La convocatoria del premio de dibujo organizado por DKV seguros y MAKMA, revista de artes visuales y cultura contemporánea, reconoce el mejor proyecto de dibujo contemporáneo en relación a cuentos o relatos. La convocatoria se erige como un referente para aproximar el arte contemporáneo al público en general y para poder ser la primera experiencia expositiva incluso para visitar en familia.

Aunque el título ‘La vendedora de fósforos’ toma nombre del cuento de Hans Christian Andersen publicado en 1845, Marta Beltrán se inspira inicialmente en Iris (Kati Outinen), personaje inexcusable de la película de Aki Kaurismäki ‘La chica de la fábrica de cerillas’ (1990) para confeccionar el presente proyecto de dibujo.

En el proceso de elaboración está presente el sentimiento de compasión que despiertan los dos personajes: la pequeña cerillera en el cuento e Iris en el citado film, respectivamente, que a pesar de tener una personalidad y un final tan diferentes, mantienen cierto paralelismo en muchos aspectos, tales como la necesidad, la humildad social y la deshumanización del entorno en el que subsisten.

“Quiero creer que la humanidad puede enderezar su rumbo a pesar de que hasta los perros tienen más bondad que nosotros” (Aki Kaurismäki)

El sentimiento de desamparo que avivan los citados personajes, es comparable a la exaltación de valores y sentimientos más profundos de los cuentos de tradición oral, como la bondad, la amistad, la lealtad, la compasión o la gratitud, pero también la envidia y la maldad. Sentimientos presentes en las películas rodadas por Kaurismäki y, en particular, durante las décadas de los años 80 y 90 del siglo pasado. Años en los que se estrenaron títulos como ‘Sombras en el Paraíso’, ‘Ariel’, ‘Nubes pasajeras’, ‘La vida de Bohemia’, ‘Contraté a un asesino a sueldo’ o ‘Hamlet va de viaje de negocios’, títulos concretos de entre los que Marta Beltrán construye su personal visión a través del dibujo como arte definitivo en este proyecto.

En todos estos títulos, destacan personajes masculinos que también afloran todo tipo de sentimientos de humanidad, piedad o ternura, pero Marta Beltrán se centra en la soledad de los personajes femeninos y en las diferentes maneras con las que superan las dificultades en ese entorno de la clase humilde del norte de Europa tan bien plasmado por Kaurismäki.

Los dibujos de la exposición representan algunas de las secuencias y personajes de las referidas películas con los que Marta elabora un discurso propio, instantes en los que la escena en concreto adquiere la categoría de clave para el ojo de la artista, que ve en la representación femenina, una fuente de expresión de contenidos y emociones inconscientes.

El resultado es un relato múltiple que no pierde la relación con la historia del cuento de Andersen, a través de ese hilo conductor común ya referido anteriormente: la humildad del estrato social del que proceden los personajes femeninos, la dificultad, y la diversidad de opciones y caminos para salir adelante. La concordancia entre dichos personajes y una persona de carne y hueso, cuya vocación pase por realizarse como artista en la actualidad, en una sociedad como la que habitamos, está vista para sentencia.

La Cátedra Berlanga de la Universidad CEU Cardenal Herrera de Valencia organiza por cuarto año consecutivo, en colaboración con la Fundación Aisge, el Institut Valencià de Cultura y la Asociación Cultural Trama y Fondo, unas jornadas de cine en el Palacio de Colomina que, en esta ocasión, llevan por título Amores imposibles: de 'La novia de Frankenstein' a 'Tamaño natural'. Las plazas serán cubiertas por orden de inscripción en el correo: besileso@uchceu.es.

Las jornadas se celebran los días 4 y 5 de diciembre y en ellas participan diversos expertos cinematográficos que, mediante el análisis de las películas aludidas en el título de las mismas, tratarán de arrojar luz al hecho, cada vez más notorio, de las dificultades para sostener relaciones de pareja. Entre los ponentes figuran José Luis García Berlanga, director y productor audiovisual, hijo del propio Berlanga, que se encargará de analizar el papel de las mujeres en su cine, y el actor Joaquín Climent, uno de los intérpretes talismán del director de 'París Tombuctú'.

La directora Josefina Molina, autora entre otras de 'Función de noche' y que por problemas de agenda no estará finalmente en las jornadas, calificó a Berlanga, del que habló en su discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, como un “misógino y feminista”. José Luis García Berlanga tratará, entre otros asuntos, de aclarar esta supuesta contradicción.

Joaquín Climent es conocido por su participación televisiva en series como 'El comisario', 'Física o química' y 'Amar en tiempos revueltos', además de intervenir en películas de directores tan emblemáticos como Pedro Almodóvar, con quien trabajó en 'Mujeres al borde de un ataque de nervios', o Álex de la Iglesia, en 'El bar'. El actor charlará sobre sus relaciones con Berlanga y la dificultad que suponía adaptarse al famoso plano secuencia del director valenciano.

También participarán en las jornadas la profesora de la Universitat de València, Áurea Ortiz, que se interrogará por esa atracción de los hombres hacia las muñecas; el creador del Berlanga Film Museum, Rafael Maluenda, que disertará sobre el juego como imitación de la vida real; el catedrático de la Complutense de Madrid, Jesús González Requena, que abordará la pesadilla contemporánea subyacente a la sexualidad vivida como algo inmanejable, y el profesor de la Cátedra de Cine de Valladolid, Luis Martín Arias, que se centrará en la forma en que todos los personajes de 'Tamaño natural' participan de ese juego con la muñeca que, en su momento, ya le costó a Berlanga más de un millón de pesetas de la época.

Begoña Siles, profesora de la Universidad CEU Cardenal Herrera y directora de la Cátedra Berlanga, señala que el objetivo de las jornadas y de las actividades que genera a lo largo del año la Cátedra “es reinterpretar el cine de Berlanga, el director valenciano más internacional, poniéndolo en relación con el cine español y estableciendo igualmente conexiones con el resto de cinematografías”.

El IVAM ha preparado para el próximo otoño un amplio programa de exposiciones en el que destacan una muestra que explora la problemática del mundo árabe desde el punto de vista de las mujeres artistas, un proyecto site specific de Nico Munuera dentro de la línea de producciones propias del IVAM y una exposición que revisará la serie Desapariciones del artista Ignasi Aballí.

La agenda se completa con la exposición Please come back. ¿El mundo como prisión?, coorganizada por MAXXI-Museo nazionale delle arti del XXI secolo de Roma y producida por el IVAM para su presentación en Valencia.
La programación expositiva de otoño se abre el próximo 14 de septiembre con la muestra En Rebeldía. Narraciones femeninas en el mundo árabe que indaga en la producción artística surgida en los países árabes en las últimas décadas a través de las distintas perspectivas de artistas mujeres.

La exposición reúne un centenar de trabajos de cerca de 30 artistas como Mona Hatoum, Amal Kenawy, Ahlam Shibli, Rula Halawani, Raedad Saadeh, Zineb Sedira, Ghada Amer o Leila Alaoui y aborda cuestiones como la presencia en las calles de las mujeres, la crítica a los clichés machistas, sus experiencias en el exilio, así como el impacto de la ocupación israelí de los territorios palestinos. Nico Munuera (Lorca, 1974) será el protagonista de la siguiente muestra integrada dentro de la línea IVAM produeix, que se inaugurará el 19 de octubre. El artista afincado en Valencia prepara un site specific, un proyecto específicamente realizado para la galería 6 que lleva por título Praecisio, tomando como punto de partida la idea de límite físico y de cómo la concepción de éste influye en la capacidad de percepción.

En el capítulo de casos de estudio se revisará la producción del creador Ignasi Aballí (Barcelona, 1958) a través de su serie Desapariciones, formulada alrededor de la obra homónima de Georges Perec La Disparition (El secuestro), la cuarta novela editada del escritor francés publicada en 1969. Se trata de un relato de intriga donde se omite la letra «E», la más frecuente en el idioma francés.

La exposición está conformada, entre otras obras, por veintitrés carteles que publicitan películas, cuyos guiones fueron escritos por Perec. Así, esos posters cinematográficos no solo nos conducirán a descubrir nuevas ausencias, poniendo en práctica la idea duchampiana del recuerdo de la presencia de algo ausente, sino que nos harán reflexionar sobre la producción de la imagen en nuestra sociedad. La cita, el 9 de noviembre.

El calendario expositivo del año 2017 finaliza el 28 de noviembre con la exposición Please come back. ¿El mundo como prisión?, que toma su título de una obra del colectivo artístico francés Claire Fontaine, una instalación con luz de neón con la frase ‘Vuelve, por favor’. La exposición centra su atención en el concepto de prisión, analizando tanto su dimensión física como su significado metafórico, especialmente en lo que se refiere a la sociedad contemporánea que, en las últimas décadas, ha experimentado una rápida, y a veces violenta, transformación.

Esta muestra, compuesta de medio centenar de obras de una treintena de artistas, viaja al IVAM desde el Museo Nazionale Delle Arti del XXI Secolo de Roma, donde ha estado en cartel entre febrero y mayo de este año.

