Uno llega este año a la explanada donde se celebra el Azkena Rock Festival (ARF), en Vitoria Gasteiz, y las buenas vibraciones te asaltan por doquier. Y eso que llegamos tarde este viernes porque también había que contar la indignación del pueblo por la puesta en libertad de los miembros de 'la manada', cinco “depredadores sexuales” que ya andan sueltos de nuevo al módico precio de 6.000 euros por barba. Sin comentarios.

Decía que las buenas vibraciones se te plantan desde que aterrizas en el ARF porque la imagen del malogrado Tom Petty está por todas partes. Nunca tocó en España, y eso que la gente de Last Tour persiguió al rockero sureño por tierra, mar y aire. No pudo ser. Algunos tuvimos la suerte de verlo junto a sus inseparables Heartbreakers hace ahora justo un año en el concierto de Hyde Park, en Londres. Pero esa es otra crónica que algún día escribiré...

Fue entrar en el recinto de Mendizabala y la música de los Allnighters ya nos estaba rodeando. Como decía Igu, el cantante y líder de la banda vitoriana, el público estaba dividido entre el tendido de sol, bailando como posesos endemoniados (es un decir), y el de sombra, más apalancado, casi de corte intelectual (tal vez esté exagerando). Todos disfrutamos del R´n´Blues, los metales, el soul, la armónica -uno de los instrumentos estrella de la noche- del 'frontman' Igu. Bueno, qué les voy a contar, son ya un clásico de la escena musical vasca, y siguen en la brecha. Arrancando así esta edición del ARF, la primera jornada solo podía acabar bien.

Me quedé con el sonido de la armónica. El instrumento por excelencia del Azkena Rock Festival es la guitarra. No hay debate sobre esto. Pero lo mismo que se coló la indignación por lo ocurrido con 'la manada' -luego se lo cuento, cuando lleguemos a Dead Cross-, la armónica ha tenido un lugar preeminente en el Olimpo del festival.

La armónica se convirtió en uno de los instrumentos de esta primera jornada, con Igu, de The Allnighters, Van the Man y el propio Chris Robinson, cada uno con un estilo muy diferente. El León de Belfast -que inició su bolo con cinco minutos de retraso sobre el horario oficial (20:20), pero nos deleitó con sus 90 minutos de siempre- no toca la armónica, la seduce.

Van The Man entró por el lado izquierdo del escenario, ataviado con su impecable traje, sombrero, gafas eternas, pañuelo de seda de colorines. Todo en un tono morado-lila, casi como queriendo sumarse con ese color a la indignación que recorre las calles y plazas de España ante la excarcelación de 'la manada'. Tosió mucho durante la primera parte de su actuación, que arrancó con el Hold it Rigght There, de su último trabajo (You´re Driving Me Crazy), a pachas con Joey Defrancesco. No estaba acatarrado. Y si lo estaba, no nos enteramos, porque su voz sonó aterciopelada, potente cuando se echaba hacia atrás -como si quisiera ganar algunos centímetros del suelo- o deliciosamente encadenada con la voz de la cantante que le hizo mucho más que los coros (gozada de voz de mujer). Al tercer tema, el León de Belfast -donde acabaría durmiendo ayer, como siempre que puede hace- se enfundó la armónica. Sonaba el Baby please Don´t Go y apareció el bendito instrumento como por arte de magia.

Morrison impuso ritmo a su banda de lujo desde los primeros compases: un gesto de su mano es mucho más que una orden en el escenario. Y todo el mundo que alguna vez se ha subido a él junto a Van The Man, lo sabe. Sonaron sus éxitos, claro, normal en un artista que tiene una producción musical bestial -hasta dos o tres discos en un mismo año-, inabarcable, eterna. Me encantó escuchar de nuevo un Wild Night completamente revisitado. Un tema que me trasportó a la película 'Thelma y Louise' y a una puesta de sol en el Grand Cannyon del Colorado National Park. El sol se iba apagando también en Mendizabala, lentamente, sin pedir permiso a nadie. Libre. Y escuchamos otros clásicos del repertorio 'morrisoniano' como Days Like This, Precious Time (adornada con la steel pedal guitar), Broken Record, Brown Eyed Girl. Mientras hacía guiños en algunos de sus temas a Sam Cooke (You Send Me) o dejaba que se colara el Be Bop a Lula de invitado al final de otra canción.

