El teatre per la seva mateixa naturalesa constitueix una poderosa eina de representació col·lectiva de la nostra realitat, que cal aprofitar i fer arribar a joves i adolescents. Llegir, representar, ser per uns moments una persona diferent, a més de ser divertit, ajuda sens dubte a crear empaties i a posar-se al lloc de l’altre. Si el jove s’entusiasma amb el teatre perquè li aporta alguna cosa, de gran també hi anirà. Partim d’un espectador imaginari jove que ve per primer cop al teatre, no sap qui ha escrit l’obra i potser ni tan sols ha preguntat de què va. Ha d’aconseguir entrar dins de la història. Cal que la història fascini, que funcioni; els personatges han de ser interessants, no estrictament realistes; el llenguatge ha de funcionar teatralment. El dramaturg alemany, Lutz Hübner, considera els joves com a “adults que encara no han assolit la majoria d’edat” i per als quals, per tant, s’ha d’oferir un producte artístic madur. Hübner remarca la importància de la història i la necessitat de la identificació d’aquest públic objectiu per sobre d’aspectes formals, així com la necessitat que el teatre per a joves s’allunyi de la moralitat i de la pedagogia. Aquest és un dels aspectes que vol cuidar, del 16 al 19 de novembre, la primera edició del festival RBLS adreçat a adolescents d'entre 13 i 20 anys però també obert a tot tipus de públic. La seva directora artística, la periodista, Carme Tierz, explica com pensen encomanar als joves la passió per aquest art.

Per què rebels?

De fet, penso que mai hauríem de deixar de ser rebels, inconformistes, lluitadors, tant se val l'edat que tinguem. Al contrari del que molts pensen, els joves són rebels i inconformistes.

Culturalment inquiets?

Tendim a generalitzar que els joves no tenen interès per la cultura. És cert, els seus usos culturals de l’adolescència estan molt orientats per pares i mestres. Ara bé, quan creuen el llindar hi ha molts adolescents que acaben explorant pel seu compte àmbits artístics com les arts escèniques. Molts d’altres, però, viuen allunyats del teatre perquè el relacionen amb els adults. Hem d’aconseguir que aquests joves connectin amb el teatre, la cultura en general.

Partim de la base que aquests joves van per primer cop al teatre.

Trobaran emoció, veritat, contacte real. Els ajudarà a millorar la seva capacitat comunicativa, reflexiva i crítica, a millorar l’autoestima, en definitiva, a obrir-se al món.

Com pot captar el teatre l’atenció dels joves?

El teatre té un problema, la pèrdua de contacte amb els joves. Les xarxes socials ens brinden una bona oportunitat per explicar que no només poden ser espectadors sinó també a implicar-se de veritat. Poden abandonar la posició de “públic passiu” per convertir-se en “públic actiu”. Només així gaudiran del teatre.

Històries atractives i addictives, sense rerefons pedagògic?

Hem volgut defugir d’aspectes pedagògics per demostrar-los que el teatre no és només per a adults, sinó també per als joves, que ofereix un ampli ventall de formats atractius i diversos. El teatre ha de ser lúdic. El missatge ja hi és per sota. L’error, moltes vegades, ha sigut sempre fer un teatre moralista, que els tira enrere.

L’entorn en que viuen molts joves no afavoreix aquesta incursió al teatre?

El teatre s’integra i conviu perfectament amb les noves tecnologies. Les noves tecnologies no estan renyides amb les emocions.

Què hi poden fer les sales?

La desafecció dels adolescents i els joves cap al teatre és responsabilitat de les mateixes sales que no acaben d’abordar a fons el problema. Amb excepcions. Can Felipa i la Beckett han apostat decididament perquè RBLS fos una realitat. Sense la seva implicació no hauria estat el mateix. De seguida van mostrar la seva predisposició. Ens hem entès molt bé.

I els professionals?

Començarem amb la Primera Trobada RBLS Joves i Teatre, adreçada a professionals de l’educació, les arts escèniques i la cultura en general a la seu de SGAE Catalunya. Volem que esdevingui en espai d’intercanvi teòric i pràctic al voltant del teatre per a joves. Enfortir ponts.

Com es plasmarà RBLS?

A la Beckett hi haurà un espectacle i un taller, i a Can Felipa la resta de programació, inclosa la presentació del projecte escènic comunitari En resistència a càrrec de TRANSlab. / Marta Galán, a més de tallers, jocs teatrals, espai per a ràdio online i youtubers… Per començar, hem triat un espectacle molt intens i vital, Like si lloras, del Col·lectiu VVAA. Proposarem un itinerari de microteatre, Píndoles, teatre de text amb iMe, de Roc Esquius i la Cia. DARA, improvisació, música i festa a Assajar és de covards, de la Cia. Casa Real. També integrem dues propostes d’Escena Can Felipa, una instal·lació performance, Membrana màgica, de Sachiko Fullita, i titelles, La Tragicomedia de don Cristóbal y la señá Rosita, de L’Excèntrica. No podem oblidar els tallers, de musical, de moviment o d’improvisació i tècniques interpretatives, els jocs de Recomana.cat, el Tast Cultural d’ENDINSART.

El teatro por su misma naturaleza constituye una poderosa herramienta de representación colectiva de nuestra realidad, que hay que aprovechar y hacer llegar jóvenes y adolescentes. Leer, representar, ser por unos momentos una persona diferente, además de ser divertido, ayuda sin duda a crear empatías ya ponerse en el lugar del otro. Si el joven se entusiasma con el teatro porque le aporta algo, de gran también irá. Partimos de un espectador imaginario joven que viene por primera vez en el teatro, no sabe quién ha escrito la obra y puede que ni siquiera ha preguntado de qué va. Debe conseguir entrar dentro de la historia. Es necesario que la historia fascine, que funcione; los personajes deben ser interesantes, no estrictamente realistas; el lenguaje debe funcionar teatralmente. El dramaturgo alemán, Lutz Hübner, considera a los jóvenes como “adultos que aún no han alcanzado la mayoría de edad” y para los que, por tanto, se ha de ofrecer un producto artístico maduro. Hübner subraya la importancia de la historia y la necesidad de la identificación de este público objetivo por encima de aspectos formales, así como la necesidad de que el teatro para jóvenes se aleje de la moralidad y de la pedagogía. Este es uno de los aspectos que quiere cuidar la primera edición del festival RBLS, del 16 al 19 de noviembre, dirigido especialmente a adolescentes de entre 13 y 20 años pero también abierto a todo tipo de público. La directora artística de RBLS, la periodista, Carme Tierz, nos cuenta cómo piensan contagiar a los jóvenes la pasión por este arte.

¿Por qué rebeldes?

De hecho, pienso que nunca deberíamos dejar de ser rebeldes, inconformistas, luchadores, no importa la edad que tengamos. Al contrario de lo que muchos piensan, los jóvenes son rebeldes e inconformistas.

¿Culturalmente inquietos?

Tendemos a generalizar que los jóvenes no tienen interés por la cultura. Es cierto, sus usos culturales de la adolescencia están muy orientados por padres y maestros. Ahora bien, cuando cruzan el umbral hay muchos adolescentes que acaban explorando por su cuenta ámbitos artísticos como las artes escénicas. Muchos otros, sin embargo, viven alejados del teatro para que lo relacionan con los adultos. Tenemos que conseguir que estos jóvenes conecten con el teatro, la cultura en general.

