València acogerá este jueves, 23 de abril, el último concierto de la gira de presentación de Nuevos Vicios, uno de los grupos revelación del Indie Rock español. El Palau Alameda programa el concierto para las 21h, que pondrá el broche a la gira de inicio del grupo, a la espera de publicar su primer LP.

Con solo siete pistas disponibles exclusivamente en plataformas digitales, el trio valenciano irrumpió con fuerza en 2025 como banda emergente en el panorama nacional, y este año aparecen en los carteles de los principales festivales de 2026, con una primera parada como invitados en el Sonorama.

Pablo (voz y guitarra), Samuel (guitarra y voz), y Luis (batería), acompañados al bajo por Azael, se definen como “una banda de Indie-Rock con corazón de Pop”, porque envuelven melodías sencillas y estribillos pegadizos con un sonido crudo y ensordecedor que recuerda a las primeras bandas del indie español y el sonido “grunge” de los noventa.

Tienen como referencia, entre otros, a grupos contemporáneos como La Paloma, Cora Yako o El Mató…, pero se nota que han escuchado a Los Planetas, a Nirvana o a Foo Figthers por la instrumentación y la energía arrolladora de sus directos.

Nuevos Vicios estarán teloneados por los madrileños Fontán, un dúo formado en 2020 por Samu y Carlos, que grabaron en 2022 su primer EP (“Viaje Pendular”), con la solvencia sonora de Isaac Rico (Sexy Zebras, Rufus T. Firefly, Rozalén...).

La Gossa Sorda ha presentado este jueves en Picassent los detalles de los conciertos del 24 y 25 de abril de 2026, dos citas que darán inicio a la gira A Tornallom y que marcarán el retorno de la banda a los escenarios. Durante la rueda de prensa, el grupo ha anunciado también que este domingo se pondrán a la venta cerca de 1.000 entradas más para cada uno de los dos días, después de comprobar que el recinto dispone de más espacio del previsto inicialmente.

La rueda de prensa, celebrada con la participación del Ayuntamiento de Picassent y de miembros de los grupos invitados, ha servido para explicar una propuesta trabajada durante más de un año y medio, con una apuesta decidida por una puesta en escena renovada, un repertorio especialmente preparado para la ocasión y una programación musical y política plenamente coherente con la trayectoria del grupo.

El cantante de La Gossa Sorda, Josep Nadal, ha remarcado que “ha sido una suerte encontrarnos con Picassent” y ha destacado las facilidades y las condiciones que ha ofrecido el municipio para hacer posible “un momento tan especial” como este retorno. Nadal ha subrayado que el formato de los conciertos permitirá a la banda ofrecer una actuación más larga del habitual y, al mismo tiempo, escoger con libertad los proyectos que les acompañarán en estas primeras fechas, así como darles el contenido político que se merecen, dado que el retorno del grupo está muy marcado por las consecuencias políticas de la DANA y volver a los escenarios en l'Horta Sud tiene un significado especial para los miembros del grupo.

El cartel quedará configurado de la siguiente manera: el viernes 24 de abril actuarán Sociologia Animal y Tito Pontet, mientras que sábado 25 de abril abrirá la noche Jazzwoman y la cerrará Nonai Sound. Según ha explicado la banda, la voluntad ha sido aprovechar esta vuelta para dar relevo a nuevos proyectos del país que cantan en valenciano, mantienen un compromiso claro con su entorno y compartan una actitud vital y artística próxima a La Gossa Sorda, así como asegurar una presencia femenina en ambos días de programación.

Los horarios de los conciertos de los dos días se han diseñado de manera diferenciada. El viernes 24 de abril, la programación empezará a las 19.30 horas, en una jornada pensada para acabar más pronto. El sábado 25 de abril, el inicio será a las 20.30 horas, con el objetivo de hacer compatible la asistencia al concierto con la participación en la manifestación del 25 d'Abril que tendrá lugar en València.

Los dos conciertos tendrán un fuerte componente de reivindicación social. La banda de Pego ha querido que su vuelta sirva también para dar voz a colectivos y causas que formen parte de su universo político y emocional. Entre estos, tendrán protagonismo las asociaciones de víctimas de la dana de 2024, en una apuesta explícita para mantener viva la memoria del desastre y denunciar la negligencia y el olvido que continúa sufriendo l'Horta Sud. En el espectáculo del viernes de Sociología Animal también habrá espacio para los Comités Locales de Emergencia y Reconstrucción (CLER), donde militan varios miembros del grupo, que han defendido durante el último año y medio una propuesta reconstrucción pensada desde el territorio.

El derecho a la vivienda y la lucha contra la turistificación será otro de los ejes presentes en los conciertos, con la participación de dos colectivos destacados cómo son el Sindicato de Inquilinas y el Sindicato de Vivienda de València. También estarán presentes la Unió Llauradora y Guaitem la Terra, el colectivo de Pego que se opone al proyecto de campo de golf previsto en el municipio. La banda ha querido remarcar así su vínculo con el mundo rural y con las luchas en defensa del territorio, e insistir en el mensaje sin agricultura no hay futuro para el país.

La propuesta incorpora, además, varios elementos ligados a la cultura popular. El viernes participará la Jove Muixeranga de València y sábado lo hará la Nova Muixeranga de Algemesí.

La jornada del 25 de abril contará, además, con la llegada de la Flama del Correllengua, en el marco del Correllengua Agermanat, después de su paso por la ciudad de València. En el acto político de la misma jornada también estarán presentes Joves de Acció Cultural del País Valencià y Famílies pel Valencià, que hacen un llamamiento a la participación en la manifestación del 25 de Abril con la asistencia posterior al concierto. Durante la presentación, La Gossa Sorda ha recordado también su colaboración con Famílies pel Valencià, y ha destacado que la campaña de apoyo vinculada a este colectivo ya supera los 20.000 euros.

Otro de los proyectos presentes será Palestine Drinks, tanto en el acto político como en el espacio de consumo de los conciertos. Se trata de una empresa sin ánimo de lucro que destina todos los beneficios a la acción social en Gaza y Cisjordania. La banda ha subrayado que la presencia de esta bebida a los conciertos producidos por La Gossa Sorda es posible gracias al modelo de autogestión con que se han organizado los primeros conciertos de la gira de retorno.

Desde el punto de vista artístico, el batería de La Gossa Sorda Salvador Bolufer ha explicado que la banda llega a estas fechas después de un proceso de ensayos especialmente intenso, con la voluntad que el resultado esté a la altura de las expectativas tanto en el plan musical como en el escenográfico. La Gossa Sorda ha trabajado una propuesta que quiere respetar plenamente la esencia del grupo y, a la vez, incorporar nuevos elementos visuales y tecnológicos propios de los formatos actuales de directo.

Los grupos invitados han expresado también su ilusión para formar parte de esta gira de la que es a la vez de retorno y despedida. Pau Jordà, miembro de Tito Pontet y natural de Picassent, a quien desde la Gossa han señalado como referente en música jamaicana y mediterránea, ha remarcado la alegría que supone compartir cartel con una banda referencial de sus miembros. Paloma Navarro, de Sociología Animal ha reivindicado la necesidad de dar voz a una Horta Sud organizada y con propuestas propias para la reconstrucción. Jazzwoman, por su parte, ha insistido en la necesidad de fortalecer un circuito musical comprometido, politizado y alejado de la banalización dominante del mainstream.

Por parte del Ayuntamiento, el regidor de Cultura de Picassent, Jaume Sobrevela, ha explicado que el municipio se ha preparado para asumir un reto logístico de envergadura, con previsión de acoger hasta 15.000 personas cada día. El dispositivo incluirá zonas de aparcamiento en espacios urbanos y del polígono, así como la implicación de establecimientos locales en la oferta de comer vinculada al acontecimiento. Además, las personas que han comprado entrada recibirán un correo electrónico con todos los detalles prácticos sobre aparcamiento, accesos y opciones de comida. Entre estas iniciativas, habrá también el Menú Gossa Sorda y varios packs de comida para llevar en los comercios y restauración del pueblo, en una apuesta explícita para reforzar el impacto positivo en la economía del municipio. El regidor ha querido destacar también la apuesta del Ayuntamiento de Picassent por la música en valenciano, puesto que el municipio ha alojado en los últimos años conciertos de grupos como Auxilio, Zoo y la Fúmiga, y como de especial es para el departamento de Cultura que él encabeza contar por fin con la presencia de La Gossa Sorda, que todavía no habían ido a tocar en la localidad.

Los subsuelos de Paterna guardan los vestigios de una de las mayores atrocidades de la posguerra española. Tras el final de la Guerra Civil y hasta el año 1956, 2.238 personas, tanto de origen valenciano como procedentes de otras partes del país, fueron ejecutadas en el municipio. De todas ellas, 20 eran mujeres. Según explica la fotoperiodista Eva Máñez, quien investiga este tema desde 2016, en la gran mayoría de los casos “no se trataba de asesinatos en caliente, sino de una forma sistemática de cometer crímenes de lesa humanidad”.

El borrado histórico de estas mujeres no fue casual, sino fruto de un profundo estigma social y del miedo instaurado por el régimen. En una sociedad marcadamente católica, el hecho de ejecutar a población femenina suponía un castigo de una dureza simbólica brutal, lo que provocó que muchas de las familias supervivientes lo vivieran como una mancha o una vergüenza. A este terror continuado se sumó una táctica atroz que la fotoperiodista califica literalmente como “represión por delegación”. Gran parte de las víctimas sufrieron abusos, pasaron por la cárcel y fueron condenadas a muerte únicamente por sus vínculos familiares. “Ser esposa, madre o hija de una persona significada políticamente durante la II República era motivo de represión durante la dictadura”, constata Máñez.

A pesar de este clima de terror, el valor de estas mujeres desafió al régimen hasta el último aliento. Durante su cautiverio en la prisión de Santa Clara, donde algunas pasaron hasta dos años antes de ser ejecutadas, protagonizaron actos de enorme rebeldía. Un 14 de abril, algunas reclusas construyeron una bandera republicana utilizando un palo de escoba y unas telas, paseando por el patio con vivas a la República e insultos al dictador Franco. Se trataba de un desafío directo que acabó precipitando su fusilamiento.

