Jimi Hendrix murió en 1970 pero eso no impidió al más mítico reportero del rock, Lester Bangs, entrevistarle cinco años después. De Bangs (fallecido en 1982), otro periodista del rocanrol, John Morthland (fallecido a su vez en 2016) –quien por cierto cubrió el funeral de Hendrix para la revista Rolling Stone–, organizó sus escritos para darles forma de libro. El segundo volumen, Venas al frente, festines de sangre y mal gusto, se publica el 30 de octubre traducido al español por Paco Arrieta en Libros del Kultrum.

Lester Bangs nació en California y murió en Nueva York a los 33 años de una sobredosis de Valium, devorando el país a su paso y deglutiendo una suerte de periodismo kamikaze, bronco, punk. No parecía que le gustara nada sobre lo que escribía, salvo Lou Reed, de quien era amigo. Escribía como si escupiera, pero también como si sus palabras fueran notas de improvisado free jazz: a propósito desafinadas, rápidas, disonantes, imprevisibles.

Era heredero de una escuela que se iniciaba con Burroughs y Hunter S. Thompson y que probablemente se ha quedado sin alumnos, pues ninguna universidad –o revista– los querría hoy en sus pupitres. En este falsa entrevista –a la manera de las que publica José Antonio Pérez Ledo en este periódico–, Lester Bangs despliega su estilo con total libertad, trayendo a Hendrix a la vida para, en el fondo, cincelar un retrato de lo que el músico significaba para él.

Su nombre podría haberse disuelto en el tiempo, pero esta antología compilada por Morthland y una previa por Greil Marcus, se engancha a la mitificación de su figura gracias a la película Casi famosos de Cameron Crowe (2020) en la que Philip Seymor Hoffman se ponía en el papel de Lester Bangs. Informa Elena Cabrera.

Puede que la muerte sea una bendición: entrevista en exclusiva (y al día) con Jimi Hendrix, por Lester Bangs

(Huelga decir que me costó lo suyo –a saber, un hartón de ingratas caminatas por los céspedes artificiales de los despachos de potentados de la industria y por otros derroteros– localizar a Jimi; ha llevado un estilo de vida bastante monástico durante estos últimos cinco años. Pero, finalmente, echando mano de todos los medios a mi alcance, me las arreglé no solo para localizarlo, sino para rapear con él varios años luz. Lo que sigue es una transcripción directa y literal de un rap muy lisérgico, grabado en su lujosa y extremadamente lejana guarida, con uno de los titanes del rock moderno: el inmortal Jimi Hendrix).

Jimi, cuando deambulabas por la Tierra, a menudo te daba por cantar sobre las esferas celestes; ya sabes: el plano astral, el cosmos y lindezas de esa onda. Ahora que llevas ya una buena temporada dando tumbos por el espacio sideral, ¿cómo se compara lo vivido hasta la fecha con lo que imaginabas que ibas a encontrarte?

Bueno, te diré: no es como en los anuncios. [Carcajada] Pero, a decir verdad, yo tampoco fui lo que muchos creyeron ver en mí. Porque, verás, mucha gente tiene una idea muy equivocada de mí.

¿A quién te refieres?

Al mismito que viste y calza, y tienes ante tus morros, sin ir más lejos. No sabía qué coño andaba haciendo, excepto que me gustaban el R&B y Dylan, y descubrí, sin quererlo ni beberlo, cómo sonsacarle todos esos sonidos raros a mi hacha. Ahí es donde las cosas empiezan a prestarse a cierta confusión si bien, en honor a la verdad, debo decir que no muy exageradamente. Una noche, en el escenario del Fillmore, tocando una especie de paseo en moto derrapando por los anillos de Saturno, observo al público y se me aparece una especie de gran máquina de pinball que estoy encendiendo y manejando inadvertidamente a mi antojo, poniéndolos como las cabras y descerebrándolos al tocarles See See Rider al revés, creo recordar, o algo cuya existencia desconocía porque mis dedos se estaban transformando en tallos de apio y me daba miedo comprobar si, efectivamente, se estaba produciendo esa metamorfosis, de modo que cerré los ojos un segundo pero se me apareció unas de las concubinas del Thor de Marvel Comic, ataviada con su atuendo sadomaso, y blandiendo un látigo y resoplando mientras se me acercaba, por lo que los abrí de nuevo tan rápido como pude y, de pronto, todo el mundo en el público era Bob Denver.

¿Qué? ¿Qué quieres decir?

Quiero decir que todas las caras eran idénticas, como la de Bob Denver en la Isla de Gilligan [sitcom estadounidense emitida por la CBS entre 1964 y 1967], con el gorrito, la camisa raída y todo lo demás, y todos me obsequiaban con la inconfundible mirada de Gilligan, como diciendo:

“¿Y ahora qué hacemos?”, así que grité en medio del estribillo de otra canción que había olvidado: “¡Soy el capitán y quiero que vayáis a buscar a Mary Ann y me la traigáis! Quiero a esa zorra de rodillas ante mí”. Parecía tener sentido por el contexto de la letra de la canción en aquel momento.

A fin de cuentas, fue una época de mucha experimentación y no pocas innovaciones.

Sé que cambié algunas cosas, no tantas como algunos parecen atribuirme, pero creo que de veras podría haber cambiado un montón de cosas más de haber sabido entonces lo que ahora sé. Con todo, en aquel momento, la alternativa era tan irresistiblemente tentadora, y acabé tomando el camino fácil del jive y toda esa mierda. Como la noche de la que te hablaba, gritándole a todo pulmón a Gilligan y compañía, no tenía ni puta idea de lo que Noel y Mitch andaban haciendo; podían haberse largado en un autobús de la Greyhound a Tucson, Arizona, qué carajo iba a saber yo, además, me la traía al pairo. Así que me lancé a por una larga nota alta, la sostuve ahí cuanto pude, luego la destripé, y decidí largarme de allí.

Ahora, apenas me bajo del escenario, con quien prácticamente me doy de bruces es con Bill Graham. El muy capullo ha estado parapetado ahí, a un lado del escenario, observándome todo el rato. Ahora se interpone en mi camino, me agarra del brazo, me mira fijamente a los ojos y me dice: “Jimi, por qué sales a endilgarnos esa bazofia cuando ambos sabemos perfectamente que eres capaz de tocar blues como a muy pocos he escuchado en mi vida”. Bueno, lamento importunarte, pero dejé de ser negro por unos instantes, me quité, como un descastado, toqué muy descolocado pese a llevar un colocón del copón, porque no quería líos con nadie, solo quería largarme de allí. Pero, por poco que hubiera sido física y anímicamente capaz de quedarme, tío, habría dicho: “Porque hay momentos en los que sospecho, en lo más hondo de mi ser, que detesto el reputísimo blues. Cualquier negro arruinado detrás de una mula que no tenga nada que llevarse a la boca te puede cantar un blues. Solo le doy al blues porque es divertido y fácil de escuchar de vez en cuando, y porque sé que los gringos no creen que un espectáculo de música de un negro valga un pimiento si no escuchan algo de esa música”.