Cerró con Gloria, al filo de las 21:48. Y ya no volvió. A las 21:50 exactas la banda echó la cortina de la actuación. Hubo zarpazos del León de Belfast, pero su propuesta musical se ha quedado suspendida en el Olimpo de los grandes mitos. ¿Eso es malo? Hombre, estar suspendido en el cielo no puede ser algo nocivo (o sí), pero desde luego ya no sorprende. Es lo que es. Tampoco engaña. Toca el micrófono y se convierte en oro hasta el pie de micro (no es broma, así lucía esta noche en el ARF). Es un Midas de la música moderna, sin duda. Pero me lo pasé mucho mejor el pasado año en el BBK Music Legends. Allí Morrison se hizo humano, y compartió escenario con Georgie Fame, con Imelda May... en fin. Otra cosa. Pero 90 minutos de Van The Man, es como decir, 38 minutos de Camarón (¿recuerdan aquel titular de periódico?).

Chris Robinson, el que fuera vocalista de The Black Crowes (a los que tuvimos la suerte de ver en directo en el ARF en 2009), no toca la armónica, hace el amor con ella. Y su 'buenrollismo' fraternal te atrapa desde antes de que suene el ramillete de temas que hacen mover el pelo a un lado y a otro como si aún estuviéramos atrapados en Haight Ashbury y contonear las caderas por derecho propio. Llámenme 'jipi'. Pero Chris Robinson Brotherhood son una delicia californiana sureña abierta al mundo. Nunca sería la banda sonora de Donald Trump. Neal Casal, el guitarra que ha tocado en solitario, con Ryan Adams y con tanta gente, ha sonado esta noche genial en el Azkena. Delicado como si de un Jerry Garcia se tratara (así ha sonado, como un miembro más de los Grateful Dead), indomable hasta el paroxismo. Y Adam MacDougal, a los teclados Rhodes, Clavinet, Moog y Hammond, como si de otro reverendo sureño se tratara, con esas gafitas redondas, pelo rubio larguísimo y unos dedos enormes.

La marihuana de la cuadrilla del al lado me mantuvo en el Olimpo de los dioses de Morrison. Solo los trallazos de Dead Cross -también californianos- me zarandearon hasta dejarme KO. Allí no se escuchó armónica alguna. A lo sumo, a un cantante preguntando insistentemente por 'la manada' y llamando “cabrones” a los vitorianos y a todo el que estuviera dispuesto a escuchar a los de Mike Patton, ya saben el exvocalista de Faith No More. Pude a duras penas reconocer al final de su actuación el I Want You (she is so heavy) de The Beatles (Abbey Road). Lennon se habría sentido orgulloso.

Abandoné como pude Mendizabala. No sin antes llevarme una noticia: Wilko, el grupo de Jeff Tweedy, primera confirmación para el ARF de 2019, según nos revelaron los chicos y chicas de Last Tour International, organizador del festival. Este sábado, el plato fuerte JOAN JETT AND THE BLACKHEARTS (y mucho más)

Don´t miss it¡

Casi dos centenares de artistas pasarán por los escenarios de la próxima edición del Primavera Sound 2017: la decimoséptima entrega de uno de los festivales más imponentes de España, que el año pasado batió récords de ventas agotando los abonos de los tres días de festival. Esta vez su cartel promete un plus de riesgo en sus fichajes.

La próxima edición tendrá como jornadas centrales el miércoles 31 de mayo al domingo 4 de junio de 2017 en sus dos emplazamientos principales. El recinto del Parc del Fòrum será el escenario de la mayor parte de la programación, mientras que el barrio del Raval repite como particular centro neurálgico de la iniciativa por incentivar la actividad cultural repartida por las calles de la ciudad catalana con conciertos gratuitos.

