Jazz Panorama, el festival que del 20 al 22 de julio se celebrará en el Auditori de Torrent, cuenta este año con las actuaciones de Kandace Springs, que abrirá el certamen, María Gadú, y José Luis Gutiérrez y Harold López-Nussa Trío, ambos cerrándolo el sábado 22. Todos los conciertos a las 22.00h.

De vez en cuando surge un nuevo cantante que es capaz de asimilar múltiples estilos musicales y seguir sonando fresco y libre de cargas de sonidos del pasado. Kandace Springs es una de ellos. Asentada en Nashville, a sus 27 años es cantante, compositora y pianista. Tiene como referentes a Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Nina Simone, Roberta Flack y Norah Jones, pero tal y como demuestra en SOUL EYES, su brillante álbum de debut con Blue Note Records, no imita a ninguno de ellos.

En vez de esto, transforma esas influencias en un sonido personalizado que se revela sin esfuerzo. Pero este viaje de Springs a descubrir su singularidad no ha sucedido de la noche a la mañana. De hecho, su homónimo EP de debut en 2014 ya tenía una inclinación hip-hop / R & B decididamente contemporánea. El EP fue increíblemente bien recibido y le propició actuaciones en televisión en “Late Show with David Letterman”, “Jimmy Kimmel Live” y “The Tonight Show Starring Jimmy Fallon”, así como apariciones en los festivales Afropunk y Bonnaroo.

En “Soul Eyes”, Kandace sigue trabajando con sus productores Carls Struken y Evan Rogers, pero cuenta también con Larry Klein (productor de Lizz Wright, Melody Gardot, Joni Mitchell, Herbie Hancock), quien le ha ayudado a sacar a la luz sus rasgos artísticos más distintivos.

Las once canciones contenidas en “Soul Eyes” están interpretadas al piano por Kandace Springs, junto a un ilustre elenco de músicos que incluye al trompetista Terence Blanchard, los guitarristas Dean Parks y Jesse Harris, el batería Vinnie Colaiuta, el organista Pete Kuzma, el bajista Dan Lutz y el percusionista Pete Korpela.

La niña prodigio de la música brasileña, como la conocían en los inicios de su carrera a Maria Gadú, ha encontrado su propia voz. En 2016 debutó en Madrid en una actuación en la sala Changó Live que muchos aún recuerdan.Sus exitosos vídeos en YouTube y el apadrinamiento del gran Caetano Veloso han marcado la carrera de una artista que, en los últimos tiempos y sin renunciar al binomio y guitarra, se ha abierto a sonidos rock e incluso electrónicos.

José Luis Gutiérrez es un artista verdaderamente inclasificable, viajero sonoro, una “ave rara” que se escapa de todas las jaulas donde le queramos etiquetar. Su saxofón es un velero en el cual viajamos por paisajes sonoros, lugares donde nacen instrumentos inventados. Harold López-Nussa (La Habana, 1983) ha ofrecido conciertos como solista en los teatros más importantes de Cuba y compartido escenario con sobresalientes exponentes de la música tradicional cubana y de la música popular bailable, así como con primerísimas figuras del jazz cubano e internacional como Chucho Valdés, David Sánchez, Stefon Harris o Alexander Brown.

Elia Barceló (Elda, Alicante, 1957) es un caso singular en el panorama literario español. Con 25 títulos de ficción traducidos a 18 idiomas y mas de 500.000 ejemplares vendidos, tiene más lectores fuera que dentro de nuestras fronteras, algo que se explica en parte por el hecho de residir en Innsbruk (Austria). Eso no significa que carezca de reconocimiento y proyección en España. De hecho, en 2015, recibió el Premio de la Crítica Literaria Valenciana por su libro de relatos, La Maga y otros cuentos crueles.

Con su último trabajo, El color del silencio, publicado recientemente por Roca, la autora busca la complicidad del lector español con un relato que abarca desde los albores de la guerra civil a la actualidad y que combina la resolución de un antiguo crimen con una denuncia de las miserias del franquismo.

La acción se desarrolla en tres tiempos. Los momentos previos a la sublevación franquista, la noche del 20 de julio de 1969 que el hombre llegó a la Luna y la actualidad. ¿Por qué precisamente esas tres momentos? “La historia que quería contar sobre la recuperación de la memoria y las heridas del pasado, tanto a nivel personal como familiar como nacional me llevaban directamente a hablar de la guerra civil como trasfondo porque es nuestra herida común, la peor curada y la que aún está por limpiar”, dice Barceló. “Pero lo he hecho con delicadeza, más con insinuaciones que con descripciones crudas. La llegada de la humanidad a la luna es, para mí, un momento crucial del siglo XX porque para muchos significó el comienzo del futuro, de la era de Acuario, del momento en que nuestra generación iba a tomar las riendas y a hacer un mundo mejor. Me equivoqué. Nos equivocamos. Ese futuro esplendoroso que deseábamos se torció en lo social, aunque en el aspecto técnico hayamos dado pasos de gigante. El presente era necesario para poder hablar del pasado y del futuro”.

Helena Guerrero, una artista plástica septuagenaria de éxito que vive en Australia, regresa a Madrid para asistir a la boda de su nieta. Allí, el hallazgo de unos papeles le lleva a reconstruir el pasado de su familia y resolver la misteriosa muerte de su hermana ocurrida muchos años atrás. ¿Que la protagonista sea una mujer mayor se puede interpretar como una reivindicación del papel de estas mujeres en la sociedad?

“No lo hice a propósito como reivindicación desde el principio”, responde Barceló. “Era necesario que Helena fuera mayor para poder haber vivido ciertas cosas que la historia necesitaba. Pero me fui dando cuenta de que era muy importante visibilizar a las mujeres de más de cincuenta años, que son personas fuertes, luchadoras, trabajadoras, con experiencia. Sin embargo, la sociedad les da de lado, las ignora, las aparta. Muy pronto empecé a darme cuenta de que, con mi novela, yo tenía la posibilidad de hacer algo en contra de esa injusticia”.

Uno de los puntos de partida de la trama es un hecho histórico que relata Ángel Viñas en su ensayo, La conspiración del general Franco en torno a la muerte del general Amado Balmes. En esa figura se inspira el personaje de Goyo, el padre de Helena, que según dice Barceló, le cae mejor como ser humano que la protagonista pese a su ideología fascista.

“Con el proceso de la novela, fui entendiendo también a Goyo, pese a que está tan lejos de mi forma de pensar”, comenta Barceló. “Tanto en la derecha como en la izquierda hay gente decente y gente deshonesta. No quiero caer en el cliché y, para eso, me parecía importante dibujar unos personajes lo más reales y complejos posibles, no marionetas que poder manejar ni personajes planos buenos o malos”.

El envejecimiento de la población, el cambio climático, los atentados yihadistas, las crecientes desigualdades sociales...¿Cuales son los temas que más le preocupan? “Todos esos y muchos más: la genética, la robótica, las inteligencias artificiales, la libertad del ser humano en un mundo controlado por monopolios gigantes, el desastre ecológico, la libertad de elegir una muerte digna, la violencia por razones religiosas. Soy escritora de ciencia ficción o literatura prospectiva y, por lo tanto, me interesa enormemente todo lo que vaya a afectar al futuro de nuestro planeta y de nuestra especie, y que está empezando ya. Ya Woody Allen dijo muy certeramente: 'Claro que me interesa el futuro. Es allí donde voy a pasar el resto de mi vida'”.

Para ella el futuro anuncia una jubilosa jubilación en la que piensa aprovechar la suerte de tener dos países, dos culturas y dos lenguas y seguir viviendo a caballo entre ambas. “Pero tengo previsto pasar más tiempo en mi tierra, entre Elda, Elche, Alicante y Santa Pola, donde están mis raíces, y los montes tienen nombre. Y luego volver a los Alpes y a mis dos hijos”. Mientras tanto echa de menos “el mar, el poder mirar al horizonte, a lo lejos, sin que haya una enorme montaña que te lo impida; me encanta nuestra vegetación maravillosa, la alegría de la gente, la lengua, el tapeo, las noches al aire libre”, concluye Elia Barceló.

