Sala Russafa cierra la sexta edición de su Festival de Talleres de Teatro Clásico esta semana y las puertas del centro cultural hasta después del verano con una original propuesta.

La última obra en pasar por el escenario del teatro de Russafa esta temporada será de la compañía de Puerto de Sagunto Pezenleagua. Tras su paso por Rumanía, estrenan en Valencia su montaje de Bodas de Sangre (el 8 y 9 de julio), que apuesta por la diversidad sexual.

Mariola Ponce dirige esta popular tragedia, escrita por Federico García Lorca en 1931, a partir de un hecho real ocurrido en Níjar unos años antes. Sobre las tablas se recrea una unión sustentada por las relaciones familiares, las imposiciones sociales y las apariencias. Un matrimonio que, como el título de la obra indica, se verá abocado a un trágico desenlace por culpa de un amor fuera de las convenciones, que en este caso protagonizan dos mujeres.

Con la vida y la muerte como temática central, personajes alegóricos como la parca o la luna se integran en un texto lleno de simbolismo y belleza que ha contado con numerosas versiones escénicas y algunas cinematográficas. Una de las piezas más representativas del teatro de Lorca, de profundo sabor andaluz. La actualización de todo un clásico en la que las sombrías pasiones y los celos conducen un intenso triángulo amoroso al que la homosexualidad aporta una nueva lectura.

La compañía barcelonesa Titzina Teatro juega con el entorno presidiario y de la judicatura para invitar al espectador a que analice las causas de la felicidad

¿Es feliz una persona que envía a otra a la cárcel? Es la pregunta que se hicieron Diego Lorca y Pako Merino y dio origen a su última obra. Los creadores y actores de la compañía barcelonesa Titzina Teatro proponen una serie de escenarios en los que invitan a responder a la complicada cuestión: qué nos hace felices.

La cárcel es, según la descripción de la obra, el lugar donde se anula el libre albedrío, la autonomía, la compañía de amigos y familiares. Las premisas de la felicidad, la base de análisis de Distancia 7 minutos, que ofrece sus últimos espectáculos hasta el domingo 19 de nomviembre en Valencia.

Los autores querían hablar de la esta obsesión del ser humano y primero trabajaron con presos, después con jueces y finalmente introdujeron sus propias experiencias vitales sobre las relaciones paternofiliales. El resultado, un puzzle que combina humor, emociones e historias reales para invitar al espectador a que vaya descubriendo -o construyendo- su visión del concepto.

Distancia 7 minutos se proyectará por última vez en Valencia esta temporada del 16 al 19 de noviembre en la Sala Russafa, en el marco de su ciclo de compañías nacionales. Como despedida del circuito, la próxima semana (del 23 al 26 de noviembre), el teatro estrena La voz dormida, de los toledanos Euroscena.

El argumento de la obra sitúa a los jueces en el centro del escenario. Coincidiendo con una expedición estelar, Félix, un experimentado magistrado, se ve obligado a abandonar su casa, afectada por una plaga de termitas, y a instalarse durante unos días en el domicilio de sus padres. El entorno profesional así como la convivencia con su autoritario padre, sacarán a relucir temas indispensables en nuestro día a día, a veces machacados e ignorados por la rutina.

Por sexto año consecutivo, arranca el VI Festival de Talleres de Teatro Clásico de Sala Russafa, que extenderá su programación hasta el 9 de julio con cuatro propuestas que revisitan grandes piezas de la historia de la literatura dramática mediante acercamientos originales, actualizaciones o revisiones. Una demostración de la vigencia, interés y potencialidades de textos, historias y personajes que, pese a estar escritos en otras épocas, son capaces de ofrecer una visión del presente cargada de significados.

El 16 de junio comienza esta sexta edición con el estreno de una versión de la obra maestra de Luigi Pirandello, Premio Nobel de Literatura. Iria Márquez firma la adaptación y dirige a los egresados del Taller de Teatro para Adultos en '7 personajes en busca de autor', que estará en cartel hasta el domingo 18 de junio y supone un nuevo acercamiento a uno de los máximos exponentes del teatro del absurdo, estrenado en Italia en 1921.

La pieza presenta a una serie de personajes que se aparecen en los ensayos de una obra teatral buscando a alguien que dé cuenta de su trágica historia. Esta curiosa familia se sumará al equipo artístico de la compañía en una original trama en la que cae la cuarta pared para mostrar el teatro desde dentro.

Márquez aporta nuevos caracteres (de ahí la leve variación del título original de la pieza) y el contraste temporal, ya que los ensayos se sitúan en 2017 mientras que los personajes que se aparecen fueron escritos a principios del siglo XX. Además, juega a crear confusión en el público gracias a que, literalmente, rompe los límites del escenario para extender la representación a todo el patio de butacas, dificultando discernir qué forma parte del espectáculo y qué no.

Desde el disfrute de la comedia, 16 actores muestran los procesos de la creación escénica y se echa una mirada crítica a la teatralidad que tiñe la vida cotidiana. En una sociedad en la que cada vez más personas construyen personajes de sí mismos en las redes sociales y juegos virtuales, la obra invita al espectador a repensar la diferencia entre realidad y ficción.

Tras este arranque con Pirandello, el festival programa una curiosa versión de 'El burlador de Sevilla' (el 23, 24 y 25 de junio), de Tirso de Molina, también dirigida por Márquez. En esta ocasión se sitúa la acción en los años 80’ -con banda sonora de grupos como The WatterBoys o David Bowie, entre otros- para releer el mito del Don Juan en un montaje que denuncia micro-machismos y machismos.

La programación continúa con una versión de 'Trabajos de amor perdidos' de William Shakespeare (del 29 de junio al 2 de julio) escrita y dirigida por Chema Cardeña. El espectáculo incluye sorprendentes versiones en directo de Frank Sinatra o Dean Martin entrelazadas en la famosa trama de guerra de sexos, que esta vez se traslada al escenario sobre un tablero de ajedrez en el que los personajes encarnan una pieza concreta y sólo pueden interactuar con el resto respetando las reglas de movimiento del juego.

La selección de piezas del VI Festival de Talleres de Teatro Clásico de Sala Russafa incluye a una compañía invitada, Pezenelagua. Tras su paso por Rumanía, estrenarán en Valencia su montaje de 'Bodas de Sangre' (el 8 y 9 de julio), de Federico García Lorca.

Además de estas propuestas para adultos y como anexo al festival, Sala Russafa estrena este domingo 18 de junio la pieza familiar '¿Batallitas?... ¡no, gracias!', fruto de su Taller de Teatro para Niños. Sus pequeños integrantes, futuros grandes actores, estrenan una comedia sobre lo absurdo de la guerra. Una propuesta en la que se alternan diferentes sketches y escenas independientes, firmadas por autores como el dramaturgo Tomás Afán, la propia directora de la pieza, Amparo Vayà, o el cómico Gila.