El año pasado cerca de 55.000 personas al día se concetraron para ver a artistas como Radiohead, PJ Harvey, LCD Soundsystem o Sigur Rós. Este año, su cartel llega igualmente cargado de estrellas.

Frank Ocean capitán de un barco de 200 tripulantes

El cantante, compositor y rapero estadounidense Frank Ocean, que sorprendía hace poco con su inclasificable Blonde, es uno de los nombres que más destaca entre las adquisiciones de este año. Pero lo cierto es que el hijo de Napster viene acompañado de varios artistas de fama mundial.

The xx con nuevo disco bajo el brazo, Bon Iver defendiendo los temas de su reciente 22, A Million, la electrónica de Aphex Twin, los mismos Arcade Fire que ya ofrecieron un directo memorable hace un par de años en el festival, el metal de Slayer, el gran icono Grace Jones, la estrella del R&B Solange y las nuevas canciones de viejos conocidos como Van Morrison son algunas de las características del cartel de 2017.

Los históricos del punk rock Descendents, un doble pase de Stephen Merritt al mando de The Magnetic Fields, la vuelta a los escenarios del soul punk de los americanos The Make-Up, el pop electrónico de los británicos Metronomy, la rompedora música urbana de Skepta, el regreso de Teenage Fanclub y su arsenal de pop, la electrónica experimental de Flying Lotus, la intensidad combativa de Death Grips son otros de los platos fuertes de esta edición.

Mientras, la electrónica sigue ganando peso, a pesar de las dificultades por las que el género pasa en nuestro país. Dentro de la programación del festival, este año se le dedicarán dos escenarios al género. La lista de artistas es especialmente extensa e incluye al popular dj alemán Dixon, el melódico techno de Recondite, el house innovador de Âme, el acercamiento al pop de Tycho, el UK bass de Joy Orbison, el impactante live del búlgaro KiNK o la veteranía de Michael Mayer. Mención aparte merecen los belgas Front 242, formación clave para entender la evolución de la música de baile en las últimas décadas.

Bon Iver

22, A MillionJagjaguwar / Popstock!POP★7/1022, A Million

El cliché del artista atormentado que se encierra en una cabaña para superar una depresión grabando un disco elevó a Justin Vernon/Bon Iver con For Emma, Forever Ago a un altar del que hoy, dos discos y nueve años más tarde, no se ha bajado.

22, A Million era sin ningún lugar a dudas uno de los discos más esperados del 2016 y llega rodeado de misterio, con una estudiada campaña de “desinformación” por su discográfica y el propio Vernon cuidándose muy mucho de dar explicaciones sobre el origen de estas diez canciones de crípticos títulos, sentimientos (una vez más) a flor de piel y a las que el uso y abuso del autotune (maldita moda del autotune…) amenaza con llevarse por delante en más ocasiones de la cuenta.

A valorar su obsesión por la búsqueda de nuevas formas, que incluso le han empujado a desarrollar nuevos instrumentos de corte electrónico con los que vestir la habitual letanía de lamentos.

Bruce Springsteen

Chapter and VerseColumbia / SonyROCK★8/10

Chapter and Verse

Quién nos iba a decir que el gran lanzamiento de la última década para Bruce Springsteen no sería tanto un disco como un libro… De la mano de la autobiografía Born to Run, que ha consumido la mayor parte del tiempo del Jefe en los últimos años y que va camino de convertirse en todo un fenómeno editorial, se publica este recopilatorio que aborda ¡cincuenta años de música! Concretamente el periodo que va desde The Castilles, una suerte de combo beat con los que Springsteen registró este inédito Baby I en 1966, hasta su tema más reconocible de los últimos años, Wrecking Ball.