Santi asesina a su mujer en un rapto de furia y junto a su hijo de cinco años emprende un viaje, a la vez fuga y búsqueda sinsentido, hasta que se entrega a la guardia civil a muchos kilómetros de casa. Su historia, difundida por los medios, hace renacer en Jorge, un arquitecto que sufre una profunda crisis, una vocación literaria latente y, a través de un amigo abogado entabla relación con Santi para contar su drama. Sobre estos dos polos, el sujeto que protagoniza los hechos y quien los relata, pivota la primera novela de Raúl Ariza, 'Un viaje solo para hombres' (Versátil), una fábula de sabor amargo que reflexiona sobre la violencia machista. La obra es a la vez un ingenioso artefacto literario en el que su autor consagra una destreza narrativa que ya demostró en sus tres libros anteriores: 'Elefantiasis', 'La suave piel de la anaconda' y 'Glóbulos versos'. En todas estas colecciones de relatos la violencia machista es un tema recurrente.

“Siempre me han interesado lo que llamo 'paraísos paradójicos', esos entornos en los que por definición el ser humano debería de encontrarse feliz (la familia, la pareja, la fraternidad...) y que, sin embargo, son escenarios en los que se suceden grandes dramas, de ahí que un alto porcentaje de mis relatos publicados, y también esta novela, lancen preguntas acerca de lo que me resulta inexplicable”, dice Ariza. “Considero que la violencia machista es una verdadera plaga, una pandemia, un drama al que parece que como sociedad no somos capaces de encontrarle solución. Y eso me preocupa y me entristece. En esta novela el niño es una metáfora de la solución que planteo al problema, que es la idea matriz que subyace en toda la historia. El niño, su mirada ausente de maldad y de intención, es la respuesta”.

La madurez adquirida a base de un intenso entrenamiento previo en sus excelentes libros de relatos ha permitido a Ariza armar una primera novela de estructura compleja que funciona como un artefacto metaliterario. “Aunque no hubo un planteamiento expreso, lo cierto es que tras publicar tres libros de relatos breves, me propuse el desafío de aventurarme a recorrer parajes narrativos más extensos, menos codificados y no tan sujetos a mecanismos de escritura tan tasados como puede conllevar la ficción breve”, dice. “El resto vino solo, con la elección de la historia a contar pues, aunque resulte manido, es muy cierto que cada historia requiere su extensión, su género y sus dimensiones. Con respecto a la formalidad elegida, ese artefacto metaliterario, siempre tuve muy clara que la estructura narrativa de esta novela tenía que tener al menos la misma complejidad que la historia que cuenta”.

'A sangre frÌa' de Capote como novela de testimonio o de no ficción es un referente en el texto de Ariza para quien “la imagen y la palabra no se contradicen, sino que se complementan. Mientras la primera es de digestión inmediata, la segunda provoca efectos más a largo plazo”. Sin embargo, asegura, “no he querido hacer una novela testimonio, sino más bien un trampantojo de ella. Si partiendo de una noticia real Capote alcanzó brillantes dosis de ficción, yo he pretendido partir de la ficción para hacer creer que todo lo que cuento es real”.

Uno de los mayores atractivos de la historia es el análisis de los protagonistas, dos personalidades muy distintas cuyos destinos se cruzan en torno al mismo hecho. ¿Hasta qué punto se ha proyectado en ellos el autor? “Tanto si es cierto que uno escribe de lo que mejor cree conocer, como si escribe para conocerse mejor, es inevitable que mis personajes tengan algo de mí, de lo que soy, de lo que no soy, o de cómo hubiera deseado ser”, responde Ariza.

“También entiendo que el autor y su obra son fruto de su contemporaneidad y de sus circunstancias, por lo que sufriendo como estamos sufriendo una época convulsa, de crisis y de escasez de valores, esta novela rezuma a la vez desencanto y esperanza. Por otra parte, todos mis personajes masculinos deambulan por sus vidas con más pena que gloria, sometidos a la inevitable mediocridad que los define. Supongo que tengo una visión crítica de mi mismo, y eso se proyecta”, concluye Raúl Ariza.

ZEDRE, Art Mural i Cultura Urbana tiene como punto de partida la intervención y presentación en la fiesta del 19 de mayo en el Centre del Carme Cultura Contemporània, sede del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana. Esta presentación en un enclave museístico tan destacado de València es un indicador claro de las intenciones de ZEDRE, como promotor de la cultura urbana desde la perspectiva de un enfoque artístico y multidisciplinar.

El director del Consorci de Museus, José Luis Pérez Pont, explicó que “el Consorci de Museus ha iniciado una colaboración con ZEDRE Art Mural i Cultura Urbana con el objetivo de poner en valor esta disciplina artística tan característica de la cultura de nuestro tiempo. El arte mural forma parte del entorno urbano de la ciudad de València y especialmente del barrio del Carmen por lo que abrir el Centre del Carme a este tipo de manifestaciones artísticas es una forma de abrirnos al barrio y en general a la sociedad valenciana”.

“Asimismo introducimos esta disciplina en un centro de arte, demostrando que se puede transformar el espacio respetando el patrimonio lo que nos permite eliminar así los clichés de que el arte mural o el graffiti son destructivos y comenzar a apreciar el trabajo de estos creadores dentro del arte contemporáneo”, añadió.

El Centre del Carme será, el próximo 19 de mayo, la localización permanente de un mural de grandes dimensiones a cargo de Wall Arttitude (colectivo multidisciplinar de reputados artistas valencianos) junto con la intervención del claustro renacentista con gigantografía a cargo de Solimán Lopez & Lluis Salvador. La obra mural puede verse ya en fase avanzada, y está prevista su conclusión, junto con la intervención del claustro, para que pueda disfrutarse por todos los asistentes a la fiesta 'Viatge al Present', organizada conjuntamente por el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana y ZEDRE Art Mural i Cultura Urbana, con motivo de las actividades del Día Internacional de los Museos.

La fiesta 'Viatge al Present' contará con las actuaciones de Midi Drops, DJ Finger, Plan B, Mag Rubén Aparisi, y colaboraciones artísticas e innovadoras para todas las edades de Tatoonie o Fab Lab entre otros. Todo ello, además, con la presencia de Cerveza Turia que servirá su producto al público asistente.

Las empresas valencianas Pinturas Montó y Radical Walls patrocinarán los materiales tanto de esta primera intervención mural, como para el resto de iniciativas de ZEDRE en la ciudad. Se trata de generar una ruta sostenible para interactuar con la arquitectura de la ciudad de Valencia a través del arte mural (pictórico y fotográfico) y jardines verticales durante todo el año con la bicicleta como vehículo oficial.

Desde ZEDRE entienden como cultura urbana: movilidad sostenible, gastronomía, música, huertos urbanos, coloquios, jardines verticales, talleres, acciones urbanas, exposiciones, vida saludable, escaparatismo, deportes urbanos, magia, teatro callejero, perfomance, declaró Lluis Salvador, director de ZEDRE y promotor de la iniciativa.

ZEDRE cuenta a su vez con el patrocinio tecnológico de ESAT, Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia, quien han realizado el vídeo promocional de ZEDRE que se pudo ver en la presentación a medios, y que se proyectará de forma ininterrumpida también durante la fiesta del día 19.

Primera ruta sostenible de arte urbano

Tras la primera intervención de ZEDRE en el Centre del Carme, las actividades previstas comprenden toda una serie de acciones encaminadas a generar esa primera ruta sostenible de arte urbano en Valencia. Comenzando desde La Marina de Valencia, pasando por la zona del Cedro y la Facultat de Geografia i Història, para terminar en el Barrio del Carmen nuevamente. Un recorrido que será circular, de ida y vuelta, y que contará con una veintena de muros intervenidos por artistas valencianos, tanto de reconocido prestigio internacional, como jóvenes promesas escogidos a partir de una convocatoria abierta a artistas locales.