Sí, pero… ¿qué pasa entonces con temas como Red House y Voodoo Chile? Eran canciones increíbles, ¡muy bien interpretadas!

No eran exactamente lo que se conoce como composiciones originales. Fueron buenas tomas, eso te lo concedo, especialmente la segunda de Voodoo Chile. La versión larga rezumaba muy buena onda, pero estaba ahí para rellenar un álbum doble, y Winwood tocó el mismo detestable solo que tocó en Pearly Queen (y en todas las malditas sesiones que hizo durante los siguientes tres años). Me casqué un buen blues en Red House, pero recibió mucha más atención de la que merecía, probablemente porque fue muy difícil conseguir el disco en América durante un tiempo. Lo que quiero decir es que I Don’t Live Today es blues de verdad, blues moderno; es lo que pasa cuando lanzas una bomba de hidrógeno sobre el blues, que es lo que se merece.

A ver, el blues es música de blancos, y también lo era la mayor parte del free jazz. Todos los músicos lo saben, todo el mundo en el gueto lo sabe porque allí vibran con la música de James Brown y Stanley Turrentine, no tienen discos de Muddy Waters, ni mucho menos aún de Robert Johnson; es más, el 98% de mis hermanos ni siquiera ha oído hablar de Albert Ayler. Si hubiera tocado lo que los negros querían escuchar en aquella época, habría fracasado estrepitosamente en el mundo de las superestrellas del rock moderno, y si hubiera ido al Teatro Apollo y hubiera tocado lo mismo que en el Fillmore, probablemente se habrían reído de mí. Y ser consciente de eso es lo que me ha estado persiguiendo desde entonces hasta este mismo instante. Eso y el hecho de que, hasta cierto punto, y en aras de la imagen, tuve que mover el esqueleto porque los negros se supone que son malos y follan bien con pollas grandes y hacen maravillas con los dedos todo el tiempo. Solo añadí un poco de ácido y retroalimentación. Y diablos, con todo eso ni siquiera tuve mucho sexo, o no tanto como hubiera sido mi deseo. Quiero decir que no sería del todo ilícito pensar que un tipo como yo, Jimi Hendrix, el hacedor y principal protagonista de todo aquel gran negocio que se concibió en torno a mi persona, estaría degustando más coño que todo el harén de Haile Selassie al completo y de mejor calidad que, no sé, ¿de quién es el coño más caliente que se te pase por tu calenturienta mente?

Mmmmm… Vilma Picapiedra.

Muchas gracias, ahí lo tienes. Me hubiera encantado acostarme con Julie Christie, o igual hasta con Ursula Andress, estrellas de cine con clítoris de primera clase. En lugar de eso, tengo a todas esas zorras tontas que quieren leerme el Tarot y llevan consigo siempre un ejemplar del I Ching de la edición de bolsillo de Bantam, en el trasero de sus vaqueros, listas para abalanzarse sobre ti en cualquier momento y revelarte el arcano significado de la jerigonza. Bueno, ya tengo más jerigonza de la que podría necesitar para esta vida, como te revelaría incluso una somera audición de mis canciones. ¿Crees que escribí todas esas putas letras cósmicas porque tenía línea directa con la Mente Universal siempre a mi disposición? Me gustaba Star Trek, pero no soy Paul Kantner. Saqué más provecho de ello que Paul Kantner, eso sí, debería haberse aprovechado de mi mal ejemplo y hacer lo propio. Yo solo soltaba esto y esnifaba aquello, y un montón de mierda se arremolinaba en mi cabeza acto seguido. La misma mierda que sacudió a todos los demás, en realidad, especialmente a Dylan, que fue una influencia tan inspiradora y tan nociva para un servidor como para cualquiera en este oficio. Empecé siendo sincero, pero la mitad de las veces no podía pensar con claridad, así que salían cosas que sabía perfectamente que eran tonterías de lo más chapuceras, y la gente saltaba como las cabras por una raya de coca: “Oh, increíble, Jimi, brutal…”. Y tal vez fuera en ese momento cuando caí en la cuenta de que las cosas empezaban a ir realmente mal, cuando vi que la gente creía que esa chorrada era profunda; bueno, simplemente lo mandé todo a freír espárragos en el más allá.

¿Acaso estás insinuando que fuiste un suicida?

No digo nada, tío. Excepto quizá que no todo negro muerto es un puto suicida. Pero eso nada tiene que ver conmigo ahora. Porque aquí no hay distinción que valga, como toda esa mierda de las razas. No hay razas… “¡Nada más que ángeles aquí arriba, jefe!”. Tal vez vuelva –solo una vez– y me haga solo una minigira de tres noches de God’s Trombones, como una ópera rock, con Gil Scott-Heron y Stevie [Wonder] también. Porque quiero cantarle la africana a Stevie –ese tío está fuera y no me importa una mierda si es invidente, no me importa si su madre le envió a una iglesia distinta cada día de la semana, está completamente equivocado, punto–. En fin, nadie debería saber cómo funciona esto del Cielo mejor que quien te está pegando la hebra. Me considero una especie de experto en el tema. No ha habido más que mamadas y soma intravenoso desde que me largué en los setenta. Nunca vayas al cielo, tío, es una mierda. La única razón por la que no me largo de aquí es porque el Infierno es infinitamente peor, fuimos allí un fin de semana de juerga salvaje y aquello es pura escoria infernal. El Cielo es como el estrellato total con una gira sin fin, nada más que estadios y hoteles, pero el Infierno es como Baltimore. Todo el viaje de ultratumba está pensado y amañado para los amantes del sexo oral anorrectal, y de igual manera que con los permisos para trabajar en cabarets en Nueva York, no es algo que te puedas saltar.

Tu rap es… bueno… Sinceramente, ahora mismo no se me ocurre otra pregunta.

No pasa nada, no te apures, llevo un buen colocón de speed, ya sigo yo.

[Enciende un cigarrillo, con urgencia compulsiva, pero manos firmes]. Tengo la sensación de que eres bastante crítico con tus colegas músicos, vivos y muertos.

