ya que al frente del mismo estaba Gunpei Yokoi, el llorado creador de la mítica Game Boy, pero no tan sobrado de recursos.

Nintendo, por entonces, acostumbraba a tener varios equipos de desarrollo trabajando simultáneamente en varios proyectos. El que acumulaba la mayor cantidad de recursos, esfuerzo y dinero era el liderado por Shigeru Miyamoto, que por entonces trabajaba en la creación de lo que se conocía como Ultra 64 y que se convertiría en la Nintendo 64. Miyamoto tenía todo el apoyo de Nintendo por su importancia histórica como creador de Mario o Zelda, y el desarrollo de Virtual Boy solo funcionaba a medio gas. Por eso no se intentó hacer un Mario en 3D para Virtual Boy, honor que superaría con nota el Mario 64 de Nintendo 64, y solo el vulgar Mario Tennis o el fallido experimento Mario Clash se permitieron usar la mascota de Nintendo en la nueva consola. A todo ello se sumaba una serie de desentendimientos con la auténtica dueña de la tecnología, la compañía norteamericana Reflection.

En cualquier caso, la Virtual Boy no era, pese a su nombre, un aparato de realidad virtual. Se trataba más bien de un dispositivo que generaba un efecto 3D, pero que aprovechó la fiebre por el concepto que se desató en los noventa para generar un mayor interés y camuflar una tecnología no del todo bien hilada con la idea del visor envolvente y que aislaba de la realidad física. El resultado no pasa de mera curiosidad -y de una historia de fracaso comercial absoluto para Nintendo, una que la compañía no está acostumbrada a protagonizar-, pero es un ejemplo más del interés que se ha tenido siempre (vinculado más o menos con el mundo de los videojuegos, pero no exclusivamente) por crear una tecnología capaz de generar entornos creíbles, vivibles pero inexistentes en el plano físico.

La historia de la realidad virtual está llena de ambición, fracasos y tecnología de vanguardia. Ahora que parece que una nueva oleada de dispositivos (Oculus Rift en cabeza) van a intentar, de nuevo, convertir la realidad virtual en realidad real, es buen momento para repasar sus logros y errores.

Mundos primitivos

Significativamente, la realidad virtual estuvo vinculada, desde sus primeros pasos, a la propia creación de gráficos con ordenador. Es decir, los gráficos computerizados se plantearon como una forma primitiva de realidad virtual. A principio de los sesenta, dos nombres propios destacaron con fuerza: Ivan Sutherland (que creó un casco-visor tan pesado que tenía que estar suspendido del techo para ser usado) y Tom Furness, que desarrolló tecnología inicialmente para la USAF (Fuerzas Aéreas Estadounidenses), donde dejó de trabajar porque su tecnología no se consideraba práctica.

Pero quien supo ver sus posibilidades espectaculares y como forma de ocio fue el artista y programador Myron Krueger, que ya a finales de los sesenta creó lo que él mismo bautizó como “Realidad Virtual”, fruto de sus investigaciones acerca de la colisión entre hombre y máquina. A partir de ese concepto, diseñó instalaciones que jugueteaban con la idea de la inmersión en un entorno digital, aunque a veces con medios analógicos. Por ejemplo, proyectaba imágenes de vídeo sobre el sujeto que estuviera participando en la instalación dentro de habitaciones a oscuras. De ese modo, al visitante le parecía estar en una realidad distinta a la habitual.

En los ochenta, la mítica Atari destinó buena parte de sus recursos a indagar en la realidad virtual, creando incluso en 1980 un departamento (Atari Sunnyvale Research Laboratory) destinado a investigar en el campo y, llegado el momento, implementarlo en las máquinas recreativas. Aún se estaban rascando la cabeza acerca de cómo superar el severo obstáculo del costoso casco en los muebles de las máquinas cuando tuvo lugar la famosa crisis del sector de 1982, el crack que casi destroza la industria del videojuego y que, paradójicamente, sobreviviría gracias a una Nintendo con la NES bajo el brazo y aún lejos de sus experimentos con Virtual Boy. Uno de los trabajadores de Atari afectados por la crisis, Scott Fisher, acabó trabajando en la NASA en 1985 continuando con la tecnología de dispositivo-casco impracticable en los videojuegos que estaba desarrollando en Atari.