Un popurrí de situaciones divertidas que invitan al público familiar a preguntarse para qué sirve una guerra, quién y dónde está el enemigo y, realmente, quién quiere ir a la batalla.

El número 16 de la revista en papel de eldiario.es, 'La ciudad civilizada', aborda cómo la movilidad sostenible transforma de manera radical nuestras ciudades, agobiadas por la contaminación y el ruido.

En eldiario.es hemos organizado un encuentro para nuestros socios, socias y lectores el próximo miércoles 14 de junio a las 19.30 horas en la Sala Russafa (C/ Dénia, 55, Valencia) donde hablaremos de los actuales retos de la movilidad sostenible para caminantes, bicis y transporte público.

El debate estará moderado por Gumersindo Lafuente, coordinador de la revista de eldiario.es, y contaremos con la presencia de Joan Ribó, alcalde de Valencia, usuario histórico de la bici; Pilar Gil, ingeniera de caminos, especialista en movilidad e impulsora del camino escolar; Paco Tortosa, geógrafo, viajero, fotógrafo, autor de 'España en bici' y apasionado de la movilidad sostenible; y Patricia Bellver, senior project manager de ETRA, especialista en smart cities, transporte y movilidad, ingeniera técnica. Al final del mismo abriremos un espacio para escuchar vuestras opiniones y debatir sobre cómo conseguir mejores ciudades.

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¡Te esperamos!

Que un espectáculo esté en escena desde 2011 y no sea un musical de Broadway, es casi un milagro. Pero que, además, sea una pieza tan poco convencional como Ultrashow, es la prueba de la constante renovación de públicos, creadores y formatos en las artes escénicas.

A medio camino entre la performance y el monólogo de ‘stand-up commedy’, esta propuesta nació en 2004, en los corrillos de la facultad de Bellas Artes de Barcelona. Noguera empezó a experimentar hasta dar con la fórmula perfecta para expresar y explicar sus pensamientos: una especie de conferencia desnortada, en la que ideas, conceptos, dibujos e imágenes mentales se amontonan, se asocian y se desmontan en una suerte de collage tan desconcertante y absurdo como divertido.

“El propósito no es el humor, el humor es el camino. Yo no me inventado nada, sólo me he apropiado de una comicidad que compartimos muchas personas”, explica Noguera, quien reconoce que ya no se ve capaz de hacer otro espectáculo que no sea el Ultrashow.

Según un comunicado de Sala Russafa, desde hace siete años empezó a representarlo con regularidad en Madrid, Barcelona, Zaragoza, Alicante, Sevilla y algunas ciudades del País Vasco y Galicia. También en Valencia, donde ha agotado las localidades en varias de las ocasiones en que ha visitado Sala Russafa.

“Mucha gente repite porque el contenido va cambiando poco a poco, reciclándose, incorporando nuevas ideas, dibujos… y la canción que incluye el show siempre es distinta, improvisada en el momento”, explica Noguera. Su método de trabajo se aplica igual al teatro que a sus libros. Dejando atrás los cuadernos, en los últimos tiempos ha optado por el móvil, donde va engrosando un documento con las ideas que le surgen, ocurrencias que le pillan en cualquier sitio. Y luego, las que le resultan más sugerentes las trabaja con dibujos, con textos que igual se publican que van renovando el espectáculo.

Paralelamente a su faceta teatral, Noguera ha publicado varios libros: en colaboración con Jonathan Millán, Hervir un Oso (ed. Belleza Infinita) y, en solitario, Ultraviolencia, Ser Madre Hoy, Mejor que Vivir y La vieja tigresa o el erotismo en la senectud (todos ellos con Blackie Books). También ha colaborado como actor en algunos vídeos humorísticos del dúo Venga Monjas y en los filmes Extraterrestre, de Nacho Vigalondo y Diamond Flash, de Carlos Vermut, Mi Loco Erasmus y Taller Capuchoc, ambos de Carlo Padial. Además, ha sido colaborador de Manel Fuentes en Catalunya Radio (2008-2013) y de Buenafuente en la Sexta.

El próximo fin de semana y en horario golfo (sábado a las 23:30h y domingo a las 22h), su Ultrashow pondrá fin a la programación regular de Sala Russafa, antes del arranque del VI Festival de Talleres de Teatro Clásico, despidiendo la temporada con una carcajada.

La cantautora canadiense Julie Doiron hace un parón en su gira internacional para presentar su último álbum, 'Julie Doiron Canta en Español Vol II', el segundo disco en que adapta al castellano sus mejores composiciones. Canciones en las que trenza melodías agridulces, de sobria ternura y capaces de transmitir una sensibilidad serena y sin artificios, pero emocionante.

Tras su paso por el noise-pop psicodélico, desde el 96 ha publicado una docena de trabajos folk de excelente factura que le han llevado, por ejemplo, a ganar en el año 2000 el galardón al Mejor Álbum en los premios de la música canadiense, Juno Awards. También a que una de sus canciones, The life of dreams, formara parte recientemente de anuncio televisivo de iPhone, popularizando su música a nivel internacional.

Para su actuación en Sala Russafa contará con la colaboración de los valencianos David Campillos (bajo) y Javi Galope (batería), quienes también le acompañarán en sus actuaciones en el Primavera Sound el 3 y 4 de junio. Ambos forman parte de la banda The Seafood Special encargada de abrir la velada. La formación de folk rock y psicodelia presenta el Mini-LP Broken Songs, pero lo hará en un nuevo formato: con la cantante y guitarrista Nerea Serrano acompañada únicamente por el técnico y multi-instrumentista Xisco Rojo, responsable de la grabación de esta nueva colección de canciones.

La banda será la encargada de acompañar a Doiron en gran parte de su gira española en una conexión valenciano-canadiense que ha hecho a Doiron escoger la ciudad para arrancar una gira que durante mayo y junio le llevará a Madrid, Gijón, San Sebastián, Palma de Mallorca o Lugo, entre otras ciudades.

Sala Russafa acogerá esta semana, del 20 al 24 de abril, como extensión del sexto Cicle Companyies Valencianes, el 'II Cicle Teatre Amateur 5 Estels' con piezas para adultos y niños, según ha informado la institución cultural en un comunicado.

El ciclo arranca el 21 de abril con el montaje de 'La cantant calva', ganadora del primer Premi Secció Obra Curta B (entre 45 y 70 minutos). El grupo de teatro de la Falla Rubén Darío-Fray Luis Colomer llevará a las tablas el texto de Eugène Ionesco, una comedia sobre una pareja inglesa que se ha convertido en una de las más famosas piezas del teatro del absurdo.