El disco funciona pues en una doble dirección, como una golosina para fans al incluir cinco canciones inéditas previas a su primer disco, Greetings From Asbury Park, N.J. (1972), y también como contenedor de algunas de sus composiciones más representativas de su carrera, las Born To Run, The River, Born in the USA, The Ghost of Tom Joad,…

Danny Brown

Atrocity ExhibitionWarp / Music As UsualRAP★8/10

Atrocity Exhibition

En el tema que sirve de apertura para el debut de Danny Brown en el prestigioso sello británico Warp (casa de otros inclasificables presentes y pasados como Flying Lotus, Anti Pop Consortium o Gonjasufi) se hace referencia a paranoias, espirales descendentes y pesadillas. El estado de ánimo perfecto para enfrentarse a este peculiar rapero que viene de la deprimida Detroit y que comenzó a recibir atención por la comunidad musical con discos como XXX (2011) y Old (2013).

Su estilo nasal característico y unas bases de pesadilla, cercanas en espíritu al tremendismo illbient y que lleva aquí más lejos que nunca, dan forma a una manera de entender el género diferente a la que estamos acostumbrados. Pero la presencia en este disco de pesos pesados del calibre de Kendrick Lamar, Kelela o Earl Sweatshirt son señal, una más, de que la cosa va muy en serio.

Pixies

Head CarrierPiasROCK★7/10

Head Carrier

Los de Boston nunca han ocultado que la razón de ser de su reunión se debió única y exclusivamente a las motivaciones económicas. Sorprendentemente -o no, que para desdecirse siempre hay tiempo- justifican ahora la publicación del segundo disco de su etapa “zombie” y lo visten de una ilusión y una frescura que difícilmente se deja entrever por las rendijas de estas doce canciones.

Hay oficio, claro que sí, como buenos músicos que son, y hasta algún ramalazo que nos devuelve a un momento en el que tanto ellos como nosotros éramos mucho más jóvenes: el estribillo de Classic Masher, la alegría saltarina de Talent, unos cuantos riffs y hasta algún arranque de furia impostada son dignos de haber formado parte de Bossa Nova o Trompe Le Monde, precisamente los dos discos menos especiales de la etapa clásica del grupo.

Al final la sensación es similar a la de reencontrarse veinte años más tarde con tu primera novia del instituto: el vínculo afectivo no ha terminado de extinguirse del todo pero se hace complicado mantener la conversación durante mucho rato…

Sidonie

El peor grupo del mundoSonyPOP★6/10

El peor grupo del mundo

Sidonie juegan al equívoco desde el título de su octavo álbum. No es la primera vez que una banda pop apuesta por la autoinculpación como estrategia, pero en este caso la declaración que sirve de título al disco esconde un homenaje en toda regla al pop. No sólo por el concepto que envuelve al disco –el de bandas clásicas que en un momento dado se han sentido las peores del mundo por el rechazo de crítica o público- sino también las metareferencias a formaciones más o menos amigas –Carreteras infinitas, el primer single, que cuenta con la colaboración del Egon Soda Ricky Falkner- o los balbuceantes inicios en el local de ensayo –la titular El peor grupo del mundo-.

La idea está en sintonía con un sonido límpido, muy pulido (casi sintético) y definitivamente pop, con el que se confirma la decisión cada vez más evidente del trío de Barcelona por hacerse un hueco en radiofórmulas. En otros tiempos, desde luego, sería carne de 40 Principales.

Van Morrison

Keep me SingingCaroline / Music As UsualSOUL★6/10

Keep me Singing

Cuatro años después de su último trabajo de estudio Born to Sing: No Plan B Van Morrison está de vuelta con su trigesimosexto disco, con el que parece querer hacer las paces con el mundo: sonido amable, cercano a los estándares jazz-soul (con unas gotitas de épica sajona) y un mensaje vitalista que desde la portada parece avisarnos que está dispuesto a morir con las botas puestas. Se comprende.