Esta violencia trajo consigo una consecuencia social devastadora, ya que “casi todas ellas eran madres”. Tras los fusilamientos, sus hijos quedaron huérfanos y “la mayoría de ellos terminaron recluidos en instituciones religiosas, o robados y entregados a familias adeptas al régimen”. Esta desarticulación familiar y el borrado de sus orígenes provocó que fuera “muy difícil mantener una memoria cuando los hijos se han criado en orfelinatos”, señala la fotoperiodista.

Ante el señalamiento constante, los descendientes más directos optaron por callar para protegerse, conformando así lo que la comisaria define como “la generación del olvido”. Aunque las historias de algunas de estas 20 mujeres fueron narradas en libros o cómics, la inmensa mayoría de los casos cayeron en la desmemoria. Sin embargo, la actual tercera generación, ya nacida y criada en democracia, ha decidido romper ese silencio impuesto para “ejercer la memoria vicaria en busca de verdad, justicia y reparación”. Un claro ejemplo de esta lucha contemporánea es el caso de Jesús Espinós, quien ha escrito una novela sobre su antepasada Mercedes precisamente para acabar con esa losa del ostracismo y la vergüenza.

A la par de este despertar familiar, el proceso de reconocimiento de sus restos —impulsado desde 2016 gracias a la Ley de Memoria Democrática— sigue siendo un reto enorme entre las más de 150 fosas de Paterna. Hasta el momento, solo dos víctimas, Bárbara Morella y Rosario Migoya, han sido identificadas mediante pruebas de ADN; en algunos casos, las familias han preferido no exhumar los restos.

A este complejo puzle se suma el enigma de la fosa 95, donde se colocó una baldosa en homenaje a una mujer sin identificar llamada “Rosa”. Pese a las posteriores excavaciones e investigaciones, no se hallaron restos óseos femeninos en dicho enterramiento, dejando en el aire el misterio de si esta víctima existió realmente o si su nombre fue fruto de la rumorología de la época.

Para arrojar luz sobre todo este proceso y plasmar la resistencia de las ejecutadas, Eva Máñez ha comisariado una muestra inédita que recoge fotografías contemporáneas de las exhumaciones, objetos hallados en las fosas, retratos familiares y elementos de archivo como sumarios, sentencias de muerte y fotografías de la época. Huyendo del formato tradicional de imágenes colgadas en la pared, la exposición se articula mediante unos paneles triangulares, diseñados por Tomás Gorria, que combinan las fotografías de la periodista con estos materiales históricos.

El público podrá visitar la muestra entre el 9 y el 23 de abril en la Casa de la Dona de Paterna, una ubicación idónea, según Eva, al tratarse del mismo municipio donde se perpetraron los crímenes. No obstante, la exposición aspira a viajar a otras localidades para valorar los principios democráticos en un contexto de guerra, como el actual. Máñez anima a toda la ciudadanía a visitarla, subrayando especialmente la necesidad de que acuda la juventud, “porque conocer las consecuencias del fascismo y el totalitarismo nos sirve como medicina democrática para avanzar como sociedad, así como para acabar con el estado de impunidad de los crímenes cometidos”.

La reciente inauguración de la exposición fue un éxito y evidenció un importante respaldo institucional. Al evento asistieron el alcalde de Paterna, Juan Antonio Sagredo, varios concejales del municipio y la ministra de Ciencia, Innovación y Universidades, Diana Morant. La representación política incluyó a diputadas y diputados del PSPV y de Compromís, congregando además a figuras clave del ámbito judicial y memorialista, como Susana Gisbert, fiscal especializada en violencia de género, y Rosa Pérez Garijo, exconsellera de Memoria Democrática, destacada por haber hecho posibles las exhumaciones gracias a la ley.

Con iniciativas como esta, se sella una deuda histórica ineludible cuyo objetivo final es devolver la dignidad a estas veinte mujeres valientes y comprometidas, sacándolas por fin de la fosa común (material, mental e histórica) a la que fueron relegadas durante décadas.

“Sobre una base de realitat, una novel·la que es llegisca bé i que ens faça reflexionar”. Així va definir Jota Martínez Galiana, en la presentació del llibre, dijous día 12, els propòsits de la seua primera novel·la en valencià, titulada Malpaís, que ha publicat l'editorial Companyia Austrohongaresa de Vapors.

En Malpaís hi ha com a protagonista una periodista jove en un context concret, que és el de les primeries del segle XXl, els anys d'hegemonia absoluta del PP al País Valencià, un territori arrasat per la corrupció política, on es desenvolupa una trama amb què Martínez Galiana (Tavernes de la Valldigna, 1972) pretén “una reflexió, a través de la ficció, sobre la violència” i sobre les qüestions morals i humanes que ens planteja la violència “a tots nosaltres”.

Amb uns personatges “molt ben descrits”, com va destacar la periodista Loreto Ochando en la presentació, en els quals és fàcil identificar figures reals de la vida política, social i periodística d'una època, així com esdeveniments coneguts del període com l'accident del metro de València o el tancament de la radiotelevisió valenciana, el llibre aborda, no sols el fenòmen de la violència en l'àmbit polític, amb les accions brutals d'un fictici i misteriós grup anomenat Nèmesi, sinó també la violència de gènere, de la qual és víctima la protagonista, que Ochando va assenyalar especialment que està molt encertadament tractada en el llibre.

Jota Martínez Galiana va treballar en les delegacions d'El País i la Ser a Alacant, on també va ser cap de la secció de Cultura d'El Periódico de Alicante, treballa actualment com a traductor audiovisual i ha publicat la novel·la Ya no somos modernos (2014) i obres de temàtica musical com Surfin' Bichos: sermones en el desierto (2002).

L'opció de fer ús del valencià en aquesta novel·la, segons comenta l'autor, ha vingut donada d'una manera quasi natural, vista l'ambientació i les circumstàncies de no ficció en què està inspirada. “Han passat coses molt bèsties”, comenta Martínez Galiana sobre la corrupció política que ha viscut la societat valenciana. uns episodis sobre els quals ha construït allò que aspira a que siga “una novel·la entretinguda, molt aferrada a la realitat”.

El grupo musical Viva Suecia ha congregado esta noche a más de 16.000 personas en el Roig Arena de Valencia. El recital, enmarcado dentro de su gira nacional “Hecho en tiempos de paz”, se ha convertido en uno de los eventos de mayor convocatoria de la banda hasta la fecha, logrando completar el aforo del recinto valenciano.

El concierto ha arrancado tras una introducción atmosférica que dio paso a “Dolor y Gloria”. Desde ese instante, ha quedado claro que la apuesta de la noche era la intensidad. El setlist, un recorrido de 25 canciones que no ha dado tregua, ha transitado por momentos de pulso eléctrico como “La voz del presidente” y pasajes de épica colectiva como “A dónde ir” o “Justo cuando el mundo apriete”.

El cuarteto murciano ha repasado temas de su carrera como “Los Afortunados”, “El Mal” o “Melancolía”, tocando también temas clave como “Deja encendida una luz” o “El Rey Desnudo”. También, como costumbre asentada en sus conciertos en Valencia, la banda ha interpretado un tema de Nino Bravo: “Un beso y una flor”. “Viva Nino Bravo”, ha afirmado el cantante de la formación, Rafa Val, tras finalizar la canción.

Durante la interpretación de “Lo que te mereces”, el bajista de la formación ha saltado al foso para mezclarse con las primeras filas. El gesto ha sido replicado minutos después por el cantante: Rafa Val se ha fusionado con el público mientras sonaban los acordes de “Amar el conflicto”.

El cierre definitivo ha llegado con “Mala Prensa”, poniendo punto final a un concierto que consolida al Roig Arena como el nuevo gran termómetro del indie y de la música en directo en España y a Viva Suecia como una banda que no tiene techo.

La London Symphony, fundada en 1904, es una de las orquestas más justamente célebres del mundo. Su primer concierto fue dirigido por Hans Richter y ha tenido como directores a figuras míticas como Edward Elgar o Pierre Monteux. Su actual titular es Antonio Pappano, quien dirigió en el Palau de la Música el pasado 11 de diciembre la Chamber Orchestra of Europe con la violinista María Dueñas. El auditorio valenciano, durante sus casi 40 años de existencia, ha recibido a la London Symphony en 16 ocasiones. La primera fue en 1995, con André Previn como director y la violinista Anne Sophie Mutter. La anterior a la del viernes, en 2018, con la directora Susanna Mälkki y el chelista Daniel Müller-Schott.

El concierto del día 19 estuvo dirigido por Gianandrea Noseda (Milán, 1964), principal director invitado de la orquesta londinense y titular de la National Symphony de Washington y de la Ópera de Zúrich. Abría la sesión una partitura poco frecuentada de Ígor Stravinski, el El beso del hada, Divertimento. Es una reelaboración del compositor, de 1949, de un ballet que compuso en 1928 sobre La doncella de las nieves de Hans Christian Andersen, a partir de melodías de Chaikovski. La obra, de carácter neoclásico, suena mucho más a Stravinski que a Chaikovski por el ritmo y la instrumentación. Hay un gran protagonismo de los metales, las maderas y la percusión. Noseda ofreció una versión intensa y animada, con muy bellos solos que exhibieron el alto nivel ténico y artístico de la orquesta londinense.

El Segundo concierto para piano y orquesta de Chopin, compuesto en 1829 y estrenado en 1830, es en realidad el primero de los dos que escribió, publicados en sentido inverso al cronológico. Con esta obra se presentaba en València el pianista Seong-Jin Cho (Seúl, 1994), uno de los más destacados jóvenes instrumentistas del panorama internacional. En 2015 ganó el Concurso Internacional Chopin y desde el año siguiente es artista exclusivo de Deutsche Grammophon, sello para el que tiene grabados ambos conciertos de Chopin con la London Symphony y Noseda.