Los inefables universos de la realidad virtual pop

Los años noventa fueron los de la asimilación, por parte del mainstream, de los códigos de la realidad virtual, una tecnología que estaba aún en pañales pero que prometía cambiar nuestra percepción de todo. ¿Los motivos? Un par de películas de éxito sobre el tema, el inicio del fetichismo por la tecnología en los tiempos previos a internet, el hiperrealismo en los videojuegos, los efectos especiales de las películas... Y también el advenimiento por parte de la cultura masiva de los tropos del cyberpunk, que empezó como una forma de criticar la inevitable deshumanización del futuro -cyberpunk, vamos, que el nombre ya lo dice todo- y acabó asimilado y regurgitado por la generación MTV, transformándose sus avisos humanistas iniciales en un mucho más frívolo “qué bueno es ser un cyborg”. Todo ello condujo a cierto entusiasmo mediático por la realidad virtual, pero lo cierto es que el tema aún estaba en pañales, pese al nacimiento de empresas como la británica Virtuality, ya orientadas por completo al campo del ocio.

Un testimonio que puede ayudar a entender hasta qué punto la realidad virtual se movía entre solo unos pocos está en el testimonio de Ben Delaney, periodista de la época, en la estupenda historia oral del fenómeno que publicó The Verge: “Trabajaba para PC World cuando uno de mis compañeros me dijo: 'Eh, hay una presentación interesante de esta nueva tecnología, la VR -realidad virtual-. ¿Quieres comprobar de qué va?' Consistía en 47 polígonos, todos de brillantes colores primarios, sin curvas y moviéndose a 5 o 10 frames por segundo. Era muy crudo, pero prometía muchísimo”. Fascinado con la tecnología dispuso reuniones con las dos o tres compañías más importantes, y junto a ellos creó el primer órgano informativo de la corriente tecnológica: CyberEdge journal, que arrancó en el mismo amanecer de la década, enero de 1991.

El mayor empujón que recibió la realidad virtual en los noventa vino de la mano del homebrew o desarrollo por parte de programadores aficionados. Y para ello, fue fundamental el abaratamiento de los costes de los dispositivos que controlaban los poco a poco más y más complejos mundos virtuales. El icono de esta fase fue el DataGlove. El auténtico héroe, el PowerGlove de Nintendo. El primero fue creado por Tom Zimmerman y Jaron Lanier, dos precursores de la realidad virtual desde los tiempos de Atari (empresa a la que en principio iba destinado el guante), pero acabaron colaborando con la NASA, soñando -afirma Zimmerman- con “astronautas arreglando satélites desde dentro de una cápsula espacial”. El guante financiado con ayuda de la NASA funcionaba tan bien que llegó a tener una breve vida comercial: era la primera vez que el gran público tenía acceso a un dispositivo así. Una versión más barata del guante, que llamaron Z Glove, fue la que después Nintendo convirtió en el icónico Power Glove en 1989. Lanier se convirtió en una estrella mediática, la cara más visible de la empresa creadora del DataGlove, VPL: un rostro tan identificable con la realidad virtual de los noventa como la famosa imagen de los amantes líquidos de El cortador de césped.

Por cierto, aunque la película de Brett Leonard no-basada en un relato de Stephen King fue recibida con frialdad en su día y hoy se considera poco menos que un testimonio de una época sin más valor que el documental, se preparó atendiendo a las últimas tendencias en realidad virtual del momento (el equipo que usaban los personajes era auténtico). Los casi diez minutos de secuencias CGI eran no poco riesgo en el momento, y aunque han anclado la película a su época, tuvieron un efecto importante en la consideración masiva de la realidad virtual. Otra cosa es que la gente pasara a creer que dentro de nada íbamos a estar experimentando sexo virtual con entes de mercurio.

A mediados de los noventa, como afirma The Verge, “la burbuja de la realidad virtual estaba a punto de estallar”. Durante unos pocos años las compañías se habían lanzado a producir cascos de realidad virtual empleando recursos cada vez más escasos, hasta el punto de generar una sensación en el público mayoritario de que la realidad virtual estaba ahí, eternamente a punto de llegar, pero no del todo. Espabilados fabricantes de mandos y dispositivos para las consolas del momento pusieron en el mercado cascos, guantes, sensores que se colocaban en el suelo y que simulaban espacios de realidad virtual, cuando era obvio que una consola u ordenador de la época no tenía la potencia necesaria para gestionar una simulación de ese tipo.

Sin embargo, alrededor de 1995 llegó internet, y con ello todo el panorama de la realidad virtual se vio matizado, por no decir reconvertido. Ese futuro prometido a principios de los noventa estaba aquí, solo que no de la forma en que se nos había descrito: quién necesitaba un visor para navegar por autopistas poligonales cuando la autopista estaba ahí, pero era intangible. El sueño de dejar momentáneamente la realidad física llegó con tanta fuerza que los aparatosos cascos de realidad virtual caducaron súbitamente, y la atención del mainstream se orientó en otra dirección. Afirma Linda Jacobson, miembro fundador de Wired, que “una de las discusiones más interesantes que tuvimos en Silicon Graphics a finales de los noventa era la de dejar de usar el término 'realidad virtual'. Parecía que estábamos hablando de juegos, y todo el mundo sabía que también era un eufemismo para pornografía”.