Partimos de la base de que estos jóvenes van por primera vez al teatro.

Encontrarán emoción, verdad, contacto real. Los ayudará a mejorar su capacidad comunicativa, reflexiva y crítica, a mejorar la autoestima, en definitiva, a abrirse al mundo.

¿Cómo puede captar el teatro la atención de los jóvenes?

El teatro tiene un problema, la pérdida de contacto con los jóvenes. Las redes sociales nos brindan una buena oportunidad para explicar que no sólo pueden ser espectadores sino también a implicarse de verdad. Pueden abandonar la posición de “público pasivo” para convertirse en “público activo”. Sólo así disfrutarán del teatro.

¿Historias atractivas y adictivas, sin trasfondo pedagógico?

Hemos querido rehuir de aspectos pedagógicos para demostrarles que el teatro no es sólo para adultos, sino también para los jóvenes, que ofrece un amplio abanico de formatos atractivos y diversos. El teatro debe ser lúdico. El mensaje ya está por debajo. El error, muchas veces, ha sido siempre hacer un teatro moralista, que los tira atrás.

¿El entorno en que viven muchos jóvenes no favorece esta incursión en el teatro?

El teatro se integra y convive perfectamente con las nuevas tecnologías. Las nuevas tecnologías no están reñidas con las emociones.

¿Qué pueden hacer las salas?

La desafección de los adolescentes y los jóvenes hacia el teatro es responsabilidad de las mismas salas que no acaban de abordar a fondo el problema. Con excepciones. Can Felipa y la Beckett han apostado decididamente por RBLS y que fuera una realidad. Sin su implicación no habría sido posible. Enseguida mostraron su predisposición. Nos hemos entendido muy bien.

¿Y los profesionales?

Comenzaremos con el I Encuentro RBLS Jóvenes y Teatro, dirigida a profesionales de la educación, las artes escénicas y la cultura en general en la sede de SGAE Cataluña. Queremos que se convierta en espacio de intercambio teórico y práctico en torno al teatro para jóvenes. Fortaleciendo puentes.

¿Cómo se plasmará RBLS?

En la Beckett habrá un espectáculo y un taller, y en Can Felipa el resto de programación, incluida la presentación del proyecto escénico comunitario En resistència a cargo de TRANSlab. / Marta Galán, además de talleres, juegos teatrales, espacio para radio online y YouTubers ... Para empezar, hemos elegido un espectáculo muy intenso y vital, Like si lloras, del Colectivo VVAA. Propondremos un itinerario de microteatro, Píndoles, teatro de texto con iMe, de Roc Esquius y la Cia. DARA, improvisación, música y fiesta en Assajar és de covards, de la Cía. Casa Real. También integramos dos propuestas de Escena Can Felipa, una instalación performance, Membrana màgica, de Sachiko Fullita, y títeres, La tragicomedia de don Cristóbal y la señá Rosita, de L'Excèntrica. No podemos olvidar los talleres, de musical, de movimiento o de improvisación y técnicas interpretativas, los juegos de Recomana.cat, la Cata Cultural de ENDINSART.

Hacer una adaptación siempre es correr un riesgo. Y más si la función planteada transgrede lo habitualmente visto, como pueda ser un decorado atrevido o un diálogo disparatado. Por eso, plantear un espectáculo donde se recurre a un género incomprendido a veces por el público, como es el teatro del absurdo, en combinación con otros elementos, se convierte en un desafío.

Sin embargo, si la función cuenta con actores de calidad -como son Victoria Salvador y Enric Juezas- y una buena dirección el riesgo es menor. Y se puede convertir en en un éxito. Así es la obra 'Nagg i Nell' que acoge el Teatro Ribalto de Valencia a cargo de la compañía Perros Daneses. La función es una adaptación del texto del británico Beckett. No en balde, el subtitulo de la actuación es 'Després de Beckett'.

La trama gira en torno a una pareja de avanzada edad que reflexiona sobre el amor. Pero con un enamoramiento plagado de contradicciones, aspectos bipolares y con un romanticismo teñido de realidad, sin idealismos. Como lo define el codirector Javier Sahuquillo “un amor festivo, desesperado, desahuciado”. Es decir, alejado de versiones caducas.

Una propuesta atrevida que combina varias de las tradiciones teatrales con raigambre en la comedia. Desde la comedia griega, pasando por el más clásico de los teatros del absurdo hasta el sainete español están presentes en las interpretaciones de los dos actores valencianos. Todo, acompañado por las notas de un piano que complementa a la perfección los diálogos de la obra.

Una función realmente transgresora que ha sido elegida mediante un concurso público por parte de CulturArts, el mastodonte cultural que aglutina la gran parte de los recintos culturales que gestiona la Generalitat Valenciana. De gran atrevimiento, y con una reflexión de trasfondo sobre el amor que al menos, puede despertar la mente del público.

Sólo entrar, la sala Becket nos vuelve a desubicar. Escenario alargado, alargadísimo, cinco únicas filas para el público, larguísimas también. Una cortina recorre el escenario de lado a lado, un sofá en cada esquina, separando físicamente al matrimonio de la casa, un mueble bar, un bufé con platos, copas, una lámpara de mesa... Es el marco donde Sergi Belbel encaja Vells temps, una obra que mezcla con habilidad los recuerdos y la imaginación, el presente y el pasado, la causa y la consecuencia. Y nos plantea preguntas trascendentales: ¿vivimos una realidad suplantada por los recuerdos? ¿Vivimos un presente imaginado? ¿Hemos vivido un mismo pasado? ¿Hay alguien que nos hace creer los propios recuerdos, quizás inventados, hasta el punto de que hemos construido nuestra vivencia basándonos en una mentira?

Una mujer va a pasar unos días a casa de una amiga de juventud, aquella época de la vida en que todo es mágico, todo es impulsivo, todo es emocionante. Nada que ver con la vida que esta mujer lleva ahora con su marido, quien la asalta con preguntas presuntamente inocentes sobre la esperada visitante. Anna llega ilusionada por ver a su amiga; Kate sólo tenía a una amiga, Ana, que le robaba la ropa interior. (¿O tal vez no...?) Las dos mujeres eran polos opuestos (quizás se complementaban).

Desde los primeros minutos de la función se mastica esta atmósfera inquietante. La llegada de la amiga activará los recuerdos y todo comenzará a mezclarse. Canciones, películas, amigos, un montón de vivencias que Kate no recuerda pero que, a medida que crece la inquietud, comienza a aceptar. El marido, Deeley, siente una curiosidad casi enfermiza, agresiva. Pregunta, pregunta y pregunta y se convierte en un actor del pasado, descubriéndonos una realidad que nos confunde. La entrada del marido en la narración de las mujeres (de Anna, básicamente) nos hace ver la fragilidad de las relaciones humanas, los celos, la incomprensión, el silencio. La tensión se dispara, Kate reacciona y, de repente, es otra. El tono, la voz, los recuerdos. Ha cambiado. De repente, el presente queda sacudido, irreconocible.

Se puede hablar de Universo pinteriano. Y aquí está ambientada la obra. El autor nos lleva al pasado sin abandonar el presente. Y es inquietante. Y lo hace como un maestro. Pinter puro y duro. Pinter admirado y Pinter detestado. Quien busque esta confusión encontrará Vells temps una obra deliciosa y cautivadora (el trabajo actoral, sobre todo el de Carlos Martínez, es fantástico). Quien no se sienta atraído por este universo disfrutará de una representación intensa e inquietante, pero no acabará de caer atrapado en ella.