Seong-Jin Cho exhibió una impecable técnica en su interpretación. El primer movimiento fue animado e intenso, muy delicado el segundo y preciosista el tercero. Administró con impecable maestría las dinámicas y el tempo en una versión quizás más brillante que profunda, siempre con muy bello sonido. Noseda condujo con precisa maestría el sencillo acompañamiento orquestal. Los insistentes aplausos del público que llenaba la sala hicieron que el pianista coreano se sentase de nuevo al piano para interpretar el Vals en re bemol mayor op. 64 n.º 1 de Chopin, conocido como Vals del minuto, aunque en realidad tiene una duración en torno a los dos. El extraordinario dominio técnico de Seong-Jin Cho quedó de manifiesto con una lectura de apabullante precisión. 

En la segunda parte, otra obra rusa poco frecuentada, la Segunda sinfonía de Borodín. Perteneciente al Grupo de los Cinco, era químico de profesión y repartía su trabajo entre la ciencia y la música. Iniciada en 1869 y concluida siete años después, esta sinfonía fue compuesta al tiempo que su célebre ópera El príncipe Ígor. Nunca llegó a acabar la obra, que fue completada por Rimski-Kórsakov y Glazunov. Tampoco concluyó su Tercera sinfonía. 

En la segunda parte la London Symphony amplió los instrumentistas de cuerda hasta un total de 60, con 8 contrabajos y 16 violines primeros. La interpretación de la sinfonía de Borodín fue una verdadera exhibición de dominio técnico de la orquesta, dirigida por Noseda con intensidad y tempi animados. Desde el expresivo y obsesivo tema inicial que marca el primer movimiento, hasta los rápidos segundo y cuarto, el conjunto hizo gala de un sonido redondo y una afinación perfecta en la cuerda, cálidas maderas y contundentes metales, sin olvidar la precisión en la percusión y la delicadeza expresiva en el arpa. Preciosos los solos de clarinete y violonchelo en el diálogo que ambos instrumentos mantienen en el Andante. El público aplaudió larga e intensamente hasta conseguir que Noseda subiese de nuevo al podio para ofrecer una excelsa versión de la Polonesa de la ópera Yevguéni Onieguin de Chaikovski, prodigio de ajuste, precisión y musicalidad, que cerró brillantemente una velada memorable.

La amplia e interesante oferta del Palau de la Música en su sala sinfónica, la Iturbi, se complementa con otra nutrida, variada y de alto nivel en la Rodrigo, de cámara, de capacidad algo superior a las 400 personas. Hay cosas tan interesantes como la integral de los cuartetos de cuerda de Shostakóvich por el Cuarteto Casals, el Concentus Musicus Wien con los Conciertos de Brandemburgo de Bach, o Il Pomo d’Oro, entre otras. Esta misma semana, el jueves 12 Capella de Ministrers interpreta una selección de los Carmina Burana originales, la colección de poemas medievales cantados, una parte de cuyos textos utiliza Carl Orff en su célebre obra del mismo título. El día siguiente, un grupo, en su mayoría de profesores de la Orquestra de València, tocará el monumental Octeto en fa mayor, D. 803 de Franz Schubert.

Sorprende, sin embargo, que, con tan brillante cartel, los programas de mano no incluyan noticia alguna sobre las obras. Esta carencia es más notable en casos como el programa del Ensemble Nasmé, ya que la pieza de Mozart que se interpretó es ampliamente conocida por el público. Menos la de Bottesini, y poco o nada las de Salvador Arnita y Kareem Roustom que abrían y cerraban respectivamente el programa.

Este grupo está formado por el violinista Michael Barenboim, que lo dirige, y cinco músicos palestinos, cuyo nombre, Nasmé, significa brisa en árabe. Como la West-Eastern Divan Orchestra, es un símbolo de la colaboración entre artistas judíos y palestinos.

La sala Rodrigo registraba una entrada próxima al lleno. La primera obra interpretada fue Andante meditativo del compositor palestino Salvador Arnita, ejecutada por un atípico quinteto de cuerda con dos violines, viola, violonchelo y contrabajo. De carácter sereno, fue tocada con intensa sensibilidad.

La siguiente pieza es una de las muchas indiscutibles obras maestras de Mozart. El Quinteto K. 581 está escrito para clarinete y cuarteto de cuerda, y es la primera obra de la historia de la música para esa combinación instrumental. También una de las tres que Mozart hizo para clarinete solista, con el Trío y el Concierto. Compuesto en 1789, fue dedicado a su amigo y hermano en la masonería, el clarinetista Anton Stadler. Después de la obra de Arnita, se retiró la contrabajista Fadwa Qamhia e hizo su aparición el clarinetista Ibrahim Aishahik. Todo el Quinteto fue una exhibición de perfecta afinación y buen gusto del conjunto en una obra de extraordinaria delicadeza. Aishaikh mostró un sonido especialmente cálido, con muy bellos graves. Memorable fue el segundo movimiento, Larghetto, en el que el clarinete evoca paraísos que solo la música de Mozart sabe desvelar.

En la segunda parte volvió el contrabajo y se marchó el clarinete para interpretar el Gran Quintetto de Bottesini. Este compositor italiano del siglo XIX fue un gran virtuoso del contrabajo. Autor de varias óperas, fue designado por Giuseppe Verdi para dirigir el estreno de su ópera Aida en El Cairo el 24 de diciembre de 1871. La obra tiene un carácter muy diferente a la de Mozart, con un aire romántico y virtuosista. El ensemble Nasmé la ejecutó con intensidad y brillantez. Hubo destacadas intervenciones del contrabajo y muy bello sonido de conjunto, en el que sobresalía el del violín de Barenboim.

Cerró el programa Cantos y danzas palestinas del compositor sirio-norteamericano Kareen Roustom, nacido en 1971. Fue la única obra del programa que reunió a todos los componentes del grupo, quienes ofrecieron una versión entregada y auténticamente electrizante. En la última de sus cuatro partes, los músicos de arco colocaron papel de aluminio en los puentes de sus respectivos instrumentos. El resultado sonoro fue brillante y el público premió con intensas ovaciones a los intérpretes. Un grupo desplegó sin abandonar sus localidades una bandera palestina y hubo algún grito a favor de ese pueblo, mientras la contrabajista había vuelto a escena a saludar con una kufiya al cuello. El grupo correspondió al entusiasmo del público interpretando Allegretto Pastorale de Salvador Arnita.

El Palau de la Música presentaba un lleno completo, indicativo de la expectación levantada por el estreno absoluto de Storm of Strikes, concierto para timbales y orquesta escrito por Óscar Navarro (Novelda, 1981) para Javier Eguillor por encargo del Palau de la Música. Tormenta de ataques o Tormenta de golpes sería la traducción del título, que alude a la forma de tocar la percusión. Eguillor, nacido en Xixona, es timbal solista de la Orquesta de Valencia desde 2002 y ha estudiado, entre otros, con el que fue timbalero solista de la Filarmónica de Berlín Rainer Seegers. Trabaja habitualmente con directores como Esa-Pekka Salonen y Gustavo Dudamel. Pese a lo poco frecuente que es ver a un timbalero en el lugar del solista, junto al director de orquesta, Eguillor está habituado a ocuparlo. En 2025 tocó con la Orquesta Radiotelevisión Española, dirigida por Nuno Coelho, el Concierto para timbales y orquesta Raise the Roof de Michael Daugherty. También ha interpretado como solista obras de André Jolivet, Philip Glass y Pacho Flores.

La obra de Navarro está escrita para dos conjuntos de timbales, uno barroco de tres con membranas de piel, y otro sinfónico de cinco con parches artificiales. La orquesta presentaba una cuerda nutrida, maderas simples con flautín, cuatro trompas, tres trompetas, otros tantos trombones, tuba, variada percusión, piano y arpa. Con ser muy rica y virtuosa la escritura para el solista, la orquesta tiene un papel importante.

Se inicia la obra con un fragmento de inspiración barroca y protagonismo de los metales, antes de que el solista haga su entrada para situarse en los timbales barrocos, que toca con baquetas de madera. Posteriormente hay un cambio con ritmos que recuerdan a Gershwin y Bernstein. El solista se ha situado en el juego de cinco timbales modernos. Un pasaje arabesco de gran intensidad acaba desembocando en un mambo con el que se cierra la obra. El solista explota todas las posibilidades de sus instrumentos, con muy diversos tipos de ataque, como el glissando, golpear las membranas con las manos o con la parte inferior de las baquetas. La obra reúne variedad rítmica y tímbrica, y evita que decaiga el interés con un intenso diálogo entre timbalero y orquesta. Navarro demuestra con ella que la complejidad, la innovación y la calidad en la composición no tienen por qué estar reñidas con la amenidad y la comunicación con el público. Este premió el trabajo de Eguillor y la orquesta, dirigida con acierto por Alexander Liebreich, con una cerrada ovación. Acompañado de nuevo por la orquesta, el timbalero ofreció como bis Gua-Guan-Co de Daugherty, que también recibió calurosos aplausos. 

Cuando se inició el descanso había transcurrido algo menos de media hora desde el inicio del concierto. Al inicio, una voz había comunicado por megafonía que el descanso se produciría después de la primera obra del programa, con las dos sinfonías de Mozart anunciadas en la segunda parte. En realidad, era la segunda vez que se cambiaba el programa, ya que en la programación general se había anunciado la Sinfonía 25 de Mozart abriendo el programa y la 40 después del concierto de timbales. El programa de mano situaba el concierto en primer lugar, pero con el descanso entre las dos sinfonías. 

La segunda parte se inició con la interpretación de la Sinfonía número 25 en sol menor, seguida de la 40 en la misma tonalidad. Hay que agradecer al titular de la Orquestra de Valencia que incluya el interesante repertorio del clasicismo, contra la tendencia de muchos directores a evitarlo, en favor de obras más efectistas de gran orquesta.