La mayoría de estas intervenciones tendrán lugar en la última semana de junio, contando con un desarrollo paulatino, en la medida de la disponibilidad de los diversos artistas comprometidos con ZEDRE. Entre ellos nombres como Dulk, PichiAvo, el ya mencionado colectivo Wall Arttitude, y no solo artistas del mundo del Street Art, sino también escogidos desde otras disciplinas, como Belén Segarra, Coté Escriva, Juan Olivares o Ruben Tortosa.

Además ZEDRE organizará el primer campeonato oficial de Long Board en Valencia, con la colaboración de la Federación de Longboard, en un espacio tan emblemático como La Marina de Valencia. Y además para incidir aún más en el carácter social de la propuesta, la innovadora empresa valenciana de cascos de bicicleta, Closca, colaborará con la intervención de cascos por una selección de artistas de reconocido prestigio, que serán subastados y cuyos beneficios irán destinados a organizaciones probici, reforestación y limpieza del ecosistema marino, y la propia autofinanciación de ZEDRE.

El festival de artes escénicas Russafa Escènica desvela la primera pieza de la programación de su séptima edición “Caminos”, que se celebrará entre los días 14 y 24 de septiembre de 2017. Se trata de la apuesta más ambiciosa del festival, El Invernadero, un proyecto que viene desarrollándose desde 2013 y que este año dirigirá la actriz y directora María José Peris.

El Invernadero es un taller de creación e investigación teatral gratuito para jóvenes talentos guiado por un profesional de las artes escénicas valencianas para, posteriormente, pasar a formar parte de la programación oficial del festival junto a sus ya conocidos formatos viveros y bosques.

La propuesta de María José Peris recoge la esencia del lema de esta séptima edición “Caminos” y traza una metáfora de la situación escénica actual a través de un formato musical. De esta forma, la pieza reflexionará sobre cómo los jóvenes y futuros profesionales conciben el sector desde una visión no contaminada y cómo avanzan por un camino lleno de pasión, deseos e incertidumbre. La propuesta abordará cuestiones como el deber de la administración pública ante la cultura, el respaldo de la crítica, el apoyo del público y, en general, la condición de artista.

La propuesta escénica, que este año va dirigida a estudiantes que sepan cantar y que cursen estudios de interpretación, canto, danza, teatro musical o música (cuerda, viento o percusión) mantendrá abierto su plazo de inscripción hasta el 1 de mayo y las bases de participación, con todos los requisitos que deben cumplir los solicitantes, están disponibles en la página web de Russafa Escènica: www.russafaescenica.com

Con esta, ya son cinco las ediciones consecutivas de esta propuesta pionera en nuestro territorio que se crea con el objetivo de poner en contacto a jóvenes actores y actrices con un equipo profesional de creadores y productores de artes escénicas y facilitarles así el acceso al mercado laboral.

Por la dirección de El Invernadero han pasado profesionales de la talla del actor, director y dramaturgo Chema Cardeña, con su propuesta “TROYA, la conquista de la felicidad”; el dramaturgo, guionista y director de cine y teatro valenciano Gabi Ochoa con “No hables de ello” y la actriz, directora y pedagoga teatral Eva Zapico con “La Gran Familia”. El año pasado fue el propio Jerónimo Cornelles, actor, director y dramaturgo, además de director artístico del festival Russafa Escènica, quien capitaneó la con “Hijos de Verónica [Generación del miedo]” secuela del espectáculo “Construyendo a Verónica”.

La Sala Russafa será, como todos los años, quien acoja el espectáculo de alrededor de 70 min cuya coordinación corre a cargo de María José Mora y que contará, un año más, con la colaboración activa de Las Naves (Espai d´innovació i creació).

Fundación La posta acoge el viernes 7 de abril, a las 20.30h, la última muestra coordinada por LABi (Laboratori de pensament, creació i difusió de la imatge). Esta exposición colectiva se enmarca dentro del programa de PhotOn Festival, un encuentro anual e internacional de fotoperiodismo y fotografía documental que lleva desarrollándose en la ciudad de Valencia desde el año 2011.

“Beatus ille” (Dichoso aquel), con esta expresión arrancaba uno de los versos del poeta romano Horacio en el que alababa la vida sencilla y retirada del campo frente al ritmo frenético de la ciudad. A partir de ese concepto y a través del trabajo de siete fotógrafos internacionales, la exposición 'neXos. Nuevas miradas en la fotografía documental europea' pretende ahondar en las relaciones humanas y en el entorno en el que éstas se llevan a cabo, y que también muta junto a ellas.

Esta colectiva es un proyecto de ENMap (European Network of Master Studies in Photography), en el que participan diferentes universidades con formación superior en fotografía, y ha sido organizada por estudiantes del Máster en Fotografía, Arte y Técnica de la Universitat Politècnica de València (UPV).

La muestra, que itinerará por diferentes ciudades europeas, pretende dar a conocer nuevas formas de documentalismo a través de los siguientes fotógrafos emergentes: Louve Denis, de Ecole de Recherche Graphique de Bruselas; Mikko Haiko y Heikki Humberg, de Aalto University School of Art, Design and Architecture de Helsinki; Francisco Llop, de la UPV; Davide Meneghello, de London College of Communication; Blerim Racaj, de University of Westminster; Beccy Strong, de Plymouth University. Por otra parte, los alumnos de Leiden University se ocupan de redactar una serie de ensayos teóricos que servirán de apoyo teórico a las obras de los artistas seleccionados.

LABi es un proyecto del Master Universitario en Fotografía, Arte y Técnica de la Universitat Po•litècnica de València, coordinado por Julia Castelló y Ali A. Maderuelo, en colaboración con la Fundación La Posta – Centre de Recerca de la Imatge. El horario de visita de LABi es de martes a viernes de 17h a 20h. Se puede contactar con el LABi enviando un email a: labi.masterfotoupv@gmail.com

Con una trayectoria de 25 años sobre los escenarios, Roma Calderón ha estado nominada en tres ocasiones a los Premios Max como coreógrafa y lo ganó por el espectáculo familiar 'Alegría'. A esta faceta se suma que, desde los 17 años, la actriz, cantante y bailarina toledana se dedica en cuerpo y alma a renovar uno de los géneros más vitales de las artes escénicas, el Cabaret, con un concepto que va calando y que ha exportado a Méjico, donde ha realizado tres giras con 'The Lovers', el espectáculo que Sala Russafa estrena en Valencia del 7 al 9 de abril.

El ‘Nu Cabaret’ de Calderón, sin renunciar a aspectos clásicos, incluye personajes más cercanos e introduce elementos modernos como hologramas, proyecciones, o el loop que usa en su última propuesta para generar en directo - y apoyándose únicamente en su voz - la instrumentación de algunas de las canciones que componen este ‘One Woman Show’. Un musical canalla que, además del país americano, ha visitado Madrid, Andalucía, Aragón o Cataluña, entre otras regiones.

Con estética Pin-Up y un espíritu holístico (la actriz es productora, dramaturga, directora, compositora, coreógrafa y hasta diseñadora del vestuario), mediante una serie de números delirantes, Calderón realiza un recorrido por las diferentes maneras de aproximarse al amor a través del recuerdo de sus amantes.

Enseñando las bragas y el alma, el alter ego de la artista se revela como un personaje excesivo, tierno, inteligente, inocente, deslenguado y sexy que repasa los roles, estrategias, encuentros y técnicas de seducción fundamentales en una divertida propuesta en la que subyace el amor como filosofía de vida y fuerza primaria. Una ocasión para conocer en Valencia el trabajo de esta creadora vitalista, que asegura conocer a los porteros de todas las fiestas y que disfruta excediendo los límites.

Aragó Cinema realizará una única proyección el próximo domingo 10 de abril (19.00h.) del documental 'The Simon's Jigsaw' (Luis Esquinas, 2014), sobre la figura del cineasta y productor valenciano Juan Piquer Simón.