El norirlandés es uno de los pocos tótems supervivientes de los sesenta, un tipo más allá del bien y del mal que a estas alturas de la vida se puede permitir de hacer lo que le da la gana cuando le da la gana. Por ejemplo, grabarse esta colección de canciones como el que se acerca al karaoke un fin de semana a cantarse unas favoritas con su grupo de “coleguitas” de toda la vida. Él feliz y su inabarcable grupo de fans también. Todos contentos entonces.

Van Morrison compuso Gloria mientras tocaba con The Monarchs en Alemania en el verano de 1963, pero no debutó hasta una jam session del Maritime Hotel, el club R&B que el irlandés abrió en Belfast en abril del 1964 con tres socios: Jimmy Conlon, Jerry McKernan and Gerry McKervey. Allí tocó por primera vez con Them, su primera banda. Baby Please Don't Go, su segundo single y el primer gran éxito de la banda, llevaba Gloria de cara B.

Antes de separarse, el grupo de Morrison sacó dos discos: The Angry Young Them y Them Again. Con el segundo, que pegó fuerte en Estados Unidos gracias a Mystic Eyes, llegó la gira americana. Y con un contrato de tres semanas en el Whisky a Go Go de Los Ángeles, llegaron los Doors.

De Van Morrison a Jim Morrison

El Whisky a Go Go era entonces el centro neurálgico de la nueva escena californiana. Allí tocaban habitualmente The Byrds, Buffalo Springfield y Love, y dicen que fue allí donde Frank Zappa consiguió su primer contrato discográfico. Them llegaban como parte de una “Invasión británica” que incluía a los Beatles, los Rolling Stones, los Kinks y los Who. The Doors fueron contratados como sus teloneros en la última semana de contrato y la cosa funcionó muy bien. Tanto es así que, la última noche, las dos bandas se unieron en una versión interminable de Gloria.

Lamentablemente, un poco más tarde en la misma gira los de Belfast se pelearon por dinero de los conciertos. Van Morrison y Alan Henderson volvieron a Belfast, Ray Elliot y David Harvey se quedaron en América. Las dos secciones sustituyeron a sus ex-compañeros por músicos nuevos y se llamaron Them, un gambito que acabó tristemente en los tribunales. Unos años más tarde, reflexionando sobre el triste final de su primer grupo, Morrison dijo: “No puedes coger una cosa así, meterla en una caja con una linda etiqueta encima y tratar de venderla. Y eso fue lo que hicieron ellos, Eso fue lo que mató a Them”.

Bye bye Them, aloha Van Morrison, que reventó todas las listas de éxitos con Brown Eyed Girl en 1967. Ese mismo año empezaron las versiones de Gloria. Los primeros fueron The Gants, con una versión literal que su disco Roadrunner. Un mes más tarde, Shadows of Knight grabaron otra versión en la que la problemática línea She comes to my room (ella viene a mi habitación) fue sustituida por la más modesta She calls out my name (ella dice mi nombre). Durante los años siguientes, fue parte habitual en el repertorio de los combos de entretenimiento que tocaban en los clubs. Y los Doors la siguieron tocando desde su noche con Them, en una versión que, en lugar de suavizar la letra, transformaba a la “nena” del primer Morrison (Van) en una groupie un poco fresca, la especialidad de Morrison (Jim). Esta versión no se fue de madre hasta que un concierto del 69 en Aquarius de Sunset Blvd se convirtió en el disco Alive she cried en 1983, doce años después de la muerte de Jim Morrison.

Donde una poeta de New Jersey le cambia toda la letra

Entre el 65 y la otra noche en el Liceo, Van Morrison ha tocado Gloria muchas veces (mi favorita es con John Lee Hooke, en el  Beacon Theater) pero la canción ya no era suya. Status Quo la tocaban, AC/DC la tocaban, Jimi Hendrix la incluye en su recopilatorio de 1979, Joe Strummer la tocaba con su primera banda, The 101ers. U2 la tocaba en las giras y la incluyó en su Rattle and Hum, David Bowie la tocaba en su Sound and Vision Tour. Rick Springfield, Tom Petty y Bruce Springsteen (diciendo: ¡Volvamos al lugar donde empezó todo!); Meat Loaf, Bon Jovi y Simple Minds. Pero quizá la versión más irresistible, la que propulsa esos tres acordes a la modernidad, es la que incluye Patti Smith en Horses (1975), uno de los más bellos discos de todos los tiempos.