Només entrar-hi, la sala Becket ens torna a desubicar. Escenari allargat, allargadíssim, cinc úniques files per al públic, llarguíssimes, també. Una cortina recorre l’escenari de banda a banda, un sofà a cada cantó, separant físicament el matrimoni de la casa, un moble bar, un bufé amb plats, copes, una llum de taula... És el marc on Sergi Belbel capfica Vells temps, una obra que barreja amb habilitat els records i la imaginació, el present i el passat, la causa i la conseqüència. I ens planteja preguntes transcendents: vivim una realitat suplantada pels records? Vivim un present imaginat? Hem viscut un mateix passat? Hi ha algú que ens fa creure els propis records, potser inventats, fins al punt que hem construït la nostra vivència basant-nos en una mentida?

Una noia va a passar uns dies a casa d’una amiga de joventut, aquella època de la vida en què tot és màgic, tot és impulsiu, tot és emocionant. Res a veure amb la vida que aquesta dona ara porta amb el seu marit, qui la assalta amb preguntes presumptament innocents sobre l’esperada visitant. L’Anna arriba il·lusionada de veure la seva amiga; la Kate, només en tenia una, d’amiga, l’Anna, que li robava la roba interior. (O no...?) Les dues dones són pols oposats (potser es complementaven).

Des dels primers minuts de la funció es mastega aquesta atmosfera inquietant. L’arribada de l’amiga activarà els records i tot començarà a barrejar-se. Cançons, pel·lícules, amics, un munt de vivències que la Kate no recorda però que, a mida que creix la inquietud, comença a acceptar. El marit, Deeley, sent una curiositat gairebé malaltissa, agressiva. Pregunta, pregunta i pregunta i esdevé un actor del passat, descobrint-nos una realitat que ens confon. L’entrada del marit en la narració de les dones (de l’Anna, bàsicament) ens fa veure la fragilitat de les relacions humanes, la gelosia, la incomprensió, el silenci. La tensió es dispara, la Kate reacciona i, de sobte, és una altra. El to, la veu, els records. Ha canviat. De sobte, el present queda sacsejat, irecognoscible.

Es pot parlar d’Univers pinterià. I aquí està ambientada l’obra. L’autor ens porta al passat sense abandonar el present. I és inquietant. I ho fa com un mestre. Pinter pur i dur. Pinter admirat i Pinter detestat. Qui busqui aquesta confusió trobarà Vells temps una obra deliciosa i captivadora (el treball actoral, sobretot el de Carles Martínez, és fantàstic). Qui no se senti atret per aquest univers gaudirà d’una representació intensa i inquietant, però no l’acabarà d’atrapar.

Muchas obras de teatro se han escrito con la guerra como trasfondo argumental, algunas de Bertolt Brecht y Shakespeare son un buen ejemplo, pero en cambio, ninguna se ha hecho sobre una de las causas principales que provocan los conflictos armados: las armas y su comercio. Esta es la temática que desarrolla el montaje teatral que se está representando estos días en la Sala Beckett de Barcelona, donde se presenta El Peso del plomo.

Un montaje de lo que primero se debe subrayar, desde el ámbito estrictamente teatral, es la espléndida dramaturgia. Excepcional es el trabajo de investigación que han hecho los autores del texto, Aleix Fauró e Isis Martín, al describir la realidad de la industria militar y de cómo funciona su comercio. Cosa nada fácil, porque explicar algo tan complicado como es un comercio tan poco transparente y hacerlo comprensible en lenguaje dramático era una tarea difícil. Pero lo consiguen y salen airosos del riesgo que comportaba, porque nunca se pierde el interés por el hilo narrativo, al contrario, va creciendo a medida que transcurre el espectáculo hasta que estalla en un final impactante.

Un espectáculo teatral que mezcla verismo y pulsión dramática, que a pesar de un cierto didactismo, que era el peligro en que podían caer los autores, poner un exceso explicativo en el comercio de armas, no lo hacen, y la historia transcurre en medio de las peripecias de una periodista que sigue la pista de traficantes de armas por el África subsahariana. Todo gracias a un excelente montaje y una buena interpretación de los actores.

Un montaje que desvela la dramática realidad de un comercio que tiene dos vertientes que hay que despejar. Una primera: la parte que es adquirida por los Estados y que representa la mayor parte de la producción de armamento en el mundo, alrededor de un 95 %. Y una segunda, que es sin duda la más significativa y a la que hace referencia el Peso del plomo, que es la parte que alimenta muchos de los conflictos armados que se desarrollan en muchas partes del planeta, especialmente en los países empobrecidos de África subsahariana o del Sudeste asiático, o de aquellos otros que sufren la delincuencia del crimen organizado, como muchos países de América Latina. Un comercio que sin sobrepasar el 5 % de toda la producción de armas mundial, es el más criminal, porque alimenta a los señores de la guerra y los grupos armados; o las bandas de narcotráfico que actúan en países que aparentemente no están en guerra, pero en cambio producen altas tasas de mortalidad en México, Venezuela, Honduras, Sudáfrica y tantos otros.

Este es un tráfico de armas desregulado, que viaje de Norte a Sur, es decir, de los países industrializados hacia los países empobrecidos; un comercio que necesita de una industria sin escrúpulos; de la complicidad de gobiernos que hacen la vista gorda; políticos y funcionarios corruptos que aceptan sobornos y que facilitan certificaciones de destino que, verdaderas o falsas, permiten se desvíen las armas hacia quienes las van a utilizar.

No hay que ir muy lejos, observamos las exportaciones de los países de la UE del último año del que se disponen datos, el 2012. La UE ha batido todos los records históricos en autorizaciones de ventas de armas, que llegan a la colosal cifra de 40.000 millones €. Las más controvertidas de estas ventas son destinadas a Oriente Próximo por un valor de 9.700 millones; al continente africano por valor de 1.600 millones. En el caso concreto de España en 2012 se vendió a Ghana un avión de transporte de tropas por 27 millones, armas cortas y cartuchos por 2,5 millones; a Egipto, aviones de transporte de tropas por 50 millones, pistolas y escopetas 103.000 €; a Arabia Saudita 21,3 millones en accesorios de aviones militares y 15 millones en munición de artillería; a Bahrein por 21,2 millones en municiones para cañones y morteros; a Libia 825.000 € en varios tipos de armas y municiones; a Irán por 730.840 € en armas y municiones; y por último, a Líbano 627.000 € en escopetas y cartuchos. No hay que analizar caso por caso, pero es bien conocido que todos estos países viven una situación interna que contradice la ley española que regula el comercio de armas, bien por violación de los derechos humanos, por inestabilidad interna, o porque son susceptibles de facilitar desviaciones hacia grupos armados.

Si se quiere conocer el drama que representa el comercio de armas y al mismo tiempo disfrutar de un excelente montaje, hay que ir a la Sala Beckett a ver El peso del plomo.

Moltes obres de teatre s’han fet amb la guerra com a rerefons argumental, un grapat de Bertold Brecht i Shakespeare en són un bon exemple, però en canvi, cap s’ha fet sobre una de les causes principals que provoquen els conflictes armats: les armes i el seu comerç. Aquesta és la temàtica que desenvolupa el muntatge teatral que s’està representant aquests dies a la Sala Beckett de Barcelona, on es presenta El Pes del plom.