Cinema Jove, el festival cinematográfico del Institut Valencià de Cultura, que se celebró del 23 de junio al 1 de julio, ha recibido en su 32 edición un total de 7.094 espectadores. Esta cifra corresponde a los espectadores reales que han acudido a las sesiones programadas en sus ocho secciones (Secciones Oficiales, Luna de València, Un futuro de cine, El Joven David Lynch, Art & The City, 30 años de Erasmus, 25 años de Comunicación Audiovisual en el CEU y Proyecciones Especiales).

Este número real de audiencia corresponde con la previsión en la rueda de prensa de presentación del director del festival, Carlos Madrid, que manifestó su pretensión de dotar de realismo y transparencia a las cifras del festival y de considerar metas alcanzables para ir creciendo cada año de manera realista.

Con el ánimo de imprimir transparencia a las cifras, la nueva organización del festival quiere dejar claro lo que supone el “espectador real” (no contabilizando para ello visitantes a exposiciones o asistentes a fiestas) y apuesta en adelante por establecer métodos objetivos y fehacientes de contabilidad de espectadores.

Según datos del anterior equipo de Cinema Jove, las ediciones de 2014, 2015 y 2016 tuvieron una cifra de 23.305, 20.474 y 14.827 espectadores respectivamente. Antes de quedarnos con el simple titular o la cifra única, es preciso mostrar los métodos de contabilidad ejercidos hasta el momento para evitar comparaciones erróneas y precisar cuestiones básicas como “qué consideramos espectador” o ciertos métodos de contabilidad que no se corresponden en absoluto con las cifras reales de la actividad a la que se refieren.

El caso de viveros

Esta ha sido la sección históricamente con mayor número de espectadores debido a que no existía control de aforo porque se trataba de entrada gratuita y sin control de billetaje y se realizaba una contabilidad basada en el número total de butacas disponibles e incluso incrementando el número máximo de butacas.

Viveros no se ha realizado en esta edición de Cinema Jove. Si nos ceñimos a las tres ediciones anteriores se contabilizaron asistencias de 6.801 personas en 2014, 8.804 personas en 2015 y 6.079 en 2016. En esta edición se ha decidido prescindir de la ubicación de Viveros y por lo tanto se prescinde de estas cifras, que en cualquier caso se consideran estimativas y que no corresponden a la realidad ya que no existía un control exhaustivo de las mismas.

Actividades extraordinarias de cada edición

En el contexto de un festival de cine debería establecerse en qué actividades hay que contabilizar espectadores y en cuáles no. También el método de contabilidad. La actual dirección no contempla contar los espectadores de una exposición organizada por el festival.

En ediciones anteriores se contabilizaron:

2011. Exposición Chico y Rita en la FNAC: 3.100 espectadores según la organización.

2014. Exposición Cómicos ibéricos en Lotelito: 2.750 espectadores según la organización.

La nueva dirección del festival no considera los visitantes de una exposición como espectadores del festival. Deben considerarse como asistentes a eventos del festival pero no como espectadores. Por ello, entendemos que los visitantes de una exposición deben reflejarse en la memoria pero no en el cómputo de espectadores porque desvirtúa las cifras reales del festival. Además, el método de contabilización de asistentes no está definido ni existe un sistema de billetaje que acredite la asistencia a las exposiciones.

Fiestas

Esta dirección tampoco contempla la asistencia a las fiestas en el cómputo de espectadores. Deben reflejarse también en la memoria, pero no son espectadores reales del festival.

Por ejemplo, las fiestas de inauguración y clausura consisten en la continuación de las galas de inauguración y clausura por lo que se contabilizan dos veces los mismos espectadores.

En otras fiestas realizadas durante el festival de ediciones anteriores los asistentes a las fiestas superaban el aforo máximo de los locales y tampoco consta un procedimiento de contabilidad de los asistentes.

Conclusiones

-En las cifras de al menos las últimas ediciones del festival se contabilizan aforos y no espectadores en algunas secciones (Viveros) al no existir un método definido para controlar los asistentes.

-Se contabilizan como espectadores a posibles visitantes de exposiciones o asistentes a fiestas. Entendemos que dichos visitantes no son espectadores y no forman parte de un cómputo general de espectadores del festival.

-Resulta del todo imposible establecer el número total de espectadores de dichas ediciones por no contarse con los elementos suficientes y objetivos para el cómputo.

Futuro

-La nueva dirección asume que las cifras de espectadores deben darse con toda normalidad, transparencia y, siempre que sea posible, con un agente externo al festival que certifique objetivamente la asistencia a cada sesión.

-Si el festival pretende tener más espectadores para conseguir todo aquello, debe ganárselos con su esfuerzo, buena programación y una óptima comunicación.

-Teniendo en cuenta que las cifras reales son bastante más bajas de lo que las memorias de actividades de ediciones anteriores reflejan, pero que ya no existe posibilidad de establecerlas con exactitud, consideramos que:

-La actual dirección tiene el objetivo de revivir este festival y llevará varias ediciones conseguir unas cifras razonables.

-En la 32 edición partimos de cero en la contabilidad (mejor dicho, de 7.093 espectadores en sala reales). Evidentemente, habida cuenta de las cifras actuales y las circunstancias de las que se partía, el festival tiene la pretensión de recuperar espectadores, acercar a un mayor número de público joven a las salas y contar con el público universitario como espectadores y como futuros creadores cinematográficos.

Este año se cumplen 10 ediciones de ‘Nits de Cinema al Claustre de La Nau’, la actividad de cine de verano organizada por el Aula de Cinema de la Universitat de València. Aprovechando la efemérides, del 14 al 25 de julio se proyectará en el Claustro del Centre Cultural La Nau un ciclo ambientado en películas sobre fiestas y celebraciones de todo tipo, junto con otro que retrata la faceta más oscura y amarga del mundo del espectáculo.

Como es habitual, Nits de Cinema de la Universitat de València es de acceso libre e incluye de presentación y coloquio de cada cinta. Las películas se proyectarán en versión original subtituladas. Las sesiones empezarán a las 22 horas (apertura de puertas 21.30 horas).

Let’s Party!

El ciclo ‘Let’s Party!’ inaugurará ‘Nits de Cinema al Claustre de La Nau’ de esta edición el viernes 14 de julio con un clásico atemporal de la comedia como es ‘El guateque’, donde Peter Sellers encarna al invitado más inadecuado que puede acudir a una fiesta. La siguiente sesión (domingo 16 de julio) será muy diferente, ya que ‘Dublineses’, además de representar la última película como director de un grande como John Huston retrata de una forma cruda la rígida sociedad irlandesa de principios del siglo XX, donde apenas hay lugar para expresarse libremente. El ciclo proseguirá con ‘Celebración’ (jueves 20 de julio), donde Thomas Vinterberg y el Dogma 95 se ponen al servicio de la misión de ridiculizar a la burguesía de la sociedad del bienestar, que esconde los trapos sucios tras una pretendida capa de refinamiento.

Sin embargo, no se puede hablar de refinamiento en el cine de Emir Kusturica. Un buen ejemplo es ‘Gato negro, gato blanco’ (domingo 23 de julio), una película de rencillas familiares y negocios turbios en torno a una boda improbable. Completan este heterogéneo ciclo sobre fiestas el clásico de Jacques Tati ‘Día de fiesta’ (martes 25 de julio), donde el cartero de un pequeño pueblo se empecina en ayudar a organizar las fiestas patronales con resultados catastróficos, y una cinta muy desconocida ‘Coherence’ (martes 18 de julio), producto de ciencia-ficción low cost que sorprendió hace pocos años por su capacidad de profundizar en temas muy complejos con una economía de medios encomiable.

Empieza el espectáculo

El ciclo comenzará el sábado 15 de julio con ‘All That Jazz’, musical a cargo del mítico Bob Fosse que se adentra en los entresijos del Broadway más descarnado en el que los números espectaculares se fraguan con sangre, sudor y lágrimas. Algo que no es nuevo ni mucho menos, ya que es algo que aparecía en los idealizados y felices años 20 como refleja ‘Aplauso’ (lunes 17 de julio), una película de Rouben Mamoulian que aprovecha la época pre-code para hacer un retrato nada complaciente sobre la industria del espectáculo de la época. Una industria que se nutre de las apariencias y huye de todo lo que pueda no resultar rentable. En ‘Behind the Candelabra’ (lunes 24 de julio), Michael Douglas da vida a Liberace, uno de los primeros showmen modernos, y su relación con un falsamente juvenil Matt Damon.

En ‘Postales desde el filo’ (miércoles 19 de julio), Meryl Streep y Shirley MacLaine dan vida a Carrie Fisher y Debbie Reynolds, hija y madre unidas por su profesión y separadas por todo lo demás. Y si de rivalidad se trata, las luchas entre compañeros de profesión (compañeras en este caso) se lleva al extremo en una película como ‘The Neon Demon’ (viernes 21 de julio), donde una modelo advenediza provoca las envidias de sus colegas, maximizadas en un mundo como el de la moda donde la apariencia física y el culto a la belleza lo es todo.

Jazz Panorama, el festival que del 20 al 22 de julio se celebrará en el Auditori de Torrent, cuenta este año con las actuaciones de Kandace Springs, que abrirá el certamen, María Gadú, y José Luis Gutiérrez y Harold López-Nussa Trío, ambos cerrándolo el sábado 22. Todos los conciertos a las 22.00h.