Sí, pero es genial, porque no hay nadie más despiadado y crítico conmigo mismo que un servidor. Yo era un buen guitarrista, no como Django, pero ostento la autoría de un buen puñado de riffs y algunas nuevas ideas sobre cómo tocar con los dedos u obtener sonidos raros. Pero no hay mucho jugo que sacarle a la egolatría cuando estás criando malvas, así que tengo que conformarme con lo que hice, y punto. Las canciones que escribí que contenían melodías reales, esas que podías tararear y eran pasto de verdaderos parásitos de versiones, se pueden contar con los dedos de una mano. Todavía estoy orgulloso de Angel, como composición, y de un par más. Pero el resto, en su mayoría, no son más que un amasijo de riffs metaleros, con letras con puro lenguaje jive que yo farfullaba en lugar de cantar. Me atribuyeron grandes méritos por introducir la 'tecnología avanzada', o como quiera que sea que la llamen hoy en día, en el rock, pero lo que casi todo el mundo pasó por alto fue que, una vez que la distorsión y la tecnología se convirtieron en parte 'obligatoria' de –y consustancial a– todo el estilo y se institucionalizaron, se acabó lo que se daba. Porque la tecnología es fría, al igual que la técnica, y los humanos son justo lo contrario. O al menos deberían serlo. Porque la emoción que emerge a causa de la distorsión lo es todo. Y de lo que no nos dimos cuenta fue de que todos nosotros, rindiendo un culto tan exacerbado a la distorsión, estábamos cavando nuestras propias tumbas, en términos estrictamente emocionales. Y literalmente también, supongo, en algunos casos.

La emoción que emerge a causa de la distorsión lo es todo. Y de lo que no nos dimos cuenta fue de que todos nosotros, rindiendo un culto tan exacerbado a la distorsión, estábamos cavando nuestras propias tumbas, en términos estrictamente emocionales

Porque, con el tiempo, empecé a darme cuenta de que lo que la gente ansiaba era solo ruido. Tuve mucho cuidado con mis propios álbumes, al menos en los tres primeros –debo decir que fueron muy cuidadosamente producidos y, ya sabes, toda esa mierda que suele afirmarse con el propósito de adornar semejantes soflamas sin siquiera poder sustanciarlas–. Muy redondos. Pero, incluso en esos momentos, estaba empezando ya, de veras, a interrogarme… porque cuando escucho Are You Experienced? al menos la mitad de lo que escucho y recuerdo está impregnado de ese enojo ingobernable que hunde sus raíces en la imposibilidad de encontrarle sentido a nada de lo que hago. Está en la letra y también en la música. Porque así era yo en aquel momento. Cuando dije: “No hay vida en ninguna parte”, lo decía en serio. Mientras tanto pienso: ¿esperan que lleve el bidón cargado y el mechero preparado en el bolsillo al escenario cada noche? Es evidente que algo no se sostiene en toda esta opereta.

Bueno, ¿qué sucedió con la distorsión que empezó a molestarte tanto?

Pues, al igual que Graham quiere blues, los fans también, pero el problema con Graham es que no quiere distorsión y ellos, en cambio, sí. Él piensa que la distorsión es una mierda, y que el blues es 'real', no requiere de estos aditamentos. En fin, a decir verdad, no tengo ni puta idea de lo que es o de qué significa «real». Nunca lo supe con exactitud. Por ejemplo, ¿toco dos acordes o tres o simplemente me apaño con el trémolo y el feedback y la armo con mis ruiditos raros y quemo mi guitarra y me trago las cuerdas y devoro a mis acompañantes cual buen caníbal que se precie, y luego me quedo ahí solo en el escenario con los botones desprendiéndose de mi camisa como Brock Peters [actor estadounidense, principalmente conocido por interpretar el papel de Tom Robinson en la adaptación cinematográfica de Matar un ruiseñor] cantando John Henry y Cotton Fields y una selección de canciones de los campos de trabajo grabadas a pie de zanja por el propio Alan Lomax en Parchman Farm? Mira, lo que me sucede cuando echo la vista atrás es que me parece que había algo más grande que siempre quise hacer, pero que nunca llegué a comprender. Por un lado, me alegro de haberme largado cuando lo hice. Porque es lo mismo que le ocurrió a Kennedy, es carne de leyenda, todo el mundo puede apoltronarse y decir al unísono: “Bueno, qué diablos, no pasa nada, pero si Jimi estuviera por aquí, nos mostraría adónde nos conduciría todo esto después”. Pero están muy equivocados. Yo no tendría ni puta idea de qué hacer ahora, si tuviera la desgracia de estar “por aquí”. Probablemente, me comportaría como ellos, repitiéndome hasta la saciedad una y otra vez hasta que todo el mundo estuviera tan aburrido como yo y acordáramos dejarlo y me largara a las islas a escuchar reggae o algo así. O, tal vez, lo que sería aún peor, me convertiría en uno más de los que sigue dando la turra y abusando de la misma mierda de siempre y no lo sabe: “Sí, Jimi, tu nuevo álbum Toe Jam Asteroid es lo mejor que has hecho!”, “Si, no veas, mola, estoy en la onda, colega… solo tienes que pillarlo”. Sí, así es como me copiaba y me repetía hasta la saciedad, me presentaba como un verdadero revolucionario del jive, con gafas de sol todo el tiempo, un sombrerito y un cigarrillo, la vieja rutina del músico de jazz solitario e inaccesible, sentado en clubes llenos de humo, cafés, sin hablar de nada más que de mamarrachadas sobre bebop. “Sí, genial, ah, eso fue un auténtico descontrol. Hasta luego”. [Se parte la caja de risa]. El Thelonious Monk del wah-wah. O eso o, sencillamente, esconderte y hacer trabajo de mercenario como músico de estudio. Convertirte en un Louie Shelton. Porque sé que no podría hacer lo que empecé a hacer y seguir sacando provecho de ello y perfeccionarlo.

Y no es que haya ha perdido un solo ápice de mis habilidades. Las conservo a buen recaudo. El asunto, a mi juicio, es que a todo el mundo le pierde el virtuosismo. Creo que el único álbum de estudio en el que realmente lo di todo fue el primero. Y eso fue después de practicar día y noche, año tras año, tratando de aprenderlo todo y hacerlo mejor, dándole duro y sin pausa, batiéndome el cobre donde hiciera falta, y echando mano de mis propios descubrimientos a fin de propinarle un buen puntapié en el culo a quien se cruzara en mi camino hasta que, de repente, un buen día descubrí, como por arte de magia, que yo podía ser el próximo puto Andrés Segovia y que, de faltar algún otro extraño componente, entonces también podía conformarme con ser Louie Shelton.

¿A qué componente te refieres?

Ojalá lo supiera. Sé que lo perdí en alguna parte. Consuelo de tontos, pero me reconforta saber que casi todos los que nos curtimos en esa época también lo perdieron. Quizá todos nos colocábamos demasiado.

¿Qué opina de Eric Burdon y Buddy Miles, a quienes algunos observadores han acusado de aprovecharse de su nombre o de su relación con usted, después de su muerte?

Mira, una vez la palmas tiendes a dejar que mucha de la mierda que te afligía en vida no sea más que agua pasada. Por mí que se vayan al carajo, espero que se hayan ganado un puñado de dólares más. Además, nadie vive para siempre, y voy a tener que sentarme y tener una charla seria con el viejo Eric cada vez que suba aquí, en lugar de partirle la cara. En realidad, resulta hasta gracioso, y, además, él realmente no daba para más. Buddy Miles es un caso diferente: me daría miedo que me patearan el culo, pero cualquiera que acumule tal cúmulo de discos malos como ese tío probablemente acabe en el primer carro de carbón que ponga rumbo al infierno, así que espero no tener la oportunidad de volver a ver su rechoncho careto.