Un muntatge del que primer cal subratllar, des de l’àmbit estrictament teatral, és l’esplèndida dramatúrgia. Excepcional és el treball de recerca que han fet els autors del text, Aleix Fauró i Isis Martín, vers la realitat de la indústria militar i de com funciona el seu comerç. Cosa no gens fàcil, perquè explicar quelcom tan complicat com és un comerç tan poc transparent i fer-lo entenedor en llenguatge dramàtic era una tasca difícil. Però se'n surten amb escreix, perquè mai es perd l’interès pel fil narratiu, ens al contrari, va creixent a mida que transcorre l’espectacle fins que esclata en un final colpidor.

Un espectacle teatral que barreja verisme i pulsió dramàtica, que malgrat un cert didactisme, que era el perill en que podien caure els autors, posar un excés explicatiu en el comerç d'armes, no ho fan, i la història transcorre en mig de les peripècies d'una periodista que segueix la pista de traficants d'armes per l'Àfrica subsahariana. Tot gràcies a un excel·lent muntatge i a una bona interpretació dels actors.

Un muntatge que desvetlla la dramàtica realitat d’un comerç que té dues vessants que cal desvetllar. Una primera: la part que és adquirida pels Estats i que representa la major part de la producció d’armament en el món, al voltant d’un 95%. I una segona, que és sens dubte la més significativa i a la que fa referència El pes del plom, que és la part que alimenta molts dels conflictes armats que es desenvolupen en moltes parts del planeta, especialment en els països empobrits de l’Àfrica subsahariana o del Sud-est asiàtic, o d’aquells altres que pateixen la delinqüència del crim organitzat, com ara molts països d’Amèrica Llatina. Un comerç que sense sobrepassar el 5% de tota la producció d’armes mundial, és el més criminal, perquè alimenta als senyors de la guerra i als grups armats d’arreu; o les bandes de narcotràfic que actuen en països que aparentment no estan en guerra, però en canvi produeixen altes taxes de mortalitat a Mèxic, Veneçuela, Hondures, Sudàfrica i tants altres.

Aquest és un tràfic d’armes desregulat, que viatge de Nord a Sud, és a dir, dels països industrialitzats cap els països empobrits; un comerç que necessita d'una indústria sense escrúpols; de la complicitat de governs que fan la vista grossa; polítics i funcionaris corruptes que accepten suborns i que faciliten certificacions de destí que, verdaderes o falses, permeten es desviïn les armes a les mans dels que les faran servir.

No cal anar gaire lluny, observem les exportacions dels països de la UE del darrer any del que es disposen dades, el 2012. La UE ha batut tots els records històrics en autoritzacions de vendes d’armes, que arriben a la colossal xifra de 40.000 milions €. Les més controvertides d’aquestes vendes són les destinades al Proper Orient per un valor de 9.700 milions; al continent africà per valor de 1.600 milions. En el cas concret d’Espanya l’any 2012 es va vendre a Ghana un avió de transport de tropes per 27 milions, armes curtes i cartutxos per 2,5 milions; a Egipte, avions de transport de tropes per 50 milions, pistoles i escopetes 103.000 €; a Aràbia Saudita 21,3 milions en accessoris d’avions militars i 15 milions en munició d’artilleria; a Bahrein per 21,2 milions de municions per canons i morters; a Líbia 825.000 € en diversos tipus d’armes i municions; a Iran per 730.840 € en armes i municions; i per últim, a Líban 627.000 € en escopetes i cartutxos. No cal analitzar cas per cas, però es ben sabut que tots aquests països viuen una situació interna que contradiu la llei espanyola que regula el comerç d’armes, bé per violació dels drets humans, per inestabilitat interna, o perquè són susceptibles de facilitar desviacions cap a grups armats.

Si es vol conèixer el drama que representa el comerç d'armes i alhora gaudir d'un excel·lent muntatge, cal anar a la Sala Beckett a veure El pes del plom.

Me gusta el teatro cercano, sincero, donde pueda reconocer mi vecino (a mí mismo nunca, por favor...!), con personajes que hacen lo que podría hacer yo, con las mismas cosas que puedo tener yo a mi alrededor, en la ciudad donde pueda vivir yo. Todo esto lo tiene Consell familiar . Pero hay mucho más . La obra escrita por Cristina Clemente con “asesoramiento” de niños de segundo de ESO del instituto Príncipe de Girona (a través del proyecto En Residencia, que organizan anualmente el Instituto de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona el Consorcio de Educación de Barcelona) y dirigida por Jordi Casanovas, nos hace pensar en lo macro desde lo micro. Y, a través de las vivencias de una familia de clase media-baja, nos daremos cuenta de que estamos asistiendo a lo que sucede en las altas esferas parlamentarias del país, como quien dice...

Todo transcurre en una casa humilde llena de detalles de casa humilde: paredes forradas con papel (no pintado, pero papel), un suelo de baldosas, un sofá con dos cojines de lana redondos y de colores, platos colgados de las paredes... Los personajes, igual de humildes: por un lado están los padres, víctimas de una educación estricta y machista que no quieren para sus hijos. Por el otro, el hijo, Roc, y la hija, Aina, que se lo encuentran todo hecho en la vida (“ahora quiero una batería porque soy músico de rock”, “ahora no, ahora soy un Dalí sin pinceles...”), y el novio de Aina, Mark ( un erasmus, no por casualidad alemán): elementos de una generación que no ha tenido que luchar por nada, víctima de la sobreprotección en una sociedad donde, como dice el irector, Jordi Casanovas , el capitalismo ha hecho del confort un fin, no una opción.

El conflicto generacional está servido desde el minuto cero y, poco a poco, nos vamos dando cuenta de que todo nos suena. Pero no nos suena de nuestras familias, de nuestro día a día. Para nada. ¡No existe una casa que funcione como la de esta familia enfermizamente burocratizada! Resulta que lo que nos la hace cercana es el que nos rodea, lo que leemos cada día en los periódicos, lo que se critica en las tertulias en los bares, lo que pasa en el Parlamento, los hilos que manejan nuestra vida como sociedad. La obra de Clemente es una crítica feroz a la manera de hacer política de todas las generaciones que hay entre el tardofranquismo y el postmandelismo (para llegar a la generación más joven, para entendernos).

Entre acertados cambios de escena casi circenses, al ritmo de música zíngara, muy felliniana, también, las cosas van cambiando en la casa. Es necesario un cambio de gobierno. Más aún, un cambio de sistema. Hace falta “sentido común”, como reza el lema electoral de Aina. Porque lo que hacen los máximos exponentes del bipartidismo familiar no es más que acusarse e insultarse; porque apelan a leyes imposibles como la 47 barra 1986; porque la corrupción ha penetrado por las grietas de la casa; porque surgen brotes xenófobos... ¡Hay que convocar elecciones anticipadas! Después de una argucia legal amparada en la constitución familiar, entrará aire fresco en el gobierno. Y será necesario que los ciudadanos sepan comportarse de acuerdo con el nuevo sistema... No voy más allá para no descubrir un final genial con toda la ironía y la mala leche del mundo...