Realidad virtual: el presente

Después de toda una década en la que la NASA, el ejército estadounidense, algunos campos de la medicina como la microcirugía y, sobre todo, empresas japonesas de desarrollo de tecnología siguieron afinando las aplicaciones no-lúdicas de la tecnología de realidad virtual, llegamos a un inesperado giro en la situación. En 2012, Palmer Luckey anuncia su casco Oculus Rift, y la prensa se vuelve loca gracias a su enfoque claramente comercial y lúdico (aunque no exclusivamente: la industria del porno rápidamente tomó posiciones al respecto, lo que obligó a una -decepcionante pero esperable- respuesta de Oculus Rift).

La base del cambio ha llegado también gracias a la notable mejora en la tecnología que permite Oculus Rift: durante la pasada década, Luckey ha trabajado con viejos nombres de esta historia como Skip Rizzo o Mark Bolas, y han aprovechado la tecnología de realidad virtual que se estaba empleando para rehabilitación cognitiva y motora (y que dio sus primeros pasos, cerrando el círculo, cuando Rizzo vio en los noventa a un chico enfermo jugando con una Game Boy y decidió crear aplicaciones de rehabilitación que se controlaban... con una Power Glove). A pesar de lo aparatoso de Oculus Rift, la sencillez del hardware (qué lejos han quedado los tiempos en los que el casco pesaba tanto que tenía que colgar del techo) y, sobre todo, lo accesible económicamente que resulta (debido a que las lentes son infinitamente más baratas que las necesarias hace unos años) han resucitado el interés en esta forma expresiva. Es interesante subrayar, como hace Luckey cada vez que se le pregunta, que esta tecnología ya estaba disponible hace una década. Simplemente, era inasumible para el gran público, y la prensa especializada había perdido el interés después de unos cuantos años hinchando la burbuja.

Resulta notable la sencillez con la que Oculus Rift ha tomado al asalto, de nuevo, los medios: al fin y al cabo, quién puede resistirse a una buena historia sobre cómo trascenderemos en breve la realidad física. La aparición en el juego de un gigante de internet como Facebook (volvemos a la Red como una realidad virtual que siempre ha estado ahí, aunque quizás no como esperábamos) vuelve a dejar las cosas claras: estamos ante algo tangible, no el sueño de un puñado de ingenieros del MIT. Y casi como eco de esa confianza, grandes compañías como Valve con su Vive, Microsoft con su peculiar interpretación de la realidad aumentada vía hologramas o Sony siguen haciendo avanzar la tecnología vinculada a la realidad virtual (se dice que Project Morpheus, el casco de Sony orientado al universo Playstation, tiene una tecnología tan avanzada que deja a Oculus Rift a la altura de los noventa). Toda una avalancha de constantes anuncios y avances que hacen complicado imaginar hasta el futuro más inmediato en este campo. Un campo con el que llevamos soñando desde hace casi medio siglo.

Parecía que Baldur's Gate: Enhaced Edition iba a ser otra mera remasterización, un intento por atraer a los fans de este clásico de los RPG, pero parece finalmente será algo más. ¿El motivo? El juego recibirá una expansión exclusiva, tal y como Beamdog anunció ayer durante un streaming en directo.

El nombre de este contenido será Siege of Dragonspear, e introducirá siete nuevos episodios junto a 70 nuevas áreas, perfectos para ampliar la experiencia de los jugadores y permitirles explorar más a fondo el mágico mundo de Baldur's Gate. Además, la expansión incluirá una nueva clase, Chamán, que podrá invocar fantasma y lanzar hechizos de druida.

Eso no es todo, ya que la expansión introducirá una nueva interfaz de usuario, con un sistema de viaje mejorado y barras de salud opcionales durante los combates. Además, el juego contará con dos nuevos modos de dificultad, el modo historia, menos desafiante y centrado en la narrativa, y el modo Legacy of Bhaal, la dificultad definitiva para los jugadores más hardcore.

De momento habrá que esperar para hacerse con esta expansión, ya que todavía no se ha anunciado su fecha de lanzamiento. Pero, sin duda, miles de fans ya se están frotando las manos, ansiosos por probarla. ¿Eres uno de ellos?

Asteroids: Outpost ya se encuentra disponible en Steam como juego con acceso anticipado, lo que significa que, aunque no esté terminado, ya podemos comprarlo, descargarlo y empezar a disfrutar del que quiere ser el reboot de uno de los mayores clásicos de la historia de los videojuegos.