¿Has visto por aquí a alguno de los que empezaron cerca de la época en que tú lo hiciste?

No. Oigo hablar de ellos de vez en cuando, pero no salgo con ellos. Tú tampoco lo harías. [Jim] Morrison, me lo contaron todo sobre él, aunque no lo vi. Se quejaba tanto de que quería ir al infierno y que no iba a aceptar otra cosa, y que, si lo metían aquí en lugar del averno, iba a hacer que todos desearan que nunca hubiera muerto, y no dejó de dar la barrila…

Me identifico con él en cierto modo, los dos llegamos en el momento justo mas también en el peor: justo para convertirnos en figuras, pero el peor en términos de longevidad. Éramos como los modelos de prueba a seguir para mierdas como Alice Cooper y David Bowie. Ambos fuimos víctimas de un engaño, pero quisiera pensar que a él le fue mucho peor que a mí. Hubo más complicidad por su parte en su propia destrucción. Quiero pensar que solo me confundí un poco más que él, tan confundido en lo musical como en otros aspectos de mi vida, hasta que todo se complicó demasiado y ya no hubo modo de cambiar el curso de las cosas. Dejé, por un lado, que demasiada gente me intimidara, porque yo ya era consciente de que había perdido el camino, pero me faltaron las tablas y la inteligencia suficientes para darme cuenta de que, tal vez, ellos también habían perdido el camino, y estaban en una situación infinitamente peor que la mía, de modo que terminé poniéndome en manos de todo aquel séquito de arribistas. Lo que quiero decir es que yo era realmente muy inocentón, tío. Admito que, en retrospectiva, me resulta muy vergonzoso admitirlo.

¿Y Janis?

Esperaba que no me preguntaras eso. Malditos periodistas, siempre a por el siguiente titular escabroso. Bueno… fue tan patética allí como aquí. No es culpa suya, pero tampoco hace nada, en particular, para intentar mejorarlo. Eso es todo lo que tengo que decir al respecto.

La calidad no tiene nada que ver con el éxito, lo que sucede es que la gente se aferra a cosas que sabe que fueron buenas y representaron algo en su día, en lugar de arriesgarse con un artista desconocido de dudosa calidad

¿Qué opinas de que sigas siendo un artista de éxito y de que las compañías discográficas sobregraben a otros acompañantes en tus viejas cintas?

El hecho de que mis discos se sigan vendiendo es como tratar de dirimir si Jefferson Starship era más popular que Jefferson Airplane: la calidad no tiene nada que ver con eso, lo que sucede es que la gente se aferra a cosas que sabe que fueron buenas y representaron algo en su día, en lugar de arriesgarse con un artista desconocido de dudosa calidad.

En lo que respecta a esas sobregrabaciones, siento casi la misma indiferencia. Suena raro y egoísta que un difunto se jacte de que, en realidad, era un espectáculo de un solo hombre; sobre todo porque sus antiguos compañeros no tienen forma de replicar, así que obviamente lo más inteligente para mí es no adoptar ninguna postura. ¿Por qué no le haces la misma pregunta a John Coltrane para corroborar si la fidelidad conyugal se extiende más allá de la tumba?

Sin embargo, tengo la impresión de que no te merece gran consideración toda la gente que te ha seguido en lo musical en el mundo de los vivos.

Sí, en efecto, así es. Porque son rematadamente fríos. Puede que de mi guitarra haya brotado auténtica basura en algunos conciertos, y que haya grabado algunos temas demasiado obsecuentes y relamidos para mi gusto; pero estaba perdido. Había algo más grande que yo que me arrastraba y que fue lo que se me llevó al final, pero también salió una música increíble a veces. Lo único que lamento, y no dejo de preguntarme, es hasta qué punto, dadas las circunstancias, era realmente mi música. Si te cae un maldito rayo encima y de ahí sacas una obra maestra, bueno, ¿es cosa tuya o del rayo? Y sí, en el análisis final, simplemente no hay competencia que valga. Sabes que perdiste el control, dejaste que la música y la vida jugaran contigo, y por eso te hundiste. Pero sucedió de verdad, hubo fuego real y experiencias tan reales como la vida misma, y nada puede borrar eso. Ya debería ser bastante obvio que considero mi vida y mi arte un fracaso sin paliativos, pero fue un fracaso honesto.

Lo que me molesta son estos tipos de ahora –dicho sea sin acritud alguna–. Bueno, y la verdad es que ni si quiera ellos. No me importa que la gente copie mis riffs, ¡pero son como un puñado de putos universitarios! La mayoría de mis riffs se los copié a otros, pero luego seguí tocando y me olvidé de ello. No me senté noche tras noche prendiendo siete velas en un santuario a Chuck Berry. Así que, ¿a quién le importa si tipos como Trower o ese tipo de Canadá tienen éxito o fracasan? Suceden muchas más cosas en cualquier bar un viernes por la noche, cuando la pista de baile está llena, que en todos los discos y conciertos de todos esos tipos.

Lo peor es que se perdieron lo más importante, la traca final, lo que más me desanimó: ver cómo se acercaba el final. No me refiero al rock ‘n’ roll, ni a la música popular, ni siquiera al heavy metal, sino al final de la rama experimental y tecnológica en la que apenas nos habíamos adentrado y cuyo desarrollo se truncó. Tiene que haber algo más porque una de las cosas que aprendí mientras me sumía en aquella espiral de autodestrucción fue que gran parte de esa mierda no era más que sonido y furia para disfrazar el hecho de que estábamos perdiendo el contacto con nuestras emociones, o al menos la capacidad de transmitirlas. La mayor parte de Electric Ladyland y el segundo álbum se me antojan muy fríos ahora. No sé cómo me sonaban entonces, porque estaba demasiado distraído como para juzgarlos con precisión y cierta objetividad; salvo por el hecho de que reunían todos los ingredientes, me ponían los pelos de punta sobre todo cosas como Voodoo Child (Slight Return), los discos estaban bien producidos y sabía que se venderían.

Supongo que eso es, precisamente, a lo que intentaba referirme antes cuando hablaba del componente que faltaba. Olvidé cómo percibir lo que me decían mis sentidos a no ser que recibiera descargas eléctricas o algo parecido y, al cabo de un tiempo, incluso las descargas eléctricas empezaron a parecerme más de lo mismo. Y aunque lo diga así, en realidad, no sé muy bien cómo explicarlo. Es realmente el gran misterio para todo el mundo que habita en estas etéreas latitudes. Y nadie ha aventurado una sola explicación convincente todavía. Así que cuando vuelvas, cuando publiques esto, si alguien viene después y te dice que tiene alguna observación al respecto, por breve que sea, bueno, me harías el mayor favor de mi muerte si me la hicieras llegar. Me gustaría más que nada en el… cosmos.