Quince años separan la composición de estas dos obras, la primera de 1773, cuando Mozart contaba 17 años, y la segunda de 1788, como la 39 y la 41, las tres últimas sinfonías que escribió. El nexo de unión entre ambas es la tonalidad de sol menor, y la primera de las dos presenta innovaciones, como las cuatro trompas que incluye o las síncopas seguidas en las cuerdas en el primer movimiento. Está influida por el movimiento Sturm und Drang (Tormenta e impulso), como algunas de las sinfonías de Haydn. Una tormenta muy diferente de la escuchada en la primera parte. En cuanto a la segunda, con su carácter sombrío y melancólico, de tintes prerrománticos, es la más célebre de las sinfonías de Mozart. Un impertinente timbre de un móvil hizo que el director abandonase el podio cuando estaba a punto de iniciar el Molto allegro que abre la 40 y esperase antes de asegurarse que no había más llamadas.

Liebreich ofreció versiones enérgicas y animadas, quizás algo faltas de flexibilidad, especialmente en la primera de las dos obras, con su agitado primer movimiento y su soñador Andante. La orquesta las interpretó con ajuste y muy bello sonido, que fue premiado por las ovaciones del público que llenaba la sala.

La Orquesta de València y su titular, Alexander Liebreich, estrenarán el viernes 16 de enero la obra Storm of Strikes del compositor alicantino Óscar Navarro. Se trata del estreno absoluto de esta partitura para timbales y orquesta sinfónica, que será interpretada por el percusionista solista Javier Eguillor, en un concierto en el que también se ofrecerán dos obras maestras de Wolfgang Amadeus Mozart. El concierto tendrá lugar en la Sala Iturbi del Palau de la Música y dará comienzo a las 19.30 horas.

El director del Palau, Vicente Llimerá, ha señalado: “La partitura Storm of Strikes del afamado compositor Óscar Navarro es una obra encargo del Palau de la Música, que reafirma nuestro compromiso con la creación contemporánea y con el apoyo al talento vinculado al tejido cultural de la Comunitat Valenciana”. Llimerá ha añadido que la composición “está dedicada a Javier Eguillor, solista de timbales de la Orquesta de València, en un programa que además se completa con dos grandes sinfonías del genio de Salzburgo, Wolfgang Amadeus Mozart: la nº 25 y la célebre nº 40”.

El autor de la pieza, Óscar Navarro, ha indicado por su parte, que el concierto “es un viaje de transformación y contraste: del pasado al presente, de lo solemne a lo desenfadado, de la intimidad a la celebración”. El compositor ha añadido que en su obra “el diálogo entre timbal y orquesta se convierte en metáfora de encuentro, de fusión y de juego, demostrando que este instrumento, tan ligado a la tradición orquestal, es capaz de reinventarse y conquistar un espacio plenamente solista”.

Por su parte, el percusionista Javier Eguillor ha calificado de “muy ilusionante y un reto protagonizar” el estreno mundial de Storm of Strikes de Navarro junto a sus compañeros de la Orquesta de València y el director Alexander Liebreich, y poder compartirlo con el público del Palau de la Música. Eguillor ha destacado la obra de Navarro como “un gran trabajo que pone en juego timbales, batería, percusión... y aborda diferentes lenguajes y estilos de música apasionantes: barroco, urbano, exótico con raíces árabes, para finalizar con un mambo espectacular con el que cierra la obra”. “Será todo un despliegue percusivo”, ha concluido, “ya que en el escenario habrá tres timbales barrocos a un lado del director, y otros cinco timbales filarmónicos al otro”.

La Tercera sinfonía de Mahler, de amplia y variada instrumentación, es la segunda que escribió con voces humanas, después de la número 2, Resurrección. En esta ocasión incluyó una contralto solista, coro femenino y coro de niños. Es también una obra de larga duración, que en la interpretación dirigida por Alexander Liebreich a la Orquestra de València el 19 de diciembre estuvo en torno a la hora y 40 minutos. Esta sinfonía, como la citada Segunda y la Octava, llamada “de los mil”, durante largos años fueron raramente interpretadas por las dificultades que entraña reunir los efectivos necesarios. De hecho, la obra de Mahler tardó en imponerse en el repertorio habitual de las salas de concierto. No obstante, a partir de los años sesenta del pasado siglo, con ocasión del centenario del compositor, nacido en 1860, se fue popularizando. Las integrales sinfónicas de Bersntein y Kubelík, en discos de vinilo entonces, y ciclos como el que hizo la Orquesta Nacional de España en Madrid en los primeros setenta contribuyeron a hacer cada vez más habitual la obra de Mahler en la programación.  Ahora es muy frecuente que sean interpretadas estas grandes sinfonías con coro y solistas, ya que son un éxito seguro de público.

Mahler prescribe para la Tercera sinfonía una gran plantilla, con maderas dobles, ocho trompas, otras tantas trompetas, cuatro trombones, tuba, dos arpas, nutrida percusión con dos juegos de timbales y un Posthorn(especie de trompeta parecida al fliscorno), que debe sonar lejano. El escenario del Palau de la música estaba completamente lleno por una orquesta que superaba el centenar de profesores, 60 de los cuales eran de cuerda. En los asientos destinados al coro, las mujeres de la Coral Catedralicia de València y los niños de la Escolanía de Nuestra Señora de los Desamparados. Los coros y la mezzosoprano, delante del director, ocuparon sus respectivos lugares desde el inicio del concierto, pese a que no intervienen hasta transcurrida una hora larga desde el principio de la obra.

La Tercera sinfonía de Mahler fue estrenada por la Orquesta de Colonia en el festival de Krefeld el 9 de junio de 1902, dirigida por el propio compositor y tuvo una favorable acogida, a diferencia de lo ocurrido con las dos anteriores. En ella el compositor plantea una especie de visión del mundo, una obra “que refleja la creación entera”, según sus propias palabras. La obra se divide en dos partes. La primera, el muy amplio primer movimiento. La segunda, los cinco siguientes. Los tres primeros son instrumentales, ya que la voz aparece en el cuarto, cuando la solista canta unos versos procedentes de Así habló Zarathustra de Nietzsche. En el quinto, coro y solista cantan un texto procedente de la colección de canciones populares Des Knaben Wundenhorn (El cuerno infantil de la abundancia). El extenso movimiento lento que cierra la obra vuelve a ser solo instrumental y concluye en re mayor y de manera triunfal una sinfonía que se iniciaba en re menor.

La Orquestra de València hizo una interpretación entregada del primer movimiento, con lucimiento de los abundantes solos. Muy destacados Ruben Toribio en el trombón, Santiago Pla en la trompa y Enrique Palomares en el violín. Las ocho trompas sonaron espléndidas en el arranque. Quizás se echó en falta en este extenso tiempo una mayor sensación de unidad, de sonido de conjunto. Tras un muy bello segundo movimiento, con solo de oboe (Roberto Turlo) el tercero tuvo en su primera parte algún momento de indecisión. En ese tiempo hay un muy largo solo del Posthorn, que la partitura sitúa “in der Ferne” (“en la lejanía”) y que Liebreich situó fuera de la sala en el segundo piso, con una de las entradas de público abierta. Fue interpretado con gran maestría por Javier Barberá.

A continuación, la mezzossoprano singapurense-británica Fleur Barron hizo una interpretación profunda y sentida, con bellos graves, de la Canción de la noche de Nietzsche: “Profundo es el dolor del mundo, pero el placer es más profundo que el sufrimiento y todo placer anhela eternidad, profunda eternidad”. Por suerte había traducción proyectada para los textos cantados. La orquesta acompañó con extrema delicadeza este movimiento nocturno que enlaza sin pausa con el siguiente, en el que el coro evoca el alegre sonido de las campanas por la mañana. Finalmente el bellísimo movimiento final (Lento. Tranquilo. Sentido) puso fin a esta inmensa obra con los golpes de timbal de Javier Eguillor y Lluís Osca sobre el trémolo de las cuerdas y las notas largas de los vientos en un final que cierra la obra de forma triunfal. El público aplaudió larga e intensamente.

La interpretación de la obertura de Luisa Miller a telón bajado, con buen criterio, permitió escuchar con atención una Orquestra de la Comunitat Valenciana de extraordinario sonido y cuidada expresión, dirigida con minuciosa pulcritud por Mark Elder, que se estrenaba en el foso como titular. Destacaba el solo de clarinete, y era el preludio de una brillante representación de esa obra. Ya había sido interpretada en 2008 bajo la dirección del desaparecido Lorin Maazel, primer director musical del teatro y responsable de la formación de una orquesta que continúa haciendo gala de altísima calidad. Era el pasado 13 de diciembre. Por desgracia, el sonido del mensaje de alarma de Protección Civil por lluvias torrenciales en los móviles a las 19.23, que atronó de forma masiva, avanzado el primer acto, emborronó la representación y hubo unos momentos de duda. Elder decidió seguir adelante y entró en escena Gianluca Buratto en el papel del malvado Wurm, nombre que en alemán significa “gusano”. Volvió a sonar la alarma en algún momento, pero con menor intensidad. A lo que parece, solo se oía en aquellos móviles que estaban encendidos, aunque estuvieran en silencio. Conviene insistir en que no es suficiente con silenciar los dispositivos en conciertos y representaciones de ópera; hay que apagarlos por completo. 

Si Elder debutaba en el foro, el tenor inglés de origen italiano Freddie de Tommaso lo hacía en el Palau de les Arts como Rodolfo. Con solo 32 años de edad, ya es artista exclusivo del sello Decca, ha cantado en el Covent Garden, el Liceu, la Scala de Milán y la Staatsoper de Viena. De poderosa figura escénica, posee una voz potente, clara, de rotundos agudos y gran fuerza dramática, que en algún momento recordaba a Pavarotti. Hizo una bellísima versión de la célebre aria Quando le sere al placido y un desgarrador tercer acto. No fue menos impresionante la Luisa de Mariangela Sicilia, quien ya había cantado en el Palau de les Arts en 2018 (Die Zauberflöte) y 2020 (Il viaggio a Reims). Desplegó una auténtica exhibición de dominio del filato y las agilidades vocales en el segundo acto y gran intensidad dramática en el tercero.