Al día siguiente será el turno de 'Florence!', reconocida con el primer Premi Secció Obra Curta A (entre 50 y 70 minutos). La comedia recoge anécdotas reales de la vida de Florence Foster Jenkins, la peor cantante de ópera de la historia, a la que recientemente interpretó Meryl Streep en una película. Una entretenida creación colectiva de la compañía Calabria Teatre, surgida en la Falla del Regne.

El 23 de abril se representará el montaje ganador del primer Premi Secció Obra Llarga (más de 80 minutos). El grupo L'Alquería Teatre, surgido en la Falla Arxiduc Carles-Músic Gomis, presenta la obra 'Teràpies', escrita por el galardonado autor norteamericano Christopher Durang. Un texto de 1981 que se ha representado en teatros de todo el mundo y que habla sobre la identidad sexual desde la comedia más disparatada, con unos pacientes desorientados que acuden a psicólogos quién sabe si más desquiciados que ellos.

Además, al día siguiente, el centro cultural ha invitado a participar en el ciclo a una de las formaciones de esta escena semiprofesional con mayor trayectoria y reconocimientos, Pànic Escènic.

En el certamen obtuvo el segundo Premi Secció Obra Llarga con su montaje de 'Soñando Lorca', pieza creada por Iria Márquez para el V Festival de Talleres de Teatro Clásico de Sala Russafa de la pasada temporada. Un homenaje al mundo creativo del poeta en el que se entrelazan sus textos y personajes en un retrato de la España de mediados del siglo XX, castradora y machista, igual no tan lejana de la actual.

El ciclo incluye el 23 de abril por la mañana una pieza familiar, galardonada como Mejor Obra en el XXXIV Concurs Teatre Infantil en Llengua Valenciana, también convocado por el Ayuntamiento y la Junta Central Fallera (JCF). Se trata de 'Menuts déus!', escrita y dirigida por Hernán Mir e interpretada por la formación Duc de Teatre Infantil, surgida en la Falla del Duc. Una curiosa propuesta en la que 17 niños recrean la infancia de los dioses del Olimpo que, antes de sus vivir sus fascinantes mitos, también debieron ser pequeños.

Un enorme árbol blanco y un manto de sobres de azucarillos con mensaje toman el escenario de Sala Russafa para acoger la historia de un curioso suicidio-interruptus, el de un joven filósofo que lleva tres años intentando quitarse la vida cada domingo y que nunca lo consigue.

Esta insólita situación es el punto de partida del espectáculo Gloomy Sunday, de la formación colombiano-valenciana Theatretk, residente en Sala Russafa, que gestó y estrenó el montaje en el centro cultural la pasada temporada. Ahora vuelve a sus tablas dentro del Ciclo de Compañías Valencianas, del 24 al 26 de febrero (viernes y sábado a las 20:30h, domingo a las 20h).

Una comedia que supone el cuarto título para la compañía, escrita y dirigida por Harold Zúñigan, quien también da vida a su protagonista, Benjamín Phreiz, un joven filósofo que, tras muchos años de introspección y reflexión, encuentra la respuesta al porqué de la existencia: el absurdo. El problema es que, una vez descubierto, ya no desea seguir viviendo. Si todo es accidental, si no responde a razonamientos ni trasciende más allá de lo puramente anecdótico, no le encuentra sentido a la vida.

Sin embargo, una vez se decide a abandonar este mundo, el propio absurdo se cruzará en su camino y le impedirá, por los motivos más peregrinos, completar el suicidio que cada domingo se empeña en acometer.

Uno de esos motivos es Elena Fernández - interpretada por Grazia Hernández-, una mujer con el don de la oportunidad y que da al traste con gran parte de sus intentos. En su lógica no cabe que Benajmin decida sobre su muerte. Acatando la inercia de los días, para ella es incuestionable que si uno está vivo, ha de vivir. “Es incapaz de entender al suicida, desde una forma de pensar bastante más profunda de los que pueda parecer y que termina resultando entrañable. No puede cuestionar las normas porque ni si quiera las percibe como tales; no las acata porque esté de acuerdo, simplemente las sigue sin darse ni cuenta de que están ahí”, comenta el director de la obra.

El tercer vértice del triángulo sobre el que se asienta la obra es el inmigrante El hadji cheikh Mbaye, al que da vida el cantante y bailarín africano Asso Mbaye, que también se encarga de las coreografías y de la percusión interpretada en directo. Su papel es el de un africano que tampoco entiende la decisión del protagonista, pero por motivos muy distintos: en su cultura y en su historia personal lo que carece de razones es la muerte porque la vida está llena de sentido.

En opinión de Zúñigan, uno de los atractivos de esta propuesta es el interesante choque de culturas y de planteamientos vitales que genera: “lo que para uno de los personajes, el ensimismado filósofo occidental, es un drama, para otro, un superviviente nato, no tiene importancia. Y para la tercera, una conformista, no requiere solución dado que ni siquiera puede verse como un problema”.

El absurdo que hila toda la trama es lo que permite ofrecer una cara amable de este tema, quizá peliagudo, al que se hace un guiño incorporando una versión de Gloomy Sunday, famosa canción que da título a la obra y que durante 61 años estuvo vetada en la BBC, pese a que grandes voces como Billy Holliday la interpretaran.

Esta semana continúa la programación al completo de la Trilogía ‘Cuentos Políticos’ coproducida por Sala Russafa y Arden, que arrancó la semana pasada con la despedida de los escenarios de 'Alicia en Wonderland'. Del 8 al 18 de diciembre regresa a las tablas 'Buscando al Mago de Oz (Oh, EurOZpa!)', la segunda parte de la trilogía. Una sátira sobre la política y la hipocresía del espíritu europeísta que toma como referencia el clásico de la literatura infantil creado por L. Frank Baum.

Chema Cardeña firma y dirige esta divertida versión libre, para adultos y con música en directo, en la que trasforma a los populares Dorothy, El Hombre de Hojalata, El León Cobarde y El Espantapájaros en los representantes de cuatro países, España, Italia, Portugal y Grecia, respectivamente, que acuden a las instituciones europeas para que les ayuden a salvar las consecuencias de un terrible tifón/crisis que se lo ha llevado todo por delante.

Siguiendo el camino, en esta ocasión, de baldosas azules, irán pasando por toda una yincana de despachos, parlamentos y sedes institucionales en la que se encontrarán a caricaturescos personajes, como las Brujas Malas del Este y Norte, dos funcionarias europeas expertas en burocracia y adictas a los artículos de lujo. O el Hada Buena, una germana sospechosamente masculina y dispuesta a ayudar, pero sólo si se cumplen sus condiciones.