Sin embargo hay que tener clara una cosa. Entre el Asteroids original han pasado muchos, muchos años. Tantos que sus responsables, la editora Atari, parecen haber olvidado cómo era el título que a finales de los años 70 marcó un antes y un después. Outpost no tiene casi nada que ver en materia jugable, siendo básicamente un shooter en primera persona que quiere aprovechar el nombre de la franquicia para abrirse un hueco.

Ahora sabemos que Asteroids: Outpost es la primera piedra en el camino para la recuperación de otras múltiples franquicias míticas por parte de Atari. Así lo ha confirmado el COO de la compañía, Todd Shallbetter, afirmando que quieren hacer equipo con jóvenes talentos que les ayuden a darle un toque refrescante a su catálogo de juegos, por lo que podemos esperar toda una serie de relanzamientos durante los próximos tiempos.

Entre los nombres citados están Wardlords, Adventure, Tempest y Missile Command; pero por ahora parece que tan sólo son consideraciones a tener en cuenta y no proyectos en firme, por lo que habrá que estar muy atentos a futuros anuncios.

Hay nombres que, por muchos años que pasen, siguen siendo muy rentables. Prueba de ello es el rescate por parte de Atari de Asteroids, una de las franquicias históricas del mundo de los videojuegos al ser considerado el juego original como uno de los principales clásicos de la época dorada de los arcade.

Así nace Asteroids: Outpost, título que por lo que sabemos poco o absolutamente nada tiene que ver con el primer Asteroids, puesto que, siendo exclusivo de PC, tratará de ofrecer una experiencia completamente online siguiendo mecánicas propias de los juegos de mundo abierto.

Ambientado en un futuro muy lejano, tendremos que explorar el universo recolectando diferentes recursos para la fabricación de vehículos y nuevas armas, mientras colaboramos con otros jugadores o nos enfrentamos a ellos. De esta forma, todo huele a una mezcla de supervivencia-sandbox, dos géneros muy de moda en la actualidad.

Se espera que Asteroids: Outpost aterrice en Steam Early Access durante el mes de marzo de este mismo año, aunque la versión final del juego no estará lista hasta unos meses después.

La desarrolladora Beamdog por fin ha confirmado lo que muchos sospechábamos, que su misterioso proyecto “Adventure Y” es nada más y nada menos que una nueva entrega de Baldur's Gate, la saga de rol creada hace años por Bioware. Y no sólo eso. Además, el lanzamiento del juego está previsto para este año.

Beamdog fue el equipo encargado de desarrollar la versión remasterizada de los dos primeros títulos de la saga, cuyo éxito inició los rumores de que antes o después el estudio comenzaría a trabajar en la tercera entrega. Unos rumores que han resultado ser correctos en parte, porque si bien es cierto que habrá un nuevo juego de la serie, no será el esperado Baldur's Gate III.

El nuevo juego estará temporalmente ambientado entre Baldur's Gate I y Baldur's Gate II, y será una aventura a modo de spin-off que profundizará en el complejo universo de la saga con el objetivo dar más detalles y contenido a los jugadores. Eso no significa, sin embargo, que no existan planes para una tercera parte.

“Mentiríamos si dijésemos que nunca pensamos en hacer un Baldur's Gate III, así que no diremos eso” ha dicho el estudio. “Pero diremos que todavía no hay nada relacionado con BGIII o con la quinta edición [de Dungeons & Dragons]”.

El juego utilizará un motor Infinity Enhanced Engine, el mismo que se empleó en las remasterizaciones de las dos primeras entregas. Se desconocen más detalles del título, pero Beamdog ha confirmado que pronto darán más información.

Hubo una época en la que se desarrollaban simuladores de casi todo, aunque por suerte con cierto criterio. Nos explicamos: en vez de lanzar al mercado simuladores absurdos de gato, cabra, tostada, piedra y fumador con el mono (ejemplos todos ellos 100% verídicos), podíamos disfrutar de juegos de gestión de hospitales, de parques de atracciones o de ciudades enteras, y aunque hoy en día estos juegos siguen existiendo, casi parecen minoría ante tal continuo aluvión de chorradas disparatadas.

Por ello nos alegramos de que desde Bandai Namco hayan decidido confirmar la llegada de RollerCoaster Tycoon World a Europa para PC a comienzos de 2015, tratando de recuperar el mítico videojuego de construcción de parques de atracciones que tanto nos gustó a comienzos de siglo.

Según reza su comunicado de prensa, “RCTW cuenta con todas las divertidas características que tanto gustan a los aficionados, tales como diseñar tu propio parque con diferentes atracciones y tiendas que tendrás que gestionar. Los jugadores también podrán unir fuerzas con sus amigos de todo el mundo para formar una gran corporación de parques de atracciones y competir contra otras corporaciones del mundo”.