Luisa Miller, estrenada en 1849 en el Teatro di san Carlo de Nápoles, es inmediatamente anterior a Stiffelio, del año siguiente, y a la llamada Trilogía popular, integrada por Rigoletto, Il trovatore y La traviata. En Luisa Miller hay una clara evolución de un belcantismo inicial en el primer acto, que va evolucionando hacia una escritura lírica en el segundo y marcadamente dramática en el tercero y último por lo que respecta a los dos personajes principales, Luisa y Rodolfo. El libretista, Salvatore Cammarano, es autor también de los textos correspondientes a Lucia di Lammermoor, Roberto Devereux y Poliuto de Gaetano Donizetti. Para Verdi redactó además los libretos de Alzira, La battaglia di Legnano e Il trovatore. Por temor a la censura, Cammarano cambió el lugar de la acción de la Alemania original al Tirol, eliminó las alusiones políticas del texto de Schiller, y cambió el nombre del protagonista masculino, Ferdinand, para evitar que coincidiera con el del rey de Nápoles. Así, en lugar de Fernando fue denominado Rodolfo. No obstante, la versión de Verdi y Cammarano conserva el espíritu de la obra de Schiller, escrita en los años previos a la Revolución Francesa, contra los privilegios de la nobleza y los prejuicios de clase.

La dirección de escena de la argentina Valentina Carrasco, en esta coproducción con el Maggio Musicale Fiorentino, sitúa la acción en una fábrica de muñecas en la época de la revolución industrial, que vincula al carácter burgués de la historia. En cualquier caso, esa concepción convierte en burgués, aunque poderoso, al Conde de Walter, que aparece como el propietario de la fábrica. La escenografía de Carles Berga, con vestuario de Luciana Gutman e iluminación de Antonio Castro, es plásticamente atractiva. La acción se desarrolla en dos niveles: el despacho de dirección en la planta alta, y la zona de montaje, en la baja. El despacho está situado al fondo, pero se desplaza al primer término del escenario cuando es el lugar de la acción. Quizá lo más sorprendente es que, contra lo que establece el libreto, Luisa Miller no bebe el veneno que ingiere Rodolfo, sino que desaparece hacia el fondo del escenario en medio de la neblina y su padre queda lamentando su muerte y la de Rodolfo con una muñeca que parece ocupar el lugar de Luisa.

La representación tuvo un altísimo nivel por la cuidada dirección de Elder, que extrajo lo mejor de orquesta y coro, siempre con un sonido bien dosificado y cuidado. Los demás cantantes fueron extraordinarios en el aspecto técnico y artístico. Gianluca Buratto encarnó siempre con una perfecta línea de canto al despreciable Wurm. Maria Barakova, de espléndida figura escénica, estuvo muy bien en su papel de condesa Federica. También Germán Enrique Alcántara expresó con acierto los amplios matices del papel de Miller, el padre de Luisa. Magnífico, como siempre, Alex Esposito, bien conocido del público valenciano, que hizo un Walter lleno de fuerza. Muy bien Lora Grigorieva, del Centre de Perfeccionament, y Antonio Lozano, del Cor de la Generalitat. El público aplaudió con intensidad. 

El lligam d’Enzo Traverso amb València ha estat i és prolongat i fecund. Ara la Universitat de València ha volgut reconèixer la vàlua i excel·lència d’aquesta historiador i li ha atorgat, en un acte solemne celebrat al Paranimf del carrer La Nau, el divendres 12 de desembre, la condició de doctor honoris causa. També s’ha volgut remarcar, amb aquesta distinció, la vinculació d’Enzo Traverso amb la Universitat mateixa i, més en general, amb la vida cultural valenciana. Traverso, en efecte, ha vingut regularment a València per a participar en conferències, seminaris i actes acadèmics. D’altra banda, moltes de les seues obres s’han traduït i publicat a València. Manté una relació fluïda i regular amb professors i intel·lectuals valencians. D’alguna manera es pot dir que la porta d’entrada de la difusió d’aquest historiador i pensador a la Península ha estat València.

Traverso vingué per primera vegada a València el 1997 per a participar en un dels Congressos de Pensament dels Premis Octubre. El 1998 es va publicar a les Edicions Alfons el Magnànim-IVEI la seua biografia de Siegfried Kracauer. Els temes de Traverso? La història del segle XX, el totalitarisme i el feixisme, història i memòria, la història intel·lectual, la violència nazi, el destí de les aspiracions d’emancipació, les apories de la història d’Europa, una reflexió exigent sobre la historiografia, el paper de les idees i els intel·lectuals, la tradició jueva. Traverso és un historiador de gran originalitat, italià d’origen (va nàixer a Gavi, al Piemont, el 1957), doctorat a l’EHESS de París, professor a la Universitat Jules Verne de Picardia, i des de fa més d’una  dècada professor a la Universitat de Cornell, Ithaca, als Estats Units. La seua obra és molt extensa i influent. És “l’historiador que cal llegir”, pel seu do per a la síntesi comprensiva i intel·ligent, erudita però no pedant, analítica i il·luminadora.

Publicacions de la Universitat de València ha publicat alguns títols cabdals d’Enzo Traverso: El totalitarisme, història d’un debat (2002), Els usos del passat. Història, memòria, política (2006), A sangre y fuego. De la guerra civil europea (1914-1945) (2009), El final de la modernidad judía. Historia de un giro conservador (2013). Per la seua banda, l’editorial Afers ha publicat Passats singulars. El “jo” en l’escriptura de la història(2021) i Dialèctica de l’rracionalisme (2022).  Balandra, Els nous rostres del feixisme (2017). I Pre-Textos Los judíos y Alemania. Ensayos sobre la “simbiosis judío-alemana” (2005). Totes elles, editorials valencianes.

Els títols són eloqüents. En la laudatio del nou doctor honoris causa, el professor Ismael Saz ha ponderat la seua obra i la seua projecció internacional, amb un èmfasi especial en les seues acurades distincions conceptuals (per exemple a propòsit del totalitarisme, el feixisme i la nova extrema dreta). Enzo Traverso, per la seua banda, ha fet una lliçó magistral, on ha trenat la seua experiència personal amb la problemàtica de l’exili, l’expatriació, el cosmopolitisme, la condició d’insider/outsider i en general la condició distanciada i alhora compromesa de l’intel·lectual crític.

Alguns títols recents de Traverso com Melancolía de izquierda (Galaxia Gutenberg, 2019) i Revolución. Una historia conceptual (Akal, 2021) refermen la seua obertura de compàs i la qualitat del seu raonament, informat i analític alhora, indispensable per a temptar un balanç de l’experiència traumàtica del segle XX, de la seua cara fosca, però també dels episodis lluminosos i encoratjadors, tan necessaris  de cara a sobreviure com a humanitat civilitzada al difícil segle XXI. Vet ací la gran importància d’aquest intel·lectual, historiador i pensador, compromès amb els ideals humanístics davant les catàstrofes del nostre temps, com demostra també a Gaza ante la historia (Akal, 2024). Amb Traverso -que ha col·laborat sovint a les revistes valencianes L’Espill i Pasajes- es pot coincidir en multitud de qüestions, de vegades no en tot, però sempre s’hi aprèn molt, fonamentalment per la seua destacada capacitat per a historitzar els esdeveniments fonamentals del passat i el món d’idees que determinen o configuren el present.

En l’acte de la concessió del doctorat honoris causa ha intervingut també el nou director general d’Universitats i Recerca de la Generalitat Valenciana, amb un parlament correcte i trilingüe (castellà, valencià i anglès). Finalment la rectora Mavi Mestre  -que deixarà el càrrec la primavera del 2026- ha fet un gran discurs en el qual ha glossat la figura de l’homenatjat així com el compromís històric de la Universitat de València amb la qualitat acadèmica, la investigació i els seus valors fundacionals: la llibertat, la causa de la pau, la igualtat sense distincions, la justícia i el benestar sense exclusions, el territori i l’arrelament en la societat, la cultura i la llengua del País. El cant del Gaudeamus Igitur pel Cor de la Universitat de València, com és costum, ha clos un acte tan brillant com emotiu, amb un contingut intel·lectual remarcable.

El Museu Valencià de la Il·lustració i de la Modernitat (MUVIM) acogerá mañana martes 9 de diciembre, a las 17 horas, la proyección del documental El peso de la ausencia. El director, Alberto Gómez Uriol, asistirá a la sesión y participará después en un coloquio con el público. La actividad es de entrada gratuita y forma parte de la programación del 25N impulsada por la Diputación de València, con el objetivo de reforzar la sensibilización y la reflexión social frente a la violencia machista.

En este sentido, la vicepresidenta primera de la Diputación de València y responsable del área de Igualdad, Natàlia Enguix, subraya que “este documental evidencia que la violencia machista no desaparece cuando se dicta sentencia o cuando la sociedad deja de mirar; sigue presente en la memoria de las familias y en la sociedad. Por eso hemos querido ampliar la programación del 25N más allá del propio día de conmemoración, para recordar que la lucha contra la violencia machista debe mantenerse todo el año”. Así, Enguix destaca que “la cultura y la investigación audiovisual son herramientas fundamentales para comprender esta realidad, cuestionarla y promover una sociedad más igualitaria. Necesitamos espacios que permitan hablar, escuchar y aprender. Proyecciones como esta abren la puerta a un diálogo que la sociedad no puede dejar de tener”.

El peso de la ausencia, reconocido en el Festival de Málaga, reconstruye a través de una investigación personal y de un extenso trabajo de archivo la historia real del asesinato de María del Carmen Gómez Uriol, hermana del director. En 1973 fue asesinada por su marido con tres disparos cuando estudiaba en Madrid. Su caso ilustra de forma clara cómo la violencia machista permanecía entonces invisibilizada, cómo muchas víctimas quedaban fuera del foco institucional y cómo sus historias se diluían en un contexto social que no reconocía la violencia de género como un problema público.