Situaciones absurdas, gags visuales y humor corrosivo para una comedia que ofrece una lúcida y crítica mirada sobre la construcción de la identidad europea y que alude, sin pelos en la lengua, a temas candentes como las ideologías, la migración, los refugiados e incluso el nacionalismo.

Rosa López, Iria Márquez, Jaime Vicedo, Darío Torrent, Juan Carlos Garés, Eva Lezcano, José Doménech, Juanjo Benavent y el propio Cardeña forman el elenco de este espectáculo que completan los músicos José Montoro, Johnny B. Zero y David Campillos, integrantes de La Banda de los Monos Voladores, que interpreta en directo versiones de The Who, ABBA, The Beatles o E.L.O.

Un espectáculo con una puesta en escena dinámica, colorista y completamente alocada, en la que se incluye hasta un mini festival de Eurovisión, que las pasadas navidades agotó las localidades para este desternillante viaje al otro lado del arcoiris.

La programación de la trilogía se completa el próximo 22 de diciembre con el estreno absoluto de 'Viaje a Nuncajamás', la versión libre y para adultos, también con música en directo, de las aventuras de un Peter Pan madurito, que volverá del exilio para intentar activar a un país dividido, parado, incapaz de crecer.

La Sala Russafa de Valencia estrena en Valencia, del 11 al 13 de noviembre, el espectáculo La otra mano de Cervantes, una comedia que ficciona uno de los episodios vitales menos difundidos del autor. Si fue popular su participación en la batalla de Lepanto o su cautiverio en Argel, es menos conocido su cautiverio en Sevilla, donde fue encarcelado por la quiebra de un banquero al que, como recaudador de impuestos del Reino de España, había hecho grandes préstamos.

Este encarcelamiento es el punto de partida de la 19 producción de la prestigiosa compañía andaluza La Fundición, que el centro cultural de Ruzafa estrena en Valencia. Con la corrupción política y social como telón de fondo -al que el propio escritor admite haber contribuido-, el montaje mezcla realidad y ficción para llevar a escena esta reclusión, días de soledad en los que arrancó la creación de la trama de El Quijote, obra cumbre de la literatura española, explica la sala valenciana en un comunicado.

El popular actor Sebastián Haro ('El laberinto del Fauno' o 'Cuéntame', entre otros trabajos) se mete magistralmente en la piel de un Miguel de Cervantes 'aquijotado' que va saltando de una idea a otra, entretejiendo recuerdos, sentimientos, conflictos internos y personajes que transitan su vivaracho pensamiento.

Para llevarlos a escena, cuenta con el apoyo del clown y violinista Jasio Velasco, así como de la violonchelista Carmen García. La música en directo interactúa en la trama y con el protagonista en un texto original escrito por Luis Felipe Blasco Vilches, que este año ha estrenado destacados montajes como El Jurado, dirigida por Andrés Lima.

En el caso de La otra mano de Cervantes, la dirección recae en Pedro Álvarez- Ossorio, con más de 30 montajes a sus espaldas y numerosos galardones nacionales. Con él se completa el equipo artístico de esta comedia, un particular homenaje que obtuvo excelentes críticas en su estreno en Sevilla y que llega a Valencia dentro del Ciclo de Compañías Nacionales de Sala Russafa, en una gira en la que va a visitar diferentes capitales españolas.

Incorporando diálogos de la novela original, apoyándose en la música de piano que se interpreta en directo para describir el estado emocional de los personajes, este montaje íntimo recrea uno de los conflictos más universales y uno de los más complejos retratos femeninos de la literatura. Se trata de la adaptación de Anna Karenina, de la mano de la compañía catalana Versus Teatre.

Una historia dirigida por Iván Padilla a la que dan vida el propio Padilla, Lara Díez y Dani Ledesma. Se incluye en el Ciclo de Compañías Nacionales, que hasta la primera semana de diciembre reúne en una programación heterogénea la variedad del panorama escénico español, con siete propuestas de compañías de mediano formato.

La formación barcelonesa, estrena en la Comunitat Valenciana una valiente adaptación de la novela de Tolstoi. Del jueves 3 al domingo 6 podrá verse esta versión escrita y dirigida por Iván Padilla. Un texto que descarta otras tramas menores para centrarse en el famoso triángulo entre una aristócrata acomodada, su marido y su amante.

A través de temas como el deseo y el amor, se habla de otros como la felicidad, la soledad y la culpa. Una magistral representación del dilema entre la fidelidad a uno mismo y a los demás. Sobre las tablas, por fin Anna logrará conocerse a sí misma gracias a sus pasiones, a lo que le despierta una atracción instintiva. Pero, ¿qué ocurrirá cuando se vea obligada a negarlas, a renunciar a su propia naturaleza para respetar las normas del comportamiento social?

Hay textos que son imprescindibles para entender cómo hemos llegado aquí y cómo continuamos. Esta semana, Sala Russafa estrena en Valencia un montaje de uno de los iconos del teatro del siglo XX, 'Esperando a Godot'. La compañía murciana La Nuca Teatro presenta del 28 al 30 de octubre este espectáculo que estuvo dos meses (mayo y junio) en el teatro Alfil de Madrid con una cálida acogida del público.

Vicen Morales dirige este texto del Nobel de Literatura Samuel Beckett en el que dos personajes, Vladimir y Estragón, esperan la llegada de un tercero. Una historia simple para una obra maestra sobre el ocaso de una sociedad visto desde el humor, el absurdo y la reiteración.

Desde la compañía, apuntan que la pieza, escrita tras la Segunda Guerra Mundial y en el que muchos vieron reflejada la situación de los excombatientes o de los refugiados del conflicto, está de plena actualidad. No sólo porque pueda equipararse a lo que ocurre con los desplazados de guerras como la de Siria, también en otros contextos porque todos hemos esperado alguna vez algo que no llega: un reconocimiento, un amor, un gobierno…

Dentro de su gira nacional llega a Valencia este espectáculo, incluido en el Ciclo de Compañías Nacionales en Sala Russafa, que hasta el 4 de diciembre ofrecerá siete espectáculos venidos de distintos puntos de España, cinco de ellos estrenos en la ciudad.

Fran Freire, Miquel Marcos, Agustín Otón, José Téllez de Cepeda y Claudia Morales interpretan esta divertida propuesta de toques existencialistas, que invita a cuestionar el sentido de la vida y, más que respuestas, ofrece preguntas.

La programación escénica se completa con una de las piezas del Valencia Improv Festival que este fin de semana se desarrolla en varios espacios culturales de la ciudad: Sala Carolina, La Gramola Café, La Fábrica de Hielo y Sala Russafa. El teatro de Ruzafa acoge el estreno absoluto de 'Crea!' (29 y 30 de octubre), la nueva propuesta familiar de la compañía valenciana Dinamo Producciones, formación integrada por profesionales con una larga trayectoria en el campo de la pedagogía teatral y las artes escénicas.