[Se rio de nuevo, brevemente, luego divisó algo en la distancia a través de nuestros cuerpos. Obviamente, había llegado la hora de marcharse].

Publicado originalmente en la revista Creem, en abril de 1976, y reeditado en New Musical Express.

Según el tópico más asentado, los grandes artistas no llegan a morir jamás porque perviven en sus obras. A pesar de eso resulta difícil esquivar la tristeza durante la proyección de “El hombre más buscado”: el rostro de Philip Seymour Hoffman está ahí, atravesando con su mirada cada fotograma, dando la última muestra de su descomunal talento. Y además lo hace desde la contención, ese terreno resbaladizo en el que los grandes actores se prueban a sí mismos.

La película escapa a los habituales dictámenes del exceso que imperan en el moderno cine de espías. “El hombre más buscado” no contiene persecuciones de infarto, diálogos graves ni argucias narrativas, sin embargo, es emocionante como pocas. Se trata de una emoción fría y controlada, mucho más intelectual que física. No en vano, el escenario en el que se sitúa la acción huye de todo convencionalismo y traslada sus intrigas hasta Hamburgo, con sus edificios grises, sus calles ordenadas y sus barrios del puerto.

Llegados a este punto, se asoma otro tópico: el escenario no como trasfondo de la historia, sino como un personaje más. Al igual que hiciese en su anterior thriller “El americano”, el director Anton Corbijn continua explorando las posibilidades del entorno en la ficción y su incidencia en el carácter de los protagonistas. Menos arriesgada y hermética que su antecesora, “El hombre más buscado” adapta la novela homónima de John le Carré en un ejercicio que conjuga intriga y compromiso, una constante dentro de la obra del escritor inglés (“La chica del tambor”, “El jardinero fiel”).

El estado de alarma internacional originado tras los atentados del 11 de septiembre de 2001 es el caldo de cultivo en el que se entremezclan los conflictos políticos, económicos y religiosos. La película pone su punto de mira en las cloacas del poder y en la lucha de los diferentes gobiernos por imponer sus reglas del juego, un torbellino de intereses donde se mueve el personaje interpretado por Seymour Hoffman. El actor ahonda en la figura del espía lacónico tan habitual en la literatura de le Carré, realizando un nuevo prodigio de transformación que emplea el recurso del comedimiento. Su papel introspectivo, poblado de demonios internos, contribuye al realismo en el que también participan sus compañeros de reparto: Willem Dafoe y Robin Wright proporcionan veteranía y talento, mientras que Rachel McAdams ilumina los rincones oscuros de la trama.

Con “El hombre más buscado”, Corbijn realiza su película más convencional hasta la fecha, aminorando sus ínfulas de autor y otorgando máximos poderes al guión y a los actores. Esta decisión parece correcta, aun a riesgo de considerar aséptico o impersonal el resultado. Cualquier tentación de estilizar las imágenes y la retórica del film hubiese podido desvirtuar la denuncia de las rivalidades entre los servicios de inteligencia, capaces de anteponer sus méritos a la seguridad de los ciudadanos. “El hombre más buscado” pone al descubierto los tejemanejes y las corruptelas que se producen en todos los bandos, los agujeros en los que tropieza la sociedad de la información. Pero por desgraciadas circunstancias, la película quedará como el último de los grandes papeles de Philip Seymour Hoffman, uno de los máximos exponentes del oficio de actor.

Una cita para el verano

Título original: Jack Goes Boating.

Dirección: Philip Seymour Hoffman.

Intérpretes: Philip Seymour Hoffman, Amy Ryan, John Ortiz, Elizabeth Rodriguez.

Género: comedia romántica. USA, 2010.

Duración: 89 minutos.

La ópera prima como director del legendario actor Philip Seymour Hoffman se estrena en España con cuatro años de retraso. En tal circunstancia, pesa tanto la baja calidad de la distribución cinematográfica que padece el espectador en nuestro país, como la moralmente oportunista pero comercialmente acertada apuesta de la compañía que la pone a nuestro alcance en pantalla grande. Como en todo, lo mejor será quedarse con lo positivo del asunto: recuperar una película casi desconocida con el gran Seymour Hoffman delante y detrás de las cámaras.

Jack (Philip Seymour Hoffman) es un hombre tímido y torpe que conduce una limosina y lleva una vida modesta. Su amigo y compañero de trabajo Clyde (John Ortiz) junto a su esposa Lucy (Daphne Rubin-Vega), organizan una cita a ciegas para Jack con Connie (Amy Ryan). Connie comparte timidez y torpeza con Jack pero la relación en ciernes que construyen cada día llena sus vidas de confianza. En cambio, Clyde y Lucy, se encuentran en un punto de su relación en el que se enfrentan a problemas no resueltos de su matrimonio.

Los Mercenarios 3

Título original: The Expendables 3.

Dirección: Patrick Hughes.

Intérpretes: Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Terry Crews.

Género: Acción. USA, 2014.

Duración: 123 minutos.

Tercera entrega de esta saga, al mismo tiempo nostálgica y mercenaria, en la que viejas glorias vuelven a la gran pantalla, en temporada de máxima competencia, para mostrar a las nuevas generaciones cómo se hace una buena película de acción. Y lo hacen empleando muchos menos efectos digitales de lo habitual en el género pero mayores dosis de carisma. Mel Gibson, Wesley Snipes, Harrison Ford, Kelsey Grammer y Antonio Banderas, entre otros, se unen en esta ocasión a la fiesta.

Barney (Sylvester Stallone), Lee Christmas (Jason Statham), y el resto del equipo se enfrentan a Conrad Stonebanks (Mel Gibson), quien hace años fundó “Los mercenarios” junto a Barney. Despues Stonebanks se convierte en un despiadado traficante de armas al que Barney se enfrenta y se ve obligado a matar...o eso creía. Pero Stonebanks está vivo y tiene como objetivo prioritario acabar con “Los mercenarios”.

Gabrielle

Título original: Gabrielle.

Dirección: Louise Archambault.

Intérpretes: Gabrielle Marion-Rivard, Alexandre Landry, Mélissa Désormeaux-Poulin, Vincent-Guillaume Otis.

Género: Drama. Canadá, 2013.

Duración: 104 minutos.

Primera película de su directora, Louise Archambault, que fue premiada por el público en el festival de Locarno. En 'Gabrielle' se combinan amor, libertad sexual y discapacidad psíquica.

Gabrielle es una mujer joven con el síndrome de Williams, que tiene una contagiosa alegría de vivir y un don musical excepcional. Desde que conoció a su novio Martin, en el centro donde se encuentran los miembros del coro, han sido inseparables. Sin embargo, debido a que son “diferentes” a sus seres queridos están temerosos de su relación. A medida que el coro se prepara para un festival de música importante, Gabrielle hace todo lo posible para ganar su independencia.