Un homenaje al creador de películas como 'Supersonic Man', 'Mil gritos tiene la noche', 'Slugs, muerte viscosa', 'La grieta',… que los aficionados pudieron disfrutar en el Festival de Cine Fantástico de Sitges, en el Suspiria Fest de Alicante, en el Fantasti´CS de Castellón y cómo no, en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastian.

Tras su triste fallecimiento el 8 de enero de 2011, ediciones Museo Fantástico quiso rendir un homenaje a su figura al publicar el libro colectivo 'Juan Piquer Simón, mago de la serie B', gracias a este libro y con el esfuerzo de un gran equipo, se podrá disfrutar del primer documental dedicado a su vida y obra. Se contará con la presencia y participación en el posterior coloquio de Luis Esquinas, director de la cinta, y de Jorge Juan Adsuara, coordinador del libro.

El documental hace un repaso a la obra cinematográfica de Juan Piquer Simón, en el que los protagonistas son aquellos que trabajaron junto a él o aquellos otros conocedores o admiradores de su obra.

El elenco de profesionales entrevistados da una visión lo más completa del director valenciano, desde el director de fotografía Juan Marine hasta el director y guionista Víctor Matellano, pasando por artistas de FX como Colin Arthur, Reyes Abades, Domingo Lizcano o Antonio Garcinuño, actores de la talla de Manuel Puchades, Jack Taylor y Emilio Linder o especialistas como Manuel Valencia, José Luis Salvador Estébenez , Miguel Ángel Plana, Jorge Juan Adsuara y David García Sariñena, que componen con sus testimonios y vivencias un gran fresco sobre su trabajo, su vida, éxitos y fracasos.

La ciudad de Valencia es escenario de un juicio sumarísimo a la Transición española en la última novela del periodista y escritor, Frances Bayarri, València sic Transit, presentada el jueves 7 de abril en la Fábrica de Hielo, que inaugura un nuevo sello editorial Companyia Austrohungaresa de Vapors. El relato repasa cuatro décadas de historia desde el crepúsculo del franquismo a la celebración de la Copa América y mezcla personajes reales con otros imaginarios. “No es una novela política, sino una narración sobre la inconsistencia de una vida humana y la perplejidad ante los movimientos de la Historia”, dice Bayarri. “Sus principales personajes son a menudo ridículos, casi siempre alcohólicos, a veces drogadictos, y en ocasiones suicidas. Una galería de caracteres donde se puede reconocer la caricatura de una generación”.

Francesc Bayarri (Almàssera, 1961) es autor de las novelas L’avió del migdia, premio Valencia de Literatura 2001; Febrer (2004); Cita en Sarajevo, premio de los Escritores Valencianos de 2007. Ha participado en los libros colectivos Nosaltres, exvalencians y País Valencià, segle XXI. Actualmente es jefe del Gabinete de Prensa de la Universitat de València. Antes de incorporarse a la Universitat, en 1996, trabajó como periodista en varios medios

Se han vertido un sinfín de opiniones sobre la Transición tanto a favor como en contra. ¿Cuál es su ‘juicio sumarísimo’ a este proceso?

Creo que hay dos grupos de opiniones. Las generadas desde el poder, que siguen el mismo patrón: período modélico, reconciliación, superación de las dos Españas… Y un segundo grupo crítico con esta visión. En mi opinión, la Transición fue una gran decepción, que sólo se puede explicar por el miedo de todos y por la ausencia de cultura democrática después de cuarenta años de devastación.

¿Se identifica plenamente con la voz del narrador de la novela?

La novela está narrada en primera persona. Ese protagonista comparte con el autor el tiempo biológico y casi todos los escenarios, además del conocimiento personal de algunos personajes, que son reales en muchos casos. Pero la visión del mundo va divergiendo al compás del avance de la historia, entre el narrador y el autor. En el período de la infancia del protagonista existe una mayor carga autobiográfica, pero la realidad se va diluyendo con el paso de los años.

¿Qué rasgos definen la generación que describe en su libro?

Es una generación marcada por una ausencia de cultura democrática, que no se puede compensar de la noche a la mañana, pero con unas esperanzas, quizá excesivas, en la democracia. Una generación tremendamente politizada, a la que el desencanto por los sueños rotos marcó para siempre. También una generación que abrió los ojos al mundo, a la sexualidad, justo en el momento que caía la dictadura y comenzaba el nuevo tiempo.

En la novela aparecen personajes históricos como Vicent Ventura o Joan Monleón. ¿Por qué esos y no otros?

Son personajes con los que he coincidido realmente. Ventura era cliente de la imprenta de mi padre, por ejemplo. Y luego coincidimos en algunas iniciativas. Monleón presentaba un espacio Radio Cadena en los años ochenta, la misma radio donde yo hacía un programa de 6 a 8 de la mañana. Aparecen muchos más personajes reales, como Toni Mestre, Rosa Solbes, J.J. Pérez Benlloch, Maria Beneyto, Juli Esteve, Ferran Belda…, mezclados con otros de ficción, que son los verdaderos protagonistas.

Gregorio Morán dice que la raíz de la corrupción de los políticos valencianos está en la época de Zaplana. “Hemos venido a forrarnos”, dixit. ¿Está de acuerdo con su juicio o discrepa?

La corrupción valenciana proviene del franquismo. Antes también existía, por supuesto, pero el franquismo, que fue una dictadura sanguinaria en los primeros años, se acabó convirtiendo al final en una simple cloaca de corrupción. Como la Transición no limpió a fondo los resortes del franquismo, muchas prácticas han continuado activas. Todo esto unido a la falta de cultura democrática que deja indefensos a los ciudadanos por el mal funcionamiento de los controles y las garantías exigibles a una democracia consolidada. Sin que yo quiera restar a Zaplana y a los suyos su contribución al despropósito.

Sic gloria. ¿Qué glorias y miserias ha generado esta Comunidad en los últimos años?

Contrariamente a la idea según la cual los valencianos somos más corruptos que nadie, yo creo que tampoco en esto destacamos. Aquí, unos corruptos contaban 12.000 euros en un coche con una vaca por testigo, cuando un solo hijo de Pujol desvió cientos de millones. Si algún día se conociera el origen geográfico del dinero escondido en paraísos fiscales, los valencianos, para desilusión de aquellos que dicen que somos los mejores en todo, quedaríamos en posiciones muy modestas. Una cosa es que aquí los corruptos sean muy brutos, y otra cosa es que exista mayor corrupción per cápita.

¿Qué opina del presente impasse político?

Prefiero no tener gobierno a tener un mal gobierno. A pesar de las presiones de los medios, de las empresas del Ibex, de los mercaderes internacionales, de los cocineros de encuestas… el país no va peor que cuando gobernaba Rajoy con mayoría absoluta, o Rita Barberá, o Carlos Fabra o Rafael Blasco. Otra cosa es que la situación no deba eternizarse. Confío en el sentido común de la izquierda para poder llegar a un acuerdo de mínimos, insatisfactorio para todos, pero que regenere la atmósfera de este país.

Háblenos de la nueva editorial, la Companyia Austrohongaresa de Vapors.

Se trata de una editorial muy pequeña, de carácter familiar que dirige mi hija Anna. Sólo pretendemos publicar cinco o seis títulos al año, de diferentes géneros, con preferencia por temas de memoria histórica.

Reunir a varios fotógrafos en la exposición 'Somos. Siete fotógrafos desentrañando el ser', en la galería Isabel Bilbao de Jávea hasta el 20 de abril, es al mismo tiempo excitante y complejo. A través del visor, el fotógrafo combina una idea artística, la que crea antes de disparar la fotografía escogiendo el enclave, la escena, el motivo, el mensaje, el personaje.

Todo ello con una circunstancia real, aquello que de hecho está ahí delante y no aparece hasta el momento de encuadrar y capturar, ya sea el movimiento, lo inesperado, la expresión en ese instante o lo que asoma por detrás del motivo.