En este espectáculo acercan el proceso creativo al público. Partiendo de la Teoría de las Inteligencias Múltiples de Gardner, descubren a los espectadores cómo funciona la mente, capaz de crear canciones, novelas, sueños… pero también zapatillas, móviles… porque todo en el mundo es resultado de una idea. Los pequeños son testigos y partícipes de varios procesos creativos en los que pueden aportar ideas, personajes, lugares, emociones… un espectáculo de improvisación en el que crean tanto los intérpretes como los espectadores.

El ciclo introductorio a la programación de Sala Russafa, 'Alcem el teló', cierra sus sesiones esta semana con un acercamiento al teatro clásico.  Una de las señas de la programación para esta temporada es la reivindicación del teatro clásico, incluyendo acercamientos novedosos, que permiten descubrir cómo historias y personajes escritos en otros siglos pueden encajar perfectamente en el actual porque hablan de las emociones humanas, algo tan genuino que no entiende de calendarios.

La sala programa el jueves 13 y viernes 14 la revisión de la compañía valenciana Bramant Teatre de Tío Vania, famosa tragicomedia de Ibsen sobre la búsqueda de la felicidad. El sábado 15 y domingo 16, el prestigioso teórico y director teatral Jorge Eines dirige una versión de la comedia surrealista Peer Gynt. El Gran Monarca, con música en directo, una marcada estética y un elenco encabezado por Juan Díaz.

Desde el 1 de octubre, la música, la danza y el teatro han pasado por el escenario de Sala Russafa con el concierto promovido por los agitadores culturales TagoMago, el teatro gestual de Preetz, la pieza interdisciplinar Moby Dick (el mal amor) y la danza del Circuito Bucles.

Ahora es el turno de la revisión del teatro clásico de la mano de destacadas compañías del ámbito nacional y valenciano. Tío Vania es una tragicomedia sobre la búsqueda de la felicidad, Chéjov escribió en 1899 esta historia de una familia rural acomodada, aunque venida a menos, que se cuestiona su planteamiento vital y el letargo en el que anda sumida a raíz de la visita del cuñado del anciano Vania con su nueva mujer. 

Jerónimo Cornelles adapta, actualiza y dirige este clásico que interpreta junto a Rafa Alarcón, María Minaya, Ernesto Pastor, María Poquet, Teresa Soria y Laura Valero. Una amarga pero emocionante comedia que forma parte de la trilogía de la compañía valenciana sobre el teatro naturalista.

Otro acercamiento distinto a los clásicos llega de la mano de la formación madrileña Tejido Abierto Teatro, que el 15 y 16 de octubre estrena en Valencia una versión de una de las obras más populares del dramaturgo y poeta Henrik Ibsen: Peer Gynt. El gran Monarca.

El reputado Jorge Eines, teórico teatral y director de más de 40 espectáculos en España, Argentina, Colombia, Estados Unidos e Israel, aporta su personal sello a la adaptación y dirección de esta fábula. Un retrato de los anhelos y ciclos vitales del ser humano a través de Peer Gynt, un seductor personaje que en esta nueva versión va encontrándose con referentes tan variados como El Quijote, Marylin, la entrega de Los Óscar, Los Fiordos o la Meseta Castellana en una trama genial, llena de deliciosa incoherencia.

Juan Díaz encabeza el elenco del espectáculo que incluye a Agus López, Carmen Vals, Daniel Méndez, Danai Querol, Carlos Enri, Beatriz Melgares y Belén Lázaro. Una puesta en escena totalmente actualizada, con música en directo y una arriesgada estética, caracterizan el novedoso acercamiento a este clásico del S.XIX, totalmente vigente en nuestros días.

Con estas dos propuestas concluye el ciclo Alcem el Teló para dar paso al Ciclo de Compañías Nacionales, que a partir de la próxima semana y hasta el 4 de diciembre ofrecerá siete espectáculos (cinco de ellos, estrenos en Valencia) venidos de diferentes puntos de España y firmados por destacadas formaciones, de mediano formato pero gran trayectoria artística, que en contadas ocasiones pueden mostrar sus trabajos en la capital valenciana.

El próximo sábado 1 de octubre arranca la sexta temporada de la Sala Russafa. Lo hace con el nuevo ciclo 'Alcem el teló', que se presenta como un condensado de lo que está por venir a lo largo de los próximos nueve meses de programación. “Vamos a tener diferentes disciplinas de las artes escénicas con formaciones valencianas y nacionales, dando cabida a compañías emergentes pero también a las que tienen una consolidada trayectoria”, ha avanzado el director de la sala, Juan Carlos Garés.

Respecto a la escena valenciana, la primera en pasar por el escenario de Sala Russafa será la joven Malatesta Teatre, que presenta el 2 de octubre el estreno absoluto de Preetz, una pieza de teatro gestual en la que, sin palabras, cuentan el giro que sufre la vida de una apacible pareja.

El 6 y 7 de octubre será el turno de Arden y Transfermove, que se alían para el estreno absoluto de la nueva creación de Toni Aparisi (Premio Max al Mejor Bailarín 2016), para la que ha contado con los textos de Chema Cardeña. Se trata de Moby Dick (el mal amor), un espectáculo con música en directo, danza e interpretación actoral en la que se establece un paralelismo entre la obsesión del Capitán Ahab por la Gran Ballena Blanca y las relaciones de violencia de género.

El 8 de octubre, la sala acogerá al Festival Urbano de Danza Circuito Bucles con la pieza Coordenadas, de Irene Cortina. El 13 y 14 de octubre completa la lista de formaciones autóctonas Bramant Teatre con su versión de la tragicomedia de Chéjov, Tío Vania. La representación nacional vendrá el 15 y 16 de octubre de la mano del reputado teórico teatral y director Jorge Eines, con más de 40 espectáculos en España, Argentina, Colombia, Estados Unidos e Israel. Su compañía, la madrileña Tejido Abierto Teatro, estrenará en Valencia una actualizada y provocativa versión del clásico de Ibsen Peer Gynt. El Gran Monarca.

“Hemos diseñado esta programación teatral pensando en reunir dos vertientes que nos interesan mucho y que marcan nuestra programación desde que abrimos la sala. Por una parte, la revisión de clásicos universales y, por otra, los nuevos lenguajes escénicos”, ha señalado Cardeña, director artístico del centro. También estará presente la danza y la música. Precisamente ésta última es la encargada de inaugurar la nueva temporada el próximo 1 de octubre.