Guardianes de la galaxia

Título original: Guardians of the Galaxy.

Dirección: James Gunn.

Intérpretes: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper, Vin Diesel.

Género: ciencia ficción. USA, 2014.

Duración: 122 minutos.

Tras 'Iron Man' 'Thor', 'Capitán América' y 'Los vengadores' Marvel tiene la intención de añadir otra exitosa saga a su colección con 'Guardianes de la galaxia'; en la que sus puntos fuertes son un reparto atractivo y competente sumergido en una aventura espacial épica llena de acción. Zoe Saldana, tras 'Avatar', parece encasillada en los personajes enterrados en colorante.

Peter Quill (Chris Pratt), es un aventurero temerario que se convierte en el principal objetivo de una persecución implacable dirigida por el villano Ronan (Lee Pace), después de robar un orbe misterioso codiciado por él. Ronan es un malvado ser cuyas ambiciones amenazan a todo el universo. Quill crea un equipo para combatir al villano y salvar de su poder al universo.

Khumba

Título original: Khumba.

Dirección: Anthony Silverston.

Intérpretes: Animación.

Género: Comedia de animación. Sudáfrica, 2013.

Duración: 85 minutos.

Inusual el origen de esta propuesta de animación por llegar desde Sudáfrica. Y es que la casi totalidad de las películas animadas que llegan a la pantalla grande, y que tenemos noticias de ellas, son estadounidenses. Sin embargo a nivel de contenido, 'Khumba' se mueve con más deseo que realidad, por los territorios de 'Madagascar' y cintas similares. Entre las voces de la versión original están las de Jake T. Austin, Steve Buscemi y Laurence Fishburne.

Khumba es una cebra con solo la mitad de su cuerpo a rayas a las que todos culpan por la falta de lluvias. Debido a la gran presión de la manada Khumba decide embarcarse en una audaz misión para conseguir todas las rayas que le faltan. En su búsqueda del legendario pozo de agua del que todas las cebras obtienen sus preciadas líneas, la cebra conoce a una serie de personajes muy extravagantes: un ñu sobreprotector, Mamá V y Bradley, un obsesionado avestruz.

Jack es un tipo muy rubio y con pecas. Escucha reggae y en su pelo se vislumbran unas medio rastas que no evitan su única mueca, la de mirada tímida y boca sellada. Philip Seymour Hoffman supo moldear a la perfección el personaje de Jack goes boating, aquí Una cita para el verano. Primero bordó el papel sobre un escenario y después delante de las cámaras. Pero esta historia de amor lúgubre pasó desapercibida incluso después de ser marcada con el sello de 'joya indie' en su paseo por el Festival de Sundance de 2010. El aplauso de la crítica fue casi unánime, pero el público no quiso ir a las salas y condenó la ópera prima de Hoffman al olvido. En el 2011 salió el dvd y a esas alturas en España nadie había movido un dedo para traerla a las salas.

“Llevábamos más de dos años con ganas de comprar la película y que fuera una de las que recuperábamos para el mercado español, pero nos daba miedo que se hubiera quedado demasiado antigua para hacer un estreno en cines”, dice César Celmente de Surtsey Films, uno de los socios de la distribuidora responsable de que por fin esta película llegue el 14 de agosto a nuestro país.

Llevar el filme a las salas cuatro años después de su estreno en Estados Unidos era un suicidio empresarial. Sin embargo, la muerte del actor lo cambió todo. El 2 de febrero de 2014 el guionista David Katz encontró el cuerpo sin vida de Philip Seymour Hoffman en el suelo del baño de su apartamento, en el número 35 de la calle Bethune en el West Village de Nueva York. El actor acababa de separarse de su novia y madre de sus hijos, la diseñadora Mimi O,Donnell y además había empezado a beber por culpa o a causa de su papel en la obra de teatro Muerte de un viajante. “La obra lo torturaba. Estuvo muy triste durante todas las funciones. Sabía que todos los días a las ocho de la noche tenía que hacerse eso a sí mismo”, comento Katz en una entrevista a Rolling Stone.

“Está bastante claro que fue una sobredosis. La jeringuilla estaba en su brazo”, dijo un agente. Fue la jeringuilla llena de heroína la que hizo hablar entre lacrimógenas babas a decenas de actores, directores y productores, fue la jeringuilla la que ocupó los titulares, fue ese maldecido instrumento el que desató un elocuente ritual de defensa a favor del mejor actor de su generación. Fue ese morbo y algunas intenciones (pocas) meramente artísticas lo que empujó a Surtsey Films a traer a España Una cita para el verano. “Cuando murió Philip Seymour Hoffman decidimos comprar la película y estrenarla en cines, a pesar de la antigüedad, a modo de homenaje al actor. Es una buena película que merece ser vista en pantalla grande”, declara César.

La tragedia como antesala al éxito póstumo

La muerte del actor que ganó un Oscar por Capote se ha considerado una tragedia por dos razones: la edad de Seymour Hoffman (46 años) y las circunstancias relatadas anteriormente. Pero bajar a los infiernos para quedarse allí y triunfar aquí (quien dice triunfar dice convertirse en leyenda) es una práctica común entre actores y directores. River Phoenix murió a los 23 años en la puerta de un local tras ingerir heroína y cocaína, Brittany Murphy falleció en 2009 tras tomarse un coctel de antidepresivos y John Belushi murió después de consumir una letal mezcla de cocaína y heroína. Todos son leyenda.

El óscar póstumo a mejor actor secundario que ganó Heath Ledger por El caballero Oscuro es un premio a una actuación que ya era mítica antes de revelarse al espectador, pero también una ofrenda por los meses que Ledger pasó encerrado en una habitación de hotel hablando a los perros y jadeando como el Joker que más tarde regalaría al mundo. La bajada a los infiernos vende y si encima acaba en tragedia el reconocimiento de los compañeros es inevitable. De hecho, Terry Gilliam tuvo que reconvertir El imaginario del Doctor Parnassus en una película homenaje al Heath Ledger, porque si no, no había forma de venderla.

Otro ejemplo reciente es Paul Walker, el protagonista de Fast & Furious falleció el pasado año en un accidente de tráfico en California. Esta vez él no conducía, era el pasajero. La séptima cinta de la saga de carreras siguió manteniendo su rostro en el reparto e incluso se cambió el guión para que el difunto actor siguiera teniendo presencia en el filme. ¿Será este Fast & Furious el más taquillero de todos?

Los proyectos inconclusos de una leyenda

Philip Seymour Hoffman murió y se convirtió en leyenda. El actor poseía un Oscar, la crítica le alababa y ya tenía al público en su bolsillo, sobre todo después de participar en esa inteligente saga adolescente titulada Los juegos del hambre. Todavía quedan dos partes por estrenar y el actor aparecerá en ambas. Quedaban por rodar sus últimas escenas pero nadie ha tenido valor de sustituirle. No existe ningún productor o director tan osado. Los estrenos no se han cambiado de fecha y la estructura de las películas tampoco. El éxito de taquilla está asegurado.