De vez en cuando surge un nuevo cantante que es capaz de asimilar múltiples estilos musicales y seguir sonando fresco y libre de cargas de sonidos del pasado. Kandace Springs es una de ellos. Asentada en Nashville, a sus 27 años es cantante, compositora y pianista. Tiene como referentes a Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Nina Simone, Roberta Flack y Norah Jones, pero tal y como demuestra en SOUL EYES, su brillante álbum de debut con Blue Note Records, no imita a ninguno de ellos.

En vez de esto, transforma esas influencias en un sonido personalizado que se revela sin esfuerzo. Pero este viaje de Springs a descubrir su singularidad no ha sucedido de la noche a la mañana. De hecho, su homónimo EP de debut en 2014 ya tenía una inclinación hip-hop / R & B decididamente contemporánea. El EP fue increíblemente bien recibido y le propició actuaciones en televisión en “Late Show with David Letterman”, “Jimmy Kimmel Live” y “The Tonight Show Starring Jimmy Fallon”, así como apariciones en los festivales Afropunk y Bonnaroo.

En “Soul Eyes”, Kandace sigue trabajando con sus productores Carls Struken y Evan Rogers, pero cuenta también con Larry Klein (productor de Lizz Wright, Melody Gardot, Joni Mitchell, Herbie Hancock), quien le ha ayudado a sacar a la luz sus rasgos artísticos más distintivos.

Las once canciones contenidas en “Soul Eyes” están interpretadas al piano por Kandace Springs, junto a un ilustre elenco de músicos que incluye al trompetista Terence Blanchard, los guitarristas Dean Parks y Jesse Harris, el batería Vinnie Colaiuta, el organista Pete Kuzma, el bajista Dan Lutz y el percusionista Pete Korpela.

La niña prodigio de la música brasileña, como la conocían en los inicios de su carrera a Maria Gadú, ha encontrado su propia voz. En 2016 debutó en Madrid en una actuación en la sala Changó Live que muchos aún recuerdan.Sus exitosos vídeos en YouTube y el apadrinamiento del gran Caetano Veloso han marcado la carrera de una artista que, en los últimos tiempos y sin renunciar al binomio y guitarra, se ha abierto a sonidos rock e incluso electrónicos.

José Luis Gutiérrez es un artista verdaderamente inclasificable, viajero sonoro, una “ave rara” que se escapa de todas las jaulas donde le queramos etiquetar. Su saxofón es un velero en el cual viajamos por paisajes sonoros, lugares donde nacen instrumentos inventados. Harold López-Nussa (La Habana, 1983) ha ofrecido conciertos como solista en los teatros más importantes de Cuba y compartido escenario con sobresalientes exponentes de la música tradicional cubana y de la música popular bailable, así como con primerísimas figuras del jazz cubano e internacional como Chucho Valdés, David Sánchez, Stefon Harris o Alexander Brown.

La galería Estudio 64 de Valencia acogerá del sábado 1 al lunes 31 de julio de 2017 una muestra del trabajo reciente del ilustrador Nacho Casanova (Zaragoza, 1972), dedicada exclusivamente al erotismo y a la sensualidad. En su último trabajo, Nacho centra su obra especialmente en el tema del deseo íntimo, utilizando únicamente la línea monocroma, entrecortada y sutil como medio de expresión, invitando al espectador a completar con su imaginación, y a recorrer un camino entre lo explícito y lo delicado.

Las ilustraciones de Nacho inspiran proximidad, conectando con quien mira, con quien observa al otro lado, permitiéndole consumar la información que el autor ha decidido sustraer del arte final. Las ilustraciones más crípticas permiten esta interacción con el espectador, que sabe que está formando parte en ese momento de la representación de una intimidad sexual. Las ilustraciones creadas por Nacho son imágenes que invitan al espectador a sentirse inmerso en una situación sexual sugerente y cercana.

Entre tus líneas es una muestra que consta de 30 originales de formato íntimo, 14 x 14 cm, y 20 prints firmados de 42 x 29,7 cm. Un total de 50 obras seleccionadas de entre las más de 200 publicaciones que realiza en su cuenta de Instagram (@eroticasanova) en la cual muestra desde la intimidad del proceso al sugerente arte final, limpio y desnudo de adornos. Su cuenta de Instagram a pesar de tener un solo año de vida, cuenta con aproximadamente 35.000 seguidores de todo el mundo, en su mayoría de Australia, Estados Unidos, Francia e Italia principalmente, seguidores que mayoritariamente son mujeres frente a un público masculino minoritario.

Nacho Casanova, zaragozano de nacimiento, reside en Valencia, desde dónde muestra al mundo su último trabajo relacionado con el erotismo. Ha dibujado diez –y publicado nueve–, monografías de historieta (algunas en varios idiomas), ha ilustrado más de 50 contraportadas para El Naufraguito, ha rotulado más de 150 títulos para Diábolo Ediciones, más de 50 para Glénat/EDT, unos pocos para Dib•buks y, últimamente, maquetado unas cuantas revistas de divulgación científica. Ha sido presidente de APIV (Asociación Profesional de Ilustradores de Valencia), y actualmente compagina su trabajo de ilustrador, rotulista y diseñador editorial con la docencia, es profesor de diseño editorial en ESAT (Escuela Superior de Arte y Tecnología), así como tutor de proyectos de novelas gráficas en la misma escuela.

En la exposición Entre tus líneas, además de originales y prints a la venta, podrás encontrar bolsas de tela, artículos fetiche y las publicaciones de este nuevo Casanova que va a llenar de erotismo Estudio 64, la librería-galería especializada en ilustración de Valencia.

Entre tus líneas se inaugura el sábado 1 de julio de 2017 a partir de las 19,30h con la colaboración de Cervezas Ámbar. Previo a la inauguración, el viernes 30 de junio, Nacho atenderá a los medios de comunicación que deseen acercarse hasta Estudio 64 a las 12 del mediodía para una pequeña rueda de prensa que será refrescada por Cervezas Ámbar.

La Sala de Cristal del Ayuntamiento de Valencia acoge desde el miércoles 28 de junio al próximo viernes 30 la exposición 'La más limpia del Mediterráneo', organizada por Amigos de la Tierra, GECEN, Greenpeace, Surfrider y Retorna, entre otras organizaciones.

Esta exposición forma parte de la campaña de sensibilización ciudadana que, con el lema 'Comunidad Valenciana - La más limpia del Mediterráneo- estas organizaciones han impulsado en 15 ciudades y pueblos de la comunidad, a lo largo de los meses de mayo y junio.

Junto a todos los ayuntamientos de los municipios visitados y diferentes cargos públicos de las diputaciones y del Consell de la Generalitat, han participado en la campaña más de 2.500 niñas y niños de 27 escuelas e institutos. Y tanto los más jóvenes como los mayores se han ilusionado con la oportunidad de construir entre todos una región mucho más sana y sostenible.

La campaña ha girado en torno a una exposición itinerante que da a conocer el problema del abandono de residuos en nuestro territorio y propone las soluciones para acabar con esta realidad y convertir a la Comunidad Valenciana en la región más limpia del Mediterráneo.

Entre estas soluciones figuran el retorno de latas y botellas a la tienda, la prohibición de las bolsas de plástico de un solo uso, el fomento de los envases reutilizables y la promoción de la venta a granel. Como culminación de todo este periplo por la comunidad, la exposición se instala en la Sala de Cristal del Ayuntamiento, entre las fechas del 28 y el 30 de junio en horario de mañana.

Elia Barceló (Elda, Alicante, 1957) es un caso singular en el panorama literario español. Con 25 títulos de ficción traducidos a 18 idiomas y mas de 500.000 ejemplares vendidos, tiene más lectores fuera que dentro de nuestras fronteras, algo que se explica en parte por el hecho de residir en Innsbruk (Austria). Eso no significa que carezca de reconocimiento y proyección en España. De hecho, en 2015, recibió el Premio de la Crítica Literaria Valenciana por su libro de relatos, La Maga y otros cuentos crueles.

Con su último trabajo, El color del silencio, publicado recientemente por Roca, la autora busca la complicidad del lector español con un relato que abarca desde los albores de la guerra civil a la actualidad y que combina la resolución de un antiguo crimen con una denuncia de las miserias del franquismo.

La acción se desarrolla en tres tiempos. Los momentos previos a la sublevación franquista, la noche del 20 de julio de 1969 que el hombre llegó a la Luna y la actualidad. ¿Por qué precisamente esas tres momentos? “La historia que quería contar sobre la recuperación de la memoria y las heridas del pasado, tanto a nivel personal como familiar como nacional me llevaban directamente a hablar de la guerra civil como trasfondo porque es nuestra herida común, la peor curada y la que aún está por limpiar”, dice Barceló. “Pero lo he hecho con delicadeza, más con insinuaciones que con descripciones crudas. La llegada de la humanidad a la luna es, para mí, un momento crucial del siglo XX porque para muchos significó el comienzo del futuro, de la era de Acuario, del momento en que nuestra generación iba a tomar las riendas y a hacer un mundo mejor. Me equivoqué. Nos equivocamos. Ese futuro esplendoroso que deseábamos se torció en lo social, aunque en el aspecto técnico hayamos dado pasos de gigante. El presente era necesario para poder hablar del pasado y del futuro”.