La obra tiene el mérito de dibujar un retrato social rabiosamente actual con un ritmo frenético, con personajes entrañables (cada uno a su manera) dentro de una familia alocada. Todo es expresamente exagerado. Hijos que asumen que para pedir cualquier cosa deben presentar una instancia; que no pueden hacer más que quejarse por los recortes en el ocio (¿nos suena... ?); un padre (ahora en el poder) que debe cuadrar las partidas anuales en beneficio de todos y que deberá dimitir convirtiéndose (lógicamente) en presidente en funciones; un extraño que alucina pero que quedará abducido por el sistema y mimetizado hasta el punto de convertirse en ciudadano de pleno derecho... Todo esto hace reír. Hace reír mucho. Y hace que pensemos y reflexionemos sobre lo que está pasando, carcajeándonos de nosotros mismos.

M’agrada el teatre proper, sincer, on pugui reconèixer el meu veí (a mi mateix mai, per favor...!), amb personatges que fan el que podria fer jo, amb les mateixes coses que puc tenir jo al meu voltant, en la ciutat on pugui viure jo. Tot això ho té Consell familiar. Però hi ha molt més. L’obra escrita per Cristina Clemente amb “assessorament” de nens de segon d’ESO de l’institut Príncep de Girona (a través del projecte En Residència, que organitzen anualment l’Institut de Cultura de l’Ajuntament de Barcelona el Consorci d’Educació de Barcelona) i dirigida per Jordi Casanovas, ens fa pensar en lo macro des de lo micro. I, a través de les vivències d’una família de classe mitjana-baixa, ens adonarem que estem assistint a allò que passa a les altes esferes parlamentàries del país, com qui diu...

Tot transcorre en una casa humil farcida de detalls de casa humil: parets folrades amb paper (no pintat, però paper), un terra de rajoles, un sofà amb dos coixins de llana rodons i de colors, plats penjats de les parets... Els personatges, igual d’humils: per una banda hi ha els pares, víctimes d’una educació estricta i masclista que no volen per als seus fills. Per l’altra, el fill, en Roc, i la filla, l’Aina, que s’ho troben tot fet en la vida (“ara vull una bateria perquè sóc músic de rock”; “ara no, ara sóc un Dalí sense pinzells...”), i el xicot de l’Aina, el Mark (un erasmus, no per cas alemany): elements d’una generació que no ha hagut de lluitar per res, víctima de la sobreprotecció en una societat on, com diu el director, Jordi Casanovas, el capitalisme ha fet del confort un fi, no una opció.

El conflicte generacional està servit des del minut zero, però a poc a poc, ens adonem de que tot ens sona. Però no ens sona de les nostres famílies, del nostre dia a dia. En cap cas. No existeix una casa que funcioni com la d’aquesta família extremadament burocratitzada! Resulta que el que se’ns fa proper és el que ens envolta, el que llegim cada dia als diaris, el que es critica en les tertúlies als bars, el que passa en elParlament, els fils que maneguen la nostra vida com a societat. L’obra de Clemente és una crítica ferotge a la manera de fer política de totes les generacions que hi ha entre el tardfranquisme i el postmandelisme (per arribar a la generació més jove, per entendre’ns).

Entre canvis d’escena gairebé circencs, al ritme de música zíngara, molt felliniana, també, les coses van canviant a la casa. Cal un canvi de govern. Més encara, un canvi de sistema. Cal “sentit comú”, que diu el lema electoral de l’Aina. Perquè els màxims exponents del bipartidisme familiar no fan més que acusar-se i insultar-se; perquè s’apel·la a lleis impossibles, com la 47 barra 1986; perquè la corrupció ha penetrat per les esquerdes de la casa; perquè sorgeixen brots xenòfobs... Calen eleccions anticipades!!! Després d’una argúcia legal emparada en la constitució familiar, entrarà aire fresc en el govern. I caldrà que els ciutadans sàpiguen comportar-se d’acord amb el nou sistema... No vaig més enllà per no descobrir un final genial amb tota la ironia i la mala llet del món...

L’obra té el mèrit de dibuixar un retrat social rabiosament actual amb un ritme frenètic, amb personatges entranyables (cadascú a la seva manera) dins d’una família esbojarrada. Tot és expressament exagerat. Fills que assumeixen que per demanar qualsevol cosa han de presentar una instància, que no pot fer res més que queixar-se per les retallades en l’oci (ens sona...?), un pare (ara al poder) que ha de quadrar les partides anuals en benefici de tots i que haurà de dimitir convertint-se (lògicament) en president en funcions, un estrany que al·lucina però que quedarà abduït pel sistema, mimetitzat fins al punt d’esdevenir ciutadà de ple dret... Tot plegat fa riure. Fa riure molt. I fa que pensem i reflexionem en tot el què està passant, rient a gust de nosaltres mateixos.

George Kaplan es un personaje de la película de Hitchcock Con la muerte en los talones. Mejor dicho, Kaplan es un no-personaje, dado que es una identidad inexistente, creada por la CIA para atrapar otra persona. Es un fantasma que, aunque lo recordamos con la cara de Cary Grant, es ficticio, incluso dentro de la ficción. El dramaturgo francés Frédéric Sonntag se reconoce fascinado por este mito del cine: “¿Por qué me fascina?” Se pregunta. “Porque es como el teatro mismo”, se contesta.

La obra que ha tejido alrededor de alguien que no es nadie (y que es todo el mundo, a la vez) pretende desnudar las mentiras que la ficción nos hace creer hasta el punto de convertirlas en reales y, así, manipular nuestras vidas. La ficción se presenta como una especie de poder que, siempre que sea utilizado convenientemente, será absoluto. Y, como tal, los que están en el poder, quieren tenerla bajo su control: “¿Qué tipo de ficción deberíamos hacer consumir a las masas para que vayan por el camino que nos conviene?”

La representación tiene tres historias aparentemente inconexas. Por un lado, un grupo de jóvenes inconformistas, alternativos, radicales, se reúne en la masía del padre de uno de ellos (ejem...) para redactar un manifiesto en contra del sistema cultural y mediático. Por otra, un grupo de prestigiosos guionistas trabaja en un encargo en el que han de dar respuestas al hundimiento del sistema de valores occidental. Por otra, una especie de Club Bilderberg, que todo lo controla, estudia urgentemente cómo hacer frente a una amenaza contra el sistema. Estos tres actos, sin embargo, están poderosamente ligados a través de ecos, de interferencias, de imágenes, de espejos, de cafés o cervezas, de gestos, de pistas, de ilusiones películeras, incluso de gallinas... y, sobre todo, están ligados por un nombre, el de George Kaplan, claro.

Cinco actores dan vida a los personajes de cada historia. Los inconformistas e indignados de la primera parte se transforman en una reunión de pijos con tufillo hollywodiense en la segunda y, en la última, en maduros y seguros de sí mismos miembros del aparato político, financiero, económico, del poder en la sombra... La interpretación de los cinco es muy creíble. Nos creemos a los chicos que quieren actuar contra el sistema desde la base, una base plagada de obstáculos que la mantendrán en un inmovilismo total (¿estará la revolución controlada también por el sistema?) a todos los niveles, que no tienen nombre (todos son George) ni rostro (aunque se presentan con caretas diversas: Artur Mas, una gallina, El Zorro...). Nos creemos a los guionistas que se creen que controlan el mundo (¿tendrán razón...?) y buscan la manera de justificar, en la ficción, una declaración de guerra (...o serán ellos los que son controlados?). Nos creemos a los veteranos, distinguidos, infalibles hombres y mujeres del poder, incluso cuando detectan una gallina (¡ay... la gallina!) entre los posibles sospechosos de ser George Kaplan... y más todavía cuando se preguntan qué uso harán de esa amenaza invisible.