Fiel a su persona y a su momento, la poeta conserva el estribillo y cambia la letra machista y fanfarrona por otra más apropiada, aunque muy lejos de ser políticamente correcta. Empieza diciendo Jesús murió por los pecados de alguien, pero no los míos, y justifica la intervención invocando el puro espíritu del punk: The words are just / Rules and regulations to me, me (Las palabras no son más que / reglas y leyes para mí, mí).

Disco de la semana. Midlake: Antiphon

Antiphon Antiphon no es precisamente un nuevo comienzo para Midlake, pese a las circunstancias que rodean su atribulada gestación. El portentoso vocalista Tim Smith abandonó a la banda en plena grabación, pero no parece que su marcha haya afectado al libro de estilo de Midlake. Más bien confirma algunas de las señales que ya se podían percibir en el anterior The courage of others y en los directos de su última gira: un abandono del folk pastoral en detrimento de un psicodélico y contundente rock que no esconde sus deudas con Led Zeppelin y Black Sabbath.

El guitarrista Eric Pulido ha asumido las tareas vocales. Su limitado registro de voz no puede competir con la de Smith, así que permanece en un prudente segundo plano en un disco en el que prevalece la exhibición de músculo instrumental. Vale es la única canción del disco que ha sobrevivido a la era Smith y, bien pensado, explica los motivos de marcha: 4,30 de guadianesco rock progresivo impensable en entregas anteriores. The old and the young, empero, demuestra que la banda no ha renunciado al poder de una buena melodía, aunque ahora prefieran camuflarla entre sintetizadores y expansivas jams. Para compensar, nunca han sonado tan orgánicos y fluidos como en nuevas canciones como This Weight. Midlake han muerto. Vivan Midlake.

Canción de la semana. Burial: Rival Dealer

Rival Dealer

Solo hace un año desde que Burial lanzó sus últimas canciones, pero su nuevo EP presenta el material más transgresor desde los tiempos del Untrue (2007). La comunidad de fans no ha recibido precisamente el tema con los brazos abiertos, y el mismo William Bevan juega al despiste con un tuit, “esto es lo peor que he hecho, pero seguramente a los fans os encante”, que poco después borró. El corte titular, Rival dealer, presenta de partida los rasgos de estilo habituales de Burian: crujido de vinilos, melodía ectoplásmica y voz femenina distorsionada, para adentrarse poco después en una ola de drum'n'bass cacofónica, ruidista y furiosa, por la que ya surferaron antes Dillinja, Venetian Snares y hasta AraabMUZIK: un muro de sonido brutal, con samples sobre identidad sexual y autoafirmación, que se bailará más en el Fabrik que en las discos indies. Tras siete minutos de furia Burial vuelve a pisar el freno para sumergir el tema en la amenazadora calma que tan bien se le da, pero el daño, en forma de huesos descoyuntados, ya está hecho para entonces.

Clásico de la semana. Nico: Chelsea Girl

Chelsea Girl

Contrariamente a lo que se piensa, Nico no grabó su disco de debut tras abandonar The Velvet Underground, sino en sus últimas semanas con el grupo. Básicamente, Chelsea girl se nutre del repertorio que tocaba en sus conciertos en solitario en 1967, aportado por sus amigos y/o amantes del periodo. Es una bella colección de retales firmados por algunos de los mayores talentos de la historia del rock, con denominación de origen repartida entre Greenwich Village y el Lower East Side.