Helena Guerrero, una artista plástica septuagenaria de éxito que vive en Australia, regresa a Madrid para asistir a la boda de su nieta. Allí, el hallazgo de unos papeles le lleva a reconstruir el pasado de su familia y resolver la misteriosa muerte de su hermana ocurrida muchos años atrás. ¿Que la protagonista sea una mujer mayor se puede interpretar como una reivindicación del papel de estas mujeres en la sociedad?

“No lo hice a propósito como reivindicación desde el principio”, responde Barceló. “Era necesario que Helena fuera mayor para poder haber vivido ciertas cosas que la historia necesitaba. Pero me fui dando cuenta de que era muy importante visibilizar a las mujeres de más de cincuenta años, que son personas fuertes, luchadoras, trabajadoras, con experiencia. Sin embargo, la sociedad les da de lado, las ignora, las aparta. Muy pronto empecé a darme cuenta de que, con mi novela, yo tenía la posibilidad de hacer algo en contra de esa injusticia”.

Uno de los puntos de partida de la trama es un hecho histórico que relata Ángel Viñas en su ensayo, La conspiración del general Franco en torno a la muerte del general Amado Balmes. En esa figura se inspira el personaje de Goyo, el padre de Helena, que según dice Barceló, le cae mejor como ser humano que la protagonista pese a su ideología fascista.

“Con el proceso de la novela, fui entendiendo también a Goyo, pese a que está tan lejos de mi forma de pensar”, comenta Barceló. “Tanto en la derecha como en la izquierda hay gente decente y gente deshonesta. No quiero caer en el cliché y, para eso, me parecía importante dibujar unos personajes lo más reales y complejos posibles, no marionetas que poder manejar ni personajes planos buenos o malos”.

El envejecimiento de la población, el cambio climático, los atentados yihadistas, las crecientes desigualdades sociales...¿Cuales son los temas que más le preocupan? “Todos esos y muchos más: la genética, la robótica, las inteligencias artificiales, la libertad del ser humano en un mundo controlado por monopolios gigantes, el desastre ecológico, la libertad de elegir una muerte digna, la violencia por razones religiosas. Soy escritora de ciencia ficción o literatura prospectiva y, por lo tanto, me interesa enormemente todo lo que vaya a afectar al futuro de nuestro planeta y de nuestra especie, y que está empezando ya. Ya Woody Allen dijo muy certeramente: 'Claro que me interesa el futuro. Es allí donde voy a pasar el resto de mi vida'”.

Para ella el futuro anuncia una jubilosa jubilación en la que piensa aprovechar la suerte de tener dos países, dos culturas y dos lenguas y seguir viviendo a caballo entre ambas. “Pero tengo previsto pasar más tiempo en mi tierra, entre Elda, Elche, Alicante y Santa Pola, donde están mis raíces, y los montes tienen nombre. Y luego volver a los Alpes y a mis dos hijos”. Mientras tanto echa de menos “el mar, el poder mirar al horizonte, a lo lejos, sin que haya una enorme montaña que te lo impida; me encanta nuestra vegetación maravillosa, la alegría de la gente, la lengua, el tapeo, las noches al aire libre”, concluye Elia Barceló.

Admiradoras de su trabajo y de los movimientos que impulsó, las coreógrafas Meritxell Barberá e Inma García llevan desde 2014 trabajando en torno a la figura de Man Ray de diferentes maneras. En el verano de ese año ambas colaboraron con la compañía Danceworks de Chicago en una pieza en la que se investigaban las imágenes creadas por Man Ray en relación al movimiento. Aquel trabajo desembocó en un work in progress desarrollado en algunos escenarios españoles que abordaba otras facetas del artista.

Fruto de este vínculo, y teniendo en cuenta algunos de los caminos abiertos por estas actividades previas, la compañía Taiat Dansa presenta ahora un espectáculo de gran formato sobre el autor estadounidense. Ambas creadoras se sienten en esta ocasión interesadas en el tratamiento de la mujer en la obra de Man Ray y, por ende, de otros artistas de su tiempo, y en el uso de la fémina a veces como modelo de inspiración y otras como un simple objeto.

La obra es una coproducción del Grec 2017 Festival de Barcelona, Institut Valencià de Cultura, Ballet de la Generalitat, Taiat Dansa y Sagunt a Escena 2017. 'Man Ray' se presentará los días 13 y 14 de julio en el Sant Andreu Teatre de Barcelona dentro de la programación del Grec 2017. Posteriormente el espectáculo viajará a Sagunto y se podrá ver el día 23 en Sagunt a Escena.

El 'Man Ray' de Taiat Dansa encierra muchas figuras en sí, algunas sobradamente conocidas por el público en general y otras mucho menos difundidas. El montaje se detiene en todas ellas y las descubre al espectador a través de un elenco de nueve bailarines (Cristina Reolid, Cristian Arenas, Miguel Ángel Fernández, Víctor Fernández, Kilian García, Cristian González, Jon López, Joel Mesa y Martxel Rodríguez) que se pondrán al servicio del universo surrealista de este artista.

La música de Caldo tratará de empaparse de los diferentes movimientos en los que estuvo inmiscuido este pintor, escultor, fotógrafo, cantante, bailarín y un sinfín de oficios más. La compañía valenciana Taiat Dansa vuelve a contar con Roberto Fratini como asesor artístico y confía el acompañamiento dramatúrgico en Eva Zapico. Estudio Savage se encarga de nuevo (ya lo hicieron en 'Persiguiendo a Patti Smith' y 'Still Life’) del vestuario, Ramón Jiménez se ocupa del diseño de iluminación, mientras que el diseño y creación del espacio escénico corren a cargo de Luis Crespo.

El trabajo de Taiat suele resultar temperamental, con rigor, apasionamiento y cierta rebeldía. Meritxell Barberá e Inma García fundan su propia compañía, Taiat Dansa, en 2003. Desde entonces han presentado sus creaciones en distintos espacios y festivales del territorio nacionales y otros de ámbito internacional.

Manuel Sáez es una asiduo visitante del Jardín Botánico desde hace 20 años. Lo visita como ciudadano de a pie para disfrutar de la belleza y sosiego de este oasis en medio de la ciudad. Y también como artista para encontrar la inspiración y un estado de ánimo sereno y contemplativo. En 1996, presentó allí el resultado de su estancia de trabajo en República Dominicana, Trópicos y ahora, dos décadas después, regresa con Por las ramas, en cierta manera una secuela de la anterior. La muestra se expone hasta el 24 de septiembre en la Estufa fría del Botánico, la antigua orangerie en la que se resguardaban los naranjos, un espacio de proporciones armoniosas.

Una colección de 24 piezas del mismo formato con las que regresa a la palestra tras nueve años de trabajo callado en su estudio, pues su última exposición se presentó en la Parpalló, en 2008. “Ahora quiero una relación más intensa con el exterior”, dice. “Menos introspección y más sustancia. Sin justificaciones”

Una azada, una hoz, un mosquetón y una cuña. Estos sencillos útiles de jardinería y labranza inician una serie de composiciones que rinden homenaje a los misterios del reino vegetal. Semillas y granos de polen observados a través del micocospio de 9.000 aumentos, cortezas de árboles, muros de mampostería, detalles de una curiosa planta crasa llamada Oreja de elefante, perspectivas del Botánico...“Esta exposición forma un tapiz”, señala. “Un tapiz sensorial de vibraciones, en un idioma que cada uno interpreta como quiere. Como todas las piezas están resueltas con líneas verticales y horizontales, dan la sensación de un tejido, con su trama y urdimbre”.

Sáez utiliza la acuarela y temperas japonesas sobre una trama octogonal y gestiona el color con maestría para lograr la máxima expresividad. Cada pieza refleja un aspecto del Jardín Botánico, el laboratorio, la biblioteca, el almacén del material, etcétera. “Fue una experiencia increíble para mí estudiar los granos de polen y las semillas asesorado por un botánico y un físico. Me sentí como un dibujante de la famosa expedición Malaespina”.

Por las ramas lleva muchos años gestándose en la mente de Sáez. Surgió en principio en 1996 como una secuela de Trópicos, que resumía su estancia en la República Domincana, y tendrá una continuación el próximo octubre. Pero no sólo las plantas o los objetos cotidianos más próximos le inspiran. La mujer es un tema recurrente en su obra. “Aparece por activa y por pasiva en retratos, dibujos eróticos, en los títulos y textos. Cundo pinto, pinte lo que pinte, está ahí. En realidad el motivo inconsciente siempre es ella”.

Como declarado autodidacta, Sáez respira a fondo, libre de los corsés académicos, pero esa libertad conlleva para él una mayor exigencia de autocrítica y precisión. Prefiere el concepto de precisión al de perfeccionismo. “En la precisión hay riesgo y vértigo. La precisión hace que un trabajo sea más fuerte, más potente. Cuando más preciso, más libre y más profundo”, afirma. “Como autodidacta soy mal alumno y pésimo profesor y por eso estoy obligado a resolver problemas de forma intuitiva, a veces rocambolesca y, últimamente, a causa de mis dolores de espalda, de forma ergonómica. Estuve incluso tentado de pintar colgado del techo como Tom Cruise en Misión imposible”.