El público que conozca las penas y las glorias del actor será contagiado por la lástima cuando vea las escenas de éste en las dos partes de la saga. Plutarch es un personaje que adquiere relevancia a medida que avanza la trama. Pero... ¿cuánto de Hoffman hay en ese personaje? Menos de lo que hay vertido en Jack, ese taciturno ciudadano en busca de la felicidad de Una cita para el verano.

Hoffman es el que está detrás y delante de la cámara. Es su alma la que impregna toda la película, su película. Desde ese personaje tímido y errático, ese segundón que acaba por devorarse la vida atreviéndose a hacer cosas que nunca hubiera hecho si no es por amor, hasta el director que protege un guion endeble y tierno para convertirlo en una amarga y sincera comedia romántica que destaca del montón. Demasiado pequeña para el gran público sin embargo.

¿Y qué hubiera pasado con su siguiente proyecto como director? Se iba a titular Ezekiel Moss e iba a estar protagonizado por Jake Gyllenhaal y Amy Adams. Una carrera ascendente que se vio truncada por las drogas y la consecuente tragedia. Pero no pasa nada, nos queda Philip Seymour Hoffman para rato, cuatro películas por estrenar en España y múltiples premios póstumos que todavía esperan, guardados en una caja, para ser entregados.

Vivir rápido e intenso vuelve a ser el carpe diem de Hollywood. Y en este cóctel no puede faltar el recurrente affaire con el alcohol y las drogas. En la trastienda del glamour hay una fecunda reserva de todo tipo de sustancias que truncan la carrera de los más grandes. El último en padecer las consecuencias ha sido el actor Philip Seymour Hoffman, muerto el domingo por una supuesta sobredosis, según informó The New York Times. Los agentes de la Policía de Nueva York encontraron en su vivienda más de 50 papelinas de heroína, jeringuillas y botellas de medicamentos.

La heroina campa a sus aires por las calles de EEUU y refleja un problema social que estremece. Hace décadas, esta droga, comúnmente conocida como “caballo”, era sinónimo de opulencia y alto estilo de vida. Más tarde sufriría un éxodo a las zonas del extrarradio. Ahora camuflada regresa al corazón de las ciudades, pero tan letal como siempre. Muchas veces es una alternativa barata para los estadounidenses que son adictos a los inaccesibles opiáceos con receta. En esta ocasión, lo barato termina saliendo caro pues muchas veces las papelinas están adulteradas con una mezcla mortal.

Esto no hace más que evidenciar un infierno que sólo se hace eco en los medios cuando tiene el peor de los finales. La heroína, el viejo antagonista del Hollywood de los años 70 y 80, hace que esta realidad reaparezca en escena. Y con ella los reconocidos artistas a los que se ha llevado por delante. Lo preocupante son precisamente los casos que se mantienen en la sombra. Y aquellos que aunque salen, no trascienden. La muerte de Seymour Hoffman ha activado los mecanismos de búsqueda en hemerotecas aunque, lamentablemente, no hacía falta remontarse a hace mucho.

Las estrellas que sucumben

De nada sirve perseguir los fantasmas de las prácticas individuales de los que ya no están. Los coqueteos con las drogas son una práctica común entre las bambalinas de los artistas. Ya lo dejaba claro el recientemente fallecido Lou Reed en su canción Heroin, pocos se resisten a ella, y muchos se marchan demasiado pronto por caer en sus garras. Junto a Seymour Hoffman, otro de los futuros más prometedores era Heath Ledger, que nos dejaba en 2008. Una desafortunada mezcla de antidepresivos fue la causa de un final que convulsionó el mundo.

Otra de las muertes más prematuras fue la del intérprete de Glee, Cory Monteith. El consumo fatal de heroína y alcohol terminó con una adicción que le llevó a internarse varias veces en clínicas de rehabilitación. Los excesos han protagonizado obituarios y tabloides desde hace años. Marilyn Monroe, Judy Garland, Montgomery Clift o River Phoenix dieron a conocer al verdugo que va apagando estrellas en Hollywood.

El renacer de la heroína

Hace pocos meses, Philip Seymour Hoffman confesó a TMZ que de joven “consumía todo lo que pasase por sus manos”. Según admitió el actor, que tuvo que retomar la rehabilitación después de llevar más de 23 años limpio, comenzó de forma gradual con pastillas hasta llegar a la heroína.

El consumo de este polvo, derivado de la morfina, ha causado estragos. El uso más común en las décadas de los 70 y 80 era como alternativa a los medicamentos opiáceos, que provocaban 15.000 muertes al año. En esta época, debido al uso compartido de jeringas, la población neoyorquina sufrió una fuerte expansión del virus del sida. Más tarde la heroína cedería el paso a la cocaína, cuyo consumo aumentó de forma drástica a partir de los ochenta.

Sin embargo, después de este descenso de la adicción al “caballo”, las autoridades de Nueva York registraron escalofriantes datos como que el consumo había aumentado en un 84% entre 2010 y 2012. La epidemia regresaba de la zona rural para asolar de nuevo la metrópoli. Según la policía neoyorquina, el precio de la heroína en las calles es de 4 euros la papelina. Una alternativa barata y fácil para los fármacos derivados del opio como el OxyContin o Vicodin, que necesitan receta médica. Estos medicamentos son altamente adictivos y conseguirlos puede costar más de 140 dolares en EEUU.

En la casa de Philip Seymour Hoffman se encontraron varios sobres marcados “As de Espadas” y “As de corazones”, lo que indica la procedencia y la pureza de la droga. Esto es importante porque muchas de las muertes son provocadas por el consumo de papelinas adulteradas y pueden indicar a los investigadores el paradero del traficante.

El Instituto Nacional de Abuso de las Drogas informó de que más de cuatro millones de estadounidenses probaron heroína al menos una vez en su vida. Se estima que el 23% de ellos se convierten en dependientes y que casi la mitad de los consumidores vive en la Gran Manzana.

El actor estadounidense Philip Seymour Hoffman ha sido hallado muerto en su apartamento de Greenwich Village (Nueva York), según informa The Wall Street Journal, que cita fuentes policiales. Algunos de los medios estadounidenses han confirmado que el actor se encontraba con una jeringuilla clavada en el brazo. Era conocida su adicción a la heroína y a los medicamentos, por los que estaba recibiendo un tratamiento de desintoxicación. Fue encontrado por su amigo el guionista David Katz, que lo fue a buscar después de que Seymour Hoffman no recogiese a sus tres hijos en la mañana del domingo, como tenía previsto.