Una fotografía de autor revela lo que somos y duplica lo que la cámara atrapa: la existencia por ambos lados. En esta ocasión, se trata de los fotógrafos Mike Steel, Mili Sánchez, Monia Marceta, Amine Oulmakki, Raúl Baldera, Jo García Garrido y Joss Uñac.

La acción de fotografiar, en este caso a un semejante que es consciente del “yo”, por un lado apresa su esencia, lo que revela su rostro, su gesto, su porte y su entorno junto a la situación y puesta en escena del artista; por el lado opuesto, la cámara captura al fotógrafo, su deseo, su inspiración, su visión y su alma. La cámara es, finalmente, una nasa de pesca con dos entradas.

La sala Lametro de la estación de Colón de Metrovalencia ha ampliado los días de visita a la exposición 'Prop Art', organizada por el colectivo Awesome Props, hasta el próximo 30 de enero. La muestra dedicada al cine fantástico actual presenta numerosos personajes y objetos de producciones, como la saga de La Guerra de las Galaxias, Los Vengadores o Juego de Tronos y ha sido ya visitada por más de 3.000 personas desde su inauguración el pasado 10 de diciembre.

La exposición cuenta con 25 figuras a tamaño natural de personajes de Star Wars como Kylo Ren, Darth Maul, Boba Fett, Han Solo en Carbonita, Dengar, Stormtrooper Comandante y Wicket; Los Vengadores (Iron Man, Black Widow, Hawkeye y Miss Marvel); Kick-Ass (KICK-ASS e Hit Girl); Teenage Mutant Ninja Turtles (Raphael); Predator (Predator); Terminator (T-600); The Babadook (Mr. Babadook y Libro de Babadook); y Juego de Tronos (Guardia de la Noche en trono de Invernalia y Mesa con mapa de Poniente). Estas figuras están acompañadas por varias escenografías seleccionadas y numerosos objetos de utillería y atrezzo basados en las producciones cinematográficas más representativas del género.

La exposición ofrece un apartado destinado a los procesos técnicos, incluyendo la exhibición de los procesos de producción de los mismos, y una pequeña introducción al mundo de la creación de atrezzo, utillería y escenografía cinematográfica.

En la muestra participan Shaun Elay, joven artista experimental e ilustradora que presentó en primicia su exposición 'Phobophobia'; José Gracia, el autor del libro 'Herederos de la Guerra de las Galaxias'; Víctor G. Prats, conocido artista eldense quien presentó una selección de sus mejores obras relacionadas en su conocida exposición 'Star W-Arts'; y Tato Escriche, realizador y músico valenciano guionista, director y productor de varios capítulos de la serie de suspense paranormal Versión original y actual actor de doblaje de conocidas producciones de actualidad como Slow West.

Awesome Props es un colectivo de artistas fanáticos del cine, el comic y la ciencia ficción actual que realiza toda clase de utillería, atrezzo y escenografía cinematográfica como homenaje a dicho género.

La sala permanece abierta al público de lunes a sábado de 11 a 13 horas y de 17 a 20, cuenta desde su inicio con el patrocinio de Vossloh, empresa radicada en Albuixech y dedicada a la fabricación de unidades ferroviarias. Con esta sala de exposiciones, FGV quiere consolidar como habituales en el conjunto de las estaciones de la red propuestas culturales y otras, como actuaciones musicales o campañas de sensibilización como las que desarrolla Línea 0. Estas iniciativas se ofrecen con el objetivo de conseguir que las estaciones de Metrovalencia sean algo más que un simple lugar de paso.

Viento, cuadriláteros, amor, peines y flechas (Cómo capturarlos) se presenta en Pepita Lumier como una conexión de los últimos trabajos de Carla Fuentes: los ciclistas, los moteles, las peluquerías africanas, así como varios trabajos de ilustración originales y que han sido realizados para trabajos concretos y una serie nueva de cowboys. Todo ello en diversos formatos, desde grandes a pequeños, y algunos con sus consecuentes adaptaciones a producto.

“Las cosas importantes sólo se pueden capturar de dos maneras: con una red tupida o con un lápiz muy afilado. La primera de ellas no es muy recomendable, pues algunas de esas cosas, las más temperamentales, se hieren al intentar zafarse de la celada. Un abrazo se rompió una vez en siete pedazos cuando quiso liberar sus alas, que habían quedado dramáticamente enredadas. Un abrazo roto no sirve de nada”, explica Toni García a modo de introducción a la obra de Carla Fuentes.

Y prosigue: “El segundo método para atrapar un concepto es más eficaz, pero sumamente difícil. Carla Fuentes lo prefiere. La ilustradora valenciana confiesa que tuvo serias dificultades para dejar el aire a un lado y las bicicletas en otro, y que dedicó más de dos semanas a hablar con los puñetazos y negociar con los héroes que pedalean contra el viento. Se pactaron colores, perspectivas e intenciones. También gestos y señales.Todas esas cosas, ya cautivas, incluso los huidizos moteles y las veloces peluquerías, dejan de moverse durante diez días en la sala Pepita Lumier. Dicen cosas. Muchas cosas. Pero no se mueven. Carla Fuentes las ha capturado”, concluye García.

Carla Fuentes, Licenciada en Diseño de Moda por el EASD y en Bellas Artes por la Universidad San Carlos de Valencia, es la ilustradora más joven de entre todos los artistas que recoge Taschen en el volumen 5 de Illustration Now y entre sus exposiciones destaca su participación en la muestra Ilustradores Españoles organizada por la Red de Centros Culturales de España AECID y la Embajada de España en Berlín, La ciudad ilustrada en 101 imágenes y Obey Icon Tour organizada por el artista Shepard Fairey.

Lleva trabajando desde muy temprano para diferentes firmas como Pull & Bear, Women´secret, Absolut, Jorge Juan, Kling, Bread n Butter (Hong Kong), Gandía Blasco, Culdesac, Honda, Amnistía Internacional, Avalon: Jim Jarmusch – Kusturika, Nike, Coca-Cola, Rochas, Sony, Swarovski o Lladró, entre muchas otras.

Es colaboradora habitual de grupos como Polock y ha realizado trabajos para Russian Red, La Habitación Roja o Jero Romero, entre otros. Sus trabajos en prensa son habituales en medios como Vanidad, Vogue, Esquire y El País Semanal. También en medios y prensa de países como Japón (Union Mag, Nero), Australia (Yen Mag o Frankie Magazine), Francia (Le Monde), Brasil (NMagazine) y Méjico (Nylon).

Un grupo de amigos y conocidos amantes de la literatura en su doble vertiente como lectores y escritores. Una serie de talleres literarios para iniciarse en sus misterios. Un local donde reunirse a intercambiar conocimientos e ideas, la librería cafetería Bibliocafé de José Luis Rodríguez y su esposa Fernanda. Así surgió de una forma espontánea la Generación Bibliocafé (GB) a partir de una idea tan simple como eficaz: ¿Por qué esperar que publiquen nuestros escritos? ¡Hagámoslo nosotros! Y se lo tomaron tan en serio que unos tres años después ya tienen una biblioteca propia de doce volúmenes de contenido variopinto. Desde temas ligeros, como viajes, gastronomía y mascotas, a asuntos candentes de plena actualidad; violencia de género o el drama de la inmigración.

Pese a la lamentable desaparición de la librería Bibliocafé, los miembros del colectivo se mantienen unidos, ilusionados y productivos como el primer día. Varios de ellos ya han publicado novelas en solitario y en conjunto demuestran su capacidad de superación en cada proyecto que emprenden.

El pasado mes de diciembre apareció su duodécimo título presentado con gran expectación en el palacio de los Condes de Alpuente, en la calle Caballeros. Se trata de un libro homenaje a Valencia y sus habitantes de un ayer relativamente próximo que parece muy lejano en el tiempo. A partir de la colección de fotografías antiguas del blog de Julio Cob, dos docenas de autores, con declarada mayoría femenina, han urdido otras tantas historias, 24 en total, reunidas en Relatos en blanco y negro.