En otras palabras, que contará con un enfoque más propio de estos tiempos, ofreciendo diversas funciones sociales y multijugador online sin perder por ello sus señas de identidad, como por ejemplo el permitirnos construir atracciones totalmente personalizadas.

Puede que Atari no sea la firma que fue en los ochenta, cuando por así decirlo cortaba el bacalao con cada uno de sus míticos lanzamientos. Pero es innegable que ahí está, tratando de resurgir una vez más con proyectos prometedores como el nuevo Alone in the Dark.

Y sinceramente, nos alegra poder recoger noticias suyas de vez en cuando, más aún cuando tienen que ver con su futuro inminente como es el caso, dado que Fred Chesnais, CEO de la compañía, ha revelado su interés por embarcarse en la realidad virtual tal y como ya están haciendo firmas como Facebook, Sony, Microsoft y Valve:

“Seguimos impresionados con los avances tecnológicos en la realidad virtual, creo que mejoran la jugabilidad y la llevan a un nuevo nivel. Hemos tenido conversaciones con Oculus y estamos considerando la integración de la realidad virtual en nuestros futuros juegos”.

Eso sí, Chesnais no ha revelado aún qué posibles juegos podrían dar soporte a Oculus Rift, el casco que está desarrollando Oculus VR, compañía comprada por Facebook en marzo de este año, así que habrá que permanecer a la espera de nuevas pistas.

Muchos recordareis los juegos arcade, que podían encontrarse en cualquier recreativo y tanto éxito tuvieron entre los más jóvenes. Su época dorada fue la de los 70, 80 y 90, décadas en las que desarrolladoras como Nintendo, Atari, Capcom o Sega lanzaron cientos de títulos de este estilo. Si recuerdas estos juegos con una sonrisa estás de suerte, porque a partir de hoy podrás volver a jugarlos en tu navegador de Internet.

La organización sin ánimo de lucro Internet Archive ha puesto a disposición de los usuarios 900 juegos arcade clásicos, que podrán emularse en el ordenador usando el JavaScript Multi Emulator Super System (JSMESS), un paquete de software gratuito. Los controles se manejarán con el teclado y los juegos serán compatibles con cualquier navegador, aunque recomiendan Firefox para un pleno rendimiento.

El operador de Internet Archive Jason Scott ha comentado en una entrada de blog este proyecto, y ha confesado que su esperanza es que “un grupo de gente, un pequeño porcentaje, comenzará a encontrar maneras de usar este contenido para investigar, escribir y estudiar los juegos clásicos para entender su contexto”.

No es la primera vez que Internet Archive realiza un proyecto de este tipo. Hace un año distribuyó una Colección de Software Histórico, compuesto por juegos clásicos de consola y ordenador. La organización ha asegurado que su objetivo es preservar estos juegos para evitar que desaparezcan con el paso del tiempo.

A comienzos del pasado mes de septiembre os informábamos de la decisión de la mítica editora Atari de recuperar dos de sus marcas de terror más queridas, Haunted House y Alone in the Dark, el primero con aventura de puzles y elementos sobrenaturales orientada al jugador individual y el segundo en forma de título de supervivencia con un fuerte componente cooperativo online.

Hoy nos toca hablar en exclusiva del segundo, un juego bautizado como Alone in the Dark: Illumination que como decimos busca ofrecer una propuesta de acción y terror en tercera persona orientada al disfrute en compañía sin olvidar mecánicas vistas últimamente en el género, como la importancia de la exploración de los escenarios para encontrar ítems que nos den ventaja en una constante lucha por sobrevivir en un entorno plagado de criaturas demoniacas.

Illumination nos permitirá elegir entre cuatro personajes, cada uno equipado con unas armas determinadas y con las correspondientes habilidades especiales. El cazador por ejemplo cuenta con armas de fuego de precisión a larga distancia, la bruja utilizará poderes sobrenaturales, el sacerdote hará uso de ‘habilidades divinas’ y el ingeniero es capaz de fabricar ciertos ítems para atacar o defenderse, por lo que se espera que la combinación de las diferentes habilidades de estos personajes sea clave para superar con éxito las partidas cooperativas a cuatro jugadores.

A pesar de que por ahora se desconoce su fecha de lanzamiento, por parte de Atari han confirmado que Illumination ya puede reservarse para PC en Steam al cambio de 30 dólares, contando con una edición especial ‘Eldritch Edition’ que incluye un skin de edición limitada, armas y el acceso temprano a la beta.

Por otro lado aún no se sabe nada de su posible llegada a otras plataformas como Playstation 4 y Xbox One.