Nos suena. Todo ello nos suena mucho todo. Diría que nos rodea, que cada vez oímos más hablar de conspiraciones, que los juegos de espías ya han pasado de las pantallas a las portadas de los periódicos (locales e internacionales). Quizás es que alguien, allá arriba (y no precisamente a los cielos) ha conseguido coger los hilos de la ficción y nos está haciendo convencer de que más le conviene.

George Kaplan és un personatge de la pel.lícula de Hitchcock Perseguit per la mort (Con la muerte en los talones, en castellà). Més ben dit, Kaplan és un no-personatge, donat que és una identitat inexistent, creada per la CIA per atrapar una altra persona. És un fantasma que, tot i que el recordem amb la cara de Cary Grant, és fictici, inclús dins de la ficció. El dramaturg francès Frédéric Sonntag es reconeix fascinat per aquest mite del cinema: “Per què em fascina?” es pregunta. “Perquè és com el teatre mateix”, es contesta.

L’obra que ha teixit al voltant d’algú que no és ningú (i què és tothom, a l’hora) pretén despullar les mentides que la ficció ens fa creure fins al punt de convertir-les en reals i, així, manipular les nostres vides. La ficció es presenta com una mena de poder que, sempre que sigui utilitzat convenientment, és absolut. I, com a tal, els que estan en el poder, volen tenir-la sota el seu control: “Quin tipus de ficció hauríem de fer consumir a les masses per a que vagin pel camí que ens convé?”

La representació té tres històries aparentment inconnexes. Per una banda, un grup de joves inconformistes, alternatius, radicals, es reuneix en la masia del pare d’un d’ells (ehem...) per redactar un manifest en contra del sistema cultural i mediàtic. Per una altra, un grup de prestigiosos guionistes treballa en un encàrrec en el qual han de donar respostes a l’esfondrament del sistema de valors occidental. Per una altra, encara, una mena de Club Bilderberg, que tot ho controla, estudia urgentment com fer front a una amenaça contra el sistema. Aquests tres actes, però, estan poderosament lligats a través d’ecos, d’interferències, d’imatges, de miralls, de cafès o cerveses, de gestos, de pistes, de il.lusions pel.liculeres, fins i tot de gallines... i, sobretot, estan lligats per un nom, el de Georges Kaplan, esclar.

Cinc actors donen vida als personatges de cada història. Els inconformistes i indignats de la primera part es transformen en una reunió de ‘pijos’ amb tufillo hollywodenc en la segona part i, en la darrera, en madurs i segurs de si mateixos membres de l’aparell polític, financer, econòmic, del poder en l’ombra... La interpretació dels cinc és molt creïble. Ens creiem els nois que volen actuar contra el sistema des de la base, una base plagada d’obstacles que la mantindran en un immobilisme total (estarà la revolució controlada també pel sistema?) a tots els nivells, que no tenen nom (tots són George) ni rostre (encara que es presenten amb caretes diverses: Artur Mas, una gallina, El zorro...). Ens creiem els guionistes que es creuen que controlen el món (tindran raó...?) i busquen la manera de justificar, en la ficció, una declaració de guerra (...o són ells els qui són controlats?). Ens creiem els veterans, distingits, infal.libles homes i dones del poder, fins i tot quan detecten una gallina (ai... la gallina!) entre els possibles sospitosos de ser George Kaplan... i més, encara, quan es pregunten quin ús han de fer d’aquesta amenaça invisible.

Ens sona. Tot plegat ens sona molt tot. Diria que ens envolta, que cada cop sentim més a parlar de conspiracions, que els jocs d’espies ja han passat de les pantalles a les portades dels diaris (locals i internacionals). Potser és que algú, allà dalt (i no precisament als cels) ha aconseguit agafar els fils de la ficció i ens està fent convèncer del que més li convé.

Un chico (un hombre: tiene treinta y pocos años...) y “21 mujeres, de unos treinta años aproximadamente, todas con el mismo rostro”. Juntos, viven, recuerdan, anhelan o simplemente imaginan 20 historias de amor (al menos, 20 relaciones sentimentales), que confluirán irremediablemente en una última que no debemos desvelar. Una de las gracias de la obra es que una pelotita atraviesa la platea por una tubería metálica (y ruidosa, quizás demasiado) para caer en un laberinto de madera y decidir cuál de las escenas se representará a continuación. Es decir: el orden de los factores no altera el producto. No en el amor, que es de lo que trata la obra.

Después de todo, como dice Daniela De Vecchi, directora del montaje, “la vida pasa por azar”. Aquí se nos presenta a un escritor y sus circunstancias: laborales, sociales, sentimentales. Sus luchas a menudo incomprendidas (“¿Por qué no te haces cartero?”, le preguntará una de las 21 chicas con la misma cara), o admiradas, o aburridas: tener que volver a casa de sus padres; no terminar su novela ; no soportar las manías de la chica... Problemas próximos, cada vez reconocibles por más gente en esta época. Un auténtico retrato de una generación que, de cerca o de algo más lejos, conoce el fracaso o, como mínimo, el miedo al fracaso.

Pau, el protagonista, actúa siempre bajo la influencia de muchos factores: la sociedad, su carrera profesional como escritor, su pareja (por supuesto!), el lugar donde vive (una Menorca íntima, de los menorquines, lejos de la pasarela . la turística balear, o el caos de Barcelona...). Como todo el mundo, ni más ni menos. Una conducta que nos lleva, siempre, a caer en los mismos errores, que se van repitiendo inexorablemente. Esta temática cíclica, esta sucesión de patrones de comportamiento, muy bien resuelta sobre el escenario con ágiles repeticiones de texto, como breves escenas casi “capicúas” (igual que el nombre de la compañía, LAminimAL) permite el juego del efecto 'randomness' , que dota a cada escena de entidad propia, sin salir de la rutina de las relaciones que tormentan, aburren o enamoran Pau.

La obra, una coproducción de LAminimAL con la Sala Beckett / Obrador Internacional de Dramaturgia (en cartel hasta el 16 de junio), exige mucho a los dos intérpretes, Xesco Pintó y Anna Berenguer, que resuelven perfectamente el reto de ir alterando las escenas en función del capricho de la bolita. “De hecho, en cada sesión asistimos a una obra diferente en el sentido de que los actores deben tener presente, a la hora de interpretar, qué ha pasado en las escenas anteriores”, dice Aina Tur, admirada del trabajo de la directora y los actores.

Conflicto político

Sorprende aún más, una vez vista la obra (escrita en 2009), que encuentre tantas dificultades para estrenarse en Menorca, de donde es la autora. “Se tenía que haber estrenado dos veces”, dice ella. “Primero en un festival que, una semana antes, se suspendió sin más explicaciones [recuerda el Festival Shakespeare de Mataró, que se abortó hace dos años por decisión institucional unilateral]. La segunda vez estaba programada coproducida por Temporada Alta, en noviembre, pero en abril entró el PP en el gobierno y dos meses después dijo que de ninguna manera se representaría”.