Este sábado el escenario de Sala Russafa acogerá una celebración promovida por los agitadores culturales TagoMago con motivo del tercer aniversario de la discográfica y promotora independiente Verlag System. Este joven sello impulsa propuestas sonoras que toman los sintetizadores y la vanguardia como premisas para sondear los caminos de la electrónica hacia la psicodelia o la creación de ambientes próximos a la ciencia ficción.

A veces, ir contracorriente simplemente consiste en resistir y no hay nada más contestatario que negarse a cerrar la persiana. Es lo que lleva haciendo el Centre Cultural i Docent d’Arts Escèniques Sala Russafa desde que arrancara su actividad en 2011, con una pretemporada a la que han seguido cinco temporadas que invitan a hacer balance.

Esta temporada, el público asistente ha crecido en torno al 20% respecto al ejercicio anterior, superando los 19.700 espectadores. Este aumento se integra en una línea ascendente que, desde la primera temporada hasta la quinta, ha trazado un aumento del 68% en la afluencia.

“No queremos ser triunfalistas, ni mucho menos, pero tenemos que agradecer a la gente que poco a poco se ha ido acercando a Sala Russafa y se han convertido en espectadores fieles, que cada vez vienen más a menudo”, apunta Juan Carlos Garés, socio fundador del centro junto a Chema Cardeña y David Campillos.

Garés recuerda que abrieron en lo más crudo de la crisis económica, teniendo que bregar con un receso agudísimo del consumo general y, en concreto del de cultura, “además de encontrarnos con medidas como la subida del IVA cultural, que suponían un gran frenazo”. Pero la mejor manera de luchar contra un panorama con el que no estaban en absoluto de acuerdo fue mantenerse, seguir abiertos. “Hoy día, Sala Russafa se parece mucho a lo que imaginábamos en 2008, cuando empezamos a crear este proyecto. Lo que no encaja es el estudio económico que hicimos entonces, pero nadie se imaginaba la crisis que estaba por venir”, admite el director del centro, quien reconoce que dedicarse profesionalmente a la cultura en Valencia, salvo en contadas excepciones, sigue siendo deficitario.

Pese a haber arrancado su actividad en un periodo convulso, en su primer lustro en activo el centro cultural ha conseguido sus principales objetivos. Por una parte, se ha convertido en un centro de producción para la compañía Arden, alma mater del proyecto, que ha visto impulsada su faceta creativa. Y también es sede para otras 3 ó 4 compañías residentes cada temporada, que tienen ocasión de generar y mostrar sus espectáculos en el centro. En sus instalaciones han residido Bramant Teatre, Theatreck, Cía Entrelazados, Toni Aparisi Danza…

Por otra parte, Sala Russafa se ha convertido en un punto de exhibición para formaciones de artes escénicas locales y nacionales, de pequeño y mediano formato, primando la calidad artística. En estos cinco años ha aumentado un 15,3% el número de representaciones, rozando las 190 anuales, con propuestas para adultos y niños de teatro, danza y música en vivo, además de apoyar diversas iniciativas culturales como Russafa Escénica, Russafart o Valencia Negra, de las que es sede. “Hemos trabajado mucho para captar nuevos públicos diversificando la programación para que la gente pueda ver desde un homenaje al Cabaret valenciano de los 80’ a ciclos de música independiente, investigaciones de nuevos lenguajes escénicos o teatro de corte clásico”, explica Garés.

En esta progresión han ido ganando terreno las producciones valencianas, cuya presencia ha aumentado un 60% en el último lustro. Aunque siguen programando formaciones nacionales que, por su calidad, consideran importante que puedan verse en Valencia, como Factoría Escénica Internacional, La Imperdible, Atalaya o Almaviva Teatro.

“Son apuestas que a veces pueden ser arriesgadas y que quizá corresponderían al teatro público, si es que se quiere potenciar un concepto de cultura con matices diversos, no sólo la comercial. Quizá en esta nueva etapa de CulturArts estén más dispuestos a ir asumiendo este papel”, apunta el director del centro, quien explica esta situación con el porcentaje de ocupación de Sala Russafa. Esta última temporada, por ejemplo, ha sido del 60%, con 105 espectadores de media para un teatro con 178 butacas. “Esto refleja que hay muchas funciones llenas, pero también algunas que son minoritarias, aunque no estamos dispuestos a renunciar a ellas porque creemos en su calidad artística”, defiende Garés.

En su opinión, otra de las asignaturas pendientes para la clase política, es aumentar su consumo de artes escénicas. “Empezamos a ver muestras de un mayor apoyo al teatro y la danza en las políticas culturales, pero seguimos sin ver a los políticos entre el público. Sí en las ruedas de prensa, pero no en el patio de butacas. Y la verdad es que el teatro nos hace mejorar, nos da más perspectivas y nos ayuda a ser más tolerantes, algo que les vendría estupendamente a todos”, comenta irónico el director de la sala.

Como reto para el futuro, desde el Centro Cultural creen que sería importante encontrar una manera de coordinar las programaciones teatrales, tanto las públicas como las privadas, y entre ellas, para diseñar sinergias en el sector que creen nuevos públicos y cubran un espectro más amplio de la oferta cultural. “Hacen falta iniciativas de promoción conjuntas y acciones para incentivar el consumo de teatro. La gente ha de tener facilidades y beneficios a la hora de pasar de unos teatros a otros. Y es muy importante estar coordinados para que todo potencial espectador pueda encontrar en la cartelera algo que le seduzca” apunta el director de la sala.

Hace más de 120 años, Henrik Ibsen tomó un símbolo de la pureza como el agua para hablar del deterioro de nuestra sociedad en 'Un enemigo del pueblo', una de sus obras maestras que este fin de semana Sala Russafa recupera en su V Festival de Talleres de Teatro Clásico (1-3 de julio).

Iria Márquez adapta y dirige la nueva versión de esta historia sobre una pequeña localidad cuya economía gira al rededor a un balneario. El conflicto entre el bien común y el interés económico saltará cuando se descubra que sus aguas están contaminadas. ¿Habrá que informar a los huéspedes y cerrar o mantener el secreto y la actividad?

Estamentos de poder, medios de comunicación y vidas particulares colisionan en esta trama de total actualidad. “Con el ambiente electoral que hemos estado viviendo las últimas semanas, te das cuenta de que ciertas cosas no han cambiado en más de un siglo: el intento de manipulación del pueblo, su infantilización por parte de los políticos, el discurso del miedo a perder cierto estatus de bienestar…”, apunta la directora, que ha incluido nuevos monólogos y ha creado algunos personajes para revitalizar la pieza.