Queda claro que el género de terror, zombies, y demás videojuegos terroríficos están viviendo una segunda época dorada y no era de extrañar que personajes tan influyentes como Shinji Mikami, padre de Resident Evil, John Romero de Doom o como es el caso que nos atañe en este momento, Fréderick Raynal, uno de los máximos responsables de que pasáramos algunos de nuestros primeros momentos de tensión en los noventa con Alone in the Dark, vuelvan a saltar a la primera plana de la actualidad con su nuevo proyecto.

Los que están un tanto hartos de los “refritos” que una y otra vez suelen venir acompañados a títulos con cierto renombre aprovechando su popularidad y exprimiéndoles hasta la última gota, pueden respirar tranquilos porque Raynal en esta ocasión no viene para traernos de vuelta Alone in the Dark, pero sí el género Survival horrorhorror con un nuevo título llamado 2Dark. Se trata en cierta manera de homenajear los clásicos del cine de terror de sustos y casquería para aglutinarlos en una aventura en 2D con una estética bastante particular, por lo que estamos seguros de que cuanto menos será una propuesta “diferente”.

Según hemos podido comprobar en Ulule, el equipo de trabajo del que Raynal se ha valido para llevar a cabo este proyecto es el equipo de desarrolladores de Gloomy Wood, que esperan recaudar la cantidad requerida (unos 30.000 euros) para que el proyecto finalmente vea la luz mediante una campaña de Crowdfunding.

2Dark estará protagonizado por Mr.Smith un agente de policía que se embarca en la investigación del misterioso secuestro de niños a manos de una serie de psicópatas. Según parece 2Dark jugará con nuestras mentes para que pasemos miedo hasta decir basta con todos los ingredientes clásicos del terror psicológico. El éxito de la campaña ha sido casi instantánea y si eres uno de esos que confía en las viejas glorias de la industria, aún estás a tiempo de colaborar con este proyecto que finaliza su campaña de crowdfunding en Ulule dentro de 32 días.

Son muchas las razones por las que muchos añoramos los 90: los chicles Boomer, los yogures de Casper, el sabor de los Bollicaos de entonces, y por supuesto, los cartuchos de nuestras consolas.

Otros podrán pensar: “Ya está el abuelo cebolleta otra vez contando sus batallitas”, pero lo que probablemente no sepas es que este abuelo cebolleta, perteneció a una generación que durante años tenía que ahorrar la paga de los domingos para poder comprarse ese cartucho que tanto ansiaba; que organizaba viciadas multitudinarias a pantalla partida en el salón de su casa (y si eran juegos para un solo jugador decíamos aquello de “una vida cada uno”); que tenía que soplar en los circuitos para que no saliera nada raro en la pantalla; que alucinaba con el anuncio de la “Ultra 64”, lo máximo a lo que se podía aspirar; y que se compraba la “lupa” para no dejarse los ojos en la pantalla de la mítica Gameboy.

Definitivamente, con los cartuchos se vivía una época muy diferente en la industria del videojuego, mucho más desenfadada, y sin tanto bombo mediático. Quizás en parte debido a las limitaciones de comunicación de la época, casi cualquier avance, por mínimo que fuera, nos parecía algo increíble. Una de las cosas que se han perdido hoy en los videojuegos de hoy respecto a los de entonces es precisamente la capacidad de sorprender. Todas las compañías tienen equipos potentísimos, y grandes medios, y a pesar de los avances tecnológicos, las evidentes mejoras en materia gráfica y los enormes presupuestos que se barajan, puede que estemos viviendo un momento de techo que nadie se sabe a ciencia cierta de qué forma puede acabar.

A pesar de que los cartuchos era el estándar en aquella época, tampoco fueron pocos los debates sobre tiempo restante de vida útil que les quedaban dada la creciente demanda de los nuevos soportes físicos de almacenamiento. Esta guerra comenzó a gestarse sobre todo en la época en la que Sega Saturn y DreamCast junto con PlayStation comenzaron a convivir con los las consolas que todavía los usaban, y que con Nintendo 64 quedaron enterrados para siempre a pesar de sus virtudes, como la rapidez de acceso y la ausencia total y absoluta de tiempos de carga.