El documental muestra cómo ese silencio marcó a su hijo, a su familia y a su entorno, y por qué recuperar la memoria de María del Carmen resulta esencial para entender la dimensión histórica de esta violencia y el impacto que deja en quienes sobreviven a ella. La obra combina testimonio, memoria íntima y análisis histórico para mostrar las consecuencias de una violencia que no afecta solo a quien la sufre, sino a todo su entorno.

Las fechas próximas a la Navidad son propicias a los grandes conciertos sinfónicos. Valencia tiene esta temporada una programación especialmente brillante, ya que el Palau de la Música y el Palau de les Arts están entregados a una intensa batalla por ver quién da más y mejor. Una de las joyas de la programación de estos días, la visita de la Joven Orquesta Nacional de Venezuela, dirigida por Gustavo Dudamel, ha caído ante la suspensión de los vuelos con ese país por las amenazas de ataques armados que profiere el imprevisible y peligroso inquilino de la Casa Blanca. No obstante, la dirección del Palau de la Música está intentando buscar una nueva fecha a ese concierto. Estaba previsto interpretar la célebre Sinfonía número 7, Leningrado, de Dmitri Shostakóvich, compuesta a raíz del asedio, en la Segunda Guerra Mundial, de las tropas del Tercer Reich a la ciudad rusa, que actualmente utiliza su antiguo nombre de San Petersburgo.

Aún así, la oferta continúa siendo muy importante. El día 10 de este mes se estrena una nueva producción de la ópera Luisa Miller de Verdi, que tiene además el atractivo de ser la primera obra escénica que dirigirá Mark Elder como director musical del Palau de les Arts. Está coproducida por el teatro valenciano con el Maggio Musicale Fiorentino, en una puesta en escena dirigida por la argentina Valentina Carrasco. Mariangela Sicilia, Germán Enrique Alcántara, Alex Esposito, Freddie di Tommaso, Maria Barakova y Gianluca Buratto integran el reparto, con el coro y la orquesta residentes. Habrá cuatro funciones más los días 13, 17, 20 y 22 de diciembre. Con libreto de Salvatore Cammarano, está basada en el drama Kabale und Liebe (Intriga y amor)de Friedrich Schiller.

El día 11, el Palau de la Música ofrece una de las obras más frecuentadas en las fechas navideñas, el oratorio El Mesías, de Handel, en versión participativa, es decir, con intervención de coros aficionados, promovida por La Caixa. Intervienen la Coral Catedralicia y la Orquestra de València, con Pilar Alva Martín, Lucía Caihuela, Pablo García-López y José Antonio López, dirigidos por Aaron Zapico. Con ello recupera el auditorio la tradición del Mesías participativo, que se interrumpió en 2019, cuando se anunció, pero no se llegó a celebrar por el cierre por obras del Palau tras la caída de los techos de las dos salas de conciertos. Después de cuatro años sin Mesías en Navidad, se volvió a interpretar en 2023 y 2024, aunque no en versión participativa. 

En el Palau de les Arts hay el día 18 un interesante concierto sinfónico. El maestro italiano Fabio Luisi debutó con la Orquestra de la Comunitat Valenciana con un programa monográfico dedicado a Richard Strauss: Metamorfosis y la Sinfonía Alpina. Ahora regresa con una obra monumental de Anton Bruckner, la Sinfonía número 8. Es la penúltima de las que escribió y la última que concluyó, ya que la Novena quedó sin acabar y se interpreta con los tres movimientos que compuso antes de fallecer. Este concierto parece una continuación fortuita del que ofreció en el Palau de la Música el pasado 22 de noviembre la Orquesta de la Radiodifusión Bávara, dirigida por Simon Rattle, en el que se interpretó la número 7 del mismo compositor.

A día siguiente, el 19 de diciembre, otra gran sinfonía es interpretada en el Palau de la Música por la Orquestra de València bajo la dirección de Alexander Liebreich, la Tercera de Gustav Mahler. Intervienen la Coral Catedralicia, la Escolanía de Nuestra Señora de los desamparados y la mezzosoprano Fleur Barron. Con una duración de entre una hora y media y una hora cuarenta, tiene seis movimientos y es la más extensa de cuantas escribió. La mezzo canta un texto procedente de Así habló Zarathustra de Friedrich Nietzsche.

El concierto de Gustavo Dudamel y la Orquesta Nacional Juvenil de Venezuela en el Palau de la Música de València previsto para el 12 de diciembre ha sido suspendido debido a lo que la agencia Ibermúsica, organizadora de la gira, califica como condicionantes que afectan actualmente a la movilidad aérea internacional con Venezuela. Dicho de otra manera, el bloqueo aéreo aplicado a Venezuela por orden del presidente de Estados Unidos, Donald Trump, impide que el gran director venezolano y los músicos de la orquesta puedan trasladarse con normalidad.

Dudamel tenía previsto dirigir en València la Séptima Sinfonía “Leningrado” de Dmitri Shostakóvich, en uno de los conciertos que más expectación habían despertado esta temporada, como lo demuestra que se hubieran agotado las entradas con mucha anticipación.

El Palau de la Música y la agencia Ibermúsica han señalado que están trabajando con el director y la orquesta para concretar una nueva fecha que permita la celebración del concierto con todas las garantías. De momento, se devolverá el importe de las localidades adquiridas.

Cuando murió Carmen, la madre de Víctor Ballester, él empezó a escribir las letras de las siete canciones de Ahí vos quedeu, el disco que acaba de publicar el excantante de deBigote. “Es una frase coloquial que usan muchas personas mayores en los pueblos valencianos. Mi madre la decía a veces. En castellano sería ‘ahí os quedáis’, una manera de decir adiós con actitud, como diciendo ‘apañaos, que yo me piro’. Me pareció perfecto para simbolizar una despedida, una manera de irse del mundo dejando claro que te vas y que los y las demás se apañen con lo que viene”.

Durante dos años, este castellonense, músico y profesor de diseño, escribió versos como “Cuideu-vos fills, ací ja és de nit” (en la canción homónima al título del disco y que cierra el álbum), en castellano: “Cuidaos, hijos, aquí ya es de noche”. “El disco entero es, en sí, una despedida, pero sin acritud”, explica el músico a las preguntas de elDiario.es.

“A partir de la muerte de mi madre, y tras años de enfermedad neurodegenerativa, sentí el impulso de poner el foco en ese contexto, ese proceso y ese desenlace como punto de partida para hablar de todo lo que yo, como persona, había vivido”, explica. Estas canciones podrán escucharse por primera vez en directo el 23 de noviembre en Loco Club (Valencia).

Al contrario de lo que se podría pensar, la escritura de este hermoso disco del mejor pop electrónico, cantado en valenciano con la inigualable voz de Víctor Ballester, “no ha sido traumática”, afirma. “No me he sentido vulnerable ni demasiado expuesto. Supongo que porque hablo de algo profundamente universal como la vejez, la enfermedad o los cuidados, pero no lo hago de forma solemne ni victimista. Obviamente, parto de mi experiencia personal con Carmen, con quien me unía un vínculo de amor y fraternidad excepcional, pero creo que las letras pueden leerse como ideas compartidas de lo que muchos y muchas vamos a vivir, ya sea a nuestro alrededor o en nuestra propia carne”.

“La vida és un infinit cul de sac / i un joc que no acaba mai. / I quan som grans i tot apunta a guanyar, / no queda temps per tirar” (“La vida es un infinito callejón sin salida / y un juego que nunca termina. / Y cuando somos mayores y todo apunta a ganar, / no queda tiempo para tirar”), canta en La vida (un tema producido por Tórtel y fffflashback). “Nuestros cuerpos y nuestras mentes van a enfermar, van a dejar de ser normativamente bellos, vamos a empezar a despistarnos y a olvidar cosas, y la persona más independiente e inteligente del mundo puede que necesite que le enseñen a comer de nuevo o a vestirse como cuando tenía cuatro años”, recalca Ballester. Y de ahí surge la idea principal del disco: “Lo cíclico, volver a aprender a caminar cuando se supone que ya has ganado miles de carreras”, algo que entiende que es “profundamente humano”.

El disco, que se ha publicado en vinilo con un diseño del propio Ballester, respira la influencia de Carlos Berlanga. También deja notar la querencia del compositor por Depeche Mode. Y, según ha revelado en otras entrevistas, se ha dejado traspasar por músicos actuales como Flavien Berger, Muddy Monk, Floating Points, Judeline o Sen Senra. Además, contiene un homenaje a la genealogía del mejor pop valenciano con la presencia del bajista Remi Carreres (Glamour, Comité Cisne) en dos canciones.

Tuve presente al hacer el disco que no sonara ni pretencioso ni solemne ni victimista. Para entendernos, si alguien dice que le recuerda a Radiohead, me bebo un vaso de lejía. Este disco debe recordar a Pet Shop Boys. Es un disco poco masculino y poco heterosexual

“Me siento tremendamente orgulloso de haber creado un disco que no habla de los temas que se supone que ”molan“ en el universo de la música pop, rock o punk. En principio no parece interesante hablar de la enfermedad o la vejez, pero creo que no es cierto; todo depende del punto de vista, de los contrastes o de la intención. Y además es un disco que, en el fondo, habla de amor”, dice. “La única condición que tuve presente al hacerlo fue que el disco no sonara ni pretencioso ni solemne ni victimista. Para entendernos, si alguien dice que le recuerda a Radiohead, me bebo un vaso de lejía. Este disco debe recordar a los discos de Pet Shop Boys. Es un disco poco masculino y poco heterosexual”, añade Ballester.

A este proyecto le va a costar encontrar su camino, porque se aleja de lo habitual. “No creo que estas canciones tengan un hueco fácil porque el estilo no es el más actual y además escribo en valenciano”, pero a pesar de eso este es un disco “accesible”: “Es pop, es cantable, es 'bonito' y creo que encaja con propuestas que siguen vivas hoy en día”. Sobre todo, es un disco profundamente Víctor Ballester, que deja atrás su etapa como cantante en deBigote, banda con la que publicó dos discos y para la que compuso canciones de las que se siente orgulloso. Ahora, además de brillar Carmen, brilla también Víctor.