“Cuando tocas un texto como éste, siempre hay que hacerlo desde el máximo respeto. Te documentas mucho sobre el autor, su estilo y estudias bien la pieza. En este caso, lo que he hecho es integrar nuevas tramas, que venían a alimentar la historia principal, y dar vida a personajes que servían para reforzar los principales mensajes de esta obra”, explica la dramaturga, actriz y directora.

El objetivo de Márquez era crear un montaje en el que los amantes de este texto pudieran reconocer el original y percibir ciertos desarrollos, que hacen avanzar un poco más la trama. En ese sentido, se ha alimentado la puesta en escena con referencias al agua como elemento fundamental, utilizando audiovisuales y ciertos apoyos en la escenografía. Además, se ha contado con la colaboración del bailarín Toni Aparisi (Premio Max 2016 al Mejor Bailarín) para diseñar el movimiento escénico en algunas partes de la representación.

Todo ello en un montaje atemporal, con personajes vestidos en blanco y negro, al que acompaña una ambientación musical de artistas como Spiritualized, Godspeed You Black Emperor, Micah P. Hinson o Quincy Jones.

La obra está interpretada por Diego Lema, Isabel Sánchez, Pepe March, Vanessa Gradolí, Elena Marquina, Lydia Ramos, Sonia Ramada, Jorge López, Blanca Aparisi, Joan Espinosa y Salvador Muñoz, componentes de un taller de formación actoral impartido por Márquez en Sala Russafa durante ocho meses. “Lo mejor de estas experiencias es la ilusión y energía con la que enfrentan el proyecto, te devuelven una frescura y pureza que está en la esencia del teatro y que es totalmente contagiosa”, afirma Márquez.

El espectáculo se estrena el viernes 1 de julio y podrá verse hasta el domingo, dentro de la programación del V Festival de Talleres de Teatro Clásico que concluye su programación la próxima semana con la muestra de Teatro-Danza Inclusivo ¿Diez y… ocho? que tendrá lugar el próximo 10 de julio y que echará el telón a la V temporada de Sala Russafa.

Se dice de él que era un genio y el estreno en 1599 de esta pieza demuestra que, efectivamente, lo era en todos los sentidos. Cuando William Shakespeare escribió la tragedia de Julio César, una de sus obras más oscuras y potentes, se valió de la antigua Roma para dejar constancia de la ansiedad del pueblo inglés ante los problemas de sucesión. Un texto osado y que se atrevió a representar por primera vez ante los ojos de Isabel I.

Cuando se cumple el cuarto centenario de la muerte del dramaturgo inglés, Sala Russafa estrena un nuevo acercamiento a esta pieza dentro del pequeño homenaje que le rinde su V Festival de Talleres de Teatro Clásico, con los estrenos de esta pieza y de una versión de Macbeth el próximo 23 de junio, ambos a cargo de Chema Cardeña.

Del jueves 9 al domingo 12 de junio puede verse Julio César, un montaje valiente en el que once mujeres encarnan a los personajes masculinos. Este curioso intercambio de sexos pretende ser un guiño a la época isabelina en que se estrenó esta pieza, cuando las mujeres tenían prohibido actuar y los papeles femeninos eran encarnados por hombres. Ahora, al contrario que entonces y en un texto con un reparto mayoritariamente masculino, los populares César, Antonio, Bruto, Octavio o Casio cobrarán vida con la voz y sensibilidad de las actrices.

El montaje, según un comunicado de Sala Russafa, es fruto de la investigación en los talleres de interpretación para profesionales impartidos por Cardeña en Sala Russafa. Rocío Ladrón de Guevara, Irene González, Lucía Poveda, Rocío Domènech, María Pérez, Patricia Sánchez, Mónica Zamora, Ruth Palones, María Asensi, Alejandra Beltrán, Sara Bonell, Juanki Sánchez y José Torres son los encargados de recrear la conspiración contra el dictador Julio César así como la política y la sociedad donde se desarrolla, la Antigua Roma. Una trama sobre la lucha por el poder tan apasionante como profundamente actual.

Sala Russafa continúa su programación durante la primera quincena de julio. El Centre Cultural i Docent d’Arts Escèniques ofrecerá dos espectáculos que completan su V Festival de Talleres de Teatro Clásico. Una programación dedicada a reivindicar los temas, piezas y autores clásicos con montajes producidos por la línea docente del centro cultural, mostrando el trabajo de los talleres impartidos a profesionales de las artes escénicas y a otros colectivos como aficionados, niños e incluso talleres inclusivos en los que trabajan juntas intérpretes con y sin diversidad funcional.

La quinta edición del Festival arrancó el pasado 3 de junio y ya ha programado las piezas Soñando Lorca, ¡Gatacienta! y se ha realizado un homenaje a Shakespeare, en el cuarto centenario de su desaparición, con nuevos montajes de sus obras Julio César y Macbeth. En julio, del día 1 al 3, Sala Russafa estrenará Un enemigo del pueblo (1-3 de julio), un drama de Henrik Ibsen dirigido por Iria Márquez y fruto del trabajo durante 8 meses con los alumnos de uno de los talleres para no profesionales en el que han participado Diego Lema, Isabel Sánchez, Pepe March, Vanessa Gradolí, Elena Marquina, Lydia Ramos, Sonia Ramada, Jorge López, Blanca Aparisi, Joan Espinosa y Salvador Muñoz.

Ellos son los intérpretes de este popular drama que plantea el dilema entre el bien común y los intereses personales. La trama arranca con el descubrimiento de que las aguas de un enclave termal de provincias están contaminadas. ¿Deberán cerrar el balneario, motor económico de la ciudad? Poder, medios de comunicación y vidas particulares conjugan esta pieza escrita en 1883, pero de plena actualidad.

Muestra de Teatro-Danza inclusiva

La última propuesta del festival es una muestra del taller de Danza-Teatro Inclusiva dirigido por Silvia Valentín, ex bailarina que durante dos décadas ha desarrollado un trabajo en el que la danza y el teatro son las herramientas para que personas con y sin diversidad funcional colaboren y encuentren en las artes escénicas un vehículo para su expresión.

Durante toda la temporada, un grupo de 18 miembros con diferentes edades, procedencias y condiciones ha trabajado en conjunto, enriqueciéndose mutuamente, como puede apreciarse en el espectáculo ¿Diez y ocho? que el 10 de julio estrenan en Sala Russafa. Una recopilación de números de danza y escenas teatrales con intérprete en lengua de signos, donde se aprecia la belleza de lo imperfecto y de la diferencia.

Precisamente de este taller ha surgido la compañía Entrelazados, también dedicada a la Danza-Teatro Inclusiva, que ha sido residente en Sala Russafa durante toda la temporada, lo que les ha permitido crear y estrenar su espectáculo para público juvenil Aula-Cero.