Pero había a quién le importaba un bledo el ocaso de una tecnología obsoleta, y tras grandes consolas como Megadrive o Super Nintendo, la consola de 64 bits de Nintendo creó tanta expectación entre los jóvenes noventeros que era la principal promotora de ventas de revistas en los quioscos, y por supuesto, se trataba del regalo estrella en cualquier celebración, tal y como demuestra la prueba adiovisual aportada por el usuario Raw64life:

Bien es cierto que quizás en la guerra de las consolas de entonces, Nintendo 64 no tuvo rivales fáciles, porque a pesar de “superar en 32 bits” a PlayStation y Saturn, éstas presentaban otras nuevas tecnologías que también vendían, como el uso del disco, con esa mayor capacidad para almecenar datos que permitía juegos de dimensiones impensables. Por supuesto, también había otro interés que poco importaba al jugador: la evidente reducción de costes de fabricación. El tiempo al final le dio la razón, y es que tal y como podemos confirmar hoy en día, ciertamente se trataba del futuro.

Con las nuevas generaciones se perdieron los cartuchos, y toda la subcultura que les rodeaba. Pero llegó una segunda época dorada con los CD, DVD y en menor medida, con los recientes Blu-Ray, donde hemos conocido y rebasado fronteras que de otra manera jamás habrían sido posibles. Ahora bien, los amantes de los discos que se vayan preparando, porque los nuevos tiempos vienen pisando fuerte y es posible que dentro de no demasiado, tengamos que despedirnos definitivamente del resto de formatos físicos y alguien acabará escribiendo un artículo nostálgico hablando de aquellos entrañables discos redondos y brillantes.

Las nuevas tendencias auguran que esta industria seguirá creciendo e innovando en direcciones muy diferentes, ya ocurre con el juego online y los juegos descargables, pero todo apunta a que el asunto irá un paso más allá como el juego en streaming donde ni siquiera necesitaremos contar con un aparato en una de las estanterías del salón.

A pesar de que el futuro nos depara nuevos y espectaculares títulos alojados en un servidor a miles de kilómetros, seguro que lo que nadie consigue, será equiparar el encanto de apilar enormes cajas para hacer lucir nuestra colección de juegos, ni de revvir ese momento mágico al abrir un regalo y poder palpar ese último lanzamiento antes de insertarlo en su ranura, ni de soplar esos circuitos para asegurarnos que todo funciona correctamente...

Por cierto, parece ser que todos estos años hemos estado equivocados, porque según se ha descubierto en un estudio publicado en el medio Mentalfloss, el famoso soplido que todos los niños y no tan niños de la época aplicábamos a nuestros cartuchos eran completamente inútiles, en todo caso servían para fastidiar a largo plazo los propios circuitos.

¿Cuántos de vosotros no habéis pensado en más de una ocasión desempolvar vuestra vieja reliquia, llevarla a cualquier tienda de segunda mano y ver cuánto os ofrecen por vuestro fósil consolero? La mayoría de las veces nos habremos vuelto a casa con la sensación de que nos han intentado estafar con apenas unos miserables euros por esa “máquina” o ese juego tan retro y que tantas alegrías y horas de diversión nos dieron hace años.

Este no es el caso de un coleccionista que ha puesto a la venta unos juegos que harán rememorar tiernos recuerdos de muchos que ya se encuentran en la peligrosa barrera de los treinta. La noticia no sería de ningún interés de no ser porque el precio desorbitado que poseen ambos productos en ebay.

Hablamos en primer lugar de Primal Rage para Mega Drive 32 X, aquel juego que allá por los noventa fue publicitado hasta la saciedad y que concretamente en el año 1994 a todos los niños nos parecía “un pasote” por su violencia explícita y sus gráficos revolucionarios. Todo coleccionista o nostálgico que se precie podría adquirir esta joya por un precio de salida de unos 3.000 euros, si es que no tienes nada mejor en lo que gastarlos, claro.

En segundo lugar, también se ha puesto en venta otro juego, en este caso algo más raro pero no por ello menos retro. Se trata de T-Mek la adaptación al 32X de las recreativas de Atari y que nos ponían al volante de una especie de tanque-aerodeslizador que tuvo una acogida bastante pobre. Puede que se trate de esas “bizarradas” que debido a lo malo que fue el juego, precisamente pase a ser un artículos de culto. Sea como fuere, también haya alcanzado un precio bastante elevado: 2.300 euros.

Cabe hacer una mención especial a esa vapuleada plataforma que fue Megadrive 32X, que junto a otras, como 3DO de Panasonic o el Virtualboy de Nintendo, que no supieron adaptarse a las tendencias del mercado, y que debido al poco tirón que tuvieron, a día de hoy convierte a todos los propietarios de algún artículo relacionado, en dueños de un auténtico tesoro.

Atari ha anunciado en la PAX Prime, que ha tenido lugar este fin de semana en Seattle, el retorno de Alone in the Dark Ilumination. Con motivo de ello ha distribuido las primeras capturas de pantalla.

