Un melocotonero en flor sobre un cielo azul ha sido la fotografía ganadora del concurso organizado por la revista Replika al que han optado cerca de 200 instantáneas. Su autor, David Ríos, realizó la foto con su móvil -requisito del concurso- en la villa cacereña de Aldeanueva de la Vera, muy cerca del valle del Jerte. El jóven de 25 años y aficionado a la fotografía participó animado por un amigo, así que compartirá el premio, un viaje para dos personas a Canarias cortesía de Viajes Eroski, con él.

Una viñeta publicada en la revista 'Replika' y creada por Lilla.

Hoy me van a permitir que me ponga un pelín nostálgico y que les hable de uno de los tebeos icónicos de mi infancia (y supongo que de la infancia de todos los viejunos de mi generación): El Corsario de Hierro. Ya les veo a todos ustedes frunciendo el ceño y diciendo: “oh, no, otra batallita del abuelo Cebolleta enjaretándonos una historia de espadachines apolillados”. Ya, ya sé que esto les suena fatal, a aquellos tebeos de posguerra tipo 'Guerrero del antifaz' o 'Roberto Alcázar y Pedrín', a meriendas de nocilla y mortadela, pantalones cortos y tele con dos (créanme) canales. Y algo de esto hay. Entonces, dirán: ¿por qué diablos no nos escribe un monográfico sobre Eichiro Oda? ¿O sobre Masashi Kishimoto? Bueno… ya llegará. Pero hoy me apetece contarles la historia de este osado pirata. Complázcanme.

Les cuento, Victor Mora Pujadas (Barcelona, 1931) comenzó en esto de la historieta en 1948 guionizando un engendro llamado 'El dr. Niebla', durante algunos años escribió aventuras gráficas puramente infantiles como 'Al Dany', hasta que recaló en la archiconocida editorial Bruguera, por entonces la máster del entretenimiento juvenil patrio. Allí, creó en 1956 un personaje mítico de la cultura popular: el capitán Trueno. Este tal Trueno, era un caballero medieval (español, faltaría más) que tras guerrear en la tercera cruzada viajaba por el mundo (conocido) enmendando entuertos y apiolando sarracenos. Siempre acompañado de sus dos inseparables compañeros, un coloso de fuerza descomunal -Goliat- y un adolescente bastante equívoco -Crispín-. Para trasladar a imágenes las historias de este extraño trío, la editorial impuso a uno de sus dibujantes residentes: Miguel Ambrosio Zaragoza (1913-1992), más conocido como Ambrós era un profesor republicano con ínfulas de pintor, que, debido al ambiente político de la época, había terminado ilustrando vidas de santos y unos tebeos sobre un ignoto personaje llamado 'El caballero Fantasma' (La verdad es que no se comían mucho la cabeza para elegir títulos, no).

Así, en el 56, este tándem de titanes, comenzó a publicar las aventuras del capitán Trueno, convirtiéndose inmediatamente en un fenómeno de masas, alcanzando una tirada semanal de 350.000 ejemplares. El éxito (moral, que no económico) se mantuvo durante algunos años, tras 175 álbumes, Ambrós, cansado intentó retomar (sin éxito) su carrera como artista plástico y se marchó a Francia.

Mora procuró reverdecer viejos laureles creando otro personaje para Bruguera: 'El Jabato'. Este tal Jabato era un guerrero del siglo I (íbero, faltaría más) que tras pelear contra el imperio romano viajaba por el mundo (conocido) enmendando entuertos y apiolando romanos. Siempre acompañado de sus dos inseparables compañeros, un coloso de fuerza descomunal (Taurus) y un escuálido poeta griego (Fideo de Mileto, feo y de mediana edad, nada de muchachos imberbes que hicieran sudar a los censores). Esta vez a los pinceles le acompañó Francisco Darnís, perdiendo muchísimo con el cambio de dibujante, por lo que la serie no obtuvo, ni de lejos, la popularidad de su predecesora.