Wrap your trouble in dreams, compuesta por Lou Reed, fue vista durante años como una pieza menor, hasta que en 1995 descubrimos que se trataba de una de las primeras piezas grabadas por la Velvet Underground y todo se volvieron vítores. Cale también deja su sello y su viola eléctrica en la muy disonante It was a pleasure then, compuesta junto a Reed y la propia Nico y en cierta manera un anticipo sonoro del White Light/White Heat. El propio Cale, en solitario, regaló a Nico la también muy velvetiana y antipática Winter Song. Con todo, prevalece el toque mucho más dulzón de Jackson Browne, que aportó tres temas y bastantes guitarras. Suyas son las formidables These days, que seguramente escucharon mucho los Belle and Sebastian del If you´re feeling sinister o la hipnótica The fairest of the seasons. I´ll keept it with mine se le resistió a Bob Dylan y por eso se quedó fuera de Blonde on Blonde. Judy Collins fue la primera que se atrevió registrar la canción en estudio, aunque a Nico no pareció importarle que le hubieran comido la tostada.

Chelsea girl se grabó muy rápido, en apenas tres días, porque Nico quería que el disco sonara lo más desnudo posible, con la única hilazón de su monótona y grave voz martilleando cada acorde. Una vez escuchadas las canciones en orden, apagó las luces del estudio y se fue satisfecha a pasear por el Bowery. A las pocas horas, las encendían el productor Tom Wilson y el arreglista Larry Fallon para perpetrar una felonía mayúscula, metiendo arreglos de cuerda y ¡flauta! por aquí y allá que Nico no había pedido y que detestaba. Esta es la razón de que Chelsea Girl suene a medio camino entre el avant-folk y el pop de cámara, sentando de forma involuntaria un canon al que muchas bandas se abonaron. Basta escuchar la gema final del disco -esa melancólica Eulogy to Lenny Bruce compuesta por el nunca suficientemente reivindicado Tim Hardin- para hacerse a la idea de cómo tenía que haber sonado el disco. Nico se quitaría la espina en el mucho más oscuro y complejo The marble index, pero esa ya es otra historia.

Videoclip de la semana. Neko Case: Calling Cards

Calling Cards

The Worse Things Get, The Harder I Fight, The Harder I Fight, The More I Love You -premio al título ególatra del año- tiene las letras más autobiográficas de la carrera de Neko Case. La cantautora canadiense sufrió recientemente las pérdidas de sus padres y su abuela, y la manera de lidiar con la triple ausencia, de la depresión fatal a la aceptación liberadora, se ha filtrado en canciones tan sentidas como Calling Cards. Lógicamente, el vídeo no iba a ser la alegría de la huerta; una sucesión de imágenes de metraje encontrado y maltratado por el paso del tiempo -bodas, despedidas, risas y juegos- que es mejor visionar con un paquete de kleenex a mano. Una preciosidad de vídeo, solo que la cosa tiene truco. A finales de octubre el artista plástico Patrick McPheron enviaba a Neko Case un vídeo bastante emotivo de la canción. Además de obtener la callada por respuesta, el vídeo oficial ha acabado es demasiado similar a su idea.

Festival de la semana: Mil.lenni

Born to sing: no plan B supuso la feliz vuelta de Van Morrison a territorio jazz con ecos del mítico Moondance; un disco encabronado y rabioso en cuyas letras el de Belfast rajaba sobre el dinero, el materialismo y la codicia que ha envenenado a la sociedad. Un incendiario y bonito discurso, que no esfuerza precisamente por aplicarse. Quienes quieran verle en Barcelona -el 21 de diciembre en el Liceu- van a tener que aflojar hasta 190 euros en el caso de las entradas más caras. Que Morrison no pise escenarios barceloneses desde hace ocho años no parece suficiente excusa. El norirlandés es el gran atractivo de la XV edición de Mil.Lenni, un festival que se celebrará hasta el 23 de mayo en varios espacios, y que es capaz de mezclar en su programación a Nana Moskouri y Goran Bregovic, Anna Calvi y Adamo, Mark Lanegan y Paloma San Basilio.