Debido a una híper sensibilidad a los pigmentos, Sáez debe pintar con guantes, un objeto que cobra un significado para él como símbolo del conocimiento, de las cinco ramas del saber. Por ese eligió el tema del guante para su mosaico cerámico del Ágora de la Universitat Jaume I de Castellón.

Dibuja desde niño “por pasión y como forma de evasión, de no enfrentarme a ciertas cosas fabricando un mundo paralelo”. Compensaba el aburrimiento de las clases rayando los libros, pasaba las vacaciones en el campo y, “mientras mi madre hacía punto bajo un almedro, yo pintaba árboles. A los árboles hay que verlos desde bajo para apreciarlos en su plenitud”, sentencia.

¿Artista plástico, dibujante, pintor? Sáez se considera ante todo un retratista. Ya sea de objetos cotidianos que percibidos bajo determinada luz “adquieren psicología, comportamiento y virtudes”, paisajes o rostros, “que tienen calles y plazas”. También dibujante. “La mano es un sismógrafo y el lápiz, un instrumento insuperable, un árbol en miniatura”, concluye.

La Filmoteca cierra la temporada con un ciclo que recupera las diez mejores películas estrenadas en 2016 y que continuará después del verano. Se trata de una selección de títulos realizada a partir de las votaciones de los críticos de revistas especializadas como 'Caimán Cuadernos de Cine', Dirigido por Fotogramas o Cartelera Turia.

El ciclo se inició el viernes 16 de junio con 'Todos queremos algo', en la que Richard Linklater recupera el tono desenfadado de su comedia estudiantil 'Movida del 76' (1993), pero sin dejar de hacer un lúcido y nostálgico retrato de su generación y de la sociedad norteamericana de los años ochenta, a través de las peripecias de un grupo de estudiantes, jugadores de béisbol, a punto de ingresar en la Universidad de Texas.

Entre las siete películas programadas en junio y julio, figuran ‘Kubo y las dos cuerdas mágicas’, de Travis Knight, una de las grandes revelaciones del cine de animación actual, y la húngara ‘El hijo de Saúl’, la ópera prima de Lazsló Nemes, premiada en los Oscar y en el Festival de Cannes, que es una amarga reflexión sobre el horror del Holocausto.

El ciclo incluye también dos películas protagonizadas por mujeres maduras que atraviesan un momento crítico en sus vidas. Mientras en 'Mia Madre’, el italiano Nani Moretti vuelve a ofrecer un relato con muchos elementos autobiográficos a través de la vida de una cineasta con graves problemas familiares, en ‘El porvenir’, dirigida por la joven directora francesa Mia Hansen-Løve, Isabelle Huppert interpreta el personaje de una profesora en crisis que está inspirado en la madre de la propia directora.

En esta selección, el cine oriental está representado por 'Ahora sí, antes no', del coreano Hong Sang-soo, que fue premiada en los festivales de Locarno y Gijón y que es una reflexión profunda, pero también divertida, sobre el oficio de cineasta. La primera parte de este ciclo con las mejores películas de 2016 concluye con 'Paterson', en la que Jim Jarmusch vuelve a demostrar que es uno de los grandes autores del cine independiente americano.

Tras las proyecciones de la Filmoteca d'Estiu durante el mes de agosto en los jardines del Turia de Valencia, en septiembre podrán verse en la Filmoteca de Valencia 'La muerte de Louis XIV', de Albert Serra; 'La llegada', de Denis Villeneuve; y ‘Elle’, de Paul Veerhoeven.

Por sexto año consecutivo, arranca el VI Festival de Talleres de Teatro Clásico de Sala Russafa, que extenderá su programación hasta el 9 de julio con cuatro propuestas que revisitan grandes piezas de la historia de la literatura dramática mediante acercamientos originales, actualizaciones o revisiones. Una demostración de la vigencia, interés y potencialidades de textos, historias y personajes que, pese a estar escritos en otras épocas, son capaces de ofrecer una visión del presente cargada de significados.

El 16 de junio comienza esta sexta edición con el estreno de una versión de la obra maestra de Luigi Pirandello, Premio Nobel de Literatura. Iria Márquez firma la adaptación y dirige a los egresados del Taller de Teatro para Adultos en '7 personajes en busca de autor', que estará en cartel hasta el domingo 18 de junio y supone un nuevo acercamiento a uno de los máximos exponentes del teatro del absurdo, estrenado en Italia en 1921.

La pieza presenta a una serie de personajes que se aparecen en los ensayos de una obra teatral buscando a alguien que dé cuenta de su trágica historia. Esta curiosa familia se sumará al equipo artístico de la compañía en una original trama en la que cae la cuarta pared para mostrar el teatro desde dentro.

Márquez aporta nuevos caracteres (de ahí la leve variación del título original de la pieza) y el contraste temporal, ya que los ensayos se sitúan en 2017 mientras que los personajes que se aparecen fueron escritos a principios del siglo XX. Además, juega a crear confusión en el público gracias a que, literalmente, rompe los límites del escenario para extender la representación a todo el patio de butacas, dificultando discernir qué forma parte del espectáculo y qué no.

Desde el disfrute de la comedia, 16 actores muestran los procesos de la creación escénica y se echa una mirada crítica a la teatralidad que tiñe la vida cotidiana. En una sociedad en la que cada vez más personas construyen personajes de sí mismos en las redes sociales y juegos virtuales, la obra invita al espectador a repensar la diferencia entre realidad y ficción.

Tras este arranque con Pirandello, el festival programa una curiosa versión de 'El burlador de Sevilla' (el 23, 24 y 25 de junio), de Tirso de Molina, también dirigida por Márquez. En esta ocasión se sitúa la acción en los años 80’ -con banda sonora de grupos como The WatterBoys o David Bowie, entre otros- para releer el mito del Don Juan en un montaje que denuncia micro-machismos y machismos.

La programación continúa con una versión de 'Trabajos de amor perdidos' de William Shakespeare (del 29 de junio al 2 de julio) escrita y dirigida por Chema Cardeña. El espectáculo incluye sorprendentes versiones en directo de Frank Sinatra o Dean Martin entrelazadas en la famosa trama de guerra de sexos, que esta vez se traslada al escenario sobre un tablero de ajedrez en el que los personajes encarnan una pieza concreta y sólo pueden interactuar con el resto respetando las reglas de movimiento del juego.

La selección de piezas del VI Festival de Talleres de Teatro Clásico de Sala Russafa incluye a una compañía invitada, Pezenelagua. Tras su paso por Rumanía, estrenarán en Valencia su montaje de 'Bodas de Sangre' (el 8 y 9 de julio), de Federico García Lorca.

Además de estas propuestas para adultos y como anexo al festival, Sala Russafa estrena este domingo 18 de junio la pieza familiar '¿Batallitas?... ¡no, gracias!', fruto de su Taller de Teatro para Niños. Sus pequeños integrantes, futuros grandes actores, estrenan una comedia sobre lo absurdo de la guerra. Una propuesta en la que se alternan diferentes sketches y escenas independientes, firmadas por autores como el dramaturgo Tomás Afán, la propia directora de la pieza, Amparo Vayà, o el cómico Gila.

Un popurrí de situaciones divertidas que invitan al público familiar a preguntarse para qué sirve una guerra, quién y dónde está el enemigo y, realmente, quién quiere ir a la batalla.

Si hay una idea que se repite, hasta convertirse en un principio, en la teoría de Freud es que la sexualidad humana es compleja. Una complejidad que la separa del instinto reproductor de las otras especies, del ligazón de la naturaleza orgánica-corporal, para unirla al deseo, a la psique de cada sujeto.

Si hay un pensamiento crítico inherente al feminismo, tanto a nivel teórico, como a nivel de movimiento social y político, es el que está relacionado con el sistema sexo-género. Un sistema que estructura y legitima la división de los seres humanos en dos sexos. Un sistema que en cada época histórica señala culturalmente qué roles, tareas, actitudes, qué modos de pensar, de amar, de sexualidad, de relacionarse, etc… deben llevar a cabo cado uno de los sexos biológicos que conforman el sistema.

El II Certamen Cortos por la Diversidad, patrocinado por la Diputació de València- Joventut, Esports i Igualtat-, organizado por Associació per la Coeducació y en colaboración con Lambda (Co.lectiu de lesbianas, gais, transexuales y bisexuales), está pensado para hacer visible la complejidad de la sexualidad humana y criticar cómo el sistema sexo-género oprime, oculta y reprime los otros modos de sexualidad, de amor, que no estén sujetos a la representación heterosexual. Y, además, el certamen tiene como objetivo sensibilizar y concienciar de la existencia de otras orientaciones y/o identidades sexuales, como lesbianas, gays, transexuales y bisexuales.

Libertad y Felicidad

Libertad y felicidad son las dos palabras que los personajes, tanto de los dos cortometrajes de ficción ganadores, ‘Mai’ y ‘Siempre fui Alex’, como los documentales que han recibido una mención especial, ‘Dobles armarios, dobles apoyos’ y ‘Orgull de Poble’, pronuncian con diferentes tonos emocionales: con pena, con alegría, con resentimiento, con ira, con esperanza, etc… Los cuatro cortos narran historias donde los personajes proclaman la libertad de amar desde la diversidad para hallar la preciada felicidad.