Variedad de estilos, de temas, brevedad y concisión. Es el aliciente de esta obra colectiva que sumerge al lector en una época de tonalidades grises, la sociedad del franquismo atenazada por la hipocresía, la represión y las secuelas del gran desastre que fue la guerra civil.

En Cola de caballo Susana Gisbert cuenta la historia de dos hermanos huérfanos separados por duras circunstancias que vuelven a reencontrarse tras muchos años. Inmaculada Martínez describe en Crisantemos, 1934 el estado de ánimo de un madre viuda a causa de la guerra de África que se dispone a comprar flores para la tumba de su marido.

No sólo hay espacio para el drama. En clave humorística Mauro Guillén recuerda el gran impacto que tuvo en la sociedad española la llegada del Seiscientos (Modernidad), y Fuensanta Niñirola relata en Una vida a trompicones la vida de una mujer que, pese a su tendencia a sufrir accidentes, tiene una vida dichosa y plena. La nota rural la pone Ángel Marqués con su cuento Alegría, nombre de la mula del abuelo del narrador, un avispado animal que es testigo de su iniciación en el sexo y la muerte.

Don Vicente Blasco Ibáñez protagoniza dos relatos. El Boa, de Herminia Luque recrea la relación del fogoso escritor con la famosa escritora doña Emilia Pardo Bazán, varios años mayor que él. Confesiones a María de Luisa Berbel es el propio Blasco Ibáñez quien, en una carta imaginaria a su primera esposa María Blasco, le pide disculpas por no haber prestado suficiente atención a su familia debido a sus vocación viajera y aventurera.

El bibliófilo e historiador Rafael Solaz, Pilar Martínez, el equipo de Côdez Iuvenis y el joven diseñador Marcos Escolano son otros colaboradores de este proyecto.

Carlos Ann llega a España, tras su notable gira por México, con ganas de tocar en directo ante su público de culto en las principales capitales de la geografía española. La gira dará comienzo en Zaragoza, el jueves 14 de enero y pasará por Murcia, Valencia, Huelva, Sevilla y Madrid, finalizando el viernes 29 de enero en Barcelona.

El tour visitará salas de pequeño y medio aforo con una formación de trío, en formato eléctrico, que irá repasando las canciones de Holograma, así como los grandes éxitos de sus casi veinte años de carrera que han dejado tras de sí 14 discos, entre discos en solitarios, recopilatorios y discos homenaje, en los que han colaborado artistas de la talla de Enrique Bunbury, Andrés Calamaro, Shuarma (vocalista de Elefantes), Loquillo, Nacho Vegas y Javier Corcobado entre otros.

En Valencia, la actuación tendrá lugar en la sala Tango y Truco el sábado 16 de enero, a las 23.30h, con entrada libre hasta completar aforo. Con Holograma, su nuevo disco, vuelve el artista que firmó Entre lujos y otras miserias (2001) y Descarado (2005), ese capaz de crear grandes canciones entre la electrónica y el rock and roll. De manera que Carlos Ann vuelve a ser el mejor Carlos Ann.

En Holograma vuelve a haber estribillos para cantar a voz en grito, capas de luz y oscuridad, un mensaje envuelto en píldoras directas al cerebro y al corazón. Cuando lo haces sonar, te sorprendes bailando al ritmo de 'Amanecer en ti', primera canción del disco y primer sencillo, una oda al amor más allá de la noche, un himno listo para que lo hagas tuyo.

'Vamos a la luna' es ciencia ficción hecha pop, 'Transparente' evoca amores narcóticos del pasado con melancolía dance y 'Rockstar' es un nuevo retrato crítico de autodestrucción. Y cuando menos te has dado cuenta, ya estás dentro de Holograma. Y el viaje continua con el juego electrónico de 'Tu espacio', la dramática e implacable “Ilusión” y la contundente crítica social que articula 'Seres influenciables'. A punto de finalizar, estremece el romanticismo crepuscular de 'Cuando las fiestas se acaban', que da paso al canto nihilista de 'Solución' y a la pura provocación de 'Fluorescencia', planteando un nuevo orden en la música popular.

Holograma es un manjar de producción exquisita de nivel internacional que reactualiza el legado musical e incluso lo hace futurista, en el que cada detalle se ha cuidado pero cuyo mensaje es espontáneo. Si decides no prestarle atención, tu vida seguirá siendo la misma, pero si lo escuchas de principio a fin seguro que cambia a mejor. ¿Qué pierdes al intentarlo?

La crítica ha alabado unánimemente esta adaptación de Maridos y mujeres, que durante cuatro meses ha triunfado en la cartelera barcelonesa y ha congregado 25.000 espectadores en la sala Villarroel. Àlex Rigola, uno de los directores de escena más reconocidos de Europa, es el responsable de esta versión de la mítica película de Woody Allen estrenada en 1992 y que llega al escenario del Musical en dos únicas funciones: sábado 16 a las 20.30 y domingo 17, a las 19.00 horas. Una comedia dramática que se adentra en los conflictos de pareja con una visión cruda y mucho humor. Los intérpretes son Andreu Benito, Joan Carreras, Mónica Glaenzel, Sandra Monclús, Mar Ulldemolins y Lluís Villanueva.

El guión de Marits i mullers está considerado uno de los más brillantes en la carrera de Woody Allen y disecciona las relaciones de pareja con tanta filosofía como humor. La trama arranca cuando Andreu y su mujer Rosa se enteran de que sus mejores amigos han decidido separarse. A partir de ese momento ellos también comenzarán a plantearse su relación.

Àlex Rigola acudirá el sábado al estreno del montaje en Valencia, primera parada en la gira de esta obra. Rigola ha sido director de la sección de teatro de la Bienal de Venecia entre 2010 y 2015 y ha dirigido el Teatro Lliure de Barcelona durante 8 temporadas. Director de escena de prestigio internacional, estrenó esta misma versión de Maridos y mujeres en castellano y con otro reparto en el Teatro de la Abadía en 2013. Su último trabajo es el montaje de El público, de Federico García Lorca.

Este montaje de Marits i mullers es una coproducción de Heartbreak Hotel, Teatro de la Abadía, Trànsit Projectes y La Villarroel. La crítica ha dicho de él: “La función es divertidísima (...) Tiene profundidad, humor, poesía, verdad y ritmo: ¿Qué más se puede pedir?” (Marcos Ordóñez. El País). “En pocas palabras, me gusta más Àlex Rigola que (Woody) Allen. Es un placer descubrir que tiene igual talento para la comedia como para sus excesos (...) y su inteligente capacidad para dominar los tiempos y el espacio” (Javier Villán. El Mundo).

“De los mejores filmes de Woody Allen y una de las obras más inspiradas y populares de Àlex Rigola (...) Una puesta en escena brillante, por ingeniosa y meticulosa, y una soberbia dirección de actores.”

Santi Fondevila (ARA). “Incluso el propio Woody Allen aplaudiría la versión de Àlex Rigola de Marits i Mullers” (José Carlos Sorribes. El Periódico de Catalunya). “Versión dotada de un gran cuadro interpretativo, consigue una diversión de las más brillantes que se han podido ver en la escena local de muchos años a esta parte” (Joan-Anton Benach. La Vanguardia).

Cerca de un centenar de personas, asociaciones culturales, editoriales y despachos de abogados ha aportado dinero para que la revista 21veintiúnversos nazca en Valencia con vocación de perpetuarse en el tiempo. El objetivo, apunta Francisco Benedito, coordinador de la publicación junto a Víctor Segrelles, es “acomodar en sus páginas toda la poesía que seamos capaces”. Lo harán por entregas, ya que siguiendo al pie de la letra el nombre de la revista, en cada número habrá textos inéditos de 20 poetas, acompañados de la obra de un artista plástico de renombre. De hecho, arrancan con una de Jordi Teixidor, Premio Nacional de Artes Plásticas 2014.