La programación de la presente temporada en el Palau de la Música y en el Palau de les Arts de València suma una enorme cantidad de acontecimientos musicales de importancia. La concentración de grandes figuras, conjuntos de renombre y obras muy atractivas para el público es especialmente notable durante el mes de noviembre. En el Palau de la Música se dan cita los violinistas Pinchas Zukerman y María Dueñas, y los directores de orquesta Antonio Pappano, Trevor Pinnock y Simon Rattle, a lo que se suma la interpretación por la orquesta residente de dos obras cumbre de la música religiosa con coro y solistas vocales: las misas de Réquiem de Mozart y de Verdi, dirigidas respectivamente por Alexander Liebreich y Jordi Bernàcer. En cuanto a Les Arts, que a la programación de ópera suma importantes conciertos sinfónicos y recitales, este mes tiene el estreno mundial de Enemigo del pueblo, de Francisco Coll, cuya crítica se publicó aquí el 6 de noviembre. Además, hay conciertos dirigidos por John Eliot Gardiner y Daniele Gatti, este último con las cuatro sinfonías de Brahms en dos sesiones, y un recital de Michael Spyres, a lo que se añade mucho más en cámara y otros géneros. Esta abundancia de oferta está haciendo que sea difícil en algunos casos completar el aforo, pese a lo atractivo de las propuestas.

No fue este el caso, sin embargo, del concierto de la Orquestra de València con el Chor des Bayerischen Rundfunks y dirección de su titular, que registró el día 7 un lleno absoluto, con la casi totalidad de las localidades vendidas para la repetición del programa el día siguiente. El Réquiem de Mozart es una obra en torno a la hora de duración, cuya densidad y profundidad permitirían ofrecerlo como pieza única en el programa. No obstante, habitualmente se acompaña de alguna otra composición. En este caso Liebreich optó con acierto por la Musique funèbre para orquesta de cuerdas, compuesta por el polaco Witold Lutoslawski en 1958, en memoria de Béla Bartók, que se exilió de Hungría en 1940, poco después del inicio de la Segunda guerra Mundial, huyendo del régimen de Miklós Horthy, aliado de la Alemania nazi. Se estableció en Estados Unidos, donde murió de leucemia en 1945 a los 64 años de edad.

Esta obra está escrita para pequeña orquesta de cuerda, en un único movimiento con cuatro secciones: Prologue, Métamorphose, Apogée y Épilogue. Presenta una escritura serial de rica construcción armónica. Liebreich ofreció una versión plena de sensibilidad y delicadeza. Destacado papel de la sección de violonchelos, con el solo interpretado por Iván Balaguer, que saludó a petición del director a los aplausos del público.

En su último año de vida, 1791, Mozart produjo una serie de obras maestras teñidas de una marcada melancolía prerromántica. Es el caso del Concierto para piano y orquesta número 27, último de la colección para este instrumento; el único que escribió para clarinete y orquesta; las óperas La flauta mágica y La clemenza di Tito; el motete Ave verum corpus, y el Réquiem, que no pudo acabar porque murió cuando lo estaba escribiendo y fue completado por su ayudante y discípulo Franz Xaver Süssmayr. 

Se han hecho muchas revisiones de esta obra. Liebreich escogió la del director de orquesta y compositor inglés Howard Arman. Sobre el escenario, un coro de 29 voces femeninas y 24 masculinas, y una orquesta con 10 violines primeros, 8 segundos, 6 violas, 4 violonchelos, 2 corni di bassetto, 2 fagots, 2 trompetas, 3 trombones, timbales y órgano positivo.

El director ofreció una lectura de tempi animados, contrastada, con marcados acentos y líneas claras. El coro de la Radiodifusión Bávara cantó con sensibilidad e impresionante dominio técnico, junto con un muy solvente cuarteto vocal. Sobresalió el bello timbre de la soprano Magdalena Lucjan y la voz potente y redonda del bajo Franz-Josef Selig, que cantó un impresionante Tuba mirum, acompañado al trombón por Jaume Gimeno. La orquesta sonó con extraordinaria precisión en las cuerdas y bello sonido en los vientos, tan importantes en la partitura. El timbalero Javier Eguillor destacó con los timbales barrocos, con parches de piel y baquetas de madera.  Hubo momentos sublimes, como el coro en piano al principio del Lacrimosa. En conjunto fue una versión de muy alto nivel, premiada con intensos aplausos por el público que llenaba la sala.

Les gales literàries poden fer-se eternes, soporíferes, compromisos dels quals no es pot fugir fàcilment. Però també poden ser nits divertides, emotives, moments de reivindicació política i social, de retrobada amb companys i amics i fins i tot una passejada sota la pluja a ritme de batucada. La cultura –ho va dir Montserrat Roig i ho va recordar la nit de divendres Sandra Capsir, subdirectora de Bromera– és l’opció política més revolucionària a llarg termini.

Potser és per tot el que hem passat els valencians darrerament que hi havia ganes de gala, ganes de riure i de festa, i fou molta gent la que vingué a Alzira a celebrar la cultura i el 40è aniversari de l’editorial Bromera. I sí, l’equip Bromera i una alcaldia compromesa amb la cultura, amb l’alcalde Alfons Domínguez al capdavant, ho van fer possible.

Que bonic és quan els polítics baixen al terreny dels carrers per a parlar amb la gent, ballar amb ells, i celebrar amb orgull l’esforç de la cultura del seu país. Que bonic veure tot un equip de gent ballant i brindant amb els lectors que generació rere generació, llegeixen, escriuen o tradueixen llibres i articles de i per a Bromera. 

Tot això va ocórrer el passat divendres en la celebració del lliurament dels Premis Ciutat d’Alzira a la capital de la Ribera Alta, en un ambient festiu, però també emotiu, molt marcat pel record i per l’homenatge a les víctimes de la barrancada del 29 d’octubre de 2024. Amb un discurs reivindicatiu i de resistència per part de gran part dels escriptors guanyadors, però també per les autoritats i els organitzadors. “La llengua no es negocia i la cultura es respecta i es cuida”, van dir alguns dels guardonats.

Estàvem citats a les set i mitja de la vesprada al Gran Teatre d’Alzira, però ja se sap que arribar a Alzira un divendres en hora punta no és fàcil: eixir de València suposà ja 45 minuts de conducció de formiga. Per això, no fou fins a les vuit que la gala començà. El Gran Teatre –un teatre modernista que continua en peu des de 1921, després d’haver sofert successives inundacions i incendis– estava ple i ningú no hauria imaginat que les dues hores que vam estar asseguts a les butaques passarien volant.

Doncs sí, sembla que tot és possible amb la gràcia i l’humor intel·ligent de l’actriu i còmica d’Ontinyent Maria Juan, qui va conduir la gala, ja ho havia fet l’any passat, amb enginy, espontaneïtat, amb un guió magnífic al darrere, enhorabona als artífexs, amb molt d’ofici, i un sentit de l’humor i ironia que tombaven de tos. I és que Maria Juan és, amb tots els meus respectes, una “mala bèstia” de l’escenari. 

La pluja ens va acompanyar

La nit la va obrir una pluja escenificada sobre l’escenari amb un espectacle de dansa contemporània que va cobrir el pati de butaques amb un plàstic fi i transparent que onejava, com una riuada imparable, per damunt dels caps dels convidats. Encara no sabien que en eixir de la gala els rebria la pluja al carrer: la vida està plena d’ironies.

Després del soroll de la pluja, l’emoció, i els aplaudiments d’homenatge a totes les persones que tant han sofert i perdut tant a causa de les inundacions passades, les veus potents dels germans Penalba, Jonatan i Christian, van omplir el teatre amb una versió amb sintetitzadors del Vetlatori a l’albat: “Nostres vides són els rius / que van a para al mar. / Diuen que això és el morir / però els camps els va regar, pluja evaporà del mar”.

Un desplegament d’artistes va fornir la gala amb una proposta ben diversa i sòlida: la veu potent d’Esther des de Vinaròs, Naina, una jove rapera de 18 anys d’Alginet i dues ballarines plenes d’energia i ritme que l’acompanyaven, el viatge performàtic dels Versonautes, i les acrobàcies aèries delicades i poètiques de la ballarina Alba Blanco. I tot això, es pot fer i es feu el passat divendres a Alzira en la nostra llengua. Qui no vulga veure-ho, que s’ho faça veure!

Al final de la gala, quan semblava que tot s’acabava –després de més de dues hores als seients i sense sopar encara– i quan els assistents començaven a inquietar-se, aparegué en escena Choriza May, artista drug queen de Guadassuar, amb una entrada triomfal seguida per una batucada. 

I a ritme de batucada, els assistents a la gala isqueren xino-xano del teatre  i, sota la pluja i darrere dels tambors, ompliren els carrers de camí de La Gallera per a sopar, mentre la gent pel carrer ens mirava i es demanava expectant què passava. Després del cercaviles divertit i remullat, ens esperava un sopar-còctel on podies anar de taula en taula, com qui va de flor en flor, picant d’ací i d’allà, barra lliure, bon vi. No faltava de res, tot boníssim. I és que a les deu i mitja de la nit hi havia molta gana!

L’hora de felicitar els guardonats de la nit

Era l’hora de parlar, de menjar, fer-se fotos i, sobretot, de felicitar els guardonats: Carme Cardona, per la seua novel·la Les síl·labes del teu nom, una història amb tints policíacs que retrata el més baix de l’ésser humà. Cardona feu un parlament emotiu i reivindicà la cultura com a eina sanadora d’una societat. Josep Julien, premi de Teatre amb Totes les flors, una trobada entre dues dones de generacions allunyades, però unides per un misteriós present. Eusebi Ayensa, autor de l’assaig Per què Grècia, avui?Qui deixà clar que la Grècia moderna continua sent una potència cultural de primer ordre, i M. Carme Arnau, autora de La impermanència de l’ésser un títol profund, de poemes profunds, molt musicals, i d’estructura formal molt acurada. 