Puede que Atari ya no sea la marca pionera que fue en los setenta y ochenta, pero sin lugar a dudas sigue vigente en el panorama actual gracias en gran parte al buen número de reconocidas licencias que atesora. En este sentido la firma responsable del mítico Asteroids ha anunciado en el marco de la PAX Prime 2014 el retorno de Alone in the Dark y Haunted House, dos de las franquicias de terror más famosas de todos los tiempos, con un lanzamiento previsto para este mismo otoño en PC.

Por un lado tendremos Alone in the Dark: Illumination, título que buscará el revivir de sensaciones pasadas entre los amantes del terror clásico, dado que el título original lanzado en 1992 es considerado por muchos como el padre del género survival horror. Ahora el estudio Pure FPS busca reimaginar este título aprovechando las últimas técnicas de iluminación para crear una atmósfera mucho más perturbadora, siempre bajo una perspectiva en primera persona, añadiendo toques de supervivencia y un multijugador cooperativo. Contará con entornos dinámicos, una buena variedad de criaturas dispuestas a darnos caza y personajes diversos en cuanto a habilidades y armas especiales, como el cazador, la bruja, el ingeniero y el sacerdote.

En cuanto a Haunted House, esta nueva entrega llevará el sobrenombre de Cryptic Graves, contando con un enfoque exclusivamente individual. La idea es sumergirnos en una aventura de terror repleta de puzles y elementos sobrenaturales, con un protagonista que podrá hacer uso de poderes únicos, habilidades psíquicas con las que erradicar a los espíritus y monstruos que infestan la finca Abbadon Grange. El Haunted House original data de 1982, por lo que ya os podéis imaginar lo mucho que ha llovido desde entonces.

Atari es una de esas marcas míticas de la historia de los videojuegos, siendo la responsable de algunos de los títulos más famosos de todos los tiempos como Pong, Asteroids o Defender entre comienzos de los años setenta y los ochenta. Sin embargo no todo en su ya tan extenso currículo son éxitos ni muchísimo menos, ya que también abundan los escándalos y las caídas en desgracia. De hecho muy atrás quedan los tiempos en los que incluso fabricaban consolas como la Atari 2600, por lo que su edad de oro sólo es recordada por los jugadores más veteranos.

A día de hoy hablamos de una pequeña editora demasiado lejos de las grandes compañías como Activision o Electronic Arts, algo que parece escocer en la memoria de Nolan Bushnell, uno de sus cofundadores, quien en Reddit no ha dudado en divagar sobre lo que Atari podría haber sido a día de hoy de no haber tomado ciertas decisiones corporativas y comerciales un tanto erróneas e incluso disparatadas.

Bushnell de hecho no parece tener reparo alguno en señalar a Warner Communications como la principal responsable de su hundimiento después de que él mismo vendiera Atari a la multinacional en 1976. Se supone que durante los años siguientes la editora cosechó sus mayores logros, dándose el auge de la Atari 2600 y pasando a ser la empresa de mayor crecimiento de los Estados Unidos dominando por completo el mercado de las videoconsolas domésticas, hasta que en los ochenta comenzó su lento declive debido en parte a la fuerte competencia.

El problema según Bushnell es que Warner cambió por completo el modo en el que ellos hacían las cosas, lo que dio lugar al fin de su cultura empresarial y su posterior caída en desgracia. De no ser por ello señala que ahora mismo aún seguirían en la cresta de la ola. Pero claro, esa es tan sólo su opinión, ¿no?

Que Atari no es lo que fue hace 30 años es algo que cualquiera ve, pero su nuevo CEO tiene grands ideas para una posible expansión en el negocio del hardware, a pesar de que no piensa exactamente en una nueva consola de videojuegos.

“Es más que una simple marca de software... es una marca de hardware”, decía Frederic Chesnais en una reciente entrevista. “No quiero decir que sea una marca de hardware en primer lugar, sino que también es una marca de hardware. Así que estamos buscando cuidadosamente qué hacer... ya sabes... tenemos una réplica de la primera Atari 2600, pero algo que queremos anunciar con cuidado en el transcurso de los próximos años es que, con la nueva licencia y los socios adecuados, construiremos la marca no sólo en el espacio de software, sino en el de hardware.”

Chesnais no pretende recuperar su posición como el fabricante de consolas que fue, sino que tiene su mirada puesta en las posibilidades que se extienden más allá de los juegos.

“Yo no estoy hablando de una nueva consola... un reloj, imagina un reloj de juegos. No es que lo vayamos a hacer, pero piensa en algo así.” Esto no significa que Atari se vaya a embarcar en la fabricación de relojes como aquellos que nos amenizaron horas construídos por Casio.

De todo lo dicho, lo único que queda claro es que Frederic Chesnais tiene un horrible don de la palabra, y se explca como un libro cerrado.