El poeta Juan Pablo Zapater es el director de 21veintiúnversos, para quien la revista surge de la “necesidad de sentirnos cerca de la belleza”. Partiendo de esa necesidad, la propia publicación está concebida como un objeto bello, impreso en offset sobre papel de alta calidad, reproduciendo en su cubierta la obra plástica realizada para cada número por un artista invitado. Carmen Calvo, la que fuera igualmente Premio Nacional de Artes Plásticas un año antes de que lo fuera Teixidor, será la encargada de ilustrar el número 2 previsto para marzo de 2016, dada la periodicidad cuatrimestral de la revista.

“¿Para qué poetas en tiempos de penuria?”, se preguntó Benedito en la librería Ramón Llull, donde se presentó la publicación arropada por algunos de sus mecenas. Zapater, poco antes, había anticipado su respuesta al tomar prestada una frase de Georges Braque, a su vez citado por Rosa María Mateo: “El arte es una herida hecha luz”. A esa herida abierta por la crisis viene a echar luz cicatrizante la revista 21veintiúnversos, nacida igualmente “con el propósito de preservar algo tan trascendente como es el intercambio entre esos mundos interiores que sobreviven aislados, y a veces hasta amordazados, por la sociedad materialista que los rodea”, según explicaron sus creadores a modo de pistoletazo de salida.

Como antídoto a ese materialismo, la revista inyecta esas 21 dosis cuatrimestrales de alma en forma de poemas. De hecho, el alma está inscrita en el origen del nombre de la publicación. “Dicen que el alma no es una sustancia medible”, explicó Zapater. Pero echando mano del físico estadounidense Duncan MacDougall, que postuló que el alma humana pesaba 21 gramos a tenor del peso corporal que se perdía tras la muerte, Zapater lo asumió como seña de identidad del proyecto editorial recién nacido: “El autor no muere al escribir el poema, pero sí que se desprende algo de su espíritu”.

Y como 21 son también los poetas y artistas plásticos reunidos en cada número, además de hallarnos en el siglo XXI, todo llevaba al nombre de 21vientiúnversos como corolario final de tanta casualidad. Incluso casual ha sido el éxito a la hora de captar recursos mediante el micromecenazgo. “Ha sido una sorpresa maravillosa”, destacó Segrelles. Los mecenas particulares tienen tres opciones: 20€ y el derecho a un número de la revista; 30€, por dos ejemplares de la revista, y 50€ por un número y la obra del artista firmada y numerada.

Las voces más sobresalientes de la poesía contemporánea encontrarán su espacio en la revista. Como ejemplo, César Simón, prematuramente fallecido y del que se recoge un texto inédito de su brillante producción. Junto a él, forman parte del primer número Xelo Candel, Fernando Delgado, Almudena Guzmán, Jaime Siles, Pilar Verdú, Roger Wolfe, José Luis Falcó y Marc Granell, estos dos últimos recitando sus propios poemas durante el acto de presentación en la Ramón Llull.

La creatividad no tiene por qué tener límites, eso es lo que llevan demostrando por tercer año consecutivo las comisarias de I Pòsquin You, Maria Carballo y Xus Francés, que han conseguido reunir casi doscientos artistas y alrededor de 2.000 pòsquins, post-its intervenidos artísticamente por artistas emergentes y consolidados procedentes de diferentes ciudades nacionales e internacionales. Ilustraciones, collage, pintura, fotografías, obras originales y todas en el mismo soporte.

I Pòsquin You vuelve a Valencia por segundo año consecutivo y lo hace gracias a la galería dirigida por Julián Romero y Bartolomé Mata ubicada en el barrio más cool de Valencia. El proyecto empezó en 2013 con el objetivo de acercar el arte contemporáneo a todo tipo de público a través de piezas de arte en soporte post-it y a precio reducido. Además, la propuesta pretende reunir a todos los colectivos: críticos de arte, comisarios, fotógrafos, ilustradores, creadores, galeristas y coleccionistas, para crear conexiones entre ellos apoyando el trabajo de los artistas y fomentando un nuevo tipo de coleccionismo de arte.

En definitiva, lo más importante para las organizadoras de la exposición y desde Trentatres Gallery, se busca que el público se acerque al arte, lo entienda, lo compre y lo coleccione, que quede atrás la idea de que el arte es solo para una élite. Se mantiene la premisa, arte Low cost & Take away, en la que todas las obras estarán a la venta por el precio de diez euros y podrán ser adquiridas desde el mismo día de la inauguración.

Artistas de trayectoria internacional como Luis Domingo Millán, Santiago Delgado-Escribano y Rachid Hachami se han sumado al reto de crear obras en soporte post-it. Comisarios de arte de dos de los festivales de arte urbano del centro histórico de Valencia: Antonio Barroso, Ciutat Vella Oberta, y Toni Cosín, que formó parte del equipo del festival Intramurs. Anna Roig Llabata, Miguel Angel Aranda, Mompar, Araceli Canales, Basilovich, Reme Tomás, José Bautista, Ana Carballo, Anna Casanova, Jordi Gamón, Lisa Gingles, entre otros, repiten de nuevo en esta tercera edición.

Artistas que enviaron sus obras desde Madrid: Rosa Pérez-Carasa, Carla Cañella, Maria Rey; desde Salamanca, el músico y artista procesual original de Badajoz, Juan Sebastián González; desde Navarra, la artista Maria Hernández; y desde Torrelavega, Ruth Becerril Gutiérrez. El dibujante de cómics y prensa gráfica Calpurnio, autor del popular personaje El bueno de Cuttlas. Pòsquins de ilustradores de cómics muy conocidos también a nivel nacional: Sento Llobell, Cento Yuste. Los pòsquins del diseñador y comisario de arte MacDiego. Han participado muchos ilustradores de Barcelona: Laura Agustí, Mr. Sis; Ontinyent: Jerjes Llopis, Salva Insa; Alicante: P.Strange, miembro del colectivo El Trígono.

Artistas holandesas residentes en Ontinyent: Pim Van Moorsel y Martine Van Boven. Diseñadores de Barcelona, Eduardo Martinez, diseñador gráfico, Joel Miñana, ilustrador y diseñador de moda. Mr. Hambre, diseñador e ilustrador gráfico de Castelló de la Plana. Destaca especialmente la gran cantidad de artistas y colectivos que tienen su estudio en el Barrio de Russafa: Jessica Rey, Elena Pérez Ayrault del colectivo Central Art; las ilustradoras Raquel Carrero, Noelia Whol, Palmera, Regina Quesada. El artista multidisciplinar y diseñador Antonio Asensi.

Artistas que recientemente han expuesto en el Centro del Carmen: Alejandra de la Torre, Jorge Rubert; y en La Rambleta, el artista Martín Forés. Fotografías sobre soporte post-it: Salva Nebot, Maite Bäckman, Raúl Dap, José Cámara. Alfonso Renza ha enviado sus pòsquins desde Colombia, y el artista valenciano Jordi NN desde Lituania. Y un sinfínmás...

A través de las fotos y video intervenciones, a cargo del artista Jorge Sellés Domínguez, la convocatoria abierta se extendió por todas las redes sociales, en las cuales se invitó a los artistas a participar en el proyecto enviando por correo postal o entregando en la misma galería sus obras.

El IVAM propone al público habitar el espacio del museo por una noche, la que enlaza el viernes 4 con el sábado 5 de diciembre, con el objetivo de reflexionar sobre las lógicas cotidianas que rigen el funcionamiento de la institución (administración, horarios, actividades, seguridad, etc.), y así proponer una nueva experiencia a los participantes.

La actividad, que tendrá lugar en el hall principal del IVAM, comenzará a las 20.00h del viernes 4, después de la hora de cierre del museo, y hasta las 10.00h del sábado 5. Los participantes que estén interesados tendrán que acudir con sacos de dormir, esterillas, mantas y demás provisiones que consideren necesarias para pasar la noche. Para la cena y el desayuno, cada uno de los participantes deberá traer algo de comer y beber para compartir con los demás participantes.