¿Qué pasa si uno lleva tres años intentando matarse cada domingo en el mismo sitio y nunca lo consigue? Es el curioso suicidio-interruptus que plantea 'Gloomy Sunday', el nuevo espectáculo que la compañía valenciana Theatretk, residente en Sala Russafa, que durante esta temporada ha aprovechado las instalaciones del centro cultural para crear el espectáculo que estrena esta semana.

Tras el pseudónimo de Harlan Pinter se esconde el autor de esta comedia absurda que dirige Harold Zúñigan. Su protagonista es Benjamín Phreiz -al que da vida José Zamit-, un joven filósofo, apasionado lector de Camus que, tras muchos años de introspección y reflexión, encuentra la respuesta al porqué de la existencia: el absurdo. Una vez descubierto, ya no desea seguir viviendo, puesto que todo es accidental, no responde a razonamientos ni trasciende más allá de lo puramente anecdótico. Decidido a abandonar este mundo, el propio absurdo se cruzará en su camino, impidiéndole por los motivos más peregrinos completar el suicidio que cada domingo, desde hace tres años, intenta acometer.

Uno de esos motivos es Elena Fernández -interpretada por Grazia Hernández- una mujer terriblemente oportuna (o inoportuna, según se mire), que da al traste con gran parte de sus intentos al no comprender por qué Benjamín no desea seguir viviendo. “Es un personaje que termina resultando entrañable y que es bastante más profundo de lo que parece. Creo que, de alguna manera, representa la ignorancia de nuestra sociedad actual, a la gente que simplemente acata la inercia de las normas y pautas, sin llegar a imaginar si quiera que quizá habría que replanteárselas. Para ella, si uno está en este mundo, tiene que vivir”, apunta el director de la pieza.

El tercer vértice del triángulo es el inmigrante El hadji cheikh Mbaye, un africano que tampoco entiende la decisión vital del protagonista, pero por motivos muy distintos: para él lo que carece de razón es la muerte porque la vida sí está llena de sentido. “El choque cultural es muy interesante. Lo que para un filósofo occidental ensimismado son problemas, para él no tienen la más mínima importancia. No sufre de una manera trascendental buscando su lugar en el mundo, simplemente se dedica a disfrutar de él”, apunta Zúñigan.

Precisamente a este personaje da vida el cantante y bailarín africano Asso Mbaye, encargado de las coreografías y la percusión que se interpreta en directo. La puesta en escena se completa con la escenografía de los artistas plásticos Óscar Sánchez y Racso Zechnas, que aportan una cuidada estética al árbol en torno al cual gira el ritual de suicidios-interruptus del protagonista. Y con un montón de sobrecillos de azúcar (con las lapidarias frases existenciales del filósofo protagonista al dorso) que inundan el escenario.

Una de las canciones que forma parte de este espectáculo, como no podía ser de otro modo, es una versión de 'Gloomy Sunday', famoso tema compuesto por el pianista húngaro Rezső Seress en 1933 de la que toma su título. Un tema legendario, versionado por grandes intérpretes como Billy Holliday, pero que no pudo emitirse durante 61 años en la BBC por la su fama como inductor a la melancolía y al suicidio.

La compañía valenciana Theatretk hace caso omiso de la superstición en este montaje, el cuarto que dirige Zúñigan, quien ya estrenó en Sala Russafa su ‘trauma-comedia romántica’ ¿Por qué duele cuando no hay dolor? (2014) y el drama con música de jazz en vivo 'Alguien va a venir' (2012), escrito por el dramaturgo noruego Jon Foss. “Me gusta innovar un poco en los géneros, hacer propuestas que no sean comedias o dramas al uso. Pero para mí lo más importante es que, sea con la risa o con la emoción, se hable de temas esenciales para la vida y desde un punto de vista que implique cierta reflexión”, comenta el joven director de escena.

“Creo que hay dos tipos de teatro: el importante, que habla de temas de actualidad y saca a la luz situaciones se deben conocer, y el esencial, que retrata nuestra esencia como seres humanos, las cosas que ahora y siempre nos van afectar. Me gustaría pensar que nuestras propuestas, humildemente, se encuentra ente este último”, confiesa el director de 'Glommy Sunday', que estará en cartel durante todo el fin de semana en Sala Russafa.

Valencia se tiñe de negro. La celebración del festival 'Valencia negra' desde este viernes al próximo 15 de mayo ha conquistado hasta veinte escenarios de la ciudad. Las Naves, el FNAC, el Café Rialto o la Sala Russafa serán varios de los lugares donde las historias plagadas de crímenes, tramas sórdidas y el misterio se entrecruzarán para despertar la intriga más profunda del espectador. Relatos de ficción que se asemejan demasiado a la realidad acontecida en los tiempos de la fiesta del ladrillo.

La Sala Russafa acogerá otro homenaje a un maestro recientemente desaparecido. Los periodistas Mikel Labastida y Xavier Aliaga destriparán este viernes la obra y el legado del escritor Rafael Chirbes, considerado como uno de los mayores cronistas de esos tiempos donde los sobornos y los maletines se consideraban como algo normal. Aunque varios críticos siempre le han querido quitar esta etiqueta y calificarlo como el escritor de las “crisis humanas”. El acto concluirá con la entrega a título póstumo al novelista de Tavernes de Valldigna del Premio Francisco González Ledesma. Se trata de un galardón creado por Valencia Negra para reconocer la trayectoria de destacados escritores.

Antes del particular tributo que quiere rendir el festival al escritor valenciano, el teatro acogerá un encuentro con el escritor Antonio Manzini. Su misión será dar las claves del personaje estrella de sus libros Rocco Schiavone, un policía que se ha criado en un barrio popular de Roma, donde ha aprendido las reglas de la calle.

Chirbes, sin embargo, no será la única estrella del festival. La Sala Russafa ofrecerá una función de clásico género negro como es 'La Soga'. Una obra que Alfred Hitchcock llevó a la gran pantalla con James Stewart de actor protagonista. La representación, que se podrá disfrutar entre los períodos del 6 al 8 y del 13 al 15 de mayo, está adaptada por Iria Márquez.

La función recrea una morbosa cena alrededor de un arcón que esconde un cadáver. El encuentro, aparentemente inocente, se convierte sin saberlo en una reunión donde se juntan los familiares y amigos del asesinado y los propios verdugos. La obra, que nació de la mano de Patrick Hamilton, fue popularizada por Hitchcock.

Dario Torrent, Jaime Vicedo, Vicent Pastor, Raquel Ortells, Rosa López y Juan Carlos Garés son los encargados de dar vida a un montaje más bien sobrio. Ambientado en 1950, y con juegos de sombras para dar más emoción e intensidad a este thriller que reflexiona sobre la superioridad moral de unas personas y sobre la impunidad de los crímenes.