Hace pocos meses, el actor confesó a TMZ que tuvo que retomar la rehabilitación después de llevar más de 23 años limpio. Según admitió Hoffman a la web, comenzó de forma gradual con pastillas y recientemente terminó esnifando cocaina. Aunque todo apunta a una sobredosis, las investigaciones están en curso para descubrir la verdadera causa de la muerte.

A sus 46 años, era reconocido como uno de los mejores actores de su generación, Philip nos deja un legado de grandes películas, grandes interpretaciones y lamentablemente grandes proyectos que ya nunca podrá culminar. Aunque su carrera más fructífera se reconoce en el cine, Hoffman conquistó en varias ocasiones los escenarios de premios teatrales y televisivos. Estuvo tres veces nominado a los Tony por True West (2000) y Long Day's Journey into Night (2003). También compitió dos veces por el Emmy con su interpretación en Empire Fall.

Más cine del que parece

Su carrera en la gran pantalla ha sido comedida pero constante. Es uno de los secundarios más requeridos de Hollywood y que cuenta con uno de los abanicos interpretativos más extensos de los últimos tiempos. Su voz profunda y su presencia oronda y camaleónica, no le limitaron a la hora de ponerse retos. Conmocionó los palmarés de los Oscar, Globos de Oro, BAFTA y Sindicato de Actores con un registro nunca antes visto. Trabajó el estridente tono al hablar y la presencia frágil que resucitaría al mítico Truman Capote. Así, en 2006, llegó su única nominación como actor principal por Capote y arrasó sin impedimento, completando una estantería injustamente vacía de galardones. También estuvo nominado al Oscar de reparto por La guerra de Charlie Wilson (2007), La duda (2008) y The master (2012).

Philip Seymour Hoffman nació el 23 de julio de 1967 en Nueva York, en el seno de una familia monoparental. Su madre, a quien dedicó su primer y último discurso en el Kodak Theatre, le crió sola junto a sus tres hermanos. Su época de esplendor llegaría en los años 90, cuando conquistó el puesto del secundario más solicitado.

Los papeles más recordados son el de excéntrico periodista musical en Casi Famosos; el técnico de sonido homosexual en Boogie Nights; el insoportable cura de Cold Mountain y el cura ambigüo de La duda; el enfermero de Magnolia; el antagonista de Misión Imposible III; el asesor político de Los Idus de Marzo; el fiel asistente del Nota en El gran Lebowski; el entrenador de béisbol de Moneyball; el líder religioso y espiritual de Joaquin Phoenix en The Master; y el hermano ambicioso y paradójicamente adicto a la heroína en Antes que el diablo sepa que has muerto.

Además destacan Happiness, Esencia de mujer, El talento de Mr. Ripley, El último concierto o La guerra de Charlie Wilson. También le recordamos en las adaptaciones de la trilogía de Los juegos del hambre como el organizador de los descarnados juegos, Plutarch Heavensbee. La segunda película del tercer libro, Sinsajo, aún se encuentra en produción y a Hoffman todavía le quedaban tres días de rodaje.

Proyectos perdidos

Aparte de su conocida carrera como actor, Seymour Hoffman ya se había estrenado como director con Jack goes boating. Este año estaba preparando su segunda cinta detrás de las cámaras con Amy Adams y Jake Gygenhall como caras principales del plantel. Como decíamos, el teatro también se rindió ante sus dotes interpretativas, lo que le llevó a protagonizar numerosos números en Boradway. Además era un prestigioso director en esta disciplina, de hecho era director artístico junto con John Ortiz de la Labyrinth Theatre Company neoyorquina.

La comunidad hollywoodiense ha expresado sus condolencias por la pérdida de este gran artista. Las redes sociales se han llenado de homenajes de menos de 140 caracteres y muchos de sus antiguos compañeros de profesión de han mostrado desolados con la noticia. “Estamos devastados por la pérdida de nuestro querido Phil y apreciamos las muestras efusivas de amor y apoyo que hemos recibido de todos. Esta es una pérdida trágica y repentina, y les pedimos que respeten nuestra privacidad durante este tiempo de duelo. Por favor, tengan a Phil en sus pensamientos y oraciones”, ha declarado la familia en un comunicado.

El panorama cinematográfico pierde a uno de sus pilares más resistentes y a una de sus promesas más evidentes, pues su corta edad aún predecía grandes proyectos. En su legado nos deja sus camaleónicas interpretaciones, sus discursos y su maravillosa voz.

OjoCrítico.com

El último concierto

Dirección: Yaron Zilberman.

Intérpretes: Philip Seymour Hoffman, Christopher Walken, Catherine Keener, Mark Ivanir.

Género: drama. EE UU, 2012.

Duración: 105 minutos.

En medio de una cartelera tomada por robots gigantes, superhéroes, zombies y descomunales superproducciones; aparece la pequeña e interesante película ‘El último concierto’. En ella, se nos cuenta la historia de un cuarteto de cuerda de Nueva York, con 25 años de exitosa trayectoria, que ve amenazada su continuidad al serle detectados a su violonchelista (y figura referente) los primeros síntomas de la enfermedad de Parkinson. A partir de ese hecho, comienzan a aflorar viejos conflictos entre el resto de integrantes del cuarteto a los que se añaden otros de nueva creación. La cinta está dirigida por el israelí Yaron Zilberman, que en su primer largometraje de ficción (dirigió un documental en 2004) ha tenido la gran oportunidad de contar con actores legendarios a sus órdenes.

En línea con la temática musical del film, Philip Seymour Hoffman y Christopher Walken ofrecen un fascinante recital interpretativo rico en matices; donde el resto del reparto principal compuesto por la elegante Catherine Keener, el poco conocido Mark Ivanir y la prometedora Imogen Poots; no desafinan lo más mínimo. El planteamiento formal de la película es de una gran sobriedad y en los pocos exteriores existentes se nos muestra un Nueva York invernal, acorde con el tono frío de la puesta en escena. Como no podía ser de otra manera, el apartado musical está realmente cuidado, y los amantes de la música clásica saldrán encantados de la proyección. El guión posee una estructura narrativa circular y la historia ofrece una analogía -evidente desde el inicio- entre el tipo de relaciones que se pueden establecer dentro de una formación musical de largo recorrido y las de cualquier otro ámbito convivencial, sea amistoso, familiar o de pareja. También nos plantea si es más conveniente ceñirnos a una partitura vital o liberarnos de ella y seguir nuestros impulsos. Trata asuntos como la vejez, la muerte, la ambición, el deseo de ser importantes, el sentido circular de la vida y especialmente el de la obsesión en la creación artística. Pero los diversos temas se concentran en el principal, que no es otro que los efectos provocados por el paso del tiempo en las relaciones. En definitiva, el espectador que se adentre en El último concierto encontrará una historia bien trabajada y seria -quizás demasiado- pero que sin duda dejará un buen sabor de boca, debido en gran parte al talento y buen hacer de sus extraordinarios intérpretes.