Se trata de una propuesta concebida por la plataforma de artistas escénicos La Sauna International, en concreto Vicente Arlandis y Sandra Gómez. Durante la velada, se planteará a los asistentes que reflexionen sobre la cuestión ‘¿qué pasa cuando no pasa nada?’. Después de cenar se propondrá una situación que traslade a los participantes a su interior, una inducción al sueño y a los sueños. Una toma de consciencia del cuerpo de cada uno, de la respiración, la percepción del espacio y de los otros, una posibilidad de imaginarse a uno mismo de manera diferente.

Esta acción es la primera de una serie de actividades englobadas bajo el título 'El museo modos de uso'. Después vendrá el ciclo de cine 'El museo produce', ideado por Javier Moral, y los talleres Tecnometrías, de Solimán López y Aitziber Urtasun, y 'Construyendo nuevos mundos. Dance generation', de Taiat Dansa. 'El museo modos de uso' irá ofreciendo visiones e interpretaciones sobre la importancia del lugar y los espacios, sus ocupaciones u ocultaciones, dentro de un museo contemporáneo.

Ambros Chapel, formación valenciana compuesta en por Pablo Casero (voz y guitarra), Alfred Sanchís (bajo), Óscar Vadillo (guitarra solista) y Jose Rodríguez (batería), acaba de publicar su nuevo trabajo titulado The Last Memories distribuido por Munster Records a nivel nacional e internacional, y editado en vinilo con una edición numerada y limitada.

Surgidos en 2006, a pesar de su corta vida acumulan más de 140 conciertos por toda España y un interesante palmarés en referencias discográficas y premios. Este verano participa junto a bandas estadounidenses en el tributo internacional a New Order con la canción Blue Monday.

Ambros Chapel, al poco de comenzar su andadura, grabaron su primera maqueta Demo 2006 y un año después grabaron su Demo 07, que les dio a conocer a medios y público. En 2008 ganaron la edición del concurso Troglogló de la Caverna, grabando dos temas con Dani Cardona para el recopilatorio de grupos ganadores. Esta grabación marcó el camino a la edición de su primer larga duración: Rome (Malatesta Records, 2009), que supuso un acontecimiento en el panorama musical local cuando se publicó. Un postpunk de finales de los setenta y mediados de los ochenta que practicaron bandas como The Cure, Echo and the Bunnymen, Bauhaus o Joy Division, pero ejecutado con sobrada elegancia y asombrosa brillantez.

Su primer trabajo fue recibido con entusiasmo por público y medios especializados. Prueba de ello es que Rome fue elegido mejor álbum del año por los oyentes del programa de Radio Klara, el Club de Amigos del Crimen, el sexto por la revista Mondosonoro y apareció en puestos destacados en las listas de Vinilo Valencia o los 39 Sonidos de Juan Vitoria.

Hace dos años salió al mercado su segunda referencia, Constants are changing (7days Music, 2011), un disco de madurez. New Nation, la canción que abre el álbum, es representativa de la obra. Gracias a estos dos álbumes, la banda se ha hecho con un repertorio que hace de sus conciertos un espectáculo y que cuenta con un nutrido número de seguidores, fieles a ese sonido característico y que es muy apreciado por un amplio sector del público local.

A finales del pasado año sacaron a la luz Electric Eye, una pieza de lujo para coleccionistas y seguidores de la banda, fabricada en vinilo de siete pulgadas con una tirada limitada de 105 copias numeradas, acompañadas de su edición en compacto. La obra, editada conjuntamente por 7Days Music y To Jail Records, contiene tres temas: el que da título al EP, Electric Eye y The River son dos temas inéditos, acompañados de una versión remasterizada de uno de los temas más potentes de su anterior trabajo, Tears. Grabado en Rockaway Estudios de Castellón bajo la dirección de Alberto Ruiz Lucendo a los mandos, la masterización ha corrido a cargo de Mario G. Alberni, de Kadifornia Mastering. Antes de terminar el año, Electric Eye fue elegido el segundo mejor EP del año 2012 por Mondosonoro Valencia.

En 2014 han participado en el disco tributo a la banda australiana The Church, Bajo un Cielo Prehistórico, editado por el sello Lunar y Pancake Analog Studio, junto a bandas relevantes del panorama independiente nacional e internacional. Y ahora, en 2015, editan su cuarta referencia, The Last Memories (7Days Music/Harmony Rock Records, 2014) en formato vinilo de edición limitada de 300 copias numeradas.

'Valley', de la directora francesa Sophie Artus, ha logrado el Premio Luna de Valencia de Cinema Jove en su Sección de Largometrajes. Según el jurado integrado por Lolita Chammah, Olimpia Melinte y Jorge Roelas, la película impacta “porque aunque tenga violencia está llena de sentimientos”. Violencia a la que se ven “abocados” los protagonistas “porque su forma de vida no les ofrece salidas”. 'Valley' se merece sin duda el premio, pero se merecía también una valoración más rica en matices, por mucho que el jurado no tuviera obligación una vez anunciado el premio.

Situada la acción en un pueblo al norte de Israel, 'Valley' va más allá del conflicto palestino israelí, para centrarse en la vida de unos jóvenes de instituto habitados por la tensión de cierta violencia. Violencia que tiene su origen en el desestructurado núcleo familiar y que dará pie a consecuencias imprevistas. SophieArtus, al estilo del cineasta Gus Van Sant, radiografía esa impotencia juvenil, cuyo contrapunto siempre es la prepotencia desafiante, arrojando una luz dura, áspera y sin concesiones de tanto desamparo disfrazado en unos casos de torpe arrojo y en otros de melancólica existencia.

'Arrojo' del joven Josh (Naveh Tsur), acostumbrado a defenderse de su violento hermano, y melancolía de David (Roy Nik), un recién incorporado al instituto que llega arrastrando en soledad la muerte por suicidio de su madre. Ambos, junto a la soñadora Linoy (Joy Rieger), sobreviven como pueden a ese mundo inhóspito, donde la violencia es el pan de cada día y el anuncio, por falta de otras referencias, de un fatal desenlace. Artus da cuenta de todo ello encauzando la violencia por derroteros insospechados.

'Swornvirgin', de Laura Bispuri, ha recibido una mención especial por parte del jurado, y el premio CIMA a la mejor película dirigida por una mujer. Premio excesivo para la confusa diatriba en torno a la identidad corporal y la demanda de libertad más allá de las supuestas ataduras que conlleva la ligazón a un sexo. Hana Doda (Alba Rohrwacher) será primero mujer, después hombre, para poder usar un rifle en el contexto viril de las cerradas costumbres en una aldea de Albania, hasta que el viaje a Italia en busca de su hermana permita articular tan fragmentada identidad.

El confuso trayecto genera al principio cierta intriga que, una vez resuelta, desinfla la trama, porque la supuesta libertad reivindicada por parte de Hana parece volverse en su contra cuando toca asumir responsabilidades por las decisiones tomadas. Interesante sin duda la temática, por que la identidad no es cosa que se construya de manera fácil, sobre todo en tiempos de férreas pertenencias ideológicas, que Bispuri resuelve de forma entrañable vaciando de calado la propuesta.

En cuanto a la Sección de Cortometrajes, el jurado formado por Pau Durà, Anna Kazejak y Diego Sabanés otorgó el premio a 'Discipline', del director suizo Christophe M. Saber, “por mostrar con sentido del humor la compleja realidad de la Europa que ahora conocemos”. La acción se desarrolla en una tienda de alimentación de Lausana (Suiza), regentada por egipcios, donde tiene lugar un incidente que desata imprevistas reacciones.

CIMA también concedió una mención especial al corto TheChicken, de la bosnia Una Gunjak, que se sumaba a las otras menciones especiales del jurado, que fueron a parar a Esel, del austriaco Rafael Haider, Le mal du citron, de los suizos Jeremy Rosenstein y KasparSchiltknecht y la propia TheChicken.Dissonance, del alemán TillNowak, se llevó el Premio Canal+; 6Lola6, del español Tomás Peña, logró el Premio Pecera Estudio, mientras que Decorado, de la productora Uniko, que será dirigido por Alberto Vázquez, se hizo con el Premio Proyecto Corto Canal+ Pecera Estudio.