No sabemos si Tur está más indignada que perpleja. Si le da más rabia o más pena o más vergüenza que los nuevos programadores del Teatre Principal de Maó (el teatro de ópera más antiguo de Europa), olviden la creación local para dar cabida, sistemáticamente, dice, a los espectáculos que se estrenan en la Gran Vía de Madrid (“con todos los respetos, eh?”). “Me dicen que paciencia, que hacia el 2014 la cosa irá mejor”.

Pero ¿qué tiene la obra, que pueda ofender al Partido Popular? Un comentario de una de las chicas sobre su miedo a tragar cuatro años más de Aznar no puede ser suficiente... “Sinceramente, creo que hay tres puntos clave: está escrita en catalán [con algún personaje que-sin complejos - habla castellano], está ambientada en un contexto muy diferente del PP y no interesa apoyar la producción local”. Considera que es una cuestión de prioridades políticas, que ven el teatro única y exclusivamente como entretenimiento: “Ellos piensan: 'vamos a reír en castellano lo que hacen en la Gran Vía de Madrid, que se muy entretenido”.

Definitivamente, lo que siente la autora ante esta situación, más que rabia, pena o vergüenza es indignación.

Un noi (un home: té trenta i pocs anys…) i “21 dones, d’uns trenta anys aproximadament, totes amb el mateix rostre”. Plegats, viuen, recorden, anhelen o simplement s’imaginen 20 històries d’amor (si més no, 20 relacions sentimentals), que confluiran irremeiablement en una darrera que no hem de desvetllar. Una de les gràcies de l’obra és que una piloteta travessa la platea per una canonada metàl.lica (i sorollosa, potser massa) per caure en un laberint de fusta decideix quina de les escenes es representarà a continuació. És a dir: l’ordre dels factors no altera el producte. No en l’amor, que és del que tracta l’obra.

Després de tot, com diu Daniela De Vecchi, directora del muntatge, “la vida passa per atzar”. Aquí se’ns presenta a un escriptor i les seves circumstàncies: laborals, socials, sentimentals. Les seves lluites sovint incompreses (“Per què no et fas carter?”, li preguntarà una de les 21 noies amb la mateixa cara), o admirades, o avorrides: haver de tornar a casa dels pares; no acabar la seva novel.la; no suportar les manies de la noia… Problemes propers, cada cop reconeixibles per més gent en aquesta època. Un autèntic retrat d’una generació que, de prop o d’una mica més lluny, coneix el fracàs o, com a minim, la por al fracàs.

Pau, el protagonista, actua sempre sota la influència de molts factors: la societat, la seva carrera professional com a escriptor, la seva parella (per descomptat!), el lloc on viu (una Menorca íntima, dels menorquins, lluny de la pasarel.la turística balear; o el caos de Barcelona…). Com tothom, ni més ni menys. Una conducta que ens porta, sempre, a caure en els mateixos errors, que es van repetint inexorablement. Aquesta temàtica cíclica, aquesta successió de patrons de comportament, molt ben resolta en escena amb àgils repeticions de text, com breus escenes gairebé “capicues” (igual que el nom de la companyia, LAminimAL) permet el joc de l’efecte ‘randomness’, que dota cada escena d’entitat pròpia, sense sortir de la rutina de les relacions que tormenten, avorreixen o enamoren el Pau.

L’obra, una coproducció de LAminimAL amb la Sala Beckett/Obrador Internacional de Dramatúrgia (en cartell fins al 16 de juny), exigeix molt als dos intérprets, Xesco Pintó i Anna Berenguer, que se’n surten perfectament del repte d’anar alterant les escenes en funció del capritx de la boleta. “De fet, en cada sessió assistim a una obra diferent en el sentit que els actors han de tenir present, a l’hora d’interpretar, què ha passat en les escenes anteriors”, diu, admirada de la feina de la directora i dels actors, Aina Tur.

Conflicte polític

Sobta encara més, un cop vista l’obra (escrita el 2009), que trobi tantes dificultats per estrenar-se a Menorca, d’on és l’autora. “S’havia d’haver estrenat dos cops”, diu ella. “Primer en un festival que, una setmana abans, es va suspendre sense més explicacions [recorda al Festival Shakespeare de Mataró, que es va avortar fa dos anys per decisió institucional unilateral]. La segona vegada estava programada coproduïda per Temporada Alta, al novembre, però a l’abril va entrar el PP al govern i dos mesos després, van dir que de cap manera es representaria”.

No sabem si Tur està més indignada que perplexa. Si li fa més ràbia o més pena o més vergonya que els nous programadors del Teatre Principal de Maó (el teatre d’òpera més antic d’Europa), oblidin la creació local per donar cabuda, sistemàticament, diu, als espectacles que s’estrenen a la Gran Via de Madrid (“amb tots els respectes, eh?”). “Em diuen que paciència, que cap al 2014 la cosa anirà millor”.

Però què té l’obra, que pugui ofendre el Partit Popular? Un comentari d’una de les noies sobre la seva por a empassar-se quatre anys més d’Aznar no pot ser prou… “Sincerament, crec que hi ha tres punts clau: està escrita en català [amb algun personatge que –sense complexos- parla castellà], està ambientada en un context ben diferent del PP i no interessa donar suport a la producció local”. Considera que és qüestió de prioritats polítiques, que veuen el teatre única i exclusivament com a entreteniment: “Ells pensen: ‘vamos a reír en castellano lo que hacen en la Gran Vía de Madrid, que es muy entretenido”. Definitivament, el que prova l’autora davant d’aquesta situació, més que ràbia, pena o vergonya és indignació.

-La realitat és molt avorrida.

-Doncs canvia-la.

El que pretenen els personatges del Quebec-Barcelona no és una altra cosa. Canviar una realitat que, lluny de sofriments exagerats o perills sotjadors, simplement els avorreix (que no és poca desgràcia). Per això, elles, la catalana Laia (Alma Alonso) i la seva desconeguda i llunyana cosina quebequesa Anne (Éva Daigle), es van l'una a casa de l'altra. L'amic de Laia, Pau (Víctor Álvaro) i la parella d'Anne, Jacques (Normand Bissonnette) faran, a la seva manera, d'amfitrions.

L'obra és una coproducció de Théâtre Sortie de Secours i de la Sala Beckett / Obrador Internacional de Dramatúrgia que es va estrenar al Quebec i va creuar l'Atlàntic per passar pel Temporada Alta i, fins al dia 9 de desembre, per la Beckett. És el resultat d'un feliç encontre, el d'un quebequès de pares espanyols que s'avergonyeix de no dominar del tot el català, Philippe Soldevila, i una catalana la dramatúrgia de la qual va aterrar al Quebec ja fa quatre anys. Aquesta trobada ha portat múltiples trobades més: la de dues cultures que, sense ser germanes, tenen moltes coses (no només reivindicacions) en comú, la de quatre actors, una parella de quebequesos i una altra de catalans; la de dos idiomes; la de dues maneres d'entendre el teatre que, separades per un oceà, demostren que són una mateixa manera.

Qüestió de gustos

La distància ajudarà els protagonistes a enfrontar-se a unes realitats amargues que amaga la comèdia. Philippe Soldevila, enamorat declarat de l'obra de la dramaturga Mercè Sarrias (de la qual ja va dirigir En defensa dels mosquits albins en un intercanvi cultural instigat per la Beckett el 2009), considera que la comèdia és un gènere subestimat: “I no és just: la comèdia és el drama més la seva solució, el riure. Un circ de personatges que no aconsegueixen ser el que se'ls demana que siguin. I ens reconeixem en ells i riem ”, explica el director quebequès. Aquí hi ha la proximitat, la quotidianitat, la senzillesa que ens condueix al riure de veure'ns reflectits en els personatges, uns personatges que agraden.