El caso es que Ambrós regresó de su periplo francés bastante escarmentado y en 1970 fue de nuevo acogido por Bruguera, reuniendo de nuevo a nuestros dos autores y encargándoles una nueva serie (y ya vamos llegando). Mora debió pensar que si algo funciona para qué cambiarlo, así que creó un nuevo personaje: 'El corsario de Hierro'. Este tal Hierro, era un pirata del siglo XVII (español, faltaría más) que tras pelear contra una flota de esclavistas británicos, viajaba por el mundo (conocido) enmendando entuertos y apiolando británicos. Siempre acompañado de sus dos inseparables compañeros, un coloso de fuerza descomunal (Mac Meck) y un escuálido mago italiano (Merlíni). Ya teníamos nuevos personajes (¿Nuevos? ¿Qué me he perdido? ¡¡¡Si son los mismooooos!!! Se estarán diciendo ustedes... Pues no, ya lo verán). Y así, el 16 de noviembre de 1970, la nueva serie vio la luz en las páginas del semanario de humor 'Mortadelo'. Como ya habrán adivinado, la cosa va de piratas. El temible y cruel pirata conocido como la Mano Azul ataca un navío (español) y asesina a toda la tripulación. ¿A toda? No, el joven hijo del capitán escapa por los pelos de una muerte atroz y es recogido en alta mar por una señora (conocida como la vieja Dama del Mar) quien posee una base secreta en las costas africanas desde la que lucha denodadamente contra el tráfico de esclavos. Allí educa al muchacho como si fuera su propio nieto hasta que este se convierte en un hombretón hecho y derecho (en nuestro héroe, claro). Al crecer, el joven corsario (es curioso, nunca se llega a mencionar su nombre a lo largo de toda la saga) jura vengarse por la muerte de su padre y comienza una endiablada persecución contra el pirata Mano Azul. Tarde, Mano Azul se ha reformado convirtiéndose en Lord Bemburry, un noble favorito del rey Carlos II dedicado ahora a negocios legales, aunque inmorales. A pesar de todo, nuestro joven protagonista dedicará todos sus esfuerzos a hacer la vida imposible al anciano truhán.

Aunque el 'leit-motiv' que mueve a nuestro héroe sea en principio la venganza, en sus periplos nunca dejará de luchar incansablemente por la equidad y la justicia. Sus valores (piensen que se trata ante todo de un caballero español) son los de un hombre honorable y representa como ningún otro personaje de ficción la nobleza, la gallardía y el ímpetu de un justiciero carismático (aunque a veces nos resulte también un poco…. ingénuo). Le acompañan como ya he dicho, un enorme pastor escocés (Mac Meck) noble y fiel, aunque arrastra algún trauma infantil, ya que sueña constantemente con que su mamá le propina azotainas y además le invade una furia ciega cuando alguien osa mencionar su 'kilt'. Y Merlíni, que sueña con ser un gran alquimista, pero no pasa de ser un frustrado ilusionista, sus 'giocco di mani' suelen terminar en tragedia, sobre todo para él.

Si normalmente un héroe se mide por la talla de sus villanos, el corsario es un gigante, pues sus adversarios son muchísimos y de lo más variopinto, desde lord Benburry, inmoral, gotoso y relativamente cómico, hasta Sinaú de Esmirna, un nigromante con terribles poderes hipnóticos pasando por Hassan el eunuco, cuyo refinamiento para inventar suplicios no tiene parangón. O Turján Pachá o il condottiere nero o el boyardo Tamaroff (qué nombres tan maravillosos) todos ellos dotados de una crueldad sin límite (uff, cuantos niños traumatizados por estos personajes…).

Naturalmente, también conoceremos a lo largo de la saga un puñado de mujeres que (como no) se enamorarán perdidamente de nuestro héroe. Lady Roxana, sobrina de Benburry y representante del tipo “virginal que espera paciente el regreso de su chico” Bianca di Orsinni, princesa veneciana, cortesana, duelista del tipo “yo digo cuando y como”, la capitana Dagas, una mujer pirata de armas tomar con sentimientos ambivalentes hacia Hierro, la bella Djiamba, esclava liberada por el corsario y eternamente agradecida, o la nativa americana Colibrí, destinada a casarse con nuestro prota, pero rechazada al fin (con mucha mano izquierda claro). Ya ven, los tiempos estaban cambiando y los personajes femeninos ya no eran esas mojigatas temerosas a las que nos habían acostumbrado sino mujeres capaces de tomar la iniciativa e incluso de resolver por ellas mismas algunas situaciones peliagudas.

De todos estos secundarios fantásticos, mi favorito siempre fue Des Brieux, lugarteniente de la capitana Dagas, enamorado hasta las patas de su capitana, pero incapaz de expresarlo, aguantando estoicamente todas las humillaciones de las que ella le hacía objeto, ufff.

Mora estaba pletórico, y demostró que todos sus trabajos anteriores no habían sido más que una especie de entrenamiento para llegar a la excelencia. Sus historias rebosan acción, aventuras y pasión, y sus personajes, aún los más anecdóticos están llenos de matices y humanidad. Sin embargo, es Ambrós el que demuestra aquí que su creatividad es inabarcable, sus dibujos, de un dinamismo envidiable, poseen un lenguaje cinematográfico pocas veces visto en el mundo de las historietas. Sus escenas de acción son trepidantes, sus hallazgos visuales espectaculares, desde las batallas navales hasta los duelos con espada, desde la ambientación de época hasta y sobre todo, el trazo de los personajes, que es lo que al final hace de esta serie una maravilla de belleza, su peculiar forma de retratar los sentimientos humanos en los rostros de los personajes es apasionante. Se puede decir que son personajes “vivos”. En fin, no sigo que me emociono.

La serie se publicó casi ininterrumpidamente durante (agárrense) 11 años. Casi al final, Mora pasó el testigo a otros guionistas como Juan Manuel González Cremona o Jose Luis Barón Sese, el nivel, naturalmente cayó en picado. Además, Ambrós ya empezaba a dar síntomas de su enfermedad y esto hizo que los dibujos se resintiesen también drásticamente.

En fin, una serie que merece una reedición en condiciones (con otros colores, no la cuatricromía típica bruguera y con los textos escritos a mano, no 'typewriting') para poder ser paladeada como se merece, una y otra y otra y otra vez…

* Iñigo Yarza es dibujante de cómics.

El Salón del Cómic vuelve del 22 al 24 de noviembre a Getxo en su duodécima edición para acercar a los aficionados el mundo de la viñeta durante tres jornadas en las que el cómic será el protagonista absoluto. En esta ocasión el Salón homenajeará a uno de los historietistas más afamados del panorama español, JAN, creador del conocido personaje Superlópez y también popular por su trabajo en la serie infantil “Pulgarcito”. Junto con el veterano artista leonés, también recibirá el reconocimiento del Salón el divulgador guipuzcoano Luis Gasca, autor de diversos ensayos sobre el noveno arte e impulsor de diversas iniciativas relacionadas con el mundo del cómic.

Pero la lista de artistas que acudirán a las diferentes actividades programadas es larga, porque como es habitual Getxo recibirá a reconocidos artistas, varios de ellos de prestigio internacional, que participarán en charlas, presentaciones y, cómo no, en los esperados turnos de firmas, donde los aficionados pueden conocer de primera mano a sus autores favoritos. En esta ocasión estarán en el salón autores como el canadiense Guy Delisle, internacionalmente conocido por sus novelas gráficas de humor; el británico Bryan Talbot, ganador de galardones como el prestigioso premio Eisner; Alfonso Zapico; David Rubín, Raquel Córcoles y Juan Luis Landa.

Abrirá el periplo de exposiciones la muestra de los Premios de Cómic e Ilustración de INJUVE, que reúne trabajos de 18 artistas con una notable proyección y exponentes de las últimas tendencias artísticas del sector. En el Puente Bizkaia se instalará “1512: In Memoriam”, del ilustrador Juan Luis Landa, dedicada a la conquista de Navarra. Por su parte, en los bares Jai Alai y Glass de Las Arenas se mostrarán los trabajos de fantasía hiperrealista de Sarima y las creaciones de animación de Patxi Peláez, respectivamente.

La carpa del Salón del Cómic contará con cuatro muestras. En “Beowulf”, el autor del cartel del Salón, David Rubín, presenta las planchas de su nueva novela gráfica, inspirada en el célebre poema épico. En “Comics, Manga & Co.” se muestra el trabajo de dos generaciones de autores alemanes que apuestan por desarrollar una nueva cultura del cómic en su país. “Modernadepueblo” tiene como eje el personaje autobiográfico de la ilustradora Raquel Córcoles y su visión cómica e inteligente de la sociedad actual. Completan el programa de exposiciones los trabajos editados por Colectivo Ultrarradio, que publica obra gráfica y cómics de talentos jóvenes y no tan jóvenes.

A todo ello se suman las presentaciones de novedades, a cargo de editoriales y autores, que ocupan otro lugar importante en el Salón. No hay que olvidar tampoco las charlas y mesas redondas que tendrán lugar a diario en el salón de actos, ni las proyecciones cinematográficas.

Siempre pensé que el único que podía expresar el sentimiento del Blues sobre el papel era Robert Crumb, pero fue grato reconocer mi error al leer la obra del reputado autor francés Frantz Duchazeau, el cual dibuja y escribe dicho comic sobre las vivencias del ficticio bluesman Meteor Slim. Editado en el 2009 por la editorial Ponent Mon.

“El Sueño de Meteor Slim”, es un comic que destila blues por los cuatro costados y su calidad grafica es de un blanco y negro que nos evoca las viejas grabaciones de blues de sucio y áspero sonido, donde Frantz Duchazeau no se para en describirnos detalles lo que el captura es la atmósfera, el ritmo lento del campo y los polvorientos caminos por donde Meteor viaja rumbo a la gran ciudad soñando con el éxito, la oscuridad y la soledad del hombre que a cada paso pierde las ilusiones y se hunde en un abismo de alcohol y sexo vano de humanidad, los garitos donde escupe sus canciones y suele acabar peleándose con publico y dueños, la soberbia que le impide aprender de los mas veteranos y su ineptitud para aprovechar las oportunidades que le brindan, el racismo encubierto de los productores de los sellos discográficos que explotaban a los músicos y les mal pagaban (si les pagaban!). Así ilustra Duchazeau su obra, sin vueltas atrás, con trazo duro y sin adornos ni florituras, a las veces sus viñetas son limpias de compás pausado y luminoso que recuerdan al apacible Mississippi John Hurt y en otras el pincel lo convierte todo en rudas y oscuras sombras que evocan al atormentado Son House.

Y es que las vivencias de Meteor Slim son un compendio de figuras míticas del blues, ya desde la portada del comic donde lo vemos posar con su disco roto (una hermosa metáfora de lo que seria su vida), inspirada en la foto que se realizo Muddy Waters el día que recibió su primera grabación, se puso su mejor traje una corbata e inmortalizo el momento como respuesta a la intención que tenia de abandonar y volver a las plantaciones de algodón. Otro guiño es el momento en que Meteor abandona en plena actuación ya descontento de todo, algo así hizo Skip James, el bluesman que se ganaba la vida como contrabandista de alcohol y uno de los músicos mas versátiles de su época, famosas son sus sesiones de 1931 tanto con guitarra como acompañado por el piano y que harto de la industria y la mala vida, lo abandono todo para hacerse Pastor Baptista y desaparecer durante mas de 30 años, hasta que en 1964 reaparecería en el Festival de Newport, comenzando el concierto con aquella celebre frase: “Preferiría ser el Diablo, a ser el hombre de esa mujer” y aunque la figura de la mujer en el Blues, siempre son calificadas de malvadas y crueles, en realidad, en muchas letras, la imagen de la mujer es una metáfora hacia los dueños blancos de las plantaciones, si les diera por decir que el Patrón era violento e inhumano, al amanecer aparecerían ahorcados.

Pero Meteor tiene compañeros en esta aventura. Son finales de los 30, el padre del Delta Blues Charley Patton ha fallecido y Robert Johnson recoge el relevo, aun siendo un secundario sus apariciones eclipsan a Meteor, nada nuevo aporta Duchazeau sobre Johnson, pero sabe sacarle partido a su leyenda. Otros personajes son Big Bill Broonzy, Jhonny Shines, compañero de correrías de Johnson, amistad que eclipso su carrera y harto quedo Shines de que siempre le preguntaran por el, Bessie Jackson y J.B. Lenoir, este ultimo en forma de canción ya que Lenoir pertenece a los años 60, un hombre encaminado a renovar el blues con letras mas comprometidas política y socialmente, pero un mortal accidente frustraría su emergente carrera.

“El sueño de Meteor Slim”, es una obra excepcional tanto gráfica como documental sobre la historia del Blues, sean amantes del género como iniciados sirve para ver la dureza de aquella vida.

*Javi Prieto es dibujante de cómics.

Pocas veces se puede afirmar contundentemente que una de las bellas artes nació un día en concreto, porque….veamos, ¿qué día nació la pintura? ¿Y la escultura? ¿O incluso el cine?…normalmente se tienen que conjugar muchos factores para poder afirmar que un arte ha nacido como tal. Sin embargo, si que podemos asegurarlo respecto al llamado 9º arte. Si, amigos, el cómic nació exactamente el día 16 de febrero de 1896. Aquel glorioso día un simpático loro exclamaba desde las páginas del dominical del New York World: “sic em towser!” naciendo así unos de los más populares medios de expresión del siglo XX y por supuesto, del XXI. Porque…. ¿quién no ha leído un tebeo alguna vez en su vida? ¿Quién no conoce personajes ya míticos en la cultura popular como Superman o Tintín?

Comprendo que ustedes, tremendos conocedores del medio, me refutarán tan arriesgada afirmación. Me parece estar oyendo ya sus vocecillas de 'hipsters' resabidillos recordándome a Töpffer o a Bush por ejemplo, quienes ya utilizaban las técnicas del arte secuencial unas décadas antes; bien, pues dejen que me explique.

El arte secuencial, o la narrativa gráfica o el cómic o las historietas, o como diablos quieran llamarlo ya existía desde el principio de los tiempos. Los relatos hechos con series de dibujos se remontan a la antigüedad, ya en Egipto las pinturas murales servían para relatar las hazañas de sus faraones, los relieves romanos ensalzaban a sus héroes, en la Edad Media se pintaban frescos para explicar pasajes bíblicos, etc. Todos estos ejemplos bien pueden entrar en la definición de lo que conocemos como cómic. En fin, que “monitos” (como se les conoce en Méjico) o “muñequitos (Cuba) o tebeos, han existido siempre, aunque de un modo muy arcaico y primitivo. No fue hasta la llegada de su adorado Rodolphe Töpffer que comenzaron a tomar la forma definitiva como los conocemos ahora.

Töpffer (Ginebra 1799-1846) fue profesor, escritor, pintor y caricaturista, y si, también hoy está considerado como el padre de la historieta moderna. En 1827, con cierto afán pedagógico, creó para sus alumnos un album titulado “Les amours de monsieur Vieux-Bois”. Quedó tan contento con la experiencia, que dos años después le seguiría “Voyages et aventures du Dr. Festus”, alabado incluso por el mismo Goethe, quien le aconsejó su publicación. (Cosa que hizo naturalmente bajo seudónimo, pues no quería que su carrera como escritor se viera empañada por su trabajo como historietista). Así editó “Histoire de monsieur Cryptogramme” (1830), “Histoire de monsieur Jabot” (1831), etc .Tal fue el éxito de sus dibujos, que pronto su obra sería traducida y editada en otros países (de forma pirata, pues entonces aún no funcionaba la SGAE) donde se repitió el éxito que había tenido en su país. Al final de su vida, comprendiendo por fin la importancia de estas creaciones, escribió dos tratados donde terminaba defendiendo la narrativa que había inventado, por la cual se le recuerda hoy en día. Sin embargo, las historietas de Töpffer, no pasan de ser unas caricaturas satíricas influenciadas por Hogarth y por Rousseau, donde los textos se incluyen bajo las viñetas, en una celdilla explicatoria. Tras Töpffer, el alemán Wilfred Bush (1832-1908) o el francés Christophe (1856-1945) produjeron historietas gráficas narradas con dibujos, pero siempre colocando los diálogos bajo la viñeta, en esos pequeños bloques, que no facilitaban en absoluto la lectura de sus historias. Había autentica necesidad de avanzar en el lenguaje de los cómics.

Y por fin (sí, amigos, ya vamos llegando) ocurrió. Siguiendo los pasos de estos caricaturistas satíricos, el estadounidense Richard Felton Outcault (1863-1928) había publicado una serie de viñetas políticas en la revista “Truth” durante el período de 1894 al 95, con tanto éxito, que el periódico que editaba Joseph Pulitzer por aquella época, el New York World, se interesó por su trabajo y comenzó a publicar sus enormes viñetas en su revista dominical World Funny side el 17 de febrero de 1895, ganando enseguida una gran popularidad entre sus lectores, por lo que a partir del 5 de mayo de ese mismo año comenzó a publicarse en color. La serie se titulaba 'At the circus in Hogan´s Alley' y en ella Outcault presentaba una serie de personajes típicos de los bajos fondos neoyorkinos, pobres, hambrientos y desarrapados- De entre ellos, pronto destacó uno, un muchacho llamado Mickey Dugan, medio irlandés medio chino, quien vestido únicamente con un enorme camisón amarillo (en sus comienzos azul) se convirtió enseguida en el favorito del publico pasando a ser conocido únicamente como “The yellow kid”. La peculiaridad de este chico amarillo era que sus reflexiones se veían escritas en su holgado camisón (adelantándose así también a los mensajes que ahora lucen todos uds. En sus 'T-shirts') frases impertinentes y audaces que iban cambiando de una viñeta a otra. Outcault estaba a un paso de dar con la piedra angular de este arte: el globo o bocadillo, a partir de ahora 'balloon' (porque reconozcan que sus acepciones castellanas suenan fatal).

Así, solo era cuestión de tiempo que cualquiera de los personajes de Hogan´s Alley se pusiera a hablar espontáneamente y eso es precisamente lo que sucedió con el loro del que les hablaba al principio cuando exclamó aquel mítico 16 de febrero su famosa frase. Había nacido el cómic tal y como lo conocemos ahora.

Tampoco crean que a partir de entonces todo fue miel sobre hojuelas, la idea del 'balloon' no le pareció demasiado buena a su creador y apenas volvió a usarla ocasionalmente, parece ser que le hacía más gracia seguir escribiendo sus ocurrencias sobre el camisón del 'yellow kid', sin embargo el germen ya estaba inoculado y si a su creador solo le parecía una anécdota… siempre hay alguien con más visión que se da cuenta de las posibilidades del invento, y ahí estaba (no se lo creerán) William Randolph Hearst (sí, sí, el mismo excéntrico multimillonario retratado tan cruelmente como el 'Ciudadano Kane' de Orson Welles).

Así, Hearst, ni corto ni perezoso, contrató para su periódico (el N.Y. Journal) a toda la plantilla al completo del World Funny Side de Pulitzer, para lanzar un suplemento dominical llamado American Humorist. Naturalmente, el disgusto de Pulitzer fue morrocotudo, y acabaron en los tribunales, quienes dictaminaron que la serie Hogan´s Alley pertenecía a su periódico, pero los personajes (incluyendo al dentudo amarillo) pertenecían a su autor. Esta sentencia provocó que el personaje apareciese a la vez en los dos dominicales, pues Pulitzer contrató a George Lusk para continuar el trabajo de Outcault. Toda esta guerra entre editores por el personaje, dio nombre a lo que hoy conocemos como prensa amarilla.

Así, Outcault cambió el título de la serie por 'Mcfadden´s Row Of Flats' (incluso más tarde por 'Around the world with the yellow kid') y, convencido por Hearst, comenzó a dibujar al personaje en una serie de viñetas secuenciadas, no en una enorme y única como hasta entonces, incluyendo los 'balloons' de diálogo dentro de las mismas.

Durante los dos siguientes años, 'the yellow kid' se convirtió en el personaje más popular de la prensa neoyorkina, apareciendo en todas las portadas del dominical de Hearst (y del de Pulitzer, claro). El final de la serie es bastante anecdótico, Hearst sabía de sobra que la mejor manera de vender periódicos era (igual que hoy) una buena guerra, así que influyó todo lo posible para conseguirla, manipulando a la opinión pública (igual que hoy) para que odiasen a un pequeño reino europeo que, para Hearst era el eje del mal (¿les suena?), así Hearst convenció a sus lectores de que ese pequeño reino representaba una terrible amenaza para la seguridad de los EE.UU. y consiguió su pequeña guerra. Por desgracia, la primera victima colateral de este conflicto fue el propio 'yellow kid', pues el color amarillo que le caracterizaba recordaba bastante a la bandera del enemigo, y los lectores comenzaron a desconfiar de este personaje. Asi, en 1898 el 'yellow kid' pasó a la historia (o a la historieta como prefieran) y fue cancelado de la noche a la mañana. Outcault siguió dibujando otras series (con bastante menor éxito) como Búster Brown y por fin, en 1920 se retiró a Flushing N.Y. donde moriría ocho años después sin ser consciente del todo de que había inventado un nuevo lenguaje que revolucionaría el arte popular. (Por si no lo he mencionado antes, ese pequeño reino que fue pateado por los bravos 'marines' fue, ya se lo habrán imaginado, España).

* Iñigo Yarza es dibujante de cómics.