‘Mai’ relata una historia de amor lésbico. ‘Siempre fui Alex“ narra, desde el punto de vista inocente de un niño, la realidad transexual de un personaje llamado Alex. ‘Dobles armarios, dobles apoyos’ trata, a través de diferentes testimonios, de las ”dobles puertas“ que deben abrir las personas de discapacidad intelectual: la primera, que se reconozca su derecho a la sexualidad, y, la segunda, que se acepte su orientación y/o identidad sexual no normativa. ‘Orgull de Poble’ muestra las experiencia de personas lesbianas, gays, transexuales y bisexuales en un pueblo pequeño como Benissa.

Cuatro cortos comprometidos con una causa: visibilizar, sensibilizar y reivindicar la diversidad sexual y amorosa con un aire inocente, sencillo, optimista, feliz y solidario. Un compromiso que potencia el mensaje de la causa en detrimento de la fluidez narrativa, de la profundización en los personajes y de cierta riqueza estética.

En principio, puede ser loable que la representación artística se movilice por un compromiso social, político, etc… Ahora bien, si el compromiso escora la narración hacia la causa, la fuerza del relato se perderá. Difícil equilibro el que debe mantener el artista con su obra y su ideología.

En este sentido, y para terminar, conviene traer a colación las palabras pronunciadas por el recientemente fallecido Juan Goytisolo en el discurso del Premio Cervantes 2014: “No se trata de poner la pluma al servicio de una causa, por justa que sea, sino de introducir el fermento contestatario de ésta en el ámbito de la escritura (…)” para no condenar “a la obra a la irrelevancia”.

Por segundo año consecutivo, Cinema Jove, el festival cinematográfico del Institut Valencià de Cultura, reserva un espacio de su programa a la forma más estimulante de entretenimiento surgida tras la televisión: las webseries. El fin de semana del 24 y el 25 de junio, se proyectará un total de 13 ficciones online procedentes de Argentina, Canadá, Australia, EE.UU., Alemania, Italia, Francia, Reino Unido y Uruguay.

“La idea es ofrecer al público series diferentes, nuevas y de calidad. Lo más relevante de lo último que se ha producido para la red. Muchas de las propuestas todavía no se han estrenado en abierto a través de Internet y están actualmente recorriendo festivales internacionales”, detallan las coordinadoras de la sección, la directora valenciana Ana Ramón Rubio y la actriz y periodista María Albiñana, productoras de la multipremiada webserie 'Sin Vida Propia'.

Un buen surtido viene avalado con reconocimientos en festivales y premios internacionales. 'Discocalypse', 'Perverts Anonymous' o 'Hidden' han ganado galardones en Raindance, Berlin Web Fest, Die Seriale y Vancouver Web Festival. La comedia 'Neems Theme's' llega a la Sección Oficial tras ganar el premio especial del festival de webseries más grande de EE.UU., Los Angeles Web Series Festival, donde ha sido seleccionada directamente por su director, el productor de televisión premiado con un Emmy Michael Ajakwe Jr., para representar a su festival en Cinema Jove.

Entre las producciones, hay dos de directores españoles, Lander Camarero, que ha rodado 'The Coffee Advisors' en EEUU., un falso documental en clave de comedia sobre un tema tan peliagudo como el 11-S, y David Victori, responsable de 'Zero', un proyecto producido por Ridley Scott y Michael Fassbender.

Todo arrancó durante la Bienal de Venecia 2012, en la que el corto 'La Culpa', de Victori, ganó el Your Film Festival, concurso internacional para crear contenido original para Youtube con la ayuda del director de 'Blade Runner' y 'Alien', y el actor Michael Fassbender. El resultado ha sido 'Zero', una serie de ciencia ficción de cuatro capítulos que especula con que la Tierra pierda gravedad de manera progresiva e intermitente.

En su conjunto, y en opinión de las seleccionadoras, el formato de las webseries suele dar como resultado productos más libres: “Tanto porque el acceso a la creación es más democrático que en el cine y la televisión, como por el hecho de no tener que rendir cuentas a anunciantes o cadenas. En la red se tocan temas y se arriesga con géneros que los medios tradicionales tienen miedo de tocar”.

Entre la cosecha recogida en Cinema Jove hay varias visiones catastrofistas del futuro cercano, filias sexuales, comedias policíacas, una comedia navideña y un apocalipsis zombie.

Las obras participantes optan a la Luna de Valencia a la mejor Webserie y el Premio del Público, dotados con 500 y 300 euros respectivamente, así como un premio especial Marseille Webfest, por el que el director del festival más importante de Europa seleccionará una serie web de la Sección Oficial y la incluirá en la selección oficial de su siguiente edición, y el premio de distribución Rockzeline, consistente en un contrato de distribución para la webserie ganadora.

“La nueva generación de espectadores ha incorporado las webseries com alternativa de ocio en todo el mundo. De ahí que Cinema Jove haya decidido apoyar esta sección en su programación, pues tanto por la temprana edad de sus consumidores como por la globalidad del fenómeno, entronca con el espíritu del festival”, considera el director de Cinema Jove, Carlos Madrid.

La línea ejemplar de Flooxer

AtresMedia es, a día de hoy, el único grupo de comunicación que está apostando de forma intensa por las ficciones online en España. Y lo hace a través de su plataforma de contenidos audiovisuales Flooxer. Desde esta ventana al talento de la nueva generación adquiere series ya creadas, rodadas y editadas, y dispone de productores delegados inmersos en procesos de producción de webseries. “De este modo fusionan la forma tradicional de producir contenidos con la fórmula de autosuficiencia que se suele dar en las series web”, explican las coordinadoras de la sección.

De ahí que desde la organización de Cinema Jove se haya decidido dedicar una jornada a su labor, con la programación, fuera de concurso, de sus dos series más exitosas, 'Paquita Salas', primera webserie galardonada en los Premio Feroz en la categoría de series de televisión, a mejor serie, actor protagonista (Brays Efe) y actriz de reparto (Belén Cuesta) -como ya ocurrió con Netflix cuando comenzó a colarse en los Emmy-, y 'Temporada baja', entre cuyo equipo técnico y artístico hay abundante presencia valenciana. La presentación de ambas series contará con la presencia de sus creadores y protagonistas.

Cuitas del sector

Esta edición, además habrá dos mesas redondas para tomarle el pulso al sector en términos de producción y distribución. El 24 de junio, y bajo el provocador título de 'Cómo producir una webserie sin ir a la cárcel', se analizará la tarea espartana de elegir el modelo de financiación adecuado para un proyecto en este formato.

“Product placement, branded content, colaboraciones, pago diferido, crowdfunding, inversores... hay muchísimas opciones, pero al iniciar la producción de una webserie lo más complicado es que el modelo de producción se diferencia mucho del tradicional”, adelantan las programadoras de la sección.

Para debatir sobre la rentabilización y la amortización del formato, estarán presentes la productora de la serie 'Malviviendo' y jurado de la Sección Oficial de Webseries de Cinema Jove, Teresa Segura, la productora de Temporada Baja, María Maroto, y la responsable de desarrollo de producto de Flooxer, Mafalda González.

El domingo, 25 de junio, será el momento de preguntarse si '¿Hay vida después de Youtube?' En esta segunda mesa redonda se expondrá la engañosa creencia entre los creadores noveles de que el proceso de distribución termina subiendo su producto al canal Youtube. Nada más lejos de la realidad. “Ahí es donde empieza la fase más complicada. Si producir una webserie es duro, lo que nadie te cuenta es lo difícil que resulta difundirla. Festivales, plataformas, cadenas, pay per view, publicidad en Youtube o Vimeo... hay muchísimas opciones para distribuir y promocionar un proyecto así, muchísima competencia y una gran cantidad de contenidos web que están buscando su sitio”, certifican Rubio y Albiñana.

Los ponentes de la mesa serán el director de Flooxer, Emilio Sánchez y los miembros del jurado de Cinema Jove Henry Gagnon, director de la compañía canadiense HG Distribution, y Meredith Burkholder, directora de Berlin Web Fest.

Las dos jornadas dedicadas por Cinema Jove a las ficciones online constarán de cuatro cápsulas formativas en las que se abordarán la presencia en festivales, el crowdfunding, iniciativas que pueden llevar al fracaso, “el ABC de las webseries y el XYZ de cómo hacerlas”, con directores de las propuestas seleccionadas a concurso en esta edición.

Webseries a concurso

Noche de paz (Argentina). Esta webserie recorre, con humor e ironía, las preparaciones de los Brunettis para las fiestas de Navidad, fecha en la que las familias latinas se vuelven completamente locas para acertar con los preparativos. Los Brunetti tratarán de sobrevivir, un año más, a un 24 de diciembre en familia en Buenos Aires.

Perverts Anonymous (Canadá). Prudence es una mujer cohibida sexualmente pero abierta intelectualmente que afronta sus inhibiciones en un grupo de terapia para personas con filias sexuales peculiares.

Zero (EEUU). Un padre y su hijo son separados el día en que la Tierra empieza a perder gravedad de manera intermitente. El chico brega con preguntas sobre la muerte de su madre. Su padre intenta encontrarle desesperadamente. Y mientras, el mundo se desmorona a su alrededor.

Restoration (Australia). En un futuro cercano, en el que las personas almacenan sus recuerdos en un disco de seguridad, un hombre se despierta en un cuerpo que no es el suyo.

Discocalypse (Alemania) El joven Zeche se despierta en el lavabo de una discoteca en medio de una mala resaca. Sus recuerdos de los últimos días son un infierno. Junto a sus amigos se ve inmerso en un alocado viaje para salir de una discoteca infectada de zombies.

The Coffee Advisors (EEUU/España). Investigación cómica independiente sobre los sucesos del 11S a través de una serie de ficción.

Hidden (Italia). Cinco desconocidos, Anthony, Verónica, Marco, Cristian y Eleonora, son transportados hasta una mansión en una isla. Desde el mar agitado bajan hasta un pequeño dique escondido en una cueva. Todos aceptaron la invitación a cenar de un misterioso anfitrión. Una vez llegados e instalados, se reúnen en el salón principal, donde todo está perfectamente preparado. Suspicaces y cautelosos, esperan la llegada del patrón, pero nadie aparece. Cuando están a punto de vadear, una voz grabada los clava a la silla: se les acusa de haber intentado, provocado o causado la muerte de alguien. Por este crimen, ahora tienen que morir. Todos ellos.

Dans un autre monde (Francia) 2035, el calentamiento global ha desembocado en una crisis internacional. Mientras la Unión Europea está colapsada, Francia lanza un programa espacial, la misión Última Oportunidad, cuyo objetivo es encontrar una fuente limpia de energía y devolverla a la Tierra. Poco después de un lanzamiento exitoso, los astronautas pierden el conocimiento. Al despertar, todas las comunicaciones con el centro de control han desaparecido. Abandonados a su suerte, deberán descubrir cómo regresar a la Tierra.

Real Cops (Francia). Rodríguez y Pinchon, dos policías de la unidad 411 conocidos por su incompetencia e irresponsabilidad, deben encontrar en 24 horas a la hija de su Capitán, Sabine Marron, secuestrada por su mejor enemigo, “el Babe”. Jackson y Bullock, sus colegas y rivales, están intentando todo lo posible para vencerlos. Un día puede parecer tiempo suficiente, pero su misión podría ser más complicada de lo esperado si un villano aún más peligroso desafía a “el Babe” y secuestra a Sabine una vez más.

1Life (Reino Unido). Son buenos tiempos para Jasper, Barney, Charlie y Max, mejores amigos y co-creadores de 1Life (1vida), la app que revoluciona el modo en que interactuamos con el mundo, mediante la interconexión entre los usuarios en cualquier rincón del mundo. Jasper Court lidera las conferencias de prensa y se convierte en la cabeza pública de la compañía, lo que no sentará bien al resto de los fundadores. Especialmente a Charlie, que teme que las actualizaciones de Jasper terminen siendo peligrosas para las vidas de los usuarios. Cuando 1Life sufre un ataque de seguridad masivo, el mundo entero comienza a desconfiar de la compañía. ¿Será la amistad un suficiente para salvar a los creadores cuando no pueden escapar de lo que han creado?

El maravilloso parque Hoolister (Uruguay): Alina es una chica obsesionada con las novelas policíacas que tiene un problema, trabaja en el parque de diversiones más aburrido del mundo. Su suerte cambia cuando una noche aparece el cadáver de uno de sus compañeros en el parque. Al parecer el parque Hoolister no era ni tan maravilloso ni tan tranquilo después de todo.

Explaining to an alien (Canadá). Esta propuesta explora la relación entre un alien llamado Blorg y dos agentes secretos. Cuando Blorg empieza a hacer preguntas, su encuentro se vuelve un impredecible e hilarante examen de cuestiones humanas, como las citas, la bebida, las celebridades, el tabaco y el sexo. Explaining to an alien es un reflejo de lo que hacemos como humanos preguntándonos el porqué.

Neem’s Themes. (EE.UU). Cada capítulo es un sketch diferente en torno a temas que te harán exclamar para tus adentros, “Oh, Dios mío, yo hice eso”, o “Conozco a alguien que hizo eso”, o “¿Por qué no se me ha ocurrido antes a mí?”. Letras estúpidas de canciones aplicadas a la vida real, tipos vagos… Cada episodio tiene una trama diferente, pero todos tienen un elemento en común: la risa.

Faltan apenas tres meses para que el festival de las artes escénicas de Valencia, Russafa Escènica, celebre su séptima edición, que se desarrollara del 14 al 24 de septiembre bajo el lema 'Caminos'. Este año serán 18 las piezas escénicas que compondrán el cartel del festival (divididas entre El Invernadero, 13 Viveros y 4 Bosques) cuya singularidad, según destacan desde la organización, es la fusión entre profesionales consolidados y nombres emergentes, entre compañías con una larga trayectoria y jóvenes talentos.

Destaca, además, la mezcla generacional en el elenco de actores de las distintas propuestas. Como ejemplo de ello, una de las obras, 'Bienvenido a casa', dirigida por Eva Zapico -nacida como pieza breve en el festival Cabanyal Íntim y transformada en pieza larga para Russafa Escènica- que pone frente a frente en el escenario, junto a Manu Valls, a Juan Mandli y Alejandra Mandli, padre e hija en la realidad y en la ficción.

En esta séptima edición continúa la tendencia que Russafa Escènica inició el pasado año: reducir el número de propuestas en cartel. Una decisión que viene motivada, en primer lugar, para respetar la propia singularidad del festival que, en palabras de Jerónimo Cornelles, director artístico de Russafa Escènica, no es otra que “la posibilidad que tiene el público de abarcarlo todo, gracias a la duración de las obras y a lo reducido de sus precios”. Y, en segundo lugar, para premiar la calidad por encima de la cantidad.

Russafa Escènica, que llegó a programar 30 estrenos absolutos en su cuarta edición recupera ahora, tras una minuciosa selección, la misma cifra de espectáculos que presentó en su segunda cita, en el año 2012. Todo ello al mismo tiempo que aumenta de forma destacable el número de proyectos que se han presentado este año al festival, alrededor de 170, de lugares tan diversos como Madrid, Barcelona, Baleares, México o Argentina.

En esta séptima edición Russafa Escènica se convierte en el primer festival de su categoría que remunera económicamente con un caché fijo a las compañías participantes, lo que supone la consecución de un objetivo que el festival tenía desde que comenzó su andadura en 2011 y que simboliza la dedicación y el esfuerzo por crecer y mejorar. Esta remuneración, que facilita la contratación de los intérpretes, se sumará al porcentaje correspondiente de la taquilla al finalizar el festival, hasta ahora el único pago que percibían las compañías.

Este es uno de los motivos por los que casi la totalidad de la programación -exceptuando una propuesta de circo cuya compañía está formada en Barcelona con intérpretes de Francia y Chile- la forman compañías valencianas, quienes han confiado en Russafa Escènica desde el momento de su creación y hacia quienes el festival dirigirá sus recursos en la presente edición.

En cuanto a los formatos repiten teatro textual, danza, performance y circo, entre otros, y destacan nombres como Carla Chillida, un referente en el teatro político, Eva Bertomeu, reconocida profesional en danza, o Pepa Juan y Laura Useleti, actrices de gran recorrido profesional. Los espacios de representación tanto de Viveros como Bosques se seguirán realizando en espacios no convencionales y privados del barrio.

El proyecto El Invernadero es un taller de creación e investigación gratuito para jóvenes actores y actrices guiado por un profesional de las artes escénicas valencianas. En esta séptima edición será la actriz y directora María José Peris quien dirigirá la propuesta, una metáfora de la situación escénica actual a través de un formato musical abordando cuestiones como el deber de la administración pública ante la cultura, el respaldo de la crítica, el apoyo del público y, en general, la condición de artista.

Tras el taller de creación, la obra pasará a formar parte de la programación oficial del festival como producción propia y se representará, un año más, en la Sala Russafa.

La Universitat de València ha presentado la nueva Aula d’Arts Escèniques. Si hasta ahora, la Universitat ha ofrecido una programación teatral semanal por la que fue distinguida con el Premi Micalet de Teatre de la Generalitat Valenciana a través del Aula de Teatre en 1998, a partir de ahora el Aula de Arts Escèniques amplía la oferta con programación regular de danza y desde la vertiente formativa mediante talleres, cursos y seminarios.

En el ámbito formativo, el Aula d’Arts Escèniques se ha materializado gracias en parte a la colaboración del Institut Valencià de Cultura, que cederá parte de sus instalaciones en el edificio Rialto para acoger las clases de danza para el alumnado de la Universitat. La presentación del Aula se celebró en la Sala Gonzalo Montiel del Centre Cultural La Nau en una rueda de prensa con las intervenciones del vicerrector de Cultura e Igualdad de la Universitat de València, Antonio Ariño; Laura Monrós directora del Aula de Artes Escénicas de la Universitat y Roberto García, dirección adjunta de Artes Escénicas del Institut Valencià de Cultura.

Con plena voluntad de trabajar en el mundo de la danza de manera continuada y de dar a conocer la danza no solo como un arte y un espectáculo, sino también como un medio de crecimiento, surge esta nueva área de danza de la Universitat.

La actividad del Aula d’Arts Escèniques se estructura en talleres impartidos por maestros y coreógrafos profesionales -para los próximos dos años Yoshua Cienfuegos y Maynor Chaves-, que además de impartir danza al alumnado de la Universitat de València, profundizarán en cuestiones más técnicas como la creación de espectáculos, producción y gestión de artes escénicas, creación de vestuario, escenografía, dramaturgia de danza... En este punto, el área de danza colaborará con alumnos de otros departamentos de la Universitat y otras escuelas en estas disciplinas, como la ESAD, la Escuela de Diseño o el Conservatorio Superior de Música de Valencia.

Aparte de los talleres y las muestras, el Àrea de Dansa promocionará la danza en la Universitat más allá de la vertiente formativa, ya sea a través de charlas, conferencias, programación de espectáculos de danza y video-danza en la Sala Matilde Salvador de la Nau abiertas para todos los públicos.

Tanto Antonio Ariño como Roberto García se felicitaron por que la Universitat haya dado el paso de constituir una sección de danza propia, porque si bien la institución ya programaba espectáculos y apoyaba festivales, estimular la creatividad artística es una de las funciones insoslayables de las universidades, que son también, según recordó el vicerrector “laboratorios de innovación cultural además de estimular la razón crítica y la divulgación científica”. “La apuesta por la danza se convierte en una actuación para crear ciudadanos sensibles, además de críticos, otra de las grandes misiones de la Universidad”, añadió García.

El Rialto, como espacio de danza

La colaboración con el Institut Valencià de Cultura se formalizó este martes 6 de junio, por la que desde la Dirección Adjunta de Artes Escénicas se ha establecido que se cede un aula del edificio del Rialto, para la realización de las clases de danza del Aula d’Arts Escèniques de la Universitat en horario de 18 a 20 horas, los martes y los jueves, del 17 de octubre de 2017 hasta mayo de 2018.

De acuerdo con Laura Monrós, el objetivo es incorporar la danza en la Universitat como hay de otras disciplines artísticas (teatro y música) entre el alumnado de la institución. La proximidad del edificio Rialto y el Centre Cultural de la Nau de la Universitat de València es de vital importancia para el buen desarrollo del trabajo y el surgimiento de sinergias entre los dos organismos.

Dos proyectos diferentes con un nexo común: cierta metodología de trabajo que contempla la opinión del otro para la formalización objetual de la obra. Tanto Andrea Zaragoza como Javier Cillero han recurrido a la(s) entrevista(s) para la elaboración de sus respectivos, y bien diversos, productos artísticos. Ambos pues, tuvieron que acometer un trabajo de campo que no contemplaba la producción de un objeto que se encontrara predeterminado, como suele ser habitual en la mayoría de artistas.

El trabajo de Javier Cillero nos sitúa ya desde su mismo nombramiento, 'Amor', y su objetivo es reflexionar, desde la más pura contemporaneidad, en torno a este concepto sobre el que todo el mundo tiene opinión. Cillero quiere, ante todo, tratar de entender cómo se formaliza y constituye el amor, un concepto que semánticamente ha evolucionado mucho en muy poco tiempo. Así, analiza y estudia algunas de las posibles formas de amor que se encuentran muy lejos de las maneras tradicionales (y conservadoras) de entenderlo. Por eso rastrea en relaciones que entienden el amor -y/o la familia en tanto que núcleo derivado del amor- a partir de conceptos tan diversos como significativos: poliamor, relaciones abiertas, familias homosexuales, anárquicas, interraciales, polifidelidad, trimonios, círculos matrimoniales, etc.

Por su parte Andrea Zaragoza bucea en torno al concepto de amarillo. Según la propia Andrea todo el mundo sabría describir lo que significa “la vida en rosa” y por eso se pregunta (y pregunta a sus entrevistados) ¿sabríamos describir con la misma contundencia lo que significa “la vida en amarillo”? Tras una laboriosa investigación acerca de dicho color Andrea Zaragoza planifica y lleva a cabo una serie de entrevistas de las que extraerá la información necesaria para poder formalizar sus serigrafías digitales. Por tanto su producto, también, vendrá determinado por esas entrevistas. Concretamente por una palabra clave extraída de cada una de ellas.

De alguna forma, y aún en su diversidad, ambos trabajos tienen en común su aspecto sociológico y antropológico. Y también ambos formalizan “sus” conclusiones en tradicionales formas de expresión: fotografía, ilustración y texto. Aunque es en las peculiares características instalativas donde, de nuevo ambos pero cada uno a su manera, nos muestran las conclusiones de forma tan definitoria como eficaz.

El Festival Internacional de Cine de Valencia, que se celebra entre el 23 de junio y el 1 de julio y tiene como objetivo principal la promoción de la obra de jóvenes cineastas de todo el mundo, contará con la presencia del cineasta argentino Pablo Trapero, a quien se le otorgará la Luna de Valencia y se le dedicará una retrospectiva de toda su filmografía (incluida 'Nacido y criado', de 2006, inédita en nuestro país).

El cineasta, nacido en San Justo (Argentina) en 1971, ya obtuvo eco en el certamen cuando sus dos primeras películas, 'Mundo grúa' y 'El bonaerense', fueron proyectadas en la edición de Cinema Jove de 2003 (dentro de un ciclo dedicado al entonces pujante cine del país austral, cuya nueva hornada gozaba de una importante proyección exterior). El 23 de junio recibirá la Luna de Valencia, y el 24 charlará con el público que asista a la proyección de 'El clan' (2015), su más reciente película y la de mayor proyección internacional, en la sala Berlanga de la Filmoteca.

Coetáneo de Lucrecia Martel, Martín Rejtman, Adrián Caetano y otros jóvenes directores que comenzaron a despuntar desde Argentina a finales de los 90 y principios de los 2000 (en medio de una situación económica más que complicada), Trapero ha trazado desde entonces una trayectoria en curva ascendente, con títulos como 'El bonaerense' (2002), 'Nacido y criado' (2006), 'Leonera' (2008), 'Carancho' (2010), 'Elefante blanco' (2012) o 'El clan' (2015). Esta última, León de Plata al mejor director de la Mostra de Venecia y premio Goya a mejor película iberoamericana, supuso la consagración a nivel internacional para una filmografía que se mueve con pulso firme entre la crónica social sin concesiones y un costumbrismo de género, que pone de relieve la problemática de las clases más desfavorecidas en la historia reciente de su país.

El Festival Internacional d’Arts Escèniques Tercera Setmana, que se celebrará entre el 8 y el 18 de junio, presenta el cartel de su segunda edición. La imagen ha sido creada por Yinsen Studio, de Vila-real. Una elección nada casual porque a pesar de tratarse de una empresa relativamente joven, ya acumulan un notable palmarés de premios y distinciones. Además, muchos de los trabajos que han desarrollado están vinculados a las artes escénicas, con diseño e identidad gráfica para festivales escénicos, compañías y certámenes.


Yinsen Studio, formado por María Pradera y Lorena Sayavera, se han decantado por el color rosa “después de barajar varias opciones, debido a que fue uno de los colores corporativos utilizados en la primera edición del Festival, y lo hemos usado en esta segunda edición como color protagonista en todas las aplicaciones a modo de seña de identidad. También hemos respetado la tipografía corporativa para los titulares en toda la comunicación siguiendo con la marca de Tercera Setmana.

Todo en su conjunto crea una imagen fresca, sugerente y contemporánea que esperamos atraiga la atención del público para interesarse por el Festival“, explican las diseñadoras.
Dos bombines son los protagonistas visuales del cartel, planteado, según las palabras de sus creadoras, como ”un juego de poesía visual donde se combinan elementos para crear una suma de significados. Hemos utilizado el bombín como un objeto fácil de asociar con las artes escénicas por la gran mayoría de personas. La composición simétrica de dos bombines se completa con las efes de un violín, dando valor a la música como un factor fundamental en cualquier espectáculo.

La suma de estos elementos, música y teatro, crea una forma abstracta que representa una mariposa como símbolo central, creando una imagen magnética y visualmente potente que invita a la imaginación“.
Las diseñadoras han tenido muy en cuenta que Tercera Setmana ”tiene un programa muy heterogéneo para llegar a públicos muy diversos por lo que el tema común debía girar en torno a las artes escénicas intentando llegar a un gran número de personas. Para representar artes escénicas en un sentido tan amplio de una forma original recurrimos a la pregunta ¿qué tienen en común las artes escénicas? La respuesta, es que los actores se transforman en otros para dar vida a sus personajes, sufren una metamorfosis en cada actuación, y así llegamos al concepto de mariposa como elemento universal de transformación“.

El resultado final, como apunta Salva Bolta, director de Tercera Setmana, “surge de un encuentro creativo, un diálogo interesante en el que ellas, como creadoras han requerido la información precisa para recoger las necesidades del encargo y devolver una propuesta que reuniera forma y sentido”.

Yinsen Studio es un equipo creativo formado por María Pradera y Lorena Sayavera con reconocimientos nacionales e internacionales que avalan su manera de entender la comunicación gráfica. Entre sus trabajos destaca su vinculación con la cultura y en especial con las artes escénicas. Han diseñado durante las últimas cinco ediciones la imagen del FitCarrer, Festival Internacional de Teatre de Carrer de Vila-real, la imagen para la Gran Fira de València 2016, además de un gran número de proyectos relacionados con el teatro, el circo y la danza.