Agraden els actors, els quatre. Agrada la història, que, malgrat el tràfec transoceànic i del jet lag, és propera, senzilla i entretinguda. Agraden els personatges, les dues viatgeres i els dos ancoratges en les seves respectives realitats. Agrada l’escenografia, perfectament combinada en un mateix espai on sempre sabem si estem en el fred canadenc o a la calidesa barcelonina. Agrada que els francòfons llegeixin la part catalana sobretitulada i els catalans, la quebequesa; agrada que tota l'obra, per tant, estigui sobretitulada. I dóna gust veure amb un somriure a la cara una obra que explica coses que ens interessen, ens entretenen i ens enriqueixen.

Sarrias destaca la importància d'elements imaginaris que posen en relleu les pors o les il.lusions de les protagonistes: Laia, professora de nens petits, veu en somni el personatge més conegut del Quebec, el dibuix animat Caillou. Anne somia amb el seu avi, que es va quedar per amor a la desastrada Espanya després de lluitar amb la brigada Mackenzie Papineau durant la Guerra Civil. Aquest avi romàntic i aquest petit personatge innocent els ajudaran a adonar-se que, com intenten ells, cal canviar la realitat.

Una aventura

Tots els implicats coincideixen a dir que la creació de Quebec-Barcelona ha estat una aventura extraordinària. D'alguna manera, els actors han viscut el mateix viatge que les protagonistes. Primer Alma i Víctor es van desplaçar a Quebec per als assajos i, després, per a les representacions allà. “Vaig marxar cap allà amb una criatura de dos mesos, a assajar, i vaig tornar, amb la nena amb sis mesos, per a l'estrena”, diu l’Alma, remarcant que el projecte valia això i més.

Les tres reeixides setmanes de representacions a la ciutat quebequesa van coincidir, a més, amb un milió i mig de catalans manifestant-se a Barcelona l'11 de setembre. “L'obra no és política però tracta de la situació actual”, explica Víctor Álvaro, “és molt social, per això vam entendre que la gent s'interessés tant pel que estava passant a Catalunya”.

Ara són Normand i Eva els que els tornen la visita. Si els actors catalans es queixaven que el francès del Quebec és molt particular, els canadencs descobreixen ara el català que han estudiat per xampurrejar el mínim en l'obra. “L'important és tenir els dos idiomes perfectament integrats en el text”, diu Éva Daigle. “D'aquesta manera queda reflectida la importància de la comunicació”. Al teatre i en la vida.

-La realidad es muy aburrida.

-Pues cámbiala.

Lo que pretenden los personajes de Quebec-Barcelona no es otra cosa. Cambiar una realidad que, lejos de sufrimientos exagerados o peligros acechantes, simplemente les aburre (que no es poca desgracia). Para ello, ellas, la catalana Laia (Alma Alonso) y su desconocida y lejana prima quebequesa Anne (Éva Daigle), se van la una a casa de la otra. El amigo de Laia, Pau (Víctor Álvaro) y la pareja de Anne, Jacques (Normand Bissonnette) harán, a su manera, de anfitriones.

La obra es una coproducción de Théâtre Sortie de Secours y de la Sala Beckett/Obrador Internacional de Dramatúrgia que se estrenó en Québec y cruzó el Atlántico para pasar por el Temporada Alta y, hasta el día 9 de diciembre, por la Beckett. Es el resultado de un feliz encuentro, el de un quebequés de padres españoles que se avergüenza de no dominar del todo el catalán, Philippe Soldevila, y una catalana cuya dramaturgia aterrizó en Quebec ya hace cuatro años. Este encuentro ha traído múltiples encuentros más: el de dos culturas que, sin ser hermanas, tienen muchas cosas (no sólo reivindicaciones) en común; el de cuatro actores, una pareja de quebequeses, y otra de catalanes; el de dos idiomas; el de dos maneras de entender el teatro que, separadas por un océano, demuestran ser una misma manera.

Cuestión de gustos

La distancia ayudará a los protagonistas a enfrentarse a unas realidades amargas que esconde la comedia. Philippe Soldevila, enamorado declarado de la obra de la dramaturga Mercè Sarrias (de la que ya dirigió En defensa dels mosquits albins en un intercambio cultural instigado por la Beckett en 2009), considera que la comedia es un género subestimado: “Y no es justo: la comedia es el drama más su solución, la risa. Un circo de personajes que no consiguen ser lo que se les pide que sean. Y nos reconocemos en ellos y nos reímos”, explica el director quebequés. Ahí está la cercanía, la cotidianidad, la sencillez que nos conduce a la risa de vernos reflejados en los personajes, unos personajes que gustan.

Gustan los actores; los cuatro. Gusta la historia, que, a pesar del trasiego transoceánico y del jet lag, es cercana, sencilla y entretenida. Gustan los personajes, las dos viajeras y los dos anclajes en sus respectivas realidades. Gusta la escenografía, perfectamente combinada en un mismo espacio en el que siempre sabemos si estamos en el frío canadiense o en la calidez barcelonesa. Gusta que los francófonos lean la parte catalana sobretitulada y los catalanes, la quebequesa; gusta que toda la obra, por tanto, esté sobretitulada. Y da gusto ver con una sonrisa en la cara una obra que cuenta cosas que nos interesan, nos entretienen y nos enriquecen.

Sarrias destaca la importancia de elementos imaginarios que ponen de relieve los temores o las ilusiones de las protagonistas: Laia, profesora de niños pequeños, ve en sueños al personaje más conocido de Québec, el dibujo animado Caillou. Anne sueña con su abuelo, que se quedó por amor en la desastrada España después de luchar con la brigada Mackenzie Papineau durante la Guerra Civil. Ese abuelo romántico y ese personajillo inocente les ayudarán a darse cuenta de que, igual que intentan ellos, hay que cambiar la realidad.

Una aventura

Todos los implicados coinciden en que la creación de Québec-Barcelona ha sido una aventura extraordinaria. De alguna manera, los actores han vivido el mismo viaje que las protagonistas. Primero Alma y Víctor se desplazaron a Québec para los ensayos y, después, para las representaciones allí. “Me lié la manta a la cabeza y me fui para allá con una criatura de dos meses, a ensayar, y volví, con la niña con seis meses, para el estreno”, dice Alma Alonso, remarcando que el proyecto valía eso y más.

Las tres exitosas semanas de representaciones en la ciudad quebequesa coincidieron, además, con un millón y medio de catalanes manifestándose en Barcelona el 11 de septiembre. “La obra no es política, aunque trata de la situación actual”, explica Víctor Álvaro, “no deja de ser muy actual y muy social, por eso entendimos que la gente se interesara tanto por lo que estaba pasando en Catalunya”.

Ahora son Normand y Éva los que les devuelven la visita. Si los actores catalanes se quejaban de que el francés de Québec es muy particular, los canadienses descubren ahora el catalán que han estudiado para chapurrear lo mínimo en la obra. “Lo importante es tener los dos idiomas perfectamente integrados en el texto”, dice Éva Daigle. “De esta manera queda reflejada la importancia de la comunicación”. En el teatro y en la vida.