Salutacions i felicitacions també per a Joan Carles Ventura, Premi de Narrativa Juvenil per Realitat viral, que feu un discurs en clau social i política i va denunciar l’absència de la televisió pública valenciana en una gala com la de divendres passat. Ventura ha escrit una novel·la de misteri sobre la cara fosca d’internet i els somnis quimèrics de notorietat en les plataformes. Teresa Broseta fou la guardonada amb en la modalitat de Narrativa Infantil per La nit és fosca, una de pirates capitanejada per Cocudoboco, el vaixell pirata més atrotinat de tots els que solquen la mar. 

I com no, ara que els negacionistes pretenen fer-se amb les regnes del nostre autogovern, celebrar més que mai el vessant científic de la vetllada, amb Nicanor Alonso i Miguel Ángel Mirás, científics gallecs guanyadors del premi de divulgació científica amb Alicia y Benito contra Eva. Un recorrido por los secretos de la criptografía, on plantegen com –en una societat on cada volta estem més desprotegits i espiats– es pot protegir la informació que no volem compartir amb tercers i examinen els mètodes utilitzats al llarg de la història per a ocultar o revelar missatges secrets. Un esment especial per part del jurat anà per a Manel Perucho amb Ecos de l’univers violent, finalista en aquesta categoria. La Plataforma de Voluntariat Valenciana, guanyadora del guardó honorífic per votació popular, Premi Didín Puig, va rebre l’ovació i l’aplaudiment més sentit de la nit. 

I per si era poc...

I per si era poc, només calia travessar el carrer i una estora groga duia els convidats cap a l’auditori de la Casa de la Cultura, on Choriza May feu cantar i ballar tothom, dempeus i a les butaques. Una funció divertidíssima que acabà amb la versió tecno del Bolero de Guadassuar, acompanyat pel grup de danses d’Alzira sobre l’escenari. Moments abans els havíem vist al còctel amb uns vestits i uns pentinats esplèndids. La nit avançava, i amb una copa en mà, tots els assistents a la festa van brindar per Bromera, per la cultura i per la literatura en la nostra llengua. 

El toc final el va posar la DJ Esta tía es tonta, que aconseguí fer alçar tothom de la butaca per a ballar, primer agafats en un trenet al voltant del pati de butaques, i després sobre l’escenari, per si era poc...

Algú havia dit que els gales literàries són avorrides? Dons, que ho retire! 

Una gran expectación rodeaba el primer estreno mundial del Palau de les Arts en sus 20 años de existencia. Francisco Coll también debutaba como director en un foso de ópera y fue recibido con cálidos aplausos. Probablemente el hecho de que la obertura sea un reconocible pasodoble sorprendió a una parte del público. Pero no era ese el único rasgo vinculado a la música popular española de la obra, que entre la muy nutrida percusión incluye pandereta y castañuelas. En su hora y media de duración despliega una amplia gama de efectos tímbricos con una orquestación muy rica en matices. Los rasgos folklóricos están presentes, pero tampoco son constantes en una partitura atonal que no rehúye la franca tonalidad en algunos momentos.

El valenciano Francisco Coll, con 40 años de edad, se encuentra en una temprana madurez creativa. Acaba de recibir el Premio Nacional de Música y goza de amplio reconocimiento internacional. Tiene también una discografía importante, con obras interpretadas por la Filarmónica de Luxemburgo, la violinista Patricia Kopatchiskaja y la chelista Sol Gabetta, entre otros. La ópera Enemigo del pueblo es un encargo del Palau de les Arts y el Teatro Real de Madrid que ambos han coproducido. Como director musical es colaborador de la Sinfónica del Principado de Asturias y esta temporada debuta con la Orquesta de Castilla y León.

“Nunca pretendo ser complejo, pero mi música acaba siéndolo”, dice Coll en una entrevista de César Rus en Scherzo. El compositor recuerda a Jorge Luis Borges, “quien decía que no buscaba la sencillez por vacía, sino la modesta complejidad”. Coll es un artista polifacético, ya que también cultiva la pintura, con una obra importante, y posee una gran cultura, con muchas referencias detectables en su producción. Compara su utilización del pasodoble con El amor brujo de Falla y dice que en realidad “es un objeto encontrado, por hacer un guiño a Duchamp”. 

La obra está dividida en dos actos, representados sin interrupción. La dirección escénica de Àlex Rigola presenta un único decorado, que se va transformando gracias al vídeo de Álvaro Luna, en una gran pantalla que ocupa el fondo del escenario, y a la versátil iluminación de Carlos Marquerie en la escenografía de Patricia Albizu. Muy bello el efecto de la evolución de las nubes y el cambio marcado por la iluminación en rojo en el segundo acto. Es una adaptación libre de la obra de teatro del noruego Henrik Ibsen Un enemigo del pueblo, en la que no hay elementos que permitan situar la acción en un país concreto. Quizá el elemento menos redondo del conjunto es el libreto de Rigola, algo ingenuo y previsible. 

Los cinco cantantes que intervienen brillaron a gran altura en sus difíciles papeles. Especialmente el barítono José Antonio López, que es el protagonista de la obra, el Doctor, al que acusan de enemigo del pueblo por defender la salud y el medio ambiente frente a intereses mezquinos. Es bien conocido del público valenciano, pues encarnó el protagonista en El holandés errante de Wagner y Jesús en La Pasión según san Juan de Bach, ambos en el Palau de la Música. Hizo una verdadera exhibición de matices y dominio técnico. Magnífico también el tenor Moisés Marín, que fue alumno del Centro de Perfeccionamiento, con redondos agudos, como el Alcalde, el hermano del Doctor que se enfrenta a él. Bordó su papel la soprano Brenda Rae, en el papel de Petra, hija del doctor. Muy bien Isaac Galán y Marta Fontanals-Simmons. 

En cuanto al veterano Cor de la Generalitat, hizo gala de su reconocida profesionalidad con una actuación versátil y brillante. Muy bella la escena final en la que cantan el Doctor y su hija Petra sobre el fondo de las voces del coro. La Orquestra de la Comunitat Valenciana sirvió con opulento sonido la variedad tímbrica y expresiva que la partitura requiere. Por su parte, Coll fue un director minucioso y preciso de su propia obra. Todos fueron premiados por intensos y prolongados aplausos en una sala con buena entrada, aunque no llena.

El Palau de les Arts acoge este miércoles, 5 de noviembre, el primer estreno mundial desde su inauguración: Enemigo del pueblo, de Francisco Coll, el compositor valenciano más internacional, quien, con libreto de Àlex Rigola, ha convertido en ópera la obra maestra de Henrik Ibsen.

El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha calificado la obra como “uno de los grandes acontecimientos culturales del año”, acompañado por el propio Francisco Coll, que también asume la dirección musical de su ópera, y Àlex Rigola, autor asimismo de la puesta en escena.

Enemigo del pueblo es un encargo del teatro de ópera valenciano y del Teatro Real de Madrid, coproductores del montaje, que cuenta con escenografía y vestuario de Patricia Albizu, iluminación de Carlos Marquerie y videocreación de Álvaro Luna.

Francisco Coll, recientemente galardonado con el Premio Nacional de Música, y a quien la crítica inglesa ya consideró, tras su primera incursión en el género con Café Kafka, como “el gran compositor que España ha estado esperando”, presenta su segunda ópera, basada en la obra homónima de Ibsen: un clásico inmortal que aborda temas tan actuales como la manipulación informativa, la razón, el poder del dinero o la prevalencia de la comunidad sobre el individuo.

Así lo confirma el compositor valenciano, quien señala: “Pese a que Ibsen escribió Un enemigo del pueblo en el último tercio del siglo XIX, los problemas siguen siendo los mismos”. No obstante, su adaptación operística, recuerda, “no es una versión literal, sino una adaptación libre. Está concebida con la intención de seguir el espíritu del original, pero con una mirada contemporánea que permita que cualquier espectador pueda sentirse identificado”.

Francisco Coll afirma que ha escrito la ópera que le gustaría escuchar “si fuera como público a un teatro de ópera”. Y añade: “La música que he compuesto para Enemigo del pueblo no difiere de mi música sinfónica o de cámara: una música de extremos que aplica los principios de polaridad, gravitación, tensión y relajación, todo al servicio de la acción dramática. En este caso, la tensión entre la visión política y económica del problema y la visión científica o de salud pública”.

Àlex Rigola, uno de los directores teatrales más importantes del país, reconocido por sus producciones de teatro y ópera en escenarios como el Teatro Real, el Centro Dramático Nacional, el Teatro de La Abadía o el Gran Teatre del Liceu, firma con Enemigo del pueblo su primera ópera de nueva creación.

El dramaturgo, libretista y director de escena defiende que la vigencia de la obra de Ibsen radica en que “sigue generando tensión en su planteamiento. Nada es blanco o negro y, en sus encrucijadas, debemos hacernos algunas preguntas y buscar respuestas: ¿la pequeña comunidad o la familia van antes que el interés general de la sociedad? ¿Existe una sola respuesta ante los conflictos éticos o hay líneas rojas únicas y contundentes?”.

Francisco Coll asume la dirección musical de la obra, que supondrá su debut con la Orquestra de la Comunitat Valenciana. El barítono José Antonio López (Doctor) encabeza el reparto, que incluye a dos antiguos artistas del Centre de Perfeccionament de Les Arts: el tenor Moisés Marín (Alcalde) y el barítono Isaac Galán (Mario, director del periódico). 

Completan el elenco: la soprano Brenda Rae (Petra, hija del doctor) y la mezzosoprano Marta Fontanals-Simmons (Marta, empresaria), mientras que el actor Juan Goberna interpreta a Morten, suegro del doctor y abuelo de Petra.  El Cor de la Generalitat Valenciana encarna al pueblo, Les Arts representará Enemigo del pueblo los días 5, 7 y 